:. . SUPERSPACE RECORDS - TRANSGRESIONES SÓNICAS, MINIMALISMO Y VISIONES

viernes, 9 de diciembre de 2016

H R 3 0 0 1


En estos tiempos de reflexión y de balance anual también dentro de uno mismo, el ser humano cree que tener éxito en la vida consiste en poseer dinero y bienes. No percibe en su totalidad que la verdadera riqueza es el tesoro interno, la belleza del alma. Es así que los hombres que sólo son externamente ricos, aún no han abierto los sellos que llevan a la vida interna y, en consecuencia, no han entrado aún en su interior◙ El sábado 18 de diciembre en el local de VIDA UNIVERSAL, de Camilo Carrillo 153 y desde las 10 de la mañana, van a obsequiar regalos a todos los que asistan. Ingreso libre sin diferencia de edad◙ IGNITION ADVENTURE es ropa y accesorios para deportes de aventura y climas extremos en marcas como QUECHUA, THE NORTH FACE, ARC´TERYX, MOUNTAIN, MAMMUTH... entre otras. Estamos en Guillermo Dansey 10000 Psje.7 en el Cercado de Lima. Visita su página: www.ignition-adventure.com◙




ANUAL 2016/LA LISTA + LIBRE DE TODO EL PLANETA. SIN NÚMEROS NI ÍDOLOS DE BARRO. CAP.2

Durante 2016 el aumento de iones positivos elevó la cronaxia de los nervios motores sensitivos tanto como su umbral de receptividad sónica repercutiendo x toda la galaxia de los sentidos: sinergia funcional y equilibrio orgánico sin duda◙ Esas funciones de análisis y síntesis continúan en este segundo capítulo con la música de la escena indie que se precie. En primer lugar una selección de los álbumes/temas de impacto dentro de la neo psicodelia en amalgama de sonidos estelares, a saber: DEAKIN, de la fama ANIMAL COLLECTIVE, nos trajo toda su galaxia solista en espiral que x supuesto trae de inmediato a su banda master a la cabeza. Su o.v.i en álbum Sleep Cycle dejó huella◙ TOY se inició siendo un combo más psicodélico que en la actualidad pero aún allí están ellos y su placa clave para el 2016 titula: Clear Shot para el sello Heavenly, una placa inevitable para el año que ya se esfuma◙ 

 


El acto australiano D.D. DUMBO tiene como piloto a Oliver Perry que tras su EP de 2013 Tropical Oceans, comenzó a dar de que hablar. En 2016 sella su órbita de saberes con su álbum debut Utopia Defeated, otra de las infaltables del año y del sello 4AD◙ WOODS se consagra como otro de los actos opus del año tras la edición de su placa City Sun Eater In The River Of Light para Woodsist Records◙JIM JAMES desde Andrómeda y otras galaxias unidas, proyectó su átomo circular titulado Eternally Even◙


                
THE CORAL ha destacado no sólo con su placa Distance In Between sino también con su Ep: Holy Mountain Picnic Massacre Blues. Imperdibles y dignos para la colección saga 2016◙



NEW ORDER se presenta hoy 10 de diciembre en el Parque de la Exposición con su universo observable a través de los años y trayectoria épica. Va a ser emotivo escuchar y ver en vivo a esta banda que jamás dejó de ser parte del soundtrack de nuestras vidas. Aún recuerdo la cercanía de sus integrantes en el Hotel Westin y pude sentir lo sencillos que son todos ellos. Tan emotivo como con la cercanía con BJORK, YMA SÚMAC, SILVER APPLES, ANIMAL COLLECTIVE, MORRISSEY... en Lima!◙



¡CYBORGS DEL MUNDO UNÍOS! La música de efervescencia electrónica con sus átomos de pulsación, átomos creadores y átomos de evolución se dispersaron también durante 2016 en su propio florecimiento de crisálidas de cristal. Hay que aplicar una ciencia de síntesis como en psicología aquí, ciertamente: la sociedad en que vivimos que nos modela y a la cual modelamos con nuestras acciones, también tenemos que darle una revisión para ser mejores en 2017◙A continuación un paraje x la música electrónica que ha destacado en 2016 y que es sinergia de flujo sanguíneo y actividad de las pulsaciones del corazón, desde siempre, a saber:


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miércoles, 7 de diciembre de 2016

UNA CONVERSA CON RUDY TAMBALA DE A.R.KANE .: Introdujimos el principio de la música negra de el Groove en la música indie .:


Cuando escuché el Lollita EP (1987) hacia fines de los 90's, cortesía de los colegas postrockers de la época -melómanos drogos todos-, imediatamente supe que A.R. Kane se habían adelantado a no solo Slowdive y My Bloody Valentine pero a todos los grupos tipo The Telescopes, Chapterhouse, Ride, etc. en la creación y fundación del tan amado shoegaze. Las canciones de ese EP son prueba innegable del genio y la osadía de Alex Ayuli y Rudy Tambala. Una escuela y vertiente de la música había nacido gracias a esta dupla de afrobritánicos que se atrevieron a probarlo y deformarlo casi todo: dance rock, dub, house, ethereal, psicodelia. ¿Los Can de los 80's?

Se adelantaron a la era de los samples y sin ellos mucha de la música que hoy disfrutamos no sería la misma, en una entrevista para la Melody Maker realizada por el capo Simon Reynolds, Rudy Tambala acuñó el término "Dream Pop". ¡Vaya cerebros! Cuando estuvieron en la 4AD de Ivo-Watts Russel se dieron maña para colaborar con los Colourbox -bajo el alias de M.A.R.R.S.- y pergeñar uno de los más famosos himnos house, "Pump up the volume" (1987). El resto querido melómano ya es Historia.

El 2015 Mr. Tambala decidió que era el momento adecuado para resucitar a su legendaria banda y, ahora sin el aporte de Mr. Ayuli, ha estado visitando, rodeado de nuevos músicos, diversos escenarios y festivales del circuito alternativo planetario. En Perú Avantgarde tenemos el honor de presentar la entrevista exclusiva con Rudy Tambala de A.R. KANE, sin duda uno de los creadores de la música tal cual la entendemos y disfrutamos hoy por hoy. 


En primer lugar, ¿cuál es el significado del nombre de vuestra banda, A.R. Kane?

No tiene sentido - tiene un sonido fuerte. Es un juego de palabras - Me encantó la novela de Herman Hesse "Demian", tenía una idea acerca de las personas con la "marca bíblica de Caín" como especiales, de una manera positiva. La película Citizen Kane era una de las favoritas de Alex. Nuestras iniciales al frente sonaban como la palabra "arcano", que significa escondido, misterioso - leí por primera vez la palabra en el EP de Dead Can Dance "Garden of arcane delights". Alex y yo tuvimos una sola conversación durante unos minutos, hicimos esas conexiones y más ... y así inventamos un personaje de ficción como el nombre de nuestra banda - en realidad no teníamos una banda, pero una vez que tuvimos el nombre fue como que se creara a sí mismo. Era como lanzar un hechizo - diga su nombre tres veces y aparecerá, hará ruido, y tomará su alma.

¿Cómo recuerdas haber crecido en la escena de los 80 con bandas como Cocteau Twins o Spacemen 3 en el cénit de su carrera? ¿Cuáles son tus recuerdos de esa época?

