VAN DYCK - LA CASA DEL ARTISTA

:. . SUPERSPACE RECORDS - TRANSGRESIONES SÓNICAS, MINIMALISMO Y VISIONES

lunes, 29 de febrero de 2016

20 AÑOS DEL "BEAT" DE BOWERY ELECTRIC .:. Canciones Minimalistas Para Iluminados


1996 fue un año pletórico de radiaciones visionarias en lo que respecta al panorama peruano de avanzada como al internacional. 

Por esos años había igniciado ya la movida Crisálida Sónica del que fui parte activa. Grupos como Azul en Silencio/Espira, Diosmehaviolado/Evamuss, Avalonia/Fractal, Catervas/Cíclica, etc. elevábamos la Lima de esos años. Estábamos interesados en la experimentación sónica espacial post-rocker al interior de nuestros avatares, pero también en lo realizado por nuestros contemporáneos en otras latitudes. 

De esa forma descubrimos verdaderas gemas de la Historia oculta(da) de la Música made in 90’s: Third Eye Foundation, Flowchart, Main, Labradford, Azusa Plane, Windy & Carl, Tomorrowland, Spacetime Continuum, Indicate, Stars of the Lid… Uno de esos manjares fue, qué duda cabe, Bowery Electric.


El primer disco que llegó a mis manos de la dupla conformada por Martha Schwendener y Lawrence Chandler sería a la sazón “Beat” (Kranky, 1996). Construido empleando drones, laptops, susurros extasiados y samplers, “Beat” fue el perfecto balance entre el pseudo shoegaze de su primer opus -
Bowery Electric (Kranky, 1995)- y el trip hop que luego explorarían en su canto de cisne “Lushlife” (Beggars Banquet, 1999). En una entrevista que le realicé allá por el 2000, Chandler me contaría que en definitiva ellos no consideraban su debut como un disco afecto a los cánones del shoegaze. Incluso me comentó que al grabarlo ni siquiera había escuchado la obra de My Bloody Valentine.

“Beat” fue un fantástico remezón para varios en la escena de avanzada en la Lima de los 90’s. Eran los tiempos del auge del fujimorismo, el inicio de la era internet, la TV por cable, la "democratización" de la tecnología, etc. Siempre me he preguntado si la tecnología ha devenido en inclusiva o si más bien nos ha capturado a todos en su lógica consumista/materialista. En la ciudad ya se respiraba aquel vaho de bastardización de la cultura que los diarios chicha y la tv basura instalaron para quedarse. Un panorama replicado en la actualidad por todos los medios masivos privados. Tal contexto obligaba a los melómanos a replegarse en la música con mayor pasión. Después de todo no teníamos nada que perder, ya todo estaba podrido y las drogas –siempre presentes- ayudaban en mucho a "limpiarnos", a sacudirnos de la carroña.


Había leído la recomendación de este artefacto en algún lugar de la web, así que cuando un colega de la universidad me pidió darle una lista de discos para traerse de yankeelandia, incluí este de Bowery. Ya con los cds en Lima, en las encerronas escuchándolos, descubrí un mundo donde el minimalismo de LaMonte Young y Terry Riley se fundía innovadoramente con el sonido de Seefeel, Bark Psychosis y con  la sempiterna estela de Kevin Shields y cía. El resultado era seductor e hipnótico y el feeling que transportaba era capaz de hacer del letargo una bendición redentora, un acontecimiento visionario.


Temas como “Beat” –quizás la gema más influenciadora de este documento, a años luz del sonido de sellos como Morr Music: Tony Conrad danzando extasiado en una rave llena de drones, ángeles y ritmos mesmerizantes- o “Fear of Flying” denotaban una personalidad única en la escena. Las percusiones en plan hip-hop y el bajo marcadamente dub hacían de las suyas en nuestros adolescentes cerebros. Las líricas de “Beat”: “Words are just words, words are only noise” casi en plan semiótico, resultarían chocantes para los indie rockers de ese entonces y aún de hoy, tan afectos a ponderar una canción por el peso de su letra. Esto era tan simple y directo que horadaba el entendimiento.



“Without Stopping” era otra de las majestuosas epifanías del álbum. Construido en base a una percusión techno ambient y unas violas planeadoras con harto reverb y delay, decantaba paraísos perdidos en forma de feedbacks. La voz de Martha Schwenderer rezaba una plegaria a algún dios extasiado desde el inicio de los tiempos, el cual ya solo podía entender alabanzas y clamores semejantes.  Un alto himno del post-rock norteamericano. Bandas como Godspeed You! Black Emperor o Explosions in the Sky son una mala broma a su lado.

El disco contenía no solo breves experimentos instrumentales a la manera de pa(i)sajes aislacionistas, madrigueras sónicas donde poner a tu alma divagar como en el purgatorio -“Looped”, “Under the Sun”-, pero también canciones en donde baterías acústicas desplazaban a sus pares electrosónicos cortesía de Wayne Magruder de los locazos Calla. Por esas temporadas algunos colegas de la escena local eran de la opinión de que este detalle le confería clase/distinción a los Bowery


“Inside Out” o “Coming Down” (“close your eyes we are coming down, close your eyes we are coming down”), en la voz de Lawrence Chandler, añadían un matiz químico dependiente al sonido de la dupla. Con la presencia de percusiones acústicas las guitarras relucían mucho más. Todo se transformaba en una corriente de electricidad que ingresaba placenteramente a tu cuerpo. El minimalismo convertido en religión. Una “doctrina” de la que estos músicos newyorkinos abjurarían luego.

“Postscript” era la coda perfecta para un disco tan extraño y hermoso como “Beat”. Más que una pieza espacial de corte minimal era una declaración de principios. Un manifiesto. 17 eternales minutos en los que flotar a tus anchas sin preocuparte por nada más que volar y quebrar tu mente. Estallar en colores y renacer espiritualmente a una nueva música donde el sonido se apoderará de tu existencia. Frecuencias, texturas, timbres y más lujuriosas frecuencias pasaban ante ti, estimulando tu mente y alma como nada/nadie lo había hecho antes. Metamúsica que le dicen.


Honestamente creo que la vida sin este tipo de experiencias no merece ser vivida. Atrás quedó la pose arty y snob, los peinados y la ropita de moda. Ídem con los avejentados sonidos de los (indie) rockers de siempre. Post-Rock fue lo más transgresor que el planeta musical internacional vivió hasta estos días. Y ello muy a pesar de la bastardización que sufriera esta corriente por parte de los medios y la industria interesada en vender gato por liebre. “Vertigo” (Beggars Banquet, 1997), el doble álbum de remixes de Bowery Electric, confirma letra por letra lo dicho en estas líneas. Un año después, ya en 1998, Martha y Lawrence se encargarían de (re)firmar su sentencia como los sublimes gurús que siempre fueron: “Things’ll Never Be The Same” (Various – A Tribute to Spacemen 3, [Rocket Girl, 1998]).
Ciertamente el rock está ya bien muerto. Al menos para los más inquietos e insatisfechos.

Los amamos maestros.


