VAN DYCK - LA CASA DEL ARTISTA

:. . SUPERSPACE RECORDS - TRANSGRESIONES SÓNICAS, MINIMALISMO Y VISIONES

sábado, 31 de diciembre de 2016

H R 3 0 0 1


Mientras nos consideremos como simples seres humanos viviremos como seres ignorantes con la sola fuerza del hombre. Pero cuando llegamos a comprender el hecho de que somos hijos del Eterno, que encerramos en sí todas las fuerzas de la vida, despierta entonces en nosotros un grado superior de espiritualidad. Así nos es posible abrirnos cada vez más a este fluido celestial para hacernos mujeres y hombres divinos◙Libros en un catálogo de más de 60 títulos de Editorial Vida Universal, disponibles en Librería Chang de Arenales 1001 en Santa Beatriz◙ IGNITION ADVENTURE, la tienda máxima con ropa para deportes de aventura y única con gran diversidad de marcas A1 te espera en su local de Guillermo Dansey 10000-7 en la galería LA CACHINA a la altura de la cuadra 8 de Av. Argentina. Te espera Betto allí, con todos sus años de experiencia en estas lides◙



2016 va quedando atrás y si durante 2017 queremos recibir las inspiraciones más elevadas tenemos que esforzarnos al máximo para lograr una conversión absoluta de lo mundano a lo espiritual. ¡Ahora es el tiempo en que el tiempo es ahora!◙ Continúo con la selección de los mejores álbumes del 2016 marcado x estilos. Esta es LA LISTA +LIBRE DE TODO EL PLANETA SIN NÚMEROS NI DIOSES DE BARRO, TODO EN SU PERFECTO EQUILIBRIO. En vena INDIETRÓNICA destaco los siguientes o.v.i en álbumes:

LAMBCHOP   FLOTUS
GLASS ANIMALS   HOW TO B A HUMAN BEING
MODERAT   III
KATIE DEY   FLOOD NETWORK
BETH ORTON   KIDSTICKS
HOLY FUCK   CONGRATS
METRONOMY  SUMMER 08
EL GUNCHO   HIPERASIA
PHANTOGRAM   THREE
TOBACCO   SWEATBOX DINASTTY
TWO DOOR CINEMA CLUB   GAMESHOW
BLOCK PARTY   HYMNS



NAT / NATURAL ATOMIC TUBES te invita a visitar su facebook y para que ordenes on line sus fabulosas slaps para este verano 2017◙

Durante 2016, dentro del estilo shoegaze, estas son las perlas sónicas en álbumes que dejaron su huella estelar:

NOTHING   TIRED OF TOMORROW
MINOR VICTORIES   MINOR VICTORIES
JESU/SUN KIL MOON   JESU/ SUN KIL MOON
PITY SEX   WHITE HOT MOON



En 2016 la escena Experimental alimentó la escena con álbumes firmados x grupos y actos que exponemos aquí:

DAVID BOWIE   BLACKSTAR
SWANS    THE GLOWING MAN
ULVER    ATGCLVLSSCAP
KIRAN LEONARD   GRAPEFRUIT

 


A tomar consciencia durante 2017 que justamente en el tiempo presente en este gran cambio de época fluyen inmensas fuerzas en el mundo, en la mente de aquellos que se mantienen cautivos en el mundo y en sus apariencias. Ellos son a menudo el objeto de influencia de aquellos que quieren mantener al mundo en su estado actual. Estas fuerzas son las que utilizan como canales tales hombres que se abren mentalmente para esta clase de objetivos. Si queremos recibir las inspiraciones más elevadas tenemos que esforzarnos al máximo para lograr una conversión absoluta de lo mundano a lo espiritual. El año 2017 será lo que la humanidad haga de él.◙STOP!

UN EXTRA PLUS !

martes, 27 de diciembre de 2016

THE TOP 2016



El 2016 ha sido un año loko y movido. Varios documentos sobresalientes y hasta descollantes, algunos hechos que conmocionan a la masa conectada a los mass media de siempre. Felizmente aquí en PERÚ AVANTGARDE  creemos solo en la música y ella ha sido el principal motivo de nuestra existencia. Por ello -y no por otro motivo- siempre hemos estado en la avanzada o como dice nuestro lema en las redes: "Perú Metamúsica, en la vanguardia desde siempre". Y lo mejor es que ha quedado registrado en la Historia de este curioso y multicolorido país/sociedad (Puedes visitar la Biblioteca Nacional del Perú y corrobarlo) sin siquiera haber movilizado un ejército de fotográfos y videastas artys cada vez que hacíamos tal o cual evento, concierto o intervención como se estila hoy en día en la escena tontihipsterculturosa.

A seguir y sin más bla bla bla compartimos los discos más proyectados y volados que llegaron a nuestros oídos este año. El melómano recalcitrante agradecerá tamaña dosis de belleza y enajenación. Justo como cuando nos en los 90's agradecíamos al kosmos la llegada de joyas como el "Tenjira", el "Forever Alien" -¡del cual se cumplirán 20 años el 2017!-, el "Hz", el "Bloweyelashwish", etc. Por aquellas temporadas y tras la escucha embelesada sabíamos sin dudar qué responder a la pregunta: "are you for Real?". Esperemos que tú también.




30. VYNIL WILLIAMS - Brunei (Egipto/U.S.A.)

#dreampop #krautrock #pop #psychedelia

  

29. JUAN ARANEDA - Desfílicos (Chile)

#techno #electronics #ambient #noise #vanguardia




28. ECHOTON - Hello from Earth (Alemania)

#experimental #ambient #digitalmusic





27. LUCY - Self Mythology (Italia)

#tribal #experimental #electronica





26. EL OTRO INFINITO - El infierno en tus ojos (Perú)

#ambient #idm #electronica





25. THOMAS LEMMER - Pure (Alemania)

#electronica #ambient #pop





24. FRITS WENTINK - Horses in Cornfield (Holanda)

#electronica #techno #house





23. PAISAJE 3 - Sesión Invernal (Perú)

#nugaze #postrock #triphop





22. TORTOISE - The Catastrophist (U.S.A.)

#postrock #electronica #artrock





21. CAO - Marginal Virgin (Peru)

#dark #ambient #tribal #ethereal




20. AUTECHRE - Elseq 1-5 (U.K.)

#avantgarde #idm #digitalmusic #electronica




19. PARURO - Remanentes (Perú)

#postrock #kosmische #electronica





18.  CYANÉ - Stand Sol (México)

#ambient #techno #ethereal





17. ENTIDAD ANIMADA - Calypso club (Argentina)

#dreampop #ambient #folk





16. LANDING - Complekt (U.S.A.)

#spacerock #ethereal #shoegaze





15. IONAXS - Descomposiciones (Perú)

#ambient #idm #experimental #vanguardia





14. KANYE WEST - The life of Pablo (U.S.A.)

#hiphop #rap #electronica #avantgarde




13. PETE BASSMAN - Lost in space (U.K.)

#spacerock #psychedelia #postrock





12. JENNY HVAL - Blood bitch (Noruega)

#electronica #experimental #artrock





11. THE MUGRIS - Superdog (Chile)

#spacerock #electronica #postrock #psychedelia





10. ISHISHCHA - Na (Perú)

#indietronica #ethereal #tribal #avantgarde




9. BRIAN ENO - The ship (U.K.)

#ethereal #ambient #avantgarde





8. GREGOR SCHWELLENBACH, HAUSCHKA, DANIEL BRANDT, PAUL FRICK, LUKAS VOGEL, EROL SARP, JOHN KAMEEL FARAH, STEVE REICH, TERRY RILEY - Six pianos / Keyboard study (Alemania)

