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sábado, 16 de marzo de 2024

H R 3 0 0 1 :. BRIAN ENO, SOFT LOFT, CERULEAN ASCENT, GLASTONBURY FEST, PRIMAVERA SOUND, STEF&CO, DEJIMA ...


DATA SYSTEM UNIVERSAL MÁS ALLÁ DE LAS ONDAS HERTZIANAS. NEO SAGA Y DIMENSIÓN PROPIA VIA ESFERAS LUMÍNICAS EN TIEMPO REAL A LA MEGA  VELOCIDAD DE TU MENTE. SÍ, AHORA ES EL TIEMPO EN QUE EL TIEMPO ES ¡AHORA! ☸️

La belleza en el concepto del vídeo 'Artificial Birdlife' de CERULEAN ASCENT, conmueve y puede que llegues a las lágrimas. Las máquinas como meros instrumentos para crear música, tan definidos siempre como fríos, aquí demuestran que el creador ante los ordenadores es él, quien realmente transmite desde su alma☸️


*El tono o color azul, en sus gamas diferentes es el ADN creativo para los vídeos y gráficos del acto británico Cerulean Ascent.

El arte de CERULEAN ASCENT expresa unos sonidos electrónicos de manera muy singular, personal y emotiva para la mente, cuerpo y alma. Se ha identificado desde un inicio con los estilos que maneja: jungle, dub techno, electro dub, nu funk, chill, garage, nu jazz, future tech, downtempo, minimal, breakbeat, electro dub, ambient, acid techno y experimental. X lo pronto, sus EP's 'Strange Cities' y 'Half Light', son los que sugiero les dediques atenta escucha. El color azul es específicamente, el color del inicio de la Creación☸️

STEF es un compositor con base en París, cuya estela de sonidos abarca estilos como nu world music, trip hop, ambient, música para películas y otros. Está dentro de la escena de la música como autodidacta desde hace 20 años atrás dentro de su dominio. En la actualidad, transmite en sus vídeos el mundo del presente en onda étnica. Sus singles que brillan y promociona actualmente: 'Lovely Sensation', 'Human Machine', 'Euphoria'. Él se rúbrica como STEF&CO☸️

ABYSSAL REFLECTION ha sido realizado hacia el drum & bass y utilizando inteligencia artificial generativa. En el tema 'Animation' la música es original mientras que la vocalización y animación han sido concebidos vía IA. Esas son varias de las posibilidades que se pueden lograr con ello, el  resultado es ése -y libre  para tu consideración ☸️

*Hace unas dos semanas atrás, José Gallo de T_4, me comentó virtualmente sobre su actual single 'Notre Dame Pt.1', le hice unas preguntas además.


José estuvo en Francia antes, allá x 2004, y me dijo sobre su experiencia en la Île de la Cité en París. Aquí reproduzco sus palabras a la pregunta de su influencia para componer el tema:

 'Estando en Francia para esa vez, entré en contacto directo con la arquitectura gótica y con las diversas iglesias ortodoxas a la vez. Esa experiencia cambió mi visión del arte. Los símbolos en cascada son cómo un despertar a toda esa data. Es una cultura de tiempos pasados que calan muy fuerte en uno. Esos arquitectos sintetizaron espiritualidad, grandeza, arte y misticismo. El haber regresado en 2023, con esa experiencia y ese conocimiento lograron que entendiera mejor todo ello e integrarlo a mí mismo'.☸️

'All I Remember' - título del neo tema de BRIAN ENO,  el mismo que cierra 'Eno' su biografía para el cine, un documental que tendrá su Avant Première el 20 de abril @ Barbican (UK). No es el común documental, 'Eno' es un film bajo IA generativa y, cada vez que se proyecte será diferente para la audiencia☸️


*Jorina Stamm, es quien está al frente del combo suizo SOFT LOFT. 

El grupo SOFT LOVE se formó en 2022 e integrado con miembros de otros diferentes proyectos. La melancolía que transmite la vocalista al interpretar las canciones es más que notorio y su propio sello de identidad. El viernes 22 de marzo sale a la venta el álbum debut : 'The Party And The Mess' (Soft Loft). Son 12 temas y entre ellos: 'Safe Space' , 'Late', 'Joni' (tema dedicado a la cantante JONI MITCHELL), 'Rose Colored',  'Is It Me' , 'Open House' - entre otros. La vocalista Jorina, define las canciones del álbum como 'La inocencia de los sentimientos a la belleza del caos' ☸️


*Muy unidos se muestran ellos siempre: Jorina, Lukas, Marius, Sarina, Simon y Gianluca.


La pregunta es: ¿Porqué Joni Mitchell está citada tambien en el tema 'In Case You Still Get Lonely' (Incluído en el EP debut del mismo nombre)?

Jorina: 'Ella es una de mis marcadas influencias. Su música me ha ayudado a superar muchos tipos de cosas, situaciones en mi vida a través de los años.

Ella agrega además: 'SOFT LOFT como grupo es donde la realidad es transmitida en sueños y los sueños de retorno a la realidad' ☸️


Las olas de los festivales de época estival europea, cada vez más cerca. Así, a prepararse para Primavera Sound, Glastonbury como para el Sónar y el siempre ansiado Tomorrowland, que son los más mega celebrados. Los dearers de OLIVIA DEAN, de plácemes que este año esté incluida en el Headline del Pyramid Stage, que desde 2023 ya se veía venir para ella. En ese escenario estelarizan también estos actos: PAUL HEATON, PJ HARVEY, LCD SOUNDSYSTEM, JANELLE MONAE, KEANE... entre otros ☸️Circula el single 'The Importance Of Words (Songs Of Love, Anti- Capitalism And Mental Illness)' - neo álbum del proyecto SOLO: ecléctico, psych barrettiano, esencia punk y disturbios avant-garde☸️JIM JAMES - Know Til Now (Pixielanted & Poolside Version), es el reciente single incluído en su álbum 'Regions Of Light And Sound Of God'. Al single lo defino en vena future vintage, nu psych y funkish beats=earsbreaker. He alli su orbitada supra órbita de estelas. Él es y  siempre será un caso☸️

Bajo mi RAdaR, esta semana todos los temas de CERULEAN ASCENT (¡sí todos!). El álbum 'Ninja Tune Presents International Women's Day'/ELKKA☸️ También el álbum del acto HELSINKI HORIZON - 'Sirens'/DEJIMA con su tan sublime: Nothing To Run From☸️RINSE - 'Stranger (Feat. Caroline Loveglow) / Vean los clips de estos actos FREQUENSEERS - Waves & Wonders / AI film☸️ Al acto FORESTER - 'Chemicals', a los PAPER PLATES -  'Music Video', como a HOC ERITIS - 'Into The Light'☸️

