"Aquí me pongo a cantar con respeto y con cariño a mis hermanos y a / mi pueblo, quienes como yo, sufren en este suelo tan nuestro Perú / aquí me pongo a cantar al compás de mi guitarra los / dolores que desgarran, que desgarra mi corazón. (bis) / Al hombre que lo desvela una pena extraordinaria / como el ave solitaria, con su cantar se consuela. (bis) / Siento de ver a mi patria en mano de los burgueses, / caramba qué de reveses los pobres hay que soportar. (bis) / mientras que los oligarcas protéjense con fusiles los / pobres mueren a miles de hambre, sed y sin hogar. (bis) / Pariñas y Toquepala, Talara y Cerro de Pasco, / Pomalca, Puno y el Cusco sufriendo están, ay, como yo. (bis) / despierta pueblo, despierta, en mi ignorancia lo explico,/ más ya no adules al rico, y lucha por tu libertad. (bis) / arriba, arriba patria querida, / y los peruanos de corazón no permitamos la / mala vida, la mala vida de la nación. (bis) / libertad, libertad... / libertad para mi patria."
Tras 45/50 años de cultura chicha en nuestro país y con ejemplos como Chacalón, los Shapis, Rossy War, Dina Páucar, Misterio, las barras bravas o el Grupo 5, ¿como sociedad hemos avanzado hacia un entorno algo más libre o más bien estamos inundados de achoramiento, banalidades y estupideces por todos lados?
¿Qué nos dicen Cuevita, Beto Ortiz y sus programas cada vez más execrables, Combate/Esto Es Guerra, Santa Gisela Valcárcel. Magaly o la Chola Chabuca? Acaso no es modelo de los más jóvenes gente tipo Oropeza y por ende una de las expresiones chicha, el achoramiento, sea potenciada en las innumerables extorsiones y los encargos de acribillar por 300 soles que hasta infantes de 12 años ejecutan? ¿Acaso el común de los jóvenes al tener vacía y seca la mente a lo que primero que aspira es a fornicar con su "jermita" y termina esclavizándose para mantener la prole resultante?
45 años de chicha en "mixtura" con el neoliberalismo produjeron el populorum que hoy es la nación peruana. Su rostro lo vemos en las expresiones que favorecen los medios, los espectáculos que se llenan de gente y en el trato diario en las calles llenas de emprendedores y menesterosos, todos consumidores de malls y pollo a la brasa yendo a la tumba con la mente podrida. Caldo de cultivo para el avance de los fachas, conservas y fanáticos religiosos. Estupidizando y soltando migajas han logrado esta distopía.
Nos encaminamos hacia un estado en el que quizás lo que vivimos hoy parezca ingenuo a ojos del consumo y luchas del futuro, tal cual Augusto Ferrando, "Risas y Salsa", los coches bomba y Sendero palidecen de timoratos ante las actuales barrabasadas, pero haríamos bien en observar y reflexionar ¿qué obtuvimos tras 45/50 años de ensalzar y poner en valor borrachos, machirulos y gente lumpen? y tras hacer ese ejercicio actuar en consecuencia.
ROCK GÓTICO. Si los "nuevos románticos" adoptaron el Blitz como cuartel general, los "góticos" celebraban sus inofensivos rituales de ultratumba en The Batcave (ambos situados en el Soho de Londres, este último todavía en activo). Las dos subculturas compartían más paralelismos: alergia a la mayoría gris, cosméticos y pasión por la música, aunque solo se puede hablar con propiedad de los segundos como verdadero movimiento musical. Cherry Red ha tardado un poco en detectar el "nicho", condensando al fin en cinco excelentes CDs y un completísimo libreto buena parte de los avatares "bela-lugosianos" acaecidos en la escena británica entre 1978 y 1986 (Munster se adelantó en 2013 dedicando al producto nacional el inconmensurable "Sombras").
Son inevitablemente JOY DIVSION y su "Shadowplay" quienes inauguran la colección, involuntarios progenitores de, al menos, la segunda generación (los precedieron compatriotas ausentes como Black Sabbath) de un subgénero que rara vez alcanzó la altura poética de lan Curtis y compañía, confundiendo a menudo drama existencial con ansia mórbida a lo "Penny Dreadful". La leyenda urbana dice que fueron Tony Wilson y Martin Hannett los responsables de colar el término "gótico" entre la prensa en referencia a sus inmortales vastagos.
THE BIRTHDAY PARTY, NICO, COCTEAU TWINS, ARTERY, THE CURE, ALL ABOUT EVE, BAUHAUS, PIL, DEAD CAN DANCE, LOVE AND ROCKETS, THE CHAMELEONS, THE MISSION, THE LEGENDARY PINK DOTS (el título del box set procede de su tema "Love Puppets") o THE ASSOCIATES proveen algunas de las mejores pistas entre un largo etcétera de candidatos a figurantes en "El baile de los vampiros" (1967) de Polanski, ofreciendo todos ellos, eso sí, una idea del gran interés juvenil procedente de una estética con siglos de arte a sus espaldas, aunque aplicada a la música popular solo a finales del siglo XX y cuya longevidad no sorprende en absoluto (un poco como las funerarias). JOSÉ MANUEL CATURLA Extraído de RDL
"Una guerra de clases está ocurriendo, pero solo uno de los lados está peleando. Elijan su lado. Elijan sus armas."
MARK FISHER
Fue el 2001 cuando ya realizada la conexión Rímac-Vienna, esto es Aloardí-Mego, probé el debut solista de la estrella finlandesa Ilpo Väisänen, "Asuma" (Mego, 2001). Me pareció un disco locaso acorde con lo que se presentaba por aquellos días en la avanzada, a saber, Ultra-Red, SND, Oval, Microstoria, Terre Thaemlitz, entre varios otres. Todavía fraguaba mi mente las esquirlas de lo que fue experimentar el "A" (Blast First, 1999) de Pansonic, el proyecto que Väisänen refrendaba junto a Mika Vainio (QEPD) y faltaban unos pocos años para que llegase "Kesto" (Mute, 2004).
