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X: HELENE RAMOS 

🌎NEOPTICAL. ANTIGUAS LÍNEAS DE TIEMPO SE ESTÁN DESCONECTANDO PARA DAR PASO A LA EXPRESIÓN MATERIAL DE LA NUEVA TIERRA. EN MÚSICA, LOS NEO ACTOS HACEN LO PROPIO PARA LA EXPANSIÓN GLOBAL DE LA ESCENA◻️En mi radar gira INSIDEAWAVE en estrepitosa continuidad con "Start" -desde hace unos días atrás. Los percibo aprovechando las estructuras microscópicas de átomos y moléculas como gran inspiración◻️

El combo TEMPLES (UK) anuncia su o.v.i en álbum 'Exotica' para el 14 de abril del cual circula 'Afterlife'. El tema cita en su lírica las relaciones personales a larga distancia y como el amor y el aislamiento pueden encontrarse. Sobre ello, el vocalista/guitarrista  James Bahshaw ha citado:

'Ver una luz en la distancia te da la esperanza de saber que te encontrarás de nuevo'. Agrega además que refleja un momento real en su vida que vivió. El álbum ha sido producido x SEAN ONO LENNON, quien ya había apreciado varias de sus presentaciones en vivo, mezclado x el insigne DAVE FRIDMANN (TAME IMPALA,  MGMT,THE FLAMING LIPS) -entre otros◻️

El acto ULTRA Q, proviene de Oakland, y su debut en álbum 'My Guardian Angel' estará circulando desde el 9 de junio bajo el sello Royal Mountain. El mismo, marca un mosaico de influencias con texturas electrónicas y pulsaciones de guitarras indie. Su single  'Klepto' se orienta hacia el estilo garage con caja de ritmos acompañado x un bajo propulsor y magna reverberación. Jakob Armstrong logra imponer su identidad vocal de atrayente magnetismo. Él es hijo del cantante Billie Joe Armstrong (GREEN DAY). Las marcadas influencias que capto van x vías identificadas como las de THE STROKES, GREEN  DAY e INTERPOL◻️

SOFIA KOURTESIS, peruana con ascendencia griega, dj, productora, diseñadora de moda, tecladista, cantante, compositora  con base en Berlín y con idas y venidas a Lima/Perú, acaba de estrenar un power single titulado 'Madres' (Ninja Tune). Un tema orientado a las pistas de baile del mundo que puedo calificar como nu world-dance music, además. Exquisitos fragmentos vocales y mística atmósfera étnica exótica. Celebro su gran evolución y carrera en ascenso, sus grabaciones, dj sessions como su presencia en grandes festivales como en los medios escritos si apreciaron su entrevista (febrero 2023) y portada en la revista MIXMAG. Su próxima presentación será en el Festival del Cruce 2 el 21 de Julio, evento en que participan JEFF MILLS (lo entrevisté cerca a la Costa Verde/Miraflores), SKIN ON SKIN, UNDERWORLD, OBJEKT... 'No veo mi música sólo como una canción que tocaría en un club o festival. Quiero tocar a la gente y trato de crear conciencia x las cosas malas que suceden en la vida' - ha declarado no hace mucho◻️Dale play https://youtu.be/bPGct0yRPM8

ALISON GOLDFRAPP, si la recuerdan como integrante del acto GOLDFRAPP, sonando a todo trapo vía mis programas x las ondas hertzianas, tiene ya single como solista 'So Hard So Hot' y respectivo clip muy bien logrado. Aclarando siempre la difusión al aire como en BRITANIA FANZINE y otros medios escritos, sobre actos que la generación de supra generaciones sabe de qué estoy citando. ◻️HATCHIE, del mismo modo y sin desilusionar ha estrenado su neo satélite en single: 'Rooftops' feat. Liam Benzvi. Incluido en su próximo o.v.i en álbum: 'Giving The World Away Deluxe' (Secretely Canadian) sello de Australia como para Ivy League Records, sello de Nueva Zelanda◻️

El tiempo corre/mira lo que trae -o como decir tempus fugit. DÉPÊCHE MODE a escasos días de tener en circulación su décimo quinto álbum en estudio 'Memento Mori'. Como mencioné antes, las canciones incluidas fueron escritas con anterioridad a la partida de ANDREW FLETCHER, en parte como reacción al confinamiento global y, en general al paso del umbral de los sesenta años x parte de cada uno de los integrantes de la banda. El álbum fue presentado en vivo como una exclusiva mundial en el festival de Sanremo 2023, y acompañado de un vídeo evocador del habitual ANTON CORBJIN. Leyendo en los créditos del tema 'Ghosts Again' citan a RICHARD BUTLER miembro de THE PSYCHEDELIC FURS y a MARTIN LEE GORE. Es la primera vez que DÉPÊCHE MODE comparte créditos con un colaborador externo de este calibre en la fase de composición -igualmente su participación como co-autor en otros tres temas del álbum. Esto sólo puede aumentar la sorpresa previa a su lanzamiento. La macroesfera sónica fue presentada x DM como un viaje que desde la densa oscuridad y la paranoia termina con alegoría y catarsis en una amplia gama de emociones y estado de ánimo. De pronto ya circula "My Cosmos Is Mine" tema de apertura que muestra atmósferas dark y post-industrial. Otros de los temas: 'Always You' , 'Never Let Me Go', 'Soul With Me', ' Speak To Me'◻️Live @ The Late Show DÉPÊCHE MODE https://youtu.be/WVou-8d3hjw◻️

* La ahora dupla desde la formación original: Dave Gahan y Martín Lee Gore, confiesan que tras la partida de Andrew, recién se sienten ambos más unidos.

*Nadie se esperaba en sus más idílicos sueños que Richard Butler de la tan amada banda x nosotros: The Psychedelic Furs sería co-autor compositivo para DM.

ANIMAL COLLECTIVE tiene reeditado su primer y supra  mítico álbum 'Spirit They're Gone, Spirit They're Vanished' para el próximo 12 de mayo. En versión remasterizada con una neo portada así como de un EP extra con 5 temas titulado 'A Night At The Mr. Raindrops Holistic Supermarket' e incluida su versión para 'Dreams'  (FLEETWOOD MAC). El combo de Baltimore que me encantó entrevistar, anuncia que estará el álbum+EP disponible desde el 12 de mayo. X ahora, circulan en adelanto estelar : 'Chocolate Girl' (Remasterized 2023) y el inédito 'Untitled # 1'   https://youtu.be/0TMSj7hYj64◻️https://youtu.be/LTcQSYYV2nAs◻️La mítica banda londinense post-punk KILLING JOKE ha compartido su neo single 'Full Spectrum Dominance' remezclada x YOUTH, bajista del combo. Un  adelanto de su neo álbum.  https://youtu.be/s4lLQAbl-8E◻️ https://youtu.be/Ka-kP6Fnhzl◻️

EVERYTHING BUT THE GIRL tiene en circulación su tercer single 'Run A Red Light' extraído de su álbum FUSE! disponible desde el 2 de abril. El clip escenifica una representación onírica de la historia narrada en el texto. A conectarte https://youtu.be/lo9b4buZCNo  ◻️LES INCENDIAIRES, combo canadiense anuncia su neo álbum 'In Abstrakto'. El mismo que mantiene sus logros reconocidos. Su single 'À L' angle du Hasard' en circulación estelar. https://youtu.be/YPU_BBZTMto◻️Igualmente CLOCK DVA lanza su neo álbum 'Noesis' para Mute Song. Este acto muy solicitado x su 'The Hacker' en el programa 2001, reaparece para despertar conciencias y poner la música que conecta nuestro cortex con la sustancia límbica para no olvidar que tenemos derecho a pensar y a sentir emociones todas, aún en la era esta de la susodicha: Inteligencia Artificial. Dale Play al teaser del álbum: https://youtu.be/nrQThdpyLoy3◻️JEFF MILLS me dijo que a JUAN ATKINS, le hubiera encantado que lo entrevistara, tiempo habrá aún. Su álbum 'Metropolis Metropolis' segundo score de la obra de Fritz Lang (1927), lo presenta el 4 de abril en el cinema Babylon de Berlín ◻️ 

* Lentes que modela Juan Atkins en sus concurridas performances. 

X su parte, MATTHEW HERBERT ha titulado su álbum 'The Horse' que incluye 15 temas usando el esqueleto de un caballo en la creación de sonidos. Lo capto muy andino (de Perú) x momentos. Ambos dos discos nombrados con la colaboración de The London Contemporary Orchestra como participación de SHABAKA HUTCHINGS y THEON CROSS◻️El que ama la verdad de corazón es conducido x fuerzas de luz invisibles. Entonces él mismo experimentará como puede servir a la verdad. La verdad le conducirá en el camino hacia el servicio a su prójimo◻️STOP!