#modernclassical #avantgarde #minimalismo #pianopunk





7. LA VIE - Autodidacte (Perú)

#folk #spacerock #ethereal #psychedelia





6. ALEXANDRA ATNIF - Supersymmetry (Rumania)

#experimental #electronica #avantgarde 




5. ETHERNET - Outside of time (U.S.A.)

#ambient #psychedelia #vanguardia





4. CARLA DAL FORNO - You know what it's like (Australia)

#ethereal #newwave #minimal #ambient





3. REGISTROS AKÁSICOS - Hearts (Perú)

#newwave #dance #ethereal #electronica





2. JAMES HOLDEN & CAMILO TIRADO / LUKE ABBOTT - Outdoor museum of fractals / 555 Hz (U.K.)

#avantgarde #minimalismo #experimental #electronics





1. S. OLBRICHT - For perfect beings (Hungría)

#electronica #idm #techno #house #psychedelia #avantgarde 

lunes, 26 de diciembre de 2016

¿Revolución cultural o un mito más?


Lindo artículo, pero se olvidaron de mencionar a Magia!!! como uno de los espacios culturales más importantes de esa escena. Tuve la oportunidad de ir a muchísimos de los conciertos de esa brillante época; y era siempre en Magia, donde las bandas, la música, la acústica del sonido, la atmósfera y el pogo, se integraban de una manera totalmente (perdonen la redundancia) MÁGICA!!!. Los otros espacios mencionados en el artículo eran buenos también. Pero el hueco y la jato hardcore eran más privados, y para un circulo muy reducido de amigos. El primero, extremadamente radical, dogmático y politizado. Y el segundo, mas bien totalmente neo-conservador y reaccionario... En todo caso, los conciertos del teatro La Cabaña fueron más interesantes y excitantes que el de los dos espacios anteriormente mencionados. (aunque claro, entiendo la importancia cultural de que estos existieran también) Pensándolo ahora con mas detenimiento, creo que lo mejor del Rock Subterráneo fueron LOS CONCIERTOS!!! y no necesariamente la música en si. El nivel de energía física, mental, psíquica y espiritual que se daban como resultado de la interacción entre las bandas y el público era absolutamente INCREIBLE!!! Y hubiese podido mover montañas, sino hubiese sido por los separatismos sociales y raciales -que se hicieron más obvios y presentes-, creo a consecuencia de la canción "Muérete Pituco", de S de M. hahahaha. Yo realmente nunca entendí porque los blanquitos de clase media del movimiento Subte, tomaron esta canción de una manera tan, pero tan personal.. (de cualquier manera ellos nunca quisieron ser reconocidos como tales, sino mas bien como Rock Alternativo, pero esa es otra historia) Y comenzaron a hacer pintas escribiendo: "Omiso Resentido", "Omiso Acomplejado", y "Omiso Pesuñento" por toda la ciudad... Esta actitud fue bastante absurda y contradictoria, considerando que el contexto general en el que esta canción fue escrita era el del Punk Rock. Técnicamente, una vertiente socio-cultural y musical en donde la prevalencia de la libertad del discurso, y la libertad de expresión eran quizás los apostolados mas importante de toda su filosofía! Honestamente, hasta el día de hoy, no entiendo cual fue la motivación real de esa actitud. Pero definitivamente no fue Punk Rock. Sino mas bien, una aleación genérica entre la brutalidad de la Inquisición Española, el aparato censurador de la BBC de Londres y el hecho de haber sido hijitos de mami y papi...

Por esa razon, es absolutamente imposible, de que el Rock Subterráneo haya podido ser "La Revolucion Cultural de la Clase Media", porque en su actitud y postura social, no hubo ni oposición, ni revolucion en contra del sistema tal como era. Porque acusando a los que no eran parte de su grupo de terruco, resentido social, misio, homosexual, serrano, pastelero, loco, sidoso, etc. Lo único que hicieron fue llevar su hipocresía moral, sus jerarquías socio-raciales, y sus politicas económicas a un contexto totalmente aparte de esa realidad, creando animosidad entre todos y haciendo sentir a la mayoría totalmente incómodo. Por otro lado, por supuesto que tenian el derecho de co-existir -en este contexto también- y tales como eran; pero es obvio que la VERDADERA revolución cultural, se dio en el sector de la CLASE TRABAJADORA del movimiento. Fueron ELLOS los que realmente crearon el ROCK SUBTERRÁNEO e hicieron de este lo que fue!!!

ELYAN PAULUS

viernes, 23 de diciembre de 2016

MÁS ALLA DEL BIEN Y DEL MAL: LA MORAL DEL INMORALISTA O EL CULTO AL «GRAN ESTILO»

"Chí cheñór"

Muchos intérpretes de Nietzsche, especialmente los más recientes, han cometido un enorme error al interpre­tar su pensamiento, un error que me gustaría que evita­ras: han dado por sentado con demasiada ligereza que lo que Nietzsche proponía para hacer la vida más libre y ale­gre era rechazar las fuerzas reactivas para dejar vivir sólo a las activas, y así liberar lo sensorial y el cuerpo «rechazan­do la seca y fría razón».

Efectivamente, este razonamiento puede parecer muy «lógico» a primera vista. Sin embargo, este tipo de «solu­ción» es el arquetipo de lo que Nietzsche entiende por «ig­norancia». ¡Es evidente que descartar las fuerzas reactivas lleva­ría a sumergirse en una forma diversa de reacción, al negar, a su vez, otro aspecto de lo real! Por tanto, lo que nos invita a bus­car no es una suerte de anarquía, de liberación del cuer­po o de «liberación sexual». Todo lo contrario, lo que propone es una intensificación y jerarquización tan fuer­te que permita la existencia de las múltiples fuerzas que constituyen la vida.

Esto es lo que Nietzsche denomina el «gran estilo».

Y es con esta idea en la cabeza como debemos adentrar­nos en el corazón de la moral del inmoralista.

No debemos olvidar que resulta algo paradójico querer encontrar una moral en Nietzsche, al igual que lo es pre­guntarnos por la naturaleza de su theoria. Acuérdate, ya hemos hablado de cómo Nietzsche rechaza violentamente todo proyecto de mejora del mundo. Por otra parte, todo el mundo sabe, aún sin ser un gran lector de sus obras, que se le suele tener por el «inmoralista» por excelencia, que nun­ca dejó de arremeter contra la caridad, la compasión y el al­truismo en todas sus formas, cristianas o no.

Como ya te he dicho, Nietzsche detesta la noción de ideal, él es, por ejemplo, de los que no comulgan con las primeras manifestaciones de un humanitarismo moder­no tras el que sólo percibe un débil aroma a cristianismo:

Proclamar el amor universal a la humanidad [escribe él en este contexto] supone, en la práctica, dar preferencia a todo lo que es sufrimiento, desgracia, degeneración. [...] Lo que conviene a la especie es que la desgracia, la debili­dad y la degeneración perezcan.