Durante todos los 90 no tuve postura socio-política evidente, ni siquiera me molesté en aquellas temáticas. Típico de la generación X cierto, un descreído total. Además, paraba pintando ambient hiperreal y shoegaze post-rock y de lo demás no me daba cuenta o pasaba de largo. Con el declive de los años y las sustancias apareció mi depresión/bipolaridad y como explica Simon Reynolds en "Energy Flash": las drogas puras y contaminadas, su frecuencia, la conmoción en las mentes y su abstinencia, todo genera feedback en las músicas resultantes. En mis neuronas el absoluto cielo interior había perdurado bastante, calculo desde 1993 hasta 1998. Y fue entonces que la venda de los ojos desapareció, confronté la realidad pura y dura, las taras societales, sus pendejadas. Necesité armarme de un pensamiento o postura para resistir el embate.
Como supondrán, o si son lectores del blog por descontado ya lo saben, terminé por decantarme al progresismo lefty y ahora que lo pienso parte de la culpa la tuvo el haber probado y comprendido los sonidos y discursos los de la avanzada: tanto el "A" de Pan Sonic como el "Media Naranja" de Labradford y el "Forever Alien" de Spectrum fueron gurúes. Pude hacerme el cínico o convertirme en arribista, pero nah, no estaba en mi espíritu agraciadamente.
Digo esto hoy que descubro la reseña de The Wire sobre "Communist Dub" (Mego, 2015) el segundo álbum de Ilpo Väisänen rebautizado con el alias de I-lp-o in dub. 57 minutos de texturas dub y aguas digitales opalescentes donde el miembro de Pansonic pone el dedo en la llaga del post-capitalismo. Y pensar que fue publicado el 2015, cuando teníamos al capo de Mark Fisher batallando entre nosotros y en da blog alucinábamos con "The Sun Remains The Same" (Aloardi/Urbanoide Records/Fougère Musique) de SAJJRA, UMMAGMA, EMPRESS OF, LUBOMYR MELNYK al tiempo que acabábamos de publicar "Lima Norte Metamúsica" (Superspace Records, 2014).
Ilpo manda al carajo todo y lanza tremendo discurso ácido contra la oligarquía tecnológica y las hirientes desigualdades alimentadas por el sistema. "Communist Dub" recuerda los experimentos fallidos del socialismo y comunismo. Los tracks son explícitos y no dan lugar a dudas ni contemplaciones: la música es inquietante, intrincada y, por momentos, marcial. "Gulag General", "Donbass Hybrid", "Donetsk Disciples" (los bolcheviques se reúnen con los agricultores (y los exterminan)), "Benghazi Affair" (conexión libia y armamento a las fuerzas). Un sonido al que podríamos llamar industrial dub, bastante lejos de Jamaica, más cerca de Basic Channel o Pole después de una explosión termonuclear de la que salieran sazonados, ideologizados y armados con la consigna de concebir el día en que la revolución se haga realidad por obligación y fuerza más que por síntesis o devenir natural. Después de todo ¿quién necesita razones cuando se imponen oligarcas, tecnócratas y fantoches n4z1$?
Panfletario sí, pero coherente. ¿Mi favoritas? "Crocodile Submerged" y "Benghazi Affair".
Trans-vanguardia, la fórmula de Sophie para deconstruir el mundo.
Sophie Xeon, de nombre de pila Samuel Long (1986 Glasgow, Escocia - 2021, Atenas, Grecia), fue una artista trans que redefinió la música pop a través de toneladas de pitch en las voces, ritmos trepidantes que bebían de la IDM como del trap, KPop y, sobre todo, una estética sónica hiper artificial. En "Product", publicado por Numbers el 27 de Noviembre de 2015, reúne la mayoría de singles desde que debuto el 2012 -y algunos estrenos- justo cuando en Perú Avantgarde andábamos entonados con el "Supermeng" de Otto Von Schirach y el "Parastrophics" de Mouse On Mars como grandes discos de aquel período. El espíritu de los tiempos que le dicen.
Apuntemos que si existe algo que diferencia a Sophie de los soldados electrosónicos mencionados es, de acuerdo a Mr. David Stubbs, "su condición de transgénero: la forma en que ajustaba y jugaba con autotune, la forma elástica en la que jugaba con el pop (que) sugirió que la música puede expresar el proceso de 'convertirse', en lugar de simplemente establecer, formas fijas de ser." Al mismo tiempo comparte con ellos, Aphex Twin, los capos del sello Mego, Planet Mu, Warp y Schematic, la fantasía exagerada del sonido, la exploración - experimentación digital. Inestabilidad pop de tiempos líquidos, más rajado de lo que el electroclash jamás pudo ser.
Sophie experimentó consigo misma, convirtiéndose en paladín de la comunidad LGTB+, impulsando a otras como Arca, That Kid y Dorian Electra. Full lujuria, hedonismo y trangresión. Y no es de sorprender el final ácido, una víctima más, que acabara con su vida: un maltrecho accidente automovilístico. ¡Qué extraño el final de tantas personas de la comunidad gay y trans mientras machirulos y violines del mundo del rock, conocidos también por desmanes y adicciones (Iggy Pop, David Bowie, New York Dolls, Rolling Stones), llegan a ancianos y hasta piden colecta para palear el cáncer terminal! ¿Será que el sadomasoquismo arremete con todo contra su feligresía?
