sábado, 25 de julio de 2015

H R 3 0 0 1


Si los sentidos del ser humano se ennoblecen también se ennoblece toda la estructura de su cuerpo. Al mismo tiempo se iluminan las envolturas del alma y el alma llega a ser más noble. A través del ennoblecimiento externo se ennoblece también el interior. Con el ennoblecimiento de los sentidos externos cambia al mismo tiempo la estructura de átomos del alma: los átomos espirituales se orientan paulatinamente hacia el núcleo divino, al corazón del alma. El que se alegra de la belleza y del perfume de las flores, los árboles y arbustos, el que siente el amor divino en estas formas de vida incrementa la armonía en su alma y en su cuerpo. Cuantas más sombras haya en el alma y en el cuerpo, menos fuerza espiritual fluirá hacia ambos: hacia el cuerpo espiritual y hacia el cuerpo físico. Lo que es luminoso, puro, limpio y claro actúa de manera positiva sobre el mundo de pensamientos del hombre. Colores oscuros y vestimentas sucias pueden causar lo opuesto. Recuerda siempre que el alma y el ser humano espiritualizados: NO ENVEJECEN NUNCA! Libros y audio libros en Cd´s disponibles en LIBRERÍA CHANG de Arenales 1001 en Jesús María. Solicita los libros de la editorial VIDA UNIVERSAL también  en LIBRERÍA CONTRACULTURA  de Av. Larco 986 en Miraflores. Los programas  de VIDA UNIVERSAL en Perú x las ondas de RADIO LATINA 990 AM, desde Alemania para el mundo, participo en diferentes emisiones cada domingo de 2 a 3 de la tarde,x la web: www.radiolatina.com.pe, www.raddios.com, www.radios.com.pe◙

Esta es una columna que se proyecta con la música y actos que alimentan la escena indie de hoy en día. Una estación de energía láser y cinética en dónde divulgo satélites sónicos y clips en órbita estelar como el o.v.i en álbum: ´´Escape From Evil´´ de LOWER DENS. Banda integrada x: Jana Hunter, Geoff Graham, Nate Nelson y Walter Teret. Tercer opus en álbum de este acto indie proveniente de Baltimore y cuya placa ha sido co-producida x Chris Coady y la vocalista JH. Confrontando ella sus propios temores y conflictos del corazón junto a la banda han creado su más pegajoso y universal álbum hasta la fecha: épico y magistral. Hunter es una presencia enigmática cuya voz destaca con audacia y vulnerabilidad a la vez: imponente e intimidante que congela la sangre. LOWER DENS es un acto que brinda aire fresco a la escena con títulos como: ´´Sucker´s Shangri-La´´, ´´Quo Vadis´´, ´´Electric Current´´, ´´I Am The Eearth´´-entre otros◙



Durante todas las épocas que he difundido la escena indie de los 5 continentes x frecuencias radiales de AM y FM, fanzines, diarios, programas de TV, revistas y páginas de la web, me ha encantado presentar siempre a BRODINSKI x los envíos desde siempre de RFI (Radio Francia Internacional). Él se inspiró desde niño al escuchar los discos de CJ BOLLAND que su padre solía comprar. Ahora él nos deleita con ´´Interviews´´, pieza y clip que ha capturado a medio planeta. Su estilo va desde el electro-noir a adaptaciones del  hip-hop más lascivo. Él ha colaborado además con KANYE WEST y otros◙



Láser de electrones libres prodiga el acto VITAMIN con su más reciente satélite ´´Giving It Up´´. El cuarteto proveniente de Leeds, han estado juntos sólo x un año y han logrado cuajar bien todo el esquema de la banda. Han firmado para el sello Natural Anthem, en donde empezaron HAIM. Su math-rock, infiltra cierta esencia de unos FOALS y destila grandiosos coros que nos llevan a otro universo: el de BASTILLE y a su gran cathedral -pop. Ciertamente a VITAMIN no le molestaría en absoluto si llegaran a elevar sus temas, tal y como lo logró BASTILLE con ´´Pompeii´´◙



Las bandas actuales, en pleno siglo 21, han tomado desmedidas esencias de muchas de las bandas que solíamos apreciar y escuchar en los 90´s como PAVEMENT, que en este 2015 percibo reflejado en el acto HOOTON TENNIS CLUB quienes tienen editado ´´Powerful Pierre´´. Hooton es una villa cerca a Liverpool, lugar en que surgen bandas brillantes que captan la atención del mundo, ésta es sólo otra de ellas. El tema en sí es de lírica melancólica -con un personaje genuino pero infeliz◙



MOONLIGHT SERENADE, serenata a la luz de la luna o al alba. Atendemos eventos y reuniones particulares. Sorprende a tus amigos y familiares, atendemos las 24 horas del día al: 991 923 143◙ Visiona un extracto del reciente DVD de FLORIS VANHOOF: ´´The Wonderful World Of Well Sounding Voltages And Projected Light´´. La edición contiene 2 extractos de una colección de films y performances con este artista dedicado a los soundscores, tecladista y cineasta belga. Es un interesante trabajo como los que suele presentar Telefónica en Lima. La instrumentación es obvia◙




