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RUIDO BLANCO

:. . SUPERSPACE RECORDS - TRANSGRESIONES SÓNICAS, MINIMALISMO Y VISIONES

lunes, 29 de octubre de 2018

Some Girls Are Bigger Than Others II


Por MARIO REGGIARDO
Extraído de Interzona # 10 - Noviembre 2003


SINEAD O'CONNOR
Carling Apollo
Hammersmith
14 marzo

La irlandesa está más buena que nunca. La base 3 le ha sentado a la perfección y ya no es más la flaquita que bordeaba el ridículo jugando a ser una mezcla de krishna con Jhonny Rotten. Ahora es una madre de familia madura, reflexiva, cautelosa, que asume su lesbianismo con orgullo, lejos de la época en que rompía fotos del Papa o gritaba consignas antiamericanas en la propia cara de los gringos. Y no es que la O'Connor se haya aburguesado, ocurre que ahora dedica menos tiempo al show mediático y más a hacer buena música. Por eso también ha sido invitada a cantar en las últimas placas de Massive Attack y Asian Dub Foundation.

El Carling Apollo Hammersmith es un teatro clásico donde continuamente se hacen también conciertos. El de la O'Connor fue impecable. "Fire on Babylon", "Mandinka", "I am stretched on your grave", "Feel so different", "Nothing Compares 2U" entre otras, además de una demoledora versión de "The emperor's new clothes" cerrada con un potente remate de feedbacks para no olvidarnos que, a pesar del claro vuelco a la música celta, después de todo estábamos en un concierto de rock.

Detrás de una banda donde cada músico era un genio aparte. Un bajista, un batero, dos guitarristas, un tecladista, una chica al violín, otra a la viola y uno en la flauta dulce. Al frente la diva en jean azul, con una blusa tibetana y sin zapatos. Tierna, atractiva y sorprendentemente tímida. Siempre con una guitarras acústica que a veces dejaba para cantar sin más sonido que el de ella mientras el resto mirábamos con la boca abierta. Su voz sigue siendo una de las mejores del planeta. Y nosotros a tus pies, Sinead.





THROWING MUSES
London Astoria
20 marzo

En el cruce de Oxford St. y Tottenham Court Rd. está un clásico local de la escena londinense. Oscuro, un poco sucio y lleno de afiches superpuestos anunciando conciertos casi a diario. En la puerta una pizarra acrílica blanca donde está apuntada con plumón negro la agenda de los próximos tres meses. Sólo de leerla uno puede colapsar de impotencia. Es en este antiguo teatro donde unos dos mil treintones se juntaron para ver a una banda ícono del indie americano. Lleno total.

Desde uno de los pasillos tuve que ver a Kristin Hersh, David Narcizo y Bernard Georges tocando prácticamente todas las canciones del Throwing Muses (4AD, 2003), el último álbum recibido  tibiamente por la crítica británica. Tal vez me hice ilusiones esperando las canciones de los primeros discos, pero hasta ahora me queda la sensación de haber ido a un espectáculo monótono, ruidos y con mal sonido. La ausencia de Tanya Donelly puede ser la causa de ver ahora a una banda muy áspera, sin ese toque sensual que se colaba entre las guitarras que, junto a las de Sonic Youth, Pixies y Dinosaur Jr. definieron el sonido americano de los 90 en los 80.

Hersh parecía tocar desmotivada, arrancando estridencia a la guitarra, como una forma de esconder el desgano. Fue un concierto donde nada emocionaba ni sorprendía. Los juegos de luces elementales, el escenario pobrísimo y la banda totalmente estática hacían que el ruido sonara gratuito y a veces aburrido. Si uno cerraba los ojos y olvidaba a quienes tenía al frente, el concierto era para el olvido.






BETH ORTON
Royal Albert Hall
31 marzo

Fuck, fuck, fuck. Increíblemente esa fue la palabra más pronunciada por esta flaquita medio alocada que apareció con un vestido sesentero de color naranja, eufórica por las drogas que sugirió haber consumido en el camerino. Antes y después de cada canción varios fuck-fucking-fucker para decir una serie de cosas de las cuales no entendí un carajo. Pasada la sorpresa, los sentidos disfrutaron de la Orton en todas sus versiones.

Esperaba un concierto maravilloso y ese fue mi error. Poco del electro-folk de los primeros discos. Los efectos fueron desplazados por un contrabajo, siete violines y una viola, al punto que a veces parecía que estábamos en un unplugged de Natalie Merchant. Hay que reconocer que una cosa es encerrarte en el dormitorio y echarte solo en la cama para escuchar "Sweetest decline" o "Central reservation", y otra escucharlas sentado entre unas dos mil personas que rápidamente podían caer en el letargo. Beth Orton es una de los mejores cantantes de su generación y sus primeros discos están entre los más sublimes que se hayan hecho en la década pasada, pero hay que recordar que la producción fue determinante para alcanzar en las placas esas atmósferas de mágica cotidianeidad. Por eso en vivo la mejor Orton no es ella sola con su guitarra. Todavía está lejos de ser una diva como Joni Mitchell o Sinead O'Connor.

Cuando muchos empezábamos a aburrirnos, tras una cortina de cuerdas y teclados orientales vinieron "She cries your name" y "I wish I never saw the sunshine" para generar la catarsis del público. Mas aún cuando "Couldn't cause me harm" y "Stolen car" fueron aceleradas a tiempo de rock con reventada noise como para despertar al respetable que no pudo llenar el majestuoso RAH. La Orton, felizmente, terminó ganando el concierto por puntos.


domingo, 28 de octubre de 2018

Panorama Facho. De Brasil Estamos Bien Cerca


Me preguntan a veces cuando fue que el Perú se convirtió en este páramo sin partidos ni destino común ni intuición de futuro colectivo. Tuvimos diez años de terrorismo. Y tuvimos diez años de fujimorismo.

Las hordas de Guzmán nos hirieron profundamente y sacaron lo peor de nosotros. Nunca entendimos que Sendero Luminoso sólo pudo prosperar, como lo hizo, en una sociedad abismalmente desigual. Nuestra respuesta fue darle a un forastero el gobierno. Pero este extraño no se apellidaba San Martín ni era Bolívar. Era un hombre que había eludido impuestos en 34 operaciones inmobiliarias consecutivas y que no había explicado el destino de siete millones de dólares de los fondos de la Universidad Agraria, donde él había sido rector. Su nombre era Alberto Fujimori.