Multi-extra-ultra gratos agradecimientos x los likes a los reviews de sus álbumes: KIM GORDON, BRIAN ENO, SOFT LOFT, DICE, JOJO ORME, T_4, STEF&CO, HALF MOON RUN, SORELIUS BEATS, CERULEAN ASCENT, LUKE ALEXANDER,VIRGIN, ALEX  ARGOT... son decenas de decenas, realmente ☸️Siente el nuevo lenguaje en la Tierra, escucha su pulso frecuencial, mientras todo ello se expresa, la gran recalibración se hace real en el aquí y en el ahora ☸️Hasta aquí tu supra NEW MUSICAL EXCESS con la mega saga de sagas y con los actos A1 que verdaderamente resultan

☸️STOP!

viernes, 15 de marzo de 2024

MUSIC TO LIVE BY :. Maurizio - "M" (Maurizio, 1997)


Definieron el cambio de siglo y sus ritos y modelaron una música para perderse en ella sin abandonarse a la experiencia.

Tenían varios alias; cosas del techno. Pero entre 1992 y 1997, bajo el nombre artístico de Maurizio, los alemanes Mark Ernestus y Moritz Von Oswald publicaron siete discos. En total, dieciséis pistas, dos en cada vinilo -excepto en el primero, "Ploy" (1992), con cuatro cortes-, en las que triangularon las tradiciones recientes de Alemania, Detroit y Jamaica. Muchas de esas grabaciones no tenían ni título, solo un número. Y aún así, esos siete discos fueron suficientes para esculpir un sonido insólito, distinto a todo lo oído hasta entonces, enormemente influyente en lo que vendría después y perfecto como retrato de su tiempo.

Maurizio definieron el cambio de siglo, sus aspiraciones, sus ritos. Modelaron una música para perderse en ella sin abandonarse por completo a la experiencia; una música siempre igual, pero estimulante, que cambia permanentemente de forma casi imperceptible. Un pulso constante que apela al cuerpo y al intelecto, al impulso de moverse y a la necesidad de racionalizar lo vivido.

Para su despedida, "M", seleccionaron ocho de esas dieciséis piezas más una mezcla inédita, las recortaron para ajustarlas al minutaje máximo admitido por un CD y dieron forma a la recopilación que los llevó más allá del círculo de iniciados y DJs y que aún hoy es una obra insuperada.

ROGER ROCA
Extraído de Rock de Luxe 300

miércoles, 13 de marzo de 2024

22. Post Fujimontesinismo. El podrido edificio se derrumba



Por HÉCTOR BÉJAR

De "VIEJA CORÓNICA Y MAL GOBIERNO vol II"

En el curso de siete años, las fuerzas armadas bajo la conducción de Velasco liberaron las capacidades sociales, trataron de independizar al Perú y sentaron las bases de una estructura económica nacional y un sistema político abierto a la sociedad. Morales Bermúdez expulsó a los elementos revolucionarios de las fuerzas armadas, inició la  destrucción del movimiento sindical y popular, paralizó el proceso de cambios e introdujo de nuevo al Fondo Monetario Internacional.

Belaunde devolvió los diarios y la televisión a sus antiguos dueños, inició la parcelación de las cooperativas agrarias y autorizó a los militares a violaciones, torturas y matanzas en la lucha contra Sendero Luminoso.

García regaló electricidad, agua, teléfonos y otros servicios a los empresarios y con ello quebró las empresas públicas heredadas del proceso revolucionario de 1968.

Morales Bermúdez, Belaunde y García, prepararon el terreno para que Fujimori consume la venta total del Perú al poder económico y político imperial. 

Bajo la dirección, financiamiento y tolerancia del Fondo Monetario Internacional, el Banco Mundial y el Banco Interamericano de Desarrollo, Fujimori perfeccionó e integró el sistema de corrupción y crimen organizado en que se convirtió el Estado peruano durante la década 1990 – 2000. 

Cuando su propia corrupción lo hizo inviable, perdió la confianza de los Estados Unidos y los poderes internacionales que conspiraron hasta hacerlo caer en el año 2000.

Después vinieron Paniagua, Toledo, García y Ollanta. 

Paniagua perdió la gran oportunidad de dar curso a un nuevo país. Pudo declarar disueltas las fuerzas armadas, y llamar a un nuevo reclutamiento sobre limpias bases nacionales, patrióticas, institucionales. Había argumentos de sobra y respaldo político en el repudio popular a una mafia que había corrompido y prostituido las jerarquías militares. En una época en que había consenso por lograr la transparencia de los estados, pudo mostrar al Perú los archivos secretos de los servicios de inteligencia para que todos los peruanos conozcamos los protocolos oficiales que existían para la persecución y la tortura que, imitando a sus colegas del Cono Sur, los militares  aplicaron durante la década del terror. Pudo abrir el sistema político al pueblo para oxigenar y depurar la política. Pudo dedicar al Estado a recuperar los bienes robados por Fujimori, sus familiares y cómplices en todos los niveles. Pudo convocar una nueva licitación de las licencias de las emisoras de radio y televisión para erradicar a quienes habían manchado los medios de expresión con sus asquerosos manejos. Pudo convocar a una Constituyente que consagre los principios recuperados por una sociedad que hubiera renacido luego de pasar por el examen riguroso de la verdad.

En vez de eso, continuó la mediocridad que había tolerado ya no solo diez años de terror sino diez años de corrupción. La Comisión de la Verdad tuvo que actuar bajo la presión de los asesinos, los ladrones y los oportunistas que fingían cambios para no cambiar nada,. Quizá él mismo, siendo un hombre honesto, pero un viejo político de carrera, era incapaz de apreciar la dimensión de lo ocurrido. Incapaz de plantearse una alternativa de verdadero cambio. Incapaz de romper realmente con el presente y el pasado oprobioso que le tocó vivir.  

Y entonces, en las narices de un pueblo destruido por el terrorismo, confundido por el engaño, harto de las mentiras y las promesas, los sobrevivientes, cómplices y herederos del fujimontesinismo fueron colocando, uno a uno, los pisos superiores de un edificio que ya estaba carcomido desde sus cimientos.

Pero estas circunstancias no exculpan al pueblo. Sabía de sobra qué era el fujimorismo cuando defendió a Keiko Fujimori y votó por ella. Sabía quién era Castañeda cuando lo mantuvo en la alcaldía de Lima. Sabía quién era PPK cuando lo llevó a la presidencia. No se puede afirmar que el nuestro es un pueblo sin memoria. Este es un pueblo de cómplices.

