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:. . SUPERSPACE RECORDS - TRANSGRESIONES SÓNICAS, MINIMALISMO Y VISIONES

buru buru

MUKI REC

SSR

sábado, 7 de diciembre de 2019

La derecha contrataca


Náusea x Sebastián Piel


Por Juan Manuel Robles. 
Extraído de "Hildebrandt en sus trece" # 470


Perú es el gran bastión del neoliberalismo sudamericano, el que tiene a una ciudadanía más ideologizada a la derecha —hasta los progresistas peruanos son huachimanes del consenso de Washington—, y ya está visto que quienes más se benefician con el modelo van a defender esa condición con uñas y dientes. La del Perú y la de su capital, Lima: una de las ciudades más seguras del mundo (para hacer negocios, claro). Las seguidilla de declaraciones de algunos de los empresarios más ricos del país afirmando que dieron mucho dinero a la campaña de Keiko Fujimori nos muestra una evolución: han pasado de la confesión judicial a una retorcida forma de declaración de orgullo, una especie de # MeToo oscuro que los une en una conmovedora catarsis colectiva. Sí, le dimos plata y qué; era eso o caer en el chavismo. Yo te apoyo hermano.

Pero claro, la impostura de la victimización dura poco: aparece de inmediato la prepotencia. El mensaje entre líneas es: lo volveríamos a hacer. ¿Algún problema? Ahí van la señora de la Confiep: ¿disculparnos nosotros? ¿whaaaat? Se acabó el recreo, idealistas: esto es el Perú y aquí nosotros repartimos la torta.

Los empresarios, por supuesto, son miedosos. Le temieron a Humala, cuando apareció con el polo rojo. Le temen a cualquier líder de izquierda con proyección regional (por eso se ponen a demolerlo, juego en el que los progresistas caen redonditos). Le temieron por años al fantasma de Juan Velasco y por eso lo borraron de la memoria (hoy que pasó el pánico hacen lo que siempre hace el capitalismo: convertir al monstruo en souvenir de la nostalgia). Le temen al desborde popular. Y le temieron, por supuesto, a las imágenes llegadas desde Chile, a la coyuntura internacional. Esperaron cautelosos, mordiéndose las uñas. Estas semanas de silencio, fueron para ellos la oportunidad de ponernos a prueba: a ver qué pasa en el Perú. Lamentablemente, no ocurrió nada. No pasamos la prueba.

Nadie se unió a la fiesta sudamericana, ni siquiera después el fallo que liberó a Keiko, como había deseado mi amigo Marco Sifuentes.

Se dice que es porque en el Perú hubo un proceso de limpieza que canalizó el descontento, como una válvula que impidió la gran explosión. Al haber fiscales honestos, y un presidente que cerró un Congreso corrupto, la ciudadanía se quedó tranquila. No lo creo. Ni siquiera antes de la disolución del Parlamento hubo un indicio cabal de que el pueblo organizado fuera a ejercer una presión determinante. Hace mucho que las masas no hacen colapsar la resistencia física de los escudos. Y mientras nuestros vecinos hacen una despliegue creatividad y coraje, aquí no pasa nada. Para mí la razón es simple: en el Perú aun no se ha articulado bien un discurso contra el sistema y el statu quo. Han sido muchos años de desinformación, de usar el cuco del terrorismo para criminalizar a cualquiera que manifieste rabia. Una gran mayoría es económicamente conservadora: le teme a cualquier cosa que no sea la “tranquilidad” traída por Fujimori en los noventa. Muchos tienen hasta nostalgia, una añoranza extraña por el fujimorato (una buena época, salvo por los robos). El grito contra la corrupción es una voz de hartazgo, un cacheteo a los políticos, pero de ninguna manera un ánimo de reinicio que cuestione el fondo de las cosas.

Porque cuestionar el fondo de las cosas es de terrucos, resentidos y desadaptados.

Incluso nuestra masa “crítica” sigue viviendo en la primavera neoliberal de hace veinte años. Esos señores que se dicen progresistas, o incluso izquierdistas “modernos”, no se atrevieron a cuestionar en voz alta la constitución hasta ahorita nomás, que vieron que los chilenos lo hacían. Tampoco denunciaron la estafa de las AFPs —hasta que nuestros vecinos empezaron a hacerlo—. Son señores que tratan de mantenerse en el punto medio y quedar bien, y son incapaces, por ejemplo, de condenar el golpe de Estado en Bolivia, porque Evo es “chavista” (y hasta se burlan del “indígena” en el jet). Somos una sociedad donde los artistas hacen instalaciones de video financiados por Telefónica (en vez de proyectar videos provocadores en el edificio de Telefónica, como en Santiago); donde los escritores supuestamente librepensantes siguen teniendo a Vargas Llosa como faro moral —y hasta les dan las gracias a los bancos por el cariño auspiciador—, cuando hace años el Nobel es un estandarte de la derecha más rancia, un símbolo de la nueva opresión.

Sospecho que todo tiene que ver, al final, con una zona de confort de la que no salimos. Una fuerza mental que nos hace creer que nuestro futuro está asegurado. Que de algún modo estamos salvados. Para protestar de verdad se necesita tener la convicción de que nuestro porvenir corre peligro (por eso las protestas peruanas de verdad se dan contra las empresas mineras de mala praxis, que matan y enferman a comunidades enteras: allí se juegan la vida, allí mueren ciudadanos valientes). Pero en general, en el país —todavía— predomina la fe; démosle las gracias a la propaganda y a la Gestión de los horóscopos. No es un drama. Chile pasó por lo mismo: por años tuvieron a la población más dócil, la más creyente en mercado… y miren. El caso es, de momento, a nosotros esa fe nos paraliza.