No importaba lo que había hecho ni importaría lo que hiciera: le dimos un cheque en blanco. Y una vez cumplida la tarea de normalizar la economía y descabezar a la cúpula del terror, Fujimori secuestró el país y montó el gobierno más corrupto de la historia. Su política de tierra arrasada, instituciones abolidas, contrapesos comprados o borrados, pudrición de la justicia, burdelización del Congreso, lo convirtió en el caudillo que el lumpen-electorado deseaba hace tiempo. Los hermanos Gutiérrez se habían encarnado en un solo hombre. Había un dejo del altiplánico Melgarejo en ese hombre que compraba congresistas cuando lo creía necesario y que tenía como socio mayor a un exagente de la CIA, traficante de ramas, protector de narcotraficantes y ladrón contumaz en cifras de seis ceros. Es a Fujimori a quien recuerdan con nostalgia los mismos que no pagan impuesto predial y viven en distritos que la sanidad pública debería declarar en emergencia. Es a su sucesora, heredera de todas las taras de su padre, a quien adoran los taxistas sin ley y sin taxímetros, los empresarios de las licitaciones dudosas, los jueces cotizados en bolsa, los fiscales que recuerdan cariñosamente a Colán y Aljovín.

Diez años de Sendero. Diez años de fujimorismo. Una veintena de años de barbarie. ¿Puede un país salir ileso de semejante experiencia?

Acabamos con Sendero, felizmente. Pero seguimos con la agenda nacional contaminada por el fujimorismo. ¿Hasta cuándo?

CÉSAR HILDEBRANDT
Extraído de "Hildebrandt en sus trece"

sábado, 27 de octubre de 2018

Review: MARIE DAVIDSON - Working Class Woman (Ninja Tune, 2018)


"No me juzguen por mis errores" (Marie Davidson dixit). Lo último en dark wave electrosónico llega cortesía de la canadiense Marie Davidson y su opus "Working Class Woman". 10 canciones en donde la Davidson se burla del mundillo que le rodea y repasa algunos tópicos tenebrosos de su rutina como artista sonora o trabajadora de las artes: su lidiar con los fans (can I roll your cables? I'm your biggest fan, I hear she always sleeps alone, cause she's fucked, who are you anyways?), con los galanes que se la quieren chifar, sus problemas psicológicos, etc. Marie a pesar de ser una de las puntales de la vanguardia electrónica contemporánea se ve que no se la cree. A alguien que ha trabajado como camarera para poder sustentar su música todo esto le ha de parecer una estupidez: la idiotez del artista realizado, del que ya la hizo. Hay bastante de eso y más en este "Working Class Woman", un título que le calza como anillo al dedo.

Sónicamente encontramos ecos de gente como los Throbbing Gristle más "pop" y la hornada de grupos techno que surgieron hacia fines de los 80 como Cassandra Complex, New Scene, Robotiko Rejekto, Friends of Charlotte, etc. Todo con su respectivo update gracias al IDM ambient que tanto amamos. Este es un documento heredero de la selecta tradición new wave fundada por héroes como Siouxsie & The Banshees, This Mortal Coil, Romeo Void, X-Mal Deutschland. Su lugar en las fiestas y discos más inquietas está aseguradísimo. 

"Working Class Woman" es un cachetadón que nos viene a demostrar lo poco que cambió la escena con sus poseros y arribistas cojudos de siempre. Para nuestra gracia -y la de la música- tenemos aún a maestras (y maestros) que como la Davidson encuentran exquisito placer poniendo el dedo en la llaga. Top 2018 en one.

Wilder Gonzales Agreda.





"Don't judge me for my mistakes" (Marie Davidson dixit). The latest in electrosonik dark wave arrives courtesy of the Canadian Marie Davidson and her opus "Working Class Woman". 10 songs where Davidson mocks of the world around her and reviews some shady topics of her routine as a sound artist or arts worker: her dealing with fans (can I roll your cables? I'm your biggest fan, I hear she always sleeps alone, cause she's fucked, who are you anyways?), with the hunks who want to fuck her, her psychological problems, etc. Despite being one of the mainstays of the contemporary electronic avant-garde she doesn't believe it. To someone who has worked as a waitress for being able to sustain her music all this must seem stupid: the idiocy of the fulfilled artist, of the one who already made it. There is lots of that and more in this "Working Class Woman", a title that fits like a ring.

Sonically we find echoes of people like the "poppiest" Throbbing Gristle and the batch of techno groups that arose towards the end of the 80s like Cassandra Complex, New Scene, Robotiko Rejekto, Friends of Charlotte, etc. All with its respective update thanks to the ambient IDM we love so much. This is an inheriting document of the selected new wave tradition founded by heroes like Siouxsie & The Banshees, This Mortal Coil, Romeo Void, X-Mal Deutschland. Its place in parties and in the most restless discos is pretty assured.

"Working Class Woman" is a slap that shows us how little the scene has changed with its usual posers and arrivistes/social climbers. For our grace -and that of music- we still have masters who like Davidson find exquisite pleasure in putting their finger on the wound. Top 2018 in one.


Wilder Gonzales Agreda.

viernes, 26 de octubre de 2018

JORGE HARO :. Hay artistas que desde la precariedad llegan a resultados similares a los que tienen acceso irrestricto a lo más sofisticado


por ELENA CABRERA
Extraído del libro ExperimentaclubLIMb0 - Proyecto iberoamericano de intercambio artístico y cooperación cultural (2009). Publicado con el título de “Si el estado se torna ciego, sordo y mudo habrá un discurso único”

Jorge Haro es un investigador, un hombre clásico, un caballero del sonido. Le interesa cuando la onda se hace luz y la música se comunica con lo material. Nacido en Buenos Aires, capital de Argentina, en 1963, se dedica también a dirigir el Fin del Mundo. Sí, a pesar de su delicadeza, Haro prepara un apocalipsis, del que también forma parte un Laboratorio de Investigaciones Multidisciplinarias de buenos aires, cuyas siglas, LIMb0, cede para el proyecto conjunto Experimentaclub LIMb0 que dirige junto a Javier Piñango.

¿Para qué necesitamos un encuentro de música experimental cuando se trata de un género tan difícil de comprender?
Para dar cuenta de un mundo amplio, complejo y fascinante. No se trata de comprender sino de tener una experiencia no reglamentada, sin estereotipos.

