VAN DYCK - LA CASA DEL ARTISTA

:. . SUPERSPACE RECORDS - TRANSGRESIONES SÓNICAS, MINIMALISMO Y VISIONES

jueves, 31 de agosto de 2017

Espectrografía del nihilismo

La época parece atea, pero sólo a los ojos de los cristianos o de los creyentes. De hecho, es nihilista. Los devotos del pasado tienen gran interés en identificar lo peor y la negatividad contemporánea con un producto del ateísmo. Persiste la vieja idea del ateo inmoral, amoral, sin fe ni ética. El lugar común en los últimos cursos del bachillerato, en virtud del cual "si Dios no existe, enton­ces todo está permitido" —cantinela que se adivina en "Los hermanos Karamasov", de Dostoievski—, sigue produciendo efectos y se asocia con la muerte, el odio y la miseria a los individuos que se valen de la ausencia de Dios para cometer sus fechorías. Esta tesis equivocada merece un desmontaje en debida forma. Pues más bien lo contrario me parece verdade­ro: "Porque Dios existe, entonces todo está permitido". Me explico. Tres mil años atestiguan, desde los primeros textos del Antiguo Testamento hasta el presente, que la afirmación de un Dios único, violento, celoso, pleitista, intolerante, belicoso ha causado más odio, sangre, muertes y brutalidad que paz... El fantasma judío del pueblo elegido que legitima el colonialis­mo, la expropiación, el odio, la animosidad entre los pueblos, además de la teocracia autoritaria y armada; la referencia cristiana a los mercaderes del templo o a un Jesús paulino que pretende venir para blandir la espada, lo que justifica las Cruzadas, la Inquisición, las guerras religiosas, el Día de San Bartolomé, las hogueras, el Index, pero también el colonialis­mo mundial, los etnocidios norteamericanos, el apoyo al fas­cismo del siglo XX, la omnipotencia temporal del Vaticano desde hace siglos hasta en los mínimos detalles de la vida co­tidiana; la reivindicación clara en casi todas las páginas del Corán de un llamado a acabar con los infieles, su religión, cul­tura, civilización, y también con los judíos y los cristianos, ¡en nombre de un Dios misericordioso! Tenemos aquí varias pis­tas que nos permiten profundizar la idea basada, justamente, en que debido a la existencia de Dios, todo está permitido, en él, por él, en su nombre, sin que a los fieles, al sacerdocio, a la gente común o a las altas esferas se les ocurra que allí haya algo censurable... 

Si la existencia de Dios, más allá de su forma judía, cris­tiana o musulmana, impidiera, por poco que fuera, el odio, la mentira, la violación, el saqueo, la inmoralidad, la malversa­ción, el perjurio, la violencia, el desprecio, la maldad, el crimen, la corrupción, la pillería, el falso testimonio, la depravación, la paidofilia, el infanticidio, la canallada, la perversión, habría­mos visto no a los ateos —puesto que son intrínsecamente viciosos—, sino a los rabinos, curas, papas, obispos, pastores, imanes, y con ellos a sus fieles, a todos sus fieles —y son mu­chos...—, practicar el bien, sobresalir en la virtud, predicar con el ejemplo y demostrarle al perverso sin Dios que la mora­lidad se encuentra de su lado: que respetan punto por punto los Diez Mandamientos y obedecen los mandatos de los suras ele­gidos, y por lo tanto no mienten ni saquean, no roban ni vio­lan, no levantan falsos testimonios ni matan —mucho menos fomentan atentados terroristas contra Manhattan o expedi­ciones punitivas en la franja de Gaza y no ocultan las prácticas de sus curas paidófilos—. ¡Veríamos, entonces, que sus comportamientos impecables y ejemplares serían capaces de convertir a los fieles a su alrededor! En lugar de eso... 

Es hora de que se deje de asociar el mal del planeta con el ateísmo. La existencia de Dios, me parece, ha generado en su nombre muchas más batallas, masacres, conflictos y guerras en la historia, que paz, serenidad, amor al prójimo, perdón de los pecados o tolerancia. Que yo sepa, los papas, príncipes, reyes, califas y emires no se destacaron en su mayoría por ser virtuosos, puesto que ya Moisés, Pablo y Mahoma sobresa­lieron, cada uno por su parte, en el asesinato, las palizas, o las razias, como lo demuestran sus biografías. Más variaciones sobre el tema del amor al prójimo... 

La historia de la humanidad muestra, sin duda alguna, los triunfos del vicio y las desdichas de la virtud... No existe justicia trascendente ni inmanente. Con o sin Dios, ningún hombre ha tenido nunca que pagar por insultarlo, ignorarlo, despreciarlo, olvidarlo o contrariarlo. Los teístas se ven obli­gados a hacer muchas contorsiones metafísicas para justificar el mal en el mundo mientras afirman la existencia de un dios al cual nada se le escapa. Los deístas parecen menos ciegos; los ateos dan la impresión de ser más lúcidos.

MICHEL ONFRAY
Tratado de Ateología
2005


miércoles, 30 de agosto de 2017

¡Nuevos lanzamientos físicos de Superspace!



Halo droners,

Con la novedad que en los últimos días hemos lanzado algunos discos del sello Súperespacial nor-limeño en formato cd-r. Se trata del álbum del proyecto indietrónico quechua ISHISHCHA - Na (Superspace Records, 2016), el último disco largo de WGA - Paraísos, Revoluciones y Tú (Superspace Records, 2017) [incluye 2 bonus tracks del Porno EP y el Polykroma EP] amén de la reedición del sampler COLOREA TU ALMA - Una compilación peruana (2007, 2017) el cual incluye proyectos como Antártika de Cocó Ciëlo, Ysabel Telegram de Mario Silvania, Tica, Hipnoascensión, etc.

¡Infaltables en tu colección de música voladora peruana!
Pueden adquirirlo vía el feisbook de Superspace o enviando un inbox a polyluna@gmail.com


lunes, 28 de agosto de 2017

TODOS SOMOS AFRICANOS


Por David Byrne
De "Cómo funciona la música" (2014)

La música de percusión funciona bien al aire libre, donde el público puede bailar y deambular a la vez. Los extremadamente intrincados ritmos superpuestos que son típicos de esa música no se mezclan unos con otros, como lo harían, por ejemplo, en el gimnasio de una escuela. ¿Quién inventaría, interpretaría o perseveraría en tales ritmos si sonaran fatal? Nadie. Ni por un minuto. Además, esa música no necesita amplificación, aunque eso llegaría más tarde.

El musicólogo norteamericano Alan Lomax sostenía en su libro Folk Song Style and Culture que la estructura de esa música y de otras del mismo tipo —conjuntos sin líder, básicamente— emana de, y refleja, sociedades igualitarias, pero baste con decir que este es enteramente otro nivel de contexto. Me encanta su teoría de que los estilos de música y de baile son metáforas de las costumbres sociales y sexuales de las sociedades donde surgen, pero esta no es la historia en la que me quiero centrar en este libro. 

Hay quien dice que todos los instrumentos que aparecen en la foto de la parte superior (fig. E) derivaron de materiales locales fáciles de conseguir y que por tanto fue la conveniencia (con lo que se insinúa solapadamente cierta falta de sofisticación) lo que determinó la naturaleza de la música. Tal aseveración implica que esos instrumentos y esa música eran a todo lo que esa cultura podía llegar, dadas las circunstancias. Pero yo argumentaría que esos instrumentos fueron cuidadosamente construidos, seleccionados, personalizados y tocados para adaptarse de la mejor forma posible a la situación física, acústica y social. La música se adapta a la perfección, sónica y estructuralmente, al lugar donde es escuchada. Se adapta absoluta e idealmente a esa situación: la música, una cosa viva, evolucionó para encajar en su nicho disponible.


Esa misma música se convertiría en un mazacote sónico dentro de una catedral (fig. F). La música occidental de la Edad Media era interpretada en catedrales góticas de muros de piedra y en monasterios y claustros de arquitectura similar. En esos espacios el tiempo de reverberación es muy largo —de más de cuatro segundos, en la mayoría de los casos—, de manera que una nota cantada unos segundos antes flota en el aire y se convierte en parte del paisaje sonoro presente. Una composición con cambios de clave musical invitaría inevitablemente a la disonancia, pues las notas se superpondrían y chocarían en una verdadera colisión sónica. Así, lo que se desarrolló, lo que mejor suena en ese tipo de espacios, tiene estructura modal, a menudo con notas muy largas. Melodías de progresión gradual que rehúyen cambios de tono funcionan magníficamente y reafirman su ambiente místico. Esa música no solo funciona bien acústicamente, sino que ayuda a establecer lo que entendemos como aura espiritual. Los africanos, cuya música espiritual suele ser rítmicamente compleja, quizá no asocien la música originada en esos espacios con la espiritualidad; para ellos tal vez sea simplemente confusa e indistinta. No obstante, el mitólogo Joseph Campbell pensó que el templo y la catedral eran atractivos porque recreaban espacial y acústicamente la caverna, donde los humanos primitivos empezaron a expresar sus anhelos espirituales. O por lo menos, puesto que casi todos los indicios de tales actividades han desaparecido, ahí es donde creemos que primero expresaron esos sentimientos.

Se suele asumir que mucha música medieval de Occidente era armónicamente «simple» (con pocos cambios de clave) porque los compositores no habían desarrollado aún el uso de armonías complejas. En ese contexto no habría necesidad o deseo de incluir armonías complejas, pues habrían sonado horrible en tales espacios. Creativamente, hicieron lo más apropiado. Suponer que en música existe algo así como «progreso» y que hoy día es mejor de lo que era es típico del exceso de autoestima de quienes viven en el presente. Es un mito. La creatividad no «mejora».