Las emisoras locales estacionarias continúan perpetuando el tiempo y no permiten evolucionar a las neo generaciones, difundiendo música para generaciones que YA NO EXISTEN! En cambio la música continúa desarrollándose en perfecta evolución y ebullición. Para muestra: SWIM DEEP, que en su reciente tema y clip ´´Grand Affection´´, tomado de su o.v.i en álbum "Mothers", está impregnado de frescura con cada uno de sus satélites sónicos en órbirta geosíncrona. SD transformó su onda baggy a un elevado pop y con su vocalista Austin Williams interpretando los temas dentro del falsetto y acompañado x teclados incandescentes. Su atrevimiento debería ser reconocido... es más, ya lo es a través de esta columna sideral◙

 


ARCADE FIRE no deja de impactar. Se sabe desde el año pasado que este acto canadiense estaba planeando un largo metraje, prolongadamente  cinematográfico de su álbum de 2013 ´´Reflektor´´. El film en cuestión, realizado x Kahlil Joseph -notable colaborador de FLYING LOTUS y de KENDRICK LAMAR- va a ser presentado el 24 de setiembre bajo el título de ´´The Reflektor Tapes´´. Un adelanto de todo ello es la pieza ´´Porno´´, la cual ya pueden apreciar aquí. Algunas escenas han sido filmadas en Haití e incluye además este film, secuencias de sus conciertos x el mundo sin obviar PRIMAVERA SOUND



DUCKTAILS, el proyecto solista de Mathew Mondanile, guitarrista de REAL ESTATE, tiene neo o.v.i en álbum para el sello Domino y es: ´´St. Catherine´´. El disco tiene como productor  a Rob Schnapf quien ha producido los discos de ELLIOT SMITH. Va a tener como telonera a JULIA HOLTER durante su gira 2015. La cantante JULIA HOLTER quien luce, literalmente, al igual que su música x estos días está impactando con su single y clip: ´´I Feel You´´. Sus temas tienen una luminosidad de belleza cristalina  que capturan de inmediato◙



Los actos que continúan viniendo a Lima confirman aquello de EL FUTURO DE LO QUE VENDRÁ -frase alimentada x el programa 2001 y 2001_MILAÑOSDESPUÉS!, en sus diferentes emisiones x emisoras de AM y FM,y de TV. Sí ya YO LA TENGO, acto de incontables seguidores en Lima, hizo lo suyo... Ahora anuncia su visita BELLE AND SEBASTIAN para el 24 de Octubre en El Parque de la Exposición. THE CHAMELEONS está también anunciado para actuar próximamente en Lima◙STOP!



martes, 21 de julio de 2015

Reseña: DIOSMEHAVIOLADO - Flores Para Raquel (Aloardí, 2011)

Escrito originalmente para la web Sugar Time el 2011

El suelo latinoamericano está siendo bendecido con una inundación de gemas que, en la solera del mundo, demuestran nuestra independencia creativa y nuestra increíble sensibilidad. He sido testigo de la vanguardia peruana desde hace un tiempo ya, y su aparición en mi vocabulario cultural ha significado una gran explosión de paroxismos elegiáticos y consignas sublimes que se justifican en el increíble talento y producción sostenida que los hermanos peruanos llevan atacando en el frente de batalla. Mi primer acercamiento fue sugerido por el océano Kraut que por esos años empezaba a descubrir. Extasiado por las mareas estelares de Ash Ra Tempel y Neu!, repitiendo incansablemente esos discos en mi reproductor, escarbando por joyas en vinilos en las ferias de mi país (donde conseguí el Neu! Homónimo y el Neu! 75) agoté la experiencia que, a pesar de dialogar conmigo desde la música, estallido incomprensible de experiencias y ánimos, no me relacionaba geográficamente, en términos de identidad, sufrido por una contemporaneidad dilatada y escindida por nuestra condición de cono subdesarrollado. Por esos años en mi país recién se empezaba a gestar un movimiento psicodélico que también dialogaba con referentes internacionales más que con nuestro pasado histórico dramáticamente castrado por la dictadura de Pinochet. Ahora se sostiene inmanente, de mano de dos o tres sellos independientes que, melancólicos y trabajólicos, se esfuerzan en generar desde la tradición un movimiento nuevo e interesante. Pero por esos años, como toda melomanía sugiere, yo estaba atento a los florecimientos fantásticos de mi cono, y fue así como encontré varios rubíes de la escena peruana que, para mi sorpresa y bofetada a mi ignorancia, venía gestándose ya desde finales de los ochenta y con gran fuerza durante todo el transcurso de los noventas. Donde hallaba la trepidancia pulsante de Ash Ra Tempel ahora hallaba a Serpentina Satélite, quienes recientemente editaron en vinilo el disco con el que los descubrí: Nothing To Say, editado por un sello alemán (no nos sorprende ¿No?) llamado "Trip in Time". Y donde hallaba los mantras metronómicos de Neu! ahora hallaba a Hipnoascención, cuya pulcritud y producción es altísima y directamente proporcional al viaje que su sonido conduce. 