Yo estaba muy stone la mayor parte del tiempo, en LSD y Spliff, así que mi memoria está brillantemente iluminada, en un color prismático, lleno de esperanza y ensueño y amor y buenas vibraciones. Los Cocteau Twins eran una banda muy especial para nosotros, crearon todo un universo de abstracción, uno en el que podrías entrar y existir de una nueva manera: hicieron que tu cerebro hiciera nuevas conexiones, en algo no realizado y aún muy antiguo. El 'Playing with Fire' de Spacemen 3 era genial de escuchar cuando estabas puesto/high. No sabía nada de la escena indie: Alex y yo proveníamos de una parte negra, obrera, pobre del East London -suburbios y sitios de bombas- que era verdaderamente distópica. Nuestra escena era irnos de club en y alrededor de Londres, y con los soul weekenders en la costa, y los Reggae dub 'blues' (fiestas de casa ilegales con sistemas de sonido, dirigido por hambrientos dreads y dealers de spliff rastas). Para nosotros era todo sobre vestirse y beber y fumar y estallar y bailar y jalar y tirar. Seis días a la semana. Sólo encontramos la "escena" indie rock blanca de clase media después de haber lanzado nuestro primer single en 1986. Realmente no existía como una escena, más como un conjunto de sellos discográficos, escritores de música, salas de conciertos y una estética anti-establishment, anti-comercial, anti-pop. Podíamos relacionarnos con esta estética, como lo demuestra nuestra música, y así nos recibieron en la mesa. Compartimos un sello con Flux y Sugar Cubes, y de ellos empezamos a entender un poco sobre la actitud que compartíamos, y aquellas que no. Éramos apolíticos -naturalmente iconoclastas- aquellos tipos eran anarquistas y comunistas. Pensábamos "arte de mierda, vámonos de fiesta". Ellos pensaban "arte de mierda, vamos a unirnos a un partido político".

En 1987 lanzaste el "Lollita EP" a través de 4AD. Un registro increíble lleno de gemas. ¿Cómo se pusieron en contacto con 4AD? ¿Estabas conectado con las otras bandas del sello?

Estábamos frustrados esperando grabar un segundo single con OLI, así que dejamos el sello y enviamos nuestro demo a Ivo en 4AD. Nos ofreció un trato inmediatamente. No queríamos hacer otro single indie primero, queríamos hacer un track dance. Nos conocimos con Adrian Sherwood (Onu Sounds) de quien éramos fan y nos hicimos amigos -creció en West Ham como nosotros y le encataba el dub reggae. Sugirió producir el single y usamos a Doug y Keith, la sección de ritmo de Sugar Hill Gang. Estábamos muy emocionados, le dije a Ivo, y él tenía otra idea; "Quiero que conozcas a mi banda Colourbox - han estado estancados por un par de años, creo que vuestra energía los despertará, y sería interesante y ... menos obvio". De esto nació ANITINA y Pump Up The Volume de M \ A \ R \ R \ S - tomé las primeras letras de nuestros nombres e hice el nombre de la banda. Durante este período, estábamos tocando shows, recibiendo mucha prensa (debido a nuestro sonido y nuestro look), y todo el jet set indie con base en Londres vendría. Recuerdo haber charlado con Robin y Liz en el bar - Robin dijo que le gustaría producir nuestro próximo single. Estábamos impresionados - él era, en nuestra opinión, un dios absoluto. Trabajamos con Robin y empezamos a pasar el rato con los 'Twins la mayoría de los fines de semana, comiendo comida vegetariana india y stoneándonos en spleg - y varios otros músicos conectados con 4AD - era un tiempo fresco, y se sentía increíble ser aceptado como igual y compartir ideas musicales, interrelacionarnos.

Robin hizo un trabajo asombroso en Lollita - él amó nuestras referencias torcidas, sexuales. Jurgen Teller y Vaughn Oliver crearon obras de arte hermosas para el EP - 1987 fue un verano de amor retorcido.

¿Cuál es el significado detrás de las letras de las canciones "Sadomasochiosm is a must" y "Butterfly collector"?

Creo que los títulos lo dicen todo en realidad. SIAM afirma que no se puede escapar del SM en una relación - el amor es el dolor, con el tiempo nos lastimamos mutuamente - a menudo, cuando una pareja tiene una pelea es un estimulante sexual para ellos, es tan simple como eso. BC - ambos amábamos la novela de John Fowles "The Collector" - debes leerlo. Rompe corazones. De todos modos, la idea es que tratamos de poseer a la persona que amamos, que las tratamos como objeto de propiedad, al extremo que se convierten en algo diferente, indigno de amor. Hasta que finalmente "mueren". O en casos extremos, suicidio o asesinato. El EP se proyecta como una narrativa descendente en una relación - desde el enamoramiento, a través de la experimentación sexual en el lado oscuro, eventualmente en la destrucción incontrolada de la violencia / autodestrucción. Matamos lo que amamos, porque no es realmente amor, es egoísmo y locura, alimentado por la intensidad de la energía sexual. Esta narración no fue intencionada, un feliz accidente, y fuimos con ella.


Brendan Perry (Dead Can Dance) + Rudy Tambala and Alex Ayuli in France 1987

¿Cómo fueron sus conciertos en esos días? ¿Qué países / continentes recorrieron? ¿Alguna anécdota que pueda compartir con nosotros?

Rara vez tocábamos - Alex trabajaba a tiempo completo y por eso tuvimos que elegir con cuidado. Tocamos el Reino Unido en su mayoría, unos pocos lugares en Europa - Berlín, Francia. Los espectáculos eran muy ruidosos, teníamos una base de fans de lunáticos, que podían venir en bus y causar mucho trastorno y caos, muy punk. Utilizamos loops de películas Super 8 para nuestros show de luces, nos gustaba esa vibra ala Velvet Underground. Inicialmente organizamos nuestros propios espectáculos - boletos impresos y los vendíamos, salones, amplis y gorilas alquilados - nuestros gorilas eran skinheads fascistas - nadie se jodió con ellos. Los fans no podían entender por qué una banda negra usaba skinheads - éramos East Enders, eran muchachos con los que crecimos, eran nuestros compañeros. ¡Imagínate! Mi recuerdo favorito fue telonear a DCD (Dead Can Dance) en Fréjus, al sur de Francia; Estábamos stonasos en LSD y hash, el sol se estaba poniendo, la luz era increíble - colgaba como melaza en el espacio, se enrollaba con mis cuerdas de guitarra, se vertió en los amplificadores, se evaporó en humeantes rayos en el cielo, se precipitaba como cristales, aterrizando en las cabezas de la multitud. Fue un buen show.

¿Qué equipo utilizaste para crear los álbumes "69" (1988) e "I" (1989)? ¿Cómo fueron recibidos por los niños indie y los medios de comunicación?