Esta inacción envalentona a la derecha empresarial, y cada día se nota más. Las decisiones judiciales se revierten a su favor a paso acelerado. Usan su poder como anunciantes gordos para sentarse a declarar en las mesas de los periodistas de conversación (que les deben sumisión) Hace mes, el problema de los empresarios era pensar en un recambio para Keiko Fujimori. Me temo que hoy están convencidos de que Keiko sí es una opción. Que nunca debió dejar de serlo. Que están dispuestos a poner mucho dinero para sanearle su contabilidad: la lavandería soñada.

El mensaje que nos dan es: nos aliaremos con cualquiera que nos ayude a conjurar cualquier peligro chavista o rojo. Eso incluye a Keiko Fujimori pero también a los fanáticos del Evangelio. ¿Por qué no? Su seguridad ha crecido en estos días, y ello también tiene que ver con las resonancias regionales. Bolivia les ha dejado claro que cuando se les ocurra dar un golpe no habrá Grupo de Lima ni presión internacional que los detenga. Que no habrá organismos de derechos humanos para molestar cuando saquen un decreto supremo que permita para matar impunemente (cosa en la que, por cierto, ya han avanzado: las libertades legales de un policía peruano para matar en los conflictos mineros creció con García y Humala). Tampoco habrá ruido cuando, como en Chile, los uniformados se pongan creativos y encuentren esa nueva forma de lesa humanidad “light”: disparar a un ojo. Todo esto, que nos horroriza, a ellos los hace tomar nota. Hoy entienden bien que la derecha está en condiciones de hacer magia: que puede matar y mutilar como si viviéramos en 1950, y no pasará nada. Una de las razones del cisma entre la derecha y el fujmorismo fue el cese del apoyo de Washington al proyecto totalitario y torturador. Pero Washington —está visto— es flexible, comprende los nuevos tiempos; los nuevos temores.

Habrá que ver si logramos despertar. Habrá que ver si logramos tomarnos en serio, de una vez, la amenaza fascista.

viernes, 6 de diciembre de 2019

H R 3 0 0 1



En estos tiempos de la era de la transformación y purificación del planeta Tierra, todo lo inferior ha empezado ya a transformarse en lo superior x medio de la irradiación divina incrementada. Tanto el universo material como el parcialmente material, igual que los cielos puros están expansionándose. La materia junto a la Tierra empieza entonces a disolverse, pues sólo es capaz de existir x el Espíritu que la mantiene, la materia en sí no es duradera, como ya lo demuestran los procesos subatómicos. El origen, el Eterno, reúne las muchas gotas de mundos, las prepara y las conduce de la divinidad de vuelta a la unidad, al océano celestial, a la sensación primaria, donde no existen letras ni palabras, sino sólo una comprensión sagrada en la unidad del Infinito. Todo será elevado de nuevo al nivel original legítimo. La Tierra entonces habrá vencido al despojarse de todo lo negativo desde el inicio de la humanidad y la alegría x el regreso de los hijos insurrectos de Dios, será entonces indescriptiblemente grande. Así, todo indica que ya estamos ad-portas de ese tiempo x venir, y a tener en cuenta, que cada momento es súper valioso, a elevar entonces el espíritu y a ser cada vez mejores◙Escucha on line vía http://www.radiobienestar.pe cada sábado a las 10:00 de la mañana, las emisiones directas desde Alemania de la Escuela de Enseñanza Cósmica de Vida Universal◙








Ingresamos a un neo capítulo de la saga que identifica a los actos que han destacado durante 2019 y, esta vez dentro del Ambient y Experimental como otras menciones especiales del año que ya se va◙



EVALUACIÓN ANUAL ESCENA INDEPENDIENTE 2019
4TA. PARTE


ÁLBUMES/AMBIENT INTERNACIONAL

FÉLICIA ATKINSON - THE FLOWER AND THE VESSEL
JOSEPHINE WIGGS - WE FALL
JEFRE CANTU LEDESMA - TRACING BACK THE RADIANCE
A WINGLED VICTORY FOR THE SULLEN - THE UNDIVIDIED FIVE
FLOATING POINTS - LATE NIGHT TALES
NILS FRAHM - ALL ENCORES










RETORNO DEL AÑO 
STEREOLAB

COVER DEL AÑO
MOURN - JUMPIN´ SOMEONE ELSE´S TRAIN

DIRECTOR DEL AÑO/CLIPS
TOBÍAS GREMLER/BJÖRK

MENCIÓN ESPECIAL/ÁLBUM EXPERIMENTAL LOCAL DEL AÑO
WILDER GONZÁLES AGREDA/MUSIC FOR DREAMERS

MENCIÓN ESPECIAL/ACTO LOCAL
LUCHO QUEQUEZANA/JUEGOS PANAMERICANOS LIMA 2019

MENCIÓN ESPECIAL/PERFORMANCES - PERUANOS EN EL MUNDO

CHRISTIAN GALARRETA / HOLANDA, RUSIA, POLONIA, etc.
CARLOS HERNÁN GONZÁLES / PARÍS









ÁLBUMES / ESCENA EXPERIMENTAL INTERNACIONAL

PHARMAKON -  DEVOUR
HTRK - VENUS IN LEO
LIGHTS FLUORESCENT - THE OLDEST SONS OF THE OLDEST SONS
ANNA MEREDITH - FIBS
KA BAIRD - RESPIRES
SUN O))) - PYROCLASTS
MALIBU - ONE LIFE
FLOATING POINTS - CRUSH
CATERINA BARBIERI - ECSTATIC COMPILATION












COMPILACIÓN DEL AÑO
ANIMAL COLLECTIVE - BALLET SLIPPERS






Salgamos del lodo de lo material y del pensar y vivir egocéntrico, tradicional, y limitado como Juan Salvador Gaviota, y volemos hacia la libertad infinita de los Cielos puros y luminosos◙ A continuación, el artículo dedicado a WGA◙STOP!