Pero esta música interesa sólo a unos pocos.
En relación a la palabra interés diría que los términos “poco” o “mucho” dependen de un sistema de valores y eso los relativiza. Las actividades ligadas al arte sonoro y la música experimental en muchos casos orbitan el mundo del arte contemporáneo, es decir, no son populares pero tampoco son necesariamente un ghetto. Los espacios de representación suelen ser los del circuito del arte (museos, centros culturales, espacios públicos, etc.) y tienen público, lo que sucede es que los medios de comunicación, por lo general, tienen poco o ningún interés en difundirlas (por desconocimiento, intereses económicos o por desidia), lo que hace que, a nivel mediático, la acción sea casi invisible.

A mí me parece que “arte sonoro” es una etiqueta poco sugerente. ¿De qué otra manera se le podría llamar para que no parezca aburrido y un neófito se anime a aventurarse en ese terreno?
A mi me gusta mucho la etiqueta arte sonoro. Es amplia y profunda. Además implica la idea de intermedia y de hacer interdisciplinario. Los humanos somos los que le sumamos aburrimiento a las cosas. Yo no trabajo para que la gente no se aburra. Sería muy pretencioso de mi parte y además no me parece justo privarnos de esa sensación tan humana. Nos podemos aburrir con arte sonoro, música pop, Bach o al respirar cada día.

¿Tú mismo te aburres en algún concierto?
¡Claro que si! No encuentro ningún problema en eso.

¿Qué le preguntarías a un espectador, aburrido o extasiado, tras un concierto de Experimentaclub LIMb0?
En general no pregunto, prefiero escuchar. Suele haber comentarios interesantes y otras veces no se dice nada. Me interesa cuando esto último sucede porque estas propuestas, como la mayoría de la música instrumental de concierto, son difíciles de verbalizar. La experimentación en un concierto de Experimentaclub LIMb0 no es patrimonio del que propone o propaga sino también del que escucha y experimenta con sus sentidos, buscando nuevas formas de percepción que alteren el proceso cognitivo.

Una parte importante de la programación de Experimentaclub LIMb0 es audiovisual. ¿Qué es ser audiovisual en el 2010?
Ser audiovisual o interdisciplinario no es nada nuevo. La idea de intermedia, de un cruce entre los medios expresivos y de producción, fue esbozada por Dick Higgins -un artista Fluxus- en la década del 60. Está claro entonces que “lo que cruza” domina el hacer artístico contemporáneo. Es habitual que artistas que vienen del sonido produzcan sus videos, diseñen sus páginas web, etc. O que artistas formados visualmente “pinchen” música o monten instalaciones sonoras. Esto ya está absolutamente incorporado, es parte de la praxis contemporánea.

¿Dónde crees que están sucediendo los cambios más arriesgados en la música experimental latinoamericana?
Quedé muy impresionado con algunos artistas peruanos, el caso de Christian Gallarreta, César Gabriel Castillo Agüero, Rolando Apolo, Paruro, Wider González Agreda. Gente que trabaja con software libre, circuit bending, desechos tecnológicos y que ocupa las calles para hacer música experimental. Encontramos escenas arriesgadas en distintos países (México, Colombia, Brasil, Argentina, Ecuador, etc.) Desde mi punto de vista un cambio muy importante es que se han vencido viejos prejuicios y, hoy por hoy, conviven autodidactas con académicos, jóvenes y consagrados donde lo interdisciplinario cruza el horizonte hacia un universo de
heterogeneidad.

¿Dónde hay una mayor parálisis?
En los países más postergados, social y económicamente. Aquellos que han sufrido dictaduras largas y penosas, vaciamiento económico, sometimiento..., esto último le compete a gran parte de América Latina pero en algunos países ha sido más devastador que en otros. De todas formas, siempre hay alguien trabajando por aislado que esté. Es curioso, hay artistas que desde un contexto de mucha precariedad llegan a resultados similares a los que tienen acceso irrestricto a los medios de producción más sofisticados y a la información. ¿Por qué será?

...

¿Has reflexionado sobre cuál es la mejor manera de contar la experiencia iberoamericana al mundo? ¿No ha de ir la transmisión de la música unida a la explicación de la cultura y la historia de su ciudad o su país? 
Hay cosas que no son necesarias de explicar porque son propias de la cultura que las ha generado y eso hace la diferencia, es su valor agregado. Entiendo que más allá de lo universal que pueda ser el discurso del arte sonoro y la música experimental hay perfiles artísticos propios, localizados, que son producto de haber vivido, respirado, comido, odiado y amado en una ciudad, país o región. Partiendo de esto, creemos que la mejor manera de contar la experiencia iberoamericana en otras partes del mundo es a partir de la difusión de obras, conferencias, talleres o publicaciones.


¿Existen diferentes velocidades en los distintos países que participan en Experimentaclub LIMb0?
Está claro que hay una relación directa entre grandes urbes, población y producción. En este sentido hay un eje de norte a sur integrado por Ciudad de México, San Pablo y Buenos Aires. Pero también he encontrado mucho interés y actividad en Bogotá y en Lima, lo mismo que en ciudades más pequeñas como Valparaíso o Manizales.

¿Cómo funciona el underground en latinoamérica? ¿Hay redes de creadores, de intercambio de música? 
A mi no me gusta mucho la palabra underground porque está un tanto pasada de moda y es confusa. Además, ¡hay tanto mainstream con etiqueta underground en la industria cultural!

Es que en España la hemos vuelto a poner de moda, quizás como reacción a la etiqueta independiente, que ya no significa nada.
Creo que en Latinoamérica hay muchos artistas que buscan alternativas para gestionar su obra pero sin dejar de tener en cuenta lo institucional, como así también el sótano oscuro que románticamente se relaciona con el underground. Creo que actualmente todo está mezclado y que lo que antes entendíamos como underground hoy es, claramente, autogestión. Hay muchos ejemplos de esto en Latinoamérica, el sello Aloardi en Lima, el ciclo Instantes Sonoros en Buenos Aires y un largo etcétera.

¿Cómo se entiende la cultura libre en Latinoamérica? 
De una forma distinta a la de los países centrales. En Latinoamérica no solo se trata de control o de intereses económicos sino también de supervivencia. Por ejemplo: los net-labels latinoamericanos no solo difunden obra con licencias Creative Commons porque creen en la libre circulación de información, sino también porque es una forma de hacer visible, para América y el mundo, una producción que, por lo general, los países centrales niegan u omiten. Esto mismo les cabe a muchos países europeos como Portugal, Grecia, lo que eran los países del este y, en menor medida, España...


lunes, 22 de octubre de 2018

20 años del E.Muss de EVAMUSS .: 20 años de desvaríos, sonidos y violaciones

Hacia Setiembre del lejano 1998 vio la luz aquel prístino cassette de post-rock, IDM y ethereal-noise en una escena peruana asaltada por darks, metalheads y demás. 