Dean Garcia Releases 'Calm' EP for SPC ECO 10th Anniversary, Curve's 25th Anniversary


“What might have happened if the former Cocteau Twins chanteuse had started a side project with members of Massive Attack following the success of their 1998 classic Mezzanine” AllMusic

"Rose and Dean are perfect together, as they’ve demonstrated time and again through stellar works loaded with rhythm and attitude – menacing and dark on the one hand, and heartfelt and playful on the other" - Big Takeover Magazine

"Wonderfully evocative atmospheric pop that other artists would die for... perfectly judged balance between darkness and light, sugar and spite"
 - The VPME

"Electric echoes encompassed in a world of deep maroon" - Impose Magazine

SPC ECO has released their new album 'Calm', which follows their 'Under My Skin' EP, released earlier this year.

If the demise of ground-breaking duo Curve was a storm-cloud in the musical skies of the 90’s, the silver lining was that Dean Garcia went on to form SPC ECO with Rose Berlin. This a coming together of an electronic musical maverick and a vulnerable yet tender vocal style and even more endearing is the fact that this is informed by the bond of a father and daughter exploring their relationship and the world around them through music.
This bond lies at the heart of the music, and is something that goes beyond two musicians creating heartfelt sounds and becomes the language of their very souls, a conversation that is often too difficult to be encapsulated by mere words. Like many worthy conversations, Dean and Rose choose their words and make their plans carefully.


“When we started this record in early January 2017, we knew we wanted to take our time with it, no need to rush it out and go with the first ten songs we recorded, I think we made almost 3 albums worth of songs with this one so there are some cool outtakes to add or use as the album gets underway,“ says Dean Garcia
“We also knew that we wanted to explore the layered guitar side of things that we've been side-lining since the ‘Sirens’ album. This record has shades of our first release ‘3D’, which was recorded about 10 years ago, as well as the current more Bristol-flavoured feels that we love so much. It has a bit of everything we like to hear and record, plus it's a calm way to celebrate our ten years of doing this. Rose has come into her own, she's actually quite good at this shit now, and she even drops a mean bass on this record.”
On the one hand, ‘Calm’ is potent and positively charged. On the other, it feels like a collection of moods, wistful reflections made into sound, barely tangible but emotively powerful expressions. Often with minimal symphonic landscaping and gossamer vocals, SPC ECO have created something that is vast and beautifully pervasive. Psychedelic washes and slightly trippy beats swirl around as gorgeous, gauzy dream pop prevails. But often it is the gaps between the notes and the breath between the words that has the biggest impact.
“Calm is nostalgic in the way it feels like there are vibes from all our previous albums,” says vocalist Rose Berlin. “We didn't limit the songs to one genre instead we had fun and did what ever we wanted. It's loud and trip hop, psychedelic lullabies and It's us. It's calm.”
This year marks 25 years from Curve’s initial release (celebrated with the re-release of deluxe editions of both 'Cuckoo' and 'Doppelganger') and 10 years since SPC ECO’s formation. While Dean still pursues exploratory and unusual musical routes through various other projects, such as S T F U with Preston MaddoxM A D with Monty from Jesus & Mary Chain, and two new remixes for dreampop duo Ummagma, it is through SPC ECO that Garcia is most musically prolific. 
Music is made for many reasons and using many tools and inspirations but it takes a bond this close, this raw, this loving, this primal, to truly make music that resonates this deeply. SPC ECO 'Calm' is out now and available directly via the band's own Bandcamp.


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domingo, 27 de agosto de 2017

UNA CONVERSACIÓN CON SIMON REYNOLDS .:. La música hoy es neurótica, demasiado controlada y "pulcra"


Aún recuerdo los 90's cuando me conectaba a la web y grababa en diskettes los artículos que podía bajarme del repositorio online de The Wire de UK. Así pude leer alucinantes textos sobre glitch music, Karlheinz Stockhausen, Pan Sonic y, claro, de post-rock. La profundidad y clarividencia de los análisis hacían que realmente te emocionaras no solo con la música que ya lo tenía comprometido a uno sino con los textos a los que podía accederse gracias a la magia de la incipiente internet de esos días. Fue sorprendente, lo recuerdo bien, encontrar citados en estos documentos metamusicales a gente como Gilles Deleuze o Theodor Adorno que también me los enseñaban en la Facultad de Comunicaciones donde pasaba mis días con otros colegas. Los periodistas incluso hacían mofa de la existencia de intelectuales, en Estados Unidos e Inglaterra, que usaban las teorías de Deleuze/Guattari para elucubrar análisis sobre cómo los videoclips de Madonna subvertían el capitalismo. Jajajajaja...

Uno de esos notables periodistas era Simon Reynolds (Londres 1963), apasionado melómano quien lleva publicados diversas gemas como "Retromania" (2011), "Rip it up and start again: Post Punk 1978-1984" (2005), "Blissed Out: the Raptures of Rock" (1990), etc.,varias de ellas traducidas incluso al castellano. Además de sus suculentos análisis y deconstrucciones Simon Reynolds es conocido en todo el mundo por ser el que acuñara el término con el que se bautizó a la escena del "rock después del rock" de los 90's, la hoy tan (mal) usada muletilla "post-rock". Es un real honor para quien esto escribe presentar la entrevista con quien es inspiración para muchos y cuya pluma ha decorado mentes desde hace décadas: Mr. Simon Reynolds


Díganos ¿qué tipo de música creció escuchando en casa? ¿Su hermano mayor o sus padres influenciaron su gusto temprano en la música?

Mis padres escuchaban una mezcla de música clásica popular y jazz ligero. Crecí con cosas como Songs For Swinging Lovers de Frank Sinatra y la Sinfonía Pastoral de Beethoven, ambos de los cuales amo hasta hoy. También era un gran fan de The Planet Suite de Holst. A mis padres les gustaban los musicales, así que crecí viendo películas como West Side Story, High Society, Cantando bajo la lluvia, Gigi, etc.

Cuando tenía unos 15 años mi hermano menor, Tim, trajo a casa una cinta de Sex Pistols y Ian Dury and the Blockheads. Más tarde compró el álbum New boots and panties de Dury, así como Never Mind the Bollocks, y los discos de Buzzcocks y X-Ray Spex. Así que eso fue realmente el comienzo para mí. No podía creer que la música fuera tan salvaje, libre, subversiva ... y maloliente. Las palabrotas en los discos fue lo que inicialmente me atrapó.

¿Cuáles fueron los primeros conciertos a los que fuiste en tu adolescencia? ¿Algún flashback que puedas compartir?

Creo que hubo un concierto local con una banda desconocida, pero el primer concierto real que vi fue The Slits. Ellas fueron mi banda favorita por un tiempo y el segundo disco que compré fue "Cut". El concierto fue en un lugar llamado Friars Aylesbury que más tarde descubrí fue famoso por haber sido donde David Bowie tocó un concierto de ruptura en términos de su ascenso a la fama y toda la personalidad Ziggy Stardust. Pero en ese entonces no era consciente de eso. Poco después de las Slits vi Killing Joke, y luego Adam and the Ants - todos estos conciertos fueron en Friars Aylesbury. Lo que recuerdo es lo ruidosa que era la música y cómo te dolían las orejas. Creo que en parte es porque nunca había estado expuesto a la música amplificada, pero también porque los conciertos eran más fuertes y el sonido era dañino en aquellos días - un montón de frecuencias de gama alta atacando tus oídos. La gente parece haber aprendido más acerca de cómo operar un sistema de sonido desde esos días, pero en ese entonces tus oídos podrían estar zumbando después por un día o dos. También estos eran conciertos muy bulliciosos, con la audiencia saltando arriba y abajo. Así que te lanzabas a esta turbulenta muchedumbre y al final de la noche te sentías como si hubieras pasado a través de algo - una intensa experiencia física. Había mucha tensión y sensación del potencial para problemas en conciertos en los años inmediatos después del punk. De hecho, el lugar daba folletos previamente diciendo "vamos a no tener violencia por favor". La sensación en los conciertos hoy en día es realmente diferente - mucho más seguro y más aburrido.



¿Qué falta del ethos de los días post-punk originales que no se ve en el revival de hoy en día? ¿Por qué crees que eso sucede?

Era un contexto histórico completamente diferente, por lo que el propósito de la música original era responder al estado de la música en ese momento, dónde la música y la cultura del rock habían evolucionado hasta ese punto, las condiciones sociales circundantes, la política. Solo tomar las cualidades formales de esa música y reproducirlas en la situación contemporánea de hoy - ¿cómo podría tener el mismo tipo de impacto? Lo que se requiere es música que sea una intervención urgente en el contexto de hoy. Por lo menos sería comprometerse con la música negra contemporánea de la misma manera que el postpunk se comprometió con el dub reggae, disco, funk ...

La gente también tenía más fe en el poder de las palabras para cambiar las cosas - hacer declaraciones a través de la música rock parecía como si realmente pudiera cambiar la mente de las personas o ser una amenaza. La gente ya no cree en eso.

¿Qué pasó a mediados de los años 80 en la escena que algunas bandas neo psicodélicas comenzaron a brotar? Ya sabes: Loop, Spacemen 3, Ultra Vivid Scene, AR Kane, The Telescopes, Jesus and Mary Chain, etc. Me refiero a que diferentes tipos de drogas existieron siempre.

Creo que hubo un renovado interés por las drogas psicodélicas - LSD. Y ciertas bandas estaban fuertemente en drogas de todo tipo - heroína, etc. Pero más que drogas, hubo un resurgimiento de interés por la música de drogas - la psicodelia. Los años sesenta estaban siendo explorados y reevaluados - la música que se hacía por entonces parecía tener una cualidad de liberación y éxtasis y libertad que fue una bocanada de aire fresco y ruptura de algunos de los enfoques demasiado racionales y conceptuales del postpunk y la era del nuevo pop. Recuerdo haber escuchado a The Byrds y el Forever Changes de Love en 1983 y fue una revelación. Muchas personas estaban descubriendo esa música y cosas como Velvet Underground al mismo tiempo y empezaban a salir en la música a mediados de los años ochenta.