Con nuestro avance de grabación de Rough Trade para hacer '69', construimos un estudio de carrete de 16 pistas en el sótano de la mamá de Alex, compramos el sampler Casio FZ1 y Atari / Cubase, la caja de ritmos SP1200, nuevas guitarras y pedales de efectos. Aprendimos a usarlo mientras íbamos grabando y mezclando. Todo estaba en modo experimental, nada planeado, todo improvisado, decisiones tomadas rápidamente. Era como una action painting, desordenada y dinámica, pero con un proceso de selección - estocástico. No creo que hiciéramos eso de nuevo; No sé cómo se podría. "I" fue mucho más tradicional: grandes presupuestos, grandes estudios, ingenieros, todo ese disparate. Fue un verdadero lujo. Pasamos demasiado tiempo y demasiado dinero, pero las ideas seguían viniendo. Al final nos detuvimos, creo que Rough Trade estaba preocupado. Para nosotros no se trataba de hacer un disco para vender - nunca lo pensamos de esa manera - nos encantaba hacer música, hacer sonidos.


Ambos álbumes obtuvieron la posición número 1 en las listas Indie - creo que realmente fuimos una banda para músicos - la mayoría de nuestros fans también hicieron música - los inspiramos a romper el molde, a hacer algo diferente, original. A ser ellos mismos ... está bien ser tú mismo. Es lo mejor que se puede ser. Eso era todo lo que estábamos haciendo. Hablo con los fans en las redes sociales, correo electrónico y los conozco en los shows, no hay muchos, pero son un núcleo duro. Les encanta A.R. Kane, son muy dulces, dicen cosas tan agradables y muestran mucho respeto - es aleccionador. Los amo. Los medios nos adoraban; Simon Reynolds fue nuestro campeón y escribió montones de prosa sobre nosotros. Era simbiótico; encontró una banda que era lo suficientemente extraña como para absorber y llevar sus teorías sobre el arte, la música, la sociedad, la filosofía, etc., y su propia expresión creativa en su colorido uso de las palabras - nos hizo reír a veces - era tan exagerado. Encontramos a alguien que nos puso en la portada de la prensa musical, pero no sólo eso, para darnos un lugar real en la cultura contemporánea, para que podamos reflexionar sobre lo que estábamos haciendo, para tener un sentido del contexto. Estuvimos en la prensa cada semana durante unos tres años, y se ralentizó cuando dejamos de grabar después de 1990.

¿Cuál fue su proceso de composición como en ese momento y cómo es ahora?

No teníamos ningún camino establecido. A veces Alex o yo traíamos una idea que teníamos y trabajábamos en ella. A veces empezábamos a grabar y veíamos lo que salía. A menudo escuchábamos música o experimentábamos una emoción mientras soñábamos e intentábamos capturarla. Inicialmente se trataba más del espacio sonoro, del espacio de los sueños donde las leyes de la naturaleza son plásticas o incluso inexistentes. Veo la música como teniendo cuatro componentes algorítmicos principales - Sónico, Ármonico, Rítmico, Lírico -el sónico y rítmico fueron nuestro enfoque y punto de diferencia- sónicamente empujamos los límites, y rítmicamente introdujimos el principio de la música negra de el Groove en la música indie. Más tarde las relaciones variaron y en "I" hay todo tipo de combinaciones.




¿Qué pasó después de "New clear child" (1994)? Quiero decir ¿por qué se dividieron?

La diversión había desaparecido. La conexión entre Alex y yo estaba rota. Habíamos sido amigos desde la primera escuela, pero nos separamos cuando se fue a vivir a California. Hemos comprobado que había una especie de telepatía en cómo nos comunicábamos - necesitábamos pocas palabras, dejamos que la música hablara. De hecho, cuando hablábamos era por lo general para discutir, rara vez hablábamos cuando hacíamos música - Sería "¿Está bien?" "Sí, suena bien jodidamente cool" - y eso era todo. Las grietas eran visibles en NCC - musicalmente nos conectamos en aproximadamente la mitad de las canciones.

David Byrne nos preparó con un mini estudio en California. Hicimos un montón de demos pero no estábamos inspirados, así que empacamos el equipo, empacamos la banda y seguimos caminos separados. Es como cualquier relación, puede tener una fecha de caducidad.

Hace algún tiempo, decidiste reformar A.R. Kane y girar con la banda. ¿Qué te inspiró a hacer este movimiento? ¿Estás grabando canciones nuevas o un nuevo álbum?

A lo largo de los años se nos han acercado para que volvamos. En 2015 se sentía bien - sólo tocamos en un par de festivales, pero me lo pasé muy bien. Le pedí a Alex que se uniera, dijo 'no gracias' así que lo hice sin él. Este año hicimos una mini gira en Europa durante el verano -alrededor de 10 fechas. Fue una buena diversión, y ahora somos un mejor acto en vivo: solo tres de nosotros Maggie, vocal y guitarra, Andy guitar y teclado, yo, guitarra, teclado, loops. Estamos escribiendo - todavía no grabando - tenemos que imaginar cómo hacerlo - la industria ha cambiado mucho; No tengo ni idea de cómo conseguir un contrato discográfico en estos días. Estoy considerando la financiación de la gente para el siguiente disco. También hice varios intentos de remixar 'Winter Tale' de Ummagma; era bastante complicado. La voz es la canción - muy hermosa, como un madrigal. Armónicamente es muy fuerte, y encontré que la adición de más elementos armónicos restaban al impacto total. Por eso volví al algoritmo y empujé el elemento sónico. Esto se sentía mucho como el enfoque en '69'; De forma libre, orgánica. Estoy muy contento con el resultado, pero nunca estoy 100% satisfecho con cualquier cosa en la que trabaje.

¿Qué bandas estás escuchando hoy en día? ¿Le importaría recomendarnos algunas de sus opciones para música, libros, etc.?

A principios de este año escuché a muchas de las bandas que estaban tocando en el mismo circuito de festivales que nosotros, Conan Moccasin, Explosions in the Sky, Lone Lady y Moth Trap fueron mis favoritos. Estaba colaborando con Ummagma y remezclando The Veldt, así que oí mucho de ellos, y todavía giro esa mierda cada fin de semana. Una banda brasileña con sede en Londres Sky Between Leaves me contactó y terminó teloneándonos en Manchester - eran brillantes y el track OBE fue hechizante en vivo - comprobarlo en https://www.youtube.com/watch?v=N8T_vSxMVKE y posiblemente la experiencia pico para mí, de 2016. 

Todavía amo el Jazz y escucho regularmente Radio 6 Music, aunque a menudo es terrible. El hábito, supongo. Vi un documental sobre The Rolling Stones pero todavía me resulta difícil que me guste esa banda. Vi un documental sobre los Beatles y los amo aún más. Vi el reciente biopic sobre Hendrix - pienso que fue excelente, actuaba sabiamente. Escucho un montón de punk en YouTube, en esos días de pereza que no quiero salir de la cama, excepto para comer y beber y ya sabes qué.

Hace poco leí la trilogía de Dust - una épica de ciencia ficción distópica - me encantó eso. Tres novelas - Nod, Dark Eden, The Dog Stars - ciencia ficción moderna que realmente disfruté - la creación de nuevos mundos que son totalmente creíbles y realistas, personajes tridimensionales que enriquecen la trama y te atraen.
Re-leo algunos libros cada año; "Extraño en una tierra extraña" (Heinlein), "Las crisálidas", "Los cuatro cuartetos" (T.S.Eliot), "Mente zen, mente de principiante" (Suzuki).