S H O C K ♦️ RUSIA PUNKISH

 ♦️RUSIA: ANTROPOLOGÍA DE LA ESCENA PUNK O LA ECONOMÍA DE LA CULTURA DIY. LA COLUMNA SHOCK ESTA VEZ LA DEDICO AL PUNK EN RUSIA DESDE SUS INICIOS Y FINALIZANDO EL PUNKUMENTARIO DE ALGUNOS PAÍSES PARA QUE COMPAREN SUS SIMILITUDES PARALELAS. LA ESCENA PUNK EN  PERÚ, TAMBIÉN HA PASADO X CIRCUNSTANCIAS MUY PARECIDAS EN CUANTO A SUS INICIOS Y EVOLUCIÓN. X OTRO LADO, DURANTE 2020, DEDIQUÉ UN MEGA XPECIAL A WUHAN/CHINA EL LUGAR CONSIDERADO COMO EL MÁS PUNK DE TODO EL PLANETA. EL PUNK RUSO FUE MÁS CONOCIDO CUANDO EN 2012 IRRUMPIERON LAS PUSSY RIOTS CON 2 DE ELLAS HOY EN DÍA AUTOEXILIADAS.

                     

  

     X: HELENE RAMOS

Al ser puesta en órbita en esta columna como se desenvolvió el punk en los diferentes países, al final he comprobado que en cada uno de estos lugares el historial es casi o totalmente similar. 

Me han reenviado en los 2 recientes meses pasados, un sin fin de documentales que difunden cómo se ha venido desarrollando la escena en mención de forma paralela en casi todo el planeta. Lo percibo como un mega plan establecido puesto que casualidades no existen.

El documental punk de Puerto Rico, Ecuador, México, Bolivia, Uruguay, Argentina, Canadá... todos trazan cierto enjambre de conexión teniendo siempre como núcleo inspirador a THE RAMONES como a THE SEX PISTOLS excepto Francia. El documental que más centró mi atención -x haber este sido confeccionado durante 20 años-, ha sido el dedicado a Venezuela a idea de Ismael Torrealba. Dicho documental lo pueden ver en este link que recomiendo a ultranza plus https://youtu.be/dxPkkjXT-Dw  Titula: La Historia Punk en Venezuela no es una moda.

Me centro ahora en Rusia, con sus punkers y punkettes que a como diera lugar, dieron vida igualmente a esta escena punkish.

Es en 1979, cuando el punk se instala en Rusia abriéndose muy lentamente en un inicio vía los discos de vinilo que se vendían ilegalmente lo cual pronto explotó en las salas de conciertos controlados x el estado, allí las autoridades encontraron que el estridente movimiento juvenil era mucho más fácil de controlar.

A trompicones fue como el punk y su escena creció y floreció, siempre a un paso adelante de la policía secreta y de los neonazis, vía la perestroika, glasnost y el final de la Guerra Fría. Historia muy interesante  para ser difundida.

Los álbumes de los grupos rusos eran sacados del país de contrabando y lanzados en Europa y Estados Unidos, la mayoría de los occidentales sabían muy poco del movimiento punk de Rusia hasta que el combo PUSSY RIOT irrumpió en el escenario internacional.

La historia tiene su incepción en 1978, cuando un séquito de jóvenes rusos tuvieron acceso a escuchar a THE RAMONES, THE SEX PISTOLS y a BOOM CITY RATS vía BBC Radio interceptada ilegalmente.

SVIN es quien dio a conocer el punk en todo Leningrado, él era el píxel de una banda de clase media mientras emulaba el estilo punk tal cual lo entendían y desvinculado de la sociedad soviética. Los sonidos que ellos crearon divergieron del rock ruso tradicional que se les prohibió el ingreso en el 'Leningrad Rock Club' respaldado x la KGB.

Sólo la perestroika dio espacio de difusión a bandas punk como AVTOMATICHESKYE UDOVLETVRITELY y OBYEKT  NASMESHEK, la oportunidad de tocar ante una audiencia en vivo.

Entonces, el punk se tornó lo más pop posible debido a las reformas del estado. Época además en que el punk ruso era en sustancia expuesto en un giro bastante ligero.

Aparte de una gran plétora de expertos políticos corruptos tanto como deshonestos que salían de Siberia - a través de YEGOR LETOV y de su banda GRAZHDANSKAYA OBORONA.YEGOR LETOV estuvo además envuelto con movimientos políticos radicales que condujo a que lo internaran en un centro psiquiátrico en 1990 -en Rusia no se vienen con cosas. El hecho sólo logró que su fama se acrecienta. Él fue un auténtico rebelde y quien en 2008 falleciera de un paro cardíaco. Existe un buen documental dedicado a su banda: 'I Don't Believe ln Anarchy' -producido x su viuda Natalia Chumakova y quien fuera integrante también de la banda.

El punk en las capitales siguió siendo muy claramente apolítico. Las líricas de los temas apostaban x valores distantes de los ideales estéticos soviéticos, aunque no antipartidistas y en algunos casos el punk rock ruso era incluso pro-estado.

Luego la URSS se derrumbó y se abrió un vacío ideológico. La década de 1990 vio las peores condiciones económicas para Rusia en siglos y dejó a muchas personas buscando algún tipo de comprensión de lo que estaba realmente sucediendo: una visión del mundo en que algunos lo encontraron en la política medioambiental, la democracia a favor del mercado, el leninismo, el anarquismo ortodoxo, o en los estupefacientes.

Otros encontraron su núcleo en el neonazismo y la supremacía de la raza blanca.

La década de 1990 fue fiel testigo en Rusia de una polarización significativa de cualquier escena punk que existía en Moscú y en San Petersburgo. Este período vio igualmente desarrollarse el punk comercial, sobre todo en Moscú lo que trajo en seguida a actos como DISTEMPER.

Trás todo ello, algunas cosas seguían siendo buenas. Se inaugura en San Petersburgo un neo local llamado 'Tamta' que pasó a ser legendario y creó un espacio para músicos amateurs como también para niños y así evitar de que ellos se fugaran de sus hogares. En Moscú se inauguraba otros espacios como el 'Jerry Rubin Club'. En la década de 1990, se desarrolló una escena en Moscú en torno a algunos carismáticos intelectuales anti-intelectuales que usaban la música y la poesía como medio artístico.

A inicios de la década de 2000, una escena hardcore punk lograba mantener aún un mínimo de independencia de quienes intentaban infiltrarse en sus espectáculos. Momento preciso en que el movimiento anti-fascista de Moscú se solidifica en torno a unas pocas personas influyentes dispuestas a provocar a los neonazis para que los mantuvieran fuera de sus espacios y conciertos.

*El punk ruso comenzó como una declaración clandestina remanida: 'No Future' y 'Nosotros Contra el Mundo', frases que las Pussy Riot se las tomaron muy en serio.

El combo PUSSY RIOT, reanudó el retorno del punk en Rusia con una especie de estilo políticamente cargado e inconformista. Más adelante fueron suavizando sus liricas debido a que desde su incursión en la Catedral de Moscú en 2012, fueron constantemente atacadas x la policía como vetadas.

Siguieron presentándose ilegalmente hasta que consiguieron salir camufladas del país, pero siguen como activistas x donde van.

Para la propaganda soviética, fue siempre un problema que los punkers occidentales usaran la esvástica y la ropa nazi como parte de sus atuendos y moda.

Los punkers rusos trabajaron mucho para lograr que la escena estuviera a salvo de los neonazis; el momento actual es hoy en día muy seguro para quien quiera participar. 

A los punkers y punkettes de todo el planeta: reconozcan lo que lograron y mejoren lo que hicieron posible. Hasta aquí la cita◻️STOP!

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X: HELENE RAMOS

LUCES DE SPEKTRUM O ENERGÍA CÓSMICA HACIA EL UPPERGROUND AL ALBA DE UNA NUEVA ERA. CADA SER HUMANO ESTÁ EN COMUNICACIÓN CON SUS PROPIAS EMISIONES O GRABACIONES, CON TODAS  LAS LUMINOSAS  CONSTELACIONES PLANETARIAS  CORRESPONDIENTES AL VOLUMEN DE TODAS SUS FRECUENCIAS◻️Para el 2 de junio sale a la venta el tercer álbum de estudio del cuarteto post-punk-wave: RVG cuyo centro es  Melbourne/Australia. 