A veces, su pasión anticaritativa, incluso su gusto por la catástrofe, se convierte en un franco delirio. Según refieren personas cercanas a él, no pudo contener su alegría cuando supo que un terrible temblor de tierra había destruido algu­nas casas en Niza, una ciudad que le gustaba visitar pero, ¡ay!, el desastre fue menor de lo previsto. Afortunadamente, algún tiempo después, se pudo desquitar cuando se enteró de que un gran cataclismo había devastado la isla de Java:

Doscientos mil años destruidos de golpe —decía a su amigo Lanzky—, ¡es magnífico! (sic). [...] Lo que hubiera venido bien hubiera sido una destrucción radical de Niza y de sus habitantes.

¿No parece un poco aberrante, por tanto, hablar de una «moral de Nietzsche»? Porque, por lo demás, ¿qué podría ofrecer en este campo? Si la vida no es más que un conjunto de fuerzas ciegas y desgarradas, si nuestros jui­cios de valor no pasan de ser emanaciones, más o menos decadentes quizá, pero en todo caso privadas de cual­quier tipo de significado, al margen de ser síntomas de nuestra calidad de seres vivos, ¿por qué esperar de Nietzsche la menor consideración ética?

Se puede extraer una hipótesis que ha seducido a cier­tos nietzscheanos de izquierdas, y que, por muy enloque­cida que parezca, le hace parecer peor de lo que era. Y es que algunos han deducido de modo bastante simplista el siguiente razonamiento: si de entre todas las fuerzas vita­les unas, las reactivas, son represivas, mientras que las otras, las activas, son emancipatorias, ¿no se trataría simplemen­te de anular las primeras en beneficio de las segundas? ¿No habría que declarar, en último término, que hay que proscribir todas las normas, que se ha de «prohibir prohi­bir», que la moral burguesa no es más que un invento de los curas y que hay que liberar, por fin, las pulsiones en juego en el arte, el cuerpo y la sensibilidad?

Hay quien así lo ha creído y quien aún lo cree. En el marco de las enloquecidas protestas de mayo de 1968 se ha querido leer a Nietzsche en este sentido. Como si fuera un rebelde, un anarquista, un apóstol de la liberación se­xual, de la emancipación del cuerpo.

Aunque no se comprenda bien su obra, basta con leer­la para constatar que esta hipótesis no sólo es absurda, sino que está en las antípodas de todo aquello que creía.

No deja de decir, alto y claro, que él es cualquier cosa me­nos un anarquista, como demuestra, entre otros escritos, este pasaje de su Crepúsculo:

Cuando el anarquista, como  vocero de  capas sociales deca­dentes de la sociedad, reclama, haciendo gala de una bella indignación, derecho, justicia o  igualdad de  derechos, lo hace sometido a la presión de  su propia incultura y demuestra que no es capaz de entender, en el fondo ,  por qué sufre, por qué es pobre en vida. Un instinto causal domina en él: alguien tie­ne que ser culpable de que él se encuentre mal... Esta «bella indignación» le hace bien en sí misma, es un auténtico placer para un pobre diablo poder lanzar injurias, de esta forma ex­perimenta una pequeña embriaguez de poder”.

Se puede criticar este análisis si se desea, pero lo que es imposible en cualquier caso es endosar a Nietzsche la pa­sión libertaria y las indignaciones juveniles de un mayo del sesenta y ocho que, sin duda alguna, habría considera­do una de las emanaciones por excelencia de lo que de­nominaba la «ideología del rebaño». 

Podemos, desde lue­go, discutir sobre ello, pero en ningún caso negar su aversión explícita hacia toda forma de ideología revolu­cionaria, ya fuera socialismo, comunismo o anarquismo. Tampoco cabe duda alguna de que la simple idea de la «liberación sexual» literalmente le horrorizaba. Esto es algo evidente teniendo en cuenta sus puntos de vista: un verdadero artista, un escritor digno de tal nombre debe intentar, ante todo, «economizarse». Es un tema desarro­llado hasta la saciedad en sus famosos aforismos sobre la «fisiología del arte». Ahí afirma que «la castidad es la eco­nomía del artista», que debe practicarla sin fisuras, puesto que «la fuerza que se emplea en la creación artística es la misma que se despliega en el acto sexual». Por lo demás, Nietzsche no encuentra palabras lo suficientemente du­ras contra el desenfreno de las pasiones que caracterizó la vida moderna tras el surgimiento, funesto desde su punto de vista, del romanticismo.

Como vemos, hay que leer a Nietzsche antes de hablar de él y de hacerle hablar.

LUC FERRY
Aprender a Vivir: Filosofía para mentes jóvenes.
2006

martes, 20 de diciembre de 2016

UNA CONVERSACIÓN CON ALDO CASTILLEJOS DE REGISTROS AKÁSICOS :. Registros Akásicos es lo que está más allá del bien y del mal

Foto por Juan Pablo Aragón

Registros Akásicos es el nuevo proyecto de Aldo Castillejos, notable músico de la escena noventera Crisálida Sónica y miembro de ensambles como Espira y Diosmehaviolado. La música que nos presenta Aldo este 2016 transita por sonoridades afines a los efluvios dance new wave y ethereal que con tanta pasión cultiva desde su infancia y adolescencia en las aulas del Colegio Salesiano en donde tuve el honor de conocerle e intercambiar sonidos. Por aquel entonces pocos sospecharían que lo que bullía al interior de aquel claustro escolar iba a ser el germen de la futura vanguardia metamusikal peruana: Avalonia, Diosmehaviolado, Girálea, Espira, Serpentina Satélite, Evamuss, Azucena Kántrix... Como solía decíar Helene Ramos al respecto en "2001", su programa en Radio Miraflores FM, "Dios los cría y ellos se juntan". 

Varios calendarios han pasado ya y toda la experiencia acumulada por Castillejos le sirve de base para producir, al mando de teclados, software y mucha, pero mucha inspiración, atmósferas y colores hipnóticos y personalísimos. Una fusión imposible entre la discografía ambient de Brian Eno, el "Recurring" de Spacemen 3 y los discos de O.M.D. ¡Genuina exquisitez!

A seguir compartimos con los fans de Perú Avantgarde la respectiva entrevista con Aldo Castillejos quien nos cuenta acerca de su pasión por la música y las vivencias noventeras además del segundo álbum de los Registros Akásicos, "Hearts". Un disco sublime por donde se le mire, superior a tanto hype ensalzado por los medios, v.g. los últimos documentos de Marie Davidson o Lust For Youth. El tiempo es el mejor aliado de la vanguardia.

Qué tal Aldo un placer conversar contigo. Cuéntanos sobre tu proyecto de estas temporadas Registros Akásicos, ¿qué ideas o feeling manejas para la concepción de la música, cuáles son las principales influencias, por qué el nombre de Registros Akásicos?