Al entrar en los días shoegaze creo que habían como 2 tipos de bandas. Las bandas de shoegaze más convencionales: Chapterhouse, Kitchens of Distinction, Ride, Lush ... y otra la línea dura de bandas más dirigidas hacia la experimentación como Lovesliescrushing, AR Kane, Swallow, etc. ¡Incluso Slowdive hizo un ep techno y un álbum postrock! Ahora que la escena está en modo de revival también, ¿cuáles son tus pensamientos sobre estos días? ¿Escribirás un libro sobre eso? ¡Sería increíble!

He tenido muchos pensamientos sobre esa época. Los más recientes están en esta reseña de Pitchfork sobre un box set shoegaze. http://pitchfork.com/reviews/albums/21499-still-in-a-dream-a-story-of-shoegaze-1988-1995/

Escribí sobre esta música en tiempo real como un periodista que trabajaba a finales de los años ochenta y principios de los noventa, antes de que se llamara shoegaze. Esos textos, sobre todo hecho para Melody Maker, están en mi primer libro "Blissed Out: the Raptures of Rock" (1990) y algunos de los escritos posteriores de shoegaze en sí está en la colección "Bring the Noise: 20 Years of Writing About Hip Rock and Hip Hop". Así que no sé si volvería a esa época para escribir un libro completo sobre él, ya que ya he escrito "el primer borrador de la historia" como periodista. Eso es lo que la gente llama periodismo - el primer borrador de la historia, en lo que después los historiadores basan su material de investigación.



Sabes que post-rock fue una fantástica escena musical con bandas increíbles, especialmente del Reino Unido, pero también de Estados Unidos (Bowery Electric, Labradford, Windy & Carl, Flowchart, Füxa). ¿Cómo fue tu reacción cuando empezaste a ver a los reseñadores de música y los sellos etiquetando a otras bandas orientadas al rock como post-rockers también? ¿Escribiste sobre esa confusión aquellos días? ¿Mogwai, Slint, Explosions in the Sky? Parece la venganza de Joe Carducci.

Lo que la gente ahora llama "post-rock" tiene muy poco que ver con lo que yo consideraba post-rock. Las bandas que la gente considera como figuras destacadas en post-rock hoy tienen muy poco en común con las bandas de los años noventa que me inspiraron a teorizar esa área de la música y tratar de hacer frente a algo que parecía estar lleno de posibilidades. La mayoría de esos grupos tenían una relación muy fuerte con la música negra (hip hop especialmente, también dub) y con la música electrónica de baile, ya fuera Aphex Twin o el jungle. Ese no es el caso de los actuales grupos de post-rock, que tienden a ser bastante dramáticos, bandas de guitarra épica que simplemente no se molestan en escribir canciones o tener un cantante. Creo que Slint fue una banda de rock muy buena que llegó con un sonido que fusionó el punk y los enfoques progresivos de una manera muy intensa - me hubiera gustado verlos en vivo. Pero nunca pensé que fueran parte de la narración post-rock.

La innovación, la transgresión sónica y la actitud parecen ausentes en la música en estos días. Youtube, las redes sociales, los contenidos gratuitos en todas partes pueden explicar parte de la razón de esto -como apuntas en tu libro "Retromania" (Caja Negra, 2012)- pero ¿qué sucede con la actitud e inconformidad de la nueva juventud musical?

Es un poco una pregunta demasiado grande para explorar aquí - ya la había explorado en "Retromania" en gran longitud, y aunque mis ideas han cambiado un poco desde que salió el libro (en 2011 en inglés, y se terminó en 2010), una gran cantidad de la crítica y la polémica en el libro todavía parece aplicarse.

Lo que añadiría es que no creo que la música esté vinculada a un Programa de Liberación de Masas (para tomar prestado el subtítulo del famoso ensayo de Lester Bangs sobre The Stooges). La liberación colectiva a través de una especie de liberación extática -en la que la música es dichosa y violenta al mismo tiempo- que era la promesa de la música rock, pero también de la música disco, y luego más tarde de la música rave.

Sólo la palabra "rave" contiene ideas de locura, rabia, entusiasmo, una fiesta salvaje, la histeria de los fans. La música como religión profana. Rave fue una palabra utilizada en los años sesenta: Pink Floyd tocó en un All Night Rave. Había una revista pop llamada Rave. La gente hablaba entonces de "una raver" refiriéndose a una chica que se volvía loca con la música, completamente desinhibida y desenfrenada. Rave era también una palabra reggae, que significa una fiesta de baile (hay una canción de The Wailers que creo que se llama "Mi Gwan Fi Rave" o algo así). Y es obvio que es la palabra que describe las fiestas de baile ilegales de acid house y techno temprano en el Reino Unido, así como el baile salvaje, poseído, delirante de personas en drogas solo perdiéndose en la música.

Así que "rave" y "raving" son para mí estos conceptos centrales que tienen que ver con el poder dionisíaco de la música y la libertad temporal de toda restricción y todo autocontrol que la música puede darte -es un espíritu que corta todo desde el temprano rock 'n' roll y los años sesenta hasta la dance music de los noventa y el grime en los 2000s. Y no escucho ese espíritu manifestándose en ninguna parte de la música actual, excepto en ciertos tipos de rap -artistas como Future, Rae Sremmurd, Migos, et al.

Cuando escuchas la mayoría de la música hoy, no se siente que alguien sea liberado a través de ella. Por lo general, es neurótica, demasiado controlada y "pulcra".

Pero al mismo tiempo, un grupo contemporáneo revival de rock garage es sólo un facsímil de una época donde ese tipo de sonidos de guitarra significaba libertad y salvajismo. No se puede repetir el modo dionisíaco de una música anterior en el presente y esperar que tenga el mismo poder o significado. Tienes que reinventar lo dionisíaco.

¿Te parece que Pete Bassman (Spacemen 3, The Darkside, Alpha Stone) es lúcido cuando dice: "Creo que las condiciones que una vez existieron y que ayudaron a hacer buena música se han ido, un mayor nivel de vida y ausencia de movimientos juveniles de la clase trabajadora significa que sólo los niños de ricos fondos hagan música y son horribles, rellenos indie como la prensa lo llama, buscar una banda decente es como buscar agua en un desierto"?

Hay algo en esa idea - que las personas que hacen música hoy no tienen el sentido de la urgencia o la necesidad de escapar o la desesperación que alimentó la gran música del pasado. Dicho esto hay mucha gente desesperada por ahí en el mundo y un montón de gente que vive en la pobreza en el Reino Unido y América, pero por la razón que sea no están buscando la música como la ruta de escape de sus orígenes.

También es cierto que la gente de clase media que provenía de la opulencia hizo una gran música liberadora en el pasado. Pink Floyd, Soft Machine... en los EE.UU., The Doors eran de clase media alta creo. Por lo tanto, no es tan simple como decir que el modelo de la clase trabajadora de escapar de sus antecedentes a través de la música ya no funciona. Eso nunca fue toda la historia con la música rock.

Fuera del mundo euro-anglo ¿qué otras bandas nos puede recomendar/ha escuchado que están sonando increíble?

No he oído demasiado que provenga de fuera de la anglosfera o de Europa que me haya sorprendido o envuelto tan fuertemente. Estuve impresionado por el sonido gqom de Sudáfrica, este muy percusivo, corte dark house y techno con trepidaciones excéntricas de ritmos bastante desconcertantes: https://www.youtube.com/watch?v=IeXL-10nmKI . Pero no he explorado esta área muy a fondo.

También me gustan algunos de los sonidos Afro-beats que he oído, que es mucho más pop que (lo del sello) gqom. Los ritmos y las voces tienen un maravilloso fluido, una sensualidad deslizante, el canto se hace aún más sinuoso por el uso de AutoTune. Cosas como "Duro Duro" de Tekno Miles - https://www.youtube.com/watch?v=TlJ33-6tPTE



¿Pink Floyd o Silver Apples?

Me gusta mucho Silver Apples, pero tendría que decir Pink Floyd -amo los singles de la era Barrett y "Paper at the Gates of Dawn", pero también me gusta todo el arco del grupo desde "Saucerful" a través de "Ummagumma" y "Meddle" y "Dark Side of The Moon" . La manera en que pasaron de esta banda subterránea psicodélica abstracta a un gran fenómeno del mainstream me interesa. Y aunque no estoy tan impresionado con la fase Wish You Were Here / Animals / The Wall como música, hay algo en lo sombrío de la visión y el enfoque didáctico que es bastante convincente - el intento de hacer declaraciones graves justo en el corazón del mainstream.

¿Cuál es tu impresión de que personas de una cultura diferente a la tuya, América Latina, con un background totalmente diferente estén tan interesadas en leer y escuchar lo que tienes que decir?

Voy a Argentina en pocas semanas. Y hace unos años fui a Argentina por primera vez, y luego a Chile, también por primera vez. Obviamente es muy gratificante si la gente de otros países encuentra algo interesante o convincente en tu trabajo. Especialmente porque mucho de lo que estoy hablando es bastante específico para el Reino Unido o Estados Unidos. Pero mi sensación es que el interés en mi trabajo es debido a un interés en la música de la que estoy escribiendo - hay oyentes y músicos en estos países que se están inspirando en postpunk, o post-rock, por lo que están buscando una narrativa que explique cómo esa música llegó a existir.



¿Alguna publicación futura? ¿Cuáles son sus próximos proyectos Sr. Reynolds?

En este momento estoy "entre proyectos" como dicen - sólo haciendo periodismo y varias otras cosas. Estoy teniendo un poco de descanso antes de lanzarme en otro proyecto masivo - también el libro sobre Glam está saliendo en otros idiomas, como español (COMO UN GOLPE DE RAYO: El glam y su legado, de los setenta al siglo XXI - publicado ya con la editorial Caja Negra), alemán (a finales de este año) y francés (principios de 2018) así que aún estoy promoviendo y hablando de ese libro. Todavía estoy en ese vacío hasta cierto punto.