El mundo entero se está volviendo conservador y parece haber una ola de fascismo en este momento con Brexit, Trump en los EE.UU., Putin, etc. ¿Cuáles son sus pensamientos y sentimientos acerca de este llamado "nuevo orden mundial"?

Tengo pensamientos contradictorios y sentimientos contradictorios. A la mayoría de las personas no les gusta el cambio, no les gusta la incertidumbre, quieren un futuro mejor, un sentido de sí mismos y creer que la vida tiene sentido y vale la pena vivir. Aquí es donde el mundo está en este momento, y mucho falta, para muchos. Ahora mismo, hay un vacío, y quien pueda llenar ese vacío ganará las mentes y las almas del corazón de la gente. Creo que estamos en una transición, que a partir de este conflicto surgirá una nueva civilización - pero probablemente habrá un alto precio a pagar. En los años 60 vimos una agitación similar, y se creó algo del arte más grande, la fricción del tiempo creó una chispa, y los movimientos del tiempo avivaron las llamas. Quiero ser una fuerza positiva, creativa, no reaccionaria, y tengo que practicar diariamente los principios y acciones que sostengo, los que se expanden no las posibilidades contractoras, las que incluyen más de la realidad, no menos. Y empezar cada día de cero como si nada se hubiera ganado ayer. ¡Deséame suerte con eso!



We introduced black music principle of The Groove into indie music .: A CHAT WITH RUDY TAMBALA FROM A.R.KANE

When I listened to Lollita EP (1987) towards the end of the 90's, courtesy of the postrockers colleagues of the time - all druggy heads - I immediately knew that A.R. Kane had gone ahead not only to Slowdive and My Bloody Valentine but to all groups like The Telescopes, Chapterhouse, Ride, etc. in the creation and foundation of the so beloved shoegaze. The songs on that EP are undeniable proof of the genius and daring of Alex Ayuli and Rudy Tambala. A school and style of music was born thanks to this pair of Afrobrittish who dared to try and deform almost everything: dance rock, dub, house, ethereal, psychedelia. Can of the 80's?

They advanced to the era of samples and without them much of the music we enjoy today would not be the same, in an interview for the Melody Maker made by capo Simon Reynolds, Rudy Tambala coined the term "Dream Pop". What brains! When they were in the 4AD of Ivo-Watts Russel they gave way to collaborate with Colourbox - under the alias of M.A.R.R.S. - and to design one of the most famous house anthems, "Pump up the volume" (1987). The rest beloved music lover is already History.


In 2015 Mr. Tambala decided that it was the right moment to resurrect his legendary band and, now without the contribution of Mr. Ayuli, has been visiting, surrounded by new musicians, various scenarios and festivals of the planetary alternative circuit. In Peru Avantgarde we have the honor to present the exclusive interview with Rudy Tambala of A.R. KANE, undoubtedly one of the creators of music as we understand and enjoy it today.

First of all, what’s the meaning of the name of your band, A.R. Kane?

It has no meaning – it has a strong sound. It is a play on words – I loved Herman Hesse’ novel “Demian”, it had an idea about people with the biblical ‘mark of Cain’ as being special, in a positive way. The movie Citizen Kane was a favorite of Alex. Our initials at the front sounded out the word ‘arcane’, which means hidden, mysterious – I first read the word on the Dead Can Dance EP ‘garden of arcane delights’. Alex and I had a single conversation over a few minutes, we made those connections and more … and we thereby invented a fictional character as the name of our band – we didn’t actually have a band, but once we had the name, it kinda created itself. It was like casting a spell – say his name three times and he will appear, and make noise, and take your soul.

How do you remember growing up in the scene of the 80’s with such bands like Cocteau Twins or Spacemen 3 in the zenith of their career? What are your memories of that era?

I was high a lot of the time, on LSD and Spliff, so my memory is brilliantly lit, in prismatic colour, full of hope and dreaminess and love and good vibes. Cocteau Twins were a very special band for us, they created a whole universe of abstraction, one you could walk into and exist in a new way – they made your brain make new connections, into something unrealized and yet very ancient. Spacemen 3 ‘Playing with Fire’ was great to listen to when high. I knew nothing of the indie scene- Alex and I came from a black, working class, poverty-stricken part of East London – slums and bomb sites – it was truly dystopian. Our scene was clubbing in and around London, and soul weekenders on the coast, and Reggae dub ‘blues’ (illegal house parties with sound systems, run by axe-wielding dreads and spliff toting Rastas). For us it was all about dressing and drinking and smoking and popping and dancing and pulling and fucking. Six days a week. We only encountered the white, middle-class indie rock ‘scene’ after we had released our first single in 1986. It didn’t really exist as a scene, more as a set of record labels, music writers, gigging venues and an anti-establishment, anti-commercial, anti-pop aesthetic. This aesthetic we could relate to, as evidenced by our music, and so we were welcomed to the table. We shared a label with Flux and Sugar Cubes, and from them we began to understand a little about the attitude that we shared, and those we did not. We were apolitical – just naturally iconoclastic –those guys were anarchists and communists. We thought ‘fuck art, let’s party’. They thought ‘fuck art, let’s join a political party’

In 1987 you released THE “Lollita EP” via 4AD. An amazing record full of gems. How did you get in touch with 4AD? Were you connected with the other bands from this label? 

We were frustrated waiting to record a second single with OLI, so we left the label and sent our demo to Ivo at 4AD. He offered us a deal immediately. We didn’t want to do another indie single first, we wanted to do a dance track. We met with Adrian Sherwood (Onu Sounds) who we were a fan of and became friends with – he grew up in West Ham like us, and loved dub reggae. He suggested he produce the single and we use Doug and Keith, the Sugar Hill Gang rhythm section. We were very excited, told Ivo, and he had another idea; “I want you to meet my band Colourbox – they have been stagnant for a couple years, I think your energy will wake them up, and it’d be interesting and … less obvious”. Out of this came ANITINA and Pump Up The Volume by M\A\R\R\S – I took the first letters of our names and made the band name. Over this period, we were playing shows, getting a lot of press (because of our sound and look), and all the London-based indie glitterati would come along. I remember chatting with Robin and Liz at the bar – Robin said he’d like to produce our next single. We were blown away – he was, in our estimation, an absolute god. We worked with Robin and started to hang out with the ‘Twins most weekends, eating vegetarian Indian food and getting high on spleg  - and various other 4AD connected musicians - it was a cool time, and felt amazing to be accepted as equals, and to share musical ideas, to cross-fertilize.

Robin did an amazing job on Lollita – he loved our twisted, sexual references. Jurgen Teller and Vaughn Oliver created beautiful artwork for the EP – 1987 was a summer of twisted love.

What is the meaning behind the lyrics for the songs “Sadomasochism is a must” and “Butterfly collector”?