Después de un Paniagua mediocre e insulso vino un pillo llamado Alejandro Toledo cuyo mayor éxito fue ligar al Perú al Tratado de Libre Comercio con los Estados Unidos, libre solo por el nombre, porque legalizaba el latrocinio de los diez años anteriores. Enseguida arribó García, el prófugo del 92, ahora converso al neoliberalismo, con sus delitos prescritos, que atizó el fantoche de la amenaza chavista para hacerse de una nueva presidencia y continuar robando mediante testaferros y cómplices ligados a él por un pacto mafioso de lealtad partidaria. 

Y después vino Ollanta, protagonista de una campaña que empezó desde el territorio del antisistema y acabó jurando por el sistema y abjurando en la Hoja de ruta, de todo lo que había dicho durante cinco años. Y al final, el país tuvo que entregarse a quien había cometido el primer latrocinio del año 1968 siendo gerente del Banco Central, cuando indemnizó de hecho y a espaldas del gobierno militar nacionalista de entonces, a la International Petroleum Co. Con Kuczynski, la serpiente de la corrupción hizo un círculo y retornó a sus orígenes, se mordió la cola

Solo parte de esa historia se conoce. Lava Jato es apenas la punta del iceberg. Una montaña de mugre y lodo yace debajo de las declaraciones judiciales, los procesos, las prisiones preliminares. Siguiendo una corriente internacional, los grandes manipuladores de la política van cayendo en la prisión, pero los empresarios siguen libres y continúan haciendo los negocios de siempre. El sistema se libera de sus elementos inviables pero continúa actuando, las hojas secas caen pero el tronco, aunque podrido, sigue de pie. Los audios y videos se usan para objetivos muy concretos, pero el aparato de espionaje de las vidas privadas, que puede ser rápidamente convertido en sistema de asesinato selectivo, continúa disfrutando de muy buena salud, a la vez que los sicarios y sicarias del periodismo y la televisión basura, son usadas por los grandes ricos cuando es necesario liquidar a los enemigos o cuando precisan ajustar cuentas entre ellos.

domingo, 10 de marzo de 2024

Oigo un mundo nuevo


por ORIOL ROSSELL
De LOOPS (2002)

Las cronologías más completas sitúan el origen de la instrumentación automática en algún momento del siglo VI a.C, en el seno de la cultura griega. El arpa eólica, supuestamente un objeto ritualístico para mayor gloria de Eolo, dios de los vientos, consistía en dos puentes que tensaban un número variable de cuerdas. Debidamente montada en el alféizar de una ventana, el viento hacía vibrar las cuerdas —todas de la misma longitud—, y estas emitían una nota continua. Este tipo de dispositivos se repitieron bajo las más diversas apariencias a lo largo de todo el medievo y el Renacimiento. En el siglo XVI Athanasius Kircher narraba las asombrosas  habilidades de un artefacto mecánico capaz de componer música en su Musurgia Universalis (1600). Cuarenta y un años después, Blaise Pascal inventó la primera calculadora, y en 1738 se construyeron pájaros metálicos capaces de reproducir distintas melodías para divertimento de la corte. A finales del siglo XVIII aparecieron los primeros carillones, y David Hughes inventó el telégrafo con teclado siguiendo el modelo de un piano en 1859.

Pero la fecha más importante de este muy abreviado repaso es 1876. Ese año, Elisha Gray, inventora del teléfono junto con Bell, patentó el electroarmonio, o piano electroniusical, capaz de mandar notas a través del cableado telefónico. Con él arrancó un periplo que llega hasta nuestros días y que conjuga la progresión tecnológica de naturaleza eléctrica y los continuos cambios de sensibilidad en la estética musical. Entre el electroarmonio de Gray y la comercialización del primer sintetizador Moog (1965) dista casi un siglo de imaginación desbordante, nombres trabalenguas y mucha, muchísima circuitería hoy sumida en el olvido.

De entre las decenas de máquinas para hacer música aparecidas con  anterioridad a los sintetizadores vale la pena detenerse en algunas dignas de análisis. Por ejemplo, el telarmonio, o dinamófono. Diseñado por Thaddeus Cahill en 1906, el telarmonio era un impresionante mamotreto de nada menos que doscientas toneladas de peso. Pensado para transmitir sonido a través de la red telefónica, cuenta con el mérito de ser el primer generador de síntesis aditiva del que se tiene noticia y el primer intento serio de crear un hilo musical, un muzak: la idea de Cahill era enviar música a hoteles y restaurantes para hacer más agradable la estancia de los clientes. Por desgracia, los cables de la época apenas pudieron resistir una señal tan ancha y el asunto acabó en un molesto zumbido que causaba interferencias en toda la red telefónica local. Básicamente, el telarmonio consistía en un sinfín de dinamos que mandaban impulsos alternos que se  convertían en señales acústicas de distinta frecuencia e intensidad. Poco  argumento para el hombre de negocios que, como rememoraba Mark Singer en su artículo «Singing the Body Electric», publicado en la revista The Wire de septiembre de 1995, «estaba tan enfadado con las interferencias producidas por el invento de Cahill que un día lo rompió en mil pedazos y los echó al fondo del río Hudson. Al menos, eso dice la leyenda». 


Bastante más manejable, y con un calado popular mucho mayor —de 
hecho todavía se utiliza en determinados ámbitos—, el eterófono, también conocido como tereminovox o teremín, apareció en 1920 de la mano del ruso Lev Sergeyvich Termen, o Léon Theremin. Con su estrambótico aspecto, similar a una radio destripada, el teremín es uno de los mecanismos más ingeniosos de la historia, principalmente porque suena sin que el intérprete tenga contacto físico con el instrumento. Es decir, que se toca sin ser tocado, entre otras cosas porque puede provocar una electrocución. Semejante prodigio ocurre gracias a la inventiva de su autor, que construyó un emisor de campos magnéticos capaz de convertir en señal acústica la alteración de los mismos. Así, su manejo quedó reservado a un reducido grupo de virtuosos —entre los que destaca la estadounidense de origen soviético Clara Rockmore— capaces de controlar con el ajustado  movimiento de las manos el manejo «espacial» del aparato. De sonido muy característico, agudo y ululante, el teremín fue rápidamente asimilado por Hollywood, que lo convirtió en el santo y seña del cine de terror de los años treinta —generalmente anunciando o acompañando el movimiento de una presencia fantasmagórica—, y más tarde por la música pop y el easy listening: baste recordar la melodía conductora del «Good Vibrations» de Beach Boys (en realidad interpretada con una imitación del teremín: el tanerín), la tosca intervención electrónica de Jimmy Page en «Whole Lotta  Love», de Led Zeppelin, o las majaradas futuristas de Les Baxter. Otros insignes usuarios del teremín fueron compositores como Bernard Herrmann o el mismísimo Edgar Varèse.