Tengo un montón de ideas para el próximo libro -cinco o seis ideas diferentes- la pregunta, como siempre, es con cuál puedo persuadir a un editor para que me dé suficiente dinero para que pueda tomar dos o tres años para escribir un libro. Cuando estoy escribiendo un libro hago un poco de periodismo durante ese tiempo, pero el foco de mi atención en 90 por ciento es en el libro y es por lo que el libro tiene que pagar por sí mismo. También es cuestión de encontrar un tema que esté seguro de que mantendrá mi interés durante dos o tres años. Se necesita una gran inversión psicológica para desarrollar una idea de libro como una propuesta y lanzarse a ella -como que tienes que prepararte y reunir fuerzas para hacer eso. Así que ahora estoy esperando ese ímpetu para recolectar la fuerza - tarde o temprano empezaré a sentir la necesidad de un sentido de propósito del tipo que sólo viene de tener un proyecto a largo plazo. Pero ahora estoy disfrutando mucho de la deriva, haciendo un poco de esto y un poco de eso.




A CONVERSATION WITH SIMON REYNOLDS .:. Music today is quite neurotic and overly controlled and “tidy”.

I still remember the 90's when I connected to the web and recorded in diskettes the articles that could be downloaded from the online repository of The Wire from UK. So I could read mindblowing texts about glitch music, Karlheinz Stockhausen, Pan Sonic and, of course, post-rock. The depth and clairvoyance of the analysis made you really thrilled not only with the music that already had engaged to one but with the texts that could be accessed thanks to the magic of the incipient internet of those days. It was surprising, I remember well, to find quoted in these metamusical documents people like Gilles Deleuze or Theodor Adorno who also were taught me in the School of Communications where I spent my days with other colleagues. Journalists even mocked the existence of intellectuals, in the United States and England, who used Deleuze/Guattari's theories to devise analysis of how Madonna's video clips subvert capitalism. Hahaha...

One of those notable journalists was Simon Reynolds (London, 1963), a passionate music lover who has published several gems such as "Retromania" (2011), "Rip it up and start again: Post Punk 1978-1984", "Blissed Out: The Raptures of Rock"(1990), etc., several of them even translated into spanish. In addition to his succulent analysis and deconstructions Simon Reynolds is known around the world for being the one who coined the term with which was baptized the "rock after rock" scene of the 90's, the today so (mis)used "post- rock" tag. It´s a real honor to whom this writes to present the interview with who is an inspiration for many and whose writing has decorated minds for decades: Mr. Simon Reynolds.


Tell us what kind of music did you grow up listening to at home? Your elder brother or parents influenced your early taste in music?

My parents played a mixture of well-known classical and light jazz. I grew up with things like Frank Sinatra’s Songs For Swinging Lovers and Beethoven’s Pastoral Symphony, both of which I love to this day. I was also a big fan of Holst’s The Planet Suite. My parents were into musicals, so I grew up watching movies like West Side Story, High Society, Singing in the Rain, Gigi, etc.

When I was about 15 my younger brother, Tim, brought home a tape of Sex Pistols and Ian Dury and the Blockheads. Later he bought the Dury album New Boots and Panties as well as Never Mind the Bollocks, and records by Buzzcocks and X Ray Spex. So that was really the beginning for me. I couldn’t believe that music be so wild, free, subversive – and foul-mouthed. The swearing on the records was what initially grabbed me.

Which were the first concerts you attend on your teenage days? Any flashbacks of them you can share?

I think there was a local gig with an unknown band but the first real concert I saw was The Slits. They were my favorite band for a while and the second album I ever bought was Cut. The gig was a venue called Friars Aylesbury that I later discovered was famous for having been where David Bowie played a breakthrough gig in terms of his rise to fame and the whole Ziggy Stardust persona. But back then I wasn’t aware of that. Shortly after the Slits I saw Killing Joke, and then Adam and the Ants – all these concerts were at Friars Aylesbury. What I remember is how loud the music was and how it hurt your ears. I think partly it’s because I had never been exposed to amplified music, but also because gigs were louder and the sound was damaging in those days – lot of high end frequencies attacking your ears. People seem to have learned more about how to operate a sound system since those days, but back then your ears might be ringing for a day or two after. Also these were very boisterous gigs, with the audience jumping up and down. So you threw yourself into this turbulent crowd and at the end of the night you felt like you’d been through something – an intense physical experience. There was quite a lot of tension and sense of the potential for trouble at gigs in the immediate years after punk. In fact the venue gave out leaflets beforehand saying “let’s have no violence please”. The feeling at concerts nowadays is really different – much safer and duller. 



What is missing from the ethos of original post-punk days that is not seen in nowadays revival? Why do you think that happens?

It was a completely  different historical context, so whatever purpose the original music served was in response to the state of music at that time, where music and rock culture had evolved to by that point, the surrounding social conditions, politics. To just take the formal qualities of that music and reproduce them in today’s contemporary situation – how could that have the same kind of impact? What’s required is music that is an urgent intervention in the context of today. At the very least it would be engaging with contemporary black music in the same way that postpunk was engaging with dub reggae, disco, funk.... 

People also had more belief in the power of words to change things – making statements through rock music seemed like it could really change people’s minds or be a threat. I don’t people believe that any more.

What happened in mid 80’s on the scene that some neo psychedelic bands started to sprout? You know: Loop, Spacemen 3, Ultra Vivid Scene, A.R. Kane, Telescopes, Jesus & Mary Chain, etc. I mean different types of drugs were there always.

I think there was renewed interest in psychedelic drugs – LSD. And certain bands were heavily into drugs of all kinds – heroin etc.  But more than drugs, there was a resurgence of interest in drug music – psychedelia. The Sixties were being explored and reevaluated – the music made then seemed to have a quality of liberation and ecstasy and release that was a breath of fresh air, and a breaking loose from some of the overly rational and conceptual approaches of the postpunk and new pop era. I remember hearing The Byrds and Love’s Forever Changes in 1983 and it was a revelation. Lots of other people were discovering that music and things like Velvet Underground at that same time and it was starting to come out in the music in the mid-Eighties.

Entering the shoegaze days I guess there were like 2 kinds of bands. The more conventional shoegazer bands: Chapterhouse, Kitchens of Distinction, Ride, Lush… and the other hard line of bands more pointed towards experimentation like Lovesliescrushing, A.R. Kane, Swallow, etc., ¡even Slowdive made a techno ep and a postrock album! Now that the scene is on revival mode too, what are your thoughts on these days? Will you write a book about it? It would be unveliebable!

I have had a lot of thoughts about that era. The most recent ones are in this Pitchfork review of a shoegaze box set. http://pitchfork.com/reviews/albums/21499-still-in-a-dream-a-story-of-shoegaze-1988-1995/

I wrote it about this music in real-time as a working journalist in the late Eighties and early Nineties – before it was even called shoegaze. That writing, mostly done for Melody Maker,  is in my first book "Blissed Out: the Raptures of Rock" (1990) and some of the later writing on shoegaze itself is in the collection Bring the Noise: 20 Years of Writing About Hip Rock and Hip Hop. So I don’t know if I would return to that era to write a whole book about it as I’ve already written “the first draft of history” as a journalist. That’s what they call journalism – the first draft of history, what later historians draw on as their research material.



You know post-rock was a fantastic music scene with amazing bands, specially from UK but also from USA (Bowery Electric, Labradford, Windy & Carl, Flowchart, Füxa). How were your reaction when you started to see music reviewers and labels tagging other rock orientated bands as post-rock too? Did you write about this confusion those days? Mogwai, Slint, Explosions in the Sky? It seems Joe Carducci’s revenge. 

What people now call “post-rock” has very little to do with what I envisaged post-rock to be. The bands that people consider to be leading figures in post-rock today have very little in common with the early Nineties bands who inspired me to theorize that area of music and try to get to grips  with something that seemed to be full of possibilities. Most of those groups had a very strong relationship with black music (hip hop especially, also dub) and with electronic dance music, whether it was Aphex Twin or jungle. That isn’t the case with the current so-called post-rock groups, who tend to be rather dramatic-sounding, epic guitar bands who just don’t bother to write songs or have a singer. I think Slint were a pretty killer rock band that came up with a sound that merged the punk and the progressive approaches in a really intense way – I would have liked to have seen them live. But I never ever thought they were part of the post-rock narrative.  

Novelty, sonic transgression and attitude seems absent on music these days. Youtube, social media, free contents everywhere can explain part of the reason of this -as you explain on your book “Retromania” (Caja Negra, 2012)- but what happens with attitude and unconformity on the new music youth?

That’s a bit too big a question to explore here – I already explored it in Retromania at great length, and although my ideas have shifted a bit since the book came out (in 2011 in English, and it was finished in 2010), a lot of the critique and polemic in the book still seems to apply. 

What I would add really is that I don’t think music is linked anymore to a Program for Mass Liberation (to borrow the subtitle of Lester Bangs’s famous essay on the Stooges). Collective liberation through some kind of ecstatic release – in which music is both blissful and violent at the same time – that was the promise of rock music, but also of disco music, and then later of rave music. 

Just the word “rave” contains ideas of madness, rage, enthusiasm, a wild party, the hysteria of fandom. Music as a profane religion.  Rave was a word used in the Sixties: Pink Floyd played an All Night Rave. There was a pop magazine called Rave. People talked then of “a raver” meaning a girl going wild to music, completely uninhibited and unrestrained. Rave was also a reggae word, meaning a dance party (there’s a song by the Wailers I think called “Mi Gwan Fi Rave” or something like that). And rave obviously is the word that describes the illegal dance parties of acid house and early techno in the UK, as well as the wild, possessed, delirious dancing of people on drugs just losing themselves in music. 

