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jueves, 15 de diciembre de 2016

UNA CONVERSA CON SERTO MERCURIO .: Hay mucho músico proficiente y mucho conocedor pero no hay integración en la escena


Lanzaron su álbum debut a inicios del año pasado, "Recuerdos de cuando aprendí a nadar" (Buh Records/Faro Discos, 2015), y desde entonces han venido ganando presencia en el panorama de las músicas alternas de la ciudad. Lo de Serto Mercurio es noise-pop a la vena con abundante sentimiento new wave y post punky. Algo así como un cruce entre The Pains of Being Pure At Heart con los españoles Religión -¿o como una fusión entre Jesus & Mary Chain + Catervas?- imho. Sin embargo, como buenos melómanos estos jóvenes músicos aseguran que en cualquier momento podrían girar hacia un sonido totalmente distinto.

Si así sucediera o no, "Recuerdos de cuando aprendí a nadar", producido por el Chino Burga (Espira, La Ira de Dios, 3AM) y Christian Vargas (Abrelatas), quedará como uno de los referentes para quienes en un futuro pretendan enterarse en qué estaba/andaba la desorientada juventud limeña post 2 miles. Con ustedes, la entrevista del blog Perú Avantgarde a los soñadores Serto Mercurio.



Alonso Castillo (Batería/Coros)
Bronto Montano (Bajo/Voz)
Piero Paccini (Guitarra/Voz)
Emiliano Fernández (Guitarra/Voz)

¿Dígannos qué significa el nombre de vuestra banda SERTO MERCURIO?

Emiliano: Nada en especial, quería algo que suene bien al pronunciarlo. Tenía que ver con una letra de la canción Ava Adore en la que mencionan “beber mercurio”. Por ahí fue.

Bronto: Me acuerdo de que estábamos apurados en sacar el demo y se venía nuestro primer concierto y aún no teníamos nombre 
Emiliano tenía un nombre con el que subía algunos demos que era Serto Merucrio y yo propuse que sea mercurio en lugar de Merucrio.

Piero: Yo creí que como por “beber mercurio” te podías morir de asfixia y parte de eso es toser como loco, toser-toser-to-serto… Como lo que viene después de beber mercurio; osea, toser y morirte.

¿Qué pedales de efectos usan? ¿Cómo es vuestro proceso de composición?

E: En las guitarras hay bastante presencia de reverbs, distorsiones, flangers, phasers, chorus, algo de delay, nada fuera de otro mundo, la verdad. Es un tema de matizarlas, eso sí. Los bajos de Bronto tienen phasers, chorus, distorsiones, que es algo en que se preocupo mucho por colorear.

B: En el primer disco quería que el sonido del bajo sea bien new wave/post punk por eso el exceso de chorus y phaser en varias canciones, ahora en esta nueva etapa es bien loco, dejé de usar el chorus y solo le doy a la distorsión y el phaser. Este último, muy de vez en cuando. Lo del proceso de composición ha cambiado bastante, el primer disco empezó siendo jams entre Emiliano y yo de ahí se unieron Alonso y Piero y aportaron lo suyo; pero, básicamente era añadir arreglos a lo ya establecido de los jams. En este segundo período es más una evolución colectiva. Uno llega con una canción hecha y cuando tiene el visto bueno de todos la desarmamos y empezamos  a armarla de nuevo.

E:  Claro, en la primera etapa entraron al grupo Piero y Alonso y aportaron personalidad al sonido y estructura que terminó tomando. Las letras esa vez fueron hechas por mí, por ahí fue en el primer disco. Ahora, estamos tomando un camino más grupal, más homogéneo. Si bien cada uno trae composiciones suyas, las canciones se están trabajando entre todos para llegar a un punto común con el que todos creamos confluir. Es un tema de que ahora nos conocemos mejor y funcionamos como un corpus. Hay temas cantados por todos, por ejemplo. La composición suele partir de uno y se extiende al resto y hay una interacción que construye sobre el inicio.        
    
P: Yo uso el chorus de manera permanente, de igual manera como hacía con el reverb hasta que se me malogró. Todos los punteitos de acompañamiento los hago con delay y cuando no se me ocurre alguno, hago el riff rítmico pero con phase. La distorsión que uso es un poco chillona y cuando hay partes noise, incluyo el flanger. Por lo general, me muestran las maquetas y yo ya compongo mis guitarras para mostrarlas en los ensayos y de acuerdo a la acogida las acomodo.

