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jueves, 25 de febrero de 2021

UNA CONVERSA CON YERKO ZLATAR (PUNA/CRETÁSICO) :. Music has the right to children!


Foto por César Vallejos Cheng


Los años 90 transgredieron todo y mucha gente se vio afectada queriendo o no por ella. Aquí y acullá los jóvenes de esos años casi no pudieron escapar a su influjo innovador y etéreo. En Lima, Buenos Aires o Berlín se escuchaban los discos de My Bloody Valentine, Porter Ricks o Aphex Twin y se producían irreparables cambios en las sinapsis y el aura de miles. 

Yerko Zlatar fue uno de los bendecidos por esos años. Descubrió el IDM y el shoegaze casi al final de la década y desde entonces ha llevado una vida dedicada al arte y la música de vanguardia. Dirige PUNA, una marca de diseño con un local situado en Barranco y al mismo tiempo ostenta un abanico de proyectos que lo convierte en un artista de inquietos horizontes. Su trabajo puede ser apreciado en las portadas de reediciones de música folklórica como también en discos de sellos especializados como Buh Records o Superspace. Yerko fundó además el programa Cretásico que vía Radio Filarmonía FM decoró las noches limeñas con braindance e intelligent techno subliminales circa 2004. Ha hecho un alto a sus labores y responde la interviú para Perú Avantgarde. 


¿Qué recuerdos de los años 90, la música electrónica, el shoegaze, la vanguardia, Lima en esos años, las drogas, la escena, etc?

A finales de los 90s ya había terminado el colegio y estaba estudiando en una escuela de arte. En esa época no tenía computadora ni internet así que nos juntábamos entre un grupo de amigos  a escuchar música intercambiar discos o casettes, era la única manera de descubrir música nueva. Salíamos un montón a tocadas en  el circuito de Barranco Miraflores y bastante al centro de Lima, mi background musical era mas de Metal/Trash/Hardcore y siempre era como quién saca el disco más fuerte o más rápido pero al mismo tiempo recuerdo que le empezaba a entrar a bandas como Cocteau Twins y Cranes y a toda esa onda de Matador Records y cosas como Yo la tengo o Mazzy Star pero cuando llegó a mis manos por pimera vez el Loveless de My Bloody Valentine me quemó el cerebro era algo que nunca antes había escuchado ese sonido como  texturas generadas por capas y capas de guitarras con efectos y la voz de ensueño como susurros de Belinda Butcher automáticamente me llevaba a cerrar los ojos solo sentir la música y empezar un viaje interior sin rumbo, ese disco marcó un antes y un después en mi gusto musical y me amplió el panorama. Luego llegaron otras bandas como Slowdive, Spacemen 3, Seefeel, Silvania, Love Lies Crushing, etc

Un  amigo de la escuela de arte que había vivido en USA, Renzo Signori, fue el primero que llevó a mi casa un cd de Autechre. En un viaje a Miami había conocido a Rómulo del Castillo (Schematic records/Phoenecia/Takeshi Muto/Soul Oddity) y vino con música nueva, ya escuhábamos algo de electrónica tipo jungle, drum and bass, electro, techno pero cuando llegó con el Tri Repetae de Autechre también fue un disco que me marcó no solo por la música si no por todo el arte de The Designers Republic y su trabajo para gente de Warp Records y Schematic que de hecho marcaron también una gran influencia en mi trabajo gráfico de esa época.

Antes de eso no conocía muchos proyectos de electrónica experimental en Lima y muchos de mi grupo de amigos empezaron a crear sus propios proyectos. Por mi lado me dedicaba mas a la parte gráfica y a experimentar con video arte y collage digital, Johan Merel (terokal) amigo mío empezó a producir pequeñas tocadas en el circuito de huecos que habían en Barranco y Miraflores que se llamaron Laguna Mental con su sello Menthal y empezó a generar una pequeña movida local, luego con Renzo hicieron Electro Cut Arte un festival de arte electrónico que incluía más invitados no solo de la pequeña escena de Miraflores - Barranco si no de todo Lima. Ahí descubrí un abanico más grande de gente que estaba metida en la misma movida como Colores en Espiral, Jardin, Evamuss, entre otros

Cuéntanos de tu experiencia en Cretásico vía Filarmonia FM

Cretásico nació de una conversación entre un amigo mío y yo, él era coleccionista de arte y su esposa escultora, nos juntábamos bastante a conversar y escuchar discos de lo más vanguardista en electrónica que había en ese entonces. En esa época yo estaba viviendo en Londres haciendo un posgrado en artes plásticas y cada que ellos venían a Londres los llevaba a ver un poco de la movida underground electrónica que había por allá.

En pequeños venues o wahrehouses como Elektrowerks donde hacían casi todas los fiestas de Warp records, Replex, Skam Records, o a centros culturales como el Barbican o el ICA o donde podías ver a Tortoise tocar en vivo seguido de Coldcut y Plaid o a Aphex Twin tocando con The London Sinfonietta.

Este amigo era uno de los auspiciadores de Radio Filarmonía que se dedicaba enteramente a la música clásica en ese entonces y me propuso armar un programa exclusivamente de electrónica experimental y todas sus ramificaciones. Me pareció una oportunidad increíble pero nunca había hecho un programa de radio así que le pase la voz a mis amigos músicos, la mayoría ya estaban emprendiendo sus propios proyectos musicales influidos por toda esta movida.

Johann Merel (Terokal/Thekla), Juan Barreto (Rapapay/Federer), Johnny Collantes (kollantes), Giorgio Ardito (therumo), Jaime Sibila, Isabel Elias y Pati Camet. Cada uno tenía un día particular para hacer su programa y cada uno lo hacia a su estilo.

Lo más alucinante de todo esto fue que no solo lo oía la gente que le gustaba la electrónica si no gente que  no tenia nada que ver con esa movida, esperaban a las 12 am todos los días para sintonizar Cretásico, este programa de música rara que ni entendían pero que lo disfrutaban.

El programa no duró mucho por falta de auspicios. Nadie ganaba nada. Lo hacíamos por amor a al arte. Luego vino una segunda etapa con otra gente y algunos de los de la primera etapa, eso terminó siendo el Colectivo Auxiliar.

¿Qué conciertos te marcaron a fuego?