I think the titles say it all really. SIAM states that you cannot escape SM in a relationship – love is pain, eventually we hurt each other – often, when a couple have a fight it is a sexual turn on for them, it is as simple as that. BC – we both loved John Fowles novel The Collector - you must read it. Heart-breaking. Anyway, the idea that we try to possess the person that we love, that we treat them as an object of ownership, to the extent that they become something different, unlovable. Until they eventually ’die’. Or in extreme cases, suicide or murder. The EP pans out like a descending narrative in a relationship – from falling in love, through sexual experimentation on the dark side, eventually into uncontrolled violence destruction/self-destruction. We kill what we love, because it is not really love, it is selfishness and madness, fueled by the intensity of sexual energy. This narrative was not intended- a happy accident – and we went with it.
                                Brendan Perry (Dead Can Dance) + Rudy Tambala and Alex Ayuli

How were your concerts in those days? What countries/continents did you tour so far? Any anecdotes you can share with us?

We rarely played – Alex worked a full-time job and so we had to choose carefully. We played UK mostly, a few in Europe - Berlin, France. The shows were very noisy, we had a fan-base of lunatics –they would come in coaches and cause a lot of disruption and mayhem – very punk. We used Super 8 film loops for our light shows, we liked that Velvet Underground vibe. Initially we organized our own shows - printed tickets and sold them, hired halls, PA’s, bouncers- our bouncers were fascist skinheads – no-one fucked with them. Fans couldn’t figure out why a black band would use skinheads – we were East Enders, they were kids we grew up with, they were our mates. Go figure! My favorite memory was supporting DCD in Frejus, South of France; we were high on LSD and hash, the sun was setting, the light was amazing - it hung like treacle in space, became wound up with my guitar strings, poured into the amps, evaporated in smoky streaks into the sky, precipitated as crystals, landing on the upturned faces of the crowd. It was a good show.

What equipment did you use to create the albums “69” (1988) and “I” (1989)? How were they received by the indie kids and the media?

With our recording advance from Rough Trade, to make ‘69’ we built a 16 track reel to reel studio in Alex’s mum’s basement, bought Casio FZ1 sampler and Atari/Cubase,  SP1200 drum machine, new guitars and effects pedals. We learned to use it as we went, recording and mixing. Everything was in experimental mode, nothing planned, all improvised, decisions made quickly. It was like action painting- messy and dynamic, but with a selection process – stochastic. I don’t think we did that again; I don’t know how one could. “I” was far more traditional – big budgets, big studios, engineers, all that nonsense. It was a real luxury. We spent too long and too much money, but the ideas just kept coming. Eventually we stopped – I think Rough Trade were concerned. For us it was not about making a record to sell – we never thought about it that way – we just loved making music, making sounds. 

Both albums got Number 1 position in the Indie charts – I think we 
were a musician’s band really – most of our fans also made music - we did inspire them to break the mould, to do something different, original. To just be themselves … it’s ok to be yourself. It’s the best thing to be. That’s all we were doing. I speak to fans on social media, email and meet them at shows-  there are not many but they are hard core. They love A.R. Kane, they are very sweet, say such nice things and show a lot of respect - it is humbling. I love them. The media absolutely adored us; Simon Reynolds was our champion and wrote reams of prose about us. It was symbiotic; he found a band that was strange enough to absorb and carry his theories about art, music, society, philosophy, etc., and his own creative expression in his colorful use of words - it did make us laugh at times - it was so over the top. We found someone that put us on the front cover of the music press, but not only that, to give us a real place in contemporary culture, to enable us to reflect on what we were doing, to get a sense of context. We were in the press every week for around three years, and it slowed when we stopped recording after 1990.

What was your process of composing like at that time and what is it like now?

We had no set way. Sometimes Alex or I would bring in an idea we had and we’d work on it. Sometimes we’d just start recording and see what came out. Often we’d hear music or experience an emotion whilst dreaming, and we’d attempt to capture that. Initially it was more about sonic space, dream space where the laws of nature are plastic or even non-existent. I see music as having four main algorithmic components – Sonic, Harmonic, Rhythmic, Lyric – the sonic and rhythmic were our focus and point of difference – sonically we pushed the boundaries, and rhythmically we introduced black music principle of The Groove into indie music. Later the ratios varied and on “I” there are all kinds of combinations.



What happened after “New clear child” (1994)? I mean why did you split?

The fun was gone. The connection between me and Alex was broken. We had been friend since first school but we drifted apart when he went to live in California. We flet that there was a kind of telepathy in how we communicated – we needed few words, we let the music talk. In fact, when we did talk it was usually to argue, we rarely spoke when making music – it would be “Is that OK?” “Yeah, it sounds fucking cool” – and that was it. The cracks were visible on NCC – musically we connected on about half the songs.
David Byrne set us up with a mini studio in Cal. And we did a bunch of demos but we were not inspired so we packed up the gear, packed up the band and went our separate ways. It’s like any relationship, it can have a sell-by date. 

Some time ago, you decided to reform A.R. Kane and tour with the band. What inspired you to make this move? Are you recording new songs or a new album? 

Over the years we have been approached to do a comeback. In 2015 it felt right – we only played a couple festivals but I had a great time. I asked Alex to join, he said ‘no thanks’ so he did it without him. This year we did a mini Euro tour over the summer –around 10 dates. It was good fun, and we are a better live act now – just three of us Maggie lead vocal and guitar, Andy Guitar and keyboard, me, guitar, keyboard, loops. We are writing – not yet recording – we have to figure how to do it – the industry has changed a lot; I have no idea how to get a record deal these days. I am considering crowd funding the next record.  I also made several attempts to remix ‘Winter Tale’ by Ummagma; it was quite tricky. The vocal is the song – very beautiful, like a madrigal. Harmonically it is very strong, and I found that adding more harmonic elements detracted from the overall impact. I therefor went back to the algorithm and pushed up the sonic element. This felt a lot like the approach on ‘69’; freeform, organic. I am quite pleased with the result, but I am never 100% pleased about anything I work on.

What bands are you listening to nowadays? Would you mind recommending us some of your choices for music, books, etc.? 

Earlier this year I listened to a lot of the bands that were playing on the same festival circuit as us, Conan Moccasin, Explosions in the Sky, Lone Lady and Moth trap were my favorites. I was collaborating with Ummagma and remixing the Veldt, so heard plenty of those guys, and still spin that shit every weekend. A London-based Brazilian band Sky Between Leaves contacted me and ended up supporting us in Manchester - they were brilliant and the track OBE was spellbinding live - check it https://www.youtube.com/watch?v=N8T_vSxMVKE and possibly the peak experience for me, of 2016 other band music.

I still love Jazz and regularly listen to Radio 6 Music, although it is often dreadful. Habit I guess. I watched a documentary on The Rolling Stones but still find it hard to like that band. I watched a documentary on the Beatles and love them even more. Saw the recent Hendrix biopic - thought it was excellent, acting-wise. Listen to a lot of punk on YouTube, on those lazy-ass days that I don't wanna get out of bed, except to eat and drink and you know what.
I recently read the Dust trilogy - a dystopian sci-fi epic - I loved that. Three novels - Nod, Dark Eden, The Dog Stars - modern Sci-Fi that I really enjoyed - the creation of new worlds that are totally believable, and realistic, three-dimensional characters that enrich the plot and draw you in.

I re-read a few books every year; Stranger In A Strange Land (Heinlein), The Chrysalids, The Four Quartets (T.S.Eliot), Zen Mind, Beginners Mind (Suzuki). 

The whole world is turning conservative and there seems to be a wave of fascism right now with Brexit, Trump in the US, Putin, etc. What are your thoughts and feelings about this so called “new world order”? 