También Varèse, junto con Messiaen, Honegger y Milhaud, aparece entre los músicos más reputados que utilizaron, desde 1928 y hasta bien entrada la década de los cincuenta, las ondas Martenot. Bautizadas con el apellido de su creador —el violonchelista francés Maurice Martenot—, las ondas ídem se convirtieron en un instrumento de uso esencialmente local, puesto que su importación fuera de Francia era precaria y muy puntual. Sin embargo, dentro del país galo gozaban de mucha popularidad entre los abanderados de la vanguardia, que recurrían insistentemente a este teclado capaz de producir una gama bastante amplia de sonidos y que se basa en la  síntesis sustractiva. Este mismo principio sirvió de modelo para otros precursores del sintetizador moderno que se inspiraron directamente en las ondas Martenot, tales como el claviolín o el ondiolín, instrumento este último que se erigió en fetiche de compositores adscritos al easy listening como Juan García Esquivel o Martin Denny, audaces exploradores de las posibilidades del estéreo y de un sonido tan cómodo a la vez que misterioso. No solo era música de cócteles de sociedad. El primer lounge quiso ser medio de exploración del nuevo espacio —exterior (el primer satélite Sputnik fue puesto en órbita en 1957) y sonoro—: no en vano, también se hablaba de «space age bachelor pad music».

Si bien el inventario es inacabable —mencionemos, aunque sea a modo testimonial, la existencia del trautonio, el melocordio (codiseñado por Robert Beyer, más tarde colaborador de Herbert Eimert), el electrófono, el ritmicón, el novacordio, el tutivox o el electronio pi—, dos hallazgos tecnológicos destacan por derecho propio por su incalculable influencia en el rumbo de la música electrónica. Por una parte, la cinta magnética, que cambió definitivamente la forma de grabar música y de entender el papel del estudio, convertido en elemento creativo desde los experimentos de  Pierre Schaeffer y el GRM. Por otro, el sintetizador, inventado en 1955 por Olson y Belar para RCA y convertido en objeto de consumo masivo por Robert Moog diez años después. En sus distintas encarnaciones, el sintetizador, un generador de sonidos artificiales, es decir, no emitidos por una fuente natural, se convirtió en la base de la electrónica producida hasta la aparición del software y los sistemas digitales. Pero esa, como suele decirse, es otra historia.

Ninguno de estos inventos hubiera servido de mucho de no haber sido por la intervención de un surtido grupo de personajes, unas veces iluminados, otras geniales y a veces hasta ambas cosas, cuyas exploraciones de los nuevos mundos desvelados por la tecnología redundaron sustancialmente en la normalización popular del sonido electrónico. De los muchos y muchas que fueron, cabe destacar a Joe Meek, Oskar Sala, la pareja formada por Louis y Bebe Barron, Morton Subotnick y Raymond Scott, casi todos ellos estadounidenses y con una visión mucho menos intelectualizada que sus homólogos europeos.


La excepción que confirma esta regla es el inglés Joe Meek —un cruce 
entre Buddy Holly y las primeras aportaciones del home studio a la música popular: con una cámara de eco casera, sonidos inusuales como agua grabada al tirar de la cadena del inodoro (y reproducida al revés) y todo tipo de manipulaciones sonoras presámplicas, Meek fusionó surf, rock’n’roll, pop y precedentes del ambient en «I Hear a New World» y el single de éxito «Telstar», al frente de The Tornados— y, sobre todo, el alemán Oskar Sala (1910). Alumno de Paul Hindemith, Sala participó a los veinte años en la construcción del primer trautonium, obra del doctor Friedrich Trautwein, y se especializó en su uso: es uno de los contados intérpretes de trautonium que se recuerdan. Su relación con este artefacto le llevó a diseñar por su cuenta versiones ampliadas y mejoradas, con lo que empezó a labrarse un nombre en el mundo de la ingeniería musical.  Así, entre 1935 y 1952 dio a luz al radio-trautonium y al mixtur-trautonium, de los que posee la patente en Estados Unidos y media Europa. En 1958 fundó el primer estudio especializado en música electrónica de Berlín, que se convirtió en su cuartel general y el lugar donde creó numerosos jingles publicitarios para la radio y la televisión e investigó las posibilidades del sonido sintético como elemento dramático en la narrativa cinematográfica. Su logro más famoso son los efectos de sonido de Los pájaros, de Alfred Hitchcock.

También el cine es el vehículo escogido por Louis (1920-1989) y Bebe Barron (1927-2008) para dar a conocer sus angulosos sonidos. El matrimonio de compositores estadounidenses, que se inició en la labor investigadora en 1948 tras hacerse con un magnetófono, se convirtió en algo así como las primeras estrellas de la música electrónica popular gracias a la imaginativa banda sonora de Planeta prohibido (1956), film de ciencia ficción que musicaron únicamente con sonidos electrónicos y que gozó de gran éxito, hasta el punto de que se les nominó a un Oscar a la mejor banda sonora.

Quien también gozó del favor del público, aunque a una escala  considerablemente mas reducida, fue Morton Subotnick. Gracias, por supuesto, a Silver Apples of the Moon (1967), una entretenida composición que supuso la consagración popular del sintetizador modular Buchla, obra de Don Buchla, miembro del San Francisco Tape Center fundado por Subotnick y Ramón Sender. «El sintetizador modular —explica hoy Subotnick— no pretendía ser un instrumento musical, sino una paleta de  controles para crear música, algo parecido a un ordenador analógico. La diferencia esencial respecto al sintetizador Moog es que este estaba pensado para un uso distinto, más clásico, de ahí que tuviera un teclado tradicional con blancas y negras.» Silver Apples of the Moon cuenta con el mérito  añadido de ser la primera obra electrónica especialmente pensada para ser publicada en formato disco, lo que le confirió una naturaleza más funcional, menos diletante de la habitual en los tiempos de exploración y descubrimiento en que fue compuesta. Actualmente, Subotnick es el codirector del Programa de Composición y el Centro de Experimentos en Arte del California Institute Of The Arts. Aún realiza giras puntuales como ponente y compositor e intérprete de música electrónica.

