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miércoles, 17 de agosto de 2022

MIGUEL ÁNGEL "CHINO BURGA" INTERVIÚ :. No me interesa lo que pasa en la escena musical ni siquiera en lo under. Hago lo mío y me concentro en eso.


Estoy seguro que para los asiduos de da blog, Miguel Ángel "Chino Burga" no necesita introducción, igual como somos re-melómanos y tercos, allí vamos. Empezó su decurso sónico en Ácidos Acme, una banda noise-rock que mostraba simpatía por Sonic Youth y otras yerbas. Tras ello y luego de formaciones como Azul en Silencio y Claroscuro, funda Espira -cuyo sublime "Bajo tus sueños" EP (1996), según muchos, no tiene nada que envidiar a Slowdive- y participa como complotador, junto a otras "almas" -como Christian Galarreta, Aldo Castillejos, et al.- de la escena shoegaze post-rocker de mediados de los 90, Crisálida Sónica. Desde entonces el Chino ha transportado su música hacia terrenos más pesados y rockistas. V.g.: La Ira de Dios, Culto al Qóndor, Necromongo -qué buen nombre este último, ¡ja!. Algunos años hace, Burga retomaría la senda del pastel psicodélico usando como alias el sugerente nick 3 AM. Finalmente, en estos días edita etéreas rodajas de introspección y kosmische guitarrorista bajo el nombre que le conocemos todos: Chino Burga. Hablamos con él sobre su extensa carrera, sus músicas preferidas y un poco más. 

Como sentenciaran Loop: "Too real to feel".

Gracias por la entrevista Chino. Cuéntanos, has estado publicando vinilos y discos en modo solista con un sonido kosmische generado por guitarras, feedback y más. ¿En qué estás hoy 2022? o ¿Cómo has asimilado o devenido tu paso por bandas tales como La Ira de Dios, Culto al Qóndor, Necromongo, etc?

Siempre he visto mi carrera como una espiral, donde puedo pasar por el mismo punto pero ya con con más amplitud… más experiencia…Espira me llevo a La Ira… La Ira a Qondor y Qondor a donde estoy ahorita. Con La Ira empecé a moverme por la escena internacional de psicodelia y luego con 3AM y Culto al Qondor me he mantenido activo en esa escena hasta hoy, que sigo editando ya bajo mi nombre. Si bien lo que hago actualmente no se parece mucho a 3AM o La Ira, creo q alguna conexión hay con Espira del Electr-Om, pero que efectivamente ha tenido q pasar LaIra/3AM/CaQ para llegar a esto.

¿Cuál es el set up con el que has ejecutado tus últimos discos, “Aero/Ouro”, “Invokaciones”, et al.?

Mi guitarra y algunos pedales, básicamente distorsiones y efectos de ecos (entiéndase delays y reverb). Por ahí he utilizado alguna percusión electrónica aleatoria y paro de contar… y de cantar, ya que por el momento siento la necesidad de estar en silencio… un silencio necesario en épocas donde las susceptibilidades por las opiniones han llegado a un nivel a mi parecer sumamente innecesario, así como la inmediatez y rapidez de las cosas actualmente. El ir en silencio y a mi tiempo es casi una postura política para mí, si no filosófica o hasta espiritual.


¿Qué quieres expresar con tu sonido? O, dicho de otro modo, ¿por qué haces 
música?

Actualmente lo que busco es ser un puente entre el receptor y lo q Grinberg llama la red, basándome en sonoridades andinas muy, pero muy dilatadas y reverberadas donde se pierde el concepto de tiempo y por ende (luego) el espacio… el concepto de tiempo o tempo, o la falta de este, me llama mucho la atención, no me importa la  velocidad a la que voy, si es muy rápida o muy lenta.. al final se vuelve un todo, como apunta Garnier, por lo que trato que mi música sea un espacio liminal para el oyente.

Cuéntanos sobre aquella anécdota que narrabas en redes, la de conocer al man de Spacemen 3, Sonic Boom.

A él lo conocí brevemente en un festival en Bélgica donde compartimos cartel y terminamos prestándole el bajo a Carruthers porque temía reventar las cuerdas del suyo. Ellos iban como Spectrum. Luego le escribí un par de veces a Sonic y en una le  conté sobre esa experiencia con el ladrón de mi walkman… se rió de la historia y le gusto.

Tu opinión sobre el shoegaze metal, al cual creo que se le conoce también como black shoegaze.

La verdad no conozco el tema.

Han pasado largos 25 años desde que participaste con Espira, en el k7 “Compilación I” (1997) de Crisálida Sónica y en la escena shoegaze post-rocker de entonces. En una anterior entrevista, hace varios años, en Perú Avantgardemencionabas que pasabas por un momento mentalmente difícil aquellos días, lo cual varios ni lo notamos, pues siempre estabas risueño o volando con la música,  como algunas fotos atestiguan. ¿Qué te han dejado de legado los días de Espira, Claroscuro, Azul en Silencio y de la Crisálida en general para tu carrera como músico y, quizás, tus procesos como humano?

Supongo q por afuera flores y por dentro temblores… la depresión es una enfermedad silenciosa y si la mezclas con adicciones es una bomba de tiempo. De vuelta… el silencio ha sido una medicina para mí en los últimos años, me permitió erradicar muchas cosas q no necesitaba más conmigo. Y sobre la música de esos años, supongo que me han quedado las ganas siempre por experimentar con el  instrumento q tenga. No soy ningún virtuoso de la guitarra, pero creo haber armado mi propio estilo, a partir de ciertas influencias como Labradford, Flying Saucer Attack, Seefeel o Windy and Carl (entre muchas otras cosas) y creo también haber podido desarrollarlo a través de los años y no quedarme estático en una sola formula.

¿Cuál fue el mejor concierto que presenciaste en esos días crisálidos?

Supongo q cualquier concierto de Hipnoascención se lleva ese titulo.

Tienes en alta estima el “E.Muss” de Evamuss según apuntabas alguna vez. Además de ese registro ¿qué otros documentos recomendarías de la era o de los proyectos posteriores de los involucrados en Crisálida Sónica?

Recuerdo que el disco de Girálea me gustaba bastante, igual los discos de Serpentina Satélite.

¿My Bloody Valentine o Slowdive?

Uuuh…. difícil…. si bien los Slowdive tienen una discografía alucinante, creo q nadie gana en avance sonoro a los MBV, lo que hacían con las guitarras desde el Ecstasy and Wine ya era un paso delante del resto. El Isn’t Anything es mi favorito de ellos y junto al Playing with Fire y al Fade Out es lo mejor que se hizo en la segunda mitad de los 80s, a opinión personal, claro.

Hoy gran parte de los nuevos músicos edifican sus carreras enfocándose ante todo en el marketing. ¿Cuál es tu opinión acerca de la gentrificación de la cultura underground, de la cual la música no es excepción?

Te soy sincero… no estoy al tanto ni me interesa estarlo, sobre lo que pase en la cultura underground. Yo hago lo mío y me concentro en eso. No estoy enterado de lo q pasa en la escena musical actual, ni siquiera en el underground. Irónicamente ando escuchando mucha música nueva para mi pero que no es nueva en lo absoluto. Ando muy pegado con Mark Fry, Robbie Basho y Bobby Frank Brown.

¿Qué discos o proyectos estás escuchando por estos días?

Pues a parte de los mencionados.... Karen Dalton... John Fahey... Sibille Baier... Mucho garage 60s asiático o latino.... blues como Henry Thomas o Abner Jay... y hillbilly como The Carter Family.

Proyectos futuros y palabras finales.

Seguir en lo mío.

 ¡Gracias por la entrevista Chino! Saludos desde el cono norte.

Abrazo desde el Ande.


domingo, 14 de agosto de 2022

VISIONES :. El "Playing With Fire" de SPACEMEN 3 explotando nuestras cabezas


Spacemen 3 fue una banda que marcó a la escena avantgarde de los 90 limeña. Si bien éramos una minoría -los integrantes de Crisálida Sónica, y me refiero no solo a los músicos sino también a los colegas activistas-, el remezón fue tal que, pasadas las décadas, el aguijón de los Spacemen se percibe en los discos, compilados y algunas de las neo-bandas que han surgido desde los 90.

La primera vez que los escuché fue en un ensayo con Hipnoascensión, circa 1994 en San Felipe (Comas), cuando coverearon "Lord can you hear me?". Instantáneamente sentí que la canción me hablaba a mi: súper espiritual y etérea, portaba también un halo psicodélico que los emparentaba con Velvet Underground, por ejemplo. Por ese entonces contaba con solo 17 años e hice que un amigo del colegio, Richard Huamán, se grabara otro tema de ellos en uno de sus mixtapes. Para mi suerte el track en cuestión fue "How does it feel?". El enganche, de nuevo, fue inmediato. Fui entonces a la tienda en Los Pinos (Miraflores) de Eduardo Lenti a solicitar se me grabe el álbum completo.

El "Playing With Fire", así en cinta, lo degusté miles de veces. Esos trémolos hipnotizantes, las voces y estilemas de Kember y Pierce tan diferentes y hermanados a la vez, sus mantras tóxicos de las que, varias calendas después, Cocó Silvania/Ciëlo me diría "yo veo rosas con Spacemen 3". Un océano de fuego bautismal. El medio -trémolos, acid rock, gospel bliss, minimalismo recalcitrante- es el mensaje y el mensaje era "colócate y escoge esto". Y, déjenme decirles, yo les creí. Desde ese momento me convertí en un cadete espacial y elevé al nivel de maestro espiritual a Sonic Boom. No me da vergüenza decirlo hoy, décadas después, y cuando la situación, evidentemente, es otra.

Fue así que hice y he hecho todo lo que creé durante los 90. Avalonia, Fractal, El Conejo de Gaia. Crisálida Sónica. Vivir en fantasía fue lo máximo. Pagarlo no. Realmente.

Pete Kember y Jason Pierce, la dupla que alumbró las canciones "pop" más proyectadas de los 80. Eran gemelos esos weones, como dijo Paco, nuestro broder de Zárate, quien traía discos y casettes a la gente de La Colmena. Hijos ilustres de Rugby, un pueblo gris de Inglaterra, tal cual lo puede ser, salvando estrictas diferencias, cualquier suburbio o arrabal sudaca. 

Jason y Sonic, antes de terminar mandándose a la mierda, nos legaron esta Biblia Psicodélica como testimonio de lo que podemos ser "todos los niños arruinados de este mundo". Su posición en la Historia de la Música no lo mueve nadie.