LOS PLANETAS Y EXO PLANETAS CONTINÚAN REVELANDO SUS SONIDOS AL PASO DE LAS LUMÍNICAS NAVES SÓNICAS ESPACIALES.

X: HELENE RAMOS

Existen desde hace un buen tiempo, soundtracks y soundscores para películas que aún no han sido filmadas como que no son pocos sus ejecutantes x lo que ya debería ser considerado como un género musical que va ampliando sus horizontes. En Perú, WILDER GONZÁLES AGREDA, se ha abocado a ello y de repente, sin saberlo, a esta modalidad. Sus composiciones rompen con el casticismo de los sonidos y su  propuesta, ciertamente, aboga x la creatividad e innovación, explorando cada vez más, los agujeros negros espaciales de la experimentación sónica y conceptuándolas altamente desafiantes.

Desde sus inicios y hasta la fecha, su clarividencia está plagada con su esmerado auge creativo persistente que no desmaya. "Music For Dreamers" (Superspace Records), su más reciente opus de 2019, es sólo un ejemplo de ello y que hay que citar aquí, con letras mayores. Destacado además como el ÁLBUM EXPERIMENTAL DEL AÑO 2019, a nivel local, x la columna 3001, de quien suscribe esta nota.

WGA es una célula sideral de creación art-sonora más que un combo convencional y, en donde la improvisación no se descarta en sus performances en vivo. Siempre al márgen de los márgenes y en donde la pátina frívola no converge en absoluto. WGA deconstruye clichés preconcebidos y ha elevado a través de los años términos como post-rock, drone, noise, kraut, avant garde, minimalismo, experimental, electrónica, space rock... géneros en que se  inmiscuye con premeditación y que son a la vez su razón de ser.

Sus influencias van dentro de un marasmo que el under reivindica y que están siempre muy presentes al que más: MY BLOODY VALENTINE, APHEX TWIN, AUTECHRE, SPACEMEN 3, FLYING SAUCER ATTACK, SILVANIA. Y como él mismo ha citado, su perseverancia se debe a sus vivencias del día a día y lo que le sucede al transitar x la ciudad y x el hastío que le provoca la corrupción y la podredumbre política, como todo lo que mueve a nuestro país. Algo de que ni la escena artística cultural local está exenta.

"Me defino melómano y hoy en día escucho a ALEXANDRA ATNIF, EKOPLEKZ, SORA, ELIZABETHAN COLLAR... entre otros", ha declarado él, también.

Lo de WGA es abstracción digerible y te eleva al espacio ultra sideral, de donde provenimos todos realmente. Abstracción meticulosa que celebrarían sin duda todos esos actos que se adelantaron a su época. Trazos sonoros, milimétricamente simétricos, causando efectos balsámicos neuronales a la vez. Su placa "Music For Dreamers" es otro opus en su saga orbital, dentro de las periferias del futuro que nos espera. 

Sónica abstracta concebida a base de filosofía radical e imaginería cageiana o brotes de sus propias semillas germinantes en  tonos y sonidos.





Portada de "Music For Dreamers" x Nandy Cabrera



ASTRONOMÍA/REVIEW INUSUAL 

MUSIC FOR DREAMERS
(Superspace Records)
WILDER GONZÁLEZ AGREDA


En 1957 se lanza al hiperespacio y se pone en órbita alrededor del planeta Tierra, al primer satélite: SPUTNIK 1 y Música de las Esferas ya había detonado x allí.

Morgan, Kienan y Kellman es el trío más mentado entre los estudiosos de los espectros de las estrellas: Men Are Only Children.

Muchas de las nebulosas del antiguo catálogo de Messier, resultaron ser galaxias: All The Time Lost Between Normies.

En 1931, Jansky descubre que el universo también puede estudiarse con una antena. Aparece el primitivo telescopio: Kromosapiens.

El astrónomo Trumpler, realiza un súper estudio de los cúmulos estelares observándolos con mucho detalle y parsimonia: Pasión 33.

En 1984, Franholer, se dedicó a estudiar los espectros del Sol: When Music Was Hotter Than Girls.

Mayas, incas y aztecas fueron las principales civilizaciones que se interesaron en observar y registrar los fenómenos celestes: Uno de Estos Días Moriré...

Todos los planetas y sus satélites, todos los asteroides y los anillos, los cometas, agujeros negros, cúmulos de estrellas, nebulosas, auroras boreales... todo está allí, y me imagino escuchando estos sonidos en una noche estrellada en el Templo del Cóndor el mismo que fue diseñado sobre roca viva y tallada en el suelo de Machu Picchu/Cuzco, sí allá en las alturas del ombligo del planeta Tierra, y sin quitar la mirada al observar el Hanan Pacha. 


   ´´Olvídate del oído y el universo se convertirá en tu oído´´
                                                 (DOGEN ZENJI/SIGLO XIII)






EXTRA: Nandy Ortega puede felicitarse y celebrar también x La Portada del Año 2019, a nivel local para Music For Dreamers/Escena Experimental. STOP!

Jon Hopkins y Kelly Lee Owens unen fuerzas en nuevo single



Originalmente, 'Luminous Spaces' tenía la intención de ser un remix de Owens de una de las canciones de Hopkins.