Vuestro disco del 2015, “Recuerdos de cuando aprendí a nadar” editado por Buh Records y Faro Discos, es una colección de gemas en onda noise-pop descollantes no solo por su gancho pop –¡excelentes melodías voces!- sino por el muro de guitarras en vena Jesus & Mary Chain y The Pains of Being Pure at Heart, que han sabido modular tan bien. ¿Cómo se gestó el disco? ¿Alguna anécdota de las sesiones? ¿Qué tal la respuesta del público y los medios especializados?

E: Gracias por los comentarios, Wilder, que alegría saber que te guste. El disco lo decidimos grabar en vivo, teníamos seleccionadas 10 canciones, las habíamos pregrabado como demos en mi casa, para tener una idea de arreglos; ahí fue que ensaye algunas maneras de hacer sonar a la banda, matizarla, de ahí salió un demo de 3 canciones que publicamos en 2014. Semanas después de lanzar el demo decidimos grabar un disco, y pensamos que la manera más económica-y llamativa- era hacerlo grabarlo en vivo. Hicimos eso en DragónVerde de Eddie Plenge, con asesoría en el sonido del Chino Burga. A eso agregamos voces y algunos overdub en el estudio Tamboril, de Christian Vargas. Él mezcló/masterizó el disco y en parte lo produjo. En suma eso trae el sonido del disco, que termina siendo sólido, me parece.

B: Creo que en el sonido ayudó bastante la pre-producción que hicimos antes en casa de Emiliano, más o menos eso nos ayudó a ir bastante seguros en tema de arreglos de las canciones. El Chino Burga nos asesoró en tema de algunos matices como la inclusión del reverb en la guitarra de Piero, anécdotas no tanto en la grabación, mas en la pre-producción todos engordamos, pedíamos mucha comida chatarra.

P: Las grabaciones de las maquetas fueron lo que más disfruté, personalmente. Después, fue un poco más estresante y especialmente, el día de grabación del disco, los terminé odiando a todos y también a las canciones (aunque creo que nunca se los dije). La mezcla y masterización en Tamboril, por otro lado, fue bien bonita.




Hay cierta esencia new wave en el sonido de Serto Mercurio. Particularmente a mí me recuerda a este grupo español editado en Perú en los 80’s, Religión. ¿Qué bandas creen que han sido una influencia importante para el sonido y el feeling de vuestra banda?

E: Hasta que me lo mencionaste hace poco, no los conocía. Pero sí, la influencia del post-punk y new wave están bien adentro, sobre todo de parte de Bronto. Sus bajos aportan bastante a ese aspecto bien post-punk. Igual es la suma de más partes, cada uno en el grupo tiene un gusto y modo de hacer música distinto y eso se siente en el disco. Por mi lado, el shoegazing, el sonido de Smashing Pumpkins, My Bloody Valentine, Electro-Z, Felt en alguna que otra canción, más o menos por ahí iba la cosa en el disco.

B: Qué loco, nunca he escuchado Religión. Bueno, creo que la culpa de lo del new wave y post punk es básicamente mía. Son influencias importantes para el sonido y feeling, creo que varía, depende de cada uno. Lo mío son los clásicos de toda la vida, Joy Division, New Order, A Flock of Seagulls, The Cure, El Pecho de Andy. Pero, el filin de una banda en común... tenemos unas cuántas bandas que nos gustan a todos, no sé si a misma intensidad; en fin, no sé con los demás tengo varias cosas en común. Con Piero, por ejemplo, todo el background punk, hardcore, lo tenemos en común; con Alonso, este filin post hardcore tipo Fugazi, At The Drive In; con Emiliano, My Bloody Valentine, Ringo Deathstarr, Black Tambourine.

P: Como ya lo han mencionado, todo lo que es new wave y post-punk es básicamente por Bronto. Por ahí, de la manera en la que me meto, es con guitarras tipo The Cure y todo el noise a lo Sonic Youth, que me parece que es una banda que nos encanta a los 4.
Alonso: Creo que la mayoría de influencia new wave en nuestras grabaciones pasadas resulta de tantear buscando estilos, o referencias, por parte del bajo y la batería. Hoy todos en conjunto tenemos una visión más clara y personal del sonido propio de Serto Mercurio. 

¿De qué va la lírica de vuestros temas? Especialmente de los temas “Caen los edificios”, “Buda ha muerto” y “Hacia el mar”.

E: En Caen los Edificios se habla de varias cosas creo, de desprenderte de deseos, de arribar a alguna certeza que te permita avanzar; algo similar pasa con Hacia el Mar. A Buda ha muerto la prefiero dejar sin comentarios. 

