:. . SUPERSPACE RECORDS - TRANSGRESIONES SÓNICAS, MINIMALISMO Y VISIONES

martes, 30 de junio de 2015

UNA CONVERSA CON VAGO SAGRADO : : "La psicodelia no debe ser una exclusividad de la burguesía"

Foto por Juan Andrés Luco Marín para Sonidos Ocultos 

Desde hace algunos años Chile -o más precisamente Santiago de Chile- viene dando al mundo una camada de bandas psicodélicas que por su talento e inventiva ha recibido la atención de medios y sellos de todo el planeta. Allí tenemos a los santiaguinos Föllakzoid o The Holydrug Couple fichados por el sello newyorkino Sacred Bones como botón de muestra. La última de esta encarnaciones responde al sugerente nombre de VAGO SAGRADO y acaban de publicar su debut homónimo de manera independiente. Una espirituosa rodaja sónica de 40 min. en donde confluyen lo mejor del rock más salvaje y catatónico como los clásicos psicodélicos de la vieja escuela de estirpe krautrocker: Amon Düül, Can, Ash Ra Tempel... 

Contactamos a Alberto Parra (Guitarra y Vox), miembro fundador de la banda, quien tuvo la gentileza de responder todas las preguntas que le hicimos acerca de los Vagos para los fans de Perú Avantgarde. Así que sin más intro pasen y deleitense que el despegue está asegurado.


Acaban de publicar un contundente material de rock psicodélico con hartas influencias del krautrock y del rock clásico. Una música bastante cuajada y que logra en una el cometido de enajenación y alucine propios del buen rock. ¿Cuéntanos cómo se conocieron, cómo fue la creación del grupo, cómo bautizaron con un nombre tan peculiar al mismo? Les confieso que a veces no sé qué me gusta más si vuestra música o vuestro nombre, VAGO SAGRADO.  ;)

¡Saludos Wilder! Uff! Siempre me pierdo en la cronología de nuestra banda. Recuerdo que por ese tiempo yo (Alberto Parra) militaba en el ensamble Un Festín Sagital y habíamos recién publicado un LP llamado Kosmodynamos. Para quien haya escuchado ese disco, sabrá que es un disco paciente y tempestuoso, que se enrosca como una serpiente para luego desplegar sus características. Fue un trabajo largo, y luego de ese disco la banda empezó a divergir. Y claro, me picaban las manos por seguir tocando algo que fuese más rock, que permitiese una presencia en vivo que fuera más explosiva: “tocar como si fueras un cable eléctrico cortado” era la consigna. Conocí a Carlos (nuestro bajista) cuando yo trabajaba como vendedor en la tienda de suvenires del Museo Bellas Artes. Nos presentó nuestro amigo en común Martín, quien luego sería el segundo baterista de los vagos. Con Carlos la química fue inmediata, el tráfico de mp3 y marihuana selló la amistad, y yo lo insté a comprarse un bajo con la promesa de que si lo hacía, formábamos una banda de inmediato. Dicho y hecho, y como es Carlos, movido, fichó a nuestro primer Baterista, el Cuate, un psicólogo más preocupado de su carrera que del oficio musical. El Cuate no duró mucho. Sin baterista, Martín, nuestro amigo en común, que por esos días estaba trabajando en Canadá, se motivó con la idea de formar el power trio característico de amigos de barrio inseparables. Volvió de Canadá con una caja y una guitarra Teisco bajo el brazo y se formó Vago Sagrado. Durante esa ventana antes de que llegase Martín, con Carlos compusimos de forma acústica gran parte de los temas que ahora forman nuestro homónimo. Nos siguió un año de tocatas y composición, y finalmente nos despedimos de Martín por diferencias de criterios ante el trabajo musical. Contacté a Nick (nuestro batero actual y baterista de la banda Burdo!) quien fuera compañero mío de colegio y prendió de inmediato. Creo que en ese primer ensayo con Nick nos dimos cuenta de que la alineación era perfecta y habíamos encontrado a nuestro baterista. No pasó mucho tiempo cuando ya habíamos reformulado muchos de los temas y estábamos listos para grabar nuestro disco. Nick le dio una potencia increíble a la banda, que ahora estamos viendo en nuestro regreso a los escenarios de Santiago.

Sobre el nombre de la banda, Vago Sagrado, viene de la lectura de los autores transcendentalistas norteamericanos: Thoreau y Whitman, y de los autores beat como Kerouac, Corso, Ginsberg y Ferlinghetti. El vagabundo siempre nos ha devuelto la mirada, y su actitud indiferente, arrojada, empantanando cualquier arteria de la ciudad, siempre nos ha parecido de una violencia y corajes increíbles. ¡Es el vago el que heredará el mundo!


¿Qué música escuchaban ustedes cuando adolescentes o en sus inicios? Imagino que rock alterno o comercial de su país, cuéntanos algo a ese respecto.

Claro, la clásica escuela del grunge, el thrash, el punk y el alternativo. Creo que eso resume la semilla de todos los de la banda, pero para hablar personalmente, mi escuela adolescente fue principalmente el indie de los 80’s: Sonic Youth, Hüsker Dü, Dinosaur Jr., Polvo, Unwound, etc… ¡Después con la marihuana me escuché de todo y descubrí que la música trasciende todas las categorizaciones de enciclopedia! Vago Sagrado por otro lado, en sus inicios, se fundó orbitando el Krautrock (Amon Duul II, Can, Neu!, Ash Ra Tempel, Achim Reichel, Agitation Free, etc…) y la Neo Psicodelia (Spacemen 3, Spiritualized, Dead Meadow, etc…). Eso sí, siempre hay bandas o estilos que no están relacionados directamente con nuestra forma de tocar, pero que penetran nuestras influencias en la forma de un discurso contracultural, una sonoridad especial, un relato implícito en las melodías…



Hay algunos títulos algo sugerentes como Sacred Bum –¿una alusión al sello “Sacred Bones” de sus compatriotas Föllakzoid quizás?- , “La Alfombra Debajo del Océano”, “Take back the north” (Recupera el norte), etc. ¿De qué van vuestras líricas?

"Sacred Bum" es una pobre traducción al español de Vago Sagrado. Nuestras letras redundan en el imaginario del vagabundo, y todo lo que esa figura denuncia: lo imperturbable de todo ante el desmoronamiento social. La alfombra viene de un sueño donde desperté con la frase: “debajo de todo océano hay una alfombra rectangular” y que interpreto como que si bien no hay un perro muerto debajo de todo, al menos huele a perro muerto debajo de todo. Hay que desconfiar de todo y desde ahí agarrar el coraje de decir, desde la incertidumbre del agujero negro, desde el borde y el desequilibrio. El mundo es una sospecha constante, como un paquete de regalo al borde de nuestra puerta que recibimos con emoción, pero que al llevarlo al oído para adivinar su contenido suena con el tic tac de un explosivo o un reloj.
 

Hablando de otros grupos psicodélicos en vuestro país o de Santiago, dinos ¿cómo es la escena psicodélica de Chile? ¿cuándo se inicio? Algo sabemos de bandas como The Ganjas, Acid Call o The Cindy Sisters. ¿Qué tal los conciertos? ¿Es una escena rentable o el público anda más interesado en productos como Gepe o Dënver? ¿Todo está focalizado en la capital o hay movida psicodélica en otras regiones?

Si bien existe una escena que ha acuñado el término psicodélico, de mano del sello BYM (Blow Your Mind), y si bien nosotros conocemos a algunas de las personas que militan en las bandas de ese sello, nuestra actividad está más bien enajenada de esa corriente nacional. Hay que agradecerles, sin embargo, el haber puesto en marcha nuevamente la producción musical en formato vinilo, y también por poner a Chile en un mapa internacional de música de calidad. 