Su primer satélite en single 'Nothing Really Changes', se desplaza en un mid-tempo con atmósferas un tanto siniestras pero al mismo tiempo asequibles. El sonido es de guitarra apoyado x un teclado típicamente ochentero. Su álbum titulado 'Brain Worms' supera sus ya clásicas influencias post-punk yendo mucho más allá en estilos. Este álbum fue grabado en Londres, en donde la banda se trasladó a Snap Studios, teniendo a James Trevascus como productor y a Billy Nomates (NICK CAVE, WARREN WILLIS, THE GOON SEX) en las mezclas. Algunos de los temas incluidos: Squid', 'Tambourine', Tropic Of Cancer', como 'Midnight Sun'◻️THE NATIONAL lanzó el segundo extracto en single de su álbum 'First Two Pages Of Frankestein' el cual circulará desde el 28 de abril vía el sello 4AD. X tal motivo, THE NATIONAL se asoció a los miembros de NEW ORDER para crear una camiseta/t-shirt real del grupo en una edición limitada cuya venta será donada a una organización benéfica◻️

QUASI integrado x Janet Weiss y Sam Coomes retornó al rock como a la distorsión trás varios años de ausencia. La empatía entre la guitarra de Coomes y la batería intensa y minimalista de Weiss sigue siendo óptima. Lo de ellos es garage rock, actitud punk y esencia indie con harta distorsión como se puede comprobar en su álbum 'Breaking The Balls Of History' (Sub Pop) que incluye piezas tituladas: 'Gravity', 'Riots & Jokes', 'Rotten Wrock', 'Queen Of Ears', ' Last long Laugh'◻️

A partir de una variedad de influencias artísticas como también el alto sentido cinematográfico del tan prolífico compositor ENNIO  MORRICONE, además de los talentos reconocidos  como los de LAURIE ANDERSON,  LAURIE SPIEGEL y SUZANNE CIANI -son sólo algunos de los nombres que llegan a la mente al escuchar el álbum 'Suono In Un Tempo Trasfigurato' de la dupla: BONO/BURATTINI. Aunque también cito el enfoque hacia el experimentalismo en vórtices del GRUPPO DI IMPROVIZACIONE NUOVA CONSONANZA. Se aprecia una otra forma de canción: un perecer con fronteras osmóticas y capaz de utilizar diferentes tensiones y géneros al condensar un clímax en torno a unos puntos de luz que logran que el oyente se inmiscuya de las sustancias asumidas x el sonido. Un trabajo totalmente muy interesante. Sus temas 'Dinner Illusion', 'Stella', 'The Ballroom', 'Waves'... siendo 'Le Ossa' (Los Huesos), el que más me ha llevado hacia el universo Morricone. Dale play  https://youtu.be/j4h83rTFAk4◻️

GINA BIRCH, fundadora y bajista junto a Ana de Silva, de THE RAINCOATS, un par de estandartes del post-punk y quienes fueron un auténtico referente de la escena grunge y riot de la década de 1990 -KURT COBAIN en el liner 'Incesticide' de 1992, las notas incluían una oda  fascinante dedicada a THE RAINCOATS y a su álbum debut. Ambas placas las  difundi en Lima/Perú x las ondas hertzianas, si bien recuerdan◻️

*Kurt Cobain, uno de los muchos que fingió su muerte para salirse del sistema. 

GINA BIRCH ha continuado orbitando en la escena artística como directora y creativa de artes visuales. El año pasado ella ilustró un booklet de letras de SHARON VAN ETTEN, sólo para luego decidir volver a expresarse con las cuatro cuerdas en un manifiesto de trabajo: 'I Play My Bass Loud' que cruza con gran habilidad diversos géneros: nu-folk, funk, dub-reggae e incluso prog-rock. Colabora Mark Glover de KILLING JOKE, como productor entre otros invitados muy ilustres: THURSTON MOORE en 'Wish l Was You' en un gran y  perfecto estilo cercano a THE BREEDERS. Entre las bajistas invitadas: Jane Crockfir (MODETTES), Emily Elhaj (ANGELOISENS) y otras. En el tema 'I Will Never Wear Stilettos' cita: 'I Will Never Wear Jimmy Choo, Give Me Dr. Martens'. Al final, este es un álbum concepto centrado en la  femineidad, no encasillado y no inclasificable. El disco permite continuar brillando a una personalidad histórica como es GINA BIRCH, quien aún tiene mucho que decir. Otro acto que vuelve desde el underground para dar gran  soporte al upperground -escena que hoy en día vislumbra en todo este planeta azul. GINA BIRCH no dudó en subirse al escenario en un concierto de YO LA TENGO reciente y cantó: 'Will You Stil Love Me Tomorrow?' X otro lado, ella es quien ha dirigido y filmado una serie de vídeos como los de NEW ORDER, DEE DEE RAMONE, THE VEILS,THE LIBERTINES, PALMA VIOLETS, DAISY CHAINSAW... entre muchos otros más. Aplaudo su gran talento y su espléndida trayectoria ◻️

El audio a la entrevista que me hiciera MICHAEL PHUN CIELOS editada en 3 partes ¡circula ya! y justo al alba del upperground en gran expansión. Mi ultra-mega agradecimiento x todo ello. Aprecio su dedicación y trabajo. Dénle escucha en las órbitas rítmicas e impulsos eléctricos de transmisiones lumínicas audio digitales... (uno de los slogans de 2001 y sus sagas mega estelares) como adelanto.

◻️El tan amado x sus innovaciones BLIXA BARGELD, núcleo vocal del combo EINSTURZENDE NEUBAUTEN, se fracturó la pierna de nuevo (antes en 2014 se cayó y lastimó en el Auditorium Parco Della Música de Roma) y la banda se ha visto obligada a posponer las sesiones de estudio previstas. Se recuperará puesto que no es algo grave◻️El festival PRIMAVERA SOUND 2023 aproxima sus días mientras aún percibo en mi Vixor de Memoria a los también siempre amados CARIBOU. Su presentación de junio 2022, permanece lúcida  y totalmente imborrable:  https://youtu.be/CXy6HMlGesM◻️X lo pronto, a tener en cuenta PS2023.Check It! https://youtu.be/oR68kI9X158◻️

* Blixa Bargeld se ha ya comunicado vía Twitter asegurando que se recuperará.

La Tierra y todo el sistema solar podría entrar en una vibración más elevada, x nuestra propia y lumínica irradiación si tan sólo toda la humanidad de este bello planeta ¡lo aspirase!◻️En mi radar x estos días están:  TOURJETS - 'Don't Call Me Now' https://youtu.be/Sch-mYSmtYQ◻️ Igualmente .com & FRANCESCA LONDONO - 'Wistful' / https://youtu.be/8oMV0EKd34c como también el acto SETTING SUN - 'Whitelands' https://youtu.be/Xx6hwZaZ4mo y todo el álbum de FRENCHY & THE PUNK - 'Zen Ghost', con cierta esencia SIOUXSIE SIOUX◻️ Aquél que ha luchado contra su ego y ha vencido, posee la verdadera libertad y la verdadera paz del alma◻️Aprendemos viviendo, vivimos para aprender◻️Hasta aquí mucho de lo que produce la centralita física, que es el cerebro◻️STOP!

P L U S !

STOP THE PRESS! Es la frase que se usa en los medios escritos cuando se quiere remarcar algo que no se puede posponer. En la galaxia dorada de actos que pululan en la escena ahora mismo: Kanine Records me hace saber que para el 29 de marzo circula el EP debut de DUST - 'et cetera, etc'. Un quinteto australiano que  está creando grandes expectativas con su tema 'Ward 52'.  https://youtu.be/mrzzozZaXlA◻️ PINE FRANCIS, acto de Philadelphia mueve olas igualmente con su onda alt-psych y dream-pop vía su single: 'Frantic Francis'. Link:  https://youtu.be/pHV7h0fGNQA◻️Enjoy!

SILVERIA INTERVIÚ :. "Futura EP" es una declaración de amor propio. A muchos hombres realmente no les gusta idea de una mujer libre.

 

Silveria es una dupla informada por Noelia Cabrera y Natalia Vajda, quienes llevan una trayectoria en la liza de la música alternativa. Una al frente de proyectos como Blue Velvet y The Underground Parties y su partner en entes del porte de Mercury Toys además de integrar el notable proyecto Warmi Rock Camp Perú, enfocado a impulsar la música en las niñas. Como Silveria ambas están construyendo una discografía que destella hedonismo sin tapujos y sensaciones fiesteras en sintonía con la new wave ochentera y el electroclash. Hace poco lanzaron el EP, "Futura (A Tutiplén, 2022)", un ramillete de canciones que refrendan talento y actitud agradables de presenciar en una Lima atestada de conservas y machirulos por doquier. Han hecho un espacio en su día a día para concedernos estas palabras. 

¿Por qué o a qué alude Silveria? ¿Cómo se conocieron ambas? Cuéntenos de sus respectivos background, por favor.