I have contradictory thoughts, and conflicting feelings. Most people do not like change, they do not like uncertainty, they want hope for a better future, a sense of self, and to believe that life has meaning and is worth living. This is where the world is right now, and much is lacking, for many. Right now, there is a vacuum, and whosever can fill that void will win the hearts minds and souls of the people. I believe we are in a transition, that out of this conflict will emerge a new civilization – but there will likely be a high price to pay. In the 1960’s we saw similar upheaval, and some of the greatest art was created, the friction of the time created a spark, and the movements of the time fanned the flames. I want to be a positive, creative force – not a reactionary - and I have to practice, on a daily basis, the principles and actions that I hold true, those that expand not contract possibilities, those that include more of reality, not less, and start each day afresh as if nothing was gained yesterday. Wish me luck with that!

martes, 6 de diciembre de 2016

EL OTRO INFINITO visitado por Hákim de Merv


(Siempre es problemático abordar la copiosa obra de un creador artístico novel, situación que a prima facie parece un contrasentido, pero que en realidad no es tal. Se puede ser a la vez debutante y prolífico, como Aphex Twin, sin ser necesariamente genial. Tampoco es una obligación poseer los tres atributos al mismo tiempo. Así que quedas avisado/a sobre las eventuales aporías a las que llegaré tratando de practicar un acercamiento fidedigno a lo hecho por el músico electrónico peruano Alfonso Noriega Reto.
Ok, aquí vamos otra vez...)
Desde hace algunos años, Chip Musik se ha convertido en sinónimo y garantía de calidad gracias a la nómina de artistas y lanzamientos que exhibe. Habiendo apostado por la electrónica de cepa IDM/post IDM, y en muchísima menor medida por dialécticas sonoras similares, la netlabel perucha ha mantenido una presencia constante. Tras el boom inicial, que diseminó los trabajos de básicamente los responsables directos de Chip, se han venido sucediendo en periódicas oleadas multitud de uploads pertenecientes a nuevos individualistas; acicateados por el eco que generase la propuesta de la escudería. Entre estos bisoños nombres, figuró el de Noriega.
Camuflado como El Otro Infinito, el músico debutó en el 2014 con Buscando Un Abismo En Cada Objeto Y Puertas... Hoy, casi dos años después, ya cuenta con cinco producciones descargables gratuitamente -con el añadido de que la última, El Infierno En Tus Ojos EP (2016), también se ha publicado en formato físico (mejor es conseguírsela así, pues sus temas están entrelazados). No era, entonces, una exageración hablar ni de "novel" ni de "prolífico".
No ha sido una evolución rápida la de EOI, sin embargo. Buscando Un Abismo... es el clásico debut de un alumno instruido en las músicas digitales de consumo personal, las que enyuntan experimentación acre y armazones rítmicos diseñados por cualquier DJ de polendas (pero lejos de la dictadura furibunda de los bpms), las que priorizan atmósferas permeables en pro de asimilar/reformular estilos. Con todo, hay cierta tosquedad en la ingeniería minimalista de las composiciones de este primer paso. Quizá es más el hecho de haberlo encarado como un banco de pruebas, intención válida cuyos resultados, empero, no están a la altura de la ocasión. Me corrijo: no siempre, pues a partir de "Talk About Death" sí se percibe más fibra, una mayor soltura con respecto del manual de estilo.
Las siguientes cuatro entregas de Noriega se han editado durante el 2015 y este 2016, a razón de dos por calendario. La metamofosis sucedió entre el Buscando Un Abismo... y su inmediato sucesor, Games For The Dead. Ni bien comienza a sonar "Dead Spots", es notorio que El Otro Infinito se ha zambullido -sin miedo, sin dudas- en las profundidades del ambient binario, del IDM y de la electrónica post-rave. De allí en más, Noriega ha apostado todo a complejizar gradualmente las programaciones/secuencias, a trabajar con el máximo detalle posible sus creaciones y la dermis de noise con que las recubre, a coquetear tímidamente con la nocturnidad de un Scorn pero también con melodías de fácil digestión. De hecho, To The Shadow's Rhythm (2015) es una jornada de intelligent techno barroca en su ornamentación y cobijado por euritmias de vieja sci-fi.
No obstante, Noriega prefiere la penumbra. O tal vez sea el talante de este año. Coincidencia o no, Kali y El Infierno En Tus Ojos EP suenan inequívoca, ¿premeditadamente? más oscuros. Una severa interrogación de texturas hipnóticas dirigida a emociones y/o sensaciones de las que ni siquiera eras consciente, un caudal de dialogantes sonoridades multiformes, densas, a veces incómodas; burbujas sónicas que hablan de una razzia bleep en épocas pasadas... Lo interesante es que El Otro Infinito, aunque enfocado en concebir música para degustar en posición horizontal, no olvida ciertos guiños irónicos a sus genes dancefloor. Ambient ingrávido para las meninges y el bulbo raquídeo.
No ha sido, pues, una evolución rápida la de este acto. Fue apenas un gran salto, en un momento dado de su historia. Todo lo demás no es sino el proceso indispensable para refinar la técnica con cada nuevo episodio discográfico. Y vaya que lo ha hecho satisfactoriamente hasta la fecha.
Como corresponde, dejo aquí el tema más representativo de la última entrega, "White Abyss" -pero ya quedas advertido/a de lo interesante, intenso y emotivo que puede ser El Otro Infinito

HÁKIM DE MERV
2016

domingo, 4 de diciembre de 2016

Visiones de la catástrofe - Documentos del Noise Industrial en el Perú (1990​-​1995) {Sounds Essentials Collection Vol 5}