Música psicodélica hay en Chile desde finales de los 60’s, pero todos saben lo que pasó con la dictadura acá, que barrió con todo, atomizando y destruyendo los corrientes incipientes. Mi encuentro con esta música en Chile fue a comienzo de los 2000, con las bandas del sello Algo Records: The Ganjas y Tsunamis principalmente, que revitalizaron el género y recibieron un poco de apoyo medial de mano del canal Via X, que los puso en vivo en horario prime. Fueron buenos años para la música chilena; había muchas tocatas y muchos bares donde escuchar, y las bandas florecían con ímpetu y con lazos de amistad unas con otras. Hoy por hoy la cosa se ha enfriado un poco. La amistad persiste pero parece que los lugares para tocar han ido desapareciendo poco a poco. Hay que ingeniárselas, producir uno mismo, inventarse el circuito. Creo que las bandas que rentan dentro del estilo son porque están fichadas por sellos extranjeros, como la Holydrug Couple y Föllakzoid, que están por Sacred Bones. No sé si los Ganjas o los Tsunamis ganarán lo suficiente en el circuito nacional como para mantener una vida que dependa exclusivamente de sus bandas. ¡Nosotros por otro lado no ganamos ni un cinco! El público siempre estará del lado de lo popular, y eso es trabajo para todos los que navegamos en este estilo, el de aterrizarlo a un gusto popular y no volverlo un manjar exclusivo de una burguesía Chilena, porque ya hemos tenido suficiente en este país de burguesía retórica y anglófila. Apunto eso porque creo que estamos al debe, sin ir más allá y sin mencionar otras bandas, creo que Vago Sagrado está al debe con lo popular, con las influencias inmediatas, con la geografía de nuestro país y nuestra ciudad. No sé si eso es una condición de la evolución intelectual de un músico, pero por mi lado siento que es una problemática que no ha sido abordada, y que ha sumergido a la “psicodelia” en la categoría de producto de exportación. 

Sobre la regionalización, nada que decir, mi ignorancia es suprema, pídeme mencionar 10 bandas actuales que sean de regiones y sólo podré nombrar 3. Eso da una radiografía de lo que sucede hoy con la centralización. Santiago todavía es Chile.

El arte de vuestro disco rememora al de los álbumes de música clásica que circulan en el mercado. Una excelente jugada sin duda. ¿Qué significa ese subtítulo: “Mel kouzla se hnevem a zoufalství posvátné pobuda”?

¡Sí! El arte buscaba emular las portadas de los discos de música clásica de la enciclopedia Salvat. ¡Gracias a Valeria Rojas por ello! El texto es una traducción polaca de una de nuestras letras: “he had the magic will, the anger and despair of a sacred bum”. “Tenía la voluntad mágica, la rabia y la desesperación de un Vago Sagrado”. Pequeños juegos y pequeños guiños para desviar el prejuicio “psicodélico” de nuestra música.
 

Menciónanos please 10 discos fundamentales o de cabecera en tu historia personal.

¡Allá van!

-    Jacques Thollot – Quand Le Son Devient Aigu, Jeter la Giraffe a la Mer (1971)
Para mí, uno de los mejores collage surrealistas, free jazz y avant garde de la historia de la música francesa y de paso mundial.

-    Sonic Youth – NYC Ghost & Flowers  (2000)
Texturas y texturas de guitarras sobre áspera poesía beat. ¡Joya!

-    Dinosaur Jr – You’re Living All Over Me (1987)
¿Heavy Metal Indie Melódico? Dinosaur Jr inaugura un género absolutamente nuevo con este disco.

-    John Tchicai & Cadentia Nova Danica – Afrodisiaca (1969)
Este disco está en el mítico artículo de Thurston Moore “Top Ten of the free jazz underground” y es para mí el mejor de la lista. ¡Free jazz selvático!

   
-    Ash Ra Tempel – Ash Ra Tempel (1971)
    Este disco sí que merece coronar la categoría del Space Rock. ¡El power trio definitivo!
   
-    Neil Young – Zuma (1975)
    Nunca se le vio tocar tan bien al bueno de Neil como en Cortez The Killer.
   
-    Sun Dial – Other Way Out (1990)
    Pura escuela. Para los amantes del delay, el wah wah y los solos a la Hendrix. ¡Un clásico de los 90’s!
   
-    Eternal Tapestry – Beyond the 4th Door (2011)
    El trabajo más pulido y menos improvisado de la mejor banda de Portland. ¡Psych Rock for the mind!
   
-    Bob Dylan - The Times They Are A-Changing (1964)
    La Balada de Hollis Brown debe ser la historia más sórdida, cruel y triste que se haya narrado en un disco de Folk. Siempre ha sido una inspiración para nuestra propia forma de abarcar las letras.
   
-    Spacemen 3 – Playing With Fire (1989)
    ¡No le tengo que decir a Wilder lo que S3 representa para todos nosotros!  

¿Qué otros grupos chilenos de hoy nos recomiendas escuchar?

A Full Cosmic Sound, que han tocado en Perú, El Purpurado de Charol, Un Festín Sagital en la veta solista de Thanatoloop (y si pueden escuchen el Kosmodynamos también), Tsunamis, Psychedelic Schafferson Jetplane, Trementina (¡que te recordará alegremente a MBV, Wilder!), Nubosidad Parcial, Holydrug Couple, Adelaida.

¿Qué planes para el futuro de VAGO SAGRADO?

 
Estamos trabajando a toda máquina en nuevos temas. Ojalá cerrar el año con un disco nuevo. Lo que queremos es tocar en vivo lo más posible, es donde lo pasamos mejor. Sobre giras, a mí en lo personal me encantaría tocar en Lima, tomarme unas cervezas y conversar con la gente de allá (a ver si conocemos a algún Serpentina Satélite o un Hipnoascensión, ¡sería bacán!). Nuestro homónimo saldrá en CS por ETCS records y en CD por Sonidos Ocultos. A ver si nos pegamos un viaje pronto, al sur de Chile o a Argentina, pero eso todavía está en veremos.

Muchas gracias por concedernos la entrevista cumpa. Si deseas agregar algo puedes hacerlo ahora. Saludos y vibras desde Lima Norte, Perú.

¡Saludos a ti Wilder, siempre apañando! y saludos a todos las panas de Perú, ¡Saben mucho!


domingo, 28 de junio de 2015

!!!ABAJO EL MATRIMONIO Y LA MORAL DEL REBAÑO!!!



el sexo -sea hetero u homo- está sobrevalorado
como si fornicar fuera hacerla ya, triunfar...
cuando es una práctica primitiva como comer, cagar, mear y demás excreciones




!!!ABAJO EL MATRIMONIO!!!
ABAJO LA MORAL DE LA MASA
A CREAR MÁS ALLÁ/POR ENCIMA DE UNO


                                                             la nación del amor igualitario



OLEADA HIPSTER HACIA YANKEELANDIA, DONDE SE PUEDEN CASAR LOS HOMOSEXUALES ABCDEFGHXYZ PERO POR SER NEGRO/A, CHICANO, ÁRABE TE PUEDEN MATAR + LA GENTE TIPO ROCKEFELLER ESTÁ ELABORANDO SUS SIGUIENTES ESTRATEGIAS ( implante de chips a los nuevos ciudadanos, dominación mundial, etc), etc etc.
Asko!!!



Ambivalent post about being happy-for-other-people's-happiness while remaining attached to a queer recalcitrant attitude against the state-legitimation of attachment goes here. For all the beauty of its "one flesh" biblical poetics and its ideal of emotional helpmeets, marriage seems to me to be pretty clearly tethered to a long, ugly history of asymmetrical power relations between men and women, parents and children, the state and its subjects, the church and its flock. Marriage is soldered to the history of patriarchy, property management, misogynist legal doctrines of coverture, the transfer of inheritance and the morbid hoarding mentalities that go with that, and it's used to police the boundary between legitimate and illegitimate children, the boundary between legal citizens and illegal immigrants, the boundary between upstanding and morally questionable people etc. I always loved that "queerness" meant giving bad history the slip, trying to imagine new forms, other forms. Sorry to be cranky but I have to be honest. No disrespect to actual married people is intended here, but I mourn the passing of an implicitly critical queerness. 

- Drew Daniel from MATMOS

sábado, 27 de junio de 2015

H R 3 0 0 1


Sólo el alma débil y pobre en energía quiere adornarse con riquezas externas. El alma que ha madurado, que está llena de fuerza de vida, tiene plenitud y en su interior es rica. Ella es moderada. El ser humano moderado recibirá lo que necesite -y con frecuencia más aún pues el Eterno da a aquél que se le entrega fielmente. Libros de Editorial Vida Universal para entender la Sabiduría Divina en: Librería Chang de Av. Arenales 1001/Jesús María y en Librería Contracultura de Av. Larco 986/Miraflores◙ Un acto observado con telescopio milimétrico es AGENT SIDE GRINDER, una de las mejores bandas de Suecia. Ellos han fusionado estilos como post-punk y synth-wave, todo ello edulcorado con sonidos post-industriales y krautrock. Su previo esférico ´´Hardware´´ me impactó de tal manera que he esperado con ansia su neo opus. Hoy ellos pertenecen al sello Progress Productions para el cual grabaron su o.v.i en álbum: ´´Alkimia´´. La placa en mención expresa todo el arte y talento de esta banda que ya ha actuado en el Festival BIM de Antwerp.