Jon Hopkins y Kelly Lee Owens han compartido su nuevo single y su primera grabación en colaboración, "Luminous Spaces", disponible digitalmente ahora y el 12 ”el 24 de enero de 2020.

La canción estaba originalmente destinada a ser una remezcla de "Luminous Beings" de Hopkins por Owens, pero después de que la pareja trabajó estrechamente en el estudio, se transformó en un single independiente. Los dos han construido una relación de trabajo en los últimos años al compartir la misma factura en capacidades performativas y en alineaciones de DJ.







"Este proyecto comenzó como algo muy diferente de lo que estás escuchando ahora: quería que Kelly hiciera una remezcla directa de "Luminous Beings", explica Hopkins. “Le envié las partes, pero lo que ella envió de vuelta se sintió como algo totalmente nuevo, y tenía el potencial de ser mucho más que un remix. Ella había grabado estas hermosas y alentadoras líneas vocales y había creado nuevos riffs alegres que me recordaban a los mejores fragmentos de trance / euforia de los 90 que crecí amando. Tuve una hermosa sensación de nostalgia y una verdadera alegría que me conmovió el corazón la primera vez que lo escuché, y fue muy fácil llevarlo de allí a una pieza terminada, relacionada y nacida de 'Luminous Beings', pero algo muy propio."

Por su lado, Owens apuntó: "Le mandé a Jon toda la pista para que me dé su feedback, lo que devino en el inicio de un trabajo más colaborativo. Él sumó más producción y diseño de sonido, le hizo una nuevo intro y outro que amé. El intercambio de ideas hizo que sea un proceso super especial para nosotros y fue por eso que decidimos llevarlo a otro nivel y considerarla una debida colaboración. ¡Nuestros mundos están realmente chocando!"


Luminous Spaces ya está disponible en Domino Record Co.



jueves, 5 de diciembre de 2019

Electroacordes (BR) lanza su tercer EP "Sono Tão Profundo"



La atmósfera y el sonido de Electroacordes cambiaron con el lanzamiento del tercer EP "Sono Tão Profundo", que incluye cinco pistas inéditas moldeadas al sonido psicodélico, quizás melancólicas, pero sin abandonar la esencia de su rock de autor. El trabajo, producido durante un año, con la dirección ejecutiva de Casa Sonora, establece otro nuevo ciclo de la banda, ahora en formato cuarteto. Pistas incidentales, instrumentos como el banjo y teclados, e incluso un violín, se utilizan en los arreglos de las canciones. El lanzamiento del EP está programado para el 6 de febrero a las 9 pm a través de la transmisión en "Live" en Brother's Studio. Puedes darle una escucha acá:







El trabajo fue producido tanto para plataformas digitales como para medios físicos para reproductores de CD. La expectativa de completar el trabajo se hizo realidad, incluso ante el cambio de miembros y en medio de la producción. Pero cumplió con lo que se esperaba de la autenticidad de la banda, formada por Rodrigo Vizzotto (voz, guitarra, guitarra, banjo y teclados), Luis Tissot (guitarra), Marcelo Bacci (bajo) y Mateus Melo (batería).

La densa canción "Sono Tão Profundo" en un entorno psicodélico, que lleva el nombre del EP, forzó la modificación del título de último minuto debido a la repercusión en los shows de Electros y la clasificación de la composición en el 14º Festival de Música en Porto Alegre, que se encontraba entre los 44 elegidos entre 350 artistas / bandas registradas. Ya "Aquele Beijo", una balada rockera, con solos floydianos, ganó en Internet el clip de 5'10 '' que puedes ver a continuación.







El concepto gráfico de las artes y la identidad visual del EP también sigue un criterio estético de scratch y juego ligero en grabaciones fotográficas, tanto en la portada como en el CD, así como la captura de fotogramas 360º, con el trabajo de los fotógrafos y camarógrafos Luciano Lobelcho, João Pedro Vizzotto Cirne Lima y Lucas Noronha. En la portada, la extracción de la imagen en una foto simple al anochecer bajo los efectos de notas musicales en una calle de Londres, sin efectos de programas de edición.


El EP estará disponible en las plataformas Deezer, Spotify et. al. a partir del 6 de diciembre.

2/150 - Autechre. “Drane”.




Dijo John Cage en algún lado que Schoenberg lo denostó como discípulo por su absoluto desdén por la armonía. Él, a su vez, denostó a Schoenberg como maestro por la misma razón, y elucubró dedicar su interés a espacios musicales hasta entonces menospreciados por los grandes maestros de la música académica: el ritmo y la idea misma de lo que era “la composición”.

“Drane” es un ejercicio narrativo. Es un cuento que Sean Booth y Rob Brown nos van contando, sin que entendamos bien qué es lo que nos quiere decir ni cuáles son sus metas. No hay muchos indicios de lo que va a suceder al final, de si en algún momento habrá un golpe de timón absurdo y violento, o de si tratamos con un pasaje que, más bien, explora hacia adentro.

Y explora hacia adentro.

No es vertical ni es horizontal. Pensemos en una cebolla, o en un muslo; en un entramado de nervios y tejidos que solamente pueden roerse circundando la entrada y cuyo núcleo, materialmente, nos es desconocido.

Sangre, pus, mocos, agua, semen, oro, melaza, humo.

El hilo de Teseo que nos va guiando por este paisaje ciego es, justamente, rítmico. Contrapone un elemento tras otro, después nos regala un acento, y aunque hay también una belleza melódica impenetrable (como en mucho de Autechre), muy belleza y muy impenetrable, resulta visible por su acomodo en el tiempo. Ritmo. Ritmo puro.

Aún hoy, que se han dedicado a producir eventos ya inaudibles para muchos, en el centro del trabajo de Autechre no hay interés otro que explorar, una y otra y otra vez, las posibilidades del ritmo.