Wilder Gonzales Agreda.

sábado, 27 de febrero de 2016

H R 3 0 0 1

Todo lo que ocurre en la Tierra corresponde al grado de evolución de los hombres. Evolución significa desarrollo. Quien se desarrolla espiritualmente se transforma como hombre desde el interior. Correspondientemente a como se transforman las sensaciones, pensamientos, palabras y acciones del hombre -tanto hacia lo positivo, hacia una ética y moral más elevadas, como hacia lo negativo hasta rozar la amoralidad- cambian también sus vestidos y la decoración de su propia casa. Todo ello es su vibración◘Libros altamente espirituales para entender la Sabiduría Divina, disponibles en Librería Chang de Arenales 1001 en Santa  Beatriz◘ ANIMAL COLLECTIVE ha rendido un tributo a las GOLDEN GIRLS en su clip titulado  como ´´Golden Gal´´. El track está incluido en su placa ´´Painting With´´. Lo cierto es que han hecho un sampling de uno de los episodios de la serie en mención. El clip animado ha sido dirigido x Celeste Potter. AC, como siempre, ofreciendo su poesía sonora en bálsamos iridiscentes◘


 

El acto BORIS, cuyo nombre fue tomado del álbum ´´Bullhead´´ de THE MELVINS, es un trío mixto japonés integrado x Atsuo Mizuno, Takeshi y Wata, cuya incepción data de 1992, une fuerzas con MERZBOW, para un split de marca mayor: Boris with Merzbow ´´Gensho´´ Part 1 /Part 2. La edición internacional es en digipack de 2 cd´s y edición Deluxe 4 Lp´s., los mismos que estarán disponibles desde el 18 de marzo 2016. Editados x el sello Relapse Records. Respecto a BORIS , las placas incluyen piezas como ´´Resonance´´, ´´Huge´´ , ´´Rainbow´´, entre otras. En cuanto a MERZBOW: ´´Planet of the CORRS´´, ´´Goloka Pt 1´´, ´´Goloka Pt 2´´. Saldrá además una edición expandida, ´´Gensho´´, de 4 cd´s como también ´´Mr. Shortkill´´, edición EP en vinilo. De  MERZBOW me encantó difundir sus piezas EXTRAtosféricas x las ondas hertzianas de la radio, lo cual fue una fuente de inspiración para un grupo de actos experimentales locales. X otro lado, BORIS se caracteriza x ser un trío camaleónico y transformer variando de una placa a otra. Ellos alimentan estilos como drone doom, psicodelia, ambient, stone rock, noise rock, hardcore punk y metal experimental. En suma, del grupo BORIS capto influencias mayores de KEIJI HAINO, GHOST y x supuesto de MERZBOW. Todos ellos envueltos en los velos de las ondas atmosféricas. No se pierdan esas naves gemelas◘

Boris “More” from The Wire Magazine on Vimeo.

MODERAT, el proyecto creado con integrantes de los actos alemanes MODESELEKTOR y APPARAT, tendrán su álbum ´´lll´´, disponible desde el 1ro. de abril próximo. La placa en mención, contiene minimal techno con una vocalización similar a Tom Yorke de RADIOHEAD. El LP marca el final de la trilogía de esta entrega realizada en vinilo, en una colaboración de MODELEKTOR y APPARAT. El acto promociona x estos días ´´Reminder´´, como single y respectivo clip, que ha resultado ser súper excelente. Ellos estarán en Primavera Sound 2016 ofreciendo su poesía sonora balsámica◘ Dicho sea de paso, PRIMAVERA SOUND 2016 tiene para éste año un mejor cartel al de 2015 que celebró su aniversario número 15: CURRENT 93, ANIMAL COLLECTIVE, BATTLES, TITUS ANDONICUS, EXPLOSIONS IN THE SKY, CABARET VOLTAIRE, AIR, THE CHILLS, CHAIRLIFT, SIGUR ROS, TAME IMPALA, PJ HARVEY, BEIRUT, THE LST SHADOW PUPPETS, RADIOHEAD, LCD SOUNDSYSTEM, TORTOISE, SUEDE, DINOSAUR JR., BEN WATT  FEAT. BERNARD  BUTLER, BRIAN WILSON de BEACH BOY performing ´´Pet Sounds´´...etc◘




PROTOMARTYR, el combo de post-punkers de Detroit, promocionan ´´Dope Cloud´´, clip y single extraido este de su o.v.i en álbum: ´´The Agent Intellect´´. Si al post punk le agregamos cierta dosis de noise rock, el resultado te lleva  a una catarsis única. Ellos no han inventado la pólvora pero, eso sí, son pura vitamina B12 y Omega 3◘ RADIOHEAD ha influenciado a una infinidad de bandas de lo 2000´s con premeditación y sónica alevosía. SON LUX es uno de esos grupos que no ha podido escapar al estigma, su cuarto episodio esférico: ´´Bone´´, lo prueba y lo confirma. En el clip ´´Undone´´, de este combo dirigido x Ryan Lott, participa su esposa Jennifer. Neo single además que aglutina belleza, amor, repulsión y, ciertamente, un maridaje entre FOUR TET y RADIOHEAD. Ah!... esas tiernas centellas del plenilunio!◘




En Francia RADIO ELVIS es un trío parisino que está dando mucho que hablar x tener cierta influencia de NOIR DÉSIR, cuyo líder tuvo la fatalidad de terminar en la cárcel. Los single y EP´s de RADIO ELVIS confirman su odisea sónica. ´´Les Moisson´´ es uno de sus clips referentes y anuncian álbum transónico: ´´Les Conquettes´´ que incluye tracks como ´´Au Loin Les Pyramides´´, ´´Elle Partira Comme Elle Est Venu´´ y probablemente sea una ironía a :´´Je Suis Venu Te Dire que Je M´en Vais´´ de SERGE GAINSBOURG. El vocalista te traerá a la mente a Jarvis Cocker de PULP



 

En noviembre 2015, cuando me enteré de la llegada de JOHN CALE a Lima en marzo 2016, entonces la fecha me pareció muy lejana. Hoy la fecha está más cerca que nunca y José López me lo recordó. El co-fundador de THE VELVET UNDERGROUND, participó sólo en  2 grabaciones de la banda para luego ser solista. Ha producido para THE STOOGES, banda seminal de IGGY POP y ´´Horses ´´de PATTI SMITH. Su álbum doble ´´M:FANS´´ es un acrónimo del original de 1982 y reconstruye ´´Music For A New Society´´. Él ha trabajado también con BRIAN ENO, NICK DRAKE, SIOUXSIE AND THE BANSHEES... entre otros◘



El catálogo de PSYCHIC TV/ PTV3, post 2003, saldrá editado digitalmente para beneplácito de sus seguidores. La banda se reformó en 2003 con Edley O´Dowd de TOILET BOYS, uniéndose éste a Genesis P. Orridge, integrante original. Grabaron 2 álbumes y varios singles y EP´s. Tengo un álbum doble de PTV grabado en un manicomio◘ TEPR es un dj/productor francés que tiene neo single y clip, éste muy divertido, aunque no tan original. Titula ´´Half Below´´◘STOP!


viernes, 26 de febrero de 2016

Legendary Soul-infused Shoegazers THE VELDT Announce New EP and Drop First Single


With Danny’s enveloping hooks, Daniel’s swooning falsetto... the new songs invite paradoxical praise: serenely assaultive, vertiginously soothing – Mike Doherty, The Guardian

They’re in the moment, with a perfect blend of past, present, and future - Wax Poetics

The Veldt are a unique and singular, musical proposition - authentic American soul music, without post-modern irony, without cliché. If the Velvet Underground had left the Factory and toured with STAX ... They are Kane's kissing kousins  – Rudy Tambala (A.R. Kane)

Their awesome wobbly psychy guitar music and from-the-heart soulful vocals are as wonderful as ever...myself and Robin Guthrie are just 2 screaming fans – Creation Records' Founder Joe Foster

For black artists, doing anything outside of the bubble, beyond what’s derivative of what white kids are doing, being able to express yourself honestly, is not celebrated at all. So when I heard these guys, it gave me confidence – Doc McKinney (The Weeknd, Drake, Estherio)

A reply to anyone who thinks that soul is missing from the indie-rock scene – Village Voice

Equal parts Jesus and Mary Chain and James Brown – NY Press

Daniel and Danny Chavis are natives of Raleigh/ Chapel Hill, North Carolina and East Village residents for the past 28 years. They are also co-founders of the groundbreaking band The Veldt, who lifted their band’s name from a Ray Bradbury science fiction story. Musically reared in the church and juke-joints of their native southern state, the twins have been performing since they were children, listening to music that included gospel, Motown and Pink Floyd. In March, they, together with bassist/programmer Hayato Nakao, return to their roots with the release of The Shocking Fuzz of Your Electric Fur: The Drake Equation Mixtape EP.