B:  Creo que lo divertido de la música, en general, va en que a cada letra toda persona le da una interpretación distinta, salvo que sea súper directa y explícita. Con el tema de Caen los Edificios, para mí siempre fue una letra de aceptar lo que está sucediendo y buscar una solución al asunto. Por otro lado, “Buda Ha Muerto” es una canción que para mi habla de los excesos en general.

¿Con qué grupos de vuestra generación consideran que comparten un interés similar?

E: No sé, en realidad solo queremos hacer música que nos guste, supongo que es lo que buscan grupos con los que tenemos cierta amistad.

B: No sé, fácil con todos, a todos nos gusta hacer música, ¿no? 

Si tuvieran que escoger: ¿shoegaze o indie-pop?

E: Shoegaze tal vez, o lo que a mi me gusta llamar noise-pop.

B: Ninguno, por el momento podemos entrar con esos géneros, pero nada asegura que cambiemos de estilo en algún momento.

P: A mi también me gustó bastante lo de noise-pop, creo que engloba bastante bien nuestro sonido. 

Alonso: El término “indie-pop” mete a muchas visiones y subgéneros en un mismo saco, y hoy en día casi no significa nada. He escuchado a la gente usar “shoegaze-y” como un adjetivo, refiriéndose a un estilo de producción que se caracteriza por tener varias capas de guitarra con efectos muy trabajados o con las voces ahogadas en reverb. Me llama la atención.

¿Cuál es vuestra percepción de la escena alterna peruana actual?

E: Hay cosas interesantes, avanzando, ganando lugar fuera y dentro. Sigue sin ser una escena, no hay integración real, hay microescenitas.

B: Creo que le falta mejorar en varias cosas, no sé qué, pero siento que tiene mucho más para dar.

P: Ha crecido bastante en los últimos años; pero de igual manera, faltan desarrollar más cosas y crear otras. Sería bonito que eventualmente se llegue a conectar todo el país con sus escenas respectivas en cada lugar y que no esté limitado a 4 regiones (posiblemente hayan más, pero eso es lo que recuerdo o he escuchado).

A: Cuando se habla de una escena en el mundo desarrollado, normalmente se hace alusión a un grupo de bandas que se apoyan explorando un nuevo género musical, una nueva tendencia, un sonido. En Lima, hay muchos músicos proficientes y mucho conocedor, pero aún no confluyen de una manera correcta, no se trata solo de venderse hacia la gente o de hacer catarsis en el escenario. Aquí cuando se habla de “escena”, no se refieren a un subgénero en específico, sino a (cualquier) banda no mainstream, que tuvo que aprender a tantear en un ambiente donde hacen falta locales para presentarse (de los que existen, pocos tienen licencia), cultura de conciertos (la mayoría de estos son en plan de juerga, en lugar de apreciar la música) y de seriedad y consistencia. Experimentar y desarrollarse musicalmente es difícil, si es que no existen las herramientas necesarias para que sientas que tu música pueda marcar un hito. Ahora bien, en el 2016, ya se puede distinguir ciertos bloques de bandas y sellos que se dedican a públicos más segmentados, se está abriendo un camino para la pura expresión del artista.

¿Qué se viene en el futuro de Serto Mercurio? Me contaban que están ya componiendo temas para el segundo álbum el cual esperamos que sea publicado pronto. ¿Proyectos paralelos quizás?

E: Se viene un disco nuevo, si todo marcha bien. Por mi lado, a veces grabo por mi cuenta y coloco las canciones en una web. Queremos hacer más videoclips y tocar fuera de Lima, pronto.

B: A futuro un segundo disco, no hay de otra, jaja; proyectos paralelos, bueno Dan Dan Dero, Submarino, garabato y Kill Amigo.

P: De todas maneras el 2do disco. Por otro lado, hace unos meses reviví una banda que tenía con unos amigos del colegio, Estamina; súper distinto al sonido de Serto, aunque también tiene un huevo de efectos.

Muchas gracias por la entrevista, si desean agregar algo este sería el momento. See you on the other side…

E: Gracias a ti, Wilder. 
B: Una pena que el Muni no juegue esta final, ¿no? En fin, muchas gracias a ti, Wilder. 
P: Gracias por la oportunidad.


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barbarismos

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El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.

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realismo capitalista peruano, ¡ja, ja!

rojo 2

es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo

En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez. «Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.


MARK FISHER.

perú post indie

Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños.
Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo...
Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?


FRED ROHNER
Historia Secreta del Perú 2

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RETROMANÍA

"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia." SIMON REYNOLDS Retromanía

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