...I can make you feel, I can make you feel / I can make you feel, I can make you feel / I can make you feel, I can make you feel
If you let me / However you're feeling / I can make you feel better / Whatever you're thinking / I can make it all clearer / Don't pretend you now that you feel it / Try so hard, baby, you can't conceal it
Si me dejas / Como sea que te sientas / Puedo hacerte sentir mejor / Lo que sea que estés pensando / Puedo aclararlo todo / No finjas que sabes que lo sientes / Esfuérzate tanto, nene, no puedes ocultarlo
"BIPP"
...patent boot, yank so hard / Silicon, squeeze so hard / Ponytail, yank so hard / Do I make you proud? I try so hard / Rubber doll, bang so hard / Pvc, I get so hard / Latex gloves smack so hard / Platform shoes / In the club party so hard / I'm so hard / Rubber doll / Latex gloves smack so hard / Pvc, I get so hard / Platform shoes kick so hard / But it's just so hard, so hard / So hard
"HARD"
...bota de charol, tira muy fuerte / silicona, aprieta muy fuerte / coleta, tira muy fuerte / ¿Te hago sentir orgulloso? Me esfuerzo tanto / Muñeca de goma, golpeo tan fuerte / Pvc, me pongo tan duro / Guantes de látex golpean tan fuerte / Zapatos de plataforma / En la fiesta del club tan duro / Estoy tan duro / Muñeca de goma / Guantes de látex golpean tan fuerte / Pvc, me pongo tan duro / Zapatos de plataforma patean tan fuerte / Pero es tan duro, tan duro / Tan duro
"HARD"
Sea como haya sido Sophie gozó del favor de los medios y el público en tiempo real, anuncios de McDonalds y covers a Madonna lo refrendan. ¿Agenda 2030? Seguramente, pero qué bueno que exista esa tal agenda de la ONU porque es necesario impulsar las mentalidades y que las cosas en general cambien y progresen. No como hoy que vamos hacia atrás con conservas y facherías en aumento. Necesitamos más Sophies, Arcas, Boy Georges, Erasures en nuestro mundo no solo para expandir los límites de lo permitido y la consciencia del común de las gentes sino para saber que uno puede ser quien xuxa se le de la gana ser, que esto significa liberarse de la opresión milica-clerical/patriarcal milenaria que oprime el mundo inclusive en días de hiperconexión a internet, jodidos algoritmos e IA.
Únicamente lejos del postureo, gracias a expresiones que destellen por su veracidad y transgresión, la cultura -y nosotros con ella- avanzará.
Miguel Uza fundó el proyecto indie rock RAYOBAC junto a Carlangas, Valentín Yoshimoto y Neto Pérez. Arremetieron en la escena a inicios de milenio generando feedback y una considerable legión de adeptos que atesoran hasta hoy su sonido y experiencias en vivo. El curador de arte contemporáneo Jorge Villacorta les invitó a sonorizar una expo en la Sala Luis Miró Quesada de la Municipalidad de Miraflores circa 2004 y el resto es Historia. Uza viajó a Europa ya el 2003 por lo que varios de los conciertos se dieron sin su presencia. Ha vuelto con un disco de intransigentes desvaríos guitarreros que alcanzó a colar en nuestro ránking. De tal obra, su carrera y más charlamos con uno de los nombres clave tras el nacimiento del indie peruano, Miguel "Miki" Uza.
Gracias por concedernos la entrevista Miguel, cuéntanos sobre tu background musical previo a integrar la banda de los primeros dos miles RAYOBAC. Sabemos que fuiste al San Antonio de Padua de donde son otros melómanos como gente de GRITA LOBOS y ARIAN 1. ¿Qué nos puedes decir al respecto?
Gracias a tí Wilder, por el interés y la oportunidad. Efectivamente estudié en el San Antonio de Padua, en Jesús María, y lo que me tocó a mí en la secundaria, en los 80s, fue una época en la que se escuchaba/bailaba/intercambiaba mucha música Punk/Wave/Dark inglés/americano pero también rock argentino y español.
Es en ese ambiente cuando al escuchar The Clash y The Ramones, habrá sido 86/87, empecé a tener el sueño de tocar la guitarra (o el bajo, en realidad daba igual en ese momento) en una banda. Y al descubrir el Rock Subterráneo (Narcosis, Autopsia, Zcuela Cerrada principalmente), vi más “factible” que sin saber tocar podía hacerlo. Es ahí cuando con un grupo de amigos del colegio, empezamos a juntarnos a tocar guitarras de palo y baldes, lo que después sería AutoGobierno, una banda Hardcore/Punk con la que llegamos a tocar 4 o 5 veces en vivo.
Después del colegio, esa banda se disolvió por falta de actividad, y empecé a tocar con otra gente y también otros estilos musicales, sin mucha continuidad la verdad. Luego en la primera mitad de los 90, con unos compañeros de Artes de La Católica, donde ingresé el ‘91, empezamos a ensayar, seguido y durante varios años. Aunque no llegamos a grabar nada y sólo tocamos un par de veces en vivo, es en esa banda cuando empiezo, con la guitarra, afinaciones y efectos, a buscar un sonido, una manera de tocar y de componer. Esa banda se llamó El Rayo X y pocos años después también va disolviéndose paulatinamente, entre el ‘98 y ‘99.
Háblanos de Rayobac y cómo se conocieron con el gran Carlangas que venía de formar Electro-Z. ¿Cuántas grabaciones o sesiones existen como Ray-o-bac?
Empiezo a trabajar de jefe de prácticas en la Facultad de Artes y en el 2000 conozco a Valentín Yoshimoto, que había ingresado recién, a través del primer baterista de El Rayo X (Armando Andrade). Teníamos mucha coincidencia en gustos musicales, pero sobre todo que tocábamos la guitarra. Cuando nos encontrábamos en la Facultad nos poníamos a hablar de pedales, de grupos, de música en general.
Un día le digo para ir a una sala de ensayo, ya tenía la idea de ser 3 guitarristas o más, y le propuse pasarle la voz a algún baterista para tener alguna base sobre la cual tocar. Al único que conocía en esa época y que podría estar disponible e interesarle, era el segundo baterista de El Rayo X (Francisco Melgar). Le comenté sobre la idea y que iba a llamar a un tercer guitarrista, pero me dijo que él iba a pasarle la voz a un pata. Éste pata resultó ser Carlangas. Aún recuerdo ese primer ensayo de un par de horas, terminamos sordos.