A Raymond Scott, en cambio, se le sumió en el ostracismo hasta hace muy pocos años, cuando la reedición de algunos de sus trabajos permitió descubrir a un músico de imaginación desbordante y gran sentido del humor. Proveniente del jazz y productor muy solicitado a mediados de los cincuenta, Scott fue responsable de algunos de los momentos más innovadores del sonido Motown, productora de soul donde estuvo empleado entre 1972 y 1977. Años antes, sus alocadas composiciones fueron adaptadas en más de mil episodios de las series de dibujos animados Looney Toones y Merry Melodies, de Warner Brothers, e interpretadas en la pequeña y la gran pantalla por Bugs Bunny y el Pato Lucas. A él se deben inventos como el electronio y el clavivox, una suerte de sintetizador avant la lettre que utilizó recurrentemente en sus hermosas y divertidísimas miniaturas musicales.

sábado, 9 de marzo de 2024

NEON :. KIM GORDON y +


LA MÚSICA POSEE UNA FRECUENCIA UNIVERSAL QUE TRANSMITE MÚLTIPLES MENSAJES. SIN DECIR UNA SOLA PALABRA. ABRE PUERTAS CREA SINERGIAS 
Y NOSOTROS SÓLO TENEMOS QUE  DARLES LA BIENVENIDA. KIM GORDON, REFERENTE PARA TODA UNA GENERACIÓN DE ACTOS FEMENINOS HA RETORNADO CON UN SEGUNDO ÁLBUM COMO SOLISTA 'THE COLLECTIVE' Y PARA PONER LAS COSAS EN SU DEBIDO LUGAR♦️


*Kim Gordon, legado y leyenda viva termitente.

KIM GORDON, tras su debut en solitario en 2019 con 'No Home Records', ha retornado con un segundo álbum 'The Collective' para el sello Matador. Este esférico desde ya dentro de la selección de los mejores del año 2024, en la Lista Épica Más Libre de todo el Planeta.

El primer single: 'BYE BYE' es un crisol de electrónica cercano al dub, hip hop y trap. Post vanguardismo y experimentación de ruido incluídos, spoken word y lírica en collages de art-pop encendiendo destellos que giran en torno al tema de la comunicación y esa gran sobrecarga tanto comercial como sensorial. El vídeo estelarizado x su hija Coco Gordon Moore, es dirigido x la cineasta Clara Balzary con fotografía de Christopher Blauvelt, tema que alimenta la escena indie lo-fi. 'I'm A Man', el segundo single, cuenta igual con Coco Gordon Moore en el rol protagónico en el vídeo, como con Conor Fay y la propia KIM GORDON. Dirigido este x Alex Ross Perry, y va en una vena post industrial, lo-fi con un astuto espíritu 'noir'. El más reciente y lisérgico single titula 'Psychedelic Orgasm' filmado en las calles de Los Ángeles, con la grata colaboración de Justin Raisen (Lil Yachty, John Cale, Yeah, Yeah, Yeahs, Charlie XCX, Yves Tumor), con contribuciones de Anthony Paul López.

*En este disco he querido expresar el caos,  lo que percibo a mi alrededor en este momento.

KIM GORDON asume que este es un momento de caos en el que nadie sabe realmente cual o qué es la verdad, en el que los hechos no necesariamente influyen en las personas en el que cada uno tiene sus partes lo que crea una sensación general de paranoia. Calmarse, soñar, ir de compras, internet... siendo todo fácil, cómodo. 

Todo ello logró en mi, el  querer desestabilizar. Seguir algo desconocido, tal vez incluso fallarme a mi misma.


*The Collective, título del segundo álbum solista de la ex bajista de Sonic Youth.

KIM GORDON es una leyenda pero una leyenda anti-ícono tal como ella misma se autodefine. El título del álbum fue tomado de la catalogada novela 'The Gingerbread Home' de Jennifer Egan, secuela del clásico 'Time is a Bastard'. Lo colectivo está dado x las piezas que cada individuo, ensambla en diferentes rompecabezas de autopromoción. La imagen de portada es una foto tomada en un directo de Body/Head, aquel proyecto vanguardista realizado con Bill Nace, actualmente en stand-by, y listo para ser publicado.


*Kim Gordon dentro de Sonic Youth, representó el elenco más denso y oblicuo del cartel.

El planteamiento visual, al disponer los sonidos y las palabras en un flujo de destellos, refleja una formación artística que, desde sus estudios en la Universidad, la llevó a una auténtica carrera paralela,  hasta el punto de que 'The Collective' se conectara con la pintura del mismo nombre exhibida en una Expo en New York. En suma, el álbum contiene 11 temas en vena sincopada y 'noisy' a sus predecesores inmediatos, en un muy impresionante vórtice post metropoli de 'no wave', electro y experimentación.

'The Collective' apuesta a ser el mejor álbum de este año en su rubro, tiene aspectos de la vida real.

Su actual tercer single: 'Psychedelic Orgasm' se filmó en la ciudad de Los Ángeles en Harmony Korine, 'Shelf Warmer' suena radioactivo dentro de nuestras relaciones en vibraciones, los ritmos parloteando nerviosos el dolor del rompimiento amoroso de cómo imparte desde el dolor sentimental de las fechas de vencimiento de las tiendas de souvenirs, 'Dream Dollar' baja la frecuencia de los ruidos metálicos de unos SUICIDE - KIM se autodefine como la más fresca de los músicos veteranos y la más experimentada de los jóvenes en otros aspectos de la música.

* Kim ha declarado que la familia Trump es la versión rubia de las Kardashian.

♦️KIM GORDON EN SUS PROPIAS PALABRAS.

KIM GORDON es de pocas palabras, no habla mucho: la mayor parte de sus respuestas se inician con un 'I don't know'. Uno la percibe ciertamente como algo introvertida tal  cual lo he apreciado además, leyendo su autobiografía 'Girl In A Band', libro que presenté haciendo una radiografía en la revista 'Dosis'. A sus respuestas:

•Inspiración mayor

K: Bill Nace es el músico experimental que siempre me ha inspirado, pero no soy muy afecta para responder a este tipo de preguntas.

•Sobre la música pop, el mainstream 

K: No lo considero propio, no pienso en ello y no es mi mundo.

•Los premios anuales referentes a la música.

K: Todos esos premios que se otorgan no son mi idea de éxito. Para mi, es como si esas cosas sucedieran en un país extranjero, muy lejano.

•Diferencia entre el rol de Madonna y el de Taylor Swift.

K: No lo sé realmente. No es algo que me interese. Como que tampoco me interesa hablar de ninguna de ellas. Taylor ha tenido la oportunidad de usar las redes sociales, Madonna no trabajó su carrera desde ese punto. Hay esa gran diferencia allí.