Silveria hace referencia al concepto de que la naturaleza silvestre es indómita, oscura, fuerte, hermosa, e implícitamente femenina.

Nos conocemos por ser músicos de la misma escena musical underground desde hace varios años. Natalia tiene un proyecto llamado Mercury Toys y yo tuve en su momento un proyecto llamado Kusama y otro Blue Velvet.

Vuestro sonido refrenda el sonido de la new wave y el electroclash. Hedonismo y sensualidad pop. ¿Cuáles son vuestros referentes al momento de componer y de escribir vuestras líricas?

Futura, nuestro primer EP, es envisionar el futuro en femenino, es una proclamación de emancipación y declaración de amor propio. En Futura, nos apropiamos de nuestro futuro con una producción en donde volcamos diferentes emociones, estados de ánimo y sentimientos de rabia, pérdida, amor, libertad y optimismo con sonidos revival que rinden tributo a la década de los 80 y 90. 

Tomamos elementos del new wave, el post punk y synthpop para diseñar una sonoridad que se caracteriza por sintetizadores y cajas de ritmos, capas de guitarras saturadas de efectos, bajos enérgicos y voces envolventes que van creando armonías sutiles que en su delicadeza tienen la potencia de un grito primario.

Es difícil definir con un solo género a Silveria, pero su sonoridad podría calzar dentro del gran espectro del rock alternativo.

Nos influencian bandas como Echo & the Bunnymen, Sisters of Mercy,  Savages, Primal Scream, New Order, Scream, Coil, Cocteau Twins, etc.

En una escena dominada por el orden masculino hasta en la prensa musical y la ingeniería de sonido, ¿cómo ha sido instaurar Silveria como motor y catalizador del empoderamiento femenino?

Ha sido un reto. Como siempre.

Ser mujer en una escena predominada por hombres por default te pone en la posición de que debes demostrar que puedes hacer algo tan bien o mejor que los hombres.

Nosotras al momento de armar Silveria solo pensamos en decir las cosas que queríamos decir sin importar que piensen y componer como queríamos componer de la misma manera. 

Creo que mucho del empoderamiento femenino parte de desprenderse del juicio que puedan tener sobre una a todo nivel, tanto como músico y como mujer.

En “Cadillac” hablan de sentir sin remilgos y a todo poder. En Instagram aclaran: “A cuántos hombres he escuchado decir que desean a una mujer inteligente en sus vidas… Yo los animaría a que lo pensaran bien. Las mujeres inteligentes toman decisiones por sí mismas, tienen deseos propios y ponen límites. Una mujer inteligente no va a dejarse manipular ni chantajear, ella no se traga culpas, asume responsabilidades. Esas mujeres tuvieron vida antes de ti y saben que la seguirán teniendo una vez que tú te hayas ido.” Es extraño pero siempre se suele asociar el tópico del amor y el romance con el ambiente femenino y ustedes lo corroboran. Cuando alguno expresa que no necesita más que la música y su cerebro de frente te cancelan chantándote el sambenito de “INCEL”. Después de tanto embrollo, ¿por qué se hace tan difícil ser solo si ya está visto que todo es una comedia?

Consideramos que el tópico del amor existe por ambas partes. Todos escriben canciones de amor y des amor, es un sentimiento que nos mueve muy fuerte. 

No creemos que sea exclusivo de un solo género pero es innegable el amor romántico es una construcción de dos que pone a la mujer en una situación sumisa. Tenemos canciones de hablan de amor en pareja pero por ejemplo “Volver”, habla del amor hacia mi papá y lidiar con su ausencia cuando él falleció. Hay distintos tipos de amor también.

Cadillac habla de sentir y vivir con libertad. “Esta canción se trata de sentir de más sin sentirse mal por sentir más intensamente que el resto y demostrarlo.”

Es distinto el concepto que se tiene de un hombre que disfruta de su libertad sexual, al concepto que se tiene de una mujer que decide hacer lo mismo. Nos enseñaron a reprimir todo para calzar en el molde de lo aceptable. Lo aceptable es mucho más limitante cuando eres mujer y esto es innegable. 

yo hago alusión a las mujeres inteligentes con ese texto de Márquez porque Las mujeres que vemos más allá de los prejuicios sabemos que no tenemos que sentir culpa y que no necesitamos depender emocionalmente de alguien para sentirnos completas y mucho menos darle explicaciones a algún parte externo de las cosas que queremos hacer.

Es más fácil ser si eres hombre. Y a muchos hombres realmente no les gusta la idea de una mujer libre.

¿Cuál es vuestro set up, equipamiento?

Natalia usa una Gibson SG standard classic y una amplia pedalear con efectos white purple octopus, moog ring modulator, mxr classic108 fuzz,  ibanez tube screamer, TC electronics sparkbooster, mxr  phase90, electro harmonix, neoclone, electro harmonix holygrail, tcelectronics vortex, Boss SL20slicer, TC electronics flashback delay.

Grabamos armonías con un Monologue, y básicamente modificamos sonidos del Logic.

Yo he usado un Fender Precision Elite y un big Muff. En vivo utilizo un pedal tv helicon de voz con delay y algo de reverb.

Recientemente hemos incorporado la presencia de una baterista para tener dos formatos dependiendo del lugar en el que toquemos.

¿Cómo ha sido la recepción del público en los conciertos, alguna anécdota que puedan compartir?

Muy buena la recepción, nuestro primer EP ha tenido buenas reseñas en medios musicales nacionales e internacionales.

Una anécdota que recordamos fue tocando en Huancayo en donde un hombre del público nos pidió en tono de burla si éramos capaces de tocar una canción de Iron Maiden. Cuando terminamos el show se acercó a pedirnos disculpas y felicitarnos por nuestra ejecución.

¿Por qué pasan de tener página en bandcamp?

Las plataformas digitales han cambiado con el tiempo. Somos conscientes de que son plataformas que no generan muchos ingresos y pagan poquísimo a los artistas por reproducción y pero al ser las plataformas más usadas en la actualidad son más como una herramienta que nos brinda alcance.

Por otro lado, no descartamos subir el material a bandcamp pronto.

¿Qué discos, grupos o libros recomendarían a los lectores de Perú Avantgarde?

Donde todo Termina por Blanca Varela (recitamos algunos fragmentos de Dama de Blanco de ella en nuestra canción Volver) 

Los Robots del Amanecer de Isaac Asimov

Patas Arriba: la escuela del mundo al revés de Eduardo Galeano

Ropa Música Chicos de Viv Albertine

De discos 

Saáda Bonaire de Saáda Bonaire 

Mentiras de Boan 

Zoom Pool de Third Wife 

More like space de Seefeel

Beat de Bowery Electric

Todo lo de DIIV también nos gusta 

Planes futuros.

Queremos tocar más en vivo, sentimos que cada vez hay menos lugares para organizar conciertos y es muy difícil organizar eventos culturales de calidad en Perú.

Contemplamos sacar un disco este año y poder girar en el extranjero en el futuro. 

VOM HIMMEL HOCH

Por UWE SCHÜTTE 
De "Kraftwerk. Future Music from Germany" (2020)

...La canción de cierre, 'Vom Himmel hoch' ('Desde el cielo arriba'), hace referencia al título de una popular canción navideña, mientras que la música imita un ataque aéreo en tiempos de guerra que reanima los horrores de los bombardeos civiles con un repertorio mínimo de percusión y sonidos electrónicos. Junto con el título oscuramente irónico y ambivalente, esto fue notable en ese momento, ya que la campaña de bombardeo estratégico emprendida contra la población alemana durante los últimos años de la Segunda Guerra Mundial por parte de las fuerzas aliadas fue un tema muy difícil de abordar, particularmente para la izquierda. Alemanes jóvenes inclinados a la izquierda entendieron demasiado bien que la destrucción era, en un sentido moral, la venganza legítima por los crímenes cometidos por los nazis.

"Nuestra tradición aquí había sido rota, bombardeada", dijo Hütter en una declaración reveladora en 1991, señalando que mientras los nazis habían destruido el próspero movimiento modernista y vanguardista en Alemania tan pronto como llegaron al poder en 1933, el bombardeo las campañas de las fuerzas aéreas británicas y estadounidenses habían diezmado las ciudades y la infraestructura alemanas hasta un grado inimaginable hasta ahora. Las imágenes aéreas de la destrucción de Colonia muestran la ciudad entera como un vasto campo de ruinas y destrucción. Miles de cuerpos en descomposición yacían enterrados bajo los escombros.

Hablando en 1991, Florian Schneider recordó el Düsseldorf de su infancia: “Gran parte de la ciudad todavía estaba destruida. Recuerdo que las calles todavía estaban llenas de agujeros de bombas, era un poco como ahora en el Líbano”. Hütter dio una descripción similar en 1982: “A nuestros padres los sacaron de sus casas. Su principal interés era reconstruir una vida para ellos mismos. Se obsesionaron con las cosas materiales y se pasaron de la raya”.