The first single is the emotionally wrought Sanctified, a ballad that perfectly captures the lush sound of Danny’s screeching guitars and decibel-breaking distortion, along with Daniel’s soulful wail and Hayato Nakao’s deep bass grooves and guitar feedback, the track serves as the perfect re-introduction to this dynamic band. The title The Shocking Fuzz of Your Electric Fur was borrowed from an E.E. Cummings poem. Its raging sound was influenced equally by the emotional soul of Marvin Gaye, free jazz warriors Sun Ra and Pharaoh Sanders, various Drake hip-hop tracks, and their own fertile electric imagination.

In their early days, the Chavis brothers making a name for themselves playing throughout the south at a time when fellow southerners REM and Superchunk were securing major label deals. As more black rock bands (Living Colour, 24/7 Spyz) began selling records and gigging throughout the world, The Veldt was courted by various labels, including IRS Records and Capitol.

Initially signed to Capitol Records in 1989, The Veldt embarked on a musical journey that changed their lives. Soon, they were in the studio with dream-gaze guru Robin Guthrie working on their initial recordings, playing American concert halls with Cocteau Twins and The Jesus and Mary Chain, and recording  Marigolds with  Lincoln Fong (Moose).

The Veldt were a sensation from the start as they became a part of a movement of innovators who came of musical age at a time when rhythmic rebels were reflective, gritty and wild. Their sound inspired future generations of alternative artists, including TV On the Radio.

They switched labels and Mercury Records released Afrodisiac in 1994, produced by Ray Shulman (The Sundays, Bjork, Sugarcubes). Their single Soul in a Jar was an underground hit.

As the brothers moved to expand their musical language, fusing more electronics into their soundscape, they retired the “Veldt” name and, for various reasons, began recording and touring under under the name Apollo Heights. In 1999, the Chavis brothers met bassist Hayato Nakao, who would become their permanent partner. Their music was loud, exploring color, space, sensuality and beat driven melodies with rhythmic and dynamic tension. Daniel's falsetto vocals cast a contrast upon the wall of sound created by Danny's heavy rock dreamscape guitar and Hayato's pounding and licentious beats.

Although The Veldt had signed to two major labels after leaving Mercury Records in 1995, the brothers decided to remain indie and self-released their 2008 album White Music for Black People. “The major labels were always trying to get us to change our sound, our look or both,” Daniel laughs. “But, we had no interest in being the next Lenny Kravitz or Tony! Toni! Toné! Unfortunately, not everyone shared our vision. We weren’t trying to be rock stars, we just want to play our music and pay our rent.”

Apart from Robin Guthrie and A.R. Kane, they have collaborated with TV On The Radio, Mos Def and Lady Miss Kier (Deee-Lite), and have shared the stage with My Bloody Valentine, The Pixies, Echo & The Bunnymen, Cocteau Twins, My Bloody Valentine, Manic Street Preachers, The Jesus and Mary Chain, Oasis, Living Colour and TV on the Radio, among others.

They eventually changed their name back to The Veldt. The Shocking Fuzz of Your Electric Fur serves to mark the band's re-emergence and will be followed by another full album of material on their Resurrection Hymns LP later this year (via SonaBLAST! Records). Indeed, for these veteran musicians and passionate noise technicians, this newest EP marks a new beginning. The Shocking Fuzz of Your Electric Fur will be released via UK label Leonard Skully Records on March 18, 2016.

The Veldt will be touring eastern Canada in early to mid-April and also will be opening for The Brian Jonestown Massacre at various dates during their forthcoming U.S. tour in May. 


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miércoles, 24 de febrero de 2016

UNA CONVERSA CON GREGOR SCHWELLENBACH .:.. Soy un embajador de la música electrónica en los ambientes clásicos


Gregor Schwellenbach pertenece a la nueva estirpe de creadores que están redefiniendo los sonidos de la música culta con una corriente que la crítica ha venido en catalogar como neo-clásico o modern classical. Educado en el Conservatorio de Hannover (Alemania), bebe de iconoclastas como Steve Reich o Karlheinz Stockhausen pero mantiene un pie firme en los terrenos del pop. Amante de las vibraciones cósmicas del Krautrock, redefinió los límites de la música de baile y la música clásica en un solo documento, el histórico "Spielt 20 Jahre Kompakt" (Kompakt, 2013), en donde re-interpretó en "versiones de cámara" varias de las legendarias piezas del sello alemán. El resultado es más que formidable.

Schwellenbach está pues creando la música que bailarían los afamados compositores de los siglos pasados en una rave milenaria decorados con absenta y utópicas visiones. La música, una vez más, es el reino de lo imposible o donde tus más preciados sueños (y temores) cobran vida. Desde su nave, situada en algún lugar de Colonia, tenemos en exclusiva para los fans de Perú Avantgarde a Gregor Schwellenbach. Too real to feel?


Gracias por darnos la entrevista Gregor. Por favor cuéntanos sobre tus inicios en el mundo de la música. ¿Qué grupos escuchabas en tu adolescencia?

Durante mi adolescencia disfrutaba buscar todo tipo de música que la gente a mi alrededor ni siquiera conocía. Así que descubrí el Krautrock, el Jazz y la música No Europea mientras la mayoría de mis amigos escuchaban indie rock británico.

Cuando algunos músicos profesionales empezaron un departamento de Jazz en la escuela de música en un pueblo cercano, me metieron totalmente en el Jazz y fue justo antes de la universidad que decidí cambiar hacia la música clásica.

Cuéntanos sobre tu ciudad natal Colonia. ¿Cómo es la escena allí?

Creo que es típico de Colonia ser muy abierta a experimentos, mientras por otro lado no nos tomamos las cosas demasiado en serio. En Colonia te tomas las cosas con calma. Me gusta esa mezcla muchísimo, hace de Colonia un lugar perfecto para sellos interesantes como Kompakt o A-Musik.

Estudiaste en el Conservatorio de Hannover. ¿Qué encontraste tan intersante en los sonidos clásicos de hace siglos para hacer tal viaje?

La razón para estudiar música clásica fue la diversidad que ofrecía. Mi curso de estudios incluía doble bajo, piano, dirección, canto, musicología, filosofía y así. Estoy interesado en cada sonido que no conozco aún y la música clásica ofrece tal amplia gama de inspiraciones.

Recuerdo que un profesor de la universidad solía decir que la sensibilidad de la gente que disfrutaba de la música clásica está perdida pues vivimos en otros tiempos y sociedades. ¿Qué dirías al respecto?

Creo que es cierto que la gente hoy no puede enteder la música de ayer como fue entendida en ese entonces cuando era contemporánea. Aún así creo que la música de diferentes tiempos o lugares es una ventana hacia diferentes mentes y almas. Puede mostrarnos los límites de nuestras propias experiencias y ayudarnos a impulsarlas.



Tus versiones de selecciones del catálogo de Kompakt es genial. Cuando tocas en vivo ¿cómo es la reacción de la audiencia?

Usualmente dos clases de gente vienen a mis conciertos: mientras los ravers disfrutan de recordar los viejos tiempos y el enfoque diferente que coloco en los tracks de los que tienen buenos recuerdos, los amantes de la música clásica se sorprenden de experimentar que la música de club no es tan superficial como pensaban.

Con frecuencia los promotores esperan ganar una nueva audiencia hacia la música clásica al programarme, pero principalmente funciona a la inversa: soy un embajador de la música electrónica en los ambientes clásicos.

¿Cuál es tu méotodo de composición? ¿Cuántos meses te tomó finalizar "Spielt 20 Jahre Kompakt" (Kompakt, 2013)?

Para el proyecto de Kompakt siempre empezaba con una transcripción estricta de las piezas electrónicas a partitura. De este modo tenía ideas sobre cuál es el núcleo de la pieza. A veces me parecía interesante sólo hacer un cover de los tracks en diferentes marcos, otras veces desarrollaba todas nuevas piezas de música de cámara extraída de las ideas melódicas, rítmicas o estructurales.