Hola Wilder, igualmente es grato conversar con un amigo de hace muchos años. Bueno, Registros Akásicos surge luego de que dejáramos de tocar como Serpentina Satélite en 2009, formando una banda nueva llamada "Sangre de Grado", Felix Dextre (Bito), Jose Antonio Flores (Dolmo), Rodrigo Loayza y Yo, con esta agrupación hicimos canciones y nos presentamos varias veces, pero con el tiempo ajustado de todos nosotros, era cada vez más dificil ensayar y juntarnos. Poco a poco se fue disolviendo y mis ganas de seguir haciendo música crecían. Así fue como se inicia este proyecto y empecé a componer temas nuevos sin nombre, haciendo y utilizando toda la influencia musical que he ido escuchando en todos estos años de melómano, estos temas no debían tener una barrera de estilo, tenían que ser todo a la vez. Influencias desde Ash Ra Tempel, Cluster o Brian Eno, hasta los Pet Shop Boys, Slowdive o Bebu Silvetti. Es por eso que traté de imaginarme canciones hermosas dance, pero a la vez psicodélicas y triperas, siempre como base el drone y el minimalismo continuo. Es así que surge el nombre Registros Akásicos, que es la biblioteca de todo lo que existe, sin parámetros, sin pasado, presente o futuro. Es lo que está Más Allá del Bien y del Mal.

Es así como pude tener algunos temas hechos, compartí los tracks con amigos cercanos y es cuando en el 2013 Sandra Villarreal los escucha y me dice para ver si hacemos algunas cosas juntos, ya que ella también tenía algunas ideas. Al poco tiempo ya teníamos canciones hechas, todo desde la vía digital, nos pasamos archivos por correo de lo que fuere, instrumentos, voces, etc. En el 2014 pudimos completar el album "Mariana". El arte lo realizó Rodrigo Loayza, y la fotografía la misma Sandra, ya que ella es fotógrafa de profesión (Savina Gost), y lo publicamos en Diciembre.




Tu primer álbum “Mariana” (2014) acaba de ver la continuación con el álbum “Hearts” (2016). Dos joyas de la música alterna peruana sin dudas. Personalmente me gusta mucho más “Hearts”, lo noto más tripero o etéreo sin dejar el feeling dance new wave. ¿Qué nos puedes contar sobre esta nueva jornada de Registros Akásicos? ¿Darán conciertos esta vez? ¿Qué fue de la banda que llegaste a formar como Registros Akásicos el 2015 junto a Raúl Reyes y Carlos Mariño si no me equivoco?

Luego de editar el disco "Mariana" el deseo de presentar el disco en vivo hizo que empiece a contactarme con amigos con los que ya había hecho música antes. Es así como invito a Rodrigo Loayza (El Espiritu del Tiempo, Sangre de Grado, Espira), Raúl Reyes (Catervas) y Carlos Mariño (Girálea, Serpentina Satélite) a que toquemos juntos como Registros. En el verano del 2015 empezamos con los ensayos, en Abril me contacto con  Fernando Pinzás (Varsovia) y nos ayuda en los syntes, es así como a mitades de ese año nos presentamos en la noche de Barranco y por motivos de fuerza mayor ya no pudimos seguir ensayando.

Es en este año 2016 a vista de que era muy dificil reunirnos todos para ensayar retomé el hecho de seguir haciendo canciones junto a Sandra, y es así que este año hemos podido publicar nuevamente este segundo disco "Hearts".

Temas como “24 de Mayo”, “1991” o “Todo este tiempo” denotan vivencias personales, ¿en qué te inspiras o qué es lo que quieres comunicar/transmitir con tu sonido?

Entre los 8 y 16 años de mi vida, la influencia musical que recibí, así como la educación en mi casa y en un colegio con base religiosa me marcó mucho, luego de salir de las aulas, abracé el nihilismo Nietzscheano absoluto y también la filosofía del Tao Te-King, pero veo que con el tiempo todo me ha servido, la fervorosidad de mis primeros años hace que todo tenga un sentido mágico. Ahora soy un creyente de lo que veo y siento. La Música Nueva Ola que escuchaba mi papá cuando era niño aún está vigente en mí, y es justo eso lo que hace que componga temas como "24 de Mayo" (homenaje a mi Colegio Salesiano). 

Por otro lado "1991" es un saludo a ese SynthWave grandioso y tan bien cuidado que solo existió para mí hasta ese año, en Noviembre de 1991 sale el Loveless de MBV, el 21 de Diciembre se separan Los Prisioneros, luego de su gira del Corazones, ya empiezan otros tiempos, tal vez del raciocinio y las interrogantes.

Tras todos estos años ¿cómo recuerdas los 90’s, la época de Crisálida Sónica, de las bandas Diosmehaviolado y Espira en las que participaste?

Luego de salir del cole en 1992 las guitarras inundaron mi vida, el noise y lo etéreo. Formé una banda junto a Juan Salas Tupes, y Luis Távara García, amigos del colegio, empezamos haciendo covers en 1994, a mediados de 1995 ya hacíamos algunos temas propios que sonaban medio a la primera etapa de Slowdive, pero la banda se disolvió. A los pocos días de eso en un concierto me cruzo de casualidad con Christian Galarreta, y me cuenta que escuchaba a My Bloody Valentine, él había formado en esa época una banda llamada Abraxas junto a Fabián Escalante, Carlos Moreno Carrascal y Oscar Pita. Se presentaron en un concurso de bandas en Barranco. Fue muy rara esa presentación, la gente no entendía lo que pasaba, incluso el mismo Christian, al sentir el asombro del público, les dice casi con alegría, "Ustedes todavía no entienden esto". A los pocos días Christian y yo empezamos a ensayar y por unas semanas nos acompañó Carlos Moreno en el bajo, pero para fines de ese año entra Yuri Gutierrez a la banda, ya nos llamábamos Diosmehaviolado, ese nombre era lo más directo para destruir barreras de todo tipo, justo lo que queríamos hacer con nuestra música, hacer algo realmente nuevo en estos lados y a la vez disfrutar de esos atardeceres junto a tantos buenos amigos, ensayar desde las 6 de la mañana, recibiendo el alba. Ese conglomerado que formamos en el 95-96-97, fue y es hasta ahora algo insuperable, era vivir realmente por la música. Sin alcohol, sin drogas.


Espira 1997

En Diciembre de ese año 1995 Wilber Dueñas me pasó la voz para hacer una banda junto a Fabiola Vasquez y Raúl Ochoa, durante el verano del 96 tocábamos la banda de Wilber Y Fabiola y Diosmehaviolado. Ensayábamos mucho, nos juntábamos en casa de Christian o de Walter Peña (Fito)

En Mayo del 96 formamos Claroscuro, junto al Chino Burga, Renzo Lari y Omar Raúl Ochoa, luego de algunos meses se cambió a Espira, ensayábamos y parábamos con la gente de Catervas, Avalonia, Hipnoascención, Fractal, Resplandor, Labioxina, Girálea, Diosmehaviolado, Wilber y Fabiola, Fábula Pandereta... éramos tan pocos en esta escena indie y todos nos conocíamos, nos reuníamos siempre los domingos en la sala Melchormalo de Surco, eran como miniconciertos, entre la semana y también algunos domingos nos juntábamos en el parque frente a la casa de los hermanos Reyes (Catervas), muy buenas épocas y gratos recuerdos etéreos.

¿En qué quedó Serpentina Satélite tu banda de los dos miles?

Renato Gómez, guitarrista de Serpentina Satélite, viajó a vivir fuera del Perú desde el 2007, pudimos terminar de grabar dos álbumes y publicarlos en 2008 y 2010 en Alemania y el Reino Unido, no pudimos volver a reunirnos para hacer más cosas juntos, quedaron los buenos recuerdos y sobre todo la gran amistad que nos une a todos nosotros.

¿Sabes algo de Carlos Mariño, el man a cargo de Girálea? Tú sabes sacó música tan proyectada que sería excelente que retorne a la creación.