Más que un concierto fue un festival el All Tomorrow’s Parties curado por Autechre en Camber Sands UK, un lugar como una especie de villa para familiares de verano en la costa de Inglaterra. Fueron 3 dias imparables, Aphex Twin, LFO, Jim O´Rourke, Coil, Venetian Snares, Soviet France, Bernard Parmegiani, Public Enemy, A Guy Called Gerald, Sun O))), The Magic Band y un espacio que le decian el Skam room con gente de Skam Records la disquera de Autechre y amigos, Bola, Push Buttom Objetcs etc.

El set the Aphex Twin fue uno de los más increíbles. Empezó tranquilo medio ambient y terminó con el drum and bass más hardcore que había escuchado hasta ese entonces, la gente estaba loca. Recuerdo  que parte de ese set lo pude grabar con una camarita mini dv. El segundo acto que más me impresionó fue Coil con John Balance y Peter Christopherson, la puesta en escena alucinante super simple, ellos vestidos con mamelucos blancos con proyecciones sobre ellos, la música alucinante.

Era normal encontrarse con artistas más mainstream dentro del público como si fueran cualquier mortal viendo el show, por ahí estaba Björk y Johnn Frusciante pegadaso viendo a Coil.






Háblanos de Puna, la tienda de diseño que manejas junto con tu pareja. ¿Cómo has sobrellevado el resistir en esta pandemia con la tienda y todo?

Puna es mi proyecto personal comercial, es un estudio de diseño que se dedica al branding, diseño grafico e interiorismo al mismo tiempo una marca de productos de diseño.

Por un lado diseñamos portadas de discos, publicaciones o el diseño interior de algún restaurante y por otro lado diseñamos piezas utilitarias que trabajamos de la mano de maestros artesanos en distintas comunidades de diferentes partes del Perú. Textiles con tejedores de San Pedro de Cajas, lámparas tejidas en tamshi y junco con comunidades Bora de la selva de Loreto y ceramistas de la costa de Lima. Mucho de nuestro público es turista y al cerrar las fronteras todo eso se vino abajo y nos hemos limitado al público local, felizmente teníamos nuestra página web armada y eso nos ha permitido poder gestionar ventas desde nuestra casa.

Hemos tenido que encontrar nuevas maneras de llegar a nuestros clientes y estamos proyectándonos a exportar nuestras piezas y participar en diferentes ferias virtuales para llegar a mercado internacionales.

¿Autechre o Aphex Twin?

Difícil pregunta. Son dos de mis tops, cada uno tiene lo suyo. Autechre me parecen más vanguardistas, mas técnicos, más ingeniería, más racional, siempre están un paso más allá, aunque los últimos discos se me han hecho un poco más de lo mismo.

Aphex Twin es un genio, un artista que no tiene comparación, podrían decir que son como el hemisferio derecho y el hemisferio izquierdo del cerebro. Aphex Twin sería el derecho que es el intuitivo, el artístico y de la improvisacion y Autechre el izquierdo, el racional lógico y matemático.

¿Cuáles son tus planes futuros?

En mis planes futuros están dedicarme más de lleno a mi trabajo artístico personal.

Hace un par de años vengo trabajando en mi taller piezas experimentando con diferentes materiales y técnicas desde grabado, dibujos hasta tejidos, influenciado bastante por el arte de vanguardia de los años 50s-70s, la Bauhaus, artistas como Josef Albers, el arte geométrico, la arquitectura brutalista, el arte precolombino, siempre buscando en la experimentación con los materiales y en la improvisación encontrar un camino sin ningún tipo de pretensión comercial o pensar en vender mi trabajo.

¿Qué droga es la más potente que has probado y recomendarías?

No recomendaría ninguna droga a nadie, aunque creo que fue muy importante la experimentación con psicodélicos en mis 20s para poder entender muchas cosas, no creo que sea buena idea recomendar drogas ya que cada mente es un mundo distinto y lo que pudo haber sido bueno para mi podría ser malo para otra persona. Conozco gente que ha terminado mal por el uso excesivo de las drogas y gente que por un par de veces termino mal, también gente que las sigue consumiendo y lleva una vida normal.

Actualmente no consumo ningún tipo de droga. Siento que en esta etapa de mi vida ya no necesito ver más de lo que ya vi y tomarlas sería una pérdida de tiempo y de energía.

Definitivamente lo más potente que probé fue ayahuasca. La habré probado unas 5 o 6 veces, la primera vez a los 21 y fue una experiencia hermosa pero la segunda que fue a los 32 y ya venía con una carga fuerte en mi vida fue casi como un castigo, fue una de las experiencias más aterradoras que haya tenido, tuve que tomar una segunda dosis para seguir purgando y poder eliminar todos los demonios con los que venía cargado. Luego de esas dos, un año más tarde volví a tomar y fueron experiencias de mucho aprendizaje la última habrá sido en el 2012 y desde ahí no he sentido la necesidad de volverlo a hacer.

Tu lista de discos para llevar a una isla desierta:

Aphex Twin - Selected Ambient Works 85-92

The Genius of  Ravi Shankar

Gurdjieff/De Hartmann - Alain Kremski piano

Pauline Oliveros - Accordion & Voice

Boards of Canada - Music has the right to children

Cocteau Twins - Garlands

Autechre - Amber

Silvania - En cielo de oceano

Can - Tago Mago

Scientist - Introducing the scientist

Alice Coltrane – Astral meditations

Ana Roxanne - ~~~




miércoles, 24 de febrero de 2021

MUSIC TO LIVE BY :. DISCO INFERNO - D.I. Go Pop (1994)



Escuchar el D.I. Go Pop de Disco Inferno en tiempo real en Latinoamérica fue desorbitante. Tratar y hacer música influenciada por él imposible. O casi. Cuando el disco cayó a Lima, los aromas del shoegaze/dream pop estaban empezando a desvanecerse y a ceder paso a sonidos más arriesgados. A la par de Disco Inferno, asaltaban los corazones más inquietos documentos de gente como Labradford, Main, Scorn o E.A.R. (Fuck indie rock!!) Terremotos de transgresión y pasión sónica que solo podían producir -o eso creímos- amor genuino por la experimentación metamusical y la contracultura. Como lo entendíamos por ese entonces, mucho antes de la aparición de las marionetas prostituidas al marketing y a los medios atonta niños. 