Quienes estuvieron en los conciertos o llegaron a comprar/piratear la histórica cinta que publicara EVAMUSS  (proyecto del músico rimense Christian Galarreta) en 1998 lo saben. Por primera vez en este país estábamos a la par de lo que se estaba licuando en los cerebros de los jóvenes más inquietos del planeta. El fantasioso Post-Rock, la electrónica experimental IDM cruzada con el rock y la vanguardia etérea guitarrorista. Es cierto chicx de kromo dos milero no solo el kraut setentero y el indie rock de siempre se licuaban en los cerebros de los músicos "under" del Perú de los 90. Pero como habrás notado HOY ningún medio alterno ni aquellos que gritan ser el link entre el mainstream y lo underground otorgan el valor ni estima que se merece a esta crucial efeméride de la escena nacional. Los 20 años del E.Muss nada menos. Como siempre si no lo hace Perú Avantgarde no lo hace nadie... 

(Acápite aparte: una pregunta que me asalta hace ya un tiempo y que va cobrando fuerza es si realmente a esta gente, periodistas, nuevos críticos y melómanos les interesa la escena avantgarde nacional. Por sus posts en las redes y conversaciones en las Ferias en donde saltan de los Turbo, Olaya y Kanaku a Sajjra, Silvania o Hipnoascensión uno estaría tentado a creer que sí. Pero hoy comprobamos que es pura falacia. Y el grueso del público rockero peruano se les parece embobados como están por "genios atemporales" tipo Libido, Pedro Suárez Vertiz, Inyectores, The Smiths, Nirvana, etc.)  

De todos los cassettes (o álbumes) que surgieron al amparo del "manifiesto evolutivo" (Hákim de Merv dixit) de CRISÁLIDA SÓNICA, muchos coinciden en que el "E.Muss" es la cúspide de la vanguardia nacional hecha en estas latitudes. Algo que hoy podrás, fan de da blog, corrobar (o negar).

Pude ver algunos conciertos del EVAMUSS de aquellos días, antes de que se tornara decididamente digital y electrónico, y realmente era una bienaventuranza rozar el nirvana gracias a sus cascadas de guitarras, sus armonías y ritmos ingenuos e infantiles y la naturalidad con que coloreaban tu corazón.




Veinte años después algunos músicos de la escena han aprendido de Evamuss y cía y podemos disfrutar sin movernos de la ciudad de conciertos triperasos y discos peruanos transgresores y celestes. Gracias por todo música y gracias a la vida que nos dio el cielo y a genios como Evamuss20 años de desvaríos, sonidos y violaciones. 

EVAMUSS 
E. Muss
1998

En cierta ocasión, el prolífico Christian nos dijo: "Imagina que DiosMeHaViolado fue una oruga: en ese caso, Evamuss ya es la mariposa".
 
Ese concepto de cambio es aplicado de manera magistral en el Alustru(Bla)3, pero lo hecho por Evamuss (ahora dúo con Fabiola Vásquez) en su reciente E.Muss (fines del 98) es sensacional. Superando las expectativas, la dupla logra un disco que fluctúa entre el post-rock y la electrónica contemporánea, un plástico que se acerca prodigiosamente al ideal de mixtura influencial, combinando ambos géneros de un modo inopinado.

Un tour de force encapsulado en 38 minutos. Así de conciso.




"Entretour" (tema de DiosMeHaViolado) nos da la bienvenida en su híbrida versión definitiva, preparándote para lo que vendrá posteriormente. El artificioso "IQ" no pierde de vista los timbres post-rockeros, pero su voz a los Silvania revela la filiación: puedes considerar este track como un surco perdido del Juniperfin (1997). "Io Ea Ioao" prolonga el espíritu de la fusión, un canal post-rock invadido por organismos electro. "Adeleyte" da el viraje hacia los predios "tecnológicos" del celebérrimo Richard D James (a) Aphex Twin, mientras que el decididamente shoegazing "Xul" cierra la placa completando la experiencia astral de armonía con Lo Absoluto. presumiblemente en un afán por captar la música encerrada en Marcahuasi. ¿Muy huachafo? Quizá, pero también sincero. Sencillamente genial. Aguardamos por más.


HÁKIM DE MERV
Revista Sub, 1999


Evamuss es uno de los múltiples proyectos de Christian Galarreta, músico experimental peruano que actualmente vive en Francia; fue parte de Crisálida Sónica el movimiento musical underground de mediados de los 90s en Perú que fue en su momento tal vez la escena mas vanguardista hecha en Latino-américa y que aun de cuando en cuando resurge trayendo sorpresas.

Aunque este álbum es de 1998 , Galarreta ya llevaba bastante tiempo, paseándose entre el Noise el Post-rock y el shoegaze. Este álbum fue el que tuvo una inclinacion mas Shoegaze, luego de eso Evamuss pasaría a terrenos más electrónicos y experimentales; así como muchos de los proyectos musicales peruanos de esa época las condiciones de grabación y musicalización tenian una orientación lo-fi más que todo por falta de recursos, por eso, recurrían a la experimentación y a la exploración de lo que tenían a la mano para crear música, lo que salió de ahí, fue la búsqueda de una belleza musical más subjetiva, más humana, y más emocional a través de la experimentación. Al final de todo este álbum lo logra y logra captar además de eso un momento y un espacio en el tiempo

1 .Entretour
2 .Iq
3. Io Ea Ioao
4. Adeleyte
5. Xul


JAIRO MANZUR
Latinoamérica, Sonidos que Permanecen (2012)


domingo, 21 de octubre de 2018

CÉSAR LÉVANO .: Todo gran pensamiento es profecía


Por REBECA DIZ
Extraído de "Hildebrandt en sus trece". Originalmente publicado como "Lévano con nuevo perfil"

César Lévano vive en el Rímac, en la misma casa de tres pisos que levantó junto a su amada Natalia hace más de 50 años. Desde que murieron su esposa y su hijo Rainer, Lévano se instaló en el primero y allí vive rodeado de sus libros. Sus únicos muebles son un escritorio repleto de recortes y periódicos, un par de viejas sillas y una cama. No se queja. Se curtió en las cárceles de El Frontón y el Panóptico, a donde fue a parar en varias ocasiones en los años 50 por comunista y defender los derechos de los trabajadores. No se arrepiente de nada. "Lo volvería a hacer", dice.