ALGUNOS MELÓMANOS DE LA ESCENA DECLARAN SOBRE LO QUE FUE PARA ELL@S EL "PLAYING WITH FIRE" (1989) DE SPACEMEN 3


LUXSIE
(22 años, Lima, Perú)
[música y artista visual]

Descubrí el "Playing With Fire" en el 2018 por una recomendación de youtube, estaba escuchando "Some velvet morning" de Primal Scream, mientras scrolleaba para buscar nueva música, me llamó la atención la portada de colores pasteles que tenía escrito “purity love suicide accuracy revolution” y al centro “playing with fire”, me parecía bien irónico en ese momento de mi vida leer esas palabras, hasta que le doy click y la canción que empezó a sonar fue HOW DOES IT FEEL? 

Creo que fue uno de los pocos momentos donde experimente concentración pura, me sentía presente, se sentía como estar caminando, como subiendo montañas y verificando al mismo tiempo si existía señal de las torres de energía, todo eso sentía estando tirada en la cama. Lo que experimenté fue un sentimiento que tenía un 60% amor, 20% perplejidad, 15% curiosidad y 5% esperanza. Mientras respondía estas preguntas me puse a escuchar de nuevo How does it feel, y me hace ruido la línea “Cos what I see, it's pure heaven to me So tell me, are you for real?”, me hace pensar que quizá estoy soñando despierta, definitivamente esa canción me lleva a un estado liminal. 

"Playing with fire" es como una carta colectiva abierta al mundo, donde desglosa confusión, amor y libertad. No solo por las letras tan sinceras que te cantan como si estuvieras en alguna especie de ceremonia de cacao, sino que el mismo sonido del delay/tremolo en las guitarras te hacen sentir la vibración de la siguiente acción que vas a tomar, la distorsión del rasgueo en seco en “Lord can you hear me?” para mi fue un reencuentro con prioridades que he dejado abandonadas desde infancia, no se si desde vidas pasadas a esta, pero si muchas heridas que no tomaba atención. Este álbum no solo es una invitación a la muerte de la versión más horrenda que hayas tenido, sino también con “Revolution” disfrutas la libertad de ser/hacer lo que desees, que puedes elegir no estar sujeto al tiempo, mientras tu escribas la siguiente línea en tu canción puedes también darle un giro completo a tu vida y decidir el cambio, el comienzo.


ANDRÉS BUZOLIC (43 años, Punta Arenas, Chile)
[músico]

"Playing With Fire" lo escuché a través de descarga en la web. No había acceso inmediato para comprarlo en alguna disquería. Llegué a él un poco tarde, alrededor del año 98, luego de descubrir a Spiritualized, sobre todo con el disco en vivo del Albert Hall. A primera escucha me pareció un disco con una propuesta rupturista y ruidosa, heredero de nuestros queridos Velvets, sobre todo en su primera mitad. El uso y hasta abuso del trémolo me pareció que era el tipo de canciones que yo quería hacer si tenía una banda. También la forma de vocalizar, ese desgano que arroja poesía provocativa y a la vez naif.

En un disco iniciático, aunque suene cliché, después de este disco en cuanto a tus gustos nada volverá a ser igual. Los Spacemen en este disco mezclan ruidismo con hermosas melodías y hasta una vocación pop. Me cuesta reconocer un segmento del disco que me guste más que otro, debo señalar que el arranque me vuela la cabeza y creo que es el signo común en todos los discos que tengo de cabecera. Todo buen disco tiene tremendo arranque.

Un disco que pasa del gospel a la experimentación, un disco que es un mantra eterno, pero que nunca se vuelve plano o monótono, para mí también tiene una elegancia maravillosa este disco, es la elegancia auténtica, con muy poco dinero.


RENATO (29 años, San Miguel, Lima)
[Traductor]

La primera vez fue en una noche que no me acuerdo mucho lamentablemente, hace como 10 años tratando de buscar música mediante los medios que podía ya que la economía no me acompañaba del todo. Fueron momentos oscuros en mi vida que espero no vuelvan a suceder pero pienso deben quemarse las etapas para surgir. La primera vez estaba días sin dormir bajando y descubriendo música y de inmediato me atrapó el shoegaze a diferencia de mi banda de ese entonces que se inclinaban en sus influencias más a bandas post punk o new wave de los 80s.

"Playing With Fire" me enseñó mucho a aceptar otros géneros, ya que este álbum fue muy raro por sus sonidos. Tal como fue la primera vez que escuché el "Psychocandy" de los JAMC. Sí que cambie musicalmente hablando y mucho. Me encanta el ruido y las melodías hasta psicodélicas del disco. 

Si pudiera hablar con Spacemen 3 les diría que lo lograron, rompieron con todo tipo de fronteras, cambiaron muchas vidas en el término musical.


RODRIGO OMAR RUIZ LOPEZ (46 años, Sao Paulo, Brazil)
[Administrador de Media Audiovisual]

Escuché el PLAYING WITH FIRE, de un cassette prestado por un amigo del Chino Burga (3am) en los años 90, el cassette pertenecía a UMMAFUMMA, no me acuerdo de su nombre, pero él había dicho que el UMMAGUMMA de Pink Floyd debía llamarse UMMAFUMMA.

Ya escuchábamos SPACEMEN con el Chato Juan Casella y Wilder Gonzales (U de Lima), pero había escuchado los primeros álbumes como "Sound of Confusion" y los singles.

Recuerdo estar regresando en tren del aeropuerto de Roma (Fiumicino) cuando coloqué el cassette en mi walkman. Había despedido a un amigo en el aeropuerto después de una noche larga de UMMAFUMMA. Allí en la mañana de un sol naciente de Agosto escuche HONEY, que por cierto retumbaba en ms orejas, solo para ser remplazado por COME DOWN SOFTLY TO MY SOUL. Donde ya inmediatamente cerré los ojos.

La verdad lo asimilé últimamente con la edición del sello Superior Viaduct que, en los últimos 2 años, ha re-lanzado esta joya en vinilo y otros más de los Spacemen 3.

En el Verano del 97 los proyectos individuales de los integrantes (en este caso Sonic Boom) ya habían llegado a mis orejas, digamos que todo era medio relacionado, solo después fue que decidí armar una colección física de la trayectoria de los Spacemen y Sonic Boom. Habíamos ya escuchado el FOREVER ALIEN. Puedo también hablar de lo que he escuchado y leído del PLAYING with FIRE, pero no seria justo ese BLA BLA BLA, porque no sabía mucho acerca de los aspectos de producción del álbum. Solo puedo describir lo que sentía en ese entonces, una 'rejection' de lo standard y común que me envolvía en ese entonces, la piratería era cultura, y lo que recibíamos era por parte de grabaciones en cassete e ibas a la casa de tu pata a escuchar los álbumes que habían llegado, sea por correo, o por Galerías Brasil o por la tienda de Eduardo Lecca: Música Selecta. No conocía profundamente las influencias generales de los Spacemen 3, solo después que descubriría Suicide o MC5 o Kraftwerk.

Me estoneaba para escuchar, ayudaba mucho, pero lo más importante era la paciencia que debías tener para asimilar estos documentos sonoros. Sin paciencia, sin amor a la música , no hubiera llegado a entender la hipnomonotonía. Era un trance, una especie de DERVISH sonoro. Era lo que buscaba y lo que vino después de escuchar y coleccionar psicodelia.

Este álbum me influenció y me hizo buscar las influencias de los Spacemen en sus diferentes etapas. Ahora que escucho consigo relacionar las influencias. Después de Spacemen 3 nada sería igual en mi relación con la Música. Después de Spacemen descubriría el KRAUTROCK , INDUSTRIAL MUSIC, MINIMALISM de LOS 90.

Fueron mi piedra angular para meterme en la caja de pandora y cerrarla para mi propio deleite. También ya venía de una influencia literaria beatnik, más que todo William Burroughs y su almuerzo desnudo. Solo después descubrí el DREAM MACHINE de BYRON GYSIN, que evangélicamente se casa con la hipnomonotonía de los Spacemen.


HORACIO FERRO (38 años, Santiago, Chile)
[bajista en El Purpurado de Charol]

Cuando entré a la universidad me tocó ser compañero de carrera de Mario Varas Arévalo, quien es quizás mejor conocido por su proyecto indie lo-fi Calostro, & recuerdo que él usaba a menudo una polera de la banda (Spacemen 3) que había pintado él mismo a mano.

Mario es de las primeras personas en mostrarme música alternativa (en esa época el internet era mucho más precario, piensa que en un momento por ese entonces la gente me pagaba por buscarle álbumes en Soulseek & grabárselos en CD-R, porque se les hacía engorroso buscarlos ellos mismos), & con él aprendí un montón.

Recuerdo que cuando los escuché por primera vez me hizo mucho sentido lo que oí. Fueron fundamentales para la postura ideológica que en adelante comencé a desarrollar a la hora de pensar en sonidos & presentarme en vivo. Eso de mantener una nota sostenida durante media hora, sin progresión melódica, simplemente transitando por las texturas del sonido, me hacía caer en una suerte de eternidad de  bolsillo cada vez que los escuchaba. Suspender la existencia, una suerte de anestesia sonora. Si la psicodelia era el correlato sonoro a los psicoactivos, esto me remitía a los opioides.

Por ese entonces con un amigo teníamos un blog donde reseñábamos música, recuerdo que reseñé no este disco sino el Taking Drugs to Make Music to Take Drugs to (1990) [Tomar drogas para hacer música para tomar drogas], pero aún así siento que el texto funciona perfectamente para resolver esta pregunta. Te lo copio (le pregunté a google el sitio sigue existiendo, así que lo tengo a mano), pues creo  que, pese a ser medio pueril, siento que comunica mejor el entusiasmo que las primeras escuchas de esta banda me provocaron, & creo que no hay mejor promoción que el entusiasmo:

El shoegaze es la manera en que se reinterpretó la música psicódelica y hippie, desde un contexto postpunk. Es decir, toma de lo primero la forma musical, que busca más la generación de un ambiente contemplativo que una progresión en sus temas; mientras que de lo segundo toma la exploración en el sonido y en las maneras en que se pueden utilizar los instrumentos, heredada de la estética punk —sobretodo aquella parte del punk que mejor se nutrió del minimalismo de la Velvet Underground, proveniente a su vez de La Monte Young, que lo tomó de John Cage, quien lo desarrolló a partir de los postulados estéticos que yacían inmanentes en la música de Erik Satie, de quien André Bretón dijo que, pese a que el surrealismo repudiaba la música, su música era surrealista, y yo creo que lo dijo porque, mientras todos los músicos de la época componían para una burguesía sentada en los palcos de una recámara de concierto, Satie tocaba en cabarets y vodeviles, no para que su  música fuera el centro de atención del público para que luego lo aplaudieran y lo congratularan y lo premiaran y poder vivir de socialité en socialité, sino para pasar desapercibido y propiciar con su música un ambiente perfecto para que los borrachos que pululaban por el lugar se sintieran cómodos mientras hacían todo eso que la gente va a hacer cuando va a un cabaret—.