Y hacerlo hacia adentro.


BARTOLOMÉ DELMAR




martes, 3 de diciembre de 2019

WILDER GONZÁLES AGREDA :. ESQUIRLAS DEL HIPER ESPACIO SIDERAL




LOS PLANETAS Y EXO PLANETAS CONTINÚAN REVELANDO SUS SONIDOS AL PASO DE LAS LUMÍNICAS NAVES SÓNICAS ESPACIALES.

X: HELENE RAMOS

Existen desde hace un buen tiempo, soundtracks y soundscores para películas que aún no han sido filmadas como que no son pocos sus ejecutantes x lo que ya debería ser considerado como un género musical que va ampliando sus horizontes. En Perú, WILDER GONZÁLES AGREDA, se ha abocado a ello y de repente, sin saberlo, a esta modalidad. Sus composiciones rompen con el casticismo de los sonidos y su  propuesta, ciertamente, aboga x la creatividad e innovación, explorando cada vez más, los agujeros negros espaciales de la experimentación sónica y conceptuándolas altamente desafiantes.

Desde sus inicios y hasta la fecha, su clarividencia está plagada con su esmerado auge creativo persistente que no desmaya. "Music For Dreamers" (Superspace Records), su más reciente opus de 2019, es sólo un ejemplo de ello y que hay que citar aquí, con letras mayores. Destacado además como el ÁLBUM EXPERIMENTAL DEL AÑO 2019, a nivel local, x la columna 3001, de quien suscribe esta nota.

WGA es una célula sideral de creación art-sonora más que un combo convencional y, en donde la improvisación no se descarta en sus performances en vivo. Siempre al márgen de los márgenes y en donde la pátina frívola no converge en absoluto. WGA deconstruye clichés preconcebidos y ha elevado a través de los años términos como post-rock, drone, noise, kraut, avant garde, minimalismo, experimental, electrónica, space rock... géneros en que se  inmiscuye con premeditación y que son a la vez su razón de ser.

Sus influencias van dentro de un marasmo que el under reivindica y que están siempre muy presentes al que más: MY BLOODY VALENTINE, APHEX TWIN, AUTECHRE, SPACEMEN 3, FLYING SAUCER ATTACK, SILVANIA. Y como él mismo ha citado, su perseverancia se debe a sus vivencias del día a día y lo que le sucede al transitar x la ciudad y x el hastío que le provoca la corrupción y la podredumbre política, como todo lo que mueve a nuestro país. Algo de que ni la escena artística cultural local está exenta.

"Me defino melómano y hoy en día escucho a ALEXANDRA ATNIF, EKOPLEKZ, SORA, ELIZABETHAN COLLAR... entre otros", ha declarado él, también.

Lo de WGA es abstracción digerible y te eleva al espacio ultra sideral, de donde provenimos todos realmente. Abstracción meticulosa que celebrarían sin duda todos esos actos que se adelantaron a su época. Trazos sonoros, milimétricamente simétricos, causando efectos balsámicos neuronales a la vez. Su placa "Music For Dreamers" es otro opus en su saga orbital, dentro de las periferias del futuro que nos espera. 

Sónica abstracta concebida a base de filosofía radical e imaginería cageiana o brotes de sus propias semillas germinantes en  tonos y sonidos.





Portada de "Music For Dreamers" x Nandy Cabrera



ASTRONOMÍA/REVIEW INUSUAL 

MUSIC FOR DREAMERS
(Superspace Records)
WILDER GONZÁLEZ AGREDA


En 1957 se lanza al hiperespacio y se pone en órbita alrededor del planeta Tierra, al primer satélite: SPUTNIK 1 y Música de las Esferas ya había detonado x allí.

Morgan, Kienan y Kellman es el trío más mentado entre los estudiosos de los espectros de las estrellas: Men Are Only Children.

Muchas de las nebulosas del antiguo catálogo de Messier, resultaron ser galaxias: All The Time Lost Between Normies.

En 1931, Jansky descubre que el universo también puede estudiarse con una antena. Aparece el primitivo telescopio: Kromosapiens.

El astrónomo Trumpler, realiza un súper estudio de los cúmulos estelares observándolos con mucho detalle y parsimonia: Pasión 33.

En 1984, Franholer, se dedicó a estudiar los espectros del Sol: When Music Was Hotter Than Girls.

Mayas, incas y aztecas fueron las principales civilizaciones que se interesaron en observar y registrar los fenómenos celestes: Uno de Estos Días Moriré...

Todos los planetas y sus satélites, todos los asteroides y los anillos, los cometas, agujeros negros, cúmulos de estrellas, nebulosas, auroras boreales... todo está allí, y me imagino escuchando estos sonidos en una noche estrellada en el Templo del Cóndor el mismo que fue diseñado sobre roca viva y tallada en el suelo de Machu Picchu/Cuzco, sí allá en las alturas del ombligo del planeta Tierra, y sin quitar la mirada al observar el Hanan Pacha. 


   ´´Olvídate del oído y el universo se convertirá en tu oído´´
                                                 (DOGEN ZENJI/SIGLO XIII)






EXTRA: Nandy Ortega puede felicitarse y celebrar también x La Portada del Año 2019, a nivel local para Music For Dreamers/Escena Experimental. STOP!

lunes, 2 de diciembre de 2019

Flashback: MArUjA :. Braindance tribal peruano de los 90



Rescatando la kontrahistoria de la vanguardia peruana. Esa que no te contarán los libros y medios auspiciados por instituciones tutelares o mafias.