•Sobre la política global actual.

K: En la política todo es blanco o negro, como algo trágicamente estúpido. Fíjate cómo está el mundo ahora, como está el tema del Congreso en mi país.

•El legado de tu ex banda Sonic Youth para las neo generaciones.

K: Detesto no tener una respuesta inmediata a la pregunta. Honestamente es una muy difícil pregunta. Creamos verdaderamente una música a partir de 4 diferentes personas que se encontraron -según yo, que hemos contribuido a crear un vocabulario de sonidos que son como nuestra marca. Recuerdo que, en la década de 1980, la palabra 'noise' era usada en sentido despectivo. Hoy en día es muy citado y reconocido como un género musical.

•Tus canciones favoritas dentro de todo el legado de SONIC YOUTH. Un álbum.

K: Pienso que el álbum 'Daydream Nation' ha sido importante para la música. Está en la sección Cultural de la Biblioteca del Congreso de EE UU. Las canciones que siempre me ha gustado más son 'Washing Machine' y 'The Sprawl'.

SONIC YOUTH ha tenido publicado 'Walls Have Ears,' álbum grabado en vivo durante la gira británica 1985. ¿Editaran  otro  en este año?

K: Pienso de que sí, de que habrá otro álbum en vivo pero no soy yo quien ve eso, sino Steve Shelley. La música está toda allí.

SONIC YOUTH se separó sustancialmente en 2011. El archivo está pleno y ahora que sus integrantes están aislados o dentro de sus propios proyectos se espera que se edite otro o varios álbumes en vivo.

X lo pronto, KIM GORDON que es además artista visual, guitarrista, escritora, singer-songwriter iniciará una serie de magnas presentaciones en mega promoción al álbum♦️

STOP!

Enero y Febrero 2024 han sido meses de fructíferas ediciones musicales en diferentes estilos. Marzo, no se queda atrás, cada día estoy plena en ediciones que no me doy abasto para escucharlas todas pero sí trato. Con ALEX ARGOT he estado interactuando hasta hace pocas horas, y esto es lo que ha grabado para el deleite nuestro♦️

FULL BODY 2 es un trío mixto que puede sacarte de quicio, su base está en Philadelphia/Pennsylvania y Rochester NY -fusiona nu gaze, breakcore, sound collage como vocalización abstracta y electronic caos. Giran desde 2020, tienen editados una serie de EPS y mixes. Su actual álbum titula 'Infinity Signature', me han impactado ¡sin más!♦️ 

SARAH KINSLEY x estos días en el encanto de sus nuevos temas y próxima performance en Nashville el 10 de abril, invita a saborear x instantes esta delicia, su neo opus♦️

Sucedió en París. Imagina a ARCA ofreciendo su DJ Session y a BJÖRK en pleno baile en primera fila, que también tuvo su turno @ Bource de Commerce. Los sonidos más supra bizarros que te puedas imaginar ¡en fin!♦️MIKI BERENYI TRIO (sí, de LUSH), envió like al Review que dediqué a su performance junto al acto BLUE CINEMA♦️SOFT LOFT promueve 'Late' -tema que me invita a escucharlo tantas, tantas veces♦️OLIVIA DEAN ha tenido en menos de un año, logros que nos sugieren en grande qué es lo que hará en los años x venir. De pronto, los mega festivales que la esperan en los próximos meses son: Coachella Valley Music & Arts Fest en California (USA), Love Supreme Jazz Fest (UK) alternando con la 'crème de la crème old school' en su primer Headline', Summer Sonic Fest (Japón), Rock en Seine (Francia)... además de otras magnas diferentes fechas (sold out) x el mundo♦️A KIM GORDON le va a encantar estos actos y reconocerá su legado 'noise' que es el aire que respira, a continuación y compartido♦️



Agradecen también en recientes días x los reviews a sus discos: NIGHT TAPES, ELESTIAL, SOFT LOFT, HOW TO DRESS WELL, MESSER CHUPS, GREG ONLINE, BONES OF MINERVA, MOTHS, BLUE DINER, CHPTR, MAX COOPER, HALF MOON RUN... X otro lado, WARMACHINE tiene ciertas esencias de unos eternos COCTEAU TWINS/ROBIN GUTHRIE. Hasta aquí la cita♦️STOP!

sábado, 2 de marzo de 2024

H R 3 0 0 1

PHONIC YOUTH: EL AMOR  ES TU MAYOR PODER -EL  AMOR DESINTERESADO ES LO QUE TE ELEVARÁ. EL TIEMPO MISMO ES UNA ILUSIÓN ES PARTE DE CÓMO FUNCIONA ESTA ESCUELA LLAMADA GAIA/TIERRA, O  SION EN UN INICIO♦️ EL TIEMPO EN LA TIERRA MISMA SE MUEVE COMO UN ESPIRAL PORQUE REPRESENTA LA EVOLUCIÓN Y ESTAMOS AQUÍ PARA ELLO♦️RADAR DE NEWS PARA TI, EN LA FRECUENCIA MÁS ULTRA  PODEROSA DEL ORBE: 999 HZ, VIA ESTA COLUMNA♦️

Trás 6 años de su álbum 'The Anteroom', Tom Krell mejor conocido como HOW TO DRESS WELL, anuncia su neo LP: 'I Am Toward You' (Sargent House), que estará disponible desde el 10 de mayo e incluye una lista de invitados: CHRIS VOTEK, JOEL FORD, JOSH  CLANCY, ANARTHIA DLT entre otros. Él inició su carrera musical en 2020 cuando entonces ya había concluido su doctorado en Filosofía con su tesis sobre la posibilidad de una metafísica no nihilista. 'Me he reorientado hacia la música de una forma más purista y menos restrictiva para recuperar aquello que ha restado en la música uno de los fenómenos más instructivos que es lo que me ha aproximado al corazón en mi propia vida' -ha declarado él. Algunos de los temas: 'No Light' (Feat. ANARTHIA DLT), 'Song In The Middle', 'The Only True Joy On Earth', 'A Secret Within The Voice'♦️