El hecho de que los bombarderos aliados hayan arrasado con muchas zonas urbanas de la zona del Rin-Ruhr debe tenerse en cuenta al considerar algunas de las declaraciones de Hütter, como la siguiente, en la que pretende explicar la compleja situación en la que se encontraban los jóvenes alemanes de su generación cuando tratan de llegar a un acuerdo con su difícil legado nacional: "Alemania había perdido su identidad. Todos nos sentimos muy perdidos". La cita no implica ni nacionalismo ni revisionismo, sino una pronunciada sensación de desplazamiento y confusión en un territorio que debería sentirse familiar: el país de origen de uno.

VOM HIMMEL HOCH

By UWE SCHÜTTE
From "Kraftwerk. Future Music from Germany" (2020)

The closing track, ‘Vom Himmel hoch’ (‘From Heaven Above’), references the title of a popular Christmas song, while the music mimics a wartime air raid which reanimates the horrors of civilian bombings with a minimal  repertoire of percussive and electronic sounds. Together with the darkly ironic and ambivalent title, this was remarkable at the time, as the strategic bombing campaign waged against the German population during the last years of the Second World War by Allied forces was a very difficult subject to raise, particularly so for left-leaning young Germans who understood all too well that the destruction was, in a moral sense, rightful vengeance for the crimes committed by the Nazis.

‘Our tradition here had been broken, bombed,’ Hütter said in a telling statement in 1991, pointing out that while the Nazis had destroyed the thriving modernist, avant-garde movement in Germany as soon as they came to power in 1933, the bombing campaigns by the British and US air forces had decimated German cities and infrastructure to a hitherto unimaginable degree. Aerial images of the obliteration of Cologne show the entire city as one vast field of ruins and destruction. Thousands of decomposing bodies lie buried beneath the rubble.

Speaking in 1991, Florian Schneider recalled the Düsseldorf of his  childhood: ‘Much of the town was still destroyed. I remember the streets were still full of bomb holes, it was a bit like it is in Lebanon now.’ Hütter gave a similar description in 1982: ‘Our parents were bombed out of their homes. Their main interest was to reconstruct a life for themselves. They became obsessed with material things and went over the top.’

The fact that Allied bombers had wiped out many urban areas of the  Rhine-Ruhr area must be taken into account when considering some of Hütter’s statements, such as the following, in which he aims to explain the complex situation young Germans of his generation found themselves in when trying to come to terms with their difficult national legacy: ‘Germany had lost its identity. We all felt very lost.’ The quote implies neither nationalism nor revisionism but instead a pronounced sense of displacement and confusion in a territory that should feel familiar: one’s native country.

Entrevista a Helene Ramos por Michael Phun - parte 1

De parte de master DJ HELENE RAMOS: "Es una entrevista que me hicieron durante unas 3 horas y sale en 3 partes en un tiempo un poco distanciado. No ha sido fácil editarlo x las canciones que tuve que ir buscando para ser incluídas. Miles de gracias!!!" 

Quienes poseen los datos poseen el futuro

Por Yuval Noah Harari

Extraído de 21 lecciones para el siglo XXI

Igualdad

Quienes poseen los datos poseen el futuro

En las últimas décadas, a la gente de todo el planeta se le ha ido diciendo que la humanidad se halla en la senda hacia la igualdad, y que la globalización y las nuevas tecnologías nos ayudarán a llegar pronto a ella.

En realidad, en el siglo XXI podrían surgir las sociedades más desiguales de la historia. Aunque la globalización e internet salvan la distancia entre países, amenazan con agrandar la brecha entre clases, y cuando parece que la humanidad está a punto de conseguir la unificación global, la propia especie podría dividirse en diferentes castas biológicas.

La desigualdad se remonta a la Edad de Piedra. Hace 30.000 años, las bandas de cazadores-recolectores enterraban a algunos de sus miembros en tumbas suntuosas repletas de miles de cuentas de marfil, brazaletes, joyas y objetos de arte, mientras que otros miembros tenían que conformarse con un simple agujero en el suelo. No obstante, las antiguas bandas de cazadores-recolectores eran todavía más igualitarias que cualquier sociedad humana posterior, porque tenían muy pocas propiedades. La propiedad es un prerrequisito para la desigualdad a largo plazo.

Tras la revolución agrícola, la propiedad se multiplicó, y con ella la  desigualdad. A medida que los humanos se hacían con la propiedad de la tierra, de animales, de plantas y utensilios, surgieron rígidas sociedades jerárquicas, en que pequeñas élites monopolizaron la mayor parte de las riquezas y el poder de generación en generación. Los humanos acabaron por aceptar esta organización como algo natural e incluso ordenado por la divinidad. La jerarquía no era solo la norma, sino también el ideal. ¿Cómo puede haber orden sin una clara jerarquía entre los aristócratas y los plebeyos, entre hombres y mujeres, o entre padres e hijos? Sacerdotes, filósofos y poetas en todo el mundo explicaban con paciencia que de la misma manera que en el cuerpo humano no todos los miembros son iguales (los pies han de obedecer a la cabeza), así en la sociedad humana la igualdad no acarrearía más que caos.

Sin embargo, a finales de la era moderna la igualdad se convirtió en un ideal en casi todas las sociedades humanas. Ello se debió en parte al auge de las nuevas ideologías del comunismo y el liberalismo. Pero se debió también a la revolución industrial, que hizo que las masas fueran más importantes de lo que nunca habían sido. Las economías industriales se basaban en masas de obreros comunes, mientras que los ejércitos industriales se basaban en masas de soldados comunes. Los gobiernos tanto de las democracias como de las dictaduras invertían mucho en la salud, la educación y el bienestar de las masas, porque necesitaban millones de obreros sanos que trabajaran en las líneas de producción y millones de soldados leales que lucharan en las trincheras.

En consecuencia, la historia del siglo XX se centró en gran medida en la reducción de la desigualdad entre clases, razas y géneros. Aunque el mundo del año 2000 tenía todavía su cuota de jerarquías, era un lugar mucho más igualitario que el mundo de 1900. En los primeros años del siglo XXI, la gente esperaba que el proceso igualitario continuara e incluso se acelerara.

En particular, esperaban que la globalización llevara la prosperidad  económica por todo el planeta, y que como resultado en la India y en Egipto la gente llegara a disfrutar de las mismas oportunidades y los mismos privilegios que en Finlandia y Canadá. Toda una generación creció con esta promesa.

Ahora parece que esta promesa podría no cumplirse. Ciertamente, la  globalización ha beneficiado a grandes segmentos de la humanidad, pero hay indicios de una desigualdad creciente tanto entre las sociedades como en el interior de las mismas. Algunos grupos monopolizan de forma creciente los frutos de la globalización, al tiempo que miles de millones de personas se quedan atrás. Ya hoy en día, el 1 por ciento más rico posee la mitad de las riquezas del mundo. Y lo que es aún más alarmante: las 100 personas más ricas poseen más en su conjunto que los 4.000 millones de personas más pobres.

Esto aún podría empeorar mucho. Como se ha visto en capítulos anteriores, el auge de la IA podría eliminar el valor económico y político de la mayoría de los humanos. Al mismo tiempo, las mejoras en biotecnología tal vez posibiliten que la desigualdad económica se traduzca en desigualdad biológica. Los superricos tendrán por fin algo que hacer que valga de verdad la pena con su extraordinaria riqueza. Mientras que hasta ahora podían comprar poco más que símbolos de estatus, pronto podrán comprar  la vida misma. Si los nuevos tratamientos para alargar la vida y mejorar las  condiciones físicas y cognitivas acaban siendo caros, la humanidad podría dividirse en castas biológicas. A lo largo de la historia, los ricos y la aristocracia siempre pensaron que sus capacidades eran superiores a las de todos los demás, y por ese motivo tenían el control. Por lo que sabemos, eso no era cierto. El duque medio no estaba más dotado que el campesino medio, sino que debía su superioridad solo a una discriminación legal y económica injusta. Sin embargo, hacia 2100 los ricos podrían estar realmente más dotados, ser más creativos y más inteligentes que la gente que habita en los suburbios. Una vez que se abra una brecha real en la capacidad entre los ricos y los pobres, resultará casi imposible salvarla. Si los ricos emplean sus capacidades superiores para enriquecerse todavía más, y si con más dinero pueden comprarse un cuerpo y un cerebro mejorados, con el tiempo la brecha no hará más que agrandarse. Hacia 2100, el 1 por ciento más rico podría poseer no solo la mayor parte de las riquezas del mundo, sino también la mayor parte de la belleza, la creatividad y la salud del mundo.