D.I. Go Pop tenía una vibración herrumbrosa y gris. Parecía hecho para una Lima del año 3 mil. Cada surco se sentía bien tóxico como realizado para latear por la Av. Abancay o la Av. Perú a horas puntas. Y al mismo tiempo tenía esa calidad futurista que lo hacía sonar como hecho por una banda de guitarras del planeta de los simios. Unos monos parapetrados de guitarras MIDI y polos de Joy Division y Loop. D.I. Go Pop es el sonido de una montaña rusa de explosiones yendo por la Panamericana Norte o Evitamiento a la casa del Chino, al mar de Ancón y a las alturas de Tawa a encontrarse con los iguales. Lejos de la hueca vulgaridad de los noventas grunge y pandillas futbolísticas. Más cerca de Silver Apples y Amon Düül que a Nirvana, Oasis o Pavement

La enigmática portada y artwork del disco nos volaba la mente siempre en camino hacia la abstracción. Era momento de empezar a poner los pies en la tierra y tomarte un emoliente de experimentación terrorista. Las horas de los ruidos hermosos y sus Alisons de aureolas prístinas habían pasado. Acá estábamos los nietos de Stockhausen para revolucionarlo todo. ¿Pero nadie para escucharnos?

Así las cosas, vino el ninguneo de los medios británicos y peruanos para toda la generación post-rock shoegazer experimental. El bing bang había destrozado todo a su paso, nuestros sentidos y nervios con él. Dejó un puñado de joyas que como D.I. Go Pop, la maqueta de Crisálida Sónica, el Motion Pool, el Electr-Om, el primero de Girálea o el Clearskin de Insides, son testamentos de una cultura que tomó por asalto las mentes más aventajadas de su época y lo transgredió todo, incluso a sí misma. 

Viendo en retrospectiva y ante el panorama gentrificador/bastardizador mundial solo parece que el futuro será peor ahora. New clothes for the new world!

Wilder Gonzales Agreda.




El olor de D.I. Go Pop era el estiércol fétido de Gran Bretaña. Lo que inspiró a Crause fue el retroceso de la sólida clase trabajadora a una clase baja estigmatizada, la violencia latente de las calles (sub) urbanas y la sensación profética de que, aún así, las cosas encontrarían una manera de empeorar. Crause siente que D.I. Go Pop fue cuando comenzó a desviar sus preocupaciones líricas hacia afuera y "lejos de mi ombligo. También hay un nivel de ironía allí, porque supongo que era joven y pensaba que era mucho más inteligente de lo que realmente era. Así que tiendes a tratar las emociones fuertes irónicamente, algo que usar el sample facilitó pues creaba y fracturaba el color posmodernista del sonido ".

El álbum emite un aire de fin de la historia del pop, donde "ir al pop" es un oxímoron, dejando un rastro sampleado de God, U2 y Miles Davis mientras se quema sin ningún lugar adonde ir.

El sonido rasguñante no denota una caótica pérdida de orden, sino una estricta organización del ruido en mini-narrativas, sonidos que se retuercen alrededor de la voz baja mezclada y sombría de Crause. "Descubrí que [el sampling] me quitó algo de tensión al tener que tratar de transmitir todo el significado a través de las palabras", dice. "Desde el principio, intenté fusionar la letra y el sonido lo máximo posible".

El sonido descentrado de Disco Inferno también parecía reflejar un proceso de pensamiento distorsionado por la interrupción constante y la duda. Crause describió su intención en ese momento como "música ambiental en la que tienes una instantánea de un entorno, luego partes del entorno cobran vida y comienzan a tocar melodías. Así que tienes a un hombre caminando por la calle y un autobús yendo pasar ... pero en 3D, como algo real en tu cabeza ".

"Para ser honesto, estaba devastado por el bombardeo de D.I. Go Pop y no llegar a ninguna parte", dice. Como Hex, como Euphoria, como The Sound Your Eyes Can Follow, D.I. Go Pop hizo muy poco en cuanto a ventas. "Todos esperaban que DI Go Pop fuera un éxito de crítica y nos consiguiera una audiencia, cosa que no sucedió, así que Geoff [Travis] (de Rough Trade) sugirió posponer el próximo álbum y hacer más singles durante un año más o menos. A partir de entonces, realmente, eran solo canciones en pequeños lotes ".


JEANETTE LEECH
Fearless. The making of Post-Rock
2017





The smell of D.I. Go Pop was the fetid dung of Britain. Inspiring Crause was the retrogression of the solid working class into a stigmatised underclass, the simmering violence of (sub)urban streets, and prescient sense that -still- things will find a way to get worse. Crause feels that D.I. Go Pop was when he began to turn his lyrical concerns outward and "away from my navel. There's also a level of irony there, because I guess I was young and thought I was a lot cleverer than I really was. So you tend to treat heavy emotions ironically, something using the sampling made easier as it created and fractured , postmodernist colour to the sound."

The album gives off and end-of-pop-history air, where "going pop" is an oxymoron, leaving a sampled trail of God, U2, and Miles Davis as it burns out with nowhere to go.

The scrabbled sound did not denote a chaotic loss of order, but a stringent organisation of noise into mini-narratives, sounds twisting around Crause's low-mixed, shady vocals. "I found that [sampling] took some strain off my having to try to convey all the meaning through the words", he says. "From the beginning, I tried to fuse the lyric and sound as much as possible".

Disco Inferno's decentred sound also seemed reflective of a thought process distorted by constant interruption and self-doubt. Crause described his intent at the time as "ambient music where you've got a snapshot of an environment, then bits of the environment come to life and start playing tunes. So you've got a man walking down the street and a bus going past... but in 3D, like a real thing in your head."

"To be honest, I was devastated by D.I. Go Pop bombing and getting absolutely nowhere," he says. Like Hex, like Euphoria, like The Sound Your Eyes Can Follow, D.I. Go Pop did very little, sales-wise. "Everyone expected D.I. Go Pop to be a critical hit and get us an audience, which it didn't, so Geoff [Travis] (from Rough Trade) suggested holding off on the next album and making more singles for a year or so. From then on, really, it was just songs in smallish batches."

JEANETTE LEECH
Fearless. The making of Post-Rock
2017


lunes, 22 de febrero de 2021

Discos que prendieron fuego al mundo mientras nadie escuchaba (Parte 3)



De "100 discos que prendieron fuego al mundo (while noone was listening)" por THE WIRE mag. (1998)

¿Cansado de que otras revistas te recuerden que los mejores álbumes del mundo fueron hechos por The Beatles, Beach Boys y Rolling Stones? También nosotros. En las próximas 18 páginas encuestamos a nuestros escritores para encontrar una guía de 100 discos que deberían haber encendido la imaginación del mundo, excepto que todos los demás estaban escuchando ...


