A fines de 2022, FUTURX, comunidad de aprendizaje enfocada en web3 y música, en colaboración con Water & Music, la principal comunidad global de música y tecnología, recopiló y analizó más de 22.000 NFTs de música procedentes de Latinoamérica.
Este informe, que contó con la participación de más de 40 profesionales del ecosistema musical latinoamericano, reveló que la Inteligencia Artificial en la música se perfila como uno de los temas centrales a abordar en la actualidad.
Por esta razón, en mayo de 2023, FUTURX se ha asociado con Larrosa Music Group para lanzar la primera encuesta del reporte sobre IA+Música en LATAM.
Se creó esta encuesta para indagar en:
La utilidad de las herramientas de IA en la música.
Las transformaciones que están introduciendo en los flujos de trabajo.
Los objetivos de uso en las diferentes áreas y trabajos relacionados con la música.
Los principales usos actuales y las perspectivas de uso futuro tanto para aquellos que ya utilizan IA como para aquellos que aún no lo han hecho.
Además, el informe abordará los aspectos éticos relacionados con la implementación de IA en la música. La creciente presencia de la IA en el debate público y en los procesos de experimentación plantea controversias y dilemas éticos que se explorarán en este estudio. Se investigarán las percepciones positivas y negativas que generan los diferentes usos de la IA y las perspectivas de su aplicación en el ecosistema musical.
Además se tomarán los casos legales que surgen debido a las innovaciones y al aumento del uso de IA en la actualidad.
Los objetivos de este trabajo son:
Comprender cómo las IAs están impactando los flujos de trabajo en la industria musical actualmente y explorar las perspectivas futuras de su aplicación en los diferentes actores del ecosistema.
Investigar los principales debates y controversias éticas y legales que surgen del uso de IA en relación con la música.
Reflexionar y debatir sobre las formas en que la noción de creador puede transformarse en la actualidad.
La metodología de trabajo será colaborativa, siguiendo el enfoque participativo de FUTURX como comunidad de aprendizaje. Este enfoque nos permitirá generar informes, artículos, entre otros lanzamientos, con el objetivo de reflejar una perspectiva amplia y representativa. Asimismo, habilitará espacios para la discusión y reflexión entre pares, llamados a la acción en misiones de investigación y recopilación de datos, enriqueciendo así el proceso y el resultado de cada informe.
El cronograma para la elaboración de este informe es el siguiente:
SOBRE FUTURX Es una comunidad de más de 200 miembros de distintas partes del mundo interesados en tecnología y música que, mediante suscripción mensual, participan de investigaciones colaborativas, abordajes experimentales en NFTs; conferencias, workshops, diálogos con colegas y embajadores de organizaciones clave para el sector, y acceden a beneficios especiales de partners de FUTURX.
Larrosa Music Group es una consultora especializada en la nueva industria de la música, sobre todo en modelos de financiación por regalías musicales, inversión en proyectos, implementación de nuevas tecnologías como inteligencia artificial y Blockchain, y la divulgación de contenidos de vanguardia a través de sus canales y comunidades.
NO, NO HAY GALAXIAS ESTELARES NI PARAÍSOS SIDERALES SIN TU EXTRA CATÁLOGO DE CERTERAS NOVEDADES MUSICALES X ESTE TAN AMADO BLOG.
Cuando nos adentramos en el decurso de los sonidos, cuando no sirve pensar ya más, ni siquiera imaginar, ni soñar o decir, o cuando ante el acto vivo de la interpretación ya no somos nadie sino la materia en ebullición... la música prêt a porter (lista para llevar) vía estas líneas, llenan todos tus minutos, horas y días... ¡a cada instante!. Disfrútala, pero también comparte. Os agradezco ad Infinitum x cada uno de sus tan bellos comentarios que cada vez más, me envían desde todas partes del orbe◻️PRIMAVERA SOUND 2023, en sinopsis en las próximas líneas. Con las escenas en tomas en la gran pantalla mientras TURNSTILE daba su performance, tienes ya una idea de la supra magna atmósfera creada allí en este 2023◻️
*GHOST en una escena del PS 2023
PRIMAVERA SOUND FEST 2023/BARCELONA, inició su semana del 29 de mayo al 4 de junio, con previos conciertos de ingreso libre, a excepción de sus 3 fechas estelares cuyas entradas han oscilado desde 325 euros hasta 900. Infinidad de grupos, a los cuales no los puedes ver como quisieras porque no te alcanza el tiempo para verlos a todos. Este año brillando con estela propia:
NEW ORDER, GOLDFRAPP, DÉPÊCHE MODE, BLUR, ST.VINCENT, FKA twigs, PET SHOP BOYS, TWIN, RED VELVET, THE MOLDY PEACHES, LE TIGRE, SKRILLEX, TURNSTILE, DARKSIDE, HALSEY, THE WEAVE, CALVIN HARRIS... X vez primera, edición 2023 en Madrid, del 8 al 10 de junio. Otros puntos: Porto, Sao Paulo, Los Ángeles, Argentina, Chile y Colombia también son partícipes este año con respectivas y diferentes fechas + actos◻️Espero que Perú sea incluído en 2024◻️
*Pet Shop Boys, uno de los míticos actos ingleses en Primavera Sound.