Los dos procesos juntos, la bioingeniería unida al auge de la IA, podrían por tanto acabar separando a la humanidad en una pequeña clase de superhumanos y una subclase enorme de Homo sapiens inútiles. Para empeorar todavía más una situación agorera, al perder las masas su importancia económica y su poder político, el Estado podría a su vez perder al menos algunos de los incentivos para invertir en su salud, su educación y su bienestar. Es muy peligroso no ser necesario. Así pues, el futuro de las masas dependerá de la buena voluntad de una pequeña élite. Quizá haya buena voluntad durante unas cuantas décadas. Pero en una época de crisis (como una catástrofe climática) resultará muy tentador y fácil echar por la borda a la gente no necesaria.

En países como Francia y Nueva Zelanda, con una larga tradición de  creencias liberales y prácticas de estado del bienestar, quizá la élite siga haciéndose cargo de las masas aunque no las necesite. Sin embargo, en Estados Unidos, más capitalista, la élite podría usar la primera ocasión que se le presente para desmantelar lo que quede del estado del bienestar. Un problema todavía mayor acecha en grandes países en vías de desarrollo, como la India, China, Sudáfrica y Brasil. Allí, una vez que la gente de a pie pierda su valor económico, la desigualdad podría dispararse.

En consecuencia, la globalización, en vez de generar la unidad global, podría llevar a una «especiación»: la división de la humanidad en diferentes castas biológicas o incluso diferentes especies. La globalización unirá al mundo horizontalmente al borrar las fronteras nacionales, pero de manera simultánea dividirá a la humanidad verticalmente. Las oligarquías dominantes en países tan diversos como Estados Unidos y Rusia podrían fusionarse y hacer causa común contra la masa de sapiens ordinarios. Desde esta perspectiva, el resentimiento populista actual hacia «las élites» está  bien fundado. Si no vamos con cuidado, los nietos de los magnates de Silicon Valley y de los multimillonarios de Moscú podrían convertirse en una especie superior para los nietos de los palurdos de Appalachia y los campesinos siberianos.

A la larga, una situación hipotética de este tipo sería capaz incluso de desglobalizar el mundo, pues la casta superior podría congregarse dentro de una autoproclamada «civilización» y construir muros y fosos que la separaran de las hordas de «bárbaros» del exterior. En el siglo XX, la civilización industrial dependía de los «bárbaros» para el trabajo barato, las materias primeras y los mercados. Por tanto, los conquistó y absorbió. Pero en el siglo XXI, una civilización postindustrial que se base en la IA, la bioingeniería y la nanotecnología podría ser mucho más independiente y  autosuficiente. No solo clases enteras, sino países y continentes enteros podrían resultar irrelevantes. Fortificaciones custodiadas por drones y robots podrían separar la zona autoproclamada civilizada, en la que los cíborgs lucharan entre sí con bombas lógicas, de las tierras bárbaras en que los humanos asilvestrados lucharan entre sí con machetes y kaláshnikovs.

A lo largo de este libro suelo usar la primera persona del plural para  hablar del futuro de la humanidad. Digo lo que «nosotros» necesitamos hacer acerca de «nuestros» problemas. Pero quizá no haya «nosotros».

Quizá uno de «nuestros» mayores problemas sea que diferentes grupos humanos tengan futuros completamente distintos. Quizá en algunas partes del mundo se deba enseñar a los niños a diseñar programas informáticos, mientras que en otros sea mejor enseñarles a desenfundar deprisa y a disparar de inmediato.

SHOCK 🎸JAPÓN PUNKERIZADO

🇯🇵 ALLÁ X LA DÉCADA DE 1960, LA FLORECIENTE ESCENA DEL PSYCH-ROCK JAPONÉS Y UNA ESCENA MUY CONOCIDA COMO 'SONIDOS EN GRUPO', QUE FUSIONABA LA MÚSICA POPULAR JAPONESA CON EL ROCK OCCIDENTAL Y CON LETRAS EN INGLÉS MAYORMENTE, ERAN UNA PRUEBA LEGAL DE LA INFLUENCIA DEL  ROCK BRITÁNICO COMO DEL ESTADOUNIDENSE EN LA MÚSICA JAPONESA. ESTA VEZ, CITO LA HISTORIA INACABADA DEL JAPÓN PUNKERIZADO Y SUS OTROS  PÍXELES COMO SUBGÉNEROS ◻️   

      X: HELENE RAMOS 

Así que, cuando una neo generación de británicos y norteamericanos reaccionó a los excesos de gran presupuesto de la década de 1970, con los sonidos abrasivos, rondando y el espíritu punk bricolage o DIY, Japón y su generación de esa época reaccionó.

Japón es un país con su propia cultura y su política x lo que su escena punk es muy propia. Aunque su escena es un tanto de simplificación. 

En realidad, los paisajes musicales de una gran mayoría de los países están ciertamente hechas x sub-escenas regionales, a menudo con sonidos y estilos sorprendentemente únicos, incluso entre eras cercanas geográficamente.

En un inicio, las reportadas dos escenas punk más grandes de Japón se centraban alrededor de Tokyo y Osaka.

*Punkers japoneses en  Shibuya région peculiar de la metrópolis de Tokyo y x Shinjuku/Japón.

La escena de Tokyo fue la más soluble en términos generales, con su gran producción musical más relacionada con el punk occidental. X otro lado, la escena punk de Osaka fue la más bizarra y disonante proyectándose hacia el noise. La escena de Tokyo comenzó a finales de la década de 1970 con actos como el grupo FRICTION directamente del lugar https:youtu.be/gsevJmMF8JA y THE STALIN, con base en Fukushima.

Muchos de los combos punkers de Tokyo probaron x vez primera la notoriedad general y la aclamación que bandas occidentales como THE SEX PISTOLS habían logrado al tener en las pantallas el estreno de 'Burst City' un film de acción de 1982 dirigida x Soho Ishii en vena post-apocalíptica protagonizada x los integrantes de  THE STALIN, THE ROOSTERS y THE ROCKERS (otras dos bandas punk) presentando su música y sus variadas actuaciones, que colaboró en una gran medida a consolidar la temprana estética punk japonesa en la mente del público. Este es el tema 'Rosie' que destacó y se difundió del combo THE ROOSTERS https://youtu.be/3AXp7BWca6l

*Escena de 'Burst City' dirigida x Soho Ishii.

*Punkers y punkettes que deambulan x las calles de Japón y hasta la fecha -y no tan sólo porque irán a un concierto.

El punk en Tokyo siguió creciendo en popularidad con la llegada de THE BLUE HEARTS en 1985. Ellos siguen activos hasta la fecha. Su sonido abarca más la melodía y sus ironías han demostrado ser menos conflictivas y ha escalado en aceptación mucho más que las otras bandas como vendiendo miles de copias de sus discos. Su actitud en los escenarios ha sido además un plus en su carrera ya de años.

El combo de chicas THE LINDA LINDA'S (USA) tomó ese título de canción como nombre de su grupo que  doy como data extra. Así, cuando THE BLUE HEARTS logró que el punk fuera más accesible a las masas, ello produjo una escena un tanto más agresiva en los barrios japoneses de Tokyo. Este es otro de sus temas que movió la escena y titula 'Owaranai Uta'/ An Endless Song. Dale respectivo play https://youtu.be/tJhc0rPhRk

*Hanatarash es la banda japonesa punk citada como la más agresiva de su historia.

X su parte, historiadores de la escena punk japonesa, citan que en 1979, la banda SS estaba ya tocando una versión acelerada como reducida de punk-rock que transitó hacia el hardcore punk y que las bandas de California y D.C., a quienes se le atribuye su creación simplemente popularizaron el término. (¡Ouch!). Link:

https://youtu.be/ONTj9Hgh&To

Aunque la banda hardcore japonesa más importante es GISM además de ser pionera en el género crossover trash que inyectó para la expansión de otros términos más. Alcanzó también una gran y amplia notoriedad Internacional.

*Punkers y punkettes x las calles sin rubor alguno

Tras la avanzada que se veía en la escena hardcore de Tokyo, no se apreciaba ese suceso en Osaka. X su parte, los punkers de Osaka tomaron esencias de la música industrial, avant-garde y performances para crear algo que difícilmente podría llamarse música. En Norteamérica lo llamaron 'japanoise'. 

Entre los actos destacados cito a este  conocido como HIJOKAIDAN: un guitarrista y un vocalista que muy libremente improvisaban con altos decibeles. Está de hecho: MERZBOW (acto que difundí x las ondas hertzianas en Lima/Perú), que colaboró a desarrollar el género raw-noise, siendo esencialmente sólo una gran amalgama de multi-sonidos electrónicos desprovistos totalmente de ritmos y melodía. Contra todo pronóstico MERZBOW obtuvo reconocimiento internacional y él sigue trabajando con muchos otros actos de este globo terrestre. 