Trabajé por dos años en el álbum, pero al mismo tiempo también produjo la música para cuatro obras de teatro, un drama de radio, dos soundtracks de películas y una ópera de cámara. Un tiempo bastante productivo.

Escribes música para películas, comerciales de tv, óperas, etc. ¿Vivir entre la alta cultura y la cultura pop te da una perspectiva más amplia de la relación entre el arte y la gente?

Siempre trato de de hacer música que realmente me interese y que conmueva realmente a mi audiencia. Ambas la alta cultura y la música pop ofrecen la oportunidad de hacerlo. Desde mi perspectiva una pieza perfecta será tan exigente como entretenida.



Leí una entrevista que diste a una web argentina donde declarabas que discursos subversivos como el punk o el rock and roll han finalizado su rol como contrarios a la alta cultura/el establisment. ¿Crees que esas metas de transgresión han sido alcanzadas o que hemos escogido la solución equivocada?

Me temo que los íconos de la subcultura han perdido su potencial provocador. Aún estamos lejos de la liberación, la justicia social o igualdad de clases, sexos o grupos étnicos. Cuando cito elementos icónicos de la alta cultura tradicional como performar con un cuarteto de cuerdas en un Festival Ambient, o usar traje y corbata en un contexto de club, trato de hincar y jugar con las expectativas de las audiencias. En realidad se siente muy similar a usar una chaqueta de motociclista y romper las guitarras en los 70s.

Estoy leyendo ahora el libro de David Stubbs "Future Days: Krautrock o el nacimiento de la Alemania moderna" (2014) y algunos de los músicos de grupos como Can, Amon Düül, Kraftwerk, etc. expresan allí cuán difícil fue vivir en una sociedad llena de ex Nazis por todos lados. Hace algunas semanas una edición con comentarios de "Mein Kampf (Mi Lucha)" fue reimpresa en Alemania. ¿Aún provoca eso culpa e ira en tus compatriotas? Déjame contarte algo Gregor, aquí millones de personas de los Andes fueron asesinadas y torturadas no solo por 5 ó 10 años y no por una tonta ideología de supremacía racial sino por siglos y por la codicia y enfermedad de los conquistadores españoles y sus descendientes quienes gobiernan aún este país en la actualidad, ¡¡¡y nadie -al menos no en los medios masivos- da una mierda o se queja por ello!!!

Ya he escuchado grandes cosas sobre el libro de Stubbs antes, parece que debo leerlo pronto. 

En este momento los últimos testigos de los tiempos Nazis están muriendo, y también lo está la alta sensibilidad y conciencia de los asuntos de injusticia y discrimación que tuvimos en las últimas décadas. Mi generación fue educada siendo responsable por una explicación concienzuda del pasado. Esto parece mermar un poco hoy. La atmósfera real en Alemania es de radicalización. Estamos experimentando gente dejando caer sus máscaras y revelando sus rostros como racistas o facistas en Alemania del Este -pero también en el Oeste. Mientras tanto otros están denunciando esas tendencias con énfasis. Las cosas se están volviendo realmente políticas ahora mismo.

Gracias por sacar a colación la matanza y opresión de la gente de los Andes, porque mirando a América quisiera saber por qué no parece ser un gran tema en los medios masivos también. Es concusivo cuánto dolor la codicia europea trajo al mundo, y parece obvio, pero difícilmente escucho a la gente hablar de esto.


¿Qué discos o proyectos estás escuchando actualmente o puedes recomendar a todos?

Soy mentor de algunos proyectos en un programa master de música Pop, así que tengo la suerte de poder escuchar alguna música emocionante del mañana que aún no ha sido publicada. Estoy totalmente contando los días que faltan para las ediciones del dúo electrónico turco "Gras" (en bandcamp pronto) y la pieza de baile "Slow" por el artista ambient establecido en Colonia "Sonae".
Y por supuesto recomiendo mis recientes remixes para las bandas alemanas Wyoming y Colorist.

¿Algún nuevo álbum pronto? ¿Qué viene en el futuro de Gregor Schwellenbach?

Invité a mis cinco colegas pianistas favoritos a grabar "Six Pianos" de Steve Reich conmigo, así que mi próximo disco será una pura interpretación tradicional de una pieza de alguien más. Una pieza bastante influenciadora sin embargo. También estoy planeando una Opera Drone que será estrenada en un teatro en la capital original de Alemania Bonn en Setiembre del 2016.

Muchas gracias por concedernos el honor Gregor. Si hay algo que quisieras agregar este es el momento. Espero que podamos disfrutar de tu música varios años más. ¡¡Que tengas una gran semana y año!!

Gracias a todos por buscar y escuchar música interesante. Especialmente gracias a ti, Wilder, por tu constante y dedicado trabajo, ¡¡es precioso!!




A CHAT WITH GREGOR SCHWELLENBACH: I´m an ambassador for electronic music in classical environments

Gregor Schwellenbach belongs to the new lineage of creators who are redefining the sounds of classical music with a style that critics have come to classified as neo-classical and modern classical. Educated at the Conservatory of Hannover (Alemania), drinks from iconoclasts like Steve Reich or Karlheinz Stockhausen but keeps a firm foothold on the grounds of pop. Lover of Krautrock's cosmic vibrations, redefined the limits of dance music and classical music in a single document, the historic "Spielt 20 Jahre Kompakt" (Kompakt, 2013), where he re-interpreted in "chamber versions" several of the legendary trackss of the german label. The result is more than terrific.

Schwellenbach is creating music that could dance the famous composers of past centuries in an ancient rave decorated with absinthe and utopian visions. The music, again, is the realm of the impossible or where your precious (or scary) dreams come alive. From his ship, located somewhere in Cologne, we have exclusively for fans of Peru Avantgarde to Gregor Schwellenbach. Too real to feel?

Thanks for giving us the interview Gregor. Please tell us about your beginnings in the music world. What music were you into in your teenage days? 

During my teenage years I enjoyed looking for all kinds of music that people around me didn't even know. So I discovered Krautrock, Jazz and Non-European Music while most of my friends were listening to british indie rock. 

When some professional musicians started a Jazz department in the music school in a town nearby, they totally got me into Jazz and it was only short before college, that I decided to switch over to classical music.
 

Tell us about your hometown Cologne. How is the scene there? 

I think it's typical for Cologne to be very open to experiments, while on the other hand we don't take things too dead serious. In Cologne you take things easy. I like that mixture very much, it made Cologne a perfect place for interesting labels like Kompakt or A-Musik.


You studied at the Hannover Conservatory. What did you find so interesting in classic sounds from centuries ago to make such a journey?


The reason for studying classical music was the diversity it offered. My course of studies included double bass, piano, conducting, singing, musicology, philosophy and so on. I am interested in every sound I don't know yet, and classical music offers such a broad range of inspirations. 


I remember a teacher at the university saying that sensitivity of people who enjoyed classical music is lost since we are living in other times and societies. What would you say about it? 


I think it's true that people today can't understand yesterday's music like it was understood back when it was contemporary. Still I think music from different times or places is a windows into different minds and souls. It can show us the limits of our own experiences and help us pushing them.



Your versions of highlights from Kompakt catalogue is terrific. When you play live how is the feedback of the audience?  


Typically two kinds of people come to my concerts: While ravers enjoy to remember the old times and the different spotlight I set on the tracks they have fond memories of, the classical music lovers are surprised to experience that club music isn't as superficial as they thought.
 

Often promoters hope to gain a new audience for classical music by programming me, but mostly it works the other way round: I am an ambassador for electronic music in classical environments.
 

What is your method of composition? How many months took you to finish “Spielt 20 Jahre Kompakt” (2013)? 

For the Kompakt project I always started with a strict transcription of electronic tracks to sheet music. Thereby I got ideas on what's the musical core of the piece is. Sometimes I found it interesting to just cover the tracks in different settings, sometimes I developed all new pieces of chamber music out of the melodic, rhythmic or structural ideas.
 