Faust - The Faust Tapes

(Virgin 1973)

"Hicimos toneladas y kilómetros de cintas y The Faust Tapes es sólo lo mejor", es como Jean-Herve Peron del grupo evaluó este álbum trascendental. Cuando el grupo produjo el material musical en bruto, se refugiaron en una escuela reformada cerca de Wumme en Alemania, cultivando su propia droga y tomates y viviendo desnudos. Ensamblada por su productor Uwe Nettlebeck, esta obra de 26 partes muestra el arte del collage sónico en su máxima expresión. La edición forma una estructura narrativa brillante, desgarrando al oyente a través de la psicodelia, el motorik, el pop peculiar y la música concreta. En un momento en que la etiqueta 'Krautrock' a menudo se aplica erróneamente a cualquier riff-spliff que dura más de lo debido, The Faust Tapes recuerda cómo en sus manos significaba todo el mundo en sonido, abarcando toda la música, desde los más loco hasta lo más feroz. MB




Blue Cheer - Vincebus Eruptum 

(Philips 1968)

El nombre de una marca particularmente potente de ácido callejero, Blue Cheer fueron los progenitores del Heavy Metal en los 60. Un grupo que tocó tan duro y fuerte que, según persiste el rumor, sin querer provocaron la muerte prematura de un perro que se extravió en el escenario mientras improvisaban. Vincebus Eruptum, su debut seminal, gruñó rabiosamente ante la inocencia hippie y pronto se convirtió en una aplanadora de fiesta de los Hell's Angels. 30 años después, el disco inspiraría a una horda de tríos de ruido japoneses adecuadamente impresionados para rendir un homenaje mutado al grupo.

Es posible que Vincebus Eruptum no haya logrado impresionar a la generación de Woodstock con su ataque de rock sónico completo y su funda plateada texturizada, pero sin su poder en bruto tanto High Rise como Musica Transonic habrían permanecido meros destellos en los ojos de Nanjo Asahito. EP




Tony Conrad - Four Violins

(Table of the Elements 1997)

Totalmente descuidada por todas las historias disponibles de la música minimalista, la contribución de Conrad a esa estética solo ha ganado un reconocimiento generalizado recientemente. Gran parte de la responsabilidad de este vacío histórico recae en La Monte Young, quien ha suprimido activamente cintas de Dream Music que grabó con Conrad y otros a principios de los 60. La música de Conrad también se ha visto ensombrecida por el minimalismo rítmico más agradable de Steve Reich, Philip Glass y Terry Reilly. Por el contrario, los drones densos y abrasivos de Conrad y su compromiso con la interpretación de larga duración y sin puntaje permanecieron en desacuerdo con el establecimiento de la New Music. Los 23 años que separaron su grabación en 1964 y su lanzamiento el año pasado han hecho poco para disminuir la fuerza de Four Violins, la única grabación de la primera música en solitario de Conrad. Sobre y entre las capas de sus violines sobregrabados, Conrad inventa un nuevo lenguaje musical de zumbidos, asperezas y aleteo, acumulando un todo que es, por turnos, insoportablemente intenso y gloriosamente extático. CC




Bernhard Günter - Un Peu De Neige Salie

(Selektion 1993, Reissued Table Of The Elements 1997)

El álbum debut de Gunter es una obra maestra de moderación radical. Es un disco compacto con hasta el último rastro de la música aparentemente extirpado quirúrgicamente, y todo lo que queda son los diminutos fallos de los procesos de grabación, mezcla y masterización. Estallidos y zumbidos microscópicos parpadean a través de la superficie de tonos de alta frecuencia casi imperceptibles; a menos que los escuche en un espacio silencioso o con auriculares, al principio puede parecer completamente silencioso, y la planta de prensado de CD al principio devolvió la cinta maestra a Gunter como 'defectuoso'. Su humildad es cautivadora: una vez que se sintoniza con su universo subatómico, los sonidos se vuelven extrañamente convincentes. El disco aumenta la conciencia de su entorno inmediato y del potencial pleno del tímpano humano que rara vez se aprovecha. BD




Pere Ubu - 30 Seconds Over Tokyo

(Hearthan 1975)

De todas las emociones humanas, el miedo es el más difícil de capturar musicalmente, pero este primer sencillo de Pere Ubu simplemente se derrite con un pavor terrible. Angular, intransigente e impactante, su punto de referencia exterior es el bombardeo estadounidense de Japón, pero su movimiento real es hacia adentro, tratando tanto de sondear las mentes de aquellos que cometerían tal acto como de reconocer el terror, sentido por millones subsiguientes, que fácilmente podría volver a suceder. No es un disco de fiesta, entonces, sino uno histórico: creó un mundo sonoro completamente nuevo de dolor industrial sombrío, tomando algunas señales musicales de Beefheart pero sustituyendo un presentimiento demacrado por su loco optimismo orgánico. Escuchando atentamente en Manchester estaban los que se convirtieron en Joy Division; su sensibilidad proviene de este disco, pero nunca se equiparó ni remotamente con su evocación del apocalipsis. AM




Lou Reed - Metal Machine Music

(RCA 1975, Reissued Greatest Expectations 1991)

Q Magazine incluyó a Metal Machine Music en sus 50 peores discos de todos los tiempos, describiéndolo como "retroalimentación sádica que raspa la pizarra". ¿Qué recomendación más alta podrías necesitar? El propio Reed informó: "Lo encuentro muy relajante, no es una broma". La máquina de metal involucró a dos guitarras eléctricas retroalimentadas a través de unidades de trémolo que no coinciden. Se aceleran, ralentizan, se graban al revés y se colocan en capas repetidamente. El resultado es a la vez el disco de ruido desquiciado preeminente, un chillido increíblemente cacofónico de tormento eléctrico, y también un clásico del minimalismo; algunas de las armonías más enigmáticas y exquisitas jamás documentadas. Es una pena que las reediciones del CD no puedan soportar los ritmos bloqueados del doble LP original, pero incluso si no dura para siempre, la música es infinitamente complicada. Todavía está a la espera de una evaluación crítica adecuada, incluso el alegremente entusiasta Lester Bangs no "entendió" completamente Metal Machine Music. BD






RECORDS THAT SET THE WORLD ON FIRE (while noone was listening) - Chapter 3

From "100 records that set the world on fire (while noone was listening)" by THE WIRE mag. (1998)

Tired of being reminded by other magazines that the best albums in the world were made by The Beatles, Beach Boys and Rolling Stones? So are we. Over the next 18 pages we poll our writers to  come up with a guide to 100 records that should have ignited the world's imagination, except that everyone else was fidding...