Otra figura reconocida dentro de la escena que hace la historia dentro del punk y sus derivados en  Osaka es YAMANTAKA  EYE. Conéctate a su 'm4v'

https://youtu.be/q6UwsgZtuVU

Como han apreciado más arriba, HANATARASH fue un acto menos musical y más como un proyecto de performance que hizo un uso intensivo del sonido. La marca de música de ruido industrial de este acto utilizó herramientas eléctricas y maquinaria pesada en lugar del uso de instrumentos. Muy radical y altamente extremista en sus performances que fue expulsado de todos los locales del Japón, al atreverse a demoler una pared con una excavadora durante una actuación.

YAMANTAKA EYE fundó BOREDOMS para entonces.

Un acto noise que logró éxito internacional -y al cual pude igualmente difundir al aire en Perú. Ellos tuvieron amistad con los  integrantes de SONIC YOUTH (¡empezar x allí!) y con el grupo  experimental de jazz NAKED CITY del saxofonista JOHN ZORN. Ellos siguen activos y con su marca única de avant-garde noise japonés.

En toda esta historia del Japón punkerizado tiene también un rol importante el cyberpunk. Con todo, el punk-rock ha estado bien consolidado en Japón y no se ha detenido. Es toda una subcultura, con todas sus propias políticas, actitudes y valores. El punk es el estilo que ha expectorado más toneladas de bilis con sus líricas antisistema en todo el planeta. Para las neo tribus punkers de todo el mundo no hay reglas ni rigidez, sino expresión libre de la personalidad más consciente de sí mismo.

Tengo aún mucho más que citar pero he aquí mucho, muchísimo de su implícita y altamente destacada esencia◻️Yameru=STOP!

UNA CONVERSACIÓN CON HENRY GATES :. A los nuevos músicos les diría que nunca dejen de ser jóvenes, sin importar la edad que tengan

Jason Spaceman y Henry Gates

De todos los cadetes espaciales que conocí en los 90, Henry Gates es uno de aquellos que pasearon sus gracias por grupos de la estirpe más shoegazer que brotaron jamás de Lima. Hablo de Espira y Resplandor. Henry formó parte, en diversos tempos, de ambas agrupaciones. Su posición en la movida shoegazer latinoamericana, visto desde tal ángulo, ostenta privilegios. Galardones ganados gracias al amor por la música de avanzada y sus visiones, por apostar a un sonido que en el inicio de todo no rendía rédito alguno y era hasta boicoteado por el común de la escena alterna. 

Desde aquellos cielos de Crisálida Sónica el ponto ha fluido sempiternamente. Después de editar un EP solista hace 12 años, Henry ha encontrado una manera de regalar al mundo amor y música a partes iguales: junto con Paloma La Hoz ha creado THANK YOU LORD FOR SATAN. Un proyecto sui generis en la escena independiente actual, en él flotan tanto Spiritualized como Galaxie 500, Velvet Underground como Mazzy Star. Conversamos con Gates a pocos días del debut de Thank You Lord..., el martes 28 de febrero, y acá tienen el resultado. 

Coméntanos cómo empezó tu afición por la música alterna, ¿quizá por el lado materno?

Si hablamos específicamente de “música alterna”, yo diría que fue gracias a mi hermana mayor, Kelly. Yo tenía 10-11 años. Eran los años 80s y ella formaba parte de la movida subte en Lima. Se vestía de negro todo el tiempo y gracias a ella conocí (a esa temprana edad) bandas como Depeche Mode, Jesus And Mary Chain, Echo and The Bunny Men, The Smiths, pero también a Black Sabbath, Ramones, Exploited y Toy Dolls, por nombrar algunas cosas fuera del espectro New Wave. Y dentro del subte peruano, escuchaba mucho a Eutanasia, Voz Propia, Combustible. De hecho, un día mis padres castigaron a mi hermana y le dijeron que solo le daban permiso de salir si se llevaba a su hermano menor (yo) y así fue como asistí a mi primer concierto de la vida, Leuzemia y Masacre en la Concha acústica del Campo de Marte en Jesús María. A la par de eso, crecí con la música clásica y tangos que escuchaba mi padre, y la nueva ola de parte de mi madre.

Te recuerdo a mediados de los 90 cuando con gente de Avalonia coincidimos en un departamento en San Borja (¿o sería Surco?). ¿Qué recuerdos de esos años de música etérea y experimentación de las bandas de Crisálida Sónica en que participaste? De los conciertos y maquetas que se produjeron, de todo lo vivido.

Yo recuerdo con mucho cariño y afecto toda esa época. Casi todos de nosotros teníamos menos de 20 años. Recuerdo que un buen día llegué a audicionar como bajista en una banda llamada “Resplandor” y ahí comenzó todo. En esa época Resplandor formaba parte de todo ese grupo de “chibolos” con ganas de comerse el mundo, con mucho romanticismo (en el buen sentido de la palabra) y muchas ganas de “trasgredir”, de evolucionar, de hacer cambios, de experimentar nuevos caminos sonoros. Espira, Catervas, y Resplandor, compartíamos la misma sala de ensayo en Surco, el mítico estudio de Melchor Malo. Y muchas veces ensayábamos juntos, es decir, todas las bandas dentro de la sala y simplemente nos íbamos turnando el momento de ensayar en presencia de los miembros de las otras bandas. Hacía un calor infernal (jaja). Otras de las bandas que recuerdo mucho de esa época son Avalonia, Labioxina, Fractal, Girálea y los grandes de Hipnoascención.  No estoy seguro, pero creo que te vi en algunas de esas sesiones de ensayos, Wilder. A ti y a otros personajes entrañables de esa época como Christian Galarreta (Evamuss), que en esa época tenía un proyecto música llamado “Dios me ha violado” con Yuri Gutierrez y Aldo Castillejos. Recuerdo que hicimos varios conciertos en “El Más Allá” de Barranco, que era experimentación pura. No iba nadie a vernos (jajaja) algunos hacíamos canciones y otros solo ruidismo retroalimentando efectos de guitarra. Y luego está el recordadísimo concierto en “El árabe Pub” en San Martín de Porres, que fue el concierto más grande que hicimos. En esa ocasión recuerdo haber tocado con uno o dos proyectos en el escenario, pero no recuerdo cuáles. La memoria es frágil después de tanto tiempo y en esa época no era nada fácil registrar en fotos o videos lo que estaba pasando. Un poco antes de eso, fue el primer concierto de Resplandor en la discoteca Bauhaus en Miraflores, y que, de hecho, fue la primera vez que me subí a tocar a un escenario. También recuerdo ese viaje hermoso que hicieron casi todos los miembros de Crisálida Sónica, al cual no pude ir. Esto es un resumen de las cosas que recuerdo de esa época.

Para ti qué fue primero ¿Espira o Resplandor?

Como lo comenté en la respuesta anterior, mi primer encuentro con toda esta movida fue a través de Resplandor. Pero efectivamente, éramos muy cercanos con bandas como Espira: El Chino Burga, Aldo Castillejos, Renzo Lari, Raúl Reyes y Lucía Vivanco (que entró un poco después). Acabo de recordar algo a medias. Me parece que El Chino Burga fue el bajista provisional de Resplandor antes de que yo llegue a la banda… pero no estoy 100% seguro de eso, cuando él y Antonio Zelada lean esto, lo podrán corroborar o desmentir (jaja).  

Recuerdo los domingos de ensayos en Melchor Malo y luego ir todos en mancha a Radio Miraflores al programa de Helene Ramos.

Durante los siguientes años, formé parte, pero muy efímeramente de Espira, y también, de una forma aún más efímera, de La Ira de Dios. Muchísimos años más tarde tuve el honor de formar parte de Espira en el concierto homenaje a Crisálida organizado el 2015 en el Centro Fundación telefónica.

Cuéntanos sobre tus actividades ya en los 2 miles; además de la música ¿a qué otras expresiones te dedicas?

Nunca he dejado de hacer canciones, desde los 90s hasta ahora… mi proceso es super lento, pero nunca ha parado. En el 2003, una canción mía salió en el recopilatorio “Vamos a ser Felices” que fue el primer disco editado por Luis Alvarado y Buh Records. En el 2004, Sandra Villarreal y yo formamos un proyecto llamado Cajas y Burbujas, con el cual (lamentablemnte), no llegamos a editar nada. Pero existen varios demos y grabaciones a medias de esa época.