I worked for two years on the album, but in that same time I also produced the music for four theater plays, one radio drama, two film soundtracks and a chamber opera. Quiet a productive time it was.
 

You write music for films, tv commercials, operas, etc. Does living between high and pop culture gives you a wider perspective of the relation between arts and people? 

I always try to make music that really interests me and that really touches the audience. Both high culture and pop music offer the chance to do so. From my perspective a perfect piece would be as challenging as entertaining.




I read an interview you gave to an Argentinian site where you state that subversive speeches like punk or rock and roll have ended their role as antagonist to high culture/establishment. Do you find those transgressive goals have been fulfilled or that we have chosen the wrong solution?
 

I am afraid the subcultural icons have lost their provocative potential. Still we are far away from liberation, social justice or equity of classes, sexes and ethnic groups. When I quote iconic elements of traditional high culture like performing with string quartet on an Ambientfestival, or wearing suit and tie in a club context, I try to poke and play with the audiences expectations. In fact that feels kind of similar to wearing a biker jacket and smash guitars in the 70s.

I’m reading now David Stubbs’ book “Future Days: Krautrock or the birth of modern Germany” (2014) and some of the musicians from groups like Can, Amon Düül, Kraftwerk, etc express there how hard was to live in a society filled with ex Nazis everywhere. Some weeks ago and edition with comments of “Mein Kampf” was repressed in Germany. Does it still provoke blame and wrath in your fellow citizens? Let me tell you something Gregor, here millions of Andean people were killed and tortured not only in 5 or 10 years and not because a silly ideology of racial supremacy but for centuries and just for greed and sickness of Spanish conquerors and their descendants who still rule this country nowadays, and nobody –at least not in the media- gives a shit or complain about it!!! 


I already heard great things about Stubbs' book before, seems like I really must read it soon.
 

At the moment the last witnesses of the Nazi times are dying, and so is the high sensitivity and awareness for injustice and discrimination issues that we did have in the last decades. My generation was educated being responsible for thoroughly accounting the past. This seems to decrease a little nowadays. The actual atmosphere in Germany is one of radicalisation. We are experiencing people dropping their masks and revealing their faces as racist or fascist in East- but also in West-Germany. Meanwhile others are denouncing those tendencies with emphasis. Things are getting really political right now.
 

Thank you for bringing up the killing and oppression of Andean people, because looking at America I am wondering why it doesn't seem to be a big topic in the media too. It's concussive how much grief European greed brought to the world, and it seems so obvious, but I hardly ever hear people talk about this.
 

What discs or projects you’re currently listening to or can recommend to all of us? 
I mentor some projects in a Pop music master program, so I have the lucky chance to listen to some exciting music of tomorrow that is not even released yet. I am totally looking forward for the releases of the turkish electronic duo “Gras” (on bandcamp soon) and the dance piece “Slow” by Cologne based Ambient artist “Sonae”.

And of course I recommend my own recent remixes for the German bands Wyoming and Colorist.


Any new full length release coming soon? What comes in the future of Gregor Schwellenbach? 
I invited my five favourite piano colleagues to record Steve Reich's “Six Pianos” with me, so my next release will be a pure traditional interpretation of a piece by someone else. A heavily influential piece though. Also I am planning a Drone-Opera that will premiere in a theater in Germany's former capitol Bonn in September 2016. 

Thanks a lot for giving us the honour Gregor. If there’s something you’d like to add now is the moment. Hope we can enjoy your music several years more. Have a great week and year!!
 

Thank you all for looking for and listening to interesting music. Especially thank you, Wilder, for your steady and dedicated work, it's precious!!

martes, 23 de febrero de 2016

PODCAST: TU DIAL DIGITAL. Estreno jueves 25 de febrero 2016




Este Jueves a las 4 p.m. en el programa UMBRALES del canal 7 - RTP, se emitirá un programa dedicado a las radio podcasts de Perú. 

Participa entre otros PERÚMETAMÚSICA.
:) 


Repetición: Sábado 4 p.m.

lunes, 22 de febrero de 2016

El crecimiento económico asesina la Tierra

 El día que el hombre volvió a la luna x ALVARO PORTALES

por George Monbiot

Podemos tenerlo todo. Esta es la promesa de nuestra época. Podemos tener cualquier aparato que seamos capaces de imaginar, y algunos que no. Podemos vivir como reyes sin comprometer la capacidad de la Tierra para sustentarnos. La promesa que hace esto posible dice que a medida que las economías se desarrollan se vuelven más eficientes en el uso de los recursos. En otras palabras, ambas cosas se desacoplan.

Hay dos clases de desacoplamiento: relativo y absoluto. Desacoplamiento relativo significa utilizar menos materiales por cada unidad de crecimiento económico. El desacoplamiento absoluto es la reducción total de la utilización de recursos, aún cuando la economía continúe creciendo. Casi todos los economistas creen que el desacoplamiento -relativo o absoluto- es una caracteristica inexorable del crecimiento económico.

El concepto de desarrollo sostenible se basa en esta noción. Está en el corazón de las conversaciones sobre el clima de París y de cualquier otra cumbre sobre temas medioambientales. Pero parece ser infundada. 

Un trabajo publicado este año en "Proceedings of the National Academy of Sciences" sugiere que incluso el desacoplamiento relativo que decimos haber alcanzado es el resultado de un error contable. Señala que gobiernos y economistas han medido nuestro impacto de una manera que se revela irracional.

...

Una medición más racional, llamada "huella material", incluye  todas las materias primas utilizadas por una economía, sea cual sea el lugar donde han sido extraídas. Cuando estas se incluyen en la contabilidad, las aparentes mejoras en la eficiencia desaparecen.

...

Hay decenas de estudios diferentes que llegan a conclusiones similares. Por ejemplo, un informe publicado en la revista "Global Enviromental Challenge" revela que cada vez que un país duplica su renta necesita un tercio más de tierra y océano para sostener su economía, debido al aumento en su consumo de productos animales. Un artículo recienet de la revista "Resources" informa que el consumo global de materiales se ha incrementado un 94% en treinta años y se ha acelerado a partir del 2000. "En los últios diez años, a nivel global, no se ha conseguido ni siquiera un desacoplamiento relativo".

Podemos convencernos de que vivimos flotando en el aire, en una economía inmaterial, como ingenuos futurólogos predecían en los 90. Pero es una ilusión creada por una contabilidad irracional de nuestro impacto medioambiental. Esta ilusión permite aparentemente conciliar políticas incompatibles.

Los gobiernos nos instan, a la vez, a consumir más y a conservar más. Hemos de extraer más combustibles fósiles del suelo, pero quemar menos. Debemos reducir, reutilizar y reciclar las cosas que entran en nuestras casas, pero al mismo tiempo debemos incrementarlas, desecharlas y sustituirlas. ¿De qué otra manera va a crecer la economía de consumo? Debemos comer menos carne para proteger el planeta viviente y comer más carne para estimular la industria agropecuaria. Estas políticas son incompatibles. Los nuevos estudios indican que el problema es el crecimiento económico, tanto si se le pone delante la palabra sostenible como si no.

No es sólo que no abordemos esta contradicción. Casi nadie se atreve siquiera a nombrarla. Es como si el asunto fuera demasiado grande, demasiado aterrador para contemplarlo. Parecemos incapaces de afrontar el hecho de que nuestra utopía es también nuestra distopía, el hecho de que la producción es indistinguible de la destrucción.

viernes, 19 de febrero de 2016

Carlos Milla Villena says II


Dick Ibarra Grasso, un serio investigador reconocido, ha desmentido a los científicos sociales colonialistas que continúan interpretando CANIBAL como caribe antillano que se comía a los invasores europeos, cuando la verdad es todo lo contrario.