Faust - The Faust Tapes

(Virgin 1973)

"We made tons and kilometres of tapes and The Faust Tapes is only the best," is how the group's Jean-Herve Peron assessed this epochal album. When the group produced the raw musical material, they were holed up in a converted schoolhouse near Wumme in Germany, growing their own dope and tomatoes and living naked. Assembled by their producer Uwe Nettlebeck, this 26 part opus showcases the art of sonic collage at its best. The editing forms a brilliant narrative structure, wrenching the listener through psychedelia, motorik, quirky pop and musique concrete. At a time when the label 'Krautrock' is often erroneously applied to any spliff-riffing that goes on for longer than it should, The Faust Tapes reminds how in their hands it meant the whole world in sound, encompassing all music from the daftest to the fiercest. MB 




Blue Cheer - Vincebus Eruptum
(Philips 1968)

Named after a particularly potent brand of street acid, Blue Cheer were the 60s progenitors of Heavy Metal. A group who played so hard and loud that, so rumour persists, they inadvertently caused the early demise of a dog which strayed on stage while they were improvising. Vincebus Eruptum, their seminal debut, snarled rabidly in the face of hippy innocence and soon became a Hell's Angels party stomper. 30 years later, the record would inspire a horde of suitably impressed Japanese noise trios to pay mutated homage to the group. 

Vincebus Eruptum may have failed to impress the Woodstock generation with its full on sonic rock attack and textured silver sleeve, but without its raw power both High Rise and Musica Transonic would have remained mere twinkles in Nanjo Asahito's eye. EP





Tony Conrad
- Four Violins


(Table of the Elements 1997)

Utterly neglected by all available histories of Minimalist music, Conrad's contribution to that aesthetic has only recently gained widespread acknowledgment. Much of the responsibility for this historical void lies with La Monte Young, who has actively suppressed tapes of the Dream Music he recorded with Conrad and others in the early 60s. Conrad's music has also been overshadowed by the more agreeable, rhythmic Minimalism of Steve Reich, Philip Glass, and Terry Reilly. In contrast, Conrad's dense, abrasive drones, and his commitment to unscored, long-duration playing remained at odds with the New Music establishment. The 23 years separating its recording in 1964 and its release last year have done little to diminish the force of Four Violins, the only recording of Conrad's early solo music. On and between the layers of his overdubbed violins, Conrad invents a new musical language of buzzes, rasps, and flutters, amassing a whole that is, by turns, unbearably intense and gloriously ecstatic. CC 




Bernhard Günter - Un Peu De Neige Salie

(Selektion 1993, Reissued Table Of The Elements 1997)

Gunter's debut album is a masterpiece of radical restraint. It's a compact disc with every last trace of the music seemingly surgically excised, and all that remains are the minute glitches of the recording, mixing and mastering processes. Microscopic pops and buzzes flicker across the surface of nearly imperceptible high frequency tones - unless you listen to it in a quiet space or on headphones, it may seem at first to be completely silent, and the CD pressing plant at first returned the master tape to Gunter as 'faulty'. Its humility is beguiling - once attuned to their subatomic universe, the sounds become strangely compelling. The disc heightens awareness of your immediate surroundings and the rarely tapped full potential of the human eardrum. BD 




Pere Ubu - 30 Seconds Over Tokyo

(Hearthan 1975)

Of all human emotions, fear is the hardest to capture musically, but this early single from Pere Ubu simply melts with fearful dread. Angular, uncompromised and shocking, its exterior reference point is the American bombing of Japan, but its real movement is inward, trying both to fathom the minds of those who would commit such an act and to acknowledge the terror, felt by subsequent millions, that it could easily happen again. Not a party record, then, but a landmark one - it created a whole new soundworld of shadowed, industrial grief, taking some musical cues from Beefheart but substituting a gaunt foreboding for his crazy organic optimism. Listening hard in Manchester were those who became Joy Division; their sensibility stems from this record, but never remotely matched its evocation of apocalypse. AM 




Lou Reed - Metal Machine Music

(RCA 1975, Reissued Greatest Expectations 1991)

Q Magazine featured Metal Machine Music in its 50 Worst Records of All Time, describing it as "sadistic, blackboard-scraping feedback". What higher recommendation could you possibly need? Reed himself reported: "I find it very relaxing - it's not done as a joke." The metal machine involved two electric guitars feeding back through mismatched tremolo units. They're speeded up, slowed down, recorded backwards and layered repeatedly. What results is at once the pre-eminent deranged noise record, an impossibly cacophonous screech of electric torment, and also a classic of Minimalism; some of the most enigmatic, exquisite harmonies ever documented. It's a pity the CD reissues can't handle the original double LP's locked grooves, but even if it doesn't last forever, the music is infinitely convoluted. It still awaits a proper critical appraisal -even the gleefully enthusiastic Lester Bangs didn't fully 'get' Metal Machine Music. BD 


domingo, 21 de febrero de 2021

Flashback: DJ SPOOKY - El ingeniero espacial de la ciudad invisible



Por EJIVAL
[[[[[[[[[Extraído de mis archivos de la web circa 2002.


"Yo soy tú, tú eres yo, y con el lenguaje, somos tres"
PAUL D. MILLER

Paul D. Miller, un joven afroamericano de 27 años, es el Dj Spooky, una de las piezas vitales de la escena neoyorquina del illbient. El illbient, un colectivo de artistas y músicos que han transformado las noches de Manhattan en experiencias placenteras para tus oídos. Dentro del puente Brooklyn y en la esquina de algún bar de mala muerte, la escena illbient explica y justifica el quehacer del disc jockey gracias a los escritos de Paul D. Miller. "La mezcla (el remix) es el lenguaje invisible de nuestro tiempo y el ser DJ es una de las formas de arte más importantes a finales del siglo XX. Las mezclas de un DJ son esculturas de estado de ánimo." - ha escrito Paul.