...

Poco han cambiado las cosas...

- Han empeorado. En el libro que estoy preparando, "Historia del movimiento obrero", se ve que a principios de siglo, exactamente en 1955, un obrero peruano,un textil, podía comprar con el salario del día siete kilos de carne. Está la lista de precios en un artículo publicado en el periódico anarquista "Los Parias". ¿Qué obrero puede comprar ahora siete kilos de carne con un sueldo mínimo dividido entre 30 días?

Usted no claudica...

- No, salvo las pausas de cuando me alojaron en hoteles de cinco estrellas como El Frontón, El Sexto, la penitenciaría...

...

Fue muy amigo de varios de los mejores compositores e intérpretes de la música criolla que ha habido en el país. Pablo Casas, Alicia Maguiña o Manuel Acosta Ojeda, por ejemplo. ¿Cómo influyo eso en su vida?

- Yo crecí y viví en un callejón que aún existe (jirón Mapiri) hasta que tuve 30 años. En ese callejón se escuchaban muchas serenatas. Ahí llegaban andinos y se escuchaba la buena música andina. Fue un bautismo temprano. Y después, con la música clásica tengo una anécdota muy interesante, creo. Yo entré a trabajar en un momento de mi adolescencia como ayudante de un sastre cuyo negocio estaba en la calle Pileta de la Merced. El taller estaba en un segundo piso que colindaba con un cine y el sonido de las películas se escuchaba en la sastrería. ¿Y qué estaba de moda en ese momento? "Fantasía", de Walt Disney. Fue la primera vez que escuché a Bach. Me impresionó por la belleza. ¡Yo qué sabía ni quién era Bach!

Estamos hablando de cuando usted tenía 14 años...

- Sí, 13 o 14. Yo en mi casa no tenía luz eléctrica, nos alumbrábamos con lamparita, no tenía radio, no tenía vitrola.

Usted está describiendo una sociedad muy distinta. Los líderes sindicales, por ejemplo, estaban al tanto de lo que ocurría no sólo aquí sino en el mundo. Actualmente, entrevistar a un líder sindical supone ceñirse estrictamente al pliego de reclamos...

- Sí, el aumento de salario y punto. En aquellos años González Prada iba a los centros obreros y daba conferencias para los obreros. Antes los dirigentes leían y se interesaban. Yo recuerdo, por ejemplo, que una vez entrevisté a Julio Portocarrero, uno de los patriarcas de Vitarte, y me contó que cuando se enteró que estaba ardiendo la Biblioteca Nacional de la avenida Abancay, él se paro enfrente y se le salieron las lágrimas. "Yo pensé: acá se esta yendo un tesoro de cultura, de la historia, de la lucha de nuestros antepasados", me dijo. Eso revela el nivel de afecto por la cultura. Además, los anarquistas no sólo acá sino en todo el mundo, eran grandes promotores de la cultura, tenían bibliotecas obreras.

...


César Levano y Natalia

¿Cuándo cree que el Perú dejó de apostar por la cultura, por la educación?

- En las dictaduras. Me contó Juan Mejía Baca que tuvo una conversación con don Jorge Basadre, el gran historiador y maestro, y le dijo a don Jorge: "Maestro, estoy releyendo su obra ´Historia de la República´ para ver qué gobierno apoyó la cultura". Y Basadre le dijo: "No siga buscando. Ninguno".

...

¿Usted cree que de alguna manera el sistema, el orden neoliberal, está satisfecho con esta sociedad que no cuestiona?

- Y que no piensa. El gran potentado de Televisa, Emilio Azcárraga, dijo en una entrevista: "La televisión no necesita que su público lea". Además, añadió generosamente: "El telespectador, cuando llega a su casa, está cansado de trabajar. ¿Para qué lo vamos a fatigar más haciéndolo pensar?". ¡Un filántropo! Azcárraga fue un gran promotor del analfabetismo popular.

Antes de dejar la política, quisiera preguntarle por el histórico enfrentamiento entre el comunismo y el Apra...

- Haya fue marxista leninista. Hay una correspondencia entre Haya y Pavletich, cuando Pavletich estaba en Méjico. Esteban Pavletich, un peruano de Huánuco, muy jovencito, a los 20 años fue miembro del Estado Mayor de Sandino en combate. ¡Un peruano de Huánuco! Y vivió en Méjico, enviado por Sandino, precisamente. Y Haya le escribe varias cartas que Pavletich me las entregó a mí para que yo las publicara. Yo se las di a un librero y ese librero se las dio a otra persona, pero esas cartas eran mías. Ahí Haya dice: "Somos comunistas, pero no podemos decirlo por el momento". Es cierto, Haya ha sido un gran farsante con suerte. Un farsante culto, por supuesto, y afortunado. Su "antiimperialismo" terminó rápido.

Ustedes, los comunistas, ven en el Apra a los traidores históricos.

- Hay un crítico norteamericano, Harold Bloom, que dice que toda gran poesía es profecía. Yo diría que todo gran pensamiento es profecía. Si uno se pone a pensar lo que está pasando ahora con la corrupción, piensa en lo que decía Manuel González Prada. Había puesto el dedo en la llaga...


sábado, 20 de octubre de 2018

H R 3 0 0 1


El hombre se encuentra en la esclavitud de la materia y su conciencia está limitada debido a su forma de pensar y vivir ilegítima. Así, se está abriendo cada vez más hacia la fosa de ignorancia, necedad y arrogancia humana. Un hombre que esté espiritualmente vacío es el ser más involucionado del planeta, que se ha orientado x completo hacia la vida material, x lo que pensará, actuará y vivirá de acuerdo con su ambiente, que es lo mundano. Quien sólo se ocupa de cosas materiales ya no puede abandonar su mundo de pensamientos. A causa de esta forma de vivir errónea está constantemente rodeado de su mundo de vibración inferior x él mismo creado y que a la vez las despierta en el prójimo que se encuentra en el mismo nivel vibratorio o las proyecta hacia el ámbito atmosférico. La degradación moral que consume a todos estos seres, no sólo en Perú sino en otras partes del globo, es lo que alimenta a los corruptos. Todo ello se acabará en menos de lo que ellos mismos piensan. Estamos en el tiempo en el que todo ya empieza a salir a la luz y la naturaleza va a responder debido a las cargas que envían estos seres hacia la atmósfera. No duden de ello◙Escuela Cósmica de Vida Universal son programas radiales editados en Alemania que se emiten cada sábado x 760 y 1360 AM a las 10 de la mañana y online x: http://www.radiobienestar.pe◙