Los actuales Maquiritares, caribes venezolanos, han conservado la tradición de cómo fue la invasión occidental y recuerdan que el término "Caníbal" significa en realidad "Bañoro", que es sinónimo de español, porque estos europeos fueron los únicos que comieron carne humana:

"Recordando la historia de la conquista de Venezuela por los europeos, no nos extraña que se haya conservado semejante idea.
Debido al hambre los españoles arreaban tropas de indios, preferentemente mujeres y niños, como alimento para sus incursiones por la selva en pos de oro.
¡Es una de las páginas más negras de la conquista de América!"

(...)

Los Códices Mayas salvados de la ignorancia iconoclasta de los curas evangelizadores han comprobado que en los textos astronómicos y matemáticos se utilizaba la representación de piezas fragmentadas del cuerpo humano: brazos, piernas, manos, dedos, cabezas, etc.

Sin embargo, en el caso hipotético, no probado, que se hubiesen hecho sacrificios humanos en el Cerro Sechín; ¿por qué no se hace un análisis antropológico comparado de otros hechos paralelos similares sucedidos en Euro-Asia, o por qué no se toma en cuenta que en la antigüedad todas las culturas del mundo tenían un concepto diferente de la relación Vida-Muerte...?

Se olvida que, por tradición secular, Abraham iba a degollar a su hijo y ofrecerlo a su dios como una ofrenda quemada en la cumbre de un cerro. Fray Gregorio afirma que lo quemó, porque así era la costumbre hebrea.*

En todo caso las muertes rituales y los sacrificos humanos propiciatorios que ofrecían a sus divinidades las culturas antiguas, en un esfuerzo por lograr el bienestar de sus comunidades, tenían mucho más sentido que los actuales genocidios de las Guerras Mundiales europeas, de Hiroshima, Vietnam, Camboya, Serbia, Palestina y las brutales matanzas colonialistas en los pueblos de Amerindia, Irak y Afganistán.

Todos ellos son genocidios ejecutados en nombre de la pureza racial, la democracia, el socialismo, los dogmas, las religiones, el control de la natalidad, el fundamentalismo, el narcoterrorismo y otros pretextos que se inventan los mismos "civilizados" fariseos que se "horrorizan" luego, de las criptografías de Sechín.

(...)

Tal parece, pues, que los Antropólogos en su afán soberbio de estudiarnos a los "sub-desarrollados del cuarto mundo" se han olvidado del problema mayor que es auto-analizarse ellos mismos, investigando y entendiendo la razón histórico-social de la vocación sanguinaria, soberbia y violenta de su propia civilización occidental-judeo-cristiana, que con su estúpido egoísmo está arrastrando a toda la Humanidad a la destrucción del planeta.

CARLOS MILLA VILLENA
El Ayni
2003

*GARCIA y GARCIA, Gregorio fray "Origen de los Indios del Nuevo Mundo" 1729

JUAN LUIS PEREIRA DEL MAR VIRACOCHA SACHA

Nos escriben desde Argentina



La nova escena de avanzada argentina está bullendo alto. Hace unos pocos días hemos sido contactados por dos geniales exponentes que no tienen nada que envidiar a sus pares de cualquier otro lado del mundo. Se trata de AUDIONAUTA y CLAN BALACHE. El primero orientado a la indietrónica de artistas como múm o a lo que ellos definen como "post rock acústico". Su sonido está construido en base a instrumentos tradicionales decorado aquí y allá con detalles electrosónicos. Su pasión por el sonido a lo Godspeed You! Black Emperor es notoria.

 

En un sendero más experimental/transgresor se mueve CLAN BALACHE. Germán Gómez -el man tras este proyecto- es adepto a las instalaciones y perfos audiovisuales y nos presenta un disco, "Discontinuidades",  creado en base a ecuaciones matemáticas que hará las delicias de los más avezados. ¡Recomendado!

martes, 16 de febrero de 2016

LA LÁ INTERVIÚ .::. "Grabar 'Rosa' fue un acto propio de una real desubicada"

 Foto x Julio Pérez Luna

Giovanna Núñez, el cerebro detrás de esa floritura sónica llamada LA LÁ, pergeñó el 2014 uno de los discos clásicos de la neo música peruana. "Rosa", el documento en cuestión, fue para la escena local no solo una sorpresa pero sobre todo la constatación de que más allá de los consabidos tótems del intento/remedo de industria cultural que tenemos, existen capos y capas situados a años luz de las medianías con las que nos atosiga la mass media, preocupada únicamente en llenarse los bolsillos como sea. Neo liberalismo que le dicen.

Ante tal escenario la música de Giovanna es casi un sin sentido que por contradictorio que parezca solo podría provenir de un lugar como Perú: nuestra historia está llena de creadores de semejante porte. Las referencias musicales amén de la temática que aborda La Lá trascienden desde el vals criollo, la bossa nova, Jesús, el desamor, la madre, el bolero... Un universo alejado del standard musical local y que al mismo tiempo los cruza casi todos. Alicia Maguiña meets Blanca Varela in paradise.

En Perú Avantgarde presentamos a los fans del blog y de la avanzada peruviana la entrevista a Giovanna Núñez a.k.a. La Lá que realizamos este verano infinito, como dirían los Aloardi, al son de cerros y unos.

 
Recuerdo que en la Ruiz me pasaste el “Medulla” de Björk, una artista que seguro amas. Pero hay alguna distancia –y gran mérito evidentemente- entre ser fan de la música y empezar a componer y presentar un trabajo propio. Cuéntanos, ¿en el principio qué te motivó a entrar al mundo de la creación musical?
 

Al principio no sabía que estaba entrando en el mundo de la creación musical; no sabía qué estaba haciendo. Solo agarraba la guitarra y cantaba pensando que las cosas que hacía eran pura payasada porque yo no había estudiado música ni ningún instrumento. No era posible que mis juegos llegaran al estatus de “canción”.

Esa Sabatina de la UARM el 2004 donde presentaste “Oeste” fue una explosión catártica. Para los que estuvimos ahí nos será imposible olvidar tal hermoso remezón. ¿Qué recuerdos o qué es lo que te ha quedado de la experiencia de ser estudiante de una carrera tan especial como Filosofía? ¿Alguna relación con tu música?


En ese momento que tú recuerdas, yo probé por primera vez qué era una canción: entre muchas cosas, un puente, una comunicación entre dos personas que pueden ni siquiera haberse visto antes. De la carrera de Filosofía tengo recuerdos muy hermosos. No fui muy eficiente como filósofa porque siempre me quedaba colgada en alguna parte de la lectura. No soy buena estudiante, no tengo orden. Pero las cosas que pasaron por mí en el tiempo de las lecturas filosóficas fueron, más que intelectuales, remezones espirituales para mí. Creo que la música y la filosofía tienen en común en mí, que he ido hacia ambas con mis intereses vitales y por eso he hecho ambas como las he hecho, a lo bestia.
 

El artwork interior de tu disco es hermoso, lleno de colores y fantasía y fue realizado por Alexandra Wendorff. ¿Cómo así surgió la idea de trabajar juntas? ¿El trabajo de Ale tuvo alguna directriz tuya o fue 100 % su creación? 

Alexandra es también la autora de las fotos del disco, de portada y contraportada. Ella las tomó en un concierto y no sé cómo logró ese resultado. Ella me pasó las fotos y sentí que esa era la imagen de mi disco. Me han dicho que es muy lúgubre, que parezco una calavera, que parece disco de metal… y me parece perfecto eso. Luego le pedí un dibujo que tuviera las dimensiones del disco abierto. Yo había visto su trabajo y me gustaba mucho así que le pedí que me dé lo que ella quisiera.

 

En los conciertos te vimos acompañada de un guitarrista. Podrías contarnos sobre el proceso de grabación y composición de los temas de “Rosa” (Independiente, 2014). ¿Quiénes participaron? ¿Cómo se estructuraron los temas? ¿Qué instrumentos empleaste? ¿Cuánto tiempo tomó grabar todo el disco? 