Kristoffer Grip es la vox al frente ASG y quien entona las canciones en un estilo unicelular, individual y estimulante. ´´Into The Wild´´ es uno de los satélites sónicos en donde predominan todos los ingredientes con los cuales ellos se han hecho amar desde hace unos 5 años atrás: un fantástico bajo con destellos post-punk y riffs de guitarra siderales, además de un hipnótico y repetitivo sonido de teclado análogo unido a la voz de barítono de KG -aquí en su más agresiva versión. ´´New Dance´´ es la perfecta canción de transición que mantiene su línea post-punk pero va en dirección-esencia de unos NEW ORDER. Majestuosos y con vocalización asequible y melodías ultra pegajosas. Una perfecta introducción para ´´Giants Falls´´ que eleva el track a un seguimiento global. Los teclados son irresistibles, algo kitsch pero extremadamente hermoso. Obsérvalos en su clip a continuación:

 

Las melodías son en un 100% synth-pop, reminiscencias de unos LADYTRON, DEPECHE MODENEW ORDER. Al final las voces extra de John Lange son divertidas. Él tiene una maravillosa y suave voz que hace la contraparte a la vox de KG, un poco como cuando Martin Lee Gore responde a Dave Gaham (ambos en DEPECHE MODE).
En la canción ´´Void (The Winning Hand)´´ la atmósfera creada  x un acordeón torna a  la melodía sensual. La voz de Grip se asemeja aquí a la de JIM MORRISON. Es como si uno estuviera en un film de FELLINI y los coros te llevan en oleadas de bellos sonidos de armónica. ´´For The Young´´ es otro de los satélites en vena synth pero ahora con la vocalización de NICOLE SABOUNÉ. Ella participó en el concurso ´´The Voice´´ de Suecia. Cuando comienza´´Hexagon´´ es imposible que no empieces a bailar: onda techno hipnótica y esos coros llenos de esencias de unos SKINNY PUPPY y NINE INCH NAILS. El track ´´This Is Us´´ se introduce en ese universo llamado JOY DIVISION, saga ´´Shadowplay´´. El último capítulo:´´Last Rites´´ es un opus magnum, una adorable canción con un ritmo de vals original y NICOLE canta como primera voz y hace los coros a la vez. Todo el disco es una joya legítima de colección que no puedes dejar pasar◙

 

SWEAT LIKE AN APE! proveniente de Bordeaux/Francia se alimenta de energía de los cuásares, graban para Platinium Records y su más reciente o.v.i en álbum titula: ´´Sixty Sinking Sailing Ships´´. SLAA es un cuarteto integrado x: Sol Hess, Jérome D´Aviau, Pierre Guignard y Arno Pierret. Todos ellos alimentan una escena inimaginable al mezclar rock etíope, jazz, punk, funky western (al estilo de PARLIAMENT) y rock común y silvestre. Otras influencias que noto: THE CURE, TALKING HEADS, SEX PISTOLS ...
Su música es polirrítmica como nunca jamás, estridente como debe de ser. Frenéticos y furiosos, como si alguien estuviera tratando de alcanzarlos -aunque también es música sombría, una especie de baile antes del fin de ésta humanidad, luminosa como la liberación del cuerpo, casi espiritual. Una música para vivirla a flor de piel y además: reflectiva.
En suma, energía punk aliada a un pop luminoso y danzante con gran influencia anglo-sajona aglutinando al fin toda esa colosal energía de la cual ellos se alimentan: ¡los cuásares!◙



SILICON tiene su base sideral en Nueva Zelanda. Acto con Kody Nielsen en el comando de la nave. Su satélite en single debut, ´´God Emoji´´, es una indicación de su ´´aspersian-pop´´, término que ellos mismos definen como tal y que en definitiva no es otra cosa que súper funky con synth grooves, dentro de sus códigos binarios computacionales. La letra repite ´´Don´t want to go out on Saturday´s night´´ durante casi todo el disco. Un debut promisorio para SILICON que desde ya está dando mucho de que hablar a los cibernautas◙




En el resplandor itinerante de radiaciones lumínicas surge JENNY HVAL, quien tiene ya editada su placa ´´Apocalypse Girl´´ -álbum irónico y desconcertante,divertido, óptimo. Para un ejemplo ´´Kingsize´´, tema ideado entre armonía y disonancia. La voz etérea de JH flota sobre las canciones y balanceando en perfecto equilibrio transporta sin más a esa galaxia gigante llamada M87. Ella proviene de Noruega y, al igual que BJÖRK y FKA TWIGS, proyecta una visión de sensualidad femenina. Su placa ´´Innocence Is Kinky´´ de 2013 develaba teorías de identidad y género dentro del art-pop confrontacional, ciencia ficción y música electrónica con su ya típica suave voz, la misma que cambiaba de lo vulnerable a lo poderoso. Su o.v.i en álbum, ´´Apocalypse Girl´´, es totalmente provocativo y ella utiliza palabras que raramente han sido escuchadas en una canción. Sacred Bones es el sello que la tiene fichada◙

 

EVERYTHING EVERYTHING cuarteto de Manchester/Inglaterra comandado x Jonathan Higss es un combo en vena excéntrica, un acto pomposo tal como las bandas británicas suelen serlo en conjunto. Su placa ´´Get To Heaven´´ propaga temas que no son fáciles de olvidar. Un mini álbum con 8 tracks para despedazar oídos frágiles. La vox distintiva de Jonathan Higgs es en donde el disco reposa. ´´To The Blade´´, primer track del disco explora con los sintetizadores y el rock progresivo. El álbum en sí detona up beat, percusión y riffs de guitarra. EE ha ampliado el paisaje del pop y ha moldeado temas y probablemente no se escuche algo igual en años. Este acto podría ser la encarnación de XTC pero también tienen mucho de YES, era ´´Drama´´ de cerca de los ´80´s. Considero que también deben haber estado viendo muchos clips de PETER GABRIEL. Un acto para ver y escuchar◙



La música que sonó en RM-FM disponible en AGH MUSIC, segundo nivel de Galerías Brasil en Jesús María. Especial para coleccionistas y fieles seguidores
No muchos artistas han condensado formas y estilos de tal forma como sí lo ha hecho Ryan Lott de SON LUX. Un dedicado estudiante dentro de la música clásica. El escenario musical de Lott ha caminado x senderos junto a Richard Perry de ARCADE FIRE y SUFJAN STEVENS entre otros. Él se hace acompañar x el guitarrista Rafiq Bhatia y el baterista Ian Chang, lo que le permite alcanzar y traspasar fronteras muy lejanas como ningún otro grupo, ¡jamás! Su o.v.i en álbum ´´Bones´´ deconstruye géneros con facilidad y los vuelve a unir en una especie de armado sónico: Frankestein. El resultado es un ecléctico monstruo sónico, trazando perspectivas y explorando neo territorios. Una especie de film de terror al fin. La pieza ´´Change Is Everything´´ prodiga sonidos en vena heavy industrial pop con explosivos loops. ´´Flight´´ tiene una vocalización bien trabajada, un master-work, mientras que ´´White Lies´´ es más futurista y freaky. En suma, experimentaciones con jazz digitalizado, pop y complejas composiciones en una variedad de otros géneros◙



METZ acaba de tener lanzado un neo opus en álbum: ´´II´´. Gracias al sello Sub Pop. Un combo de noise makers procedente de Toronto y bajo la hélice conductora de Alex Edkins. Un acto anti-todo que ha confabulado 10 piezas, anti-himnos, producido x Graham Walsh de HOLY FUCK. Fácilmente se apoderan del centro galáctico de tu mente y te llevan x las nubes estelares de Sagitario◙STOP!