Cuando estuvimos ensayando con Registros tenía como objetivo sacar algo nuevo como Girálea. Carlos es uno de los mejores músicos de la escena, espero que pronto publique un nuevo disco.

Menciónanos please tus 10 discos fundamentales o que te horadaron el cerebro como nunca.

Es bastante complejo el condensar toda una vida en 10 albumes, pero pensando rápidamente podría darte estos que son mas de 10 y en desorden:

Brian Eno - Another Green World (1975), Here Come The Warm Jets (1973)
Cluster - Cluster II (1972), Zuckerzeit (1974)
Cocteau Twins - Treasure (1984), Victorialand (1985)
My Bloody Valentine - Loveless (1991), Glider (EP 1990)
Bebu Silvetti - World Whithout Words (1976)
Ash Ra Tempel - Ash Ra Tempel (1971), Seven Up (1973)
Los Prisioneros - Corazones (1990), La Cultura de la Basura (1987)
Clan Of Xymox - Clan Of Xymox (1985), Medusa (1986)
Harold Budd & Brian Eno - The Pearl (1984), Ambient 2 (The Plateaux Of Mirror) (1980)
Spiritualized - Pure Phase (1995)
Pet Shop Boys - Behaviour (1990) How Can You Expect To Be Taken Seriously? (12" 1990)
Shiho - Purple Sails (1989)
Michael Nyman - The Piano (Soundtrack) (1993)
The Cure - Faith (1981), Disintegration (1989), Concert - The Cure Live (1984)
Slowdive - Souvlaki (1993), Holding Our Breath (EP 1991)
Kraftwerk - Radioactivity (1975), Ralf & Florian (1973)
Erik Satie - Gnossiennes (Interpretado por el pianista - Reinbert de Leeuw)

¿Qué grupos peruanos y/o extranjeros te animarías a recomendar?

En este año he escuchado mucho a Geneva Jacuzzi, Part Time, Serto Mercurio, Blood Orange, Varsovia, Rhye, Mkrni, Shura, Blind Dancers, Wilder Gonzales (el último album "Scala Mega Hertz"), Catervas, El Ultimo Vecino, El Otro Infinito, Jeanne Mas, MillionYoung, Kamilo Keys, Schonwald, 3AM, Línea Aspera, No Mightier Creatures, The Underground Parties, La Terminal, El Espiritu Del Tiempo, Nocturno, El Jefazo.

Realmente un sublime trabajo el de Registros Aldo, muchas gracias por concedernos la entrevista. 

Muchas Gracias a tí Wilder por ofrecernos la entrevista, y seguiremos haciendo lo que más nos gusta. Música.

20 años del "Drawing of Sound" de WINDY & CARL .: Trascendiendo la Trascendencia


1996 fue un año sublime para la vanguardia metamusikal en todo el mundo. Se publicaron discos hermosos y alucinantes. Se realizaron conciertos estratosféricos en diversos lugares del globo. El espíritu de los tiempos se sentía respirar a cada instante de la vida por aquel entonces. Las drogas, para que negarlo, cumplían su papel a la perfección. Ese año Spectrum publicó el "Songs for Owsley EP" la antesala al "Forever Alien" nada menos. Tortoise editaba su disco cumbre "Millions Now Living Will Never Die". Los peruanos Silvania remecían la escena iberoamericana más entonada con "Delay Tambor" su álbum de remezclas. Fue en 1996 que Main, el proyecto de Robert Hampson (ex Loop), publicó los seis eps que luego formarían la caja "Hz", a razón de uno por mes. Disjecta, el proyecto de Mark Clifford de Seefeel, hacía lo propio con esa gema llamada "Clean Pit and Lid Pit" vía Warp. Cranes nos pasaba de vueltas con "La Tragedie d'Electre et Orestes"... Ese mismo año en Michigan la dupla conformada por Windy Weber y Carl Hultgren daban a luz a uno de los discos más jodidamente etéreos y descorazonados de toda la década: "Drawing of Sound".

Weber y Hultgren habían formado parte de una avanzada previa, el ensamble Once Dreamt en donde militara otro ilustre músico space postrocker, Randall Nieman. Existía en Michigan una escena fuerte de artistas devotos por los mantras sónicos y la experimentación postrockera: Childrens Ice Cream, Asha Vida, Füxa, Five Way Mirror, et al. Además, los efluvios del shoegaze y ethereal noise habían pasado ya pero proyectos como Lovesliescrushing, New Grape y Windy & Carl mantenían viva la flama en Estados Unidos y el resto del mundo. A Lima llegaban noticias de todos estos capos y su arte formaba parte del devenir diario de nuestra existencia aquellos días de fin de siglo.




Cocteau Twins, Brian Eno, Spacemen 3. Todos ellos se funden magistralmente en los cerca de 45 minutos que dura la travesía celestial que es el "Drawing of Sound". Los susurros de Windy en plan ninfa perdida en Andrómeda año 40 000, las guitarras minimales y psicodélicas de Carl envolventes y bienaventuradas como el abrazo de una madre, los bajos de la Weber siempre horadando el pulso de tu corazón para recordarte que estás allí sintiendo/presenciando la gracia y fuerza de los sonidos más etéreos que un par de chamanes músicos pueden extraer de las guitarras. Una vez más, el minimalismo se torna maximalismo: are your dreams at night 3 sizes too big?

Dos "canciones" que se quedarán en ti para jamás olvidarte: "You" y "Lighthouse". ¿Qué hubiera sido de la juventud mundial si estos himnos hubieran sido irradiados por la mass media vía la FM o la MTV? ¿Revolución Estelar? Y tres viajes astrales a los que haríamos flaco favor acumulando palabras tratando de describirlas cuando de lo que se trata es experimentar la magia, el amor y la trascendencia de una música llamada a ser la solución a este sistema/mundo donde el ego y la estupidez insubstancial rigen. O como bien declararía Windy Weber algunos años después: "I hate people". Así es, damas y caballeros, existen creadores paridos por el cosmos para recordarnos que alguna vez fuimos felices, que por más que hoy nos empeñemos en olvidarlo en algún tiempo existió el paraíso, la inocencia y la miel cada día de la vida. Si lo crees y sientes que no encajas Windy & Carl te harán probar el cielo en la tierra, conocer la música de los dioses. Escúchalos y no dudes jamás. El espacio no falla.


Wilder Gonzales Agreda.




20 Years of WINDY & CARL's "Drawing of Sound" .: Trascending Trascendence

1996 was a sublime year for the metamusikal vanguard all over the world. Beautiful and amazing records were released. Stratospheric concerts were held in various parts of the globe. The spirit of the times felt like breathing every moment of life back then. Drugs, why to deny it, fulfilled their role to perfection. That year Spectrum released the "Songs for Owsley EP" anteroom to "Forever Alien" no less. Tortoise was releasing its apex album "Millions Now Living Will Never Die." Peruvians Silvania shaked more intoned Latin American scene with "Delay Tambor" their album of remixes. It was in 1996 that Main, the project of Robert Hampson (ex Loop), released the six eps that soon would form the box "Hz", at a rate of one per month. Disjecta, Seefeel's Mark Clifford project, did the same with that gem called "Clean Pit and Lid Pit" via Warp. Cranes blew our minds with "La Tragedie d'Electre et Orestes"... In the same year in Michigan the duo formed by Windy Weber and Carl Hultgren gave birth to one of the most fucking ethereal and disheartened records of the whole decade : "Drawing of Sound".