Para una persona que ha ejercitado muchísimo la memoria, y que además posee una gran capacidad mnemónica por naturaleza, es difícil decidir qué recuerdos almacenar y qué recuerdos no. Los hay que pueden parecer superfluos y por completo prescindibles durante meses, e incluso años, pero en el momento menos pensado los necesitas y bruscamente se tornan valiosos. No pocas veces me ha pasado, y en el futuro de seguro pasará otro tanto. Felizmente, rara vez olvido algo en su totalidad.
Una tarde del verano de 1999, llegué a un pequeño espacio ferial en la calle Camaná, en el Centro de Lima. Fui directo al puesto que tenía un hoy ex-ex-ex-ex amigo, como era mi costumbre en aquel entonces. Por ello, me llamó la atención encontrar esa tarde al menos una veintena de cintas pertenecientes a grupos o proyectos peruanos que jamás había oído ni mentar: por curiosidad, me puse a revisar los que estaban más a la mano, y si bien nunca pedí que me probaran tan siquiera uno, estéticas y nombres me hablaban de actos de noise. Hubieran sido de rock, de metal o de electrónica; la característica que los unía era ésa: el Ruido.
Confieso que no me preocupé en adquirir estos demos. Eran tiempos difíciles para mí, y además confiaba en poder hacerlo algunas semanas más tarde -lo que desgraciadamente no pasó: un día, el dueño de las maquetas se levantó todas las que no se habían vendido. Sólo recuerdo el nombre de una de ellas: Eternal Noise. Pero no podía ser sino de desconcierto total la impresión que me dejaron estos "inéditos" proyectos, con material de limitadísimo tiraje. Me he acordado de esa tarde durante muchos años, pensando en la ocasión perdida de haber accedido a una veta entera de grupos underground nacionales que cultivaban la impronta de Einstürzende Neubauten, los Sonic Youth de los primeros 80s, acaso también de los fundacionales Napalm Death y del japonés K.K. Null (este último aparece en la célebre compilación Ambient 4: Isolationism -1994-, todo un género en sí misma).
Quinta entrega para su serie 'Sounds Essentials Collection', Buh Records ha lanzado hace pocas semanas la recopilación Visiones De La Catástrofe - Documentos Del Noise Industrial En El Perú (1990-1995). De marcado contraste con el resto de volúmenes publicados en la misma línea, Visiones... recupera testimonios históricos de una subescena invisible hasta para la movida subterránea capitalina -subescena nacida allí donde confluían la velocidad inhumana del grindcore, la rabia desatada por las huestes más agresivamente punk y hardcore, y el submundo de violencia cotidiana en que tuvieron que arribar a la adultez las generaciones peruanas de los últimos 80s y los primeros 90s: apagones a diestra y siniestra, caos y destrucción regados (¿o irrigados?) a través de ataques terroristas, hiperinflación crónica, colas de madrugada para poder alcanzar a comprar medrugos de pan... Imposible negar que el disco vale su peso en oro.
Y es que, al rescatar Visiones... parte del escaso legado que dejaran tras de sí estas bandas, un legado durante muchísimo tiempo considerado perdido sin remedio; que haya podido salvarse nos alienta a considerar las posibilidades de poder ubicar más registros similares. Ya hace algunos años, por ejemplo, Discos Invisibles puso a la venta un CD de Disidentes por el que los melómanos peruanos tenemos que estar infinitamente agradecidos. Se recupera, de esta manera, una página de la historia de la escena peruana que ni siquiera teníamos la certeza de que existiese -y ello siempre, SIEMPRE, será motivo de celebración.
Nueve nombres. Once temas, a tema por alias excepto en los casos de Esperpento y Phlegm. De todos ellos, sólo a tres conocía de antemano: Distorsión Desequilibrada (el fulminante proyecto de Álvaro Portales), Sangama ("spin-off" de algunos integrantes de Dios Hastío) y Glaucoma -de Edgar Umeres, guitarrista de Hadez (pude escuchar su cassette Ocaso De La Civilización Occidental gracias a Erik Bullon, figura prominente de la escena noise industrial limeña de fines de los 90s). Con el resto es, pues, mi primera vez: Demencia Senil, Atresia, Pestaudio, Esperpento, Phlegm, Experimental Manufakturing... El magma sonoro es una virulenta yuxtaposición de decenas y hasta cientos de ruidos de la más diversa índole: feedback pergeñado a la mala, señales fragmentadas y reprocesadas de radio y televisión, fierrazos en el sentido más literal del término, contados pero rotundos aullidos guturales, incluso sonidos del entorno infantil sobresaturados. Un huayco de Ruido tratado desde el radicalismo y la visceralidad propios del expresivo esteticismo grind -que empataba perfectamente con las convulsas épocas que les vieron crecer.
Tremendo golazo de Buh Records y de su factotum, Luis Alvarado. Dejo aquí la pieza que más características inherentes al Noise de esos calendarios plasma en un solo canal -el de Demencia Senil. El disco completo, seguido de una estupenda reseña del propio Alvarado, a continuación..

HÁKIM DE MERV
2016

sábado, 3 de diciembre de 2016

Unexplained Sounds 2016 - the 2nd annual recognition test


After one year since Unexplained Sounds Group released the "first annual report", I've been in touch with many musicians working on different projects, including some surveys focused on countries like Iran, Portugal, Russia and so on. Also I found a lot of inspiration and new ideas by running "The Recognition Test" radio program, through which I went deep into music I couldn't include in any survey. And that was an important starting point to curate this new 2016 overview on the worlwide experimental and alternative music scene. It's based on hundreds of opinions exchanges, talks, reading, dreaming, hard work days, sleepless nights, and so many nice relationships with musicians, artists, reviewers, listeners, friends. An intense experience I'm pleased and honored to share through this compilation, to highlight once again, the great effort of creativity and musical research bright people do around the world.

Very special thanks to:
André Quaresma and Mohamad Reza for their precious collaboration in some projects.
Mark barton, Wagner Hertzog, Stéphane Froidcoeur, Michael Haifl, Andrea Piran, for their help by reviewing the USG releases.
Giacomo Elettrodo, André Quaresma, Ricardo Wang, Tracy Perry, for supporting with their radio programs and podcasts.
Dedicated to the memory of our friend Vivas Leon Elias.
Raffaele Pezzella
Edited by Unexplained Sounds Group
Curated by Raffaele Pezzella (Sonologyst)
http://sonologyst.tumblr.com/
Cover image edited by Cesar Naves
All rights reserved

jueves, 1 de diciembre de 2016

Sounds of Sputnik to release new EP via Emerald & Doreen Recordings


photo credit Tatiana Kalitkina
Sounds of Sputnik
New Born Remixed 
Emerald & Doreen Recordings 

9 December 2016

FOR FANS OF: Lush, Airiel, Slowdive, My Bloody Valentine, School of Seven Bells
LEAD TRACKS: Light Scheme, New Born, Light Scheme (Haioka Remix), New Born (Malcolm Holmes’ OMD Remix), Light Scheme (David Garcet Remix), New Born (Headpocket Remix)
 
"A musical masterpiece!... a musical match made in heaven... A must-have album for anyone who adores everything good about the Electronic, Post Rock, Dreampop & Shoegazing genres" – Primal Music Blog
 
"Transcending physical and political boundaries to make sonic nu-dreamscapes" – Impose Magazine
 
"Perfect match of pristine vocals with the alternative rock stylings of Swervedriver" – Stereo Embers Magazine
 
"A sense of grandiosity" – Sounds Better With Reverb 
 
"Kaleidoscope of reverb-soaked guitar, intricate drums, heavy bass and distorted guitars intertwined with ethereal vocals" – Louder Than War 
 
"For all the things concealed behind the iron curtain, one very cool sonic phenomenon has emerged – Sounds of Sputnik.The world is a slightly better place thanks to their musings" – Graham Bonnar (Swervedriver, Brian Jonestown Massacre)



  
Moscow’s Sounds of Sputnik has announced they will release their new ‘New Born Remixed’ EP via Emerald & Doreen Recordings. Surrounding tracks co-written, produced, and recorded by Canadian-Ukrainian dreampop duo Ummagma, these tracks also feature stellar vocals from Ummagma’s Shauna McLarnon and Alexander Kretov.
 
Rooted in a shared love of melodic dream pop and shoegaze with a taste of the 80s-90s, Sounds of Sputnik has teamed up with the German label to bring the bands' influences – from Lush, Curve, Cocteau Twins and My Bloody Valentine, Jesus & Mary Chain – into familiar Emerald & Doreen disco & synth wave territory. The result is an unlikely, unfathomable but always brilliant “dream house disco noise experience" for the more adventurous listener. 
 