 

viernes, 26 de junio de 2015

New single 'Voices' + new video for LIGHTS THAT CHANGE 'Voices' (feat. OMD, Golden Fable members)


Wales’ Lights That Change dish up slow-burning 'Voices' single feat. Mal Holmes (OMD)

"A truly beautiful slow burning slice of dreamy bright pop" - Louder Than War

"A brooding intro brings us into a sonic world, suggesting something of classic shoegaze flavour whilst shooting firmly for the mysterious unknown future...a radiosexy reinvigoration of early 4AD spirit" - Joe Foster (Creation Records)

FOR FANS OF: Dead Can Dance, Cocteau Twins,The Cure, This Mortal Coil, Marissa Nadler


Lights That Change is an alternative ethereal dreampop outfit, hailing from North Wales and headed by Marc Joy. After many years producing other artists, he finally turned his attention towards his own creative endeavours. Thus was born Lights That Change, channeling new energies into sculpting horizons of perfect dreamscapes, primarily based on guitars.

Lights That Change released their debut EP ‘Rainbow On Your Shoulder’ in 2013, followed by ‘Whispers in February’ and have received support from BBC, Tom Robinson, and Amazing Radio, among others.  Louder Than War has premiered the new single 'Voices', which was released on May 11. The newly-released video is simultaneously premiering on 50thirdand3rd and Jammerzine.


 
"I listened to the track hundreds of times to get a solid feel for the music. Images fell into place in my mind and then I reproduced them on the screen," explains British filmographer Jason Sheppard, who created this video.  "This has a lovely gothic feel to the sound but also a soundtrack theme to it. A soundtrack to your life."

Over the past year, Lights That Change have undergone a reformation, with Mandy Clare on vocals, John Bryan on bass and Marc Joy on guitars. Rebecca Palin (Golden Fable) and drums from Mal Holmes (Orchestral Manoeuvres in the Dark) both appear on this first single 'Voices' and elsewhere on their forthcoming debut LP ‘Byzantium’, expected later this summer.

“I’m extremely happy to be involved in Lights That Change,” says Mal Holmes. “This has given me the freedom to create something special for ‘Voices’ and the new album doing what I love to do … this is why I started playing drums in the first place”.

The first single from this forthcoming album, entitled ‘Voices’, is chalked full of ethereal wave post-punk magic reminiscent of 4AD’s golden era.  Mandy Clare lays mesmerizing vocals over a bed of drifting, powerfully moving soundscapes.  Lights That Change will also be bringing their new permanent lineup to U.K. live audiences soon.

"A haunting, shimmering, deceptively simple slice of widescreen shoegaze that knows 100% what it's all about. A winner" - Producer Fran Ashcroft (Damon Albarn, Lords of Acid)


"Sublime slice of dream-pop inspired heaven, full of hauntingly beautiful vocal tones, floating progressions & blissfully unassuming guitar lines" - Primal Music Blog
"Stunning and haunting…outstanding showmanship and seductive melody" - The Sound of Confusion



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jueves, 25 de junio de 2015

Reseña: TOMORROWLAND - Stereoscopic Soundwaves (Bliss Out Vol. 6) (Darla Records, 1997)


Escrito originalmente para El Hexágono Carmesí.

Ya en 1996/97 los jóvenes más transgresores e iluminados de Detroit, Michigan (U.S.A.) se  habían  nucleado como centro de  referencia para todos los  demás niños-unicornios de este planeta. Además de haberse convertido en hogar de grupos imprescindibles como Once Dreamt, los geniales Windy & Carl y los maravillosos Füxa; la ciudad también cobijaba un -entonces- nuevo entente hipnoastral: Tomorrowland.

El primer disco de la dupla conformada por Steve Baker y Nick Brackney fue un extended de la hermosa serie Bliss Out que impulsara la discográfica Darla: Stereoscopic Soundwaves, una gema de 30 minutos. Era la época de aquel site inolvidable, ése que nos sirvió de bálsamo a muchos: Post-Rock.com (http://www.post-rock.com). En dicha web se daban a conocer al mundo grupos alucinantes que en ese momento se encontraban irradiando de forma más que consolidada su discurso sónico. Uno podía ver ahí enlistadas, comentadas y analizadas a bandas como Labradford, Main, Pram, Accelera Deck, Flying Saucer Attack, Tortoise, Transient Waves y, claro, Tomorrowland. Luego de un par de cambios de diseño, y ya para 1999, un día nos encontramos con la ingrata sorpresa de que Post-Rock.com había dejado de existir. Sin embargo todo lo que hizo por nosotros, niños y niñas de lluvia, era ya imborrable.

Apertrechados de porta estudios, sintetizadores vintage, percusión onírica, minimalismo y etéreas guitarras, Baker y Brackney ingresaron suavemente en nuestras almas aliviando en mucho nuestra convivencia diaria con seres ¿humanos? que más parecen vomitivas excrecencias -intentos de hombre que contaminan con su hedor los hábitats más increíbles (inclusive en una escena tan singular como la de la música alterna nacional podrás hallar, querido lector, esta clase de enfermos). Por ser contrarios a tanta degeneración ¿no podrían artistas como los Tomorrowland convertirse en las versiones contemporáneas o futuras de los antiguos místicos medievales? Baste citar un ejemplo cegador y luminoso a favor de esta hipótesis: el desaparecido Cocó Ciëlo.


Y  creo  que   de  eso   se  trata  todo  esto.  De  subvertir   un  orden  de  cosas -establishment, que le dicen-, realmente nefasto y podrido, una locura que ha regentado la sociedad por siglos. El jodido materialismo occidental, el estúpido raciocinio cartesiano. Ese diseño que en el colmo de la idiotez cree ser superior a todo lo anteriormente alcanzado por el Hombre. Eso es lo que, ayudados por muchos otros camaradas post-rockers, Tomorrowland y su música se encargan de corregir. El influjo celeste de la música de este vibrante Stereoscopic Soundwaves... tiene un don extraterrestre: cambiar tu mente formateada por décadas de directrices corruptas y elevarte así encima de una “realidad” monótona, aburrida y demasiado opaca. Más allá de una vida que no merece ni por asomo ser vivida.

¿Qué hubieran hecho gente como Nietzsche, Schopenhauer o Wittgenstein de haber conocido y gozado estas formas musicales en sus almas? Como ya lo dijo el primero de los mencionados: es el eterno retorno de lo idéntico. Espíritus afines este disco es el preciso para volar.  Cada vez creo más en esa sentencia de mi compadre DJ Kowalski: “los 90s fueron la mejor época de la Humanidad”. Are you for real?

Wilder Gonzales Agreda.

ESCUCHA EL STEREOSCOPIC SOUNDWAVES (BLISS OUT VOL. 6) AQUÍ
ENLACES RECOMENDADOS
http://www.kranky.net/artists/tomorrowland.html (en Kranky Records).
http://users.skynet.be/entrepot/int/tomor.html (Interviú!)

http://www.scaruffi.com/vol5/tomorrow.html (en Scaruffi.com).
Microbe (Red Antenna, 2001): http://www.archive.org/details/ramp3002 (en Red Antenna).
Variable (Red Antenna, 2005): http://www.archive.org/details/ramp316 (en Red Antenna).

¡Velasco Súper Héroe!


“¿Cómo era akí? ¡Akí mandaba el embajador americano! Cuando yo era presidente, el embajador tenía ke pedir audiencia y yo lo manejaba a seis pasos. Yo los fregué. Yo boté a la misión militar americana. Akí había 50 o 60 jefes americanos y el gobierno peruano tenía ke pagarles sus sueldos y el pasaje, hasta para el gatito ke traía la familia. Y formaban parte de la información ke se daba para la CIA. Nosotros no los necesitábamos. Ya habíamos crecido bastante como para tener ke consultarles todo...”.

LEE LA ÚLTIMA ENTREVISTA A VELASCO EN:

 http://www.arkivperu.com/velasco/

Tu Nombre Es Fresa

Publicado originalmente en Paraíso Vacío.

Desde La Plata, Argentina vía los efluvios binarios de la Red llega lo nuevo de Adrián Juárez - ex Moscas Nekrasov - un músico que ya conocíamos desde que publicáramos un split con él como Azucena Kántrix - junto a Chrs Galarreta -, el alucinante "Océanos Imposibles" por Superspace Records y, luego, por Ruidemos de España.