Muy poco después de eso empezamos a ensayar incansablemente, en la casa de Carlangas y de vez en cuando en alguna sala, durante años, trabajando las ideas que iban saliendo improvisando, y es así que finalmente salimos a tocar en vivo (ya con Neto Pérez en la batería) y luego a grabar. Yo me vine a España en septiembre de 2003, y aunque ellos se presentaron un par de veces sin mí, ya no hubo tiempo para mucho más.
En cuanto a grabaciones, sólo tenemos lo que salió como disco. Hay algunos otros temas que grabamos previamente, para recopilatorios y pruebas, y sabemos de algunas grabaciones en vivo de gente que fue a los conciertos, que no fueron más de 10.
Jorge Villacorta comenta en algún video documental que cuando les pidió sonorizar la expo en aquella Galería de la Municipalidad de Miraflores, los alucinaba en onda indie y se ve que lo agarraron al fresco con un jamming más tirado al noise. Siempre me pareció sintomático ello puesto que en los 90 existió la movida Crisálida con grupos locasos como Evamuss/Diosmehaviolado o Hipnoascensión -por no mencionar Espira o Girálea- y que Villacorta, siendo quien es en “el mundo del arte sonoro”, se venga a sorprender de un set de noise rock ya en los 2 miles, da qué decir por lo menos. ¿Qué nos puedes mencionar al respecto?
La verdad, no he visto el documental que comentas por lo que no he escuchado/visto el comentario en mención, ni tampoco participé de esa presentación (es una de las tocadas que hizo Rayobac sin mí, ya el 2004) por lo que no podría opinar sobre ello. Lo que sí puedo decir, es que Jorge conocía bastante bien a Rayobac: nos había visto tocar en conciertos, había ido a ensayos, habíamos hablado de música, etc. Así que sinceramente me sorprendería que no haya sabido a lo que iban los muchachos.
Más allá de eso, no considero a Crisálida Sónica como “Arte Sonoro”, si no como “Rock” (o una vertiente de ello en todo caso), y como tal creo que no le hace falta la validación de lo primero. Eso sí, me pregunto por qué no ha tenido más reconocimiento, que nunca está de más. Tal vez no falta mucho para que le llegue.
¿Por qué decidiste dejar Lima y radicar en Barcelona? ¿Motivos laborales quizás?
Un poco de todo, coincide además en un momento personal/familiar en el que se dio así y además me dieron una beca parcial para estudiar (en una universidad de Barcelona), durante un año. Pero también tenía ganas de vivir y trabajar fuera, y experimentar qué era eso. Al principio, un poco sin darme cuenta terminé quedándome año tras año. Y ya luego conscientemente, aunque extrañaba a la gente, las pocas veces que iba de visita a Lima, me regresaba sabiendo que no iba a volver a vivir allá.
¿Qué extrañas de Perú ahora que llevas tiempo allá?
A la gente, a la familia, a los amigos.
Lo que me daba cuenta esas veces que volvía, que eran muy espaciadas, es que me había perdido de tantas cosas que pasaban entre una visita y otra, que a la vez me daba nostalgia pero a la vez sentía cómo iba dejando de “pertenecer” a ello. La última vez que estuve por allá fue en Agosto de 2024, y creo que no volveré en mucho tiempo. Fue una visita bonita, coincidimos con mis hermanos (que también viven fuera) y las familias de cada uno. Lamentablemente no vi a toda la gente que me habría gustado, porque con todo ello sabía a despedida. Y esta vez a diferencia de otras, desde que he vuelto a Barcelona extraño mucho la comida.
¿Qué conciertos o bandas has visto o te gustaría comentar?
Los primeros años fui a muchos conciertos, en festivales y en salas pequeñas, pero ya hace años que así no más no voy. La verdad, me voy sintiendo cada vez mayor, y más al ver cómo la gente de las bandas que me han gustado ha ido envejeciendo, y con ello tomar consciencia que también uno ha ido perdiendo capacidades, energía, etc. al igual que ellos. Creo que ahora mismo el único grupo que me cago por ver en vivo es 7seconds.
Tu experiencia sonora perfecta es:
Ver videos en YouTube de grupos de los 80 (peruanos o no, pacharacos o subtes, todo junto y revuelto) con amigos, tomando chelas y cagándonos de risa.
Háblanos de tu reciente álbum, ”20|22”, elaborado en pandemia, ¿cuál es tu set up/equipos, cómo fluyes para componer, etc?
Siempre voy grabando ideas, y justo antes de la pandemia había empezado un grupo de temas, que durante el confinamiento y después fueron aumentando, hasta llegar a ser unos veinte. A mitad de 2022 ya estaban terminados, pero murió mi mamá y decidí aparcarlos. Recién a finales del año pasado me sentí con ánimos para publicar una selección de ese material.
En la mayoría de casos los temas se van armando a partir de la guitarra usando diferentes afinaciones, tocando de manera intuitiva, hasta que alguna idea/sonido/acorde me llama la atención y empiezo a explorar variaciones o complementos, sonido con los efectos, etc. Durante esa exploración es que también fui probando percusiones, en algunos casos samples programados y en otros grabé sonidos de objetos. Este proceso suele durar semanas y hasta meses, pero siempre voy trabajando muchas ideas a la vez, que grabo y/o apunto y voy retomando o desechando.
En cuanto a equipo, lo más importante por el proceso que tengo son las guitarras con afinaciones diferentes, también me gusta tener loopers porque me ayuda a grabar al vuelo las ideas que me llaman la atención en el momento y a trabajarlas por encima. Al estar tocando solo esto es básico para mí. Por supuesto también aportan lo suyo en esa exploración los efectos, uso sobre todo distorsiones/overdrives y delays/modulación de lo más típico. No le he entrado a la onda “boutique” que hay ahora.
Tras todos estos años, ¿qué te da la música que no consigues en otras experiencias o, dicho de otro forma, por qué seguir haciendo música?