La energía prisma de THE VERY SMALL se transluce vía su actual single +clip: Bad Ship, Good Ship, pieza que nos lleva hacia el Manchester de la saga de los 80´s y con cierta melancolía sadcore-soundscapes que con sus 5:53 minutos mantienen inmerso al oyente y cuya vocalización va en paralelo a una introspectiva contemplación que captura sin más ni más.◙ La escena post-industrial + IDM, ambas, reviven desde Chicago gracias al proyecto de Ania Tarnouska como I YA TOYAH y cuyo single Glass Eyes está incluido en su álbum de 10 tracks,configurado en 38 minutos: Code Blue. Un satélite cuyos riffs de guitarra ponen cierta atmósfera dark y en un paralelismo a la dinámica de la voz como a lo apresurado de los sintes que subyuga a más de uno◙



Contaminación psíquica desde su nave errática y pasiones encontradas hacia el EBM que impuso NITZER EBB lo ha traido de vuelta con su plus de piano: RAMI KHALIFE vía su single Continuum, pieza hedonista y transgresora que incluye al inicio del clip la frase: No placer, No gloria, No poder: Libertad, sólo libertad, del portugués Fernando Pessoa. RAMI ha sido co-fundador de AUFGANG y anuncia su o.v.i en álbum Lost para el 6 de noviembre◙



Tras la reconstrucción de su órbita dentro de su energía decodificada y reajustada retorna después de 3 años ST. JIMI SEBASTIAN CRICKET CLUB, quinteto sueco de presencia estelar en cada pub-rock de su país y que ya tiene editado su single I Still Get Th Calls para Beluga Records. Lo de ellos es tonadas y melodías infecciosas que capturan en espiral energética ascendente, sí y a MORRISSEY también◙ El combo en vena instrumental THE FOG ENSAMBLE, proveniente de Thessaloniki en Grecia, deja huella con su LP Throbs que incluye su actual single Lighthouse, track que abre el esférico con sus 5:10 minutos de duración sistemática◙



DOMICILES, quinteto escocés denro del psyche-trippy, posee sus propios arcanos que son su fuente de inspiración pero también viajan hacia el pasado dentro de un retrovisor de la saga de los 60´s y    70´s. Un combo totalmente y alturadamente sincopado y capaces de sumergirse ellos mismos y a sus seguidores en su mundo de amebas multicolores y lumínicas. Only You es el track que promueven◙ El dúo ii, proveniente de Nancy/Francia, tienen ya editado su álbum Lighthouse y ha sido bien trabajado x ambos: In Zic y John H. Harrington que inclusive parece haber sido grabado dentro de una cueva plena de crisálidas empolvadas pero iridiscentes. Dust Bowl es su actual single◙




Gales no se queda atrás con el resurgimiento de la escena trippy-rock y tiene en RED TELEPHONE a uno de sus representantes más visible. Su actual single Victoria Park se distingue del predecesor, Kookly Rose, pues es una reminiscencia de la infancia y en paralelismo a la contemplación del aquí y ahora◙ En Croatia el combo EMBASSY 516 se le aprecia desde el art-rock marinado con cinematic-soundscape como lo expresan en su single Ghosts, elaborado además en una expansión de experimentación y exploración sistemática◙




El combo español THE PARROTS derrocha garage-rock x sus cuatro costados. Su música tiene una alta sublimación que cala en la mente del auditor. Su presencia es magnética x donde vaya y durante sus conciertos es más aún. Ellos proyectan ya su single My Love Is Real◙ Eltrippy-rock de PSYCHIC LOVE está centrado en la voz de Laura Peters y en las mezclas opcionales de diferentes estilos: grungy, dreamwave, footsteps y chanson que hacen un todo sensacional. Go Away Green tiene toda esa riqueza sónica para apreciar◙



A continuación más clips de la escena indie que x estos días dan de que hablar:





SCANNER

SAGA DE COVERS INESPERADOS.





ELÍXIR MENTAL
SAGA DE LOS 80´S





VIXOR DE MEMORIA
SAGA DE LOS 90'S





POWERPOINT
SAGA DE LOS 2000´S



En estos tiempos de caos del planeta ya no es suficiente llegar a la luz, es necesario transformarse en ella◙STOP!

UN PLUS:

 

jueves, 18 de octubre de 2018

25 años del Prazision de LABRADFORD :. Ruidismo & Post-Rock Para Cabezas Psicodélicas


En 1993 tenía 16 años y no imaginaba lo que el amor por la música tenía preparado para mi. Algunos en Lima city vivíamos los tiempos del shoegaze de MBV, Slowdive, Swallow y demás y empezaba a llegarnos info de bandas alucinantes bajo la etiqueta de post-rock o vanguardia. La internet empezaba y fue un oasis para encontrar data selecta. Lo mejor era que únicamente había cultura o al menos el 80% de la world wide web era eso. 0 marketing, 0 idioteces. Harta data que leer, investigar, explorar como un niño solitario con sus dulces. Una de esas bombas que aterrizaron en nuestras mentes sería la dupla -luego trío- de Richmond, Virginia LABRADFORD y el exhubarente, enigmático y ruidista -a despecho de los industriolos/gabbers de la época- álbum "Prazision" (Kranky, 1993)

Desde el inicio la portada te interrogaba con lo que podía ser bien una pieza de mecánica o de laboratorio adornando la carátula. Y ese nombre tan peculiar "La-brad-ford". Las fotos que corrían de ellos por esos años en la prensa alternativa y en la internet eran alucinantes. Tipos con un semblante de filósofos pesimistas, flacos perdidos en su locura nihilista. Herederos de Wittgeinstein. La música de "Prazision", tan ambiental -nula percusión ni bajos- pero con esa dosis de psicodelia sedosa que lo emparentaba con gemas como el Playing With Fire de Spacemen 3 o el Another Green World de Brian Eno, destilaba hermosas canciones que se incrustaron instantáneamente en el alma de miles de post-rockers: "Soft Return", "Splash Down", "Disremembering", "Accelerating on a Smoother Road".  Y digo más: de aquí nacieron bandas/proyectos como Stars of the Lid, GodspeedYou! Black Emperor, Explosions in the Sky, Grouper, Tim Hecker, Growing, Fennesz, etc. Tal la grandiosidad de este tesoro. 