Esta vez Juárez nos sorprende gratamente editando un disco de vena indie pop teñido de detalles electrónicos y preciosistas que dotan a su música de un aura de atrevida belleza posmoderna, lo que sumado a las singulares letras de las canciones conforman, qué duda cabe, un trabajo logradísimo que viene a sumarse a la mejor tradición rockera argentina. No a aquella que los insulsos mass media imponen/venden hasta la saciedad sino a la conformada por artistas como Juana la Loca, Suárez, Pablo Reche, Martes Menta, Pommerenck, etc.

Realmente este lanzamiento es todo un hito y no sólo para los argentinos. Se trata de un fantástico disco de enajenado indie pop que mira directo a la frente a las mejores obras de famosas bandas del género como The Postal Service, Ana D, Family, etc. Los fans del indie deben estar felices por la llegada de "Tu Nombre Es Fresa", ya que no habíamos escuchado un disco en esas coordenadas sónicas tan desbordante de talento en varios años.

Estará en el Top Ten de los discos de la década a no dudarlo.

Si deseas sentir como la música, sin distinción de géneros o estilos, es capaz de crear auténticos paraísos en tu mente y salir hermoso y purificado de un mundo lleno de envidia, mierda y alienación pues entra al universo sónico de Adrián Juárez y saldrás bendecido cual chic@ estrella.

http://adrianjuarez.bandcamp.com/


"EL HOMBRE ES UN MENDIGO CUANDO REFLEXIONA Y UN DIOS CUANDO SUEÑA"
(Friedrich Hölderlin, 1770 - 1843)



Portada por Mónica Naranjo Uribe

miércoles, 24 de junio de 2015

Suceso: el "Noika Koita" (1998) de EVAMUSS disponible en digital


Viajeros,
El colega y amigo Christian Galarreta (Diosmehaviolado, Evamuss, Tica, Sajjra, etc) ha puesto disponible de nuevo su gran disco doble "Noika Koita" de fines de los 90's. Un histórico documento de la música electrónica peruana, sin duda. Un doble álbum pleno de florituras, trinos, cascadas y enigmas firmado por su proyecto noventero EVAMUSS, conformado en esa temporada por Fabiola Vásquez, Luis Durand y Raúl Privat.

Puedes disfrutarlo en el bandcamp de Chrs de donde también lo puedes adquirir por solo 5 euros.

Como vemos en el panorama mundial los 90's brillan con fuerza. Siempre lo harán. Ayer un amigo a través del teléfono me comentaba que pasarán fácil unos 200 años para que la humanidad vuelva a equiparar los avances logrados durante aquellos días de fin de siglo. La música y visiones hablan por si solas.

Enjoy!!

martes, 23 de junio de 2015

Ejército del Aire - El visitante

Reseña: HECKER - Speculative Solution (Editions Mego, 2011)

 *Originalmente escrito para Afterpop.tv de México.

La última obra del talentoso artista sonoro alemán Florian Hecker titula "Speculative Solution" y viene en una caja publicada por el sello vienés Editions Mego junto con un libro conteniendo 3 ensayos sobre los postulados del filósofo francés Quentin Meillasoux quien es autor de la Teoría del Hipercaos.

Ella rompe con la tradición de causa y efecto occidental y afirma que los eventos en la Naturaleza son de un potencial infinito y superan las viejas tesis de la ciencia moderna (Kant incluido) y el pensamiento empírico. Por el contrario según Meillasoux todo puede ser o, como lo resume bien, "you never know" pues en cada momento cada posibilidad tiene la misma oportunidad de suceder. Así ni las leyes de la Naturaleza se salvan del súper escepticismo del galo. ¿Otro francés viene a deshacer lo andado desde Descartes? Pienso que lleva la duda cartesiana mucho más allá.
 

 

Hecker ha aplicado las teorías de Meillasoux a la elaboración de sus paisajes sónicos digitales y el resultado es excelente aunque, curiosamente, es una obra típica de la discografía del germano -ahí están los alucinantes "Sun Pandämonium" (2003) o "IT ISO 161975" (1998) para corrobarlo-: escuchamos y sentimos, gracias a Florian y sus softwares musicales, aluminio puro incrustándose en nuestro cráneo al poner "play". Desde el primer segundo que el disco gira nos asaltan visiones de neo-formas brillosas metanaturales que cual aves de un futuro perdido cantan sin cesar  himnos a la gloria del hipercosmos o del hipercaos en este caso.
 

Todos los paisajes que nos regala el talento de este connotado ciudadano de Augsburgo (Alemania) se escuchan tan vivos que uno puede en verdad sentirse parte de él, de hecho te transformas en metamúsica junto a Hecker o de lo contrario estás hecho de una materia infrahumana.
 

Florian nos prueba que no es necesario elucubrar, cual compositor de conservatorio, tremendas partituras para realizar una obra que comulgue con el espíritu de la música y perdure para siempre. Algunos dirán que Hecker ha recurrido al auxilio de nuevas y sofisticadas teorías filosóficas pero creo que bien en el fondo él sabe que su música va más allá de tanto palabreo académico y/o culturoso.
 

La música, como nos lo viene demostrando desde fines de los 90's Florian Hecker, simplemente ES. 

                                                               Wilder Gonzales Agreda.

domingo, 21 de junio de 2015

BRAGEIKI INTERVIÚ: "Hoy se ha banalizado lo espiritual, la finalidad del arte no es abrir mercados"


El 2014 fue un año de revelaciones en la música peruana alterna en general. Proyectos tan disímiles e interesantes como La Lá, Sad Animals o Registros Akásicos pergeñaron sus primeros discos con notables resultados. Uno de estos agraciados fue, qué duda cabe, Braigan "Brageiki" Vega. Natal de Lima Norte y residente en Huamanga (Ayacucho) su debut "El Espejo de la Iris" (Tape Safe, 2014) fue un ventarrón de sonoridades frescas y armonías soñadoras en la escena peruana tan estandarizadamente proclive a los dictados de la industria, los mass media y a la insufrible ignorancia de buena parte de sus integrantes. 

Braigan acaba de lanzar su segunda producción, "Wayta" (Tape Safe, 2015), por lo que aprovechamos la ocasión en el blog PerúAvantgarde para charlar con quien se ha erigido ya como una de las grandes promesas de la música peruana actual. Con ustedes y sin más bla bla bla, Brageiki Vega.


Dinos desde cuándo empezaste en serio con la música. ¿Cuáles fueron tus primeras influencias o grupos que escuchaste al inicio?

De niño aprendí a tocar la flauta dulce gracias a los manuales que publicaba la editorial Toribio Anyarín Injante. Para responderte tengo que remitirme brevemente a cuestiones biográficas. Nací en Lima, viví hasta los casi 13 años en San Martín de Porres. Mis abuelos paternos son ayacuchanos, de la zona de Vilcashuamán. A esa edad me vine a radicar a Huamanga con el objetivo de estudiar en el mismo colegio que tú estudiaste: el Salesiano. Al poco tiempo de llegar, creo que a las 2 semanas, me incorporé a la banda sinfónica, en la que toqué, por cuatro años, trombón de llaves y bajo barítono. Ahí aprendí a leer música. Luego, cuando ya tenía 17, empecé a tocar guitarra de forma autodidacta a la par que recibía algunas recomendaciones. A esa misma edad empecé a crear canciones con melodías y acordes de balada pop a modo, en realidad, de practicar y divertirme en soledad. Aunque a los 16, ahora que lo recuerdo, hice una banda que se llamó Casternova y tocábamos pop punk. Yo era el vocalista. Siempre estuve enganchado a la música. Es una voluntad de sentir, parafraseando a Nietzsche.

En cuanto a tu otra pregunta, mis gustos son heterodoxos. Mis primeras influencias las tuve de la música pop convencional. A los 14 años me gustaba Stratovarius y Rata Blanca; bandas que ahora no escucho ―salvo por cuestiones nostálgicas―. Actualmente admiro las obras solistas de Jonny Greenwood, Omar Rodríguez-López, John Frusciante, Manuelcha Prado, Rafo Ráez, Gaspar Andía, Carlos Falconí y John Coltrane; bandas como If these trees could talk y Friends of Dean Martinez. También me gusta el IDM, el jazz y la guitarra ayacuchana. Me gusta mucho la música instrumental en general.
 