El título de este disco —una colección de demos y B-Sides del Sound of Confusion (1986), primer disco de la banda— es una suerte de ars poética que xplica muy bien el origen, el método y fin hacia el que apunta el shoegaze. Spacemen 3 son los padres del shoegaze. En vez de realizar supermegaconciertos pirotécnicos para que los aplaudieran y los congratularan y los premiaran y poder vivir como rockstars por el resto de su vida, los Spacemen 3 se sentaban en el suelo —con un espectáculo lumínico barato pero efectivo— para pasar desapercibidos y propiciar con su música un ambiente perfecto para que todos los narcófilos que pululaban por el lugar se sintieran cómodos mientras hacían todo eso que la gente va a hacer cuando va a un concierto shoegaze. El espíritu de Satie sigue vivo.

Creo que de no haber sido por ellos no me hubiera aventurado a hacer música. Tras escucharlos con mis amigos formamos una banda, básicamente abandonamos los estudios & nos juntábamos a meter ruido 5-8 horas diarias durante como dos años. De esas improvisaciones luego surgiría la banda que tengo ahora, El Purpurado de Charol. Hace unas semanas tocamos en vivo, & al terminar de tocar, se me acercó alguien a preguntarme si no me aburría mantener la misma figura mínima & repetitiva en el bajo durante 5-10 minutos por canción. & mira la coincidencia, no me acordaba de esto cuando comencé a responder estas preguntas, les respondí que ese era el espíritu de Spacemen 3. Soy pésimo citando, así que los parafraseé: Tres notas es un exceso. Dos notas está bien. Pero una nota, ahí está el meollo.


“Tres acordes bien, dos acordes mejor, un acorde lo mejor de todo”
SONIC BOOM





Un disco parido por dos tipos desde un pueblo de mierda reinventando el rock and roll. Sí, rock and roll y no rockkkk con toda su arrogancia. Dos gemelos jugando con fuego y con nuestro ego, enseñándonos que el largo camino a casa tiene de aullido y desafinaciones, como de gospel y mantra.
ANDRÉS BUZOLIC

Los Spacemen fueron muy importantes como piedra angular en lo que se refiere al otro lado de la música. Aquel lado que me salvo de lo banal.
RODRIGO RUIZ

viernes, 12 de agosto de 2022

WILDER GONZALES AGREDA - VANGUARDIA PERMANENTE O CUANDO LA FÍSICA DEL UNIVERSO PLASMA SINTONIZA CON EL BIOCAMPO HUMANO


🌠WILDER GONZALES AGREDA, POLIÉDRICO PERSONAJE DE LA ESCENA VANGUARDISTA EN PERÚ HA RETORNADO CON UN NEO EPISODIO DE SU SAGA: "VOLADOR" (SUPERSPACE RECORDS). TODO UN EMITIR VIBRACIONAL CON CADA TRACK DILUIDO EN CENTELLAS Y ALCANZANDO LAS ESFERAS QUE CIRCUNDAN EL ORBE.


     
       X: HELENE RAMOS


Estamos permanentemente rodeados de sonidos. Y todavía más importante: si la música no es, más que la producción de sonidos, como JOHN CAGE enfatizaba a menudo, entonces nuestro entorno en permanente ebullición sónica, es al fin y al cabo "música". ¿Qué es la música en realidad? Solamente una combinación de sonidos. Todos los sonidos que escuchamos nos rodean x todos lados siendo una canción aún no compuesta. Aunque no lo registren, estos sonidos entran en contacto con cada uno de nosotros. Cuando estos sonidos se atenúan, se liberan de ellos de alguna manera y son conducidos hacia la música. Todas las voces que escuchamos pertenecen a una música cuyas notas no pueden escribirse. Mientras que la música de nuestro interior nunca cesa.  

Cuando THOMAS ALVA EDISON inventó el fonógrafo, poco podía imaginarse que unos siglos después las canciones reposarían en un limbo de dimensiones ilimitadas llamado internet y que podrían escucharse en formato digital en cualquier parte del mundo. WGA, con este su neo álbum digital "Volador" - cuya creativa carátula fue diseñada x Andrea Lértora Alva-, incluye 6 orbitadas gemas como él ha elucubrado desde siempre en su continuo sendero de sonidos más experimentales, sono-poéticos y poco convencionales.

Su música-arte no tiene una categorización simple -aunque atrapa a quienes buscan más allá de las normas midstream y mainstream. A propulsión mental me interno a la escucha del disco con mi escudo diamagnético: antimeteoritos.

Tú sólo déjate guiar x solsticios y equinoccios que regulan el tiempo de días y noches, de estaciones cálidas y frías, de cielos cambiantes y constelaciones en tránsito, de sismos programados, de lunas diversas que despiertan y silencian a la vez, tus sentidos.

ADVERTENCIA: Estos sonidos cumplen con su intento de regenerar las estructuras frecuenciales genéticas de tu memoria celular, de tu ADN. Entonces, a ponerse la escafandra de ultra-plus  sonidos cromosómicos. Es de ley.  

"Volador" incluye piezas como suites venidas desde los agujeros negros -aunque estos, no son realmente negros sino bi-luminiscentes.



"Rave en mi Alma"

Ignición en total ebullición. Antena submarina dirigida como un satélite de comunicaciones en busca de contacto sideral exterior.

"Me maravillo"

Medicina Natural transmitida en alta Biofrecuencia Plasmática Biomagnética. Los practicantes de Master Reiki, I Ching, Feng Chui, Terapia Tian Jin, Aura Soma... altamente agradecidos.

"¿Dónde está la innovacion?"

A estas alturas ya había traspasado una decena de portales dimensionales de la Antártida. Un registro poderoso que el potencial y la lógica de la teoría del universo eléctrico salta de pieza en pieza. 

"El sonido post-psicodélico de Lima Norte"

A todas las influencias que el eternauta WGA, pueda citar para la arquitectura sónica de este álbum agrego que, tanto este tema como "Rave en mi Alma", ambas supuran una especie de kraftwerkificación o cicatrización bellamente ensamblada.

Esquirlas ominosas en su rango de resonancia y ya como códigos universales.

"Pachamancas del Planeta Kepler"

Ni bien comienza esta pieza y ya capto: haces de iones enfocando una nebulosa solar magnificando la luz de las galaxias y generando múltiples imágenes de ellas. Los sonidos que siempre recomiendan en las Técnicas Tao, para tu poder psicotrónico. Los sonidos que precisan las diversas pachamancas novoandinas ¡además! ¡Los sonidos que te transportan a los bordes del espacio cosmo-estelar! Sin duda.

"Zenit"

Alcanzado. Crepúsculo y cúspide durante todo este viaje compartido: recolectando espectros de cientos de millones de estrellas y galaxias.

Como  siempre, el Instituto WGA, me transporta hacia niveles supra altos de consciencia con sus meta narrativas en poesías sónicas. Su universo holográfico como una magnífica descripción de la electricidad en el espacio. WGA, establecido en la Tierra/Gaia -aunque surcando su órbita de fractales en movimiento y traspasando 4001 planetas no habitados. Su rutina.

Hasta aquí el mapeo sonoro interestelar. STOP!


Portada por Andrea Lértora Alva

miércoles, 10 de agosto de 2022

Contra el control



Laa Idea. 

Para curar y reintegrar la personalidad humana. Para activar  detonaciones psíquicas que anulan el control. Para reevaluar y valorar los fenómenos que parecen desafiar la razón. Para recuperar la elección en todas las cosas. Para evitar la separación y la compartimentación en cada uno de los aspectos y niveles, internos y externos, de la vida. Para que intenten expresar siempre con la mayor sinceridad posible lo que realmente sienten y piensan. Para que localicen e identifiquen sus propias habilidades y las desarrollen. Para que sean conscientes de las flaquezas y futilidades humanas sin dejar de ser intensamente afectuosos. Para que vayan hasta el límite y luchen para sentir y expresar siempre más. Para que desprecien toda forma de complacencia. Para que cumplan con sus ideas las veinticuatro horas del día durante toda la vida. Para no aceptar nada. Para no asumir nada. Para alentar a otros a recuperarse a sí mismo y a maximizar su potencial. Para intercambiar y liberar información.  Para comprender y atesorar el carácter precioso de las sensaciones, las emociones y los sentimientos. Para reconstruir los parámetros y las posibilidades de las relaciones. Para localizar y escoger sin sentir culpa ni miedo de nuestro balance individual y natural de la sexualidad. Para cambiar y para ver el cambio no como una contradicción o una inconsistencia, sino como la manera real en que las cosas son y deberían ser. Para ver el tiempo como un recurso no fijado e irremplazable del que uno recibe tan solo una cantidad limitada e impredecible. Que ese tiempo no debe ser malgastado o desaprovechado. Para intentar trabajar con el fin de saber que has usado cada segundo de modo constructivo. Para buscar la superación personal, y no la gratificación personal. 


El control. 

El control necesita tiempo (como un drogadicto necesita la droga). El tiempo se presenta como lineal. Los cut-ups convierten al tiempo en algo arbitrario, no lineal. Revelan, localizan y rechazan el control. El control se esconde en estructuras sociales tales como la política, la religión, la educación, los medios de comunicación. El control existe como un virus: para su propio beneficio. Los cut-ups aflojan el orden racional, destruyen los preconceptos y las respuestas esperadas.  Vuelven a entrenar nuestra percepción y aceptación de lo que se nos  dice que es la naturaleza de la realidad.

Ellos confunden y cortocircuitan el control. Todo control depende en última instancia de la manipulación de la conducta. En la cultura, el cut-up es aún una modificación de, o una alternativa al lenguaje. Puede revelar, describir y medir el control. Puede hacer algún daño, pero no es suficiente. La magia(k) como método es un proceso de cut-up que va mas lejos que la descripción. Está infundida con intuición, instinto e impulso, e incluye emociones y sentimientos. De hecho, opera dentro del mismo soporte: "la conducta" como control. Por lo tanto, le es esencial en tanto sistema desafiar, castrar y volver impotente la fuente del control mismo.  

El control desintegra. La magia(k) integra.

La idea consiste en aplicar el principio del cut up a la conducta.

El método es una interpretación contemporánea, no-mística de la  "magia(k)".

Laa meta consiste en la recuperación de la autodeterminación, consciente e inconsciente, por parte del Individuo.