El músico y productor CLARK (Chris Clark), lanza neo álbum 'Sus Dogg'. El uso de IA es notorio en el vídeo, las características de Chris y Tom se fusionan, creando una mezcla entre sus voces y rostros. Tiene una marcada influencia de 'Metamorfosis' de KAFKA como del celebrado short film de STAN BRAKHAGE: 'Mothlight'. Chris, en 2023 había remezclado 'Love Me More' de MITSKI (álbum 'Laurel Hell')◻️Este clip no se puede dejar pasar así nomás. Muy bien dirigido y realizado que cito para tu data sobre la IA◻️
PRIMAVERA SOUND, este y como cada año, se inició con un pre- gran concierto que es gratuito, aunque con respectivo pase de ingreso. Pase que permite traspasar las puertas de Parc del Fórum al concierto de inauguración. Así, para el día Miércoles 31, sobre la tarima y en sus propias estelas lumínicas: PET SHOP BOYS, JAKE BUGG, CONFIDENCE MAN... en el escenario Amazon Music, en esta versión vigésima primera para 2023◻️CONFIDENCE MAN, salió al escenario acompañado x un tecladista y un baterista con el rostro tapado, muy gimnasta la dupla que iba de un lado a otro y sin descanso alguno. Play https://youtu.be/KBjai9wdmT8◻️ A las 21:20 horas, el escenario ya era de PET SHOP BOYS, ante la presencia del sol aún allí. Una bandera de Ucrania en la pantalla había hecho también su extra aparición sin más ni más. Tras 40 años de carrera mostró a una dupla totalmente cuajada x los años y con el respectivo atuendo que los caracteriza en cada una de sus performances en vivo. Una hora y media con sus mega hits standard y reconocidos. 'Suburbia' al inicio y pasando x el cover 'Where The Streets Have No Name' (U2), 'Dreamworld', 'Rent', 'Hotspot', 'West End Girls' en los bises como 'Being Bored'. El día lunes que viene, su cita es en el 'Apolo' antes de viajar a Madrid para actuar el 5 de mayo en el Teatro Eslava, dentro del Primavera a la Ciutat... Así que: 'All Day, All Day...'◻️
PS 2023, acumula para este año, 650 conciertos x sus 16 escenarios del Fórum y los 14 espacios y salas de la ciudad. 30,000 personas fueron las que aglutinaron el recinto en la fecha previa a sus 3 días estelares. Son 200,000 las que coparan el espacio de este año y cuyo logo es: 'I'll Be Your Mirror'◻️La industria de la música en directo, según la entidad OBS Business School ha facturado 460 millones de euros x allí◻️
NEW ORDER, dentro del primer hito al inicio oficial del festival. Con 4 décadas de lumínica presencia en su carrera y sagas, ellos abarrotaron como se esperaba, a una inmensa multitud frente a ellos: 'Regret' al inicio -entonces en la zona Mordor, hacia dónde da la conocida y amplia explanada marítima del Fórum◻️
NEW ORDER, expuso una gema sónica tras otra, en un despliegue estelar de saberes, experiencia y altas emociones transmitidas: 'Age Of Consent', 'Academic', 'Your Silent Face,' 'Be A Rebel', 'Sub-Culture', 'Bizarre Love Triangle', 'Plastic', 'True Faith', 'Blue Monday', 'Temptation'. Todo un set list exponencial que cerró con el siempre platónico: 'Love Will Tear Us Apart'◻️ Antes, BLACK COUNTRY, NEW ROAD, el sexteto inglés y, desde su magna órbita había ya dejado un sublime halo con su bello tema: 'Dancers'. Deléitate https://youtu.be/N8N0osii5mc◻️El acto YARD ACT se fue x los senderos post-punk. DARKSIDE, que desde su incepción ha removido la estratósfera con sus creaciones, ha sido 'Paper Trails' el que he citado aquí, expuesta durante su performance https://youtu.be/VVsjE7MX0TM◻️
BLUR, el combo que no desestimó volver a las andadas, también estuvo en esta versión del festival https://youtu.be/G2aezUwqv4M◻️HALSEY llegó para encantar a la audiencia tan expectativa a cada uno de sus movimientos sobre el gran escenario. ¡Lo logró! https://youtube.com/ shorts/vmP1BrDWo0w?feature=share◻️
Todo el mundo me habla sobre la Inteligencia Artificial (IA), x dónde voy y desde meses atrás. Se van a activar (como cité allá x 2020) unas 6000 de las tecnologías ocultas a la humanidad. ¿Y? Que lo que están viendo es nada a lo que vendrá ◻️ X lo pronto, se está usando ya en la música, desde mucho o algún tiempo atrás o si no, pregunten a KRAFTWERK, BJÖRK...◻️Hasta prendas de vestir existen si bien recuerdan el vestido que usé en una de las ALIEN AIR MUSIC ¿Qué era entonces? Nenes, nada es nuevo, ni siquiera tu celular, todo ha sido pre-existente, todo... aunque permaneciendo oculto. Pronto, todo a la luz ¡Bravo!◻️
¿Inteligencia Artificial en Primavera Sound? ¡X supuesto!, o remítanse a la presentación de TAME IMPALA, en 2022... como de otros más. PERFUME, como acto, con base en Hiroshima/Japón vienen de la Meca de todo ello: muchas de las ciudades orientales, han traído abajo todas esas construcciones antiguas y vean ahora como lucen: súper aeroespaciales x donde vayas. Check it out!◻️Mucho más x citar de PS 2023, cuando lean estás líneas DÉPÊCHE MODE, ya logró haber remecido todo el recinto con su sola presencia y abriendo su set con 'My Cosmos Is Mine', 'Wagging Tongue', (con influencia KRAFTWERK), 'Walking In My Shoes', 'It's No Good'... Tal cual, otra andanada de grupos que, indienautas, ya deben estar ustedes más que felices de que los festivales mucho más preciados en el planeta, hayan sido todos tomados x los actos que siempre hemos amado escuchar ◻️En mi Radar x estos días el tema de la dupla de PAUL CHERRY & KATE BOLLINGER titulado: 'Playroom'◻️Seamos puro amor y misericordia en estos tiempos del planeta, es necesariamente urgente◻️STOP!