Earlier this year, Sounds of Sputnik re-released their debut LP 'New Born' feat. Ummagma through hallmark U.S. shoegaze label Moon Sounds Records. Showcasing a palette of clever guitar lines, powerful drums, lush bass and gossamer female vocals, it also features Graham Bonnar (Swervedriver/ Brian Jonestown Massacre), psych rock producer Fran Ashcroft (Damon Albarn, Lords of Acid), Russian producers Morozov and Oleg Mezherovsky, and Brazil’s Mind Movies.

The band has just released two new videos for 'Blizzard', which was produced by British videographer Jason Sheppard, and 'Light Scheme (Sputnik Remix)', filmed by Roman Kalitkin himself in Barcelona.
 
On 'New Born Remixed', apart from the original versions of ‘New Born’ and ‘Light Scheme’, Orchestral Manoeuvres in the Dark’s own Malcolm Holmes contributes a highly emotional New Romantics-infused version of ‘New Born’. His remix spirals into an eternal night sky crescendo of noisy guitars and Shauna’s stunning voice.
 
The EP kicks off with highly acclaimed Red Bull Academy laureate and Tokyo producer Haioka with an intelligent and catchy masterpiece, where Japanese electronica meets a wall of sound. This is followed by Headpocket’s relaxed deep house interpretation.
 
Irregular Disco Workers contribute a series of remixes to the release, turning two original tracks ‘Light Scheme’ and “New Born’ into a funkier soulful experience with another deeper into 80s melodic house territory. After Dim Zach’s journey into Nu Disco, we once more return to the more guitar heavy trade mark drone pop of David Garcet.
 
Fronted by Roman Kalitkin, Sounds of Sputnik now includes Oleg Mezherovsky, Oleg Luzhetsky, Dmitriy Bobrinev, Anastasia Berezovskaya, and Almaz Gaifutdinov. Now based in Canada, Ummagma collaborated with Kalitkin while living in Moscow circa 2004 and reunited with him after a decade of living in Ukraine. Their collaborative project went into overtime when military conflicts began between the two countries, as a decisive and loud symbolic act of cross-border comradeship.
 
In 2014, Sounds of Sputnik received a Jagermeister Indie Music Award, the highest music prize in Russia, and claimed Best East European Video at the 2014 Independent Music Video Awards in Australia. 'New Born' also remained in CMJ's American College Radio Charts for a massive 7 weeks, the first time this has been achieved by a Russian indie artist.

'New Born Remixed' will be released digitally on December 9 by Emerald & Doreen Recordings, which is run by avid audiophile vinyl-loving DJs and whose motto is "we release nice songs and great remixers. Genres do not matter, only awe-inspringity counts".
 
TRACK LIST
Light Scheme (Haioka Remix) - (4:58)
New Born (Headpocket Remix) - (5:30)
New Born (Irregular Disco Workers Summer Rebirth) - (7:06)
Light Scheme (Irregular Disco Workers Remix) - (6:39)
New Born (Dim Zach Remix) - (6:56)
Light Scheme (David Garcet Remix) - (3:50)
New Born (Malcom Holmes' OMD Remix) - (4:39)
New Born (Irregular Disco Workers Summer Dub) - (7:06)
New Born (feat. Ummagma) - (4:57)
Light Scheme (feat. Ummagma) - (3:53) 
 
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ES​/​TA​/​CIO​/​NES by ҚALA§A§AỴΛ


Utilizar recursos estético-sonoros ajenos al vocabulario del pop mainstream, para componer música cercana a este último, usualmente ha generado placas destinadas a habitar en un limbo. Apostar por emplearlos, cómo no, posiciona al músico cerca de las canteras avant garde -pero su concreción tangible dista de pertenecer a ellas. Y como tampoco calza en un formato pop estandarizado, pues...
Claro que eso era antes. Hoy, las vanguardias ya están muertas y enterradas, y sólo ha sobrevivido su denominación como género en sí mismo, que cobija a todo aquello que no ha podido ser asimilado por el pop -a diferencia de su anterior status: escenas de estéticas multiformes, enmarcadas bajo una ética a prueba de balas. El "riesgo", sin embargo, ahora es otro. Asirse de lo que aún entendemos por "vanguardia", veinte o pocos años menos después, sabe a tardío, anacrónico, arty/pretencioso.
No siempre, claro. Desde que me topé con /ES/TA/CIO/NES/ (2016), debo haberle escuchado unas 5 o 6 veces. Veinte o pocos años menos hacia atrás, este trabajo hubiera comportado un fabuloso partirse de las aguas. La tosquedad de su registro, además, lo habría hecho candidato idóneo para adherirse a la movida experimental limeña de entonces; que asumió (voluntaria o casualmente) esas "deficiencias" técnicas como sello indesligable del aura que rodeó su output.
El responsable de /ES/TA/CIO/NES/ es ҚALA§A§AỴΛ, proyecto unipersonal ariqueño cuyo alias establece conexiones prehispánicas que van más allá del mero guiño bautismal. No deja de ser sumamente peculiar que un acto del norteño litoral desértico chileno evoque el nombre de una de las ruinas menos conocidas de la cultura Tiahuanaco, desarrollada en el altiplano peruano-boliviano: el templo de Kalassassaya. Me recuerda la anécdota de los alemanes de Cusco, que se constituyeron como tales después de un tour por el Ombligo del Mundo, del que quedaron prendados. No sería raro que pasase lo mismo aquí.
Pero si bien es cierto hay matizados sonoros que suenan a pretérito imperfecto ("Phajjsi"), lo de este ariqueño tiene más de "vanguardia". Sí, puede sonar a Altiplano (de Ronald Sanchez) o a Espira (de Miguel Ángel Burga) en su segunda fase, músicos peruanos también interesados en recapturar ese feeling precolombino a través de la Música -y la alusión vale porque los resultados son más o menos equivalentes, sólo que con al menos 15 años de distancia. Y, con todo, no deja de ser un esférico de agradable escucha.Hay trallazos de cósmico shoegazing ("Jallu Pacha", "SΛtΛ"), de electrónica noventera pre-ruidista ("Capajraini", "Awti Pacha"), y hasta de lo-fi inclinado al pop ("K", "Despedida En Tus Brazos" -que incluye un hidden track en las mismas coordenadas-). Todo ello en poquito más de 28 minutos, como para no empalagar, y sí dejarnos con la miel en los labios.
Destaco la apertura del disco, "Juyphi Pacha", donde se equilibran/contrapesan muchas de las variables puestas en juego a lo largo de /ES/TA/CIO/NES/. El acabado de esta pieza, por no sé qué cortocircuito neuronal (pero qué sabe el cerebro de lo que te gritan las tripas), me hace recordar al Evamuss del glorioso E.Muss (1999). Insisto, excelente trabajo. Existen ediciones físicas, tanto en CD como en cassette. Lo ideal sería escuchar la obra en rodaja lumínica o en cinta, porque algunos temas van sutilmente entrelazados. En su defecto, el /ES/TA/CIO/NES/ completo va en el primer comment.
APOSTILLA PARA MELÓMANOS PERUCHOS: Pueden escribir a Noxa Recs, escudería distribuidora de ҚALA§A§AỴΛ en Perú, para gestionar una copia en físico.

HÁKIM DE MERV
2016

DISQUS

WE ARE ALL ONE

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