 
Tu primer demo “El Espejo de la Iris” generó cierto entusiasmo por parte de la gente interesada en sonidos fuera del mainstream, más aún viniendo  tu música de Huamanga, ciudad de la que poco hemos escuchado en términos de música alterna o distinta.  ¿Cuéntanos cómo fue el proceso de elaboración de “El Espejo de la Iris”? ¿Qué instrumentación usaste? ¿De qué van las líricas y títulos de las canciones?

Al inicio no pensé editar un álbum; solo hacía canciones de forma lúdica. Solo sé que inadvertidamente grabé todas esas canciones; las dejé fluir. Cada una tiene un contexto y anécdota. Casi todos los temas fueron creados instantáneamente. Utilicé el software Audacity, como también los efectos de sonido que éste incorpora, sumado a ello una guitarra acústica con cuerdas de metal, una quena de carnaval huamanguino, una flauta dulce, un casiotone CTK―100 y mi voz en algunos pasajes. También algunos audios grabados con el celular en formato AMR, como la voz estentórea del cachinero que suena en la parte final de "Los perros y la lluvia". Cuando grabé esa canción me encontraba tomando desayuno, por eso suena una cucharita dando vueltas dentro de una taza. 

La lírica de "El confín de los vientos" es una poesía de Walter Bustamante, quien fuera mi profesor del curso de historia en el colegio, además de impulsar la cultura en Ayacucho. Los títulos de las canciones en sí resumen estados de ánimo, pero considero que, aun ante eso, hay libertad para interpretar. Creo que en algunos títulos he sido bastante explícito.

Háblanos sobre la genial portada, ¿quién la tomó? ¿qué lugar es? ¿el can es tuyo? -realmente luce súper etéreo.

 
Yo tomé la fotografía a finales del 2011, mientras hacía una caminata por Villa San Cristóbal, que es un barrio periférico de Huamanga ubicado en las laderas de un cerro. El perro no es mío, pero me gustó su postura y mirada mientras yacía en la zona superior de una pared de adobe. Por su sencillez ―algo que quise expresar en "El espejo de la iris"― la utilicé para portada del álbum.
 

Hace unas semanas publicaste tu segunda producción “Wayta”. El sonido ha cambiado respecto a “El Espejo de la Iris”. Te escuchamos mucho más acústico, lejos de las experimentaciones con sonidos y electrónica de tu anterior trabajo. Es fuerte la presencia del charango y la viola. ¿Qué te motivó a probar estos terrenos o es allí donde te sientes más cómodo realmente?

"Wayta" significa en mí una etapa de constante catarsis con la música andina y su cosmovisión, a raíz de mis lecturas sobre arqueología, historia y filosofía. Hay un libro bastante interesante, por cierto, que se llama “Filosofía andina, el humanismo ecológico”, de la filósofa ayacuchana María Flores Gutiérrez. Al realizar este segundo trabajo me he sentido bastante cómodo por esos aspectos que menciono palabras atrás. Ha habido, en ese sentido, una conexión ideológica-estética. En mis pocas presentaciones en la universidad, y en uno que otro evento organizado por amigos cercanos, sigo explorando la electrónica y psicodelia, con algunos matices andinos. Es algo que se ha incorporado a mi forma de sentir la música y, por tanto, también a lo que compongo.
 

Me contabas que la foto de la portada de “Wayta” es una flor que crece en Huamanga de forma natural y salvaje. ¿Sientes que tu entorno influye mucho en tu estética musical o es tan solo un cliché o estrategia de marketing?

Wayta significa “flor” en runasimi (quechua). Para la portada fotografié a una flor silvestre que crece tras las lluvias intensas del verano en todo Huamanga. Es una flor pequeña de color rojo, pero también naranja. Para mí simboliza lo vital.

Comprendo tu pregunta y entiendo que su intención es zanjar dudas. A decir verdad, hoy se ha banalizado el aspecto espiritual del hombre con el misticismo superfluo (“new age”) que predica el hipismo contemporáneo. No me gusta el razonamiento marquetero. Creo que la finalidad del arte no está en “abrir mercados”, porque eso deviene por simple dinámica cultural en cualquier sociedad. El arte no tiene que encargarse de esas cuestiones instrumentales. Crear “público” o “mercados” intencionadamente me parece bastante tendencioso. 



 

¿Los vocablos “Brageiki” y “Braigan” tienen algún significado?
 

Brageiki me apodó un amigo del barrio en Lima. Ambos, como muchos otros, andábamos con la moda del Yu-Gi-Oh! En ese juego de cartas había una que se llamaba “Raigeki”, que nosotros pronunciábamos “rageiki”. Yo estaba infantilmente obsesionado por tener esa “carta mágica”. No la pude conseguir fácilmente porque era “una carta rara”. Mi amigo, en tono sarcástico, aglutinó mi nombre con “rageiki”, y quedó “Brageiki”. Me gustó la eufonía del sobrenombre y la utilicé como nickname por bastante tiempo. Braigan es mi nombre, que es una forma sofisticada de escribir Brian. Mis padres quisieron ser creativos, creo (risas).

¿Cómo es la escena de música de avanzada en Huamanga y Ayacucho en general? ¿Qué otros artistas huamanguinos nos recomiendas escuchar?

Tengo referencia de algunos músicos experimentales y electrónicos como Iván de Los Santos, Lord Morgana y Gustavo RQ. Sí los he escuchado a través de sus grabaciones. Su estética no me conecta tanto, la verdad; pero de todas formas respeto sus trabajos. Tengo entendido que ya no tocan en vivo, al menos no públicamente.
De los más experimentales te recomiendo a FüGhawZ y también a Gary Aranda. Todavía no hay una escena de música avanzada, como mencionas. En abril hicimos una reunión de arte sonoro con algunos amigos. Aunque Iván de los Santos, a inicios del 2000, organizaba bastantes eventos; inclusive Christian Galarreta visitó Huamanga en dos oportunidades, creo. Sin duda, Ayacucho tiene historia en lo que respecta a música alternativa y contracultural.


¿Cómo ha sido la reacción de los medios y el público en tus conciertos?

He salido en dos periódicos: “Jornada” y “Hocicón”, pero creo que se debe, más bien, a tener amigos periodistas (risas).  He tocado en algunas oportunidades, en distintos formatos, a veces solo con guitarra acústica. Ahora toco con mi casiotone, un delay y una guitarra eléctrica. Últimamente toco con mi amigo Dany Boluarte. Él toca instrumentos de viento en el performance que hacemos improvisadamente. He visto varias reacciones: algunos no entienden lo que hacemos, otros sí captan el sentido experimental del asunto y nos aplauden. Es algo normal, creo.

Cuéntanos de tus contactos con melómanos de otros países como el sello belga Tape Safe que ha publicado tu música en su plataforma dedicada principalmente a sonoridades experimentales.

Hice contacto con el sello Tape Safe gracias a José María Málaga de Arequipa. Entiendo que muchos, desde distintas zonas, han escuchado el material. Por ahí tengo referencias de oyentes argentinos, italianos, norteamericanos y mexicanos. Es bastante interesante la dinámica de consumo de la música experimental en el mundo. En efecto, es un mundo alternativo.

¿Qué planes para el futuro de Brageiki?

Ahora estoy por conformar un trío de música instrumental. Es algo que anhelo para explorar el trabajo colectivo que me parece bastante terapéutico y positivo para la creatividad.

Gracias por concedernos la entrevista Brageiki. Estaremos atentos a tus siguientes movidas musicales. Si quieres agregar algo este es el momento. ¡Buen vuelo!

Un gran saludo para todos tus lectores. Gracias a tu blog me sumergí en la grandeza de la música experimental nacional y sus conspicuos visionarios de ayer y ahora.


NYC's MALKA dream big and deliver in debut EP 'The Constant State'‏

 NYC's MALKA dream big and deliver in debut EP 'The Constant State'

"Very soundtracky experience. Redolent in many ways of Gong and the whole European freer and communal music movements, including Krautrock... gives the impression of a phantom poppy edge, like a comp of the hits all these bands had back in the day...in an alternative world :-) there is a Mogwai vibe too, but fresher somehow" - Joe Foster (Creation Records)

FOR FANS OF: Pale Saints, Lush, Chapterhouse, M83, My Bloody Valentine, Explosions in the Sky

New York City-based psychedelic dreampop band MALKA present their debut EP, The Constant State. Recorded at both APT Studio (NYC) and Elohino studio (NJ), mixed by Darko Saric, and mastered at 825 Studios by Grammy Award-winning engineer Butch Jones (Madonna, Talking Heads, Iggy Pop, The Gun Club, B-52s), The Constant State takes listeners on a genre-melding journey, ebbing and flowing through the realms of dreampop, post-rock, nugaze, and psychedelic rock.