Weber and Hultgren had been part of a previous advance, the ensemble Once Dreamt where another distinguished space postrocker musician took part, Randall Nieman. There was a strong scene in Michigan of devout artists for sonic mantras and post-rock experimentation: Childrens Ice Cream, Asha Vida, Füxa, Five Way Mirror, et al. In addition, shoegaze effluviums and ethereal noise had already passed but projects like Lovesliescrushing, New Grape and Windy & Carl kept alive the flame in the United States and the rest of the world. To Lima came news of all these masters and their art was part of the daily evolution of our existence those days of end of century.



Cocteau Twins, Brian Eno, Spacemen 3. All of them merge masterfully in the 45 minutes of the celestial journey that is the "Drawing of Sound". Windy's whispers in lost nymph in Andromeda year 40 000 manner, Carl's minimal and psychedelic guitars enveloping and blessed as the embrace of a mother, Weber basses always piercing the pulse of your heart to remind you that you are there feeling / witnessing the grace and strength of the more ethereal sounds that a pair of musician shamans can extract from the guitars. Once again, minimalism becomes maximalism: are your dreams at night 3 sizes too big?

Two "songs" that will remain in you to never forget you: "You" and "Lighthouse". What would have been of the world youth if these hymns had been radiated by the mass media via FM or MTV? Stellar Revolution? And three astral trips that we would do thin favor by accumulating words trying to describe them when it comes to experiencing the magic, love and transcendence of a music called to be the solution to this system / world where ego and insubstantial stupidity rule. Or as Windy Weber would well declare a few years later: "I hate people". That's right, ladies and gentlemen, there are creators born by the cosmos to remind us that we were once happy, that even though today we try to forget it at some time there was paradise, innocence and honey every day of life. If you believe it and you feel you do not fit Windy & Carl will make you taste heaven on earth, know the music of the gods. Listen to them and never hesitate. Space does not fail.


Wilder Gonzales Agreda.

sábado, 17 de diciembre de 2016

PORN FOR NEURONS: Twenty years of FÜXA's "Very Well Organized"


Formed in Detroit in 1994 Füxa began being as a duet: Randall Nieman and Ryan Anderson. It´s with this formation that they produced "Very Well Organized" (Mind Expansion, 1996), disc that fulfills this year two decades of existence. They quickly gained cult status within the American space / experimental space rock scene thanks to their splits with various bands and acts like THE TELESCOPES, STEREOLAB, AZUSA PLANE, MARTIN REV, etc. Mostly Füxa opts for an instrumental, drone, hypnotic trance sound very close to the ambient, steeped in arrangements and glitches produced by analog keyboards and treated guitars. In addition to scarce but accurate percussions.

As influences for this disc we can mention TANGERINE DREAM, STEREOLAB, SUICIDE, E.A.R., SPECTRUM, NEU!, etc. From the sound of the Very Well Organized, sprout repeated spatial odes endowed with hypnotism and reverie where the deep and stuck notes give all of them creating atmospheres of subtle abstraction. This album shows little rock and more ambient in its tones and textures emanated from its turbulent electronics. Composed with a Hammond organ in the living room of his house, Nieman and Anderson fabricated this precious document 20 years ago and never ceases to amaze by its original futuristic will.

Frequencies not suitable for neophytes are those that flow from Füxa with their most psychedelic and glued sounds. Time takes on a different dimension while you hear these experimental sonorities that also drink from the German Kosmische (avant-rock of the 70's) and the neo psychedelic of SPACEMEN 3. It is noteworthy the trained exploration of cosmic sonorities, warm and friendly more Committed to happiness and hedonistic enjoyment confronting the majority pseudo-depressive tendencies of the American indie of his time (read grunge). The compositions of Füxa recall that with minimalistic sounds of sharp buzzings produced by the keyboards, clothed by simple guitars; It is possible to construct informal melodies at once challenging but without fanfare.

At times this "Very Well Organized" reaches strings of supreme strangeness with the regular bleeps and glitches of an electronics that looks more like the massive acts of today than what was produced in the famous decade of the 90's. Of course the avant-garde arrangement is present in this album to the point of risking enough with minimalism sometimes falling into the redundancy of sound and its consequent drowsiness. The Very Well Organized constitutes an inescapable document in the evolution of the space electronics whose mood of disc of cult over passes any intention to please the listener. It is stronger its significance seen at a distance as a musical landmark, emphasizing the space and historical context of its launch that what its repetitive melodies may or may not like the listener.

As noted above, Very Well Organized is not suitable for neophytes. Neither is born for those who use music as an ornament in their lives but for other musicians or specialized music lovers who find in the sounds more eccentric inspiration and number for artistic creation.

Devotion for the ludic.

Next we break the album track by track with the vain but necessary intention to verbalize the 55 minutes of sounds of this twentyish musical document.

-At your leisure:

Relaxing melody of ethereal tones produced by a restless but dreamy keyboard. "At your leisure" stands out for its refreshing joy and contained comfort feeling that opens the disc.

-Latitude / longitude:

As a measurement or calculation of hyper-spatial coordinates, this keyboard-synthesizer makes imaginary cartographic strokes accompanied by an electro-industrial base sound that will remain present throughout the whole theme.

-Suspicious:

Brief sound harmony of intriguing character. The simple and stable percussion is released on this track. "Suspect" includes a guitar score plus cosmic arrangements that maintain a pleasant tension that causes a kind of final smile.




-Unexplained transmission repair

Entering the hardest section of the disc, these frequencies recall E.A.R. In its shuddering eminently electronic / experimental sound. As a dry and rough repair process of unhealthy anomalies that undermine the optimal performance of any machine or entity. The theme evokes places of science fiction combining sound insanity and taking it to the boundaries between music and electronic noise.

-Witness to natural invention

Another piece of electronic sounds flying the experimental will of the disc. It includes glass breaking and the sound of the opening and closing of a damper of some electronic device. Nieman and Anderson deliver to the subject a strange conjunction of mermaids, mechanical details and states dissimilar to each other, apparently with the intention of disconcerting the listener. It includes modulated vocalizations that grant an unusual cadence. It finishes with a keyboard that gives light and shine to the composition.

-3cp:

The sounds emanated by the keyboard display their various melodic possibilities. A percussion of tambourine shines as the basis of the theme. In this brief piece the fun and playful mood instantly highlights. A sweet pear to taste.

-Pangaea:

Again the game of sonorities produced by the keyboard and guarded by percussion seeks to raise a recurring message of pristine and cosmic construction. The sensations provoked by this composition try to make the sound fun an aperitif for the hypnotism that stands out whenever the leading weight of the sound falls on a single note of the keyboard.

-Outer drive

The placidness of this piece recalls the times of a perhaps not so distant future of streets covered by electronic cars and speedy and ample conductions. The repetition of the melody supplied with bleeps denotes freshness in its simplicity.

-Pleasant orbitings:

Here the guitar breaks in as a novel musical argument that despite its almost naive simplicity, airs the loaded atmospheres that the keyboard of Nieman produces. Compositional technique has no mystery. The result: pleasurable sound orbits of minimalist conviction, giving the impression of turning on their own chords.