En 1998 tenía 21 años y mi melomanía me había llevado a participar de la movida shoegaze post-rocker CRISÁLIDA SÓNICA para lo cual inventé sendos proyectos como lo fueron AVALONIA y FRACTAL. El primero fue una especie de shoegaze amorfo en sintonía con Spoonfed Hybrid, Lovesliescrushing y Seefeel con el que legamos grabaciones en formato demo registradas hacia 1996 y un concierto a inicios del 97 con la mancha avantgarde. Disuelto Avalonia no cejé en mi ímpetu metamusical y casi al instante formé FRACTAL junto con Wilmer Ruiz y Hugo Medina de HIPNOASCENSIÓN. Le debo el nombre del proyecto a Hugo quien tuvo el tino de reemplazar el sospechosamente etéreo Arcelly por un más viril Fractal. ¡Ja! Empero fue con el alias de Arcelly como aparecimos en los flyers del concierto en La Noche aquella Semana Santa de 1997.
Pasaron los meses y quedamos reducidos a dúo y fue entonces que con Wilmer Ruiz nos dedicamos a componer piezas electrónicas de cariz post-rock experimental. Recuerdo los ensayos previos a cada concierto solo en casa o en dupla ya en Surco. Las tocadas en El Árabe Pub, el Bombardón y el Más Allá. Ahora que lo pienso si no hubiera sido por el apoyo de mis padres nada de esta música existiría. Yo no tenía ningún empleo ni laburo, me dedicaba con pasión a la música y substancias, asistiendo mal que bien a las clases en la Facultad; las fichas con las que pude costear las grabaciones y todo este proceso las obtuve directamente del apoyo de mamá y papá. Gracias eternas a ellos.
El demo tape de FRACTAL fue publicado el 3 de Diciembre de 1998, y calculo haber prensado 50 copias originales repartidas por los lugares de rigor, a saber, las tiendas de Quilca, Galerías Brasil y Polvos Rosados. Hace años vi ediciones piratas de este tape en Quilca, ya saben dónde de ley, y bacán por ello.
Esta re-edición incluye 2 bonus tracks en formato digital y 2 otros distintos bonus para la edición física disponible en unas semanas. Ha sido producida por mi compadre y hermano JAIME ALFARO y LUIS ESPINOZA de MUKI RECORDS.
La remasterización corre a cargo de JORGE GONZALEZ ENSAMBLE. Mientras que el cool artwork es cortesía de MANUEL SERPA aka ISOCAOS.
Mil gracias por los comentarios a cargo de los ilustres DAVID STUBBS (autor de los tratados “Future Days. El Krautrock y la construcción de la Alemania moderna” (2016), “Sonidos de Marte. Una historia de la música electrónica” (2019) y “Fear of Music. Why people get Rothko but not Stockhausen” (2009)) y HÁKIM DE MERV aka JOHN PEREYRA.
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A la sazón han producido un videoclip de la pieza epónima, la cual deja sentir cierto tufo político, ya sabes los sabes los conservas y la represión están en todos lados. Incluye tomas de sus presentaciones en vivo. "Robot World", el track, te recordará la apertura del "Come On Die Young" de Mogwai flirteado con percusiones de base trip hop y atmósferas ethereal-noise. Una fusión locasa.
Te dejamos el video a continuación y no queda más que esperar al 2 de Junio para el estreno del neo EP de UNDER THE SUN. Ufff.
ÉL ERA EL BAJISTA, EL ENTE QUE RESTITUYÓ EL BAJO EN SU MAGNO ESTATUS PRIMORDIAL PARA SER RECONOCIDO A NIVEL GLOBAL.
EN ENERO 2008, ANDY ROURKE VISITÓ RADIO MIRAFLORES AM/FM EN LIMA/PERÚ -Y CAUSÓ CIERTA TENSIÓN QUE FELIZMENTE SE RESOLVIÓ.
ESTA ES LA HISTORIA, MUY REFLEJADA AÚN EN MI VIXOR DE MEMORIA◻️
X: HELENE RAMOS
Para empezar, recordemos siempre a ANDY ROURKE, con su sonrisa infalible que él derramaba x doquier. Además, la muerte no es un exterminio sino una transformación. ANDY ha iniciado su viaje del alma hacia otro plano, hacia otra dimensión. Ha traspasado el portal hacia otro ámbito de existencia y continuarla.
Tras las coordinadas con la empresa que trajo a Lima, a ANDY ROURKE: Automatic Entertainment, habíamos concretado una entrevista con ANDY, para antes de su DJ set del 31 de enero 2008, en la Discoteca Vocé. Todo perfecto. Llegué antes de la hora fijada al local de la estación radial para coordinar en la sala de grabación, el staff allí no cabía en sí x la emoción de conocer a uno de los SMITHS, tan cerca -y me agradecieron x la gran oportunidad, tal cual lo hicieron algunos de mis amigos fans de THE SMITHS quienes pudieron obtener su autógrafo.