The songs are evocative both musically and lyrically, touching on metaphysical, existential and interpersonal subject matter with an honesty that resonates to an emotional core. Their music is a reflection of the triumph and tragedy of the world, compelling us to look deeper into the realms of our consciousness. Malka is trying to stretch the concept of songs to make them sound more like emotional lapses of time.

The vocal melodies assume an instrumental form and transcend language, adding transparency to bilingual Spanish-English lyrics shared between three lead vocalists.

The Constant State is on Bandcamp, as well as iTunes and streaming through Spotify, Rdio, etc. The single Mirame is available as a free download via Noisetrade at http://noisetrade.com/malkanyc/mirame



"One of the best guitar records of the year" - The Revue

"A sterling example. An impressively aggressive blast, that doesn’t shaft melody in the process. Sounds like if Kevin Shields had decided that MBV really needed a drummer like John Bonham" - Overblown Magazine

"Flows in a mystical airiness, its songs individually building in intensity throughout, choral guitars shooting for the heavens, seamless in their strumming, and the bass diggings towards an underworld unknown with its bulldozing, growling granularity" - The Deli Magazine (NYC)

“Right at the cutting edge of nugaze, moving it and reshaping it. Somewhere between Sigur Ros, Pink Floyd and Mogwai” - Producer Marc Joy (Mike Peters, Bernard Butler, Golden Fable)

"A sonic landscape full of psychedelic impressions, stunning emotive shoegaze & dreampop flair" - Del Chaney, Primal Music Blog / Primal Radio

    


MALKA IS:
Darko Saric– guitars, synths, & vocals
Mike Dawson– drums
EJ DeCoske– guitars, synths, & vocals
David Ciauro– bass & vocals
 

viernes, 19 de junio de 2015

Reseña: COCOROSIE - La Maison de Mon Rêve (Touch & Go, 2004)

Extraído de la revista "Freak Out!" # 7 - 2005

Según la prensa musical el perturbador disco debut de las hermanas Bianca Casady (Coco) y Sierra Casady (Rosie) se inscribe dentro de la moda folk que afecta a gran parte del planeta, de un tiempo a esta parte. Para mí “La Maison de Mon Rêve (“La Casa de mis Sueños”) es mucho más que simple folk acústico. Podría citar algunas influencias que estas hermanitas tienen pero todo ello queda en segundo plano después de escuchar este espectacular debut. Y es que “La Maison…” es parejo de principio a fin, alucinantemente inspirado y sónicamente extraño –podrás escuchar tanto percusiones baratas, como sirenas en la calle, grabaciones de campo o palomitas de maíz reventándose-, además, la forma que tienen ellas de cantar las emparenta no sólo con Billie Holiday sino también con otra Rosie: la vocalista de los recordados Pram



La temática de las canciones de alcoba de CocoRosie se trata, sin duda, acerca de la vida vista con cerebro de mujer, por ahí tenemos canciones de amor como “Good Friday” o “Candyland” (un lamento femenino hecho canción), además de menciones a quehaceres domésticos y demás parafernalia que puebla el día a día de millones de mujeres en todo el mundo. Sin embargo lo que hace atractivo este disco para nosotros –hombres de poca fe- es el genuino atrevimiento que se percibe a cada segundo del debut de las Casady, y es que ellas no se contentan con hacer simple música “pop” sino que enferman sus piezas con vocalizaciones esquizofrénicas y efectos singulares, lo cual me hace pensar que no sólo han escuchado harto blues –ahí está la alucinante “Tahiti Rain Song”-, sino que también ha pasado por sus oídos algo de la música hecha por This Mortal Coil y, sobre todo, por los primeros His Name Is Alive, ¿quién que haya gozado de esa experiencia podría olvidar los experimentos sónicos del genial Warren Defever?

En resumen, CocoRosie se nos presenta como un proyecto musical encantador a tomar en cuenta –su esperado segundo disco, “Noah’s Ark”, debe haber salido ya al momento que leas estas líneas- pues han elevado el listón, quizás demasiado alto, para sus  demás contemporáneos folkies –que los hay ¡y por montones!- si es que aceptamos el rótulo que los periodistas musicales del planeta les han ideado: “folk-trónica”. Para este humilde servidor esto que tenemos ante nuestros oídos es simplemente pop enfermo, atrevido y sónico. 



Wilder Gonzales Agreda


dl: :::::::::::  :   : pass: elcamelido





El hip hop y pop celestial de GRENDA



Con 16 años en su haber, Grenda debuta en Static Discos con el ep Living Right, mismo que puedes descargar gratuitamente por tiempo limitado.
 
Eduardo Amezcua, el joven productor tijuanense de música electrónica detrás de Grenda, ha esculpido un EP que brilla con una sofisticada belleza pop que se combina con un hip hop que también es ambiente y emoción. Hay madurez y detalle en cada track del ep Living Right, que descubre a uno de los talentos más prometedores de México en tiempos recientes.

Los medios describen la música de Grenda como "beats celestiales a baja velocidad con un flow hipnótico". Y es esa profundidad la que atrapa al mezclarse la voz de Amezcua, de manera casi indistinguible, con panoramas sintéticos que se tornan épicos e inalcanzables.
 

Descarga Living Right gratuitamente a partir de hoy en la web de Static Discos.

jueves, 18 de junio de 2015

¡ALLIN KAWSAY!: El Retorno de los Qhapaq Inka - ¡RECOMENDADO!



El activista andino JAVIER LAJO acaba de publicar la primera novela de la trilogía ¡Allin Kawsay! en donde recoge las tradiciones milenarias de nuestros ancestros incas mutiladas y contaminadas por siglos de transculturación y adoctrinamiento cristiano occidental.

EL RETORNO DE LOS QHAPAQ INKA se constituye así en un heredero de las enseñanzas de nuestros sabios amautas hoy por hoy olvidados por la mayoría de connacionales embrutecidos y adocenados por el sistema, los mass media y demás instituciones alienadoras de nuestras identidades originarias.

Pueden pedir esta magna obra peruana directamente con el autor en:

https://www.facebook.com/javier.lajo

O: 

Estimados hermanos y amigos:
Me alegra mucho poner a su alcance mi nueva novela o SAGA TITULADA:
¡ALLIN KAWSAY! en su primera entrega: EL RETORNO DE LOS QHAPAQ INKA.
Me complace invitarlos a todos ustedes a colaborar económicamente con mi trabajo como Director del INSTITUTO SUMAQ KAWSAY (ISK) del Perú.
Estamos ofreciendo nuestra novela a solo S/.30.00 Treinta nuevos soles, para los compradores peruanos residentes en alguna Región del Perú; y $ 20.00 dólares para los compradores del extranjero (mínimo DOS ejemplares). Claro que los que se vendan en esta PRIMERA CAMPAÑA de venta de libros en papel impreso, irán a sus compradores con mi firma y dedicatoria personal. Igualmente para los que en Lima vengan a la Dirección del ISK: Av. Salaverry 2023-Lince (Al frente de la U. del Pacífico).
Para el pago en moneda nacional, pedidos e informes, se pueden comunicar conmigo al teléfono fijo: 0051-1-2658867, o a:
Lourdes Rengifo - l_rengifo25@hotmail.com - 989-689-851
Ricardo Zegarra- errezetape@gmail.com - 966-169-458
Para venta a distancia pueden hacer su depósito en la cuenta del Banco de Crédito del Perú -BCP- ahorro soles, para los "nacionales".
Cta Nro: 19316290325073
CCI Nro: 00219311629032507313
Y para los "extranjeros", en la cuenta del Banco de Crédito del Perú -BCP- Ahorro en Dólares:
Cta Nro: 19332264558161 (con el SWIFT : BCPLPEPL)
Ambas Ctas. a mi nombre Francisco Javier Lajo Lazo
Ahhhh... Y no se olviden de enviarme por esta misma vía (interno) el código de sus depósitos (y/o mejor escaneados) al E-mail: javierlajo@hotmail.com.
Los libros para el extranjero, se los enviaremos por Courier y los portes serán pagados en el destino.