M.A.R.U.J.A. fue el proyecto de Raúl Ochoa de ESPIRA y Manuel Rodríguez. La primera vez q los gocé fue en un bar disco del centro -esos de sol la barra- teloneando a EVAMUSS e INSUMISIÓN. Lo de MARUJA era otra nota. Avanzadaso para la época en Lima de ley. Electrónica tribal en sintonía con discos como el Succour de SEEFEEL y PLASTIKMAN. Recuerdo que tenían un track llamado "RCTM", q era en realidad la abreviatura para 'reconchatumare', y que esa noche Chrs lo pedía a gritos desde el público: "¡¡¡reconchatumare, reconchatumare!!!".

Su disco debut lanzado ya bien entrado los dos miles, "Ferrita de Zinc", los situaba moviéndose en coordenadas bastante lejanas a lo q fueron hacia fines de los 90. Una joya perdida de la kontrahistoria de la vanguardia nacional que hoy liberamos para ti. Capos.








Mirando
Al
Rojo
Un
Jabalí
Amordazado


¿Cómo se llama el grupo? preguntó Helene Ramos, al entregarle el cassette con uno de los primeros tracks que habíamos hecho sucesivas noches de pan integral, jamón y gaseosas. Una habitación  a 3000 Kelvin de temperatura de color  donde mezclábamos el sonido de un teclado , con las capturas en cinta de piano digitalizadas en una pentium de aquellas, sumadas a un tracker en pc quizás el fasttracker II o el digitrack. Un efecto chorus y un delay procesaban las señales del teclado o podían ser colocados en círculo haciendose feedback a sí mismos. Año 1998. Lima, Perú.


No nos convencían los midis de esa época que estaban al alcance, así que era mejor trabajar con samples, algunos grabados por nosotros mismos, otros extraídos del mundo de los MODs, archivos musicales que almacenaban samples y secuencias. 


Fue un año intenso. RCTM fue construyéndose por secuencias de percusión que brotaban de un simulador de roland TR-808 y TR-909, al que alterábamos los patrones de pares a impares conforme iban brotando los sonidos, a los que agregábamos filtros. Acompañado por el teclado con reverb, chorus y delays.  


Tras acercarnos a radio Miraflores para dejar nuestra cinta, construimos otra pista. Proto. Una secuencia primitiva electrónica que, con diversos timbres, nos iba colocando en una situación de tensión. Varias noches más estuvimos dibujando el camino de esa pista ya en otro secuenciador, el Modtrack, con unos samples de bajos que encontramos en la selva de Mods que ibamos almacenando desde hacía unos 3 años. 


Cabe recordar que el primer experimento conjunto fue el de grabar en cassette a Omar Ochoa (a) escolástico en la caseta del coro de la Católica tocando el piano. Nuestro primer esfuerzo conjunto fue voltear todo lo grabado y empezar a cortar, quizás corría el año 1997. Luego comenzamos a usar los pedazos en algunos experimentos que eran como un mantra, explotando las primeras versiones del CoolEdit de Syntrillium. 


Varios meses después de la sesión en Radio Miraflores, llegaría la presentación en el R&R, un singular lugar en Quilca, dónde estaban EVAMUSS, INSUMISIÓN y Girálea. Allí para algunas pistas sobreponíamos la ejecución de los samples del Cooledit, y dado el pobre poder de procesamiento, la superposición generaba errores y la catarata de drops en la ejecución era apaciguada por el teclado que iba ejecutando Escolástico. En aquella ocasión el grupo de danza liderado por Carla Montalvo integró un acto de danza contemporánea, con la pista Sascayhuamán que habíamos preparado para esa primera presentación con el público. En aquella oportunidad el grupo lo conformaban además de Carla, Ana Lucía Riveros, Enrique Aldana y Sandra Moreno.  Aquella pista tendiendo al error mientras se complejizaba con un sonido al medio de la ejecución robótico que marcaba un cambio total en el despliegue y en la velocidad y los timbres usados en el track.  


Esta primera aparición trajo cola, y luego tuvimos otra presentación en la Facultad de Artes de la Católica donde más pistas, entre atmosféricas y electrónicas del error, fueron constituyendo el carácter del grupo.

Poco a poco los experimentos iban a llegando a otros espacios, aunque con tiempos dilatados de silencio. Un poco que la seducción estaba en el espacio donde ejecutar lo que nos llevaba a definir los temas que armaríamos. Uno de estos lugares fue bajo un puente en Barranco, el eco de las paredes mientras se hacía ranfañote (postre limeño rescatado en esta actividad) y se invitaba a los paseantes.

Y así poco a poco, muy poquito a poquito fueron saliendo experimentos que se fueron contagiando de otros géneros más populares allá por el 2005/2006... quizás habría que seguir escribiendo, pero por ahora ese es el recuerdo más antiguo de la construcción de las primeras pistas a finales de los 90.




Marujatrax en el Centro Cultural España - Ferrita de Zinc from Kinua on Vimeo.

La devaluación de la música: es peor de lo que piensas




En los días del capitalismo tardío y la posmodernidad donde no hay ideales y todo vale, la  música que sublima el espíritu es rebajado al nivel de lo innecesario y hasta contraproducente. Niñerías y cojudeces para nerds e introvertidos. Cuando cursaba Periodismo Cultural en la Facultad el profesor, a la sazón director de "Somos" de El Comercio, nos contó cómo había propuesto en una reunión del directorio que se suprima El Dominical pues solo era en buena cuenta un gasto de papel innecesario. ¡Lo más alucinante era que lo decía justamente el catedrático de Periodismo Cultural! 