Eel resultado es neutralizar y desafiar la esencia del control social.


Genesis Breyer P-Orridge, Londres, 1987
- (Extraído de "La Biblia Psíquika")


sábado, 6 de agosto de 2022

H R 3 0 0 1

X : HELENE RAMOS



SONIDOS Y VISUALES SAGA 2022. UN ASALTO SENSORIAL EN FORMAS ABSTRACTAS A PARTIR DE FORMAS ORGÁNICAS Y VICEVERSA🗽 Todo vibra, todo suena: la piedra,  la planta, el animal, cada uno según su forma o naturaleza. Así mismo suenan las estrellas, soles y planetas. Todas las formas de vida se expresan en sentimientos nobles, en impulsos de luz que en sí mismos son vibración y canto. También en nosotros suenan las armonías del universo, pues el universo está en cada uno de nosotros🗽Con residencia en Londres, el animador 3D, VJ, artista visual, director y productor de vídeos prefiere definirse tan sólo como Arty Design bajo el alias de WEIRDCORE. En un inicio trabajó haciendo menús para DVD's en el Soho, luego su talento lo llevó a elaborar vídeos y visuales para artistas como M.I.A., HUMANOID, MIRA CALIX, JIMMY EDGAR, CARRI MUNDANE, ONEOHTRIX POINT NEVER, JOEL FORD/TIGERCITY, RADIOHEAD. El enigmático diseñador WEIRDCORE, ha sido igualmente cómplice de la neo imagen de la banda TAME IMPALA🗽



Fue así como Richard D. James/APHEX TWIN decidió nombrarlo como su VJ personal para una serie de conciertos 
(2009); gran oportunidad en que el londinense demostró sus brillantes habilidades utilizando monstruosas yuxtaposiciones, deformaciones en aras de transgredir la estética con la finalidad de crear fastuosos visuales de variado contenido 'glitch' e imágenes estroboscópicas. MC ESCHER y VÍCTOR VASARELY (realmente de nombre VÁSÁRHELY GYÖRZÖ (iniciador del OpArt)) son sus grandes influencias, cuyo arte no teme usarlos aunque destruyendo, reinventando y mezclando  con tendencias de actualidad como el vapor wave, glitch y datamosh para crear diversas imágenes etéreas de un reformado espectro psicodélico y futurista. FUTURE SHOCK: WEIRDCORE es una de sus recientes exhibiciones en 180 diferentes estudios. Nunca ha dado su nombre real y en variedad de las entrevistas televisadas su rostro luce desdibujado. Cero ego🗽 



La relación de John Cullip con héroes de la talla de Jackson Phillips (DAY WAVE), como con Soko y Zachary Cole Smith (DIIV), da cierta confianza para mencionar a su banda LAUNDER. Lo de ellos es un cruce de estilos entre lo-fi y shoegaze. La alquimia en el estudio con los otros integrantes dio sus frutos vía su neo álbum "Happening". La placa no decepciona e incluye bellas gemas sónicas como "Unwound" que muestra riffs de guitarras palpitantes. Mientras que "Intake" (su actual single) nos lleva al universo específico y sello de Peter Hook. Otras piezas: "On A Wire", "Rust", "Chipper"... que envuelven plácidamente agradan y embelesan🗽X su parte, ARTBAT, Shall Ocin feat. Braev nos conecta a su actual single y respectivo clip titulado: "Origin". Una amalgama en  creatividad nivel A1 https://youtu.be/ZA_s9nkiWXk🗽



"Call" es el neo single de los veroneses YOU, NOTHING, una de las bandas de shoegaze italiana que se precie. La pieza grabada x Michele Zamboni en los estudios Noir de Verona, consolida aún más la fórmula musical del cuarteto: una persecución continua de sonidos shoegaze y dream-pop con alto índice y nostalgia. Gioiá Podestá, 
voz y guitarra en la banda protagoniza el vídeo filmado en Bosco Buri de Villa Buri al este de Verona y en el Parco dell' Adige Est. Para este combo debe de llegar lo más pronto posible una consagración más amplia. Su neo single ha marcado el centro perfecto🗽"Death Of Melody" es el neo single del tan esperado cuarto álbum del amado  grupo PREOCCUPATIONS. La banda de post-punk de la bella Calgari/Canadá y anteriormente conocida como VIET CONG, lanzará su tan ansiado neo álbum "Arrangements" el 9 de septiembre. Su single en mención que seduce, aborda la existencia a medio camino entre lo permanente y lo temporal. Dale play al audio del single: https://youtu.be/yi6jdCx56AA🗽WILD PINK - "ILYSM" su actual single no deja de fascinarme x estos días. Obsesivo:  https://youtu.be/mhLAkqqpl3E🗽El shoegaze de IDI ET AMIN te puede llevar a Salt Lake City, base en donde opera este combo hipersónico. Ellos, simplemente toman esencias de MY BLOODY VALENTINE, SONIC YOUTH como la tendencia 'dangling' de unos PAVEMENT y los trituran en una mega licuadora para que te lo bebas todo. Su o.v.i. en álbum: "Candy Suck" me ha subyugado de inicio a fin. Agrego que he captado cierta fragancia SMASHING PUMPKINS y esquirlas extra lo-fi. (Que conste que Billy Corgan anda que estrena neo temas y se sube de un escenario a otro de su cofradía x estos días). El track "Honey Stick Handle" es literalmente un barullo MBV dentro de una batidora, para los que no me puedan creer. Mientras que "Lantern" con una duración de más de 8 minutos, se remite a la saga narcoléptica de CATHERINE WHEEL. Otros jugos o digo triturados temas: "Jetlagged", "Picture Of Her", "Japanese Sugar", "Porcelain Boy", "I Wanna Bereave", "Hearkicker". (glup,glup... so delicious and so brave!)  https://youtu.be/ygZxqTEDFpA🗽




DRY CLEANING promueve un segundo extracto de su próximo neo álbum "Stumpwork" (4AD) disponible desde el 21 de octubre. La pre-grabación con JOHN PARISH y JOE JONES tuvo lugar en Bristol/Inglaterra concluyendo en los estudios Rockfield. La gran inspiración musical provino de los soundtracks del magnífico JOHN BARRY. "Anna Calls From The Artic" su actual single en promoción e invitación si te conectas a este link. Dale play:  https://youtu.be/lYNwr7wuRHY🗽STEREOLAB comparte 2 neo temas "Simple Headphone Mind" y "Trippin' With The Birds" - ambos extraídos del EP "Simple Headphone Mind" (1997), realizado junto a NURSE WITH WOUND e incluidos además en "Pulse Of The Early Brain" (Switched On Vol.5) vía Warp y disponible desde el 2 setiembre https://youtu.be/PNEee05yvbQ a darle play y a este otro de los mega-opus: https://youtu.be/qgLgQHvhiSs🗽PANDA BEAR & SONIC BOOM acaban de lanzar "Edge Of The Edge" - neo single con aroma vintage de unos THE BEACH BOYS🗽SUEDE anuncia su neo álbum "Autofiction" para el 16 de septiembre, su single "15 Again" -no decepciona para nada.¡Brillante!🗽PULP retorna en 2023 con mega gira europea. Confirmación dada x su líder JARVIS COCKER🗽LECTURA. Uno de los integrantes de KRAFTWERK/KARL BARTOS, comparte memorias interesantes en el libro "The Sound Of The Machine: My Life in Kraftwerk and Beyond". Un volumen de más de 600 páginas que incluye arsenal de fotos y muy preciso en las reconstrucciones históricas como en las relaciones con los otros integrantes de la mítica banda de gran legado🗽Triste la partida de la co-fundadora del mítico club techno: Tresor (Berlín). REGINA BAER lo tornó como el local más emblemático del mundo🗽

Jarvis Cocker integrante de otras de las bandas insigne que retorna: PULP
Neon Post-Art ©Helene Ramos


EL GRAN RETORNO GLOBAL DE LOS MAESTROS ORIGINARIOS DE LA ESCENA QUE FELIZMENTE MUCHOS  PUDIERON DISFRUTAR  AD INFINITUM: HOY EN DIA, ENSALZAN CON SUS BUENAS NUEVAS. En varias emisoras AM/FM de Lima/Perú: MIRAFLORES, UNIÓN, NACIONAL, SANTA ROSA, BACÁN SATELITAL... jamás escatimé esfuerzo alguno x difundir su música y data (diarios y revistas: La República, Cambio, Ojo, Expreso, Perú 21, Ave Rok, Britania Fanzine, Esquina, Sí, Outer Reef, Urbania, Dosis... On line: Losing Today, Circus, NME, Amazon, Compost Records, For 4 Ears Only... y un sin fin de sites hasta la fecha). X lo mismo, celebro que estén de vuelta siguiendo y dando cátedra audiosónica/visual. Es un bálsamo extra a lo que prodiga la enorme masa de neo actos recientes🗽 Los trabajos logrados x SAM PREKOP y JOHN McENTIRE, tanto como integrantes del proyecto THE SEA AND CAKE como x los trabajos en solitario del primero en mención o la militancia en TORTOISE, pioneros de la saga de post-rockers, del segundo, que además puede presumir de una más que prolífica carrera como multi-instrumentista, productor e ingeniero de sonido. Dos representantes de una estirpe de grandes y brillantes músicos dedicados a la experimentación,  estilísticamente a trote entre géneros que no defraudan las expectativas de sus fieles seguidores. Dadas las premisas, un disco como éste "Sons Of" (Thrill Jockey), creado en tándem x los dos, aparece sobre el tapete como la enésima etapa de un alto camino artístico muy preciso, como coherente, dinámico siempre admirable, y en lo que fácilmente todos están de acuerdo en: 'todo en el mundo cambia menos la vanguardia', y esta seguridad es siempre altamente muy reconfortante. X todo ello, aposté esencialmente x esa escena en los medios. El tiempo ha dado la razón. El irresistible viaje musical de ambos sigue fascinando en este 2022 -entre sus improvisaciones y síntesis modulares. "Crossing At The Shallow" es una de las 4 bien logradas piezas incluídas: haz tu debido click a  https://youtu.be/QO0y7W344io🗽CAN - "Live in Cuxhaven" (1976), es el tercero de la serie de discos en vivo a ser lanzado el 14 de octubre próximo. Fue grabado x el fan Andrew Hall con su grabadora de bolsillo. Supervisado x el curtido integrante IRMIN SCHMIDT, tecladista y único sobreviviente activo de CAN, miembro de la formación original saga inicial. Editado en vinilo y CD limitado. Cuxhaven es una ciudad ubicada en Baja Sajonia con bella vista al mar del Norte/Alemania🗽