Las exquisitas voces de Mark Nelson y sus destructoras melodías, las atmósferas suicidas/aislacionistas/guitarroristas, las sonoridades obtenidas de unas cuantas herramientas (teclados, pedales, loops de cinta) y, evidentemente, la real actitud transgresora esculpieron paraísos perdidos y una escena acorde en medio planeta. 25 años han pasado y hoy el capitalismo gentrificó y corrompió todo y aún así nadie podrá negarnos el honor de haber pisado esos nuevos mundos antes que miles de miles y saben qué chicos y chicas de kromo, no sé si es demasiado tarde como dicen por ahí -guess what time it is, it's fucking late!!!- pero lo que sí sé con certeza es que nadie jamás nos quitará lo "bailado". 

Música por la cual valía la pena vivir.


Wilder Gonzales Agreda.

25 Years of LABRADFORD's Prazision :.  Noise & Post-Rock For Psychedelik Heads




In 1993 I was 16 years old and I could not imagine what the love for music had prepared for me. Some folks in Lima city lived the shoegazer times of MBV, Slowdive, Swallow and others and began to get info from amazing bands under the label of post-rock or avant-garde. The internet started and it was an oasis to find select data. The best thing was that there was only culture or at least 80% of the world wide web was that. 0 marketing, 0 idiocies. There was a lot of data to read, investigate, explore as a lonely child with his sweets. One of those bombs that landed in our minds would be the duo -later trio- of Richmond, Virginia LABRADFORD and the lushy, enigmatic and noisy -despite the industrial/gabber heads of the time - album "Prazision" (Kranky, 1993)

From the beginning the cover interrogated you with what could be a piece of mechanics or laboratory adorning the sleeve. And that peculiar name "La-brad-ford". The photos that ran of them those years in the alternative press and on the internet were amazing. Guys with a semblance of pessimistic philosophers, skinny folks lost in their nihilistic madness. Heirs of Wittgeinstein. The music of "Prazision", so ambient -no percussion nor bass- but with that dose of silky psychedelia that related it to gems like "Playing With Fire" by Spacemen 3 or "Another Green World" by Brian Eno, distilled beautiful songs that were embedded instantly in the soul of thousands of post-rockers: "Soft Return", "Splash Down", "Disremembering", "Accelerating on a Smoother Road". And I say more: from here are born bands projects like Stars of the Lid, GodspeedYou! Black Emperor, Explosions in the Sky, Grouper, Tim Hecker, Growing, Fennesz, etc. Such the greatness of this treasure.




The exquisite voices of Mark Nelson and his destructive melodies, the suicidal/isolationist/guitarorist atmospheres, the sonorities obtained from a few tools (keyboards, pedals, tape loops) and, evidently, the real transgressive attitude sculpted lost paradises and a scene agreed in half the planet. 25 years have passed and today capitalism gentrified and corrupted everything and yet nobody can deny us the honor of having stepped on these new worlds before thousands of thousands and you know what boys and girls of khrome, I don't know if it's too late as they say out there -guess what time it is, it's fucking late!!! - but what I do know with certainty is that nobody will ever take away what we "dance".


Music for which it was worth living.



Wilder Gonzales Agreda.

BRAINWASHED: El álbum debut de Labradford, así como el primer lanzamiento de Kranky, se publicó originalmente en octubre de 1993 con una sorprendente cantidad de aclamación, así como un poco de confusión. ¿Cuál fue la confusión acerca de la creación de estas atmósferas sin ritmo con canciones pop que tuvieron muy poco que ver con el "indie-rock" contemporáneo? El álbum fue típicamente agrupado en subgéneros recién acuñados, tales como "lo-fi" y "post-rock", aunque no hubo conexión con ninguna de esas escenas imaginadas. Lo-fi? Se puede escuchar a Mark Nelson respirar entre líneas vocales por amor a dios. Debe ser la falta de platillos y hi-hat que justifican esa falacia. Post-rock? ¿Esta frase general para grupos y sonidos musicales dispares, incluso implica algo concreto o abarcador? Por desgracia, sólo otra etiqueta que rápidamente se convirtió en sin sentido.
Lo que es claramente evidente al escuchar el álbum de nuevo es que este no es un trabajo anticuado o obsoleto de ninguna manera. Se podría haber grabado en 2003, o 1983 para el caso, como en 1993. No contiene ninguno de los marcadores tan típicos de la música pop que lo ubicaría en cualquier marco de tiempo, sin toques de producción o sonidos instrumentales que lo identificaría como producto de un período específico. Por lo menos, Labradford creó un trabajo atemporal, uno que aún desafía al oyente de hoy. Más al punto, crearon una obra maestra.

"Una obra impresionante, brillantemente concebida y ejecutada". Alternative Press.

"Labradford ha creado un entorno único, completamente único y autocontenido. Es fascinante y edificante en el sentido más puro de la palabra "psicodélica", y también es uno de los mejores discos del año". The Bob.

"No es diferente a aterrizar en un planeta alienígena donde la atmósfera está mezclada con éter. Los destellos, los remolinos y la reverencia por la pureza tonal lo convierte en la última novedad para la meditación esencial para el trance". Request.

"Demasiado débil para ser un pudín de aire del new age, demasiado absorbente para ser ambient, demasiado insípido para ser algo como el rock, Prazision LP es una rara avis: un nuevo tipo de música hecha con herramientas antiguas". CMJ.


viernes, 12 de octubre de 2018

Oktober muziq news/////post, shoegaze, kraut, electronica and +


/Forthcoming AMP Entangled Time/
Finally after many twists and turns, a new Amp record is being released digitally on the 23rd Nov 2018. Other formats will follow in the new year, we have teamed up with the Sound in Silence label again for a ltd ed Cdr version and we will be making a 10” lathe cut of the 2 main tracks. We will be launching a Pledge Music campaign shortly to release a Ltd edition 12” vinyl version.
Also to be released a 10" lathe cut single, limited edition of 30, of the 2 main tracks, due Jan 2019, alongside a Ltd ed CD(r) release on the greek label Sound in Silence. We will be also launching soon, a Pledge Music campaign to produce a ltd edition 12" vinyl album of 'Entangled Time'


ITS ABOUT TIME
Emerging out of the extended recording sessions for a new studio album, this concise album (or maybe a soundtrack album) presented itself, serving as a soundtrack or pointer to the ongoing work in the studio. It is the first brand new collection of work by Amp since 'Outposts' 
Over 5 tracks and 44mins this record shimmers, drifts, drones, pulsates and drives, twisting in perceptual time.