La memoria y la estructura temporal, un mix tape de un DJ por ejemplo, son los nuevos espacios de arte. Los museos son obsoletos y es en el confín de la mezcla en donde los nuevos universos se crean a partir del reciclaje y la transformación de los sonidos. "En la era de la hipermodernidad" -dice Paul- "cualquier sonido eres tú. Y es a través de la mezcla en donde todo se conjuga. La reconfiguración de lo étnico, lo nacional, la identidad sexual y la voluntad humana es lo que conlleva a otra era de evolución social".


¿Puedes describir los elementos con los que trabajas para crear tu música?

A mi me gusta decir que trabajo con materia prima del subconsciente. Con todos los elementos del movimiento illbient de Nueva York. Todos esos elementos cínicos que conforman a la ciudad espacial. Los sonidos de la música ambient, del jungle...

¿Y cuál es el resultado que obtienes?

El resultado es algo a lo que yo llamo la memoria artificial... todas esas ideas que crean estructura invisible de la música. Híbridos electrónicos de sonido.

¿Y qué buscas en los sonidos con los que trabajas?

Yo busco sonidos que sean muestra y que reflejen lo que sucede en el mundo. Que tengan cierta riqueza en estructura y profundidad. Sonidos como los del dub y el punk. Los de grupos como Drain. Los de disqueras como Word on Sound. Todo eso que represente la entropía global de la música. Sun Ra... Grand Master Flash. Todos esos sonidos que me acerquen a una estética sonora mundial.

¿Puedes explicar el concepto detrás de la música illbient?

La idea de la música illbient es tratar de hacer las cosas al estilo Nueva York. Nueva York es un lugar acelerado, es denso, hay ruido y contaminación. Es una planicie urbana saturada por los medios de comunicación. La música ambient, para mi, tiene ese efecto de retracciónl. La música ambient viene siendo como un mundo musical alejado de todo lo que existe. Aquí es donde distinguimos lo que hacemos nosotros de lo que gente como Eno realiza, gracias a ese contenido urbano que el illbient tiene. Nuestra música no tiene como objetivo alejarte de la planicie urbana, por el contrario, te inunda en ella.

¿Cómo y por qué nace la escena del illbient... digo, de la noche a la mañana aparece casi de la nada, no?

Nuestra escena nace en la región East Village de Manhattan, principalmente fue un secreto a voces y era muy idealista. Nos sentíamos mal el tener que cobrarle a la gente para que nos escuchara. Todo se infló y PUM! ... creció a partir de eso. Nos dimos cuenta que había mucho chamaco de diferentes escenas a los que les gustaba más de un tipo de música en particular, una banda de rock o un grupo hip hop. Era interesante el tener diferentes cosas sucediendo al mismo tiempo, viajando por diferentes espacios a la vez. Lo que hicimos fue romper las barreras que existían entre todo eso.




Siempre pensé que la música electrónica tenía un sentido más individualista sobre las cosas... el sentido del illbient entonces pertenece más bien a una comunidad de artistas, ¿no?

Siempre digo lo mismo al respecto. Para mi, la música electrónica es, de cierta forma, la música folclórica del siglo XXI. Antes sólo existía gente que tocaba blues y que sólo tocaba guitarra y hasta ahí ... el resultado era inalterable. Y ahora tienes a gente que crea ritmos con sus máquinas y que circulan ese trabajo inmediatamente. Esta escena es acerca de compartir el trabajo y remezclarlo. La tecnología hace que el proceso creativo sea más democrático.

Nueva York siempre traiciona a sus infantes terribles. Le paso a Basquiat y ahora te pasa a ti. ¿Por qué eres tan criticado por tus escritos? ¿Por qué piensan que eres pretencioso en lo que escribes?

Te puedo decir que en Japón y en Europa hay un mayor respeto hacia lo que escribo. En los Estados Unidos, por lo general, existe una actitud muy anti-intelectual. Yo, la verdad, sólo trato de escribir y ligar todas esas variables que explican lo que hago. Mi objetivo es escribir una historia lineal acerca de lo que significa ser disc-jockey. La verdad no me importa que escriban o digan de mi. A los jóvenes les gusta la música que hago y eso es más que suficiente.

¿Es saludable la comercialización actual de la música electrónica?

Para nada. Lo que pasa en el ambiente de la escena electrónica es un fraude. Yo pensé que tal vez se pudieran romper ciertas barreras, pero todo permanece igual. Los prejuicios y la división racial siguen allí. Siento que no hay nada nuevo en esto. Especialmente en la mentalidad de las grandes disqueras, estas solo quieren encasillar la música en un género y vender. No hay barreras nuevas por romper. A ver, dime, ¿dónde está la música de Carl Craig y de Jeff Mills? Mucha gente todavía no la conoce.

¿Qué es lo que quisieras lograr con tu música?

Pues eso, romper con las barreras. En particular las que existen entre la literatura y la música. Continuar, de cierta forma, el trabajo de Jeff Koons y Andy Warhol. A eso a lo que yo llamo el proceso industrial sobre la planicie. Edificar la ciudad invisible sobre la ciudad física.

Necropolis, Songs of a Dead Dreamer, Death in the light of a phonograph... al parecer los títulos de tus grabaciones siempre están ligados con la muerte. ¿Por qué es esto?

Lo que pasa es que la muerte no es el fin. Inclusive en la cultura mexicana y en la africana, la muerte se considera como una migración del psique. La muerte es como un "loop" de sonido. Todo regresa en diferente forma y se reintegra a lo que ya existe. La muerte es un sample que tomas y que transformas en algo nuevo. Es así como yo explico lo que hago. La muerte para mí es la redistribución y el reciclaje de la cultura en nuevas formas.


sábado, 20 de febrero de 2021

Neo-psicodelia stoner desde Grecia en "Southern Lights", el nuevo álbum de HOLY MONITOR



Ideal para fans de Ash Ra Tempel, Can y Amon Düül.


Los rockeros psicodélicos de Atenas, Holy Monitor, lanzarán su próximo LP Southern Lights la próxima semana a través de Blackspin Records / Primitive Music, un seguimiento asombroso y conmovedor de su lanzamiento de EP aclamado por la crítica de 2020, This Desert Land.

Habiendo compartido ya los dos sencillos "The Sky Is Falling Down" y "Naked In The Rain", la banda ha lanzado su tercer tema titulado "Blue Whale".

El último sencillo del quinteto griego, "Blue Whale", es un esfuerzo pop elevado lleno de guitarras cálidas y reconfortantes empapadas de reverberación.