Esta es la frecuencia en música que existe dentro de ti, sintonízala. Esferas de cristal sónicas como inmensamente creativas e iluminativas, altamente alquimizadoras que están de continuo bajo este radar♦️MAX COOPER, retorna con su 'SEME' EP. El proyecto que ha sido el resultado de una comisión x Salzburg Osterfestspiele con el fin de lograr algo nuevo para el próximo Easter Fest en Italia a realizarse en un escenario en forma de caverna. MAX entrega episodios detrás de escena del documental del proceso en que se hace 'SEME', un neo show en vivo en el cual ha estado trabajando. El EP está disponible y en el cual figuran SARAH ARISTIDOU, KIM SHEEHAN, NIELS ORENS, TOM HODGE y KWAKE BASS... sopranos, cello, live drums, piano y x supuesto con algunas influencias de los clubes y concert halls. El EP recicla trabajos de música italiana histórica y estética. Algunos temas: 'Fibonacci Sequence' (Feat. KWAKE BASS), 'Palestrina Gabriel' (Feat. SARAH ARISTIDOU, KIM SHEEHAN, TOM HODGE), 'Cardano Circles' entre otros♦️

La dupla australiana HIGH SCHOOL tendrá desde el 19 de abril  disponible su EP 'Accelerator' (PIAS), grabado en Londres y en Melbourne. Son 5 temas intensos de brillante pulso con ciertas esencias evocadoras en vena post-punk, reminiscencias lo-fi, dream pop, slowcore, nu gaze y nu wave. Vislumbra como aperitivo: 'Doesn't Matter' -single + vídeo, un tema de esos amores no correspondidos, de cuando se anhela a alguien. Rory Trobbiani es el vocalista de etérea voz bajo una aura brumosa. En 2021 ellos impactaron con su álbum debut 'Forever At Last'♦️En Liberté, Rennes el trío HUUSH, integrado x Hélie Maujard, Owen Rouselle y Dan Voisin ofrecieron esta session en diciembre 2023 para Trans Musicales en su edición de 45 aniversario. Sus influencias son muy notables: KRAFTWERK, NEW ORDER, DAFT PUNK,  UNDERWORLD como THE PRODIGY... unido todo ello a su propia atmósfera como a la amalgama sónica que saben crear♦️



Desde Munich/Alemania con amor: DAISY DREAMS se proyecta al mundo. El quinteto genera mezcla de indie pop, post-punk y dream pop. Ellos dispersan su energía en una simbiosis que no los deja desapercibidos para nada. Sus temas brillan x si solos: 'Tokyo', 'Moon' o 'Molecules' te van a encantar♦️X otro lado, esta vez en Berlín, me ha subyugado ver esa gran emanación de bandas con un toque de sensibilidad que no se veía mucho. El quinteto SOFT LOFT, tiene ya el vídeo para su 'Rose Colored' que pone ante ti, lo que cito en estas líneas. Es la postal musical que tiene a Jarina Stamm, al frente. Formado en 2022, su EP debut lo titularon 'In Case You Still Get Lonely'♦️A BLUME, lo aprecio con una más visible y exacerbada sensibilidad, su 'Strangers', me conmueve ♦️DENNIS KISS, otro de los neo actos alemanes, va igual en esa línea de crear esa onda de emociones♦️

Annie Clark o ST. VINCENT, ha retornado vía su 7mo. álbum titulado 'All Born Screaming' que estará recién disponible desde el 26 de abril bajo el sello Virgin Music Group. Un álbum autoproducido  pero con lista de invitados de lujo. 'A Broken Man', es el single en circulación filmado en Filadelfia en enero y dirigido x Alex Då Corte♦️

*Annie Clark, es su nombre real. ST. VINCENT, el artístico -una de las pocas artistas que en 202O, dirigió Podcasts desde sus redes. 


El acto THE THIRD SOUND comparte para ti 'Another Time, Another Place', tema incluído en su álbum 'Most Perfect Solitude' (Fuzz Club), tema que revive cierta era, saga de la década de 1980♦️Los CLAN OF XYMOX, anuncian su 'X-odus Tour' a iniciarse el 14 de junio en Texas (USA) con continuos shows x medio mundo♦️ Está bajo mi radar el álbum ' Chorus' de MILDLIFE, una simbosis celebratoria de unidad y armonía♦️La versión original de 'La Vie En Rose' (titulada primero como 'Les Choses En Rose') fue interpretada y escrita x EDITH PIAF en el 1945 del siglo XX, con la música del pianista LOUIS GUGLIELMI/'LOUIGUY'. La versión reciente hecha x NICK CAVE, presenta un texto en inglés adaptado de Mack David♦️

LA VIE EN IA? A más de 60 años de la partida de EDITH PIAF, regresa a la vida, en un neo biopic que usará IA para recrear su voz e imagen. Warner Music Group anuncia acerca de 'EDITH', un film de 90 minutos filmado en sets de Paris y New York desde 1920 hasta 1960. El film será narrado x un facsímil generado de la voz de la propia EDITH PIAF, cubriendo aspectos de su vida que jamás antes se habían revelado♦️

* Ella es Edith Giovanna Gassion. París 19 Dic.1915 -Plascassier/Grasse, wAlpes Marítimos/ 10 oct. 1963.

*El documento de identidad de Edith Piaf, enmarcado y colgado en un famoso restaurante parisino.

WMC está trabajando toda la mega producción con la compañía Seriously Happy para desarrollar la biopic inducida además de sus icónicos hits 'La Vie En Rose' y 'Non Je Ne Regrette Rien'. La idea original es de Julie Brille y también de Giles Marliac♦️Chicxs/Guys, bajo mi RAdaR: IZAKAYA DEPLOYMENT Pisco Sour (Incl. MATHIAS TANSMANN Remix)♦️Así mismo SONS OF VIDJEMS - Lithospheric Melodies/HALFWAY LINE S/T EP♦️GOLD MASS -  Flare EP/ALDERAAN - Infinite Paths♦️El álbum titulado 'EverWhen' de BEST YOUTH de Porto/Portugal♦️THE OPHELIAS - Ribbon EP como decenas de otros más♦️ Esta vez han hecho llegar sus likes a los Reviews que hice a sus álbumes/singles/eps: SOFT LOFT, NICK CAVE, GOODBYE METEOR, IRAMA, OUTER SPACE BEATZ X EYECOM, DAISY DREAMS, CHPTRS, SO FAR AS I KNOW, ALLIE X, SEA GLASS, PLUM, FAR CASPIAN...♦️Las fuerzas básicas del espíritu son los 7 colores básicos celestiales, los mismos que se asemejan al arco iris♦️STOP!

miércoles, 28 de febrero de 2024

SUN RA :. Si la Tierra te resulta aburrida...