LEFTFIELD son los mismos del mítico "Leftfism" clásico de la saga noventera, los autores del single-killer: "Open Up" con JOHN LYDON y "Afrika Shox" con AFRIKA BAMBAATA, el dúo que junto a UNDERWORLD y FAITHLESS, como a PRODIGY y CHEMICAL BROTHERS protagonizaron un discurso donde la danza y formato álbum, enfoque banda en vivo, samples y multi - breakbeats, continuados en una mezcla ecléctica basada en raíces house como techno, trance y dub... se daban la mano. Siete años después de la última prueba: "Alternative Light Source", con Neil Barnes en el timonel, el tema musical retorna con "This Is What We Do" y es lo suyo. Grian Chatten (FONTAINES D.C.) y el poeta Lemn Sissay participan también. "Pulse" es el primer fragmento iridiscente en single y pleno para tus oídos🗽Mi mejor amigo imaginario favorito: BRIAN ENO de retorno al disco cantado como no lo hacía desde "Another Day On Earth" para iluminar al planeta entero. Su inesperado vigésimo segundo álbum en estudio bajo el  irónico y compuesto título es: "Foreverandevernomore"(Verve/UMC)Primer extracto en single "There Were Bells", escrita x encargo junto con su hermano Roger para una actuación en la Acrópolis/Atenas y presentado bajo 45 grados a la sombra en 2021, el día del gran concierto. Master de Masters. https://youtu.be/-gH-cWKpNY🗽El segundo sencillo: "Become The Lies" de THE SOFT MOON que se desprende de "Exister" (Sacred Bones Records), álbum programado para el próximo 23 de septiembre ¡está de impacto!🗽


Samara Winter (a) WINTER, anuncia neo LP , "What Kind Of Blue Are You" (Bar/ None) para el 14 de octubre. Comparte el single "Atonement" feat. HATCHIE🗽X su parte, WORKING MEN'S CLUB en una especie de vívida magma revival ochentera y noventera trae su álbum: "Fear Fear"🗽El sello Dark Horse celebra parte del legado de JOE STRUMMER con el magnífico boxset "Joe Strummer 002: The Mescaleros Years"🗽Altas vibras cinéticas en estos tiempos del planeta Tierra/Gaia. Todo lo que emitimos como sensaciones y pensamientos positivos no deja un vacío en nuestro interior, del manantial de fuerza de lo eternamente bueno nos fluyen en seguida multiplicidad de fuerzas incrementadas. Todos somos co-creadores de lo que deseamos. A no perder el ánimo y a abrirse de oídos con lo que nos inspira en lealtad siempre: la gran música de las esferas🗽STOP!

jueves, 4 de agosto de 2022

DOMINGA HUIDOBRO INTERVIÚ :. Hago música para ser un instrumento, dejar de ser





No seguía a Föllakzoid desde que lanzaran "II" allá por el 2013. Tamaña sorpresa me he llevado cuando, invitado por la misma Dominga Huidobro, corroboro en bandcamp que su sonido despegó ya de aquel rock psych y es una suerte de mantra telúrico que calza ejemplarmente minimalismo. drones y feedbacks. Varios drogos que conozco estarían chinos escuchándole. C.f. "I" (Sacred Bones, 2019). Trips transandinos que te catapultarán lejos del orden societal humanoide. Las lecciones de Terry Riley, Spacemen 3 y Neu! maridándose celestialmente con vibraciones del Abya Yala milenario. Domingae, música y cineasta, fundó Föllakzoid en 2007 y desde entonces han editado tres álbumes vía Sacred Bones; recientemente abrió una carrera en modo solista donde la escuchamos gozar de la electrónica avant de corte espiritual retro-futurista. Desde da blog le alcanzamos unas preguntas y esto es lo que respondió.


¿Qué música escuchabas en los inicios, cómo descubriste la psicodelia y la electrónica?

La psicodelia, así como tal, es algo que desde niña he encontrado en toda la música, clásica, experimental y electrónica. En los inicios escuché folklore andino y rock anglo clásico.

Tus proyectos o pasos previos a Föllazkoid.

Ninguno, follakzoid ha sido mi única banda .

¿Qué significa el nombre de tu banda? Cuéntanos cómo se dio el origen de la misma y en qué están ahora. Me comentabas que andan girando por Europa.

Si tú lees la palabra follakzoid en español, esta suena como la palabra encendedor en aleman (feuerseug). Actualmente me encuentro por terminar una gira de 45 ciudades en 50 días en europa.

Graficamos la escena alternativa o under de Santiago plis.

No vivo en Santiago hace más de una década :)

Además de la música ¿qué otras expresiones concitan tu pasión?

El cine y la moda !



¿Por qué haces música?

Para ser instrumento. Para dejar de ser. 

Tu proyecto en modo solista Domingae es generoso en sonidos electrónicos rupturistas distantes del rock psych de Föllazkzoid. ¿Cuándo decidiste abrir ese camino, qué se viene como Domingae? A muchos nos enamora más esa faceta que la onda rocker.

Follakzoid ya hace más de 7 años que dista mucho de psych rock. Te invito a revisar nuestros últimos dos álbumes y te darás cuenta que junto a atom y nobu hemos construidos un híbrido sónico mucho más cercano al minimalismo y la electrónica techno que al rock que mencionas :) 

¿Qué estás escuchando estos días?

Nissenenmondai

¿Qué conceptos desarrollas alrededor de estas palabras?

- GÉNERO

trans

- INNOVACIÓN

Siempre 

- ARGOLLAS

Eternas

- PSICODELIA

Interna

- IZQUIERDAS

fugaces


miércoles, 3 de agosto de 2022

JAIME BAILÓN INTERVIÚ :. La chicha no ha sido pasteurizada/fagocitada sino que se ha convertido en la cultura hegemónica. Hay abundancia de información pero muy poco conocimiento.


Uno de los personajes que conocimos en la Facultad de Comunicaciones en los 90 fue Jaime Bailón, quien por aquel entonces era jefe de práctica de cursos como Teoría del Conocimiento y Estética y Percepción. Jaime era conocedor de buena música y era harto agradable charlar con él no sólo de sonidos sino también de filosofía y más. Recuerdo con precisión cuando en una clase de Historia del Arte le hice escuchar el "bloweyelashwish" de Lovesliescrushing, él sonriendo me comenta ni bien suena el tape "esto debe ser 10 años después del Psychocandy de Jesus & Mary Chain". Así de acertado y contundente era. Muchos años han pasado desde aquellos prístinos 90 en la de Lima y cuando retorné para culminar la carrera el 2007, Bailón ya era uno de los profesores principales. Un real lujo haberlo tenido de maestro aquellos días finiseculares. Con uds la conversa pendiente con Jaime Bailón en Perú Avantgarde, un blog para todos y para nadie.


Gracias por la entrevista en primer lugar Jaime. Coméntanos, plis, ¿cuál es tu perspectiva del Perú de hoy, en qué cambiamos o evolucionamos con respecto a los 90 y/o a los dos miles?

Nuestro país es un estado de crisis permanente, que obviamente se ha agudizado con la pandemia, 200,000 muertos es una cifra espantosa, que es difícil de procesar. Y este acontecimiento desnudó todas las falencias y taras del estado peruano, su paupérrimo servicio de salud y educación. Y desveló una ciudadanía precarizada, ocho de cada diez peruanos viviendo en la informalidad, más de un millón de jóvenes ninis (ni estudian ni trabajan).

Tu opinión sobre la gentrificación, hoy omnipresente en toda la cultura. Y de la que el Perú no se ha escapado.

Sobre la gentrificación, conozco muy pocos casos (el centro del Callao). Lo que sí tenemos es una privatización del espacio público, calles y parques cerrados, lo que me parece lamentable y es parte de nuestra pobre concepción de ciudadanía y espacio público.

¿Le sigues teniendo fe a la cultura chicha? O consideras que ha sido pasteurizada/fagocitada por el sistema.

Todo lo contrario, la chicha no ha sido pasteurizada ni fagocitada como señalas sino más bien se ha convertido en la cultura hegemónica sobre todo en Lima, el achoramiento, el humor de aplaste, es la forma como socializamos en la capital. Este es obviamente su lado negativo pero tiene también uno positivo que es la capacidad de reinventarse, aprovechando los pocos recursos al máximo, los mestizajes.

¿Cuáles dirías que fueron los pensadores o libros/documentos que te abrieron la mente?

Autores que leí en la universidad como estudiante, la sagrada trinidad como me gusta llamarlos: Foucault, Deleuze y Antonio Negri. Me parecen los pensadores que trazaron los croquis para movernos en este difícil siglo XXI.

Las anécdotas o vivencias que recuerdas de tu paso por la Universidad de Lima.

Una frase que le escuché decir a un chico: en mis clases solo faltaba un par de chelas. Bueno, cuando los alumnos formaron un círculo de filosofía en la década pasada nos pudimos tomar unas cervezas a la vuelta de la universidad. Fue uno de los elogios más lindos que he recibido.

La internet terminó liberando no a la gente sino al mercado capitalista, como apuntaron los alemanes de To Rococo Rot cuando les entrevisté, ¿hacia dónde vamos en esta era de abundancia de todo y donde casi no hay espacio para el aburrimiento?

Es cierto hay abundancia de información pero muy poco conocimiento. La pandemia demostró que los profesores son imprescindibles y las bibliotecas físicas también

Que los medios digitales sean un cura para el tedio, percibo más bien todo lo contrario, veo más bien una generación de gente muy aburrida. Si algo recuerdo de mi paso por la universidad como estudiante eran los cafés interminables con mis profes, de repente esto no era la norma, pero yo tuve la suerte de ser asistente de cátedra de los profes que me parecían más interesantes y podía conversar con ellos mucho.

¿Está el grueso de los jóvenes interesados en cambiar el mundo o en amoldarse a él y sacarle el jugo? ¿Cómo los percibes desde la Facultad de Comunicaciones?

Creo que esa idea de querer cambiar el mundo ya fue, lamentablemente estamos obligados a ser nihilistas en el peor sentido, es decir aceptar que lo único que funciona es el mercado, aunque se ha visto que este tampoco funciona. Hoy en día los chicos quieren sobrevivir como todo el mundo.

¿Qué discos y películas recomendarías a los lectores del blog?

A ver para que se rayen un poco Melancolía de Lars Von Trier y un par de pelas peruanas: Rosa Chumbe, una de las cosas más fuertes que he visto en los últimos años junto con Wiñaypacha. Sobre música, gracias a Rosa Chumbe volví a escuchar un grupo de chicha instrumental Los Orientales de Paramonga y siempre hay que escuchar a Miles Davis.

Palabras finales.