So “rave” and “raving” are for me these core concepts to do with the Dionysian power of music and the temporary freedom from all constraint and all self-restraint that music can give you – it’s a spirit that cuts through from early rock’n’roll and the Sixties right up to Nineties dance music and grime in the early 2000s . And I don’t hear that spirit manifesting itself anywhere in current music, except in certain kinds of rap – artists like Future, Rae Sremmurd, Migos, et al.  

When you listen to most music today there’s no sense of anyone being released through it. Usually it’s quite neurotic and overly controlled and “tidy”. 

But at the same time a contemporary garage rock revival group is just a facsimile of an era where those kind of guitar sounds signified freedom and wildness. You can’t repeat the Dionysian mode of an earlier music in the present and expect it to have the same power or significance. You have to reinvent the Dionysian.

Do you think Pete Bassman (Spacemen 3, The Darkside, Alpha Stone) is clearheaded when he says “i believe the conditions that once existed that helped make great music are gone, a higher standard of living and no working class youth movements has meant the only kids making music are from rich backgrounds and they are horrible, landfill indie as the press call it, looking for a decent band is like searching for water in a desert”?

There is something to that idea – that the people making music today don’t have the sense of urgency or need to escape or the desperation that fueled great music of the past.  That said there are lot of desperate people out there in the world and plenty of people living in poverty in the UK and America, but for whatever reason they’re not looking to music as their escape route from their background.

It’s also true that middle class people who came from affluence made great, liberating music in the past. Pink Floyd, Soft Machine... in the US, the Doors were from upper middle class background I believe. So it’s not as simple as saying that the working class model of escaping your background through music is no longer working. That was never the whole story with rock music.

Outside euro-anglo world what other bands can you recommend us/have you listened that are sounding amazing?

I haven’t heard too much coming from outside the Anglosphere or Europe that’s really surprised me or  engaged me that strongly.  I was impressed by the gqom sound from South Africa, this very percussive, dark take on house and techno with juddering off-beats that are quite disconcerting: https://www.youtube.com/watch?v=IeXL-10nmKI . But I haven’t explored that area very thoroughly.

I also like some of the Afro-beats sound that I’ve heard, which is much more poppy than gqom. The rhythms and the vocals have a wonderful fluid, slippery sensuality to them, the singing is made even more sinuous by the use of AutoTune.  Things like Tekno Miles’s “Duro Duro” - https://www.youtube.com/watch?v=TlJ33-6tPTE



Pink Floyd or Silver Apples?

I really like Silver Apples, but I would have to say Pink Floyd – love the Barrett-era singles and Piper At the Gates of Dawn, but also like the whole arc of the group from Saucerful through Ummagumma and Meddle to Dark Side of the Moon. The way that they went from this abstract psychedelic underground band to a huge mainstream phenomenon interests me. And although I’m not so taken with the Wish You Were Here / Animals / The Wall phase as music, there is something about the gloominess of the vision and the didactic approach that is quite compelling – the attempt to make serious statements right in the heart of the mainstream. 

What’s your impression that people from a different culture than yours, Latin America, with a totally different background are so interested in reading and hearing what you have to say.

I am going to Argentina though, in a few weeks time. And a few years ago I did go to Argentina for the first time, and then onto to Chile, also for the first time. It’s obviously very gratifying if people in other countries find something interesting or compelling about your work. Especially as a lot of what I’m talking about is quite specific to the UK or America. But my sense is that the interest in my work is because of an interest in the music I’m writing about – there are listeners and musicians in these countries who are drawing inspiration from postpunk, or post-rock, so they are looking for a narrative that explains how that music came into existence. 



Any future publications? Which are your next projects Mr. Reynolds?

At the moment I am “between projects” as they say – just doing journalism and various other things. I am having a little rest before launching into another massive project – also the glam book is coming out in other languages, like Spanish (COMO UN GOLPE DE RAYO: El glam y su legado, de los setenta al siglo XXI - out now on Caja Negra), German (at the end of this year) and French (early 2018) so I am still promoting and talking about that book. Still in that headspace to some extent. 

I have a bunch of ideas for the next book – five or six different ideas – the question, as always, is which one I can persuade a publisher to give me enough money so that I can take the two or three years to write a book. When I’m writing a book I do some journalism during that time, but the focus of my attention is 90 percent on the book and so the book has to pay for itself.  It’s also a question of finding a subject that I’m certain will sustain my interest over two or three years. It takes a big psychological investment to develop a book idea as a proposal and launch yourself into it – you kind of have to gather your strength to do that. So right now I am waiting for that impetus to gather force – sooner or later I will start to feel the need for a sense of purpose of the kind that only comes from having a long-term project. But right now I’m quite enjoying the drifting along, doing a bit of this and a bit of that.

viernes, 25 de agosto de 2017

Polémika subte entre César N, Papi Saicos y Daniel F

https://www.vice.com/es_mx/article/nngxe8/el-punk-nacio-en-peru-los-saicos

Por César N.

ANTES QUE NADA MI SOLIDARIDAD CON EL PATRIARCA ROCKERO PAPI SAICOS ANTE ESTE AGRABIO INJUSTIFICADO Y FUERA DE LUGAR, AL IGUAL COMO LO HICE PERSONAMENTE CON RAFO RAEZ CUANDO EN UNA REUNION DE COORDINACION EN EL ANTIKA DE BARRANCO QUISO NINGUNEAR Y CALLAR AL LEGENDARIO WILLY SANDOVAL DE LOS BELKINS, DEL MISMO MODO QUE SIEMPRE DESAHUEVO A LOS QUE PRETENDEN RESTAR IMPORTANCIA AL GRAN PABLO LUNA DE LOS YORKS BUENO ENTRANDO AL TEMA DE FONDO VOY A COMENTAR LAS SIGUIENTES PRECISIONES:

1- QUIEN INTRODUJO LA SAICOMANIA EN LA MOVIDA SUBTERRANEA FUE NUESTRO GRAN AMIGO EL YA FALLECIDO EDGARD "KILOWATT" BARRAZA, EL ESTABA LIBRE TRAS LA DISOLUCION DE SU MITICA BANDA KOLAROCK Y COMO ERA AMIGO DEL LEGENDARIO RAUL MONTAÑEZ SUBIA A CANTAR EL TEMA DEMOLICION COMO CIERRE EN LA PRIMERA EPOCA DEL AUTENTICO LEUSEMIA DE 1984/85, AL SER KILOWATT UN CANTANTE CARISMATICO, QUERIDO POR LA GENTE Y GRAN FROTMAN, SUBIA A CANTAR DEMOLICION Y LA TOCADAS REVENTABAN GRACIAS A SU MAGENETISMO Y SENTIMIENTO QUE TRASMITIA, MUCHOS NO SABIAN DE QUE QUIEN ERA EL TEMA Y GRACIAS A EL SE RESUSITO LA LEYENDA DE LOS SAICOS, YA QUE AL IGUAL QUE YO Y ALGUNOS POCOS EL TENIA PREFERENCIA POR TODO EL ROCK QUE SUENE A AÑEJO (VINTAGE) EN GENERAL, Y ESO LO PUEDE CORROBORAR CUALQUIERA DE LOS QUE VIVIERON ESE PAR DE AÑOS TURBULENTOS DE LA DECADA DE LOS 80 EN MEDIO DE BOMBAS Y PAQUETAZOS, PERO EN LA CUAL AUN LOS SINDICATOS PESABAN Y LOS TRABAJADOS TENIAN AL MENOS TEORICAMENTE DERECHOS LABORALES.

2- EL TEMA DE QUE SI LOS SAICOS CREARON O NO EL PUNK.... COMO SI HABLARAMOS DE UN MEDICAMENTO HECHO EN UN LABORATORIO QUIMICO…., PUEDE SER TODO LOS DISCUTIBLE QUE ALGUNOS QUIERAN, PERO, COMO YA LO HE DICHO EN REITERADAS OPORTUNIDADES, LOS POST DE DANIEL F, DICIENDO QUE ESO ES UNA ESTUPIDEZ, NO TIENEN COMO FINALIDAD INTELECTUALIZAR AL PUBLICO ROCKERO Y SACARLO DE LA INGNORANCIA, COMO EL PRETENDE HACERLES CREER A TODOS, SI NO TIENE COMO FINALIDAD PRESERVAR LA CONSTRUCCION FRAUDLENTA DE SU PROPIA LEYENDA PERSONAL HABLANDO EN TERMINOS DE MARKETING Y DE MERCADO,,,,,ME EXPLICO: "EN TODOS LOS ESCRITOS HISTORICOS DE ROCK PERUANO (salvo rarisimas excepciones) SE MENCIONA QUE QUIEN INICIO LA MOVIDA PUNK EN EL PERU(OJO EN EL PERU NO EN EL MUNDO) FUE DANIEL F Y LEUSEMIA". . . .AHORA BIEN. . ¿ QUE PASA SI PUBLICACIONES ESPECIALIZADAS EUROPEAS, NORTEAMERICANAS Y FIGURAS PROMINENTES DEL ROCK EN EL MUNDO TERMINAN DICIENDO QUE EL PUNK (NO EN EL PERU) SI NO EN EL MUNDO OJO EN E L MUNDO, FUE CREADO POR UNA VIEJA BANDA PERUANA DE LOS 60 LLAMADA LOS SAICOS ?.......OOOOOBIAAAMENTE ESO DEJA SIN PISO A GRAN PARTE DE SUSTENTO DE VALOR FRAUDULENTO QUE SE LE ATRIBUYO A DANIEL F Y A LEUSEMIA Y COMO AHORA CARECE DE TODO ESO Y CADA VEZ SE HACE MAS EVIDENTE....EN EL FONDO SE DESESPERA, AUNQUE APARENTA ESTAR INERTE HACIENDO QUE NO LE ENTRAN BALAS Y BURLANDOSE, SIEMPRE QUE PUEDE LANZA SU VENENO, CON EL PECULIAR ESTILO, DE QUE POR UN LADO TE SALUDO Y TE ALABO Y POR EL OTRO LADO TE CLAVO EL PUÑAL, EN CONCLUSION: EL OBJETIVO DEL F NO ES ESCLARECER NINGUNA FALSEDAD COMO APARENTA, EL TEMA NO VA POR AHI, SU OBJETIVO DE FONDO ES DESTRUIR LA CREDIBLIDAD Y LA VALIA ARTISTICA DE CUALQUIERA QUE LE PUEDA HACER SOMBRA ASI SEAN LOS SAICOS, EN TERMINOS DE MERCADO: IMPORTA MUY POCO SI LA OTRA MARCA ES CREADORA O NO DE LA PASTA DE DIENTES, EL OBJETIVO ES DESTRIUIR A CUALQUIER COMPETENCIA Y TRATAR DE SEGUIR A LA CABEZA DE LAS VENTAS DE DISCOS Y SEGUIR TENIENDO TAQUILLA EN LOS EVENTOS, LA VERDAD O NO VERDAD SOBRE EL PUNK O EL ROCK ES LO QUE MENOS LE IMPORTA, SU OBJETIVO ES PRESERVAR SU PROPIA SUPREMACIA PREVIO SABOTAJE AL RESTO Y AUNQUE POR AHI EL DIGA “NO AL FUJIMORISMO”, EN LA PRACTICA SE HA ADAPTADO PERFECTAMENTE A LA ECONOMIA FUJILIBERAL QUE ASTA AHORA NOS RIGE Y COMO TODOS PUEDEN APRECIAR, APLICANDO LA CRIOLLADA Y EL TODOVALISMO ASOLAPADO A LOGRADO SACARLE EL MAYOR PROVECHO A ESTA SITUACION, ASI COMO A LA DESINFORMMACION RAMPANTE Y A LAS MEDIAS VERDADES.