-Homonym hymn

In this piece, the beginning quickly sends to Spacemen 3 and derivatives, by its hypnotic sonorous development and the style at the moment of executing Hammond keyboard. This short hymn of subtle variations reflects a minimalist will that tears the vesania with the keyboard executed almost like a carefree romp.

-Unified Frequency:

The best theme of the album by contrast, retakes the hypnotic spirit with maturity and precision in the variations that, being less frequent, allow for a sound journey that is more balanced and of amazing lightness. The unified frequency also recalls the more ethereal and glued moments of E.A.R. Making the sensory shift into a beautiful piece of abstract and isolationist introspection.

./REVORDRIFT/


Randall Nieman about VWO

"This album was very interesting to record. I remember buying the Hammond b3 organ for $100 and every song was recorded live on LSD to a Tascam cassette 8 track recorder. I easily took 40 hits of acid throughout the recording of this Lp. It could have been edited way better I'm sure but, in those days I wanted to see what we could create naturally in that state of mind".

"As years went by, I occasionally played certain songs from this album live. At your leisure was one I played a lot and I made it way better than the original cut. It's been an idea of mine for years to re record the entire Lp as "Very Well Re:organized" as I see its potential as a polished studio album and not a live LSD drenched live to cassette album. Back in those days we got $1000 bucks to cut an Lp and we spent all the bucks on drugs and just winged it. Since its release certain songs became transformed into Spectrum songs like "Mary" and its been recycled into a clearer vision. I hope one day to give it more attn and care than it was given over a month of drug induced midnight recording sessions".

jueves, 15 de diciembre de 2016

UNA CONVERSA CON SERTO MERCURIO .: Hay mucho músico proficiente y mucho conocedor pero no hay integración en la escena


Lanzaron su álbum debut a inicios del año pasado, "Recuerdos de cuando aprendí a nadar" (Buh Records/Faro Discos, 2015), y desde entonces han venido ganando presencia en el panorama de las músicas alternas de la ciudad. Lo de Serto Mercurio es noise-pop a la vena con abundante sentimiento new wave y post punky. Algo así como un cruce entre The Pains of Being Pure At Heart con los españoles Religión -¿o como una fusión entre Jesus & Mary Chain + Catervas?- imho. Sin embargo, como buenos melómanos estos jóvenes músicos aseguran que en cualquier momento podrían girar hacia un sonido totalmente distinto.

Si así sucediera o no, "Recuerdos de cuando aprendí a nadar", producido por el Chino Burga (Espira, La Ira de Dios, 3AM) y Christian Vargas (Abrelatas), quedará como uno de los referentes para quienes en un futuro pretendan enterarse en qué estaba/andaba la desorientada juventud limeña post 2 miles. Con ustedes, la entrevista del blog Perú Avantgarde a los soñadores Serto Mercurio.



Alonso Castillo (Batería/Coros)
Bronto Montano (Bajo/Voz)
Piero Paccini (Guitarra/Voz)
Emiliano Fernández (Guitarra/Voz)

¿Dígannos qué significa el nombre de vuestra banda SERTO MERCURIO?

Emiliano: Nada en especial, quería algo que suene bien al pronunciarlo. Tenía que ver con una letra de la canción Ava Adore en la que mencionan “beber mercurio”. Por ahí fue.

Bronto: Me acuerdo de que estábamos apurados en sacar el demo y se venía nuestro primer concierto y aún no teníamos nombre 
Emiliano tenía un nombre con el que subía algunos demos que era Serto Merucrio y yo propuse que sea mercurio en lugar de Merucrio.

Piero: Yo creí que como por “beber mercurio” te podías morir de asfixia y parte de eso es toser como loco, toser-toser-to-serto… Como lo que viene después de beber mercurio; osea, toser y morirte.

¿Qué pedales de efectos usan? ¿Cómo es vuestro proceso de composición?

E: En las guitarras hay bastante presencia de reverbs, distorsiones, flangers, phasers, chorus, algo de delay, nada fuera de otro mundo, la verdad. Es un tema de matizarlas, eso sí. Los bajos de Bronto tienen phasers, chorus, distorsiones, que es algo en que se preocupo mucho por colorear.

B: En el primer disco quería que el sonido del bajo sea bien new wave/post punk por eso el exceso de chorus y phaser en varias canciones, ahora en esta nueva etapa es bien loco, dejé de usar el chorus y solo le doy a la distorsión y el phaser. Este último, muy de vez en cuando. Lo del proceso de composición ha cambiado bastante, el primer disco empezó siendo jams entre Emiliano y yo de ahí se unieron Alonso y Piero y aportaron lo suyo; pero, básicamente era añadir arreglos a lo ya establecido de los jams. En este segundo período es más una evolución colectiva. Uno llega con una canción hecha y cuando tiene el visto bueno de todos la desarmamos y empezamos  a armarla de nuevo.

E:  Claro, en la primera etapa entraron al grupo Piero y Alonso y aportaron personalidad al sonido y estructura que terminó tomando. Las letras esa vez fueron hechas por mí, por ahí fue en el primer disco. Ahora, estamos tomando un camino más grupal, más homogéneo. Si bien cada uno trae composiciones suyas, las canciones se están trabajando entre todos para llegar a un punto común con el que todos creamos confluir. Es un tema de que ahora nos conocemos mejor y funcionamos como un corpus. Hay temas cantados por todos, por ejemplo. La composición suele partir de uno y se extiende al resto y hay una interacción que construye sobre el inicio.        
    
P: Yo uso el chorus de manera permanente, de igual manera como hacía con el reverb hasta que se me malogró. Todos los punteitos de acompañamiento los hago con delay y cuando no se me ocurre alguno, hago el riff rítmico pero con phase. La distorsión que uso es un poco chillona y cuando hay partes noise, incluyo el flanger. Por lo general, me muestran las maquetas y yo ya compongo mis guitarras para mostrarlas en los ensayos y de acuerdo a la acogida las acomodo.

Vuestro disco del 2015, “Recuerdos de cuando aprendí a nadar” editado por Buh Records y Faro Discos, es una colección de gemas en onda noise-pop descollantes no solo por su gancho pop –¡excelentes melodías voces!- sino por el muro de guitarras en vena Jesus & Mary Chain y The Pains of Being Pure at Heart, que han sabido modular tan bien. ¿Cómo se gestó el disco? ¿Alguna anécdota de las sesiones? ¿Qué tal la respuesta del público y los medios especializados?

E: Gracias por los comentarios, Wilder, que alegría saber que te guste. El disco lo decidimos grabar en vivo, teníamos seleccionadas 10 canciones, las habíamos pregrabado como demos en mi casa, para tener una idea de arreglos; ahí fue que ensaye algunas maneras de hacer sonar a la banda, matizarla, de ahí salió un demo de 3 canciones que publicamos en 2014. Semanas después de lanzar el demo decidimos grabar un disco, y pensamos que la manera más económica-y llamativa- era hacerlo grabarlo en vivo. Hicimos eso en DragónVerde de Eddie Plenge, con asesoría en el sonido del Chino Burga. A eso agregamos voces y algunos overdub en el estudio Tamboril, de Christian Vargas. Él mezcló/masterizó el disco y en parte lo produjo. En suma eso trae el sonido del disco, que termina siendo sólido, me parece.