Ya desde entonces algunos melómanos querían toda la música gratis y en las ferias regateaban los precios de los cds originales hasta de 10 soles. Para comprar cerveza sí hacían colasas y dudo que les hicieran rebaja, al contrario. Para la música no había pero para las chelas, la ropita, los culos y demás otra era la situación. 

Vivimos unos días en donde la música ya no es un medio de expresión artística sino una herramienta de marketing con la cual monetizar tus contactos y técnicas/habilidades. Hoy un Jimmi Hendrix, un Stockhausen o un Kevin Shields serían imposibles. ¿Además para qué? Si lo que rige - lo cool es la retromanía y las bandas del momento, incluso en Lima, se alucinan súper creativos con copiar acordes de discos que la fanaticada ignora y presentarlos como su propia creación. Lo acabo de ver en la reciente Feria de Sellos en Telefónica en un grupo robando uno de los tracks más emblemáticos de GodspeedYou!Black Emperor, "The dead flag blues" nada menos. O sea ni para copiar son exigentes. En vez de robarse un track caleta, de alguna compilación o 7" van por una conocida por cualquier melómano serio. Vamos a Tocache 2019 será. ¿La democracia empresarial y lo que le siga borrará la inventiva y la transgresión de la faz del planeta? ¿Nos herederarán unos simios (con perdón de los monos) que se limiten a cagar, "webear" y aparearse? La devaluación de la música es peor de lo que piensan. 


Wil Volador.


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Los artistas hambrientos se han visto afectados por algo más que piratería y regalías de transmisión


por CRAIG HAVIGHURST
(2015)

En sus muchos (justificados) lamentos sobre la trayectoria de su profesión en la era digital, los compositores y músicos regularmente afirman que la música ha sido "devaluada". A lo largo de los años han señalado a dos culpables sobresalientes. Primero, era la piratería musical y la futilidad de "competir con lo gratuito". Más recientemente, el enfoque se ha centrado en los pagos aparentemente minúsculos que generan las canciones cuando se transmiten por streaming en servicios como Spotify o Apple Music.

Estos son problemas serios, y muchos coinciden en que la industria y los legisladores tienen mucho trabajo por hacer. Pero al menos hay diálogo y progreso hacia nuevos modelos de derechos y regalías en la nueva economía de la música.

Menos obvias son una serie de otras fuerzas y tendencias que han devaluado la música de una manera más perniciosa que los problemas de hiperprovisionamiento e interrelaciones entre industrias. Y por música no me refiero a los formatos populares de canciones que se ven en los premios y se escuchan en la radio comercial. Me refiero a la música, la forma de arte sonoro: composición imaginativa, conceptual e improvisación enraizada en ideas armónicas y rítmicas. En otras palabras, la música como se definió y consideró hace cuatro o cinco décadas, cuando la música artística (incompleta pero generalmente llamada "clásica" y "jazz") tenía un sitio en la mesa.


Cuando escucho a compositores de éxitos de radio denunciar sus pequeños cheques de Spotify, pienso en los prodigios del jazz de hoy que no tendrán una oportunidad ni siquiera de una fracción del éxito popular de la vieja guardia. Ni siquiera pueden imaginarse trabajando en un entorno musical que podría llevarlos al estatus de nombre familiar de la variedad Miles Davis o John Coltrane. Están luchando contra las fuerzas en el mismo nexo del comercio, la cultura y la educación que han conspirado para hacer que la música sea menos significativa para el público en general. Estos son algunos de los problemas más problemáticos que enfrentan los músicos en el panorama actual de la industria.


1. La muerte del contexto

Los ecosistemas de música digital, comenzando con iTunes de Apple, redujeron las grabaciones a una imagen de portada del tamaño de un sello y tres puntos de datos: artista, título de la canción, álbum. Como los comentaristas de música clásica han argumentado durante mucho tiempo, estos sistemas hacen un mal trabajo con los compositores, directores, solistas y conjuntos. Además, como discutí extensamente en un ensayo anterior, carecen de contexto. Si bien hay biografías en cápsula de artistas y compositores en la mayoría de los servicios, los álbumes históricos se venden y se transmiten sin los créditos o las notas de la era del LP y CD. El electorado de súper fanáticos que leen y asimilan estas cosas es demasiado pequeño para merecer la atención de los servicios o etiquetas digitales, pero lo que se pierde es la clase de expertos que infunde la cultura con entusiasmo informado. Nuestro entorno digital con poca información no está inspirando ese fandom, y eso es profundamente perjudicial para nuestra idea compartida sobre el valor de la música.







2. La radio comercial

Es un objetivo fácil, pero no se puede exagerar cuán profundamente cambió la radio entre la explosión de la música popular a mediados del siglo XX y el modelo corporativo de los últimos 30 años. Un ethos de musicalidad y descubrimiento ha sido reemplazado por una manipulación cínica de la demografía y el denominador común más claro. Las listas de reproducción son mucho más cortas, con un puñado de singles repetidos sin cesar hasta que los grupos focales dicen que renuncien. Los DJ ya no eligen la música en función de su experiencia y ya no tejen una narrativa en torno a los discos. Al igual que con las notas de línea, esto hace que la escucha sea más pasiva y reduce la dieta musical de la mayoría de los estadounidenses a un puñado de éxitos de escala industrial muy producidos.