La gente se confunde siempre. Como me ven con un hombre al costado en el escenario, tienden a pensar que yo soy la cantante y él es el que compone. A mi amigo y guitarrista, José Pablo Menajovsky, se le acercaban a felicitarlo por sus composiciones después de los conciertos. Cuando él les decía que las canciones eran mías, se daban media vuelta y se quitaban. A algunos hombres les cuesta reconocer o felicitar por algo que ellos admiran a una mujer. El Perú es un país muy machista todavía.
 

El disco demoró en ser grabado, más por temas logísitcos que por temas musicales. Empecé en mayo del 2013 y acabé en febrero del 2014, cuando lo publiqué. Las composiciones, los arreglos y la producción musical las hice yo. Salvo los arreglos de "Selva Negra" que los hice con José Pablo, quien, además, adaptó para esta canción una introducción de guitarra del maestro Rafael Amaranto, del vals "Una copa más".

La grabación la hice en 3er día estudio, de José Becerra. Yo no quería una cosa perfecta, quería conservar mis resquebrajaduras en el sonido también, así que estuve eligiendo cada pista, volumen, instrumento, corte, al costado de José Becerra, quien fue estupendo por su profesionalismo, receptividad a mis ideas y su respeto absoluto, raro en el ambiente musical donde me había encontrado con tanto “flaquita, déjame que yo te diga cómo es”. Por eso, grabar un disco, encima, con algunas rarezas, siendo mujer y no habiendo estudiado música, fue un acto propio de una real “desubicada”.


Los músicos que participaron fueron José Pablo Menajovsky en la guitarra, José Becerra en la Guitarra de "Hiedra", yo misma en alguna guitarra, Matías Recharte en las percusiones, Teté Leguía en el contrabajo, Fil Uno en el violoncello, Ángel Rafaelli, improvisando en los teclados de "Mango", Ana Cuadra en el violín, Lucía Vivanco en la viola y Junior Pacora en el saxo, la flauta y el charango. Todos ellos, con su talento y con su fuerza, han dado vida al disco.


¿Qué crees que es lo que tu público disfruta o encuentra en el sonido de La Lá? 


Lo que más me han dicho es “tranquilidad”. Pero no sabría decirte. Yo hago mi música con mucho cariño, con mucho amor y sentimiento, y espero poder transmitirlo. 

La prensa escrita así como algunos canales de TV y portales web han recibido entusiasmados tu música, casi desde el primer día que tu disco salió a las calles. ¿Cómo tomas este alentador espaldarazo de los medios hacia tu propuesta?  ¿Qué consejo darías a l@s más jóvenes que recién empiezan? 


Que hagan las cosas que les gustan sin pensar en el efecto que pueda causar en su público o en la prensa.



Por favor menciónanos los discos más importantes que has escuchado en la vida. Algo así como un Top 10. 

Me gusta muchísima música, difícil hacer un top 10. Te puedo decir que me aloca la música melódica, dulce y bailable. Por eso toda la vida he tenido debilidad por la guaracha, la salsa, el pop y el house antiguo. Me aloca "Of the Wall" de Michael Jackson y "The Living Road" de Lhasa de Sela, y muchas cosas en el medio y alrededores. Además, uno siempre va renovando sus toptenes, con las cosas que va uno viviendo.

¿Estás ya componiendo un nuevo álbum? ¿Puedes contarnos algo en ese respecto? ¿Nuevas sonoridades en mente quizás?


Estoy componiendo, no sé si es un nuevo álbum. Prefiero componer nomás, sin tener ese objetivo del nuevo álbum, porque la razón para componer es ser feliz y vivir.
 

Muchas gracias por concedernos la entrevista Giovanna. Un verdadero honor. Si hay algo que quieras decir a los lectores de Perú Avantgarde o a los fans de tu música este es el momento. ¡Buen vuelo! 

Les diría que conozcamos más la música tradicional del Perú -sin dejar de disfrutar de todo lo que se nos cruza de afuera o de aquí contemporáneo- porque eso nos convierte de caldito de cubito a chupe de camarones. 

lunes, 15 de febrero de 2016

Simon Reynolds says


De acuerdo con la teoría de la creatividad de Harold Bloom, presentada en algunos de sus libros como La angustia de las influencias y Un mapa de la lectura errónea, un poeta "fuerte" es aquel que sufre la potente influencia de un predecesor pero resiste esa influencia, lucha contra ella con cada gramo de su peso. En la interpretación místico-freudiana de Bloom, la edípica lucha resultante hace que el joven poeta (que habrá sido iniciado, lanzado a la gloria de la poesía por un encuentro primordial con la obra de sus mayores) se aparte bruscamente del estilo de sus ancestros, realizando voluntariamente una lectura errónea del mismo o violentándolo de alguna otra manera. El artista fuerte está impelido por la desesperante sensación de haber llegado tarde, por la sensación de que es imposible decir nada nuevo porque el precursor ya lo ha dicho todo. Se requiere una titánica lucha psicológica para parirse a uno mismo como artista, para que el descendiente deje de hacer ventriloquía con el predecesor muerto y encuentre su voz propia. Pero un poeta (o un pintor, o un músico) "débil" simplemente es inundado, arrasado por la visión del predecesor.

En la historia del rock hay cantidad de ejemplos de artistas que tuvieron un encuentro fundante con la obra de un predecesor particular y luego debieron atravesar una fase imitativa hasta encontrar su propio estilo... Por lo general, los grupos con estilo retro habían sido un nicho en el mercado para personas obsesionadas con una época pasada. Pero ahora estas bandas pesadamente endeudadas -The Jesus and Mary Chain, The Stone Roses, Elastica, Oasis, The White Stripes- podían tornarse "centrales": figuras capaces de definir una época aún cuando la sustancia de su sonido refiriese a una época muy anterior.

Era casi como si se hubiera desatado una especie de deficiencia generacional de "la angustia de la influencia". Los grupos "fuertes" comenzaron a ser superados en número por los "débiles": fans que internalizaban sus influencias al extremo tal de que ya no replicaban sino que increíblemente escribían canciones "nuevas" con un estilo viejo, de otro. Otro factor fue la continua acumulación de historia detrás de la música con cada año que pasaba. Esto iba acompañado de la construcción de un saber, a través de artículos exhaustivos en fanzines y revistas, a través de biografías e historias de la música, de modo tal que los grupos novatos pudieran averiguar cómo se habían hecho ciertas grabaciones clásicas. Lee Mavers, el tristemente célebre compositor perfeccionista y líder de The La's, llevó la obsesión por el sonido de un período más lejos que la mayoría al rechazar una mesa mezcladora de audio vintage aduciendo que "no tenía polvo original de los años sesenta encima".

La angustia de la influencia no es lo único que ha desaparecido; la sensación de vergüenza por ser derivativo también se ha esfumado...

SIMON REYNOLDS
Retromanía - La adicción del pop a su propio pasado
2012

sábado, 13 de febrero de 2016

H R 3 0 0 1


ELIXIR MENTAL. De forma parecida a un mecanismo de reloj transcurre lo predicho. Una catástrofe se junta a la otra y una fatalidad de la mano a la otra. En ello se reconoce la transformación del tiempo. El mundo pecaminoso perece. En el ya amanece el nacimiento de la nueva era y se anuncian las generaciones espiritualmente despiertas de las que surgirá la humanidad espiritual del Nuevo Tiempo.
En el tiempo actual ocurre como en los tiempos de Noé o del hundimiento de Pompeya. La humanidad escucha y ve acerca de las señales del tiempo y sin embargo siguen en lo pecaminoso◘ CEREBROS RADIACTIVOS. En el transcurso de las épocas pasadas, estas almas vinieron una y otra vez a cuerpos terrenales y muchas comenzaron nuevamente a obrar en aquello en lo que anteriormente se habían quedado en la hora de su fallecimiento -sólo que cada vez en un tiempo diferente con otros medios y con otros métodos. Muchos ocupando los mismos cargos ya sea como gobernantes de naciones y estados o como mandatarios eclesiásticos. Una y otra vez su ambición de poder les ha empujado a este planeta a ocupar estos puestos. Entonces... ¿qué nos puede sorprender ahora?
Sólo tenemos que saber que la Luz jamás va a ser vencida x la oscuridad◘Libro El Evangelio de Jesús de Editorial Vida Universal, disponible en Librería Chang de Arenales 1001, Santa Beatriz y en Librería Contracultura de Av. Grau 522 en Barranco y Av.Larco 986 en Miraflores◘