Holy Monitor es un quinteto de rock neo-psicodélico cuyo sonido incorpora elementos de krautrock, space-rock y música ambiental. Las voces empapadas de reverberación de la banda se arrastran bajo olas de ritmos mínimos pulsantes, mientras que las guitarras impulsadas por fuzz y las teclas progresivas crean un ambiente sonoro hipnótico. Holy Monitor trata exclusivamente de ambientes hipnóticos y paisajes sonoros utópicos.



viernes, 19 de febrero de 2021

H R 3 0 0 1



X: HELENE RAMOS


Microcristales piezoeléctricos han encontrado dentro de la glándula pineal. Se trata de una antena cósmica a dimensiones superiores dentro de la cabeza del ser humano. Esos microcristales son los que se conectan con las frecuencias cósmicas que existen a nuestro alrededor. Con una glándula pineal limpia y en funcionamiento, la Inteligencia Infinita es fácilmente accesible, la intuición y la creatividad fluirán a través de la persona. Es x ello, que esta magnífica glándula está siendo atacada x los productos químicos creados de hoy en día. La atacan con los chemtrails transgénicos, tóxicos, químicos y venenos desde el aire. La mayoría de la población es x ello que vive atontada debido a todos esos químicos que la hace menos consciente. Es de suma importancia trabajar para descalcificar la glándula pineal con alimentos orgánicos, agua limpia, compuestos vegetales bioactivos, reducir o eliminar completamente el consumo de alimentos nocivos. Cafeína, azúcar, tabaco y el alcohol, son sustancias que dan lugar a que el cuerpo acumule numerosas toxinas. La glándula pineal es el órgano que produce los sueños, las visiones, las clarividencias, las clariaudiencias, psicografías y fenómenos metafísicos. El mismo órgano que transforma pensamiento en deseo, deseo en intención e intención en vibración, para que los sueños verdaderos sean enviados hacia el mundo abstracto, facilitando así que la Ley Universal de la atracción conecte con las personas a través de sus semejantes latentes. Órgano de vital importancia que conecta directamente con la Fuente, con el Creador.  Es x todo ello que no debes de permitir que te apunten en la frente con un termómetro de rayos infrarrojos antes de ingresar a un local porque el daño es: irreversible. ¡Advertidos están!➡




LAURIE SPIEGEL (75 años), pionera de la electrónica, RYUICHI SAKAMOTO, LYRA PRAMUK, LUCRETIA DALT, NICOLAS GODIN & PIERRE ROUSSEAU, VISIBLE CLOAKS... participan en: PRSNT, proyecto artístico global único que combina las aportaciones de artistas del mundo de la música, vídeo y palabra escrita que actúa, como una declaración sobre cómo nosotros, siendo consumidores nos relacionamos con la música en el siglo XXI. Creado x US & Modern Obscure Music. LYRA PRAMUK no dudó en titular su pieza: CAGE. Todo indica que alrededor de un tercio de todos los oyentes que usan plataformas digitales saltan a la siguiente pista, dentro de los primeros 30 segundos de reproducción. Salvo excelsas excepciones... ¡claro está!. El álbum PRSNT dura unos 6 minutos y cada pieza unos escasos 32 segundos. A tenerlo en cuenta y tanto como el disco de la artista LUCA YUPANQUI, una bebé que ya tuvo su álbum grabado antes de haber nacido: Sounds Of The Unborn. Estas 2 gemas en álbum rompen esquemas y darán de que hablar durante todo el año 2021➡




THE PALE WHITE trío proveniente de Newcastle Upon Tyne/UK e integrado x los hermanos Adam y Jack Hope como también x Tom Booth, juntos han dado forma al concepto de su trabajo que puede ser ampliamente apreciado via su álbum Infinite Pleasure. Influenciados x PIXIES, QUEENS OF THE STONE AGE y DAVID BOWIE. Aunque presiento que a THE CHURCH le va a encantar este track: Confession Box➡




Aeon Wave compilado de electrónica con actos peruanos editado x el sello Bestiario Collective. Disponible en todas las plataformas. Participan THEREMYN_ 4, SERVER, BLUE VELVET y FEM/BOT. En plataformas de Polonia e Islas Canarias ya han sido difundidas piezas incluidas. Remezclas house, techno y dance a cargo de Alejandro Cuestas, zpectrum, Seb, Qosmiqu, Tuff Soul y Monoperpol son también parte de este opus sónico ➡




El neo clip de FOR TRACY HYDE titula Interdependence Day (Part l), protagonizado x Eureka y con claras señales de los errores en la historia de Estados Unidos que es el concepto de su álbum: Ethernity ➡SYLPH es el neo proyecto de Thomas Cohen de S.C.U.M. Su EP aterriza en mayo próximo ➡TELE NOVELLA es un combo mixto muy particular con cierto estilo nostálgico que destaca. Retornan con su álbum. Merlynn Belle sorprendiendo de una forma positiva y obsequiando cierto grado guardado de su mundo mágico ➡Entre sueños reales y visiones oníricas, el viaje de CUCINA SONORA se convierte además en el vídeo Onironauta. Música. para sanar y altamente elevada➡




Se aproxima la edición del neo album de THE ANTLERS, mientras tanto circula el neo single Just One Sec➡ En marzo sale el primer álbum de ELEGIAC, neo combo de Edvard Graham Lewis de WIRE➡ Pasó a otra dimensión Francoise Cactus integrante del dúo franco-alemán STEREO TOTAL➡La glándula pineal influye en la función del sistema inmunológico como en la actividad antioxidante del cuerpo. Se halla en el centro de la frente y debe protegerse, esencial para la salud de tu presente y futuro. No permitas jamás que te apunten con esos rayos infrarrojos. Nuevamente advierto: dañino en todo sentido➡STOP!

jueves, 18 de febrero de 2021

20 discos de (diferentes formas de) ambient para surfear el caos del 2021



Alguna vez Rosalía expresó en Twitter que para ella el buen ambient era aquel que te hacía cerrar los ojos y te curaba. Más allá del simplismo que tamaña afirmación conlleva, es muy cierto quela música definida como ambient suele ofrecer vibraciones reconfortantes pasto de la new age y la autoayuda. Su flirteo con estos mercados se da ya desde su origen, cuando Brian Eno adujo idear la concepción de esta corriente enfermo en el hospital, entre la bulla que se colaba de un stereo malogrado. Una comprobada mentira o estrategia de mkt, da lo mismo.