Para mí el rock, a diferencia del arte (volviendo a la referencia de una de tus preguntas anteriores), es algo más visceral, más inmediato, que te genera una conexión emocional sin necesidad de rollos ni explicaciones teóricas o academicismos. Tocar una guitarra y sentir ese sonido distorsionado me conecta emocionalmente con lo que estoy haciendo/escuchando, a un nivel de profundidad que ninguna otra experiencia me da.
Sigo haciendo música por esa emoción.
Planes futuros y palabras finales.
En Julio del año pasado publicamos en plataformas digitales el disco de Rayobac, con una nueva mezcla realizada por Carlangas a partir de la grabación de 2003. Hay probabilidad de una edición en vinilo/CD para la segunda mitad de año, pero todo por verse aún.
Ahora mismo Carlangas y yo estamos a punto de editar un disco en cassette, que empezamos a chambear antes de la pandemia, a través de un sello de Barcelona. El proyecto se llama uza.zetangas, y la idea es que Carlangas venga a tocar para un concierto de presentación del disco antes de mitad de año, estamos planificando todo eso.
En paralelo, seguimos grabando ideas como siempre cada uno por su cuenta, algunas de las cuales vamos compartiendo con el otro (estamos intentando componer de manera conjunta a partir de ideas menos trabajadas, para ver qué pasa), y según lo que vaya saliendo podríamos tener otros lanzamientos en un futuro cercano, ya para el próximo año.
Gracias nuevamente por la entrevista Wilder, suerte con el libro y demás planes.
Testeado por Mike Barnes Extraído de The Wire - Mayo 1997
Sonic Boom, también conocido como Pete Kember, formó Spacemen 3 con Jason Pierce en Rugby, en 1982, cuando ambos eran todavía unos adolescentes. Durante un período de nueve años, emergieron como uno de los grupos de rock más innovadores e influyentes del Reino Unido, tocando una música minimalista inflexible influenciada por The Velvet Underground, Suicide y The Stooges. El asalto sónico del grupo también era abiertamente psicodélico: Kember siempre ha sido un ávido consumidor de drogas sin complejos. Después de lanzar una serie de álbumes cada vez más ambient y basados en drones, el grupo se desintegró con rencor en 1991, y Pierce formó Spiritualized. Kember, mientras tanto, había lanzado un sencillo en solitario, "Angel", usando el nombre de Sonic Boom en 1989, y en un nuevo movimiento de colaboración formó otro grupo, Spectrum, en 1990. En 1992 inició el proyecto de improvisación y drones Experimental Audio Research (EAR). Las grabaciones iniciales fueron con el saxofonista Kevin Martin (God, Techno Animal), el guitarrista Kevin Shields de My Bloody Valentine y el baterista de AMM Eddie Prévost. Esta música finalmente se lanzó en 1996 como Beyond The Pale. La colaboración de EAR con Thomas Köner, The Koner Experiment, se ha lanzado recientemente en Mille Plateaux. Kember también dirige su propio sello, Space Age Recordings. The Jukebox tuvo lugar en la casa de Kember en Rugby, en una sala llena de sintetizadores analógicos antiguos y parafernalia para hacer ruido.
THE PREMIERS "Get On This Plane" de East Side Sound (Dionysus)
No sé quién es, eso es seguro. [Kember sale de la habitación brevemente y regresa con un estuche de plástico rojo. Abre la tapa para revelar un tocadiscos portátil con un teclado de juguete incorporado. Puedes tocar al mismo tiempo, es realmente genial. Me lo envió un amigo mío en Estados Unidos. Tengo un problema con las cosas en maletas. [Refiriéndose a la pista] Obviamente es una banda de punk de garaje de los años 60 como The Chocolate Watchband o algo así. Incluso podría ser The Chocolate Watchband
Es un grupo llamado The Premiers. Eran un grupo de punks chicanos de Los Ángeles. Esto se grabó en 1966.
Sonido de guitarra peculiar. Me gusta este tipo de cosas, pero no estoy muy al tanto. El tipo de Bomp [Records, Greg Shaw] me dio el conjunto completo de Pebbles, como 80 álbumes o lo que sea. [Kember va a mirar su estante de discos] Tengo los Pebbles del 1 al 28, tengo los Freakbeat ingleses del 1 al 4, y luego tengo el Pebbles High In The Mid 60s, y hay literalmente otros 30 o algo así.
¿Te metiste en el garage/psicodelia de los 60 antes de Spacemen 3?
Ah, sí, sabíamos de ese material cuando empezamos definitivamente, particularmente cosas como 13th Floor Elevators, Electric Prunes y algunas de esas bandas. Ese tema también tenía un poco de MC5 de los primeros tiempos.
Y el riff también es anterior a los Stooges.
Creo que The Troggs y The Kinks fueron la raíz de mucho de ese Stooges... Troggerama, como me gusta llamarlo. The Velvet Underground es una banda que no se puede decir con exactitud si proviene de un estilo rock'n'roll, pero no se puede decir con exactitud. Algunas de las canciones de The Troggs son lo más parecido que se puede encontrar.
Esta canción debe haber sido grabada justo en la época en que el consumo de drogas y la creación musical se volvieron abiertamente asociados. Hay algunas referencias muy tímidas en las letras.
Sí, e incluso si no consumían drogas tenían ese tipo de exuberancia juvenil que lleva a la gente a consumir drogas de todos modos. Probablemente tuvo mucho que ver con los productores e ingenieros en el estudio donde estaba sucediendo. Muchos de esos tipos en los estudios tendían a ser el tipo de personas a las que les gustaba la música concreta y los collages de sonido; a la gente del estudio le gusta jugar con el sonido. Las bandas les decían: "Queremos que se agite en el solo", y esos tipos realmente ayudaban aportando ideas. Creo que tuvo mucho que ver con el LSD. A finales de los 60 se metió en todo. Había muchas referencias a las drogas en los programas de televisión para niños, ya fuera The Magic Roundabout o Joe 90 o lo que fuera.