/HOLYGRAM - Modern Cults/
German post-punk shoegaze outfit HOLYGRAM has announced their long-awaited debut LP ‘Modern Cults’. Comprised of eleven tracks, this album will be released on CD and double vinyl, as well as digitally via Cleopatra Records, on October 19.
This is the first major release for the Cologne-based outfit since their 2016 self-titled EP. Here, the collective blend new wave and Krautrock with post-punk and shoegaze to achieve headstrong multi-layered bliss. This is a thoroughly contemporary homage to the sound of the ’80s with a resolute look to the future - the result is driving, dark and catchy.
Produced by Maurizio Baggio, who also produced The Soft Moon’s 'Deeper' and 'Criminal' albums, this long-play was recorded at Cologne’s Amen Studios.
HOLYGRAM is Patrick Blümel (vocals), Sebastian Heer (drums), Marius Lansing (guitars), Pilo Lenger (synthesizers) and Bennett Reimann (bass). Formed in 2015, the band's approach to making music references the past, while remaining future-oriented. Hard-to-combine elements cleverly come together to become the soundtrack of a city that appears threatening in the twilight.





The new album intensifies HOLYGRAM‘s contemplation of themes such as big cities, alienation and anonymity, hope and memories, love and identity. These reflections interact closely with the band’s unmistakable signature sound. Atmosphere oscillates between the brutal sounds of the big city and the fragility of the people that lose themselves in it – intelligently observed scenarios of a world falling apart in which individuals have long ceased to play a leading role.
The lead track 'Signals' is cloaked in a new-wave guise that belies an emotionally torn lyric, elevating the deeply melancholy chorus (“Sometimes when I close my eyes I see you walk away / And everytime the sun comes up the feeling is the same”) to a pop-like anthem, illustrating that in this world people are only cogs in a much bigger, increasingly autonomous machine.
The band recently accompanied British synthpop legends OMD on their 2017 European tour and have played numerous festivals, including Mailfeld Derby, Wave-Gotik-Treffen and New Waves Day. Wrapping themselves in dense wafts of mist and cool lighting on stage, they've made quite a name for themselves on the live circuit.
As of November 9, the 'Modern Cults' LP will be available everywhere, but can already be ordered via Cleopatra Records on CD and vinyl, and also digitally via Bandcamp. The album will be released in Europe via Oblivion / SPV.
HOLYGRAM will be touring Europe and US/Canada this fall with one of the biggest electronic bands on the planet, VNV Nation, as well as DE/VISION for the North American tour. They will hold two release shows - the first, in Cologne on Nov. 9, marks the end of their European tour, while the Los Angeles release show on Nov. 14 (at The Viper Room) kicks off their North American tour.


/STARFRAMES/
Gracefully standing somewhere between dreampop and new wave, Nicht Vergessen is made up of 15 finely cheselled songs, each one of whom is directly related to the homonymous chapter of the novel, written by Raphael Bramont, voice and guitar of Starframes, that will follow the album release. The story takes place in Berlin from the 1940s up to contemporary days and gives a wide view on modern society by following the dramatic life events of main character Friederich Braun.




Active since 2004 and based in Naples (Italy), Starframes released their debut album Street Politics in June 2009 (Mile High Music Records, UK), follow-up Ethereal Underground in January 2011 (BulbArt, IT), and self-produced EP Unwired in summer 2014.
Nicht Vergessen will be released on 26th November via Bulbart (IT) and Thinkbabymusic (GR).


/Podcast by Ancient Methods/
Ancient Methods makes some of the meanest techno around, despite barely going much faster than 120 BPM. Once a duo with Conrad Protzmann but now the solo project of Michael Wollenhaupt, the Berlin-based act is among the most distinctive in techno, thanks mostly to the sheer power and colossal sense of scale of the records. The Ancient Methods sound is one of snarling grooves, apocalyptic atmospheres and tasteful hints of industrial and EBM—a now-trendy fusion that Wollenhaupt and Protzmann were championing a decade ago. Beginning with a string of EPs released on marbled vinyl between 2007 and 2010, Ancient Methods garnered a diehard fan base that buys up every copy of each new record. 
As a DJ, Wollenhaupt pushes a similar sound. The tempos are higher, but the ferocious grooves and rich sound design remain. A one-time resident of Tresor, Wollenhaupt channels that aesthetic on this week's RA podcast. Alongside many of his own productions, he mixes modern techno and EBM with the same blistering energy he brings to the club, traversing styles and moods with the expert flow he's honed over decades behind the decks. It's a rough ride—strap yourself in and prepare to sweat.





/FIREFRIEND - Yellow Spider/
Cardinal Fuzz and Little Cloud Records are proud to present to you - Firefriend - Yellow Spider. There was a thread in American music in the late 1960s that someone untangled across the U.S., then stretched over to Europe, where it took root in 80s shoegaze. It ties together bands as disparate as the 13th Floor Elevators, the Velvet Underground, Spacemen 3, Mazzy Star, Blonde Redhead, and Sonic Youth. It’s noise rock or psychedelic or shoegaze or doom: It’s the down-tuned sound of chaos and beauty, and while no one was looking, it also worked its way through the Americas and took root in Brazil under the name Firefriend. “Yellow Spider" makes two albums and an EP in just over a year from Firefriend as they show no intention of  slowing down and no need to even think of taking their foot off the gas.



"Surface to Air" opens "Yellow Spider" in the heavy, slow-burn approach, echoing the sound  that Firefriend have come to call their own. But by the time the title track comes around, midway through the record, the slow-burn has been replaced with a more aggressive up-tempo backing to the fuzzed-out guitars that continues through the epic closer, "Shutdown Your Electronic Hallucinations."  Listening to Firefriend is like unwinding a long dream you thought you'd forgotten. It sounds familiar but you don't recognize it. Tracks like "Ultra-Violet Thing" and "Juxtaposed Parallax" may have a little bit of early Sonic Youth in them--or maybe not. "Yellow Spider" comes at you like a strange trip laced with fat-riffed classic rock--but the rhythms tell a different story. There's a slow sense of forward motion that winds through the songs, like a traveler on horseback entering town; like a cloud of dust swirling along the road; like a snake uncoiling