Las primeras grabaciones de Ra están marcadas por la fuerte sensación de estar dando los pasos hacia un renacimiento artístico, hacia una transformación chamanística en la fuerza central de un universo estrafalario y virtualmente autónomo. Es por esa razón que resistió la tentación de dar a conocer sobre su vida temprana. Al descartar los efectos debilitantes y sacrílegos de la arqueología biográfica y su fama fugaz, se hallaba en mejores condiciones para mantener la integridad sagrada de su universo mágico. ¿Había nacido en Saturno o Birmingham, Alabama?, se preguntarían los críticos. En 1914, Alabama tal vez fuese un lugar más extraño que Saturno. Durante nuestra conversación suelta algunos bocados tentadores: "Los cómics hablaban de todo tipo de invenciones que hoy existen. Solía leer cómics todo el tiempo. En muchas cosas me guío por la Biblia. La Biblia dice que Dios se sirve de tonterías para dejar atónito al mundo. Bueno, los cómics para mí son ese tipo de tonterías, así que me los leo todos. La primera vez que alguien escribió sobre la bomba atómica fue en un cómic. O sobre el reloj de pulsera con TV. Todas esas cosas que habían aparecido en los cómics están sucediendo".

Como en ningún otro lado, los Estados Unidos están plagados de excéntricos, visionarios psicodélicos, elaboradores de teorías conspirativas y chiflados que se ordenan a sí mismos como líderes espirituales de iglesias por correo, derramando filosofía en corrientes energéticas de locura que se alimentan directamente de ovnis pasajeros, vaticinando el fin del mundo y el retorno de la edad de oro. ¿Qué hacía diferente a Sun Ra? En parte, que tenía conciencia de sí mismo con mucho sentido del humor. En una de sus canciones fríamente pegajosas, Ra proclamaba que el fin del mundo ya era cosa del pasado; es decir que sabía cómo jugar con las reglas del negocio apocalíptico. En otros aspectos encajaba con el perfil: un profeta popular que pegaba retazos de conocimiento autodidacta en un loco  patchwork de sabiduría profunda, charlatanerías y glosolalia. Su música abrazó contradicciones similares: un momento en Saturno, al momento siguiente de vuelta en la Tierra en un club burlesque de Chicago. Esta divergencia irracional desconcertaba a los compositores europeos, que abrevaban en un misticismo más intelectual. "Tuvo una enorme potencia", declaraba un Stockhausen entusiasmado a Melody Maker en 1971 después de ver un concierto de Sun Ra. "Realmente los primeros veinte minutos fueron de una música experimental de vanguardia de primer nivel e inclasificable. ¡Fue increíblemente asimétrico! [...] Pero después de esa pieza vino una música de cantina insípida. No me gustó para nada. Era como una música de película barata".

Algún día Sun Ra podrá ser contextualizado dentro de una corriente subterránea místico-política del pensamiento negro estadounidense junto a figuras como Marcus Garvey y el fundador del Moorish Science Temple [Templo de la ciencia mora], el profeta del turbante Noble Drew Ali. En su historia del free jazz As Serious ad Your Life, Valerie Wilmer señala que Ra lideró una organización nacionalista negra con base en Chicago que distribuía panfletos sobre la importancia futura de la tecnología electrónica, y existen rumores sobre su influencia en las ideas de Elijah Muhammad, uno de los fundadores de la Nación del Islam. Wilmer recoge también una historia contada por el saxofonista Red Holloway, que recuerda que Sun Ra estaba planeando viajar a Nueva York para comprar unos libros cuando -como Des Esseintes- decidió que el viaje físico resultaba innecesario. "Dijo que no mandaría a su cuerpo", le contó Holloway a Wilmer, "su ¿proyección astral? Sí, era eso. Y dijo que obtuvo la información que necesitaba". Cuando algunos se reían, Holloway los desafiaba: "¿Acaso pueden probar que no fuera cierto?".



La parte del mensaje de Sun Ra que Stockhausen nunca llegó a comprender venía de la experiencia de Ra como hombre negro en los Estados Unidos.
"Debido a la segregación", escribió una vez, "tengo solamente un vago conocimiento del mundo blanco, y ese conocimiento es superficial. Porque sé más sobre lo que es ser negro que blanco, conozco mis necesidades y mi naturalidad. Conozco mi intuición, que es ser lo que es natural ser. Esa es la ley de la naturaleza en todas partes". Con sonido, luces, palabras, color y vestuario, Ra urdió una alucinación conmovedora y rutilante del antiguo Egipto, las profundidades del espacio y los reinos o imperios africanos -Nubia, Ashanti, los hausa, los yoruba, Mandinga, Songhai, Sudán, Malí, los xhosa-, una historia del futuro con la cual combatió por las almas de su pueblo contra el legado de la esclavitud, la segregación, las drogas, el alcohol, la apatía y los poderes corruptores del capitalismo.

Una extraordinaria película realizada en 1974 permite hacerse una idea más clara de la manera en que Ra entendía sus propósitos, y refleja también muchos de los elementos mitopoiéticos de su vida. En tanto fantasía cósmica de blaxploitation con elementos de ciencia ficción y bíblicos, Space is the Place es realmente única. La película comienza en 1943 en un club de Chicago. Ra está sentado al piano acompañando el espectáculo. Un hombre llamado The Overseer [el supervisor] exige que sea despedido. Ra toca acordes extraños que casi destruyen el club. La escena cambia al desierto, donde Ra y The Overseer entablan un combate mágico. Ra y su Arkestra aterrizan luego en una nave espacial y firman un contrato promocional. Ra es secuestrado y rescatado, toca un concierto y finalmente abandona la Tierra antes de que sea destruida por una enorme explosión. Hay una escena en la que Ra visita un centro comunitario para jóvenes que resulta particularmente reveladora. "¿Cómo sabemos que no eres un viejo hippie o algo por el estilo?", le pregunta una mujer. "¿Cómo sabes que soy real?", le replica Ra. "No soy real. Soy igual que ustedes. Ustedes no existen en esta sociedad. Si lo hicieran, su gente no estaría reclamando igualdad de derechos. Ustedes no son reales. Si lo fueran, tendrían algún estatus entre las naciones del mundo. Vengo a ustedes como mito, porque eso es lo que son las personas negras. Vengo de un sueño que el hombre negro soñó mucho tiempo atrás".

DAVID TOOP
de "Océano de Sonido"

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barbarismos

barbarismos
El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.

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realismo capitalista peruano, ¡ja, ja!

rojo 2

es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo

En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez. «Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.


MARK FISHER.

perú post indie

Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños.
Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo...
Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?


FRED ROHNER
Historia Secreta del Perú 2

as it is when it was

sonido es sonido

sonido es sonido

pura miel

nogzales der wil

RETROMANÍA

"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia." SIMON REYNOLDS Retromanía

kpunk

las cosas como son

las cosas como son

las cosas como son II

las cosas como son II