"AQUI EL PATRIARCA PAPI SAICOS DESHUEVANDO A DANIEL F" (César N dixit)

3- PARA TERMINAR QUIERO AGRADECER A TODOS LOS QUE ME HAN MECIONADO EN LOS COMENTARIOS DE ESTE POST, TOMANDO COMO REFERENCIA LO QUE VENIA DENUNCIANDO DESDE MI MURO SOBRE TODAS ESTAS MALAS ONDAS DESDE EL 2013 Y REITERAR DE QUE EN 1997 PERSONALEMENTE ENCARE A DANIEL F TANTO EN LA PUERTA DE SU CASA COMO EN UN PROGRAMA DE RADIO, YA QUE COMO LO CONSIDERABA MI AMIGO Y A PARTE VIVIA EN MI BARRIO, ENCARE EL ASUNTO DE MANERA FRONTAL Y DIRECTA, ASI QUE NO SOY SOLO UN MERO PALOMILLA DE FACEBOOK, POR OTRO LADO JAMAS E ESTADO EN CONTRA DE LA DIFUSION DEL ROCK EN MEDIOS Y EN GANAR PLATA, YA QUE ESA ES POR AHORA LA UNICA MANERA POSIBLE QUE SE PUEDE PRESERVAR LA ESCENA, LO QUE NO ESTOY DE ACUERDO ES QUE ESTE PROCESO CONVIERTA A LOS ROCKEROS EN IMBECILES Y EN QUE SE CREEN MAFIAS Y DE DESTRUYAN HONRAS VALIAS Y CREDIBLIDADES PARA HACERSE DE EXITO EN FORMA FRAUDULENTA Y NO ES LA PRIMERA VEZ QUE EL F LE TIRA BARRO A LOS SAICOS AQUI ESTA ESTE ARTICULO DE LA REPUBLICA 
DANIEL F ERA EL QUE SE JURABA Y SE VENDIA COMO EL ANTI MEDIOS Y NOS PARABA JODIENDO A TODOS LOS QUE SALIAMOS CON SU INSOSTENIBLE ARGUMENTO DE QUE “EL ARTE CUANDO SE DIFUNDE SE DEFORMA” Y EN LA PRACTICA EL UNICO QUE SE HA DEFORMADO ES EL.

4. PARA TODOS AQUELLOS QUE PRETENDEN ARGUMENTAR QUE YO ME QUIERO COLGAR DE ESTO OLVIDENSE TODO ES ROCK & ROLL Y EN ESE MARCO TODO ES BIENVENIDO Y SOLO SOY RECIPROCO CON UNO DE LOS PATRIARCAS DEL ROCK PERUANO PAPI SAICOS QUE SI RECONOCIO MI CHAMBA Y NUNCA TUBO MALAS ONDAS. ESTO SERIA TODO Y QUE VIVA EL ROCK.

César N y el Cabaret Fragor

jueves, 24 de agosto de 2017

Superspace Records publica nuevo disco de Wil Volador


Ea pincankis
encantado les cuento que acaba de publicarse la edición física de mi último álbum, "Paraísos, Revoluciones y Tú" (SSR, 2017) por Superspace Records. el tiraje es sooper limitado a 20 copias y trae 2 bonus tracks, 1 del Polykroma EP y otro del Porno EP:.....
pueden pedirlo desde ya al email polyluna@gmail.com o al feis de Superspace.

WGA - Paraísos, Revoluciones y Tú
SUPERSPACE RECORDS, 2017

1. Porno para mis neuronas
2. Serendipity
3. Pan-Sonic 
4. Post-drone party
5. Revolución Crisálida
6. No puedo con la depre
7. Xtacy 97'



cambio y fuera.

Reseña: VARIOS - Colorea Tu Alma: Una Compilación Peruana (Superspace Records, 2007 - 2017)

El sampler de Superspace ha sido reeditado esta semana. El autor de la reseña es un miembro del grupo THE CINDY SISTERS de Santiago. Publicada originalmente en la web Especial 35.

"Colorea tu alma 2007", subtitulado como "Compilado Avant-Garde de Grupos Peruanos" ofrece una panorámica de la gran diversidad de bandas que están deambulando por el circuito peruano durante los últimos años.

El primer corte nos lo ofrece Antartika, donde una base electrónica reminiscente del sonido de indietronica de Mörr Music nos introduce a una versión en español de “Pale Blue Eyes” de los Velvet Underground, donde tras la sentida balada original de Lou Reed se permiten introducir sonidos electrónicos que los vinculan con los orígenes mismos del synth pop y el industrial.

Precisamente desde este sentido de experimentación electrónica es que podemos hacer el vínculo al siguiente ¿tema? de Christian Galarreta, "Bugs (bajo_el_puente)", que contrasta fuertemente con el tema anterior al introducir ruidos mínimos, que evocan a una glitch music muy bien inteligida, vinculada a Ryoji Ikeda y Carsten Nicolai, como he leído en el blog de Wilder Gonzales (autor de la recopilación), peruavantgarde.blogspot.com

El alto nivel de abstracción de dicho corte encuentra eslabón con "Pinta la guerra" del mismo Wilder Gonzales, donde un drone de texturas frías y una voz que canta desde un oscuro trance nos mueve hacia soundscapes de raigambre dark ambient (como los planos más inquietantes de Brian Eno en On Land).

El siguiente corte pertenece a Catervas y lleva por nombre "En las calles (Aerolito rmx)", el cual utiliza armonías que instan a conmoverse, con un sonido que recuerda a las bandas del sello 4AD como This Mortal Coil, pero que en la manipulación de sonidos reales y en la atmósfera espacial se desliza hacia una sensibilidad un poco más alemana, que funciona muy bien con la sonoridad melancólica de la banda citada.

"Irreal - Real" de Colores en Espiral viene a continuación, en la misma senda espacial que el tema anterior, pero donde los sonidos reales han sido reemplazados por manipulaciones tímbricas que permiten abrir el caleidoscopio sónico hacia evocaciones más primitivas, en medio de los delays y reverberaciones que constituyen la masa sonora del tema.

A continuación, "No sex=no love" de Hipnoascención mueve el foco desde la quietud del sonido puro de los temas anteriores hacia una canción más propiamente tal, utilizando el mismo lenguaje sonoro que los anteriores, pero con una guitarra bien cercana a los momentos más psicodélicos de bandas post punk como The Cure o The Church, pero sin perder el elemento etéreo que hasta ahora ha sido el elemento integrador de la mayor parte del disco.



Lo de Trilce es un poco más complicado. Percibo un fuerte influjo de los alemanes Cluster en "¡Somos un nuevo planeta!", título ambiguo para un tema que deja entrever una vena post apocalíptica, y que no está tan lejano a lo que hemos escuchado de Robert Hampson en Main o de Peter Kember en Experimental Audio Research. De todas maneras, uno de los momentos más interesantes de la recopilación.

El estilo de electrónica inteligente de un sello como Warp Music es la materia prima de "Duna" de No God, que se mueve entre loops de teclado, bases rítmicas y sonidos inclasificables, como los que se escuchaban en los experimentos de Luigi Russolo y la faceta electrónica de Karlheinz Stockhausen.

"Coraxon xufrido" de Tica es un tema romántico que tiene una vibra fuertemente vinculada al Sigur Ros de “Von” y al Mogwai de “Rock Action”, pero que al ser interpretado en español le da un twist que lo vincula a la canción romántica latinoamericana que podría abrir una senda de exploración para otras bandas. Ysabel Telegram mezcla electrónica y elementos de psicodelia, de una manera parecida a que lo hacen algunas bandas underground en Santiago, como Makaroni.

El tema que cierra el disco pertenece a Wix, y lleva por nombre "2012. Escape Tierra", y se trata de un soundscape, pleno de sugerencias al misterio que existe en torno a esa fecha. Los delays ahora funcionan en el sentido que Tangerine Dream los hacía funcionar, para intentar abordar el viaje a lo profundo del cosmos.