Saludos a los lectores del blog, y a los seguidores de la electrónica experimental, aunque todo arte es experimental y por lo tanto una forma de resistencia. Gracias. 

UNA (LARGA) CONVERSACIÓN CON MARIO SILVANIA :. Yo creo en la música, en los soñadores, en lo alternativo y el resto me la suda. Lo que me mueve el suelo es la gente joven que escucha Silvania, chic@s de 17, 18, 20 años. No me importa los críticos, ni la Rock de Lux, ni ninguna revista.

Mario Silvania en "La Noche" de Barranco


Silvania, qué decir sobre ellos en esta bitácora que no hayamos expresado ya. Nos marcó a fuego la adolescencia noventera cuando le descubrimos el 93 en pleno furor shoegaze y desde entonces les seguimos. La internet es testigo y por ahí flotan mis misivas a las listas de correo 4AD y shoegazer hablando de ellos y hasta Robin Rimbaud aka Scanner me escribiría en 1995 preguntándome por la remezcla que les había hecho para el "Delay Tambor", algo que en ese momento fue tamaña sorpresa. 

Nunca nos hubiéramos imaginado que unos peruanos como nosotros, inmersos tal cual estábamos en la cumbre del fujimorismo, los diarios chicha, la TV basura y los astros del grunge y britpop, se abocarían como nosotros -Crisálida Sónica, es decir- a la exploración etérea ambiental. Y que, para más inri, lo harían mencionando sus raíces peruchas. Ahí estaban siempre las referencias a su tierra ya sea a través del nombre de canciones -"Trilce", "Raymi I", "Ancón"- o en los booklets y líricas citando a genios como Oswaldo Reynoso y Rodolfo Hinostroza. Fue hermoso haberlo vivido, sí siempre lo digo, ya deben estar cansados, pero hoy es un poco difícil comprender lo que sentía uno al rodearse de esta magia y darse cuenta que el resto, los alternativos y subterráneos incluidos, estaban en otra.

30 calendas pasaron y seguimos respirando. Vaya csm quién lo diría. Uno ha vivido demasiado y debería haber muerto hace años o así uno mismo lo intentó, pero los planes del cosmos son otros, bien se ve. Tras la tragedia de Cocó el 2008 y retornar a Lima, Mario Silvania pasó una etapa de crisis y depresión, la cual, esperamos, esté cerrando. Es difícil, lo sabemos en carne propia. Sanando todo y de todos Silvania volvió, fue una promesa que se hicieron de seguir sí o sí. El 2021 editó el disco del año para ciertas webs y revistas, incluida Perú Avantgarde. "Todos los astronautas dicen que pasaron por la Luna", trata esa belleza, de 12 canciones = 54 minutos, dedicada al danzante espacial -"el Romántico subió al cielo a bailar con los ángeles, los ángeles sonríen, los ángeles se amanecen"-, de colores, despedidas y horizontes verticales, de antigeometría rítmica y las músicas que siempre estarán en nuestras almas. 

Merecido disco del año, considerando la hiper abundancia de indie pachanga electro para retrasados. E importa un bledo que no lo diga la Rock de Luxe o la Wire, hay que ser súper cojudo para no ser uno mismo y necesitar que unos gafapastas hipsters te digan qué escuchar o qué es de calidad y qué no. Díganmelo a mí que pasé mi adolescencia y primera juventud viendo en los mass media artículos y portadas de entes del montón, masivos y refritos. Peor aún, hoy puedes comprar presencia en medios, además. Con 5 lucas la haces linda, así no tengas ni un puto álbum en tu carrera sales en página entera. ¡¡Jajajaja!!

Bien chicos y chicas de lluvia, fans del blog Perú Abancay XD, estos días estuve charlando con Mario Silvania sobre algunos tópicos y el resultado es el que sigue, disfrútenlo y devórenlo. La entrevista pudo ser mucho más larga y ha sido editada también, ya será en 20/30 años más o en el Firmamento. 

Larga vida a la vanguardia peruana por siempre escucharán. 

PD: para conseguir el último álbum de SILVANIA, "Todos los astronautas dicen que pasaron por la Luna", escríbele a Mario Silvania a su feis acá: Mario Silvania | Facebook

LEE NUESTRA REVIEW A "Todos los astronautas dicen que pasaron por la Luna" acá: Vanguardia Peruana & Sonidos Contemporáneos: Reseña: SILVANIA - Todos los astronautas dicen que pasaron por la Luna (Independiente, 2021) (peruavantgarde.blogspot.com)

Coméntanos por favor, ¿a qué refiere los nombres SILVANIA y Solineide? ¿Cómo era tu relación con Cocó Revilla? ¿Qué tienes que decir sobre la gente del sello Elefant?

El de Silvania sale porque mi abuelo Ángel, a quien yo amaba mucho, tenía una novia que se llamaba Silvania que era italiana, había una publicidad en los años 60 que era un cohete yéndose a la Luna y poco a poco iba apareciendo un reloj que decía “Silvania, los relojes del futuro” y de ahí se me ocurrió y se lo comenté a Cocó y me dijo que le parecía lindo. Solineide es un juego de palabras que un día inventó Támira Basallo la chica de Salón Dadá y Cocó le quería dedicar una canción así que nos pusimos a componerla y salió esa pieza tan hermosa que cierra el Miel Nube Hiel EP.

Las primeras canciones como “Azul es refugio” que es del año 90, que salió en un single casette para las radios está dedicada para mi abuelo Ángel y la letra habla y Solineide igual va dedicada y son canciones que nos marcaron mucho por dónde teníamos que seguir con Silvania.

Mi relación con Cocó siempre fue genial. De amistad tremenda siempre y mucha sinceridad. En todo el tiempo que trabajé con Cocó, que nos conocimos siendo menores de edad, unos chibolos de verdad, nunca Cocó me engaño con un centavo ni yo lo engañé con un centavo. Lo teníamos claro que si queríamos hacer algo grande, algo que quedará para toda la vida, teníamos que ser honestos entre nosotros mismos y creo que eso es lo que mejor se reflejó. Nunca nadie podrá decir Mario se llevó un centavo o Cocó se llevó un centavo de Mario, teníamos una confianza tremenda con eso, es la base. Porque si tú te juntas o eres socio de una persona que te está robando o tú le robas la has cagado.

Yo nunca tuve una relación buena con Elefant, creo que teníamos para dar más, creo que tenían que habernos apoyado más y todo, todo, todo lo que Silvania significa a lo largo de estos ya 32 años, lo hizo Mario y Cocó. Las canciones les pertenecen a Mario y a Cocó, a ningún sello, le pertenece a la gente, a los chibolos de 18, 20, 21 años que han comprado el último disco de Silvania no a Spotify ni Bandcamp ni ninguna red social. Porque la gente es la que escribe, la que compra mi disco y yo orgullosísimo de que gente tan joven hayan llevado a una venta buenísima del último disco de Silvania. Silvania va a seguir es como un sueño y una promesa que nos hicimos Cocó y yo que si alguno de los dos algún día faltase el otro tenía que seguir con el sueño. Y eso es Silvania.

¿Cómo ha sido volver a componer y crear canciones en modo Silvania después de tantos años de para y luego de Ciëlo además? ¿Cuál es tu set up o el sinte que más usas? ¿Piensas presentar el nuevo álbum en concierto en algún momento?

Hace poco me ha llegado una propuesta grande y bonita pero hasta que no vea el dinero o que me digan “sí” no puedo decirlo. Es de un grupo que viene ahora en Noviembre a tocar, ahí no más te la suelto. Volver a componer ha sido hermosísimo, siempre tengo música en mi cabeza, te estoy respondiendo ahora y tengo melodías en mi cabeza. Sueño con melodías, me despierto pensando en melodías y en letras y cosas desde niño y a pesar de que tuve desde el 2010 al 2018 esta depresión tan fuerte por la muerte de Cocó, pero siempre he creado canciones que ya las iré soltando en plan single en bandcamp o las venderé porque la música no se puede quedar dentro de cuatro paredes, eso es horrible, de mediocres. 

Los sintes que siempre utilizo y tal son el Jupiter 4, el DX1, el DX7, DX21, el FM Yamaha y los delays. Han sido la Biblia para Silvania desde que en el 89 un español me vendió el DX21 sin manual de instrucciones, entonces en aquella época ni existía Internet, no existía nada de eso y aprendí a manejar los DX solo y fue sensacional. Escuchar Silvania es escuchar el sonido del DX, de la FM, pero claro todo eso vino por parte de que Brian Eno ya trabajaba con esos aparatos y creo discos fantásticos.





Tu opinión sobre el contexto de gentrificación y cómo el capitalismo se ha metido hasta el tuétano en la cultura incluso alternativa. Hoy es difícil encontrar músicos como lo hicieron Silvania y muchos otros maestros, que creen o se guíen por su impulso de comunicar o expresarse pero más bien por estrategias de marketing desde el mero inicio de sus carreras. ¿Cómo ves el futuro de la contracultura o la cultura alternativa hoy?

El capitalismo es el vacío duro y basto pero es el mal capitalismo porque hay un buen capitalismo, pongamos que yo tuviera 2 millones de soles, lo primero que haría sería abrir una especie de canal de TV donde te daría trabajo a ti y a otros, ¿en qué me convertiría? En un capitalista. Hay que pensar que el capitalismo le quitó el hambre a la gente, antes del capitalismo la gente se moría de hambre en Europa. Sí hay un capitalismo que sí puede funcionar porque se necesita que alguien invierta para dar trabajo a gente más inteligente. El mundo vive un momento en que ha estado muchos años sin una buena cultura, sin buenos colegios, en España llevan años luchando porque hayan buenos colegios como igual luchan acá. No creo en Castillo, ni en Keiko, ni en Verónica Mendoza, me parecen todos unas mierdas. 

Yo creo en la música, creo en los soñadores, en la música, en lo alternativo y el resto me la suda. Llevo años sin tener TV, la detesto, por años me han regalado no sé cuántos televisores y todos los he dejado afuera ni siquiera los he vendido. Me he creado mi propio mundo lejos de la política. Lo único que sí creo es que hay que hacer las cosas bien, darle oportunidades a la gente para vivir mejor, no darle dinero sino oportunidades para que ellos puedan elegir y puedan enrumbar su vida.

¿Qué proyectos te gustaría recomendar además de Laikamorí o Catervas que has producido? ¿Cómo has encontrado Lima después de 30 años de ausencia?

También produje a Blue Velvet, FEM/BOT donde está Silvana Tello la chica del theremin, he hecho remixes tipo producción a Theremyn_4, Asteroide Pop, Indigo y me he sentido súper bien. Hace no mucho he producido el segundo de Laikamorí, o sea ya son dos discos de ellos que produzco y se vienen más cosas. Un grupo que se llama Subliminal, otro que se llama Nerd.