SUN RA & HIS MYTH SCIENCE ARKESTRA "Moon Dance" de Cosmic Tones For Mental Therapy (Evidence)
Muy raro. Es muy lo-fi. ¿De cuándo es esto? ¿Del 67, 68?
Es un poco anterior: 1963.
Cuando salió por primera vez me recordó un poco al material experimental de Joe Meek. Ritmos casi calipso muy raros. ¿Es una banda que probablemente conocía?
Creo que sí.
Banda del 63... ¿Son de Alemania? [Comienza la siguiente pista] Esto suena alemán.
Es Sun Ra.
Ah, cierto. No creo haber escuchado a Sun Ra tan temprano. Sin embargo, suena muy bien. Pensé que era del 67-68 post-psicodélico.
¿Cuándo te metiste en su música?
1983/84, supongo. Fue a través de The MC5, cosas como "Starship", su adaptación de algo escrito por él. No puedo decir que haya escuchado el original. Obviamente, el manager de The MC5, John Sinclair, representó a Sun Ra. Creo que él hizo que The MC5 escuchara todo ese material.
Spacemen 3 tenía previsto hacer algunos conciertos con él, pero se cancelaron; no vino en su gira. Se escuchan historias de terror sobre él. AMM trajo a Sun Ra a Europa por primera vez en 1965, creo. Tuvieron una pesadilla con él. Era muy incómodo. Aparentemente, cuando llega a una ciudad, el promotor tiene que llevarlo en coche para encontrar camas de hotel que sean adecuadas. Siempre es raro cuando tocas con bandas que admiras. A veces puede ser la mayor decepción. Recuerdo cuando tocamos con Suicide la primera vez, fue muy bueno. Fue un show de Hawkwind que duraba todo el día y puedes imaginar lo que pensaron los fans de Hawkwind sobre Suicide - no podían conseguir suficiente material para lanzarles, que por supuesto es la forma de ver a Suicide... porque una vez que se ponen las pilas son realmente buenos. Los he visto cuando todo el mundo los ha adulado y aplaudiendo desde el momento en que suben al escenario y eran una porquería.
WHITE NOISE "The Visitation" de White Noise (Island)
No sé quién es. Podría ser Pink Floyd. ¿Es psicodelia inglesa?
Algo así. Es de 1969.
Hay algunos sonidos geniales en él. Mira, son realmente como sonidos concretos; a menudo, tuvo mucho que ver con los ingenieros.
Este es un proyecto basado en el estudio. Es White Noise.
[Sorprendido] ¿Ah, sí? Nunca lo había escuchado. Este es [el productor/ingeniero] David Vorhaus, y creo que [los ingenieros de sonido] Delia Derbyshire y Brian Hodgson estuvieron involucrados en White Noise; eran de la BBC [Radiophonic Workshop] e hicieron todo el material de Doctor Who en cintas, osciladores y bucles. Antes de White Noise tenían un grupo llamado Unit Delta Plus con [el compositor] Peter Zinovieff.
Estoy sacando algunos CD de la música que se hizo en el estudio EMS [que era propiedad de Zinovieff en los años 60 y estaba ubicado en una casa en Putney]. El material de EMS [el primer equipo electrónico, incluido un sintetizador EMS que posee Kember] se vendió para financiar un estudio que fue el primer estudio de música por ordenador del país. Hicieron un montón de cosas experimentales locas: Harrison Birtwistle, [Hans Werner] Henze y otros compositores notables.
Peter Zinovieff era un compositor experimental muy bueno, pero como estaba rodeado de gente como Birtwistle se sentía un poco deficiente a su sombra. Su mujer era una especie de heredera que financió todo el asunto, y simplemente hicieron toneladas de música electrónica en este estudio. Todo el que ha escuchado las cintas ha cambiado de opinión. La música es increíble, realmente es una de las más disparatadas, y cuando la gente la escuche, restablecerá por completo el equilibrio de cómo la gente piensa sobre la música experimental británica en ese período porque la mayor parte de ella no se publicó. [Kember luego me toca la versión original completamente electrónica de Chronometer de Birtwistle que fue grabada en EMS)
AMM
"Later During A Flaming Riviera Sunset" de AMM Music (ReR)
Esto suena como si alguien tuviera sexo con sus platillos. Lo conozco: AMM. Me encanta esto. Eso suena como una radio de transistores. ¿Está Cornelius Cardew en esto? [Sí. Kember produce una banda sonora gráfica de Treatise de Cardew].
Es su primer álbum de 1966.
Si escuchas una guitarra, puedes imaginar una guitarra en tu cabeza y a alguien tocándola. Cuando escuchas a AMM, es difícil imaginar a alguien haciendo algo, particularmente si no los has visto en vivo. Hay algo muy primitivo en su sonido. Realmente suena como la música que podrías haber escuchado cuando se estaban creando los planetas. Puedes tener un sonido que suene como el amanecer de los tiempos o la sensación de estar enamorado, pero si puedes ver que es alguien arrastrando un instrumento por el escenario haciendo ese ruido, entonces simplemente pierde algo de su mística. Un amigo mío vino a verme y bajo los efectos del DMT (un alucinógeno intenso) puse el CD de AMM y en cuestión de minutos el tipo giró la cabeza y dijo: "¿Qué es esto? Es la mierda más increíble que he oído nunca".
¿Improvisabas mucho antes de EAR?
La única improvisación que había hecho antes fue en un club que dirigíamos llamado Reverberation Club en Rugby desde finales de 1985 hasta mediados de 1987, algo que llamábamos freeform freakouts donde tomábamos todo lo que básicamente pudieras golpear, aporrear, arrastrar, puntear o lo que fuera y lo depositábamos en una habitación. Empezábamos con gente que básicamente podía tocar el material, algo como "Cheree" de Suicide, y luego cualquiera que quisiera podía participar. Las cosas se convertían muy rápidamente en estos pisotones tribales y rítmicos, la gente se volvía loca, realmente.