En el 2011 saqué un Ep con Buh Records titulado “Don’t want the sun to shine today” y le fue bastante bien en su momento. Incluso llegué a hacer algunos conciertos, para lo cual conté con el apoyo de Lucía Vivanco en el bajo, Efrén Castillo (Moldes) en la primera guitarra y Christian Manzanares en la batería.

También por esa época recuerdo haber sido músico de apoyo de mi gran amiga Jennifer Cornejo, en conciertos en donde presentábamos sus nuevas canciones y algunas canciones de su etapa en Electro-z.

Extra musicalmente, mi formación es en comunicación audiovisual, lo que me llevó a hacer varios cortometrajes en los 2 miles, algunos más experimentales que otros. Por esas épocas, junto a Sandra Villarreal, hicimos el videoclip de la canción “transmisor” de Catervas, que llegó a estar en rotación en “la MTV” de esa época. En el 2008 hice un videoclip para la banda Abrelatas, que luego convertí en cortometraje con el nombre de “Turn On”, cortometraje que se paseó por los más grandes festivales de cine y animación del mundo como Annecy en Francia, Anima Mundi en Brazil, y el prestigioso festival de cine de Berlín (Berlinale), en donde fui invitado a participar como parte del “Talent campus” y llevé talleres con Celebridades como Janusz Kaminski, recordado director de fotografía de películas como “Rescatando al Soldado Ryan”, ó “La Lista de Schindler”. Además de otras figuras reconocidas como el Director Alemán Win Wenders o los actores Tilda Swinton y Williem Dafoe. Por esos años, también quedé finalista en el concurso “Pasaporte para un artista” organizado por la embajada de Francia en Lima con la video instalación “presencia ausente”.

Me interesa mucho el arte visual, soy un gran admiror de Nam June Paik y todo lo que hizo el colectivo Fluxus en los 60s y 70s. Lo que me ha llevado a hacer video instalaciones en formato de “mapping” en algunas muestras del colectivo Bulbo. En el 2016 participé en la Bienal Internacional de Arte Digital “The Wrong” con la video instalación “one” creada junto a Javier Castillo (Vicho) y Santiago Pillado-Matheu.

Actualmente soy socio fundador de Zeppelin, un estudio creativo especializado en animación que ya tiene más de 15 años de trayectoria.

¿Cómo percibes la evolución de la escena independiente peruana a lo largo de estos años?

Es muy cierto que la escena independiente peruana es más grande ahora que hace 20 años, pero aún es pequeña, por ejemplo, para alguien que quiere vivir de esto con una buena calidad de vida. El papel que cumplen plataformas digitales como Spotify hoy en día, es polémico. Si lo ves del lado amable, es una gran herramienta de difusión inmediata, muy superior que la radio y tv que es lo que existía antes como medios de difusión. Y por otro lado está la injusta retribución de regalías para los artistas, además de las mafias que se han creado gracias al endiosamiento de las “playlists” y “curadores”. Yo trato de mantenerme al margen de eso, por salud mental y porque apuesto por la difusión orgánica de la música. Y la verdad es que puedo darme el lujo de hacerlo porque no veo la música como un negocio, pero ojo: también creo que es totalmente válido verla como negocio y respeto a quienes lo hacen, solo es cuestión de saber encontrar un equilibrio que funcione entre tu arte y el “showbiz”. 

Me fui en floro con las plataformas digitales, pero en otros aspectos, veo con buenos ojos la variedad de estilos musicales que vienen de gente muy joven y el buen recibimiento de la audiencia, también muy joven. Me parece que vamos hacia un buen camino, el problema es que vamos muy lento, lentísimo.

¿Cuál crees que podría ser el futuro de la música en términos generales?

Creo que la música va a seguir mutando al ritmo de la tecnología, lo que está ocurriendo con las inteligencias artificiales es un “game-changer” total. Incluso me atrevería a compararlo a los primeros años de la internet en sí. Los mismos “DAW’s” o softwares de producción musical, cada vez incorporan más mecanismos (plug-ins, por ejemplo) de automatizar procesos, y si seguimos en esa línea, va a llegar un momento en que la música que escuchamos va a ser creada enteramente por inteligencias artificiales. Hoy en dia Mid-Journey o Stable Difusion (dos inteligencias artificiales) son capaces de crear imágenes impresionantes, usando el estilo de cualquier gran pintor o fotógrafo de la historia. De cualquier corriente artística: bauhaus, expresionismo, dadaísmo, pop art, op art, etc. El “Deep fake” es capaz de cambiar el rostro de cualquier persona en un video con resultados impresionantes. Hay otras IA’s que pueden escribir guiones o cuentos. Todo esto va a llegar a la música, a la que consumimos a diario. No solo en obras de arte generativo. En este sentido, lo más importante va a ser la gente que tenga la “sensibilidad artística” de digitar las órdenes correctas para que la inteligencia artificial ejecute. Ya me fui en floro otra vez, es un tema muy loco y sumamente polémico.

Tu nuevo proyecto Thank You Lord For Satan es como un volver a las raíces indie dream pop. Vuestro álbum está muy bien concretado y goza de hits rotundos. ¿Qué puedes comentar de esta faceta?

Thank You Lord For Satan es el Proyecto que creamos, mi esposa Paloma La Hoz y yo en plena pandemia. Los dos tenemos antecedentes en otras bandas y los dos venimos componiendo canciones desde hace muchos años. Así que era natural que suceda. El comienzo de la pandemia también marcó el comienzo de nuestra relación y nos casamos el año pasado. Todo esto, hace que el disco, y el proyecto entero, sea muy soñador y lisérgico y esté lleno de sensaciones lúdicas y de euforia. Para nosotros es un disco muy luminoso, aunque muchas reseñas lo han descrito como oscuro y misterioso (jaja), lo cual no nos molesta en absoluto. Durante el proceso de creación de este proyecto quisimos ser lo más libres posible y no tener miedo en dejar fluir cualquier atisbo de influencia que tengamos, por muy disparatada que esta pueda ser, y creo que eso le ha dado una sazón especial al disco. Estamos muy contentos con el resultado. Todo el disco fue producido por nosotros mismos, la mezcla estuvo a cargo de Jorge Balbi en California y la masterización a cargo de Francisco Holzmann en Chile. Las baterías fueron grabadas por Alonso Bentin y Christian Vargas. Y los pianos reales también fueron grabados por Alonso Bentin en Monclova Records. Todos los demás instrumentos fueron grabados por Paloma y yo en casa.

No sé exactamente cuándo será publicada esta entrevista, pero estamos muy emocionados porque en pocos días, el martes 28 de febrero, daremos nuestro primer concierto en vivo y contamos con una banda de lujo: Irazema Vera (Chema) en el bajo, María Fe Baca en los teclados, Alonso Bentín en la batería, y Bruno Peña en la guitarra.

Además de eso, ya falta muy poco para que salga a la venta la edición en vinilo negro y de color del disco gracias a Luis Alvarado y “Buh Records”, a quienes quiero agradecer por todo su apoyo desde el día uno.

¿Qué discos o conciertos dirías que te marcaron el corazón o la mente?

En cuanto a discos, tendría que mencionar el Playing with fire de Spacemen 3, En Cielo de Oceano de Silvania, The curtain hits de cast de Low, el Darklands de Jesus And Mary Chain, Another Green World de Brian Eno y saliéndose un poco del patrón, estaría el Blood on the tracks de Bob Dylan.

Y en cuanto a conciertos, tendría que mencionar el primer concierto de mi vida que fue el de Leuzemia y Masacre en la concha acústica del campo de marte a los 10-11 años. Otro que recuerdo como un momento clave fue ver a Yo La Tengo en Orlando el 2003. Sonic Youth en Lima y definitivamente Sigur Ros en Coachella 2014

¿Qué dirías a los nuevos músicos, esos que cifran hoy 16 o 18 años, y miran quizás con asombro o indiferencia todo lo que es la escena hoy?

Tengo el agrado de tener muy cerca a algunos jóvenes con mucho talento y muy orientados y metidos en su onda. Como es el caso del proyecto “Prado” (Nicolás Prado), del hijo de Paloma, que acaba de sacar un EP con Buh Records a los 17 años y escucharlo es una bomba atónica en el cerebro. Lo recomiendo muchísimo, es como meter en una licuadora al Aphex Twin más afilado, con Skrillex y música de video juegos. Como él, veo muchos otros jóvenes super enfocados en su onda. A todos ellos les diría que nunca dejen de ser jóvenes, sin importar la edad que tengan.

Gracias por la entrevista Henry, saludos a la gente noventera de la Crisálida. Vibras desde el cono norte de Lima.

¡Gracias a ti Wilder!, gracias por la entrevista y por la gran labor de difusión que realizas desde hace tanto tiempo, y que es muy necesaria para que todo esto siga creciendo.