B: Creo que en el sonido ayudó bastante la pre-producción que hicimos antes en casa de Emiliano, más o menos eso nos ayudó a ir bastante seguros en tema de arreglos de las canciones. El Chino Burga nos asesoró en tema de algunos matices como la inclusión del reverb en la guitarra de Piero, anécdotas no tanto en la grabación, mas en la pre-producción todos engordamos, pedíamos mucha comida chatarra.

P: Las grabaciones de las maquetas fueron lo que más disfruté, personalmente. Después, fue un poco más estresante y especialmente, el día de grabación del disco, los terminé odiando a todos y también a las canciones (aunque creo que nunca se los dije). La mezcla y masterización en Tamboril, por otro lado, fue bien bonita.




Hay cierta esencia new wave en el sonido de Serto Mercurio. Particularmente a mí me recuerda a este grupo español editado en Perú en los 80’s, Religión. ¿Qué bandas creen que han sido una influencia importante para el sonido y el feeling de vuestra banda?

E: Hasta que me lo mencionaste hace poco, no los conocía. Pero sí, la influencia del post-punk y new wave están bien adentro, sobre todo de parte de Bronto. Sus bajos aportan bastante a ese aspecto bien post-punk. Igual es la suma de más partes, cada uno en el grupo tiene un gusto y modo de hacer música distinto y eso se siente en el disco. Por mi lado, el shoegazing, el sonido de Smashing Pumpkins, My Bloody Valentine, Electro-Z, Felt en alguna que otra canción, más o menos por ahí iba la cosa en el disco.

B: Qué loco, nunca he escuchado Religión. Bueno, creo que la culpa de lo del new wave y post punk es básicamente mía. Son influencias importantes para el sonido y feeling, creo que varía, depende de cada uno. Lo mío son los clásicos de toda la vida, Joy Division, New Order, A Flock of Seagulls, The Cure, El Pecho de Andy. Pero, el filin de una banda en común... tenemos unas cuántas bandas que nos gustan a todos, no sé si a misma intensidad; en fin, no sé con los demás tengo varias cosas en común. Con Piero, por ejemplo, todo el background punk, hardcore, lo tenemos en común; con Alonso, este filin post hardcore tipo Fugazi, At The Drive In; con Emiliano, My Bloody Valentine, Ringo Deathstarr, Black Tambourine.

P: Como ya lo han mencionado, todo lo que es new wave y post-punk es básicamente por Bronto. Por ahí, de la manera en la que me meto, es con guitarras tipo The Cure y todo el noise a lo Sonic Youth, que me parece que es una banda que nos encanta a los 4.
Alonso: Creo que la mayoría de influencia new wave en nuestras grabaciones pasadas resulta de tantear buscando estilos, o referencias, por parte del bajo y la batería. Hoy todos en conjunto tenemos una visión más clara y personal del sonido propio de Serto Mercurio. 

¿De qué va la lírica de vuestros temas? Especialmente de los temas “Caen los edificios”, “Buda ha muerto” y “Hacia el mar”.

E: En Caen los Edificios se habla de varias cosas creo, de desprenderte de deseos, de arribar a alguna certeza que te permita avanzar; algo similar pasa con Hacia el Mar. A Buda ha muerto la prefiero dejar sin comentarios. 

B:  Creo que lo divertido de la música, en general, va en que a cada letra toda persona le da una interpretación distinta, salvo que sea súper directa y explícita. Con el tema de Caen los Edificios, para mí siempre fue una letra de aceptar lo que está sucediendo y buscar una solución al asunto. Por otro lado, “Buda Ha Muerto” es una canción que para mi habla de los excesos en general.

¿Con qué grupos de vuestra generación consideran que comparten un interés similar?

E: No sé, en realidad solo queremos hacer música que nos guste, supongo que es lo que buscan grupos con los que tenemos cierta amistad.

B: No sé, fácil con todos, a todos nos gusta hacer música, ¿no? 

Si tuvieran que escoger: ¿shoegaze o indie-pop?

E: Shoegaze tal vez, o lo que a mi me gusta llamar noise-pop.

B: Ninguno, por el momento podemos entrar con esos géneros, pero nada asegura que cambiemos de estilo en algún momento.

P: A mi también me gustó bastante lo de noise-pop, creo que engloba bastante bien nuestro sonido. 

Alonso: El término “indie-pop” mete a muchas visiones y subgéneros en un mismo saco, y hoy en día casi no significa nada. He escuchado a la gente usar “shoegaze-y” como un adjetivo, refiriéndose a un estilo de producción que se caracteriza por tener varias capas de guitarra con efectos muy trabajados o con las voces ahogadas en reverb. Me llama la atención.

¿Cuál es vuestra percepción de la escena alterna peruana actual?

E: Hay cosas interesantes, avanzando, ganando lugar fuera y dentro. Sigue sin ser una escena, no hay integración real, hay microescenitas.

B: Creo que le falta mejorar en varias cosas, no sé qué, pero siento que tiene mucho más para dar.

P: Ha crecido bastante en los últimos años; pero de igual manera, faltan desarrollar más cosas y crear otras. Sería bonito que eventualmente se llegue a conectar todo el país con sus escenas respectivas en cada lugar y que no esté limitado a 4 regiones (posiblemente hayan más, pero eso es lo que recuerdo o he escuchado).

A: Cuando se habla de una escena en el mundo desarrollado, normalmente se hace alusión a un grupo de bandas que se apoyan explorando un nuevo género musical, una nueva tendencia, un sonido. En Lima, hay muchos músicos proficientes y mucho conocedor, pero aún no confluyen de una manera correcta, no se trata solo de venderse hacia la gente o de hacer catarsis en el escenario. Aquí cuando se habla de “escena”, no se refieren a un subgénero en específico, sino a (cualquier) banda no mainstream, que tuvo que aprender a tantear en un ambiente donde hacen falta locales para presentarse (de los que existen, pocos tienen licencia), cultura de conciertos (la mayoría de estos son en plan de juerga, en lugar de apreciar la música) y de seriedad y consistencia. Experimentar y desarrollarse musicalmente es difícil, si es que no existen las herramientas necesarias para que sientas que tu música pueda marcar un hito. Ahora bien, en el 2016, ya se puede distinguir ciertos bloques de bandas y sellos que se dedican a públicos más segmentados, se está abriendo un camino para la pura expresión del artista.

¿Qué se viene en el futuro de Serto Mercurio? Me contaban que están ya componiendo temas para el segundo álbum el cual esperamos que sea publicado pronto. ¿Proyectos paralelos quizás?

E: Se viene un disco nuevo, si todo marcha bien. Por mi lado, a veces grabo por mi cuenta y coloco las canciones en una web. Queremos hacer más videoclips y tocar fuera de Lima, pronto.

B: A futuro un segundo disco, no hay de otra, jaja; proyectos paralelos, bueno Dan Dan Dero, Submarino, garabato y Kill Amigo.

P: De todas maneras el 2do disco. Por otro lado, hace unos meses reviví una banda que tenía con unos amigos del colegio, Estamina; súper distinto al sonido de Serto, aunque también tiene un huevo de efectos.

Muchas gracias por la entrevista, si desean agregar algo este sería el momento. See you on the other side…

E: Gracias a ti, Wilder. 
B: Una pena que el Muni no juegue esta final, ¿no? En fin, muchas gracias a ti, Wilder. 
P: Gracias por la oportunidad.


DISQUS

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