Sin embargo, y para mi malestar y quizá para el malestar de los futuros lectores de este artículo, ambas bandas (en los discos en que me fueron introducidas) también incurrían en la tradición europea como referente principal; una especie de actitud reverencial y totémica ante estas joyas de la psicodelia alemana, y eso denunciaba de nuevo nuestra cualidad de continente subyugado, de antiguos esclavos indígenas maravillados ante la magnificencia solar de los señores del antiguo continente. ¡Prejuicios! Atarantadas consideraciones... No he tenido tiempo de revisar la discografía de las bandas mencionadas, pero insto a quien quiera a revertir este mi juicio e iluminar mis futuras consideraciones con el conocimiento que me pueda ser impartido. Lo que denuncio no es una problemática exclusiva de mis hermanos peruanos, es más bien un paradigma inherente a la psicodelia actual y su relación permanente con la reminiscencia y el revival. Es el problema de un género demasiado dependiente de un tipo de sonido, al que pareciera obligado a venerar o, cuando los músicos son menos precavidos, incautamente incurren en ese tipo de sonido que la primera psicodelia se ha encargado de encriptar en sus genes. Así la metronomía, la iteración, los wall of sound, los sonidos reverberados, la relación con lo extra-terrestre, más que una reacción sistémica, como lo fue el sonido de Neu! o de Amon Düül II, se vuelve una reutilización estética para lograr un efecto determinado. Se ha recogido, con talento sin duda, lo mejor de la superficie de los años padres, pero no se ha traído desde esos años el espíritu que gobernaba dichas transformaciones musicales. Esto, sin embargo, no significó una decantación de mis ánimos filiales con la obra peruana, sino que incentivó mi búsqueda hacia la profundización. Pude disfrutar maravillosamente las joyas antes descritas, en tanto homologaban con igual talento un sonido que yo ya admiraba, pero la música, como es concebida por este humilde servidor, debiese ser más que una instancia hedónica (sin censurar ni moralizar el hedonismo) sino que debiese trasladarnos al campo de la afección y conducirnos hacia la oscuridad de nosotros mismos –de cara al espejo como un agujero negro– y de golpe hacia la reflexión. Basta con decir que la escena peruana no tiene nada que envidiarle a las fluviales escenas de otros países de referencia. Navegué por la obra de Wilder Gonzales Agreda, primero, y con ello todo el rio referencial de shoegaze y letárgicos hijos de Spacemen 3, para luego volver a la obra de Wilder y descubrir todo un campo avant garde que esta vez sí remeció mi intelecto. Experimentación, aventura, riesgo, música como un agujero negro, capaz de doblar el espacio y someter al tiempo. Y, bendecido por la preocupación de Luis Alvarado de Buh Records, que alberga mi primer trabajo "La Invocación del gran Cóndor", pude descubrir un catálogo de trabajos muy interesantes, casi indescriptibles, que si bien se relacionaban con estilos específicos, la poesía concreta, el drone o el harsh noise, poseían un carácter tan extraño que realmente iluminaban aspectos hasta ahora ocultos de mi campo musical. La música es para descubrirse a si mismo, y pareciera ser que es esto a lo que los hermanos peruanos están abocados, filtreando con una cantidad inmensa de contenidos musicales que indican nada menos que una sed espantosa de conocimiento e iluminación, virtudes que se dibujan en un horizonte si bien no inmediato, tampoco alejado e intocable por la superficialidad, la meritocracía o el posicionamiento social que algún arte valida.




Habiendo trazado un somero marco teórico, quisiera dedicar unas pocas líneas a un disco que acabó en mis manos virtuales. Me refiero al disco de Dios Me Ha Violado – DMHV – "Flores Para Raquel". Poco sé de estos muchachos, salvo que su trabajo precede a esta década y que Flores Para Raquel, como otros trabajos, es parte de un espíritu de reencuentro de estos músicos con antiguo material abandonado a la humedad de tristes habitaciones tercermundistas. Y este es precisamente el espíritu que respira Flores Para Raquel: una importante sensación de reminiscencia melancólica y paraíso perdido, altas ciudades en decadencia y tumbas de doncellas suaves como la luz del primer amanecer. La instrumentación es sencillísima y la producción muy precaria, factores que, si son bien utilizados, contribuyen a la sensación de estar escuchando una pieza de música que se petrificó desde un  pasado imposible y que viene a atestiguar una vida muy diferente de la que ahora se vive. El disco es recorrido por motivos sencillos, temas de corta duración que se sujetan de tonos suaves y melodías que habitan el borde sutil entre lo melancólico y lo fantástico. El piano o teclado o a veces no sé si es guitarra persigue estos motivos a lo largo de todo el disco, enunciando una cualidad muy fotográfica, como si cada breve tema fuera un snapshot de vida instalado en el álbum de fotografías que llamamos disco y Flores Para Raquel. A veces los temas me recuerdan las bellas "Gymnopedias" de Satie, o incluso ese extraño tema que atraviesa el "Daydream Nation" de Sonic Youth, en piano, que quizá es uno de los temas más hermosos concebidos por la banda. Lo importante, y el influjo principal que esta música conjura en mi, es que esas fotografías que se van dibujando son tan personales como uno mismo. La música en Flores Para Raquel interpreta nuestros recuerdos sumidos en desesperanza, inalcanzables por el paso del tiempo. Son, claramente, una ofrenda de parte de los músicos, un bouquet de flores para conmemoración de una relación muerta, sepultada quizá por la tragedia. Pero son, también, nuestros propios recuerdos de la tragedia, aquellas sonrisas que no volveremos a atestiguar, y los momentos donde la felicidad escurría como los ríos que añora Rimbaud adolescente en su "Temporada en el Infierno". Flores Para Raquel funciona como un maravilloso bisturí para incidir en nuestras incomodidades y deseos profundos de reconstrucción histórica. Y todo esto con la simple utilización del teclado, la estética del lo-fi, un centenar de frecuencias indomables que se esconden bajo los acordes y forman el pulso y el río de la consciencia. Este no es un disco para quienes quieren avanzar en el día, adueñándose del tiempo y del espacio, bien instalados en su realidad. No es un disco que consigne épicas de rock, ni grandes composiciones clásicas (aunque su relación delgada con los nocturnos de Chopin o "Fur Alina" de Arvo Part es evidente). Es un disco para quien busca recordar que su dolor es intocable e insanable porque habita el pasado, y toda reconciliación con él es imposible cuando dios te ha violado… y solo quedan los acordes como memoria de vida que es cuando algunos vamos sumidos en la desgracia que la ciudad inspira. La vitalidad a la que podemos acceder.                                                           

                                                             Alberto Parra, 2011.