Empero en este caos de la segunda ola de covid, infestados de enfermos, muertos y usureros por todos lados la mente cruje y cualquier sistema social o individual necesita su medicina. Por esto creemos en da blog que es uno de los momentos indicados para publicar esta lista de joyas no muy/tan manoseadas de la escena ambiental y de comprobada efectividad aural para resistir otro día más en la Tierra. 

Déjate inundar por la belleza. 



APOLO - Telefásica (2008, Peru)




TOGICHI CANOPY - Collecting Things LP (2017, UK)






THE ORB - Adventures beyond the Ultraworld (1991, UK)






THE ECSTASY OF ST. THERESA - Free D (1993, República Checa)





PACIFIC COLISEUM - Ocean city LP (2017, Canada)






WILDER GONZALES AGREDA - Scala Mega Hertz (2016, Peru)








INSIDES - Soft bonds (2021, UK)







ELECTRIC SOUND BATH - Of this world (2020, USA)





SUSUMU YOKOTA - Sakura (2000, Japan)




STEVE HAUSCHILDT - Dissolvi (2018, USA)









EFRAÍN ROZAS - I enjoy the world (2017, Peru)








LOVESLIESCRUSHING & FIORELLA16 - Extrañas letanías (2020, USA/Peru)






MARK TESTER - Super hiss (2020, USA)







VARIOS - Virtual Dreams: Ambient Explorations In The House & Techno Age, 1993​-​1997 (2021)






DJ PYTHON - Mas amable (2020, España)







MICROSTORIA - SND (1996, Alemania)









GABRIEL CASTILLO & ROLANDO APOLO - Erebo (2004, Peru)








ORANGE CAKE MIX - Soul surfing (2012, USA)






PUSCHA - Undulations (2018, Australia)






E.A.R. & JESSAMINE - Living sound (1999, USA/UK)




miércoles, 17 de febrero de 2021

Wilder Gonzales Agreda avanza tracks de nuevo álbum "Patrocinado por el gobierno" (Superspace Records, 2021)



2021 ve al artista local impulsado por cash del MINCUL, algo radicalmente nuevo para la mayoría de creadores under.

Wilder ha venido haciendo música experimental, ruido y post psicodelia desde 1995 utilizando los aparatos que tenía a la mano o que sus colegas le prestaban. Desde entonces ha pasado mucho tiempo y a la par de haber descubierto discos alucinantes y firmado algunos otros del mismo porte, ahí están Fractal, The Electric Butterflies o Azucena Kántrix, et al., ha desarrollado su carrera metamusical en plan solista.

El 2006 publicó Freedom en la escudería rimense Aloardi, 4 tracks deudores de Conrad Schnitzler. Dos años después firmó Sé tu propio tótem para Discos Invisibles y finalmente ya el 2014 lo encontramos sacando de su sombrero Lima Norte Metamúsica para su propio sello, Superspace Records. Un álbum que conjugaba su pasión por el space rock, la música etérea y la lujuria experimental.

Desde entonces la evolución de Wil no ha parado y cada año ha presentado enjundiosos documentos de profanación sonora y visiones. 2021 no es la excepción más aún cuando Gonzales Agreda ha sido acreedor al incentivo por parte del Ministerio de Cultura del Perú a los artistas afectado por la pandemia.

Es así que Wilder presenta con orgullo "PATROCINADO POR EL GOBIERNO". Un documento de amor por el sonido.

Plus Ultra.


lunes, 8 de febrero de 2021

30 años del "Recurring" de Spacemen 3 :. EGOS, TRÉMOLOS Y FUEGO



Aunque ya no existían cuando se publicó, "Recurring" testifica lo únicos que fueron los de Rugby y aunque ganamos varios grupos tras su disolución, esa magia jamás volverá a suceder en tiempo real. 


Spacemen 3 fue el grupo que marcó a fuego a gran parte de los miembros de la escena noventera avant shoegaze limeña. Spectrum, Spiritualized, Alpha Stone, E.A.R. y tantos avatares hacían las delicias de nuestras mentes por aquel entonces. Unos años antes, había llegado cortesía de Don Correbala el seudo arisco "Recurring", su canto final. 

Dividido en dos lados, uno para cada faceta que no facción, "Recurring" prefigura lo que sería el space rock de Rugby en ese entonces, Spectrum en el lado A y Spiritualized hacia el B o lo que es lo mismo, Pete Kember y Jason Pierce cara a cara. A lo Jano.

Lo de Kember era colores y lujuria neuronal. "Big City", que varios años después sería cortina en los Simpson, es uno de los himnos de los años 90. Una fiesta de trémolos y voces susurrantes, Kraftwerk y LaMonte Young navegando en una rave y nosotros con ellos. "Why Couldn't I See" y "Set me free/I got the key" son más sobredosis de neo psicodelia y alucinación como solo Sonic Boom puede facturar.

Cada lado había sido grabado con la ausencia de Kember o Pierce pues ya no se tragaban. ¡Qué estrés! Gerald Palmer, el manager, sacando provecho de todo hasta hoy. Celos, resentimientos, egos y más conforman el contexto de este testamento space rocker. 

El lado Jason empieza con la inolvidable "Feel so Sad". Ah, cuántas veces la escuchábamos en los 90. Esos EPs de Spiritualized con versiones loquísimas. Cada una más esponjosa que la otra. La vida ha sido bella. Todos deberíamos conocer el paraíso al menos una vez en la puta vida, sino que lo digan estos genios. Decía que el lado de Jason es gospel psicodélico rocker. Lo que luego iría desarrollando con Spiritualized -y los ex Spacemen 3 que le siguieron. Mis favoritas de esta facción son "Feelin' Just Fine (Head full of shit)" y "Sometimes". Por ese entonces hacer música sin el concurso de la sección rítmica era una injuria para los rockers. Pierce se mofa de todos.

Spacemen 3 aventajó a todos. Verdaderos genios. A la par de Silver Apples o My Bloody Valentine. Perú no escapó de su influjo. Aunque ya no existían cuando se publicó, "Recurring" testifica lo únicos que fueron los de Rugby y aunque ganamos varios grupos tras su disolución, pues todos siguieron en la lid, esa magia jamás volverá a suceder en tiempo real. Ni ellos se merecían.


Wilder Gonzales Agreda.


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