3. Los medios

En la década de 1960, cuando nací, las publicaciones impresas convencionales tomaron en serio las artes, cubriendo y promoviendo talentos contemporáneos excepcionales en todos los estilos de música. Así terminó Thelonious Monk en la portada de la revista TIME, por ejemplo. Cuando comencé a cubrir música para una cadena de periódicos alrededor del año 2000, las historias fueron priorizadas por el reconocimiento previo del nombre del tema. Las historias de arte / descubrimiento estaban subordinadas a las noticias de celebridades a nivel sistémico. Las métricas de la industria (posición en el gráfico y venta de entradas para conciertos) se convirtieron en un elemento básico de las "noticias" musicales. En la era de los clics medidos, la agrupación de enfoque siempre activa ha institucionalizado la cámara de eco de la música pop, aturdiendo y desalentando el compromiso significativo con la música artística.

4. Conflación

Una peculiaridad poco notada pero corrosiva de la era digital es la forma en que nuestras interfaces combinan la música con todos los demás medios y opciones de entretenimiento. iTunes comenzó tomando software aparentemente para recopilar y reproducir música y transformarlo en una plataforma para TV, películas, podcasts, juegos, aplicaciones, etc. Esto es a la vez un símbolo y una causa de la disminución del significado y la importancia de la música en el ataque multimedia que es nuestra cultura. Las pantallas brillantes que distraen a las personas de la música "justa" ya son omnipresentes. Entonces, ¿por qué imponerlos en un reproductor de música? Creo que una de las razones por las que el vinilo y los fonógrafos vuelven a estar de moda es que las personas con orientación musical anhelan algo como un santuario para su música, un dispositivo que es solo para música.







5. Anti-intelectualismo

La música ha sido promovida y explicada durante décadas casi exclusivamente como un talismán de la emoción. El problema abrumador es cómo te hace sentir. Mientras que la música artística de Occidente trascendió debido a su deslumbrante baile de emoción e intelecto. La música artística se relaciona con las matemáticas, la arquitectura, el simbolismo y la filosofía. Y como tales temas han sido menospreciados en la prensa general o la televisión por cable, nuestra capacidad colectiva de relacionarnos con la música a través de un lente de humanidades se ha atrofiado. Aquellos de nosotros que teníamos música explicada y demostrada como un juego para el cerebro y el corazón, tuvimos mucha suerte. Por qué tantos están satisfechos de involucrarse con la música solo al nivel de los sentimientos es un misterio vasto y empobrecedor.

6. Películas y juegos

Nosotros, como cultura, escuchamos bastante música instrumental "clásica" o compuesta, pero ha migrado de la sala de conciertos al videojuego y al score de la película. Por un lado, eso les da opciones a los jóvenes compositores para ganarse la vida, y se está imaginando muy buena música para estos paisajes imaginarios. Pero hay un efecto pernicioso de la banda sonora omnipresente de los medios, en que galaxias enteras de ideas musicales, motivos y estados de ánimo se han ocupado esencialmente y se han convertido en clichés. ¿Cómo un joven inmerso en el falso sonido de Shostakovich de una banda sonora de un juego de guerra escucha a Shostakovich real y piensa que es un gran problema? Esto rara vez se observa, pero creo que miles de impresiones acumulativas de música de fondo asignadas a "romance" y "dolor" y "heroísmo" han establecido capas de tejido cicatricial en nuestra capacidad de sentir algo cuando se hace música sinfónica tonal o escrito en el siglo XXI.

7. La música en las escuelas.

Todo comienza, o termina, aquí. Como cualquier otro lenguaje, las reglas, los términos y la estructura son más fácilmente absorbidos por los jóvenes. Y como la música se ha reducido de más de la mitad de las escuelas primarias en los EE. UU. en una tendencia larga y dura, la réplica se ha basado cada vez más en la evidencia sobre los efectos de la educación musical en el rendimiento académico general: el argumento de "la música hace que los niños sean más inteligentes". Esto es cierto y vital, pero tendemos a perder de vista el caso del valor de la música en nuestra cultura: que la educación musical hace que los niños sean más musicales. Aquellos que internalizan las reglas y los ritos de la música temprano en la vida serán más propensos a asistir a conciertos serios y a prestar más atención a sus elecciones de música pop cuando sean adultos.



Aquellos que se preocupan por el futuro del negocio de la música deberían pasar menos tiempo quejándose de las interrupciones digitales y gastar más energía elevando la conciencia del público sobre la música seria, porque realmente devaluamos la música cuando reducimos nuestra forma de arte más impactante a un artefacto de celebridad y una elección de estilo de vida. La música instrumental compleja se ha marginado a una pulgada de su existencia, y eso tiene mucho que ver con la gente de la industria que define el "valor" solo en la forma en que afecta el dinero de su buzón.

viernes, 29 de noviembre de 2019

Scorn ha sacado nuevo álbum, Cafe Mor



El álbum de ocho pistas ya está disponible en Ohm Resistance.


El artista británico, cuyo nombre real es Mick Harris, regresa a su ambiente oscuro y su sonido influenciado por el dub en "Cafe Mor", ahora a través de Ohm Resistance. Compuesto por ocho pistas, el álbum presenta voces de Jason Williamson de Sleaford Mods en la quinta canción, "Talk Whiff". El LP también ve contribuciones de Daniele Antezza de Dadub, quien masterizó "Café Mor".

Harris es el ex baterista de Napalm Death, la banda pionera de grindcore del Reino Unido que comenzó en los años 80. (A veces se le atribuye haber inventado el blast beat). Cafe Mor es su primer largo desde el lanzamiento de "Refuse; Start Fires" en 2010, también manejado por el sello de Brooklyn enfocado en drum & bass, Ohm Resistance.

Cafe Mor progresa desde el aplastante digi-dub ('Elephant' y 'The Lower The Middle Our Bit') a zonas más industriales y más pesadas, posiblemente llegando a su punto máximo con 'Talk Whiff', una canción con Jason Williamson de Sleaford Mods.

Escúchalo/Adquiérelo en bandcamp.



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