Las bandas citadas nos sirven de pauta para entender los vínculos existentes entre esta generación de bandas y la historia reciente de la música. Se nota que ha habido un proceso de absorción de las tendencias (ambient, kosmische musik, shoegaze, post rock, idm, glitch) a un lenguaje local propio, lo cual marca un precedente y un registro del estado de la escena de psicodelia peruana, a todas luces más cohesionada y cuantitativamente más numerosa en cuanto al número de bandas que la integran, respecto de Chile. El desafío ahora está - y claramente no sólo para los peruanos - en incorporar nuevas sonoridades a su ya enriquecida paleta sonora, y con esto me refiero específicamente al factor latinoamericano, elemento local que aún permanece en estado latente en nuestras bandas y que, estoy seguro, plantea una interrogante que a muchos nos encantaría ver respondida. Pero como fotografía del momento, "Colorea tu alma" es un excelente documento para enterarse de lo que está pasando a nivel de exploraciones sonoras en Perú.

Mauricio Dodds.

    

lunes, 21 de agosto de 2017

Re-edición del compilado COLOREA TU ALMA disponible desde ya

portada por Miguel Cabeza

Buenas noches astronautas,

encantado les cuento que acaba de salir en re-edición limitada de 50 copias el compilado que publicamos con Superspace Records, COLOREA TU ALMA - Una compilación peruana. El sampler de vanguardia, música etérea y colorismo contiene francotiradores como ANTÁRTIKA -proyecto solista de Cocó Ciëlo-, CATERVAS -con una hermosa pieza exclusiva en plan Cure + Labradford-, TICA -haciendo un hermosísimo cover de los chicheros Armonía 10-, NO GOD de Arequipa, COLORES EN ESPIRAL de La Oroya y más.

puedes pedir tu copia al facebook de Superspace o al mail polyluna@gmail.com
Ticket: 20 soles + gastos de envío

Pronto novedades...


domingo, 20 de agosto de 2017

JACK CHUTER INTERVIÚ .:. Un camino a través del Post-Rock

Dada la controversia que ha generado en ciertos sectores nuestro post sobre la estafa del llamado "post-rock" indie o post-rock rocker decidí acudir al autor del primer libro enteramente dedicado al tema en cuestión. Para mi sorpresa Mr. Jack Chuter es también uno de los iniciados en la escena post-rocker vía tótems como Mogwai o Explosions in the Sky pero claro ha tenido la delicadeza y el tino de dedicarse a indagar e investigar los orígenes y el significado primigenio de la corriente que emergiera hacia inicios y mediados de los prístinos años 90's. Y bueno para no hacerla larga con más floro insulso acá os dejo para los fans de la música y del blog Perú Avantgarde la entrevista exclusiva con Jack Chuter autor de "Storm Static Sleep: A Pathway through Post-rock" (2015). 

Adquiere el libro acá.

PERÚ METAMÚSICA en la vanguardia desde siempre.

¿Cómo llegaste a escuchar a bandas de post-rock en tus días de adolescencia en los 90´s? ¿Había alguna escena de vanguardia, alguna tienda de discos o sello cool en tu ciudad?

Mi adolescencia realmente llegó en los años 2000. ISIS fue la primera banda que oí en la categoría “post-” -muy probablemente en el reverso de la lectura de una reseña intrigante de "Panopticon" en Rock Sound- y recuerdo haber sido golpeado por el uso de la paciencia y la moderación dentro de esta música. Antes de eso había estado escuchando exclusivamente música metal. ISIS me mostró que había potencia en detenerse. Que había una ambigüedad emocional dentro de ese punto medio entre la acción y la inacción, entre el rock y el silencio. Después de ISIS, me entregué a Fox y Neurosis, y luego me mudé al post-rock desde Mogwai, Mono, Red Sparowes, etc. Mucho de mi tiempo como adolescente los pasé en caminatas y paseos en bicicleta alrededor de Basingstoke con auriculares. No creo que alguna vez haya escuchado música tan intensamente como entonces.

¿Qué bandas llegaste a ver por esos años?

En su mayoría vi post-metal en esta época (vamos a decir 2006-2010). Vi a ISIS en el Supersonic Festival de Birmingham en 2006, que fue increíble. Neurosis en el London Forum también fue memorable. Mi padre vino conmigo a los dos -alcanzó un punto en su experiencia post-metal donde pudo pontificar sobre las distinciones entre bandas (ISIS eran un poco más tensos y nítidos, Neurosis un poco más oscuros y más sueltos).

Con la excepción de Mogwai (que vi en Supersonic en 2007), no fue hasta mediados de mis 20 años que por fin vi todas esas bandas de post-rock de las que me había enamorado una década antes: Mono en ArcTangent en 2014, Slint en Londres el 2014, Godspeed You! Black Emperor en Londres 2015, Explosions in the Sky en Bristol 2016.

¿Qué te hizo escribir este libro sobre Post-Rock después de todos estos años de música y nombres? ¿Qué querías lograr o comunicar?

El libro surgió después de una conversación entre yo y mi editor (Shane en Function Books). Ambos nos sorprendimos de que aún no hubiera habido un libro dedicado al post-rock, dada la popularidad mundial desde el cambio de milenio y nuestra emoción compartida por aquellas bandas que caían bajo el soporte de "post-rock". Por otra parte, creo que ambos teníamos la sospecha de que el "género" y el término tenían una historia enrevesada, lo que podría explicar la falta de documentación.

Es por esta razón que no me propuse escribir la historia definitiva del post-rock. Dado que el término ha evolucionado esencialmente a través de un proceso de susurro chino -repetidos malentendidos y perezosas re-aplicaciones por la prensa- no hay fin a las avenidas que podría haber tomado. El uso de la palabra "camino" en el subtítulo es muy consciente. El libro es una historia posible de la narrativa post-rock.



Estábamos conversando en facebook acerca de cómo tantas bandas geniales y transgresoras de post-rock son todavía desconocidas para los neófitos y los hipsters que en su mayoría aman el indie rock de grupos como Mogwai o Explosions in the Sky. Es decir -y aquí estoy de acuerdo con Simon Reynolds- escuché Slint allá en los 90 's y desde la primera vez me sorprendió no por su sonido, sino por cómo esa banda podía recibir la misma distinción que Scorn, Labradford o Seefeel para nombrar algunos. Incluso la música indie de Sonic Youth se siente más transgresora que Slint. No me malinterpreten, no es que esas bandas sean terribles, son buenas en lo que hacen pero como apunta mister Reynolds son “excelentes bandas de rock, nada más nada menos”. ¿Cuáles son tus opiniones al respecto o sobre cómo sucedieron las cosas? Suena como la venganza de Joe Carducci.

Me gustaría tener en cuenta el comentario "hipster", como hasta la escritura de este libro, yo también era alguien cuya comprensión primaria de post-rock fue como descriptor de bandas como Mogwai y Explosions In The Sky. Dado que la música de ambas bandas está claramente tan amorosamente reunida -ciertamente más fija en generar un sonido substancial en lugar de montar algún tipo de tendencia cultural- creo que es justo decir que los oyentes tienen una intimidad muy genuina con esta música, más que blandirlo como un accesorio hipster.

Pero, por supuesto, el comentario sobre Slint es totalmente justo, y el problema aquí es que "post-rock" mutó en significado. Una vez que bandas como Mogwai y Mono comenzaron a ser llevadas al redil, el término dejó de ser asociado con la música que empujó contra el M.O. (modus operandi) central de la música rock. La gente empezó a trazar un hilo histórico alternativo del post-rock, basado en su nueva identidad como música rock vastamente dinámica y en gran parte instrumental. Slint toma su lugar dentro de este linaje post-rock, en lugar de lo establecido por Simon Reynolds. Nuestra confusión reside en el supuesto de que existe una trayectoria lineal de post-rock sobre la cual residen todas estas bandas.

Todo el hype fue organizado por los sellos y la prensa de música para vender discos ¿no te parece? Eso haría que fuese una estafa. Recuerdo haber visto el término muchas veces especialmente desde 1996. Los neófitos y las personas sin pensamiento crítico cayeron fácilmente.

No creo que fuese un truco comercial. Creo que era más un deseo de los periodistas y escritores para identificar los puntos comunes emergentes y las progresiones dentro de la cultura. Creo que Simon Reynolds hizo un excelente trabajo para identificar y articular el "sentimiento" del post-rock en los primeros 90's, ya que definitivamente había una cosecha de bandas que subvirtieron la tradicional utilidad de la instrumentación de rock (aunque de formas drásticamente diferentes) .

Creo que la perezosa re-aplicación (y mala aplicación) de este término fue el resultado de reseñadores/escritores tratando de comprender y ampliar la idea de Simon. El término "post-rock" es también una declaración atractiva y provocadora que sin duda se lee bien en las reseñas -hay algo bastante grandioso en enmarcar la banda dentro del contexto de rebelión del rock, incluso si el término no se aplica realmente.

Menciona por favor 10 discos que rompieron tu cerebro en una nueva manera hermosa, sean post o no.

Oh man. Esto es difícil. Creo que es interesante notar que la mayoría de estos discos son de mi adolescencia (probablemente porque mi cerebro estaba más preparado para ser "roto" antes cuando tuve menos experiencias musicales formando un marco de referencia).

1) Jesu – S/T
2) Meshuggah – Nothing
3) Noxagt – Brutage
4) Boards Of Canada – Geogaddi
5) Scott Walker – The Drift
6) Miles Davis – Bitches Brew
7) Captain Beefheart – Trout Mask Replica
8) Dead Neanderthals – Prime
9) Phill Niblock – Touch Strings
10) Junko / Sachiko – Vasilisa The Beautiful

¿Pink Floyd o Silver Apples?
No he escuchado tanto material de Silver Apples para contestar a esto.