CHIPS DE MEMORIA. Mientras los chips de mi memoria viajan x medio orbe, fragmentos de cristales sónicos se instalan dentro de mi sentido auditivo y disfruto cada uno de los átomos de éter fluctuante: ÁTOMOS DE NEÓN. El combo ANIMAL COLLECTIVE, promociona su neo clip y single ´´Lying In The Grass´´, incluído en su esférico ´´Painting With´´. La sónica abstracta nos trae a un Avey Tare y a un Panda Bear haciendo vocalizaciones en ping pong simétrico sobre sonidos rítmicos sintetizados, bajo, percusión y saxo. El trío tendrá disponible su placa para el 19 de febrero próximo, bajo el sello Domino. Cito otros satélites: ´´Hocus Pocus´´, ´´Vertical´´, ´´Golden Girl´´, ´´Recycling´´ y el single previo ´´Flori Dada´´◘




INFRARROJOS DESTELLADOS. La banda de Chicago con nombre francés TORTOISE promociona su esférico ´´The Catastrophist´´, el mismo que incluye su neo single y clip: ´´Yonder Blue´´. Este acto nunca ha desestimado sus influencias jazzísticas y de la electrónica minimalista. Aunque ellos han puesto también su sello indeleble a lo que el post-rock significa. En esta pieza participa Georgia Hubley de YO LA TENGO -alguna vez en Lima.
Su vocalización se orienta hacia el pop de los 60´s y en una vena  a la Karen Carpenter◘




NATURAL ATOMIC TUBES
es una marca A1 en slaps y botines que han dejado su huella estelar x muchos espacios urbanos y playas del Perú, intercontinentales y hasta en el espacio exterior. Esta marca no tiene que convencer a nadie de su calidad ultra -yo misma doy fe de todo ello- x su duración ilimitada. NAT, en pleno 2016, continúa con su saga lumínica  y productiva en la siguiente dirección: Bolívar 161 -segundo nivel, en Miraflores. Busca en facebook: natfootwear




CRÓNICAS ATMOSFÉRICAS. Ni siquiera llegamos a medio año y ya me deleito con totems de discos empilados para sus respectivas revisiones para diferentes medios escritos locales y de fuera. 2016 ya da sus señales de un año prolífico en música◘NeuROCKsis. El acto !!! retorna al hipocentro terráqueo con su reciente single y clip ´´Every Little Bit Counts´´, extracto de su placa ´´As If´´. Protagoniza el mismo Nic Offer, líder de la banda, y ha resultado totalmente divertido y original. Nic confiesa que lo que refleja el clip le sucedió hace unos pocos años atrás. Divertidísimo◘




ÉTER FLUYENTE. El acto BIBIO que se inició dentro de lo denominado folktrónica, ha retomado su longitud de onda lumínica y apuesta x un neo electrón sónico: ´´Feeling´´ single con su respectivo clip. El track ubica a Stephen Wilkinson, piloto en voz, guitarra acústica como productor; retomando las sagas primordiales de CURTIS MAYFIELD y de ISAAC HAYES.
El satélite en mención está incluido en su placa ´´A Mineral Love´´, que circulará x el orbe desde el 1ro. de abril próximo. Octavo expediente sónico de este acto británico, cuya discografía iridiscente me ocupé de presentarla x los megahertz de RM-FM/96.1 FM. Otros tracks incluidos: ´´Baxeira´´ y ´´A Mineral Love´´◘´´The Hope Six Demolition Project´´, título del neo o.v.i en álbum de P.J. HARVEY, espectacular y esplendoroso retorno de esta cantante que tiene decenas de seguidores en Perú. Conéctate a su clip: ´´The Wheel´´◘




EL NÉCTAR SE ELECTRIZA. ´´Hold/Still´´marca la saga del tercer álbum en estudio de SUUNS y el que sigue a su predecesor "Images Du Futur" de 2013. La placa estará circulando desde el 15 de abril próximo para el sello Secret City en Canadá y para Secretely Canadian de EE.UU. Grabado en 2014 durante tres semanas en el mes de mayo en Dallas. Su single ´´Translate´´ ha sido modelado en gran forma, combinando sintes ominosos con oleadas de guitarras, percusión y vocalización que captura. Otros tracks incluidos: ´´Resistance´´, ´´Paralyzer´´ e ´´Infinity´´, entre otros◘



 

CEREBROS DECIBÉLICOS. ¡Sincronizo con SHEARWEATER y FOALS a la vez! El primero trasluce poesía circular apocalíptica en "Quiet Americans": I can't help it if all the world is ending, repite su lírica. El clip y single que promocionan, tomado de su álbum "Jet Plane And Oxbow´´ para Sub Pop. Los rockers de Austin tomaron el título de la novela "The Quiet American" de 1955 del escritor británico Graham Greene. Novena placa de este acto incluye: "Back channels", ´´Radio Silence´´, ´´Pale Kings´´... entre otros◘
FOALS y su math rock genera impulsos eléctricos con su típico golden age hip-hop e intergalácticos sintes vintage. Su clip y single ´´Birch Tree´´ es un extracto de su placa ´´What Went Down´´◘




CRISTALES LÍQUIDOS Y ESCARCHADOS. Tim Gane colaboró con DEERHUNTER y Brandon Cox ha hecho lo propio con el proyecto del ex STEREOLAB, llamado CAVERN OF ANTI-MATTER, con el track:´´Liquid Gate´´. X supuesto que suena como su ex banda y con cierta esencia THE CURE. Rostam Batmanglij de la fama VAMPIRE WEEKEND, promociona x estos días ´´Eos´´, bajo el nombre de ROSTAM y para el sello XL. Él acaba de declarar: ´´Siempre he amado el minimalismo como una estética en la producción. Admiro a  BRIAN ENO, en cuanto él siempre ha forjado la idea de que  menos es mejor´´. ¡Ah!, ¡esos cerebros fosforescentes!◘




MILIMÉTRICAMENTE SIMÉTRICOS. Tan  admirable es la carrera de esta entidad italiana y sol primario llamado ENNIO MORRICONE, que celebramos que se le haya otorgado el Golden Globe x el soundscore de ´´ The Hateful Eight´´, de QUENTIN TARANTINOMASSIVE ATTACK, TRICKY & 3D han retornado a la escena con ´´Take It There´´ y un EP: ´´Ritual Spirit´´. Colaboran además YOUNG FEATHERS, ROOTS MANUVA y AZEKEL
◙ APES & HORSES es el más inglés de los grupos parisinos, pues cuenta con el inglés Warren Bramley ex WU LIF, como asesor del combo. Realmente un cuarteto con mucha similitud a WU LIF, en cuanto a voz y base rítmica. Lo de ellos es indie pop con ínfulas psicológicas, onda electromagnética y poesía circular. Promocionan ´´Ashes´´ x estas lunas◙



HACKERS HOLOGRÁMICOS. Los actos LIIMA como NZCA LINES me tienen totalmente absorta con sus hertz sónicos. Mientras que el acto BEIRUT me invita a PRIMAVERA SOUND 2016. ME PREOCUPA TANTO MALTRATO CON LOS NIÑOS. RECUERDEN SIEMPRE QUE EL MALTRATO QUE HOY SE LES DA A LOS NIÑOS ES LA PATOLOGÍA DEL ADULTO DEL MAÑANA◘Este domingo en 990 AM/Radio Latina, Escuela de Enseñanza Cósmica de Vida Universal. También x: www.radiolqatina.com.pe, www.raddios.com, www.radios.com.pe. STOP!

 

DISQUS

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