Jacques Attali says


“Todos ellos [los teóricos del totalitarismo], indistintamente, han explicado que había que prohibir los ruidos subversivos porque anuncian exigencias de autonomía cultural, reivindicaciones de diferencias o de marginalidad: la preocupación por el mantenimiento del tonalismo, la primacía de la melodía, la desconfianza con respecto a los lenguajes, los códigos, los instrumentos nuevos, los rechazos de lo anormal aparecen en todos estos regímenes, traducción explícita de la importancia política de la represión cultural y del control del ruido. En eso, la música se expresa como no inocente. Para Zdanov, por ejemplo, en un discurso de 1948 nunca desaprobado realmente, la música, instrumento de presión política, debe ser tranquila, apaciguadora, sosegada: ‘Estamos ante una lucha agudísima —escribía—, aunque velada en su superficie, entre dos tendencias. Una de ellas representa en la música soviética una base sana, progresista, basada en el reconocimiento del enorme papel representado por la herencia clásica, y en particular por las tradiciones de la escuela musical rusa, en la asociación de un contenido ideológico elevado, de la verdad realista, de los vínculos orgánicos profundos con el pueblo. La segunda tendencia expresa un formalismo ajeno al arte soviético, el rechazo de la herencia clásica so capa de un falso esfuerzo en dirección de la novedad, el rechazo del carácter popular de la música, la negativa a servir al pueblo, todo ello en beneficio de las emociones estrechamente individuales de un pequeño grupo de estetas escogidos. Los compositores soviéticos tienen dos tareas de la máxima responsabilidad. La principal es desarrollar y perfeccionar la música soviética. La segunda consiste en defender la música soviética contra la intrusión de los elementos de la decadencia burguesa.’”

Discurso de Andrei Zhdanov, principal censor del estalinismo, citado por Jacques Attali.

lunes, 20 de julio de 2015

Gracias por todo Maestro DIETER MOEBIUS (Q.E.P.D.)


Hoy por la mañana el alucinante krautrocker suizo-alemán Dieter Moebius, que a tantos de nosotros influenció todos estos años con su música -en Kluster, Cluster, Harmonia!, los discos con Eno y solo-, nos ha adelantado en partir hacia el sooper espacio. La noticia la ha difundido en las redes Michael Rother, su compañero en Harmonia! y ex Neu!:

Very sad news today for all friends of Dieter Moebius and his unique music. Our friend, neighbour and collaborator passed away this morning, July 20th 2015. He will be missed dearly by all of us. Our thoughts go out to his wife, Irene. RIP, Dieter (Möbi).

A seguir palabras de los supervivientes en Cluster:

Dieter Moebius best friend of mine since 1969 and collegue in "Kluster","Cluster" and"Harmonia"died this morning.
One of the tracks of one of our most beautiful albums is called
"In Ewigkeit" ( in Eternity )
The album itself is called "Sowiesoso" ( approximately "anywayway" )
What we did is very well respected all over the globe
since we began to work as "Kluster" and "Cluster" and with Clusters sidestep "Harmonia". In Japan people call us "Originators of Space-age" the german Newspaper "Die Welt" once wrote "Lärmsäge" ( Noise-saw ? ) We did most interesting records and played "thousands" of concerts around the globe within a period of about 40 years.
We were quasi constantly on the road since 1969 until 2010.

Sowiesoso describes best what was our aim since we decided to get into the matter to become musicians/ composers : Just to do it" to do what we liked to in the way we were able to and had fun with it, with friends / supporters involved all over the world first to mention Bernd Neumann-Schönwetter, Conni Schnitzler, Jerry Kilian, Conni Plank, Brian Eno, Tim Story and many more.
He became 71 this January, he was ten years younger.


El legado musical de Dieter Moebius continuará perenne brillando por todo lo alto y seguirá influenciando a generaciones de músicos de todos los tiempos. ¿Qué más decir sino ¡Gracias por todo Maestro!?
 

sábado, 18 de julio de 2015

V



En el día,
El sol enorme en el horizonte se traslada en torno al polo.
Por la noche,
La aurora boreal dibujaba verdes contrastes en un cielo obscuro y
plateado de estrellas rutilantes.
Sobre la tierra, la nieve solo podía evocar los tonos más castos que
adquiría el planeta en ese periodo de tiempo.
Todo apuntalaba hacia eso:
Un fenómeno halógeno, una explosión en el firmamento, un eclipse
parcial:
La negación de la negación 
de la dialéctica del sol y la luna.
Síntesis absoluta del orígen de la historia.
&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&&
Poner mi alma al fuego.
Seguro que fue fácil
En el silencio del vértice conjuntivo.
Deseando la gloria: prefiriendo el desprecio al olvido.
Arrancando de cuajo la ansiedad del ser.
Detrás de la lluvia.
 
Y cayendo libre.
En un abismo sin vértigo.
 
Mirada torva la que dimana estas pupilas,
Un triángulo irregular.
Vistazo amargo, sonrisa de rayo.
Perífrasis evanescente de la realidad dual.
Quintaesencia; que con lo justo;
Busca perpetrar lo abstracto, en esa gama de formulaciones.
 
 
ARTURO BREÑA 

jueves, 16 de julio de 2015

DELIA DERBYSHIRE : : Una creadora para el siglo XXI



Derbyshire junto a una de las máquinas EL- 3503 Radiophonic Workshop Philips . Si te fijas bien verás el pie de Brian Hodgson, se puso de pie sobre la mesa para conseguir este tiro  de cámara, que muy posiblemente explica la curiosa sonrisa en su rostro (1965).


Por Vanessa Valencia Ramos

La experimentación sonora puede tener raíces vanguardistas si mencionamos a los dadás como Tristan Tzara, a los futuristas como Luigi Russolo, los expresionistas  donde encontramos a Karlheinz Stockhausen, y así más nombres que marcados en lápidas nos dejaron un legado sonoro artístico trascendental.

Como ellos, algunos pioneros de la música concreta - como Pierre Henry  y  Pierre  Schaeffer - han tenido el gusto y placer de crear sonidos y piezas sonoras básicas que ahora son como fundamentos teóricos para quien quiera adentrarse a éste mundo lleno de sensaciones y yuxtaposiciones de cintas magnetofónicas viajeras.

Alguien que también se hacía escuchar en Europa, Reino Unido, fue Ann Delia Derbyshire, compositora de música concreta, una maestra en la rama de la música electrónica, escultora sonora y profesora de matemáticas.  Sí, profesora de matemáticas.



Al egresar de la universidad en 1959 Delia solicitó un puesto de trabajo en el sello discográfico Decca Records, donde rotundamente le dijeron que no contrataban mujeres. Fueron varias puertas las que se cerraron para Delia Derbyshire, sin embargo ella no se detuvo.

Para finales de 1960 tuvo la oportunidad de trabajar como asistente de gerente en un estudio de la BBC de Londres para el Taller de Experimentación Sonora (Radiophonic Workshop).  Es allí donde su trabajo comienza a desarrollarse y sobresale  por su facilidad para encontrar extractos de música orquestal mediante el estudio de los surcos de los discos de acetato y por su comprensión instintiva del sonido. Dentro de los técnicos que trabajaban en la BBC  estaban tres mujeres;  Daphne Oram,  Magdalena Fagandini y Delia Derbyshire.

Su trabajo en la radio ha sido una labor pasional, pese a ello se le conoce más a Derbyshire con el tema de la serie televisiva Dr. Who, que se transmitía por televisión británica. Éste proyecto sonoro pasó por varias manos antes de ser realizado, al final la presentación de la ficción televisiva queda a cargo de Ron Grainer como compositor, Dicks Mills como asistente y Delia Derbyshire, creadora. 

La mente creativa y rítmica de la mujer alta, callada de cabellera pelirroja supo captar la idea de Grainer, cuando él le entregó los parámetros a seguir y éstas eran muy abstractas y espaciales como decir;  ‘’burbujas de viento’’ y ‘’nubes de viento’’.  En una de las primeras entregas Grainer le preguntó a su creadora sonora si realmente ella había escrito eso  -aludiendo al tema de Dr. Who-  y ella le respondió; ‘’casi todo’’.

Delia, para la elaboración de sus trabajos sonoros utilizaba sonidos orgánicos y metálicos (digitales, procesados), así le daba un estilo  a sus composiciones como la música concreta.

Lo que estamos haciendo ahora no es importante por sí mismo, pero un día alguien quizá esté lo suficientemente interesado para llevar las cosas adelante y crear algo impresionante con estas bases”.   Delia Derbyshire 

 

Las fuentes de sonido de Derbyshire no fueron nada ostentosas en el Taller de Experimentación Sonora. Sin embargo, allí contaban con una gran colección de objetos ruidosos como relojes, tubos, un piano roto, botellas y también un Brüel & Kjaer Type 1022 Beat Frequency Oscillator, un equipo originalmente diseñado para medidas eléctricas y electroacústicas e investigación acústica, pero también era capaz de generar sonidos y ondas interesantes. E indirectamente estos materiales y equipos provocaron que la escultora de sonido experimentará con ello para captar texturas inusuales, espaciales para las piezas radiofónicas, televisivas, teatrales y cinematográficas que buscaba.   

Los números la seguían, no solo porque la mayoría de sus trabajos se condensen en cifras como 12 notas por octava; compás de 3/4, 7/8 etcétera. Sino que Delia grababa en la Habitación número 12 de la BBC, y en máquinas EL-3503 creó la música para Doctor Who con diferentes técnicas como: el sampleo, el loop, retroceso, transposición, vibrato, y el reverb.


Una vez Derbyshire tuvo un encuentro con los chicos de aquel entonces de Pink Floyd, dentro de las curiosidades que tenía la banda era saber las nuevas técnicas para crear ésos sonidos avante-garde porque querían añadirlos en su música. Ahora tranquilamente podemos escuchar  ‘’Money’’ de The Dark Side Of The Moon, pieza que cuenta con un loop del sampleo de siete diferentes sonidos, papel siendo despedazado, monedas cayendo en un bowl, entre otros. Todo un viaje hacia el otro lado oscuro de la luna. 

En 1966, nace ‘Unit Delta Plus’ con dos colegas de Delia, Brian Hodgson y Peter Zinovieff. El fin de esta organización era poder crear música electrónica y poder transmitirla en radio, televisión, cine, teatro y publicidad. Lugares para los cuales habían hecho sus trabajos de la BBC. El estudio se encontraba ubicado en Deodar Road en Putney (Londres) una casa de pueblo propiedad de Zinovieff, es aquí donde Delia conocerá a Paul McCartney.

Lamentablemente para 1967 después de una actuación problemática en el Royal College of Art, la "Unit Delta Plus" se disuelve. 


La música, los sonidos abstractos la seguían llamando, por ello en 1973 Delia después de desvincularse de la BBC, se unió al estudio creado por Brian Hodgson y Covent Garden denominado “Electrophone” donde colaboró en la banda sonora de la película “The Legend of hell house”; al poco tiempo se fue desprendiendo del ámbito musical y de Londres. 

Delia Derbyshire nos deja un 3 de julio del 2001 a los 64 años de edad. Una mujer, una artista, una creadora sonora que fue cuestionada, a quien se le censuró varias de sus piezas porque ‘’estaba adelantada a su época’’ y el radio oyente no las entendería. Hoy Derbyshire, gracias a la trascendencia de sus trabajos, es una influencia para los novos compositores y experimentadores sonoros. Sus trabajos indudablemente fueron más allá del 2001. 

Aquí una lista de algunos de sus trabajos para la BBC de Londres mientras era empleada:
1962 “Time on our hands” (Tiempo en nuestras manos) fue el primer trabajo realizado por Delia para la BBC.

1962 “Arabic Science and history” o “Arabic Science and Industry”

1963 “Know your car”

1963 “Doctor Who”

1964 “Talk Out”

1964 “Science and Health”

1964 “Anger of Achilles”, realización en conjunto con el compositor catalán Robert Gerhard, la cual fue galardonada con el premio PRIX ITALIA que otorgaba la RAI.

1964-1965 Cuatro invenciones para radio (The Dreams - Amor Dei - The After Life - The evenings of certain lives) en colaboración con el poeta y dramaturgo Barry Bermange.


Trabajos sin fecha:

-"Mattchin"

-"The Delian Mode"

-"Happy birthday"

-"Door to door"

-"Air"

-"Time to go"

-"Chromophone"

-"Cyprian Queen"

-"Out of this world"


Dato: “The Delian Mode”,  un documental  de Kara Blake, que gira en torno a la vida y obra de Delia Derbyshire y a su forma de concebir los sonidos, se estrenó en el 2009. El documental incluye entrevistas con músicos, amigos y colegas de Delia.

lunes, 13 de julio de 2015

"Refulgo" (2014) de BARDO POND : : Ruido Psicodélico y Blues Lacerado


*Bardo Pond: nombre extraído del libro Tibetano de los Muertos. 
En referencia a los estados intermedios en el tránsito de la vida a la muerte. 
                                                   Literalmente el estanque del bardo/poeta.

Se trata de una compilación de temas antiguos de la banda de Philadelphia (Pennsylvania) que ve la luz  bajo al amparo del sello Three Lobed Recordings en una edición limitada a 1060 copias de vinilo. 

Comprende aquellas rarezas difíciles de encontrar: temas grabados entre 1994 y 1996, escondidos u opacados por las posteriores  producciones de esta prolífica banda yanqui. El sonido de las guitarras y el bajo es pesado y bluesero, a diferencia del giro espacial que tomaría la banda en sus álbumes posteriores como "Set and Settings" (1999) y "Lapsed" (1997). En "Refulgo" encontramos un heavy blues–psych rock que grafica una masa de sonido pesado dulcificado por las vocalizaciones de Isobelle Sollenberger, además de sus intervenciones con la flauta traversa y una percusión feroz  que acompaña el viaje shamánico con ritmos propios del rock.
 

Los hermanos Gibbons en las guitarras creando esas densas atmósferas de espeso sonido son la característica fundamental de esta compilación. Se trata de un sonido salvaje pero en estado embrionario, tomando en cuenta lo que vendría después en la producción de BARDO POND.

Estas canciones recopiladas en REFULGO (palabra en latín que significa resplandor brillante o reflejo de luz) pertenecen a la primera época de la banda alrededor de 1995 cuando vio la luz "Bufo Alvarius", su álbum debut cuya voluntad es más espacial  y flotante. 


Como influencias de este Refulgo nos viene a la mente: Acid Mothers Temple, Sonic Youth, Dinosaur Jr., Amon Düül, por la cualidad estridente de la guitarra y la voluntad de domesticación del ruido. Canciones de más de 5 minutos salvo dos excepciones. El disco termina adoptando características de la no wave y  adquiriendo ribetes de blues lacerado, trocado, desnaturalizado. Por momentos creando una distensión grogui o alelada, el muro de sonido guitarrero propicia una determinada densidad sónica de acorde con los parámetros del heavy - stoner rock y el psych rock.  Pasando a ser ya algo distinto al blues del cual parte inicialmente.

Sin perder la esencia americana de esta música, el blues desaliñado y mutado en psych rock de REFULGO adquiere distintos matices de deconstrucción sobre todo por la volatilidad fragmentaria en los efectos de las 2 guitarras. El ejemplo claro es el tema inicial “Die easy”.


El feedback produce una capa mordiente de sonido que se asolapa  con el riff base.   


En Refulgo vemos la construcción del génesis de Bardo Pond, vemos que se muestra el punto de partida desde donde la banda comienza a encontrar su sonido.



REFULGO: Tema por tema

“Die easy”, conforma una pieza viva, ardiente que desfogando el  espíritu negro del blues encarnado en el riff base con esa frase “I want to die easy” que repite la Sollenberger, deja rasgos de fresca belleza sonora, mientras espera que los hermanos Gibbons se desmelenen con esa capa de sonido de gruesa y pesada distorsión  densificando la composición.
 

“Apple eye” comienza con un muro de sonido compacto atravesado por los agudos efluvios sonoros de la flauta de Isobelle alternada con su lánguida voz. La percusión por debajo de las guitarras se encarga de marcar el ritmo del tema.
 

“Dragon fly”, tercer track de esta compilación, que parte de un riff psicodélico y en donde confluye la ya consabida fórmula de la masa de sonido guitarrero rockero con unos silbidos y vocalizaciones que  desinflan el globo del ruido hecho por los Gibbons.

En “Blues tune” como el propio título de la canción lo indica, se trata de un ritmo de blues acondicionado y retocado con singular pulsión a través de la guitarra distorsionada. La voz femenina alterna con timbres agudos.


Es en “Trip fuck”, donde el viaje psicodélico atestigua más el sonido minimal incorporando arreglos eléctricos y una percusión  protagonista. Sin vocalizaciones esta pieza instrumental respira rock lisérgico a raudales.


“Hummingbird mountain”, pista núcleo de este Refulgo insiste con el muro de sonido guitarrero que se alarga en un estruendoso feedback. Nuevamente la voz de Sollenberger dulcifica en parte la canción con sutil sensualidad.



En “New Drunks”, el sonido anárquico de las guitarras adopta reincidentes tonos y plúmbeas texturas que escapan y se yuxtaponen en un fabuloso contraste a las vibraciones que consigue la voz.


“Affa” es un hermoso duelo de guitarras acompañado de la batería responsable de oxigenar el tono hipnótico que adquiere la composición.


En “Test for new swords” la flauta, así como la voz, conviven   momentáneamente con la percusión y el caos emerge imponente,   cercano a sonidos propios del sello discográfico experimental de los Sonic Youth (SYR-Anagrama/SYR-Invito al cielo).


“Good Friday”, expone unas notas pegadas y aletargadas  producidas por los Gibbons, reminiscencias quizás de un viaje psicodélico en clave minimal y casi atonal, donde sin prisa, se demuestra la capacidad del sonido per se.


“Jungle Tune” deja percibir con claridad la percusión y las vocalizaciones de Isobelle mientras la tela araña sónica se va tejiendo desde los acordes de guitarra subiendo en intensidad y profusión.


“Sangh Seriatim” es el tema más largo del disco (más de 20 minutos) y con el cual finaliza "Refulgo". Una desnuda línea de bajo estructura todo el tema acompañada de la percusión denotando una flagrante voluntad cósmica. Los últimos minutos parecen conseguir ese continuo deseado de control minucioso sobre el sonido.

"Refulgo" consiste entonces en una retrospección certera hacia 20 años atrás, donde la semilla sónica de esta banda comenzaba a germinar, donde puede percibirse la cualidad salvaje, osada e  incipiente del sonido que nos brindara Bardo Pond en sus consiguientes álbumes. La descripción de su música que hace Neil Young como que todo el disco es la misma canción, aproxima al oyente de Bardo Pond desde una perspectiva superficial, ya que si bien la fórmula creativa de esta banda americana no tiene demasiados secretos, son los matices y texturas que genera cada tema los que lo hacen un documento único por su concepción reminiscente.



La mencionada banda tocará los primeros días de julio de este año 2015, en el festival ATP de Islandia.

01. Die Easy [6:52] (Apple Eye 7” [CPS-014] por  Compulsiv – Enero 1994)
02. Apple Eye [5:59] (Apple Eye 7” [CPS-014] por  Compulsiv – Enero 1994)
03. Dragonfly [6:05] (Blues Tune 7” [CPS-025] por Compulsiv – November 1994)
04. Blues Tune [5:49] (Blues Tune 7” [CPS-025] por  Compulsiv – November 1994)
05. Trip Fuck [6:19] (Trip Fuck 7” [DPR-009] por Drunken Fish – Marzo 1994)
06. Hummingbird Mountain [5:10] (Hummingbird Mountain 7” [DPR-009] por Drunken Fish – Marzo 1994)
07. New Drunks [4:31] (Bardo Pond / Bear split 7” [CHE-034] por  Che – Julio 1995)
08. Affa [5:27] (Succour compilation CD [POT CD 01] por Ptolemaic Terrascope – Septiembre 1996)
09. Tests For New Swords [5:19] (Tests for New Swords 7” [SB62] por Siltbreeze – Septiembre 1996)
10. Good Friday [3:51] (Good Friday 7” [SB62] por Siltbreeze – Septiembre 1996)
11. Jungle Tune [6:38] (Following The Bouncing Ball compilation [BING003] por Ba Da Bing! – Agosto 1995)
12. Sangh Seriatim [21:52] (Harmony of the Spheres compilation [DFR25] por  Drunken Fish – November 1996)
    

Revordrift.

domingo, 12 de julio de 2015

Música de la era técnica (extracto, pp. 41-44, 1953)


En la década del 20 se extendió por doquiera un clima favorable para la experimentación con el nuevo medio electro sonoro. Por aquel entonces, la modesta Donaueschigen, residencia de los príncipes de Fürstenberg, en la fuente artificial del Danubio, era un campo de experimentación musical, en mayor medida que hoy. En los festivales musicales que allí se realizaban podía conocerse lo más moderno y las más extremadas tendencias, así como también un panorama objetivo de la actividad contemporánea. Es decir: un verdadero diagrama de las experiencias actuales. En 1926, las actividades giraron en torno de la “música mecánica”. Hindemith, Toch y Gerhard Münch suministraron obras para welte-mignon y piano eléctrico, en parte escrita directamente sobre el rollo. Después se representó el Triadische Ballett, con figuras cibernéticas de Oskar Schlemmer y música de Hindemith para pequeño órgano eléctrico. Y un domingo por la tarde, el 25 de julio, a las 14 y 30, invadieron los curiosos la sala Zeppelin, para conocer la largamente soñada máquina musical capaz de producir la celestial música de las esferas: el esferófono (Sphärophon). Su constructor se llamaba Jörg Mager. Había nacido en 1880 y era maestro y organista. Pero el aspecto aburguesado de su profesión engañaba. Apenas los futuristas habían proclamado su ideal de música futura, cuando Mager se unió a ellos. Sentía especial preferencia por el microtonalismo, y ya en 1911 había construido su primer armonio en cuartos de tono. Sin embargo, los críticos y aficionados musicales que concurrieron al festival de Donaueschingen, en 1926, no conocían al creador del esterófono. Algunos quizás habían leído, dos años antes, en el número de agosto de la revista Kunstwart su artículo “Cuál es el estado actual del microtonalismo?”. Pocos fueron los que en esa oportunidad tomaron en cuenta el invento, aunque Rimsky-Korsakov compuso inmediatamente para él algunos ensayos en cuartos de tono.

El esterófono, terminado sólo un par de meses antes del Festival y construido, por así decir, en el rellano de la escalera que conduce a la Oficina Técnica del Telégrafo Nacional con restos de materiales, era un zumbador oscilante similar al aparato de Theremin. Disponía también de dos generadores de alta frecuencia que pasaban de 50 kHz ya que no había necesidad de disponer de un cómodo “márgen de ejecución”. Mager había ideado un agregado mecánico: en uno de los dos circuitos conectó un condensador giratorio, con un cigüeñal. Por obra de este último que giraba en un dial en semicírculo en que figuraban los intervalos de la escala cromática, variaba la capacidad del condensador y, con ella, la altura del sonido. Este modelo del “estereófono I”, instrumento puramente melódico, era todavía bastante incompleto desde el punto de vista musical, ya que el condensador que graduaba la altura del sonido lo hacía girar de lo grave a lo agudo, provocando así algunos glissandi indeseables. Para evitar esto, Mager agregó una segunda nivela, de modo tal que usándose alternativamente una y otra se podía seleccionar por anticipado el sonido siguiente.

Después, nuevamente con los auspicios de la Radio Nacional, de la Sociedad Heinrich Hertz y de la Oficina Técnica del Telégrafo Nacional de Berlín, Mager construyó el “esterófono II”. Era polifónico y disponía de botones de contacto que el intérprete podía manejar a gusto. A otra de sus construcciones puso Mager el nombre de caleidófono (Kaleidophon), o, a veces, caleidósfono (Kaleidosphon). Surgió como consecuencia de la idea de la “melodía de timbres”, por la cual ya se habían interesado Busoni y Schönberg; consistía en un generador de realimentación que mezclaba “caleidoscópicamente” los timbres y reproducía fracciones de sonidos en forma exacta. Para ello, Mager conectaba en forma paralela, dentro del circuito del generador, una serie de condensadores, y los unía a un teclado parecido al de un piano. El caleidófono era monódico y la mayor o menor presión sobre la tecla alteraba la frecuencia por substracción del correspondiente grupo de condensadores.

A su labor técnica asoció Mager ciertas utopías filosóficas. La doctrina medieval y copernicana de la música de las esferas lo incitaban a realizar especulaciones e hipótesis con el sonido eléctrico de “etérea” pureza, liberado de la materia. Su pensamiento era de índole armónica; se refería a la relación entre la música y el número. Creía que el instrumento suscitaría efectos colectivos y que, mediante su sonoridad inusitada, se lograrían resultados terapéuticos. La visión universal de Mager iba desde ese misticismo romántico donde los engendros de la pesadilla nocturna se hermanan con el querubín, hasta la clara sobriedad de la formulación física; desde la construcción del aparato hasta la composición de una Canción de cuna navideña para esterófono, a cuatro voces, publicada en 1933.

Mager dedicó todas sus energías al trabajo que constituía la razón de su existencia. En 1928 llamó la atención al presentar un órgano sin tubos; tres años después, estremeció al público del Festspielhaus de Bayreuth, cuando, al representarse Parsifal, resonaron sus campanas electrónicas del Santo Grial. Para la radio de Francfort grabó algunos discos con su esferofono, y brindó su aporte a los festejos en homenaje a la memoria de Goethe, en 1932, con la composición de una música de escena “esferofónica” para las representaciones de Fausto en los teatros de Francfort y de Darmstadt, donde la puesta en escena corría por cuenta de Hartung. En 1936, tres años antes de su muerte, interpretó algunas obras en su órgano electrónico para el film de la UFA Stärker als Paragrafen, música que llevó la escenografía al campo de lo irreal. Pero todo esto tiene hoy solamente significación histórica, pues la guerra destruyó por completo todos los trabajos de Mager, sin respetar siquiera los instrumentos. Ninguno de ellos se ha conservado.

FRED K. PRIEBERG

DISQUS

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