                                               PERUVIAN POST-ROCK MADE IN 90'S


Tengo una pregunta acerca de The Wire de modo que ya que estás en la prensa musical y del Reino Unido, probablemente es posible que me des algunas luces. Me pregunto por qué en esa revista siempre tienden a hacer solo pequeñas menciones a la inmensa labor de Sonic Boom (Spacemen 3, Spectrum, EAR). Por ejemplo, en el tema del post-rock, los discos de Spectrum ‘Soul Kiss’ (1992) y ‘Forever Alien’ (1997) me parecen documentos emblemáticos. ¿Tienes alguna idea o es solamente mi impresión desde fuera?

Me temo que no tengo ni idea. The Wire serían los indicados para responder a eso. Sin embargo, la gente me ha contado regularmente sobre las deficiencias de la cobertura en mi libro -bandas esenciales que definitivamente debería haber incluido etc.- a pesar de mis mejores esfuerzos para tocar tanto como sea posible. Es imposible marcar cada caja.

Nuestra comprensión de los documentos culturales "importantes" es impulsada por una serie de cosas. Una es el reconocimiento repetido en la prensa. Si un disco se destaca una vez como documento de referencia, es más probable que se identifique como tal una y otra vez - y así como bola de nieve. Pero, por supuesto, también es increíblemente subjetivo. Esos discos considerados importantes en tus ojos probablemente difieren drásticamente de los míos. El paisaje es diferente para todos.

Fuera del mundo anglo-euro ¿qué otras bandas geniales conoces?

Soy un gran fan de la escena Japanoise (de ahí la mención de Junko/Sachiko en los álbumes que me rompieron el cerebro). Artistas como Merzbow e Hijokaidan han tenido una gran impresión en mi entendimiento de los posibles extremos del sonido y la experiencia. También vale la pena mencionar la producción de sellos como Flaming Pines, Pan Y Rosas Discos, BITROT e ini.itu, que es consistentemente increíble.


INTERVIÚ TO JACK CHUTER .:. A Pathway to Post-Rock


Given the controversy that has generated in certain sectors our post about the scam of the so-called indie "post-rock" or post-rock rock I decided to go to the author of the first book entirely dedicated to the subject in question. To my surprise Mr. Jack Chuter is also one of the initiates in the post-rocker scene via totems such as Mogwai or Explosions in the Sky but of course he has had the delicateness and the judgement to devote himself to inquire and research the origins and the primal meaning of the current that emerged towards the beginning and middle of the pristine 90's. And well to not make it long with more dull chatter here I leave for melomaniacs and fans of Peru Avantgarde blog our exclusive interview with Jack Chuter, author of "Storm Static Sleep: A Pathway through Post-rock" (2015). 

Purchase the book here.

PERÚ METAMÚSICA in the vanguard since always.

How you came to listen to post-rock bands in your teenage days back in 90’s? Were there any avantgarde scene, any cool record store or label in your city?

My teenage days actually came in the 2000s. ISIS were the first band I ever heard in the “post-“ category ¬¬– most likely on the back of reading an intriguing review of Panopticon in Rock Sound – and I remember being struck by the use of patience and restraint within this music. Prior to that I’d been listening exclusively to metal music. ISIS showed me that there was potency to holding back; that there was an emotional ambiguity within that midpoint between action and inaction, between rock and silence. After ISIS, I branched out to Pelican and Neurosis, and then moved into post-rock from there via Mogwai, Mono, Red Sparowes etc. Much of my time as a teenager was spent taking walks and bike rides around Basingstoke with headphones on. I don’t think I’d ever listened to music so intensely.

What bands you got to see live back then?

I mostly saw post-metal around this time (we’ll say 2006-2010). I saw ISIS at Birmingham’s Supersonic Festival back in 2006, which was incredible. Neurosis at the London Forum was also a highlight. My dad came with me to both of those actually – he reached a point in his post-metal expertise where he could pontificate on the distinctions between bands (ISIS were a bit tighter and sharper, Neurosis a bit darker and looser).

With the exception of Mogwai (who I saw at Supersonic in 2007), it wasn’t until my mid-20s that I finally saw all those post-rock bands that I’d fallen in love with a decade prior: Mono at ArcTanGent in 2014, Slint in London 2014, Godspeed You! Black Emperor in London 2015, Explosions In The Sky in Bristol 2016.

What made you write this book about Post-Rock after all these years of music and names? What you wanted to achieve or communicate?

The book arose after a conversation between me and my publisher (Shane at Function Books). Both of us were surprised that there hadn’t yet been a book dedicated to post-rock, given the worldwide popularity of it since the turn of the millennium and our shared excitement for those bands that fell under the bracket of “post-rock”. Then again, I think we both had an inkling that the “genre” and the term had a convoluted history, which might explain the lack of documentation.

It’s for this reason that I didn’t set out to write definitive history of post-rock. Given that the term has essentially evolved through a process of Chinese whisper – repeated misunderstandings and lazy re-applications by the press – there’s no end to the avenues I could have taken. The use of the word “pathway” in the subtitle is very conscious. The book is one possible telling of the post-rock narrative. 



We were chatting in facebook about how so many great and transgressive post-rock bands are still unknown for the newcomers and hipsters who mostly love indie rock stuff like Mogwai or Explosions in the Sky. I mean -and here I have to agree with Simon Reynolds- I listened Slint back in the 90’s and since the first time I was surprised not by its sound but by how that band could receive the same cachet than Scorn, Labradford or Seefeel to name a few. Even Sonic Youth’s indie music feels more transgressive than Slint’s. Don’t get me wrong it’s not that those bands were terrible, they are good on what they do indeed but as Mr. Reynolds marks they are “excellent ROCK bands, nothing more, nothing less”. What are your opinions on that subject or on how things came to happen? Sounds like Joe Carducci’s revenge.

I’d take issue with the “hipster” remark, as up until writing this book, I too was someone whose primary understanding of post-rock was as the descriptor for bands such as Mogwai and Explosions In The Sky. Given that the music by both bands is clearly so lovingly put together – certainly more fixated on generating a sound of substance rather than riding some sort of cultural trend – I think it’s fair to say that listeners have a very genuine intimacy with this music, rather than brandishing it as a hipster accessory.

But of course, the comment about Slint is totally fair, and the problem here is that “post-rock” mutated in meaning. Once bands like Mogwai and Mono started to be brought into the fold, the term ceased to be associated with music that pushed against the central M.O. of rock music. People started to trace an alternate historical thread of post-rock, based on its newfound identity as vastly dynamic, largely instrumental rock music. Slint take their place within this post-rock lineage, rather than that established by Simon Reynolds. Our confusion resides in the assumption that there is one, linear path of post-rock upon which all of these bands reside.

All that hype was arranged by labels and music press to sell discs dont you think? That would make it a scam. I remember to have seen the term so many times specially since 1996. Newcomers and people with no critical thinking easily fell.

I don’t think it was a commercial ploy. I think it was more a desire for journalists and writers to identify emergent commonalities and progressions within culture. I think Simon Reynolds did an excellent job in identifying and articulating the “sentiment” of post-rock within the early/mid 90s, as there was definitely a crop of bands all subverting the traditional utility of rock instrumentation (albeit in drastically different ways). 

I think the lazy reapplication (and misapplication) of this term was the result of reviewers/writers trying to comprehend and broaden Simon’s idea. The term “post-rock” is also quite an attractive and edgy statement that no doubt read well in reviews – there’s something quite grandiose about framing the band within the context of rock rebellion, even if the term doesn’t truly apply.

Mention please 10 discs that broke your brain in a beautiful new way, being them post or not.

Oh man. This is difficult. I think it’s interesting to note that most of these records are from my teenage years (probably because my brain was most primed to be “broken” back when I’d had less music experiences forming a frame of reference).

1) Jesu – S/T
2) Meshuggah – Nothing
3) Noxagt – Brutage
4) Boards Of Canada – Geogaddi
5) Scott Walker – The Drift
6) Miles Davis – Bitches Brew
7) Captain Beefheart – Trout Mask Replica
8) Dead Neanderthals – Prime
9) Phill Niblock – Touch Strings
10) Junko / Sachiko – Vasilisa The Beautiful

Pink Floyd or Silver Apples?

I haven’t heard enough Silver Apples material to answer this one.


                                               PERUVIAN POST-ROCK MADE IN 90'S


I have a question about The Wire so since you are in the music press and from UK probably you might give me some lights. I wonder why in that magazine they always tend to make only little mentions to the outstanding work of Sonic Boom (Spacemen 3, Spectrum, E.A.R.). For example, on the subject of post-rock, Spectrum’s “Soul Kiss” (1992) and “Forever Alien” (1997) seems landmark documents to me. Do you have any idea or it’s only my impression from outside?

I have no idea I’m afraid. The Wire would be best placed to answer that. However, people have regularly told me about the shortcomings of coverage in my book – essential bands that I definitely should have included etc – despite my best efforts to touch upon as much as possible. It’s impossible to tick every single box.

Our understanding of “important” cultural documents is driven by a number of things. One is repeated acknowledgement in the press. If a record is noted once as a “landmark” document, it is more likely to be identified as such again and again – things snowball in this way. But of course, it’s also incredibly subjective. Those records deemed important in your eyes likely differ drastically from mine. The landscape is different for everyone.

Outside anglo-euro world what other cool bands do you know?

I’m a huge fan of the Japanoise scene (hence the mention of Junko/Sachiko in the albums that broke my brain). Artists such as Merzbow and Hijokaidan have had a huge imprint on my understanding of the potential extremities of sound and experience. It’s also worth mentioning the output of labels such as Flaming Pines, Pan Y Rosas Discos, BITROT and ini.itu, which is consistently incredible. 

DISQUS

WE ARE ALL ONE

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