MORTON SUBOTNICK "Parte I" de Silver Apples Of The Moon (Nonesuch)
Ah, ya sé lo que es: Morton Subotnick. Silver Apples Of The Moon. Prefiero The Wild Bull, pero me encantan los dos. En parte me encanta lo que hizo y en parte el equipo que utilizó. Todo es muy extraño. La Buchla Box. Era básicamente un sintetizador. Un teclado de capacitancia, solo placas de metal que tocabas. Todavía hace controladores locos.
Esta pieza suena muy rebelde y presumiblemente no es reproducible.
Verás, este tipo de cosas me encantan. Se generan electrónicamente, pero depende de la probabilidad aleatoria el tono que obtengas. A Stockhausen le gustaba mucho la versión clásica de voltajes aleatorios, y creo que la razón por la que inventaron las cajas para hacerlo fue porque los compositores concretos lo hacían usando filas de tonos de cinta donde cortaban longitudes y luego las juntaban al azar para ver qué tipo de sonido obtenían. Creo que nació en eso.
Realmente no sabes qué puede pasar a continuación en una pieza como esta. Pasa de estos pequeños sonidos tintineantes a sonidos metálicos que se retuercen y gritan, ruidos de choques de autos. Morton Subotnick comenzó a usar computadoras en lugar de sintetizadores, que son computadoras analógicas en efecto. La mayoría de la gente ahora usa computadoras en el estudio, y la mayoría produce la misma mierda, todo suena igual: música de baile sucia. Luego escuchas lo que esta gente estaba haciendo con las computadoras, este material hermoso, intuitivo y probabilístico...
Exhuberante techno dub ideal para morir de éxtasis cada día.
En contra de la basura que expelen los medios supuestamente alternativos, las argollas y círculos de poder presentes en todas las artes, existen artistas que, movidos por una genuina pasión de expresarse y ofrecer utopías, persisten. Uno de estos bendecidos por el kosmos es el granjero japonés Hiroyuki Tanaka conocido como Charles A.D.Adepto a la electrónica planeadora ha estado cultivando silenciosamente su cosecha de hardware dub techno y acid devocional en vivo desde que debutó el 2017 con el EP 熱い海 ('Hot Sea') en el sello austríaco Dream Raw Recordings. El 2024 sorprendió a medio planeta con una joya vía 100% Silk, "West Pontoon Bridge", y este año se ha mandado solo soltando un documento de 72 minutos que luego de unos días, conforme lo había anunciado en redes, retiró de circulación. Y tampoco es que sea la primera vez que lo hace. ¿Qué fue con las estrategias de marketing y promoción mediática? ¡Jajajajajjaa!
Lo que alcanzamos a escuchar, gracias soulseek, es dub techno en toda regla, reflejo de haberse drogado demasiado con Maurizio, Porter Ricks y Gas como con Drexciya. Psicodelia marítima. Los títulos son elocuentes: "Dolphin Migration", "Ocean Pollution", "Sun Set In The Ocean", "Ocean Vent"... Aleteos de sintetizador, secuencias, loops, melodías etéreas y divinizantes, ritmos persistentes y exquisitos bajos dub. Diseñado todo de una forma que logrará sacarte de tu diario divagar y colocarte orgiásticamente en el éxtasis. No hay testosterona, ni atisbos de desviaciones/filias sadomasocas mucho menos pacharacadas indie pueriles. Acá tenemos pura belleza incrustándose en la psique, corazón y alma. No sé si serán lo mismo y para el caso no me interesa, ¿quién en su sano juicio necesita aparearse o emparejarse y aspirar a las tonteras que el capitalismo tardío vende con su marketing de mierbient después de conocer esta vida real? ¿Acaso estas utopías impelen a ir por ahí buscando palancas que te conviertan en el chaman del arte sonoro en tierra de ignorantes o a usar pendejadas de abogado trucho para conseguir dinero, comprar bandas, amigos y mujeres que luego ni siquiera te visitarán en la cárcel cuando la parca te atrape? Llámenme loco o lo que sea pero genuinamente creo que después de preferirlo y sumergirte en esta magia, algo superior, post psicodélico y sacro, resonará en ti.
Charles.A.D., granjero favorito, vive ahora y comparte el planeta con nosotros. Lujuria techno espiritual. Mantras para un futuro imposible. Poseidón en ayawaska danzando con doncellas electrónicas. La Nueva Atlántida. Perú Avantgarde traspasando el infinito, el big bang y siempre volviendo trayéndote razones para vivir.
TRANSMUNDANO, INNOVADOR Y BÁSICO DESDE LA PORTADA CORTESÍA DE THE DESIGNERS REPUBLIC.
SEEFEEL fue una de esas maravillas que me tocó en suerte conocer temprano, ni bien igniciaba la flama shoegaze en la ciudad. "Quique" (Too Pure, 1993) me lo jugó Correbala allá por el 94 junto a unos casettes cromados en los que me presentaba el "Painful" de Yo la Tengo y el "Recurring" de Spacemen 3. Su sonido me sorprendió y no sé por qué pero lo entendí/capté inmediatamente. Etéreo, océanico y sexual como "To Here Knows When" del "Loveless". Lo difundí entusiasmado entre los colegas de la Facultad y Crisálida Sónica. Varios shoegazers noventeros, más enamorados de bandas ala Adorable o Chapterhouse, no empataban con el sonido de Clifford, Seymour, Fletcher y Peacock. Recuerdo que un hermano y colega desde aquellas jornadas, coleccionista acérrimo hasta el día de hoy, llegó a decirme: "Wilder, esto es otra nota", como alegando que me estaba alejando de lo shoegazer puro. Wilder, ¡qué intransigente eras! Ja.
Pasaron las semanas y en uno de esos programas de MTV salieron los Cocteau Twins tocando en vivo acompañados en la penumbra por Mark Clifford, sí el mismo de Seefeel. Yo contento de oreja a oreja. La noticia corrió como reguero de pólvora en la escenita avant garde de Lima.