Lima la he encontrado mucho mejor, con Velasco y Alan García era pura mierda, pura charlatanería. Entonces la he encontrado mejor pero puede estar mucho mejor, hay que hacer mucho, más orden, que la gente se involucre más con su ciudad y eso va a traer que se involucre más con la cultura. Hay que seguir con eso, hay que seguir soñando que sí se puede. En sí el mundo está bastante mal, sales fuera de Perú y regresas enseguida porque la cosa está muy mala después de las guerras y con toda la pandemia creada entre China y Estados Unidos, que al final es una guerra, que ha traído estas consecuencias del covid y toda esta porquería.

El último de Silvania, "Todos los astronautas dicen que pasaron por la Luna" (2021), es un álbum sorprendente y ensoñador, que hace mucha falta en el panorama actual. Háblanos, de él, ¿cuánto tiempo te llevó componerlo, hasta dónde ha llegado? "Danzante Espacial" es como el hit del álbum, ¿quiénes son todos ellos a quienes va dedicado? ¿los danzantes espaciales? Por cierto miles de gracias por la mención a este servidor en el booklet ahí.

Gracias por tus palabras. Para mí las otras músicas ya fueron, el único Arte que va a sobrevivir y lo que se va a venir es hacer música para el espacio y romper un poco con todos esos moldes. Desde hace ya mucho tiempo tengo en la cabeza todo lo que es la antigeometría, en el disco “Todos los astronautas dicen que pasaron por la Luna” en una sola canción hay 3 tiempos diferentes de BPM y lo lindo que fue juntarlos y que salga todo en una canción. Canciones como "Alguna vez" o "El Cosmonauta que se fue" o "El amor en la era  Lunar" las hice así y han quedado realmente preciosas. Creo que la antigeometría va a ser la geometría del mañana y por eso juego con esos tiempos en los BPM y tal. 

Sí, el “Danzante Espacial” está dedicada a Peter Kember, ya tú sabes quién es, el de Spacemen 3, a mi amigo César Testino, a quien también le produje su último disco Irreverentes punk, a Carlos Ordoñez que es un genio gallego que hizo Prozack y después hicimos con el Radio en los 90, tú Wilder Gonzales Agreda, Gary Usher que es un productor de los años 60 que produjo el “Notorious Big Brothers” de los Byrds, hizo su grupo Sagitarius, un grupaso, es un genio, fue uno de los primeros ya en usar el sintetizador de una manera bellísima, con notas, no solamente hacer ruiditos plo-plo-plo, clo-clo-clo, todo lo que hizo era grandioso, escribió canciones con Brian Wilson de los Beach Boys en la época psicodélica, un fuera de serie. “Danzante Espacial” es una canción que habla de los soñadores, de la gente que he conocido y veo que siguen luchando por tener/hacer algo, por eso esa canción os la dedique a todos los mencionados. 



No es la única que está dedicada en el disco. “Stasia 14” es una chica que conocí que era de Croacia y cada día me hacía escuchar canciones hermosas. Recuerdo que un día me enseñó un disco de Duncan Browne del año 68, fascinante, hermosísimo. Me hacía escuchar música tan bella que le prometí un día que le iba a componer una canción. “Canción de Amor en la Era Lunar” está dedicada a Nathalie Flores que es una amiga que me ayudó muchísimo para salir adelante, son esas personas que aparecen en tu vida y creen en ti como también Lucho Pacora, Herbert Bazán que tocaban la puerta de mi casa para decirme “oye, no puedes estar así enfermo, deprimido". Y la frase final “así estemos a 70 mil millas del Espacio, hoy quiero sentarme al lado del faro y recordar contigo la Luna y las Estrellas” está dedicada a Amber que es mi hija y la adoro, la quiero con todo mi corazón.

Y sí tarde años en componerlo porque estaba súper enfermo, súper deprimido, pero recuerdo que la primera canción que hice fue “Y volveré” la que cierra el disco, con todos esos sonidos tipo Jean Michael Jarré que me fascina. Luego cogí un día el Jupiter 4 y comencé a componer “El cosmonauta que se fue” y guardé la secuencia, la entrada, y la parte de jazz que entra al final como un cambio fue porque Stasis me enseñó un grupo de jazz. La gente que me ha rodeado ha hecho mucho también por este disco. “Tú eres el Cosmos” sí venía de atrás. “Big Star” por el grupo de los 70 de Alex Chilton que amo y Cocó también amaba. Sí que tardé en hacer el disco, lo terminé de grabar antes de la pandemia el 2018, 2019 y hasta que me animé. Había pasado ya la pandemia y bueno va saliendo lindo. Las cosas salen bien si lo haces con paciencia, cariño, buen rollo. Me gusta tomarme mi tiempo y paciencia en lanzar las cosas, soy muy ordenado.

Cierta crítica musical española que ha fraguado, entre otras cosas, el libro LOOPS - Una historia de la música en el siglo XX y XXI de 2 tomos, ante la pregunta o inquietud que se les hizo sobre por qué habían ignorado en la primera edición del libro a Silvania y en la re-edición con segundo tomo, apenas si les daban unas líneas resaltando vuestra faceta de DJ en Maravillas como si ese fuera vuestro mayor legado, responden que también son fans y que tienen todos los vinilos pero que no es para tanto o que también habían otros artistas españoles que hacían electrónica, idm, ambient de polendas, etc . ¿Qué tienes que decir/responder al respecto?

Amigo no olvides que la gente más envidiosa que hay en el mundo son los españoles, así de sencillo. Yo he conocido amigos que le decían a alguna novia “Paisaje III es la Biblia” pero a mi nunca me lo dijeron en la cara. Dicen que son fans, que aman a Silvania pero no lo pronuncian. Es envidia ya está. Además no me preocupan los críticos, ni Rock de Lux, ni ninguna revista, como ya te dije a mi lo que me hace mover el suelo es la gente joven que escucha Silvania, eso es mucho más fuerte. ¿Tú sabes lo que es que un chiquillo de 18 años, una chica de 20, una niña de 17 te escriba y te diga que tu música es lo más y va y compra tu disco?, es mucho más importante que toda esta gente envidiosa.

¿Cómo surgieron "Niño Unicornio" y "Eesal", quién ideó esos nombres, a qué aluden?

“Niño Unicornio” es una canción mía y “Eesal” también, el nombre de eesal lo hizo Cocó y niño unicornio yo. Verás esto ya lo he contado y hasta me da un poco de vergüenza, yo creía que los unicornios existían, entonces luego del primer álbum que había sido disco del año y salíamos en todas las revistas, en el 93 nos enrumbamos en una gira, días antes en un 4 pistas y con el DX21 que tenía al lado compuse “Niño Unicornio” y la grabé en un casette y ya en medio de la gira en la furgoneta estábamos con un grupo llamado Lupa, con Pequeñas Cosas Furiosas que era un grupaso, entonces pongo el casete y la escuchan, les encanta y les digo “le he puesto niño unicornio porque cuando termine la gira voy a ir a los Alpes Suizos a ver los unicornios”. Entonces Arantxa de Pequeñas Cosas Furiosas me dice “oye, Mario los unicornios no existen” y yo no sé que cara habré puesto que Arantxa me dice “ha sido como un baldaso de agua fría” y yo le digo “sí”. Esa es la historia de “Niño Unicornio” y la letra va de eso, que un niño está mirando el mar, la brisa, en los sueños, el unicornio. Ojo, la secuencia de “Niño Unicornio”, las campanas que entran ahí lo hice a mano, tenía un secuenciador pero no me gustaba el sonido de sus campanas, entonces fabriqué con el DX21 unas campanas que se llamaban celeste y les puse un poco más de release, menos ataque para que el golpe no sea tan duro y se alargue el sonido y lo toqué a mano y recuerdo que el ingeniero de sonido me decía “joder Mario, sí que has practicado porque pareces un secuenciador humano” y yo le digo “sí, sí que he practicado” y es así como sale “Niño Unicornio” una canción que va de mucha inocencia la verdad.




CODA -

Háblanos sobre el increíble tema "Eesal" del Delay Tambor (1996). Fácil la pieza más avantgarde creada por algún peruano. Cuéntanos también cómo era performar esos tracks electrónicos en la época. Recuerdo leer que tocaron en Festivales como Sónar, telonearon a Suicide y Stereolab, et al. Nárranos eso y sobre todo de EESAL.

"Eesal" es una canción que hice con la RY10 y la pasé por un filtro de voces de un rack con el que habíamos grabado Miel Nube Hiel, el MP100 Yamaha, el sonidito inicial turruuuu turrruuu salía de la misma caja de ritmos, después cogí el Jupiter4 hice el bucle siguiente pero claro la secuencia no salió tan perfecta porque el Jupiter4 no tiene MIDI entonces lo hice así como a oído, pero cuando lo terminé de hacer, lo dejé de escuchar unos 2 o 3 días y me gustó como quedó, con esa imperfección en el bucle y salió genial. Cocó me dijo, "Mario, que esta abra el 'Delay Tambor' y el resto van a ser los remixes y hacemos 2 canciones más para cerrar el disco", y me pareció genial. Y esa es un poco la historia de "Eesal" y el nombre me imagino que se le ocurrió a Cocó por el agua, no sé, porque creo antes también en los 70, 80 a la compañía peruana de agua se le llamaba ESAL pero para hacerlo un poco más nuestro le pusimos otra E al principio.

Sintieron alguna vez, tanto en su etapa como Ciëlo como en sus inicios con Silvania, algún resquemor o choque con los conservas, fachas que hay en todos lados, incluso en nuestro Perú (¡!), de varios colegas que residen desde los 90 por allá me comentan que los admiradores de Franco y la bandera española etc son masa. Ilústranos.

Sí claro. Yo he tenido amigos muy de derechas que votaban por el PP = Partido Popular, que eran los franquistas pero ya en democracia, pero es lo que te decía la otra vez, iban de que muy libertad pero en el fondo a ciegas o a espaldas votaban por el PP para que comenzaran a gobernar a partir del año 96. Bueno, también los socialistas habían robado un montón, joder, robaron hasta el dinero de las víctimas del terrorismo. A los policías que ETA mataba el gobierno les daba un dinero pero después estos se lo robaban, a los niños, a los hijos que les daban un dinero, se lo terminaban robando. Era brutal. ¡Todo! Comisiones obreras, todo robaron tío, era brutal. La derecha aprovechó eso y prácticamente fue un castigo de la gente a los izquierdistas y entró la derecha.