De aquél grandioso día, aún fulgurante en mi retina, esta escena permanece: ANDY ROURKE, ingresa tras el umbral de la puerta de la emisora hacia mí, que lo esperaba y ambos nos entrelazamos en un gran y fraternal abrazo. Él estaba sonriente y feliz (tal cual lo describen todos quiénes alguna vez lo llegamos a conocer). Él, caminando con un cigarrillo en mano, mientras yo le mostraba el local y cada espacio. Lo llevé a la oficina central, y desde allí -que es un espacio con amplias ventanas-, el buen ANDY se acerca y tira el pitillo del cigarrillo x la ventana, éste cae justo muy cerca a uno de los cables de la antena aérea de la emisora, estando encendido aún. Ahora sonrío, pero en esos álgidos momentos vividos causaron alguna tensión hasta en el propio bajista. Así que a calmar los ánimos... llamé x ayuda, sin revolotear para nada el ambiente... hasta que llegó un asistente de la radio para salir x la ventana, pisar el diminuto piso a una altura de 5 pisos de altura, y al final pudo apagarlo. Todos nos regocijamos tras el incidente resuelto que no llegó a mayores. X supuesto, que el gerente ni sospechaba lo que aconteció en tal fecha..
Mientras estábamos allí, le hice muchas preguntas que él me respondió atentamente -las cuales se quedan conmigo, pues no salieron al aire. Tras esos instantes, nos dirigimos hacia la sala de grabación, ambos ingresamos y lo primero que hace ANDY es: mirar la guitarra acústica colgada en la pared, cerca donde estábamos para grabar la entrevista. Realmente la miraba mucho, es entonces que en mi mente circula esta frase, que se la digo:
¿Tocarías un tema de THE SMITHS? Tienes allí, la guitarra... él me dice para entonces: 'Déjame probar si está bien'. Le entregué la guitarra, la prueba... '¡Está bien!'... responde.
Inicio la grabación con sus respuestas, las mismas que salieron al aire vía 2001_MILAÑOSDESPUES! con la valiosa sorpresa de que ANDY ROURKE, ofrecía su sesión de radio, tocando en versión instrumental acústica: 'Please, Please, Please Let Me Get What I Want'. Con lágrimas ocultas aplaudo (¡esa es la canción de THE SMITHS que más amo!) junto a todos quienes estuvimos allí. Tarde macro estelar que se expande hasta un segundo encuentro con él en el backstage del Vocé.
Continúa mi conversa con él mientras el trío argentino ALTOCAMET, abría la noche del evento. Luego sube ANDY al escenario ante aplausos en abrumadora bienvenida. Expuso su set maravillosamente, estuve cerca al escenario dándole muchas vivas y diciéndole lo que significaba cada una de ellas para los chicos de Perú, lo que significaba para ellos cada uno de los temas. Inolvidable recuerdo que comparto para ustedes, para que tengan una idea de tan gran tipo que él ha sido: sencillo y afable a la vez.
"He'd ve remembered as a kind and a beautiful soul by everyone who knew him''
JOHNNY MARR
Las líneas tocadas del bajo propulsor de ANDY ROURKE, trabajaron en perfecto conjunto con las partes de guitarra de JOHNNY MARR para crear el sonido singular de THE SMITHS.
"He will never die as long as his music is heard"
MORRISSEY
"I had the privilege of playing together with him.
A boy so friendly and so enjoyable. I already miss
him. Always at my heart, pal"
MIKE JOYCE
Los 4 integrantes: ROURKE, MARR, MORRISSEY, JOYCE, contribuyeron a los 4 álbumes de estudio de la banda de Manchester:
THE SMITHS (1984)
MEAT IS MURDER (1985)
THE QUEEN IS DEAD (1986)
STRANGEWAYS, HERE WE COME (1987)
Cuatro esplendorosos álbumes con remarcable lírica, los cuales no me hicieron dudar cuando decidí -años más tarde- invitar a literatos peruanos y a varios estudiantes universitarios de San Marcos, como también a poetas, para un especial de 4 horas en radio, muy celebrado x la gran audiencia. THE SMITHS, una importante fuerza en lo que significa y dignifica la década de 1980 en el indieground. Escucho a cualquier banda en un punto del planeta, y de inmediato puedo percibir aquella base rítmica creada x esta banda sin par: THE SMITHS◻️STOP!
En 1994 estábamos todos zambullidos en el shoegaze, el "Souvlaki" fluía en nuestros corazones y sin saberlo asistíamos a un nuevo amanecer. Algunos mutaban su discurso hacia sonidos electrónicos. Lo hicieron Chapterhouse, Swallow y los mismos Slowdive. Fue en ese momento que debo haber leído con inusitada frecuencia la palabra "ambient" asociada a una corriente que hacía furor entre los más inquietos. Ya había escuchado Seefeel y Spectrum así que alguna idea tenía.
Al ir a la casa de los hermanos Llanos a realizar un pedido quise arriesgarme e ir por un compilado ambiental del catálogo que manejaban. Entre los varios que vi me decidí por el de un sello llamado Astralwerks: Excursions in Ambience: el capítulo 3 que acababa de salir y se listaba como novedad. No sabía lo que me esperaba. Pasaron los días/semanas hasta que por fin el pedido llegó. No sé qué habrán pensado los otros clientes indies que iban a su casa, devotos de Felt, Echo & The Bunnymen o MBV al ver la música que me llegaba.
Ese casette destruyó mi cuerpo y alma. Lo escuchaba boca abajo cubierto la cabeza de almohadas. El cuerpo en la tierra pero el espíritu lejos en campos de agua y éter, estrellas y colores. Poderosa sinestesia adolescente. Qué pueril me pareció todo después. Por esos días justo terminé con mi enamorada dark wave. Existiendo algo tan magnífico y puro no iba a perder un puto segundo de mi existencia en cojudeces. Pienso igual hasta hoy. Muerte al ego de mxxrda.
SPACETIME CONTINUUM con "Floatilla" te capturaba desde el primer remezón y te abría las puertas del paraíso para las subsecuentes apariciones de Pete Namlook como AIR, SEEFEEL con una versión alterna de "Charlotte's Mouth", Bill Laswell como DIVINATION y FSOL con su volcánico "Deep into your subconscious I slide". Excursions in Ambience 3 también incluía a SPECTRUM y fue la primera vez que escuché al locaso de RICHARD D JAMES y vaya qué me cagó el alma, que no solo el cerebro.
Qué fuerte fue esto. ¿Cambia la vida? Si eres un chibolo sediento de música seguramente sí, si eres un webón más en construcción de tu way-of-life de seguro que no.
El Excursions in Ambience a los 17 años fue lo mejor que me pasó en millones de años. Presenciar lo hyperreal florecer más allá de la mediocridad humanoide. "MUSIC TO LIVE BY".
Entrevistamos a una de las figuras más importantes en la historia de la música contemporánea.
Simeon Coxe II es un hombre del futuro. Un buen acompañante y un detenimiento por la creación de sintetizadores propios fueron suficiente para demostrarlo en 1968; año en el que editó sus primeros discos desde la escena subterránea neoyorquina. Al lado del baterista Danny Taylor y con osciladores hechos bajo su propia mano, pudo esculpir espontáneamente un sonido muy adelantado a su época. Algo que se traduce en una cualidad seminal.
El desempeño de Silver Apples en ese lejano Nueva York de los '60 tardíos fue también suficiente para dejar en claro que fueron una de las bandas más infravaloradas de su generación. Mientras que ellos portaban un sonido envidiable y un acto en vivo innovador, hicieron electrónica 10 años antes que Kraftwerk, rock disonante 25 años antes que Joy Division; un discurso visceral y estética esquizo al menos unos 35 años antes de que Portishead les rindiera un homenaje con su tercer disco. Nunca capitalizaron en realidad este éxito creativo.
Como prueba, basta con desempolvar sus clásicos de electrónica en vivo, llenos de detalles de psicodelia clásica y a la vez la disonancia y síncopas anticipadas a mucha de la música que vendría décadas más tarde. Descubrir a Silver Apples es como entender que alguien se atrevió a hacerlo todo antes, sin que nadie se enterara. Verlos en vivo es una experiencia que no tiene una gran comparación.
Pero no todo es tan fácil para llegar a esta cúspide creativa. En el camino, Coxe perdió a Taylor por una enfermedad; estuvo al menos un par de décadas totalmente fuera de la mira y radar; y a la vez, resurgió de estas cenizas con un acto en vivo que se ha vuelto de culto entre los amantes de la música electrónica desde hace una década. Fue hasta el año pasado que pude conocer a este hombre. Me acerqué a él como un auténtico fan después de una sobrecogedora colaboración con los Acid Mothers Temple en un festival de locura— Y me encontré, no sólo con el hombre del futuro que quería conocer, sino también con un alma simpática de semblante sencillo.
Un personaje lúcido que sigue componiendo música, que conserva el gusto por recorrer su país en una camioneta pick-up, que no se atiene a grandes itinerarios y que puede dar algunos consejos básicos de como mantenerse vital a sus 75 años de edad. Con una sonrisa, me dio una plática y me regaló un vinil con una colaboración que tuvo con Jimi Hendrix. Me contó como fue que revitalizó su carrera y me dejó claro por qué es una de las más grandes leyendas de la electrónica contemporánea. Una persona educada que mantiene ese semblante futurista que caracteriza gran parte de su obra.
Esta es una plática con el mítico Simeon Coxe de Silver Apples:
Biz: Eres un pionero y una gran inspiración para la música. Cuando empezaste, las cosas parecieron pasar un poco rápido. Hiciste algo interesante pero la música se disipó por un tiempo largo, y de pronto pareciera que revivió. ¿Qué nos puedes contar de este periodo de silencio y de ese regreso?
Simeon Coxe II: No tengo idea por que murió de esa forma. La música tiene diferentes caminos y adornos; nosotros tratamos en los '60 y las cosas realmente no hicieron click. Teníamos una buena banda, teníamos discos, teníamos una compañía disquera y éramos exitosos desde el juicio de bastantes personas, pero… No sé, después del desmadre de Panam, nuestra disquera fue demandada por la contraportada que teníamos y eso nos metió en problemas con el sello. A la vez, otras compañías discográficas no querían tocarnos porque teníamos una mala reputación. No había nada de malo con nosotros musicalmente, pero las cosas no funcionaron como banda. Y si no podíamos ser Silver Apples, no queríamos ser ninguna otra banda. Así que simplemente nos fuimos por nuestros propios caminos. Él tenía un trabajo, yo tenía un trabajo, e hicimos cosas por diferentes lados de la música.
Pero en los '90, cuando un sello alemán sacó un bootleg de nuestra música, de alguna forma despertó a toda una comunidad respecto a nuestra música y… bueno, aunque fuera un disco ilegal, estoy un poco feliz de que lo hayan hecho. De alguna forma echó a andar mi carrera de nuevo. No veo que sea una cosa increíblemente famosa ni que haya vendido miles de discos pero… ¡Estoy tocando en el Pysch Fest gracias a eso! [Risas]
Biz: En esta disipación y regreso, tu sonido en vivo parece estar actualizado y un tanto renovado… Pero no totalmente. Pareciera no estar por completo en el calor análogo de los '60, pero tampoco tanto en los estándares de hoy en día. Como si fuera un punto medio.
Simeon: No puedo evitar estar un poco influenciado por los tiempos. Normalmente traía todo el equipo análogo del mundo, en un camión completo y era una cosa sumamente impráctica, además de muy frágil. Cuando pude digitalizarme, lo hice. Ahora uso un sampler de Akai en dónde pongo secuencias de muchos de los osciladores, así puedo tener las cosas en un portafolio en vez de un autobús entero; y es lo más práctico para poder irme de gira en estos días. Aún uso algunos de los osciladores clásicos, de hecho traigo tres en vivo y los toco igual que en los viejos tiempos. El resto de los osciladores son sampleados, al igual que los tracks percusivos de Danny [Taylor, el baterista]. Y siempre uso sus baterías originales, las toco como si fuera él, entonces es como si aún estuviera conmigo.
Biz: ¿Es cierto que Danny tocaba con Jimi Hendrix?
Simeon: Sí. Jimi Hendrix tenía una banda llamada Jimi James & The Blue Flames, una pequeña banda de blues en algún lugar de Nueva York. Tenía muchos músicos y muchas veces, cuando Jimi necesitaba un baterista frecuentemente le hablaba a Danny. Se animaban y tocaban juntos seguido. De hecho, cuando The Animals se llevó a Jimi al Reino Unido para tratar de lanzarlo como una estrella, Jimi le pidió a Danny que fuera con él. Danny dijo que no y que prefería quedarse en Nueva York. Afortunadamente para mi, pues pude mantenerlo en la banda.
Biz: Hendrix hizo un montón de cosas innovadoras en la guitarra y fue un parteaguas. ¿Consideras que lo que tú hiciste fue un equivalente pero en el sintetizador?
Simeon: Sí, algo así. La verdad es que intercambiábamos ideas seguido, Jimi venía seguido al estudio a sesiones con nosotros y casi siempre que tenía una nueva idea o un nuevo pedal le daban ganas de venir con y probarlos con nosotros o ponerlos a través de los osciladores. Él y Danny eran muy buenos amigos y yo lo conocí por eso. Intercambiábamos seguido y era entretenido aventurarnos en un trip juntos. Así fue como acabamos grabando una vez el himno nacional en el que yo incidentalmente grabé el bajo.
Biz: Lamentablemente, tanto Jimi como Danny ya nos dejaron.
Simeon: Sí… Y Danny vivió hasta los 55 años, que la verdad no es mucho tampoco. Pero era una persona muy poco saludable y creo que murió de un infarto. Manteníamos contacto pero ya no podíamos tocar música juntos pues, estaba tan enfermo, que estaba en una silla de ruedas. Se había puesto más y más débil hasta que su cuerpo no resistió la vida asistida que llevaba. Pero su música vive y eso es lo único que le importaba a él. Así que es como si siquiera vivo. Es más, creo que está en esa nube de ahí muy feliz.
Biz: Muchos pensamos que tu música estuvo anticipada por treinta años. A la vez, hay grupos como Portishead que no sólo fueron influídos por ti, sino que te rindieron un homenaje. Creo que hay un factor inconsciente en esto, pues ni Portishead ni tú podrían haberse anticipado décadas a un sonido si lo hubieran planeado.
Simeon: Así es. Como artista, no puedes realmente pensar tanto en el futuro y una parte de ti desea ser parte de su tiempo. Pero a veces, simplemente no lo eres, aunque lo intentes. Cuando eres sincero contigo mismo, sin tratar de doblar o manipular tu camino artístico para empatar con un público, sólo eres tú. Y si eso se percibe como algo adelantado a su época, entonces ahí es a dónde llegó. No es algo que uno realmente se puede imaginar, yo sólo he tratado de divertirme.
Biz: Una de las primeras veces que descubrí tu música, vi un flyer chino muy interesante que te difundía como el padre del noise rock. ¿Cómo es tu relación con el público chino?
Simeon: Es maravillosa. El público es muy bueno y además hay música realmente interesante por allá. Lo que sucede es que hay una escena oculta de música y arte ilícito, no aprobado por el gobierno. Esta movida es realmente grande en China y los artistas operan de una manera muy cercana en un network underground en el que se enorgullecen de ser parte de esta red clandestina. Tienen un par de clubs en los que hacen fiestas que abren muy tarde fuera de los márgenes de las autoridades, algo cercano a los raves. La escena no recibe ningún tipo de apoyo del gobierno a diferencia de muchos otros artistas, pero hacen cosas súper interesantes. Buscan formas de conectarse por internacionalmente sin ser rastreados por el gobierno, y encuentran maneras de llevar equipo especial comprado en eBay, como una especie de mercado negro.
Consiguen sintetizadores que ni nosotros tenemos! Pero ellos lo logran por sus conexiones underground en Tailandia o cosas así. Es algo excepcional, de mucha rebelión y muy divertido.
Biz: ¿Te interesas en la música actual?
Simeon: Trato, pero no me clavo. Todo el tiempo la gente me entrega sus discos, o acaban regalándome algo en los festivales, pero no he encontrado algo que me mueva o impresione particularmente. Aunque confieso que me gusta muchísimo lo que hace Portishead, que como dices están unos diez años adelantados y sé que ahorita están a la mitad de algunas grabaciones, así que seguramente tendrán algo nuevo pronto. He tocado con ellos. Geoff es increíble, Adrian también. Son grandes personas y la verdad es que no podría tener un mejor grupo de gente como aliados. Estoy muy orgulloso de lo que han hecho por mi… "We Carry On", como dice su canción. Es hermoso, un trabajo de amor puro.
Biz: Te vi tocar y me gustó el repertorio variado, con algunos clásicos… ¡Pero no esperaba que tocaras canciones nuevas!
Simeon: Sí. Tengo algunas nuevas cosas. Estoy construyendo un nuevo álbum muy lentamente, una canción a la vez… Pero es verdad. Ahí voy, sin prisa. Un día de estos va a haber un nuevo álbum de Silver Apples: con algunas de las nuevas canciones que escuchaste y otras cosas más nuevas que no he tocado aún. Tengo un montón de nuevas cosas.. de hecho, estuve haciendo una ópera un tiempo. Pasé cinco años haciendo un drama que cuenta una historia de un montón de gente del underground, pero musicalmente dejé de disfrutarlo. Mucho trabajo. Aunque puede que lo retome eventualmente.
Biz: Sé que tienes por ahí una grabación con Kawabata Makoto, que aún no ha salido. ¿Fue en vivo?
Simeon: Más bien fue en un estudio. Él tiene un sello, yo he tenido algunos a la mano pero esto era para que él lo hiciera. Parece que quiere terminar la producción y sacarlo en Japón, la intención es que una vez que esté allá afuera me invite y yo vaya a tocar con él. Lo cuál me gustaría más que tenerlo acá, pues quiero ir a Japón, me encanta allá. Va a pasar, ahora que recuperó las cintas. Las puso en una camioneta y se las llevó anoche, así que sucederá.
Biz: Además de estas colaboraciones con Portishead o Kawabata de Acid Mothers, ¿has pensado en integrar alguien a Silver Apples?
Simeon: No… Me divierto demasiado tocando en solo. Es muy libre ser una persona. Puedo cambiar las canciones, acelerarlas o alentarlas sin preocuparme de que un baterista se me vaya a perder en el camino. Creo que he encontrado mi lugar y me gusta hacerlo así. Pero en todo caso, lo que sí me gusta es colaborar con la banda de alguien más, yo seguirlos a ellos. Anoche, por ejemplo, que Kawabata me pidió que empezara al tocar con Acid Mothers Temple, estaba como en estado de shock. No sabía que hacer. Nunca había escuchado la canción que quería que tocáramos, me dijo el nombre pero eso no significa nada. No tenía idea.
Biz: Se notó un poco pero aún así fue un mind fuck.
Simeon: Sí, una vez que empezamos, todo estuvo muy bien. Pero tener que empezar era confuso, no sabía que era lo que querían. No tenía ni un tempo, ni una nota, ni absolutamente nada. Sólo empecé a tocar los osciladores, a hacer cosas con ellos y de pronto el baterista ya estaba conmigo. Sobre la marcha, estuvo bien. Pero fue interesante que me pidiera a mi empezar. Tienen una energía muy loca en la que nunca sabes qué va a pasar y tocan extremadamente alto.
Biz: Hay canciones tuyas que son muy conmovedoras. Como "Program" o "I Have Known Love", ¿qué nos puedes decir de esas hermosas letras?
Simeon: "I Have Known Love" fue escrita por mi novia en ese tiempo, Aylene. Ella ha seguido otra vida, se casó y se fue a vivir a Washington DC. Pero mantenemos contacto y de vez en cuando nos escribimos. Pero "Misty Mountain" y "I Have Known Love" son sus canciones. Ella era muy romántica, muy trippy o psicodélica, no sé… Auténticamente influída por las artes. Cuando tenía como 15 años empezó a escribir poesía y yo la conocí cuando tenía 20. Tenía muchos poemas y amé esa parte romántica. La mezcla de una letra romántica con lo árido de los osciladores, simplemente amo esa combinación.
Biz: ¿Tienes alguna postura respecto a la psicodelia o las drogas?
Simeon: No realmente. No tomo alcohol, no consumo drogas. Como muy saludablemente, jamás chatarra. Tengo 75 años y no me siento un día más viejo de como si tuviera 25 [Risas]. Pero hay algo ahí. Tiene que ver con una vida sana, y es algo en lo que todo mundo debería de concentrarse. Pues la verdad es que cuando comemos, no sólo lo hacemos por disfrutarlo, sino para sobrevivir. Considero que comer apropiadamente es muy probablemente lo más importante que hacemos en nuestras vidas. Comer lo adecuado es lo que más me importa en la vida, hay mucho ahí.
Biz: ¿Has visto gente perderse?
Simeon: Sí. Pueden hacer lo que quieran y no sé por qué alguien desearía perderse en drogas, pero lo he visto. No promuevo las drogas en mi música pero confieso que "Sea Green Serenades" del primer disco es una canción de amor hacia la marihuana. A todos nos encantaba y creo que siempre ha sido algo normal, desde los días de las cuevas … Pero era una canción de amor. Si la dedicara de un vaso de vino, sería parecido. No significa que lo promueva, sino más como un mensaje de amor. Nunca he estado muy a favor de las drogas ni entiendo porque alguien los promovería.
Biz: ¿Te quedarás a ver a Sonic Boom más tarde hoy?
Simeon: Sí, me gustaría. Aunque si toca muy tarde será complicado. Tengo una producción de video que atender mañana temprano y vivo en Alabama. Aunque en mi casa tengo un pequeño velero y uno de estos días voy a navegar a México. Me encantaría tocar en México, nunca lo he hecho aunque he ido varias veces. Una vez iba a ir a una galería de arte, pero finalmente no se concreto y sigo sin tocar ahí. Espero que un día pronto alguien me lleve.
Pretendía lanzar este bonito mixtape en el día de mi cumpleaños, pero tuve algunas dificultades técnicas y hasta ayer lo pude concluir oficialmente. Espero puedan darse la oportunidad de escucharlo y agradecería mucho también que lo pudieran compartir 🙏🏼
Tierra Mágica surge como manifiesto musical del amor intrínseco a la naturaleza, la magia que habita en ella y en nosotros mismos.
De la experiencia de viajes a lugares dentro de México; Centro y Suramérica, teniendo mi primer acercamiento a tierras andinas a través de la Cordillera Oriental de los Andes Colombianos, apenas a 3,300m de altitud, en Sesquilé, Cundinamarca.
El arte de la portada fue en primera instancia, una fotografía mía sobre el Cerro de las Tres Viejas en Colombia, sin embargo, Diego Madero Islas, gran amigo y extraordinario creativo, reinterpretó la foto a través de AI y logró ese maravilloso resultado.
Los sonidos de este mixtape buscan materializar los sentidos detrás de mis experiencias viajando, donde por primera vez logro que el dancefloor se traduzca en montañas, bosques, mares y ríos; un baile a través del campo, su gente, su flora y su fauna, y que además funge como soundtrack de un proyecto de fotografía que comienzo a partir de ahora.
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barbarismos
realismo capitalista peruano, ¡ja, ja!
rojo 2
es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo
En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez.
«Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.
MARK FISHER.
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perú post indie
Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños. Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo... Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?
FRED ROHNER Historia Secreta del Perú 2
as it is when it was
sonido es sonido
)))))))))))))))))))))))))))))))
pura miel
nogzales der wil
EL LENGUAJE: UN DISCURSO SIN CANCIÓN.
No queremos sus diccionarios, o su dicción, llenos de palabras que oprimen, que humillan y controlan. Ellos usan esas palabras para proteger a los suyos, siendo su jerga un código morse secreto cuyo objetivo es conservar su privilegio y poder social.
De modo que para poder comprender la sociedad, debemos comprender sus ingredientes, las habilidades y los métodos de las personas que se comunican mediante el lenguaje tan solo para controlar y confundir. Para ser incluso capaces de soñar con cambiar la sociedad y el tenaz agarre de estas personas, debemos cambiar el lenguaje, sus formas y patrones. Quiébralo, mézclalo, ve qué es lo que realmente hace, lo que realmente dice, exponlo, revela su fortaleza, su debilidad. Las personas no pueden
vivir con un lenguaje de lo correcto y lo incorrecto, lo negro y lo blanco, o esto o lo otro. No refleja la realidad, o la vida,o cómo cada uno de nosotros realmente siente y piensa día a día. Hoy en día el lenguaje está diseñado para acabar en conflicto, y en este momento aquellos que controlan el lenguaje intervienen como
expertos y nos controlan. El lenguaje tiene que ser común a todos y para ello este lenguaje debe ser replanteado. La cultura tiene que mostrarles técnicas a las personas para derrumbar la lógica aparente del lenguaje que sigue una línea hacia una conclusión,
y desarrollar formas que reflejen las infinitas respuestas y posibilidades paralelas, un caleidoscopio sin conclusiones ni puntos fijos que, por lo tanto, describa con mucha mayor precisión cómo se siente la vida y cuán incierto puede sentirse cada momento
de la vida, cuán poco realmente se puede planificar, o con cuán poco se puede contar.
Luchamos unos contra otros con intensidad paranoica en lugar de estar haciéndolo contra los despreciables señores feudales que se reúnen, petulantes, en ese edificio junto al agua. No es de extrañar que piensen que somos escoria patética, peleando contra lo que es más fácil y está más cerca de nosotros, contra nosotros en lugar de contra ellos. El edificio que ocupan para simbolizar su libertad podría fácilmente convertirse en su prisión.
La mejor arma, la mejor defensa es aquella que toma la propia energía de tus atacantes y la vuelve contra ellos. El lenguaje puede volver a ser ensamblado todos los días de una manera diferente para ayudar a liberarnos. Nuestras pequeñas jaulas concretas pueden ser nuestros palacios, y sus palacios pueden ser sus jaulas.
KALI 5 Y GENESIS BREYER P-ORRIDGE, LONDRES, 23 DE SEPTIEMBRE, 1987
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