Una tarde del 95 acababa de llegar a atender en la tienda de Eduardo Lenti, Transmission Records (sí, fui uno de sus chacales -¡jajaja!), cuando aterrizó Belly, la DJ de doble 9, y tras un cruce de palabras me ofreció un disco que había adquirido en su último periplo europeo. Era nada menos que el "Succour" de Seefeel. Lo había comprado porque Rock de Lux mencionaba a la banda como postaestandarte del shoegaze británico pero lo que escuchó, según recuerdo sus palabras, era más como un soundtrack para una obra de danza o teatro. El disco ya era mío y había acudido a mi por azar del kosmos.
Originalmente publicado en Inglaterra el 30 de marzo de 1995 por la casa de Autechre y Aphex Twin, Warp, escuchamos "Succour" en tiempo real infinitas veces en sampedro, shish, soul weed y seguramente hasta mixtos y maizena duryea... ¡vaya cómo lo devoramos! Aquella tarde en el jardín de Revordrift con Chrs Galarreta/Evamuss puestasos danzando cual cavernícolas en el espacio al ritmo de las fantasías IDM tribales de Seefeel, dejé mi alma ahí.
"Meol", "Extract". Los timbres re-hipnóticos de los primeros tracks, ténebres, árticos, nuestra introducción al aislacionismo y al ambient primordial. A su lado todos los trabajos de Brian Eno son música pop. Bestiales percusiones de "When Face Was Face" y "Fracture" nos transmigró al origen de todo. Puro Terence McKenna, Albert Hoffmann, Timothy Leary: chamanismo digital, excursions in ambience.
"Succour" fue un álbum que marcó época en la Lima de avanzada de los 90. Entre aquellos ideales, ensueños y sustancias habría sido imposible que no fuera así y no nos cambiara la existencia.
Las voces femeninas, obra de Sarah Peacock, derretían los cerebros en una especie de sexualidad mutante y alienígena. ¿No te lo imaginas? Toma un alcance: como una ensalada de Dead Can Dance meets Loveless meets technología noventera. "Succour" forma la trilogía, junto al Selected Ambient Works II (Aphex Twin) y el "Mesmerised" de E.A.R., de los discos más psicodélicos, evolucionados y viajeros de la década de los 90. Asegúrate de escuchar, como peruano o latinoamericano, ese tributo seefeeliano que es el primero de Evamuss, "E.Muss" (1998), pronto disponible en LP.
30 años después y muy a pesar de lo que promocionen los altavoces del sistema, el techno shoegaze de Seefeel está bien lejos de mucho de lo que a posteriori se ha etiquetado de vanguardia, música experimental y psicodelia. Les debemos la vida.
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barbarismos
El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.
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realismo capitalista peruano, ¡ja, ja!
rojo 2
es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo
En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez.
«Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.
MARK FISHER.
perú post indie
Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños. Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo... Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?
FRED ROHNER Historia Secreta del Perú 2
as it is when it was
sonido es sonido
pura miel
nogzales der wil
RETROMANÍA
"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia."
SIMON REYNOLDS
Retromanía
jugando con fuego
"Lo único que tenemos en común en esta banda es que nunca hemos sentido realmente que este es nuestro tipo de planeta."
kpunk
No olvidar qué somos.
Llegó Julio, mes patrio. Y con él, vuelven las viejas preguntas de cuándo se jodió el país. Carátula del tratado anónimo atribuido a Mariano Machado de Chaves, "Estado político del reino del Perú”, de 1747 (citado por Alfonso Quiroz en "Historia de la corrupción en el Perú", 2013).
las cosas como son
Joe says
"En un principio los "rockeros" ,no eran funcionales a los gobiernos de turno.., de echo el rock se caracterizo por ser una contracultura a todo eso, sin importar kien fuese el ladron en el sillón .., pero con el pasar de los tiempos y el amiguismo a cambio de favores, la bancada de viajes a festivales al exterior ,los hospedajes gratuitos en hoteles y miles de mierdas mas a cambio de no hablar mal del k este de turno, es lo k hizo k hoy en dia el político y el rockero se peinen juntos para la foto.
Los k estámos afuera de eso, somos "odiadores o envidiosos" , según el criterio de muchos (publico) k SI hablan x hablar y defienden a kienes ni saben pk están en donde están.
Vuelan ,giran , comen y beben gracias a los impuestos ke les pagan odiadores como yo 😁
Siempre voy a elegir no cerrar mi maldita boca y solo conseguir con esto k se me cierren mil puertas y ke me odien y me corten la cara mil veces más , prefiero eso a ser un careta.
Hablando d esto ..¿vieron el documental de NICHETO??) ..,estaba esperando k alguien la tire, pero ya fue .., yo ya me prendí fuego 🔥 hace rato .., así k la tiro yo , total una mancha más al tigre k le hace?..
me importa un huevo lo k piensen de mi y k me desfenestren ,como se k lo van a hacer después de este posteo 🙂.., me kedo con la primer época aquella en la k no se compartía la foto..
INDIE fuertes , indie esto , indie otro blsbla ,ESO NO ES INDIPENDENCIA , eso es amiguismo puro y propaganda pagada x mi bolsillo y x el de muchos miles de otros ke muchas veces e irónicamente ,no tienen un mango ni para cargar la sube para ir a tocar, o ni pueden cambiar su encordado x uno nuevo k no les corte los dedos, etc)
Vengan de a uno o d a miles.. me chupa un huevo - repito.
También espero ver kien respalda lo k digo , pk según tengo entendido serian muchos.
NO SEAN CARETONES!! 👊
Los tiempos cambiaron, es hora de empezar a hablar con la verdad y decir las cosas como son.
Y sino de ultima k la guita de cultura se reparta para todos los miles de trabajadores de la música y no solo para los amigos de los de turno no?..
A todo esto, x otro lado ¿cuando NICHETO fue aguante del under o lo k mierda sea ke intentan mentir en este documental de
juguetería????"
- JOE DIXEXION
2020
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