Una anécdota que te puedo contar es que cuando estaban gobernando los fachas, un día nos llaman de la Comunidad de Madrid y nos dicen para que Silvania represente a España en la Bienal de Venecia y fuimos a Venecia. En eso la mujer de un ministro se acerca donde Cocó y le dice si podíamos cambiar de música (!¡). Y era muy fuerte porque Bélgica estaba representada creo por Aphex Twin, así muchos países con representantes de música más moderna. Entonces la mujer del ministro nos dice si podíamos poner flamenco y era muy fuerte. Es como si a ti o a mi nos llamasen del Gobierno del Perú, "ah, váyanse a representar a Argentina la música peruana moderna y tal" y la hija o la mujer de un ministro dice "oye sabes qué pon huayno". Es horrible, puta madre. Recuerdo que Cocó le dijo "mira si quieres bajamos un poco la música pero no la voy a cambiar" y le dio media vuelta sabes. Pero fue/era horrible. Era la clásica cosa europea que van de modernos pero que en el fondo son súper retrasados mentales. Y después de esa anécdota, recuerdo que mi cabeza comenzó a fluir y compuse "Invierno Europeo" y habla sobre la mierda europea, sobre los gobiernos que van de progres y en el fondo son unos retrasados. 

Alguna vez te comenté que conseguí el "Juniperfin" en muy buen estado en La Cachina del Centro de Lima y me dijiste "ese disco es una droga". ¿Qué droga es la mejor que probaste por esos años? ¿Por qué "Juniperfin"?

"Juniperfin", el nombre viene de una canción de Donovan, un cantante de música folk de los 60 que Cocó amaba, el de los 60 porque el pibe sigue haciendo música pero está totalmente loco. Recuerdo que un día me encontré en la calle a Tomás Fernando Flores y me dice la música de Silvania, de Ciëlo es hermosa y tal, y me pregunta de dónde sale ese nombre "Juniperfin" y le digo de una canción de Donovan, y se lo comenté a Cocó y Cocó se molestó bastante. Cocó era una persona muy bella, hermosa pero también muy celosa. No le gustaba que alguien entrara a mi casa y viera los aparatos que estoy utilizando, como creaba los sonidos con el DX7, con el DX1, el DX21, me decía "no puedes tú estar haciendo sonidos viene uno fresco y ve cómo lo haces, te lo va a copiar pues". El era muy cuidadoso con esas cosas, vale, yo creo que más cuidadoso que celoso. Era cuidadoso. Entonces recuerdo que se enfadó y le dije que tampoco ha sido una entrevista y quedó ahí. 

Yo con respecto a las drogas, amigo no me gusta beber, no tomo drogas, creo que la droga soy yo, pero sí tomé un día extasis y fue cómo nació "Naves Sin Puertos". Recuerdo estar en la casa de una amiga, Diana Saldaña, una diseñadora de ropa, estábamos en su habitación y se fue a duchar porque queríamos salir a la calle y tal y recuerdo que al lado derecho de su habitación tenía muchos discos y estaba el "Pet Sounds" de los Beach Boys y en ese momento que nos disponíamos a salir a la calle me llaman porque tenía que entrar yo más temprano a trabajar a poner música en el Soma. Yendo al Soma me encuentro con una tienda de discos, "Madrid Rock", y entro un ratillo porque así soy yo, y veo el "Pet Sounds" y me lo compro. Llego a casa y me vuelven a llamar del Soma, yo digo "no lo voy a poder escuchar", pero lo dejo puesto el disco para poner en el tocadiscos. En el Soma me encuentro con otra amiga y me da que tomar extasis y fue alucinante, me la estaba pasando muy bien, después regreso a casa como a las 6 a.m. y veo el disco ahí y lo pongo y escucho que en ese disco no hay guitarras. Me pareció fantástico que un disco del año 66 fuese sin guitarras. Era impensable, es como decir ahora, no sé, no utilizar sintetizadores, no sé. Increíble lo que hicieron los Beach Boys con ese disco. Lo disfruté tanto, estaba prácticamente tirado en el suelo disfrutándolo, que dejo la puerta abierta y parece que una vecina de al lado llama a Cocó por teléfono y le dice "oye, la casa de Mario está abierta" y Cocó se viene en seguida de donde estaba, que estaba en una fiesta, y entra a mi casa con unos amigos y me encuentra ahí, que estoy prácticamente soñando escuchando ese disco, porque se repetía una y otra vez, una y otra vez. Y le dije "Cocó, tenemos que hacer un disco donde todos los sonidos tengan que ver con el agua, donde todos los nombres tengan que ver con el agua". Y es así como nace "Naves Sin Puertos", por eso es que la primera canción se llama "Ancón", la otra se llama "Marea", la otra "Aquí viene el océano" y así sucesivamente, sabes. Pero con respecto como te digo a "Juniperfin", yo soy una persona muy tranquila amigo, no bebo, nunca me ha gustado, la cerveza, ni el vino, ni el champagne, me da asco, no soy de tomar drogas, soy súper sano, no voy por ahí. Como me decía mi amiga Lidia "es que la droga eres tú" y yo feliz con eso.

Soy una persona muy tranquila, como que me he creado mi propio mundo y soy feliz con eso. Pongamos, no tengo internet en casa, no tengo televisión, no me gusta, lo detesto y ¿qué hago?, cuando quiero estar con internet, muy cerca de aquí hay una biblioteca donde siempre voy a leer, me encanta leer, me encanta levantarme y lo primero que hago es leer. Yo amo eso. Entonces voy, comienzo a leer en la biblioteca y como hay internet ahí pues ahí voy respondiendo y tal. No me gusta salir los fines de semana a beber y estar borracho y terminar cogido de un poste y hacer el gilipollas. Y eso no significa pues que todo el mundo tiene que hacerlo, si la gente lo quiere hacer pues que lo haga. Pero con respecto a mi vida sí soy una persona muy tranquila. No me gusta tampoco las relaciones tóxicas, agh. Siempre que estoy con una chica, prefiero estar un día o dos y cuando veo que las cosas se deterioran pues no, no, no, no. Me gusta tener mucha tranquilidad, mucha paz y soñar que el mundo es diferente y crear música y sobre todo pues sentirme bien porque siempre he pensado que una persona viene a vivir aquí muy poco tiempo y lo primero que hay que hacer, creo yo, o por lo que hay que luchar, es por ser feliz, sabes. Y eso es lo que siempre hago, desde que me despierto y veo la luz de la mañana. Siempre me levanto con una sonrisa y lucho por ser feliz, por eso es que no me gusta mucho la gente rara, la gente así que van de traumados, no me va. Prefiero estar así como soy ya está.

¿My Bloody Valentine o Slowdive?

Yo mil veces My Bloody Valentine. MBV y Seefeel son grupos que puedo seguir escuchando y me fascinan. Slowdive sí es lindo. Recuerdo que Cocó llegó a conocer al cantante/guitarrista, Neil creo que se llama, y conversaron y tal y después yo le pregunté ¿qué tal Cocó con el chico este de Slowdive y me dijo "es un gilipollas, es tonto" me dijo. Y claro, pero también lo conoció en la época en que todo el mundo los endiosaban por los 3 primeros EPs que sacaron, los 3 primeros singles y después Slowdive se dio con la sorpresa que cuando sacaron su LP los tiraron abajo [Nota: se refiere al "Pygmalion" (1995)], la crítica fue durísima, súper cruel fueron con ellos y se vinieron abajo, se rompieron prácticamente y dejaron de existir. Imagino pues que el pibe habrá cambiado, sabe que ya no está tan endiosado. Pero entre Slowdive y My Bloody Valentine, mil veces My Bloody Valentine, me parece mucho más arriesgada su propuesta y linda sobre todo.



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Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños.
Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo...
Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?


FRED ROHNER
Historia Secreta del Perú 2

as it is when it was

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¡Feliz Año Nuevo 2022!, les desean Slavoj Zizek y el lumpemproletariado de San Marcos. 😃 ¡POR EL REGRESO DE LA FILOSOFÍA A LOS COLEGIOS!

nogzales der wil

EL LENGUAJE: UN DISCURSO SIN CANCIÓN.

No queremos sus diccionarios, o su dicción, llenos de palabras que oprimen, que humillan y controlan. Ellos usan esas palabras para proteger a los suyos, siendo su jerga un código morse secreto cuyo objetivo es conservar su privilegio y poder social. De modo que para poder comprender la sociedad, debemos comprender sus ingredientes, las habilidades y los métodos de las personas que se comunican mediante el lenguaje tan solo para controlar y confundir. Para ser incluso capaces de soñar con cambiar la sociedad y el tenaz agarre de estas personas, debemos cambiar el lenguaje, sus formas y patrones. Quiébralo, mézclalo, ve qué es lo que realmente hace, lo que realmente dice, exponlo, revela su fortaleza, su debilidad. Las personas no pueden vivir con un lenguaje de lo correcto y lo incorrecto, lo negro y lo blanco, o esto o lo otro. No refleja la realidad, o la vida,o cómo cada uno de nosotros realmente siente y piensa día a día. Hoy en día el lenguaje está diseñado para acabar en conflicto, y en este momento aquellos que controlan el lenguaje intervienen como expertos y nos controlan. El lenguaje tiene que ser común a todos y para ello este lenguaje debe ser replanteado. La cultura tiene que mostrarles técnicas a las personas para derrumbar la lógica aparente del lenguaje que sigue una línea hacia una conclusión, y desarrollar formas que reflejen las infinitas respuestas y posibilidades paralelas, un caleidoscopio sin conclusiones ni puntos fijos que, por lo tanto, describa con mucha mayor precisión cómo se siente la vida y cuán incierto puede sentirse cada momento de la vida, cuán poco realmente se puede planificar, o con cuán poco se puede contar. Luchamos unos contra otros con intensidad paranoica en lugar de estar haciéndolo contra los despreciables señores feudales que se reúnen, petulantes, en ese edificio junto al agua. No es de extrañar que piensen que somos escoria patética, peleando contra lo que es más fácil y está más cerca de nosotros, contra nosotros en lugar de contra ellos. El edificio que ocupan para simbolizar su libertad podría fácilmente convertirse en su prisión. La mejor arma, la mejor defensa es aquella que toma la propia energía de tus atacantes y la vuelve contra ellos. El lenguaje puede volver a ser ensamblado todos los días de una manera diferente para ayudar a liberarnos. Nuestras pequeñas jaulas concretas pueden ser nuestros palacios, y sus palacios pueden ser sus jaulas. KALI 5 Y GENESIS BREYER P-ORRIDGE, LONDRES, 23 DE SEPTIEMBRE, 1987