EXTRACTO:

-¿Y qué figura resulta de la unión del círculo y el cuadrado? –preguntó la adolescente, volviendo al tema.
-¿No lo imaginas?
-¿La… Cruz Cuadrada de Tiwanaku?
-¡Exacto, mi niña, exacto!
-¿Y por qué es tan importante la cruz cuadrada?... o Tawa Paqha.
El Shanti le dejo contestar a Arnawan. Éste dijo así:
-La unión del círculo y el cuadrado representa el más importante paradigma andino; el “pareamiento”, es decir la proporción y el complemento entre los pares.
-¿Entre lo femenino y lo masculino? -preguntó Saraku.
-Ese es el paradigma de nuestra antigua ciencia andina, encontrar un círculo y un cuadrado de igual perímetro, el más importante “teorema geométrico” porque significa el “pareamiento” del círculo y el cuadrado: Pachamama y Pachatata respectivamente, ambos de los templos de Amantani.
-Es lo que en la ciencia occidental se conoce como la “cuadratura del círculo” ¿no?... -volvió a preguntar Saraku-, y la solución de PI o 3.1416…
-No es lo mismo, para nada –aclaró Arnawan-; este teorema andino es algo que se recuerda como un juego de niños llamado la “firma del diablo”, que es así más o menos…
Acto seguido Arnawan trazo un cuadrado con sus dos diagonales y un círculo que lo encierra, y dijo:
-Hay que dibujar esto mismo pero con un solo trazo y sin levantar el lápiz u objeto con el que trazas una sola línea, de principio a fin. El resultado es como encontrar un círculo y un cuadrado que tienen ambos el mismo perímetro, y que nos da como resultado la Cruz del Tiwanaku o “Tawa Paqha”, su nombre puquina. Este concepto y método ha sido malentendido y traficado como “chakana”, primero por error de algunos académicos y luego por los politiqueros criollos.
-Pero –añadió Saraku- lo importante aquí, ¿no es el valor absoluto de la relación entre el diámetro y el perímetro de círculo? ¿no?
-Exacto Saraku, esto es muy diferente a lo que occidente denomina la “cuadratura del círculo”, puesto que la ciencia occidental ha tratado inútilmente de encontrar un imposible valor numérico absoluto que relacione el círculo con su diámetro y que sirva para “medir la circunferencia”; mientras que en la cultura andina se trata de encontrar “el elemento común del cuadrado y el círculo”, y un valor para el ángulo del diámetro del círculo en su relación de complemento y proporcionalidad con la diagonal del cuadrado.
-Dificil de entender ¿No? -dijo Saraku.
-Es decir, las preocupaciones de nuestros sabios Hamuyiris pre-Inkas fueron de vincularidad y proporcionalidad, o equilibrio entre las dos figuras que representan, una al hombre y el otro a la mujer, reflejos de las dos esencias cósmicas. En cambio la ciencia occidental busca medir cuantitativamente uno de ellos, es decir el círculo, desde la naturaleza rectilínea del cuadrado –que es un deseo inmensamente patriarcal- porque el valor de PI, el 3.1416, se cumple solamente cuando el valor del diámetro es “Uno”, valor que además, por ser PI un número infinitamente incompleto, nunca nos da un valor exacto, por eso a esos números les llaman “irracionales”.
-Y aumentó el Shanti: Esto para los ch’ullas occidentales es un intento fallido que significa aplicar “la medida” de uno en los términos del par, lo rectilíneo para “medir” a la “otra” curvilinea… y esto es además de impositivo, inservible para “medir” el cosmos de la mujer, es injusto y nada importante para nuestra ciencia, que le interesa no solo “medir” sino proporcionalizar o equilibrar los dos cosmos diferentes, a través de dos medidas cualitativamente diferentes; esto significa el “pareamiento” entre los elementos opuestos y complementarios, en donde lo femenino y lo masculino son reflejo del “Par”, que nos hace existir. Eso sí es importante para los andinos.
-Como verás, Saraku –le dijo Arnawan-, a los Hamuyiris puquinas les interesa tanto lo cuantitativo como lo cualitativo y sobre todo la relación de equilibrio que debe haber entre ambos, es decir su naturaleza vinculante.
-He oído que un partido político tiene como símbolo la cruz cuadrada y, si pues, la llaman chakana –comentó ella.
-Yo te aseguro que ninguno de esos politicos entiende el significado sagrado que tiene la cruz de Tiwanaku –renegó Arnawan-. Solo les sirve para traficar los votos de nuestra gente que ha sido reducida a la pobreza y la ignorancia. La usan como prendedor de corbata y “trapeador”, mientras vacían las arcas del Estado.
-¡Hay algo más! – continuó el Shanti, señalando una de las líneas diagonales que había trazado Arnawan sobre la tierra-. La línea en 45° representa al Qhapaq Ñan, pero esta otra línea, que es más o menos la bisectriz de la anterior, los sabios Hamuyiris la llamaron chek’alluwa, que se traduce como “línea de la verdad”. ¡Allí radica el mayor tesoro de nuestros antepasados!
-¿Línea de la verdad? -preguntó sorprendida, Saraku-. ¿Y esa verdad tiene acaso algo que ver con la fuerza del amor en la pareja?
-No sólo del amor a la pareja, que es sumamente importante –le adelantó el Shanti.
-Si me vas a decir “amaos los unos a los otros” o que la “fe mueve montañas”, esas frases y palabras son sacadas de la…
-¡Un momento! – la interrumpió Arnawan-. La sabiduría andina tiene quince mil años de antigüedad. La estirpe de sabiduría del Qhapaq Ñan que crearon los Qhapaq Kuna, es la escuela de sabiduría más antigua de todas las civilizaciones. Más bien, muchos de los guias, maestros y avatares de otros continentes, aprendieron del ancestro andino cuando estuvieron aquí.
-Pero… ¿cómo así? Bien sabemos que el cristianismo llegó con los europeos en el año mil cuatrocientos noventa y dos, después de Cristo.
-Ese cuento de que Cristóbal Colón fue el primer navegante de otro continente que desembarcó en América, es cada día más increíble. Las “culturas madres” del mundo ya tenían contacto mucho antes. Y si no, ¿cómo es que se halló hojas de coca en una tumba egipcia? ¿Cómo es que tantos vocablos en los idiomas del viejo continente tienen su origen en el antiguo puquina, quechua y aymara?
Saraku hizo un gesto de incredulidad, pero luego empezó a hilar algunos acontecimientos históricos:
-¿Será posible que profetas como Buda, Jesús y otros, cuando niños, hayan estado aquí?
-Así parece –respondió Arnawan-. En Kotosh, en el norte del Perú, hay un templo muy antiguo que posee en un lugar principal el símbolo de las manos cruzadas. Era el saludo de los “esenios”, la congregación cuyo líder era Juan el Bautista, profeta esenio.
-Entonces, ¿los esenios tuvieron su origen aquí en los Andes?
-Es muy probable -respondió el Shanti-. El Qhapaq Ñan es el Camino de la Verdad y la Vida Plena. No existe otro similar en el mundo. En todas las culturas pre-existen grandes similitudes con las enseñanzas de muchas religiones del mundo, pero aquí, lejos de ser solamente principios místicos y espirituales, o de unos cuantos privilegiados, fue y seguirá siendo un camino de a pie para todo caminante. Siguiendo la ruta del Qhapaq Ñan es como se adquiere sus secretos y sabiduría, es decir es un método práctico de principios muy elementales y pragmáticas normas de la vida cotidiana, que tú misma estas aprendiendo en este caminar con nosotros por la Gran Ruta Inka. Allá, en occidente se escribieron libros llenos de enseñanzas, santos inequívocos y dogmas irrefutables, pero que luego se modificaron a gusto y conveniencia de los que usufructúan el poder. Aquí, en cambio, nuestros principios no pueden ser modificados a conveniencia pues nos llegan desde las montañas de los Andes, de las estrellas y constelaciones, de las tormentas, lagunas y las semillas; se enriquecen en el corazón y en la mente de todos los hombres y mujeres, y hasta en el más humilde pastor de las punas queda re-fundido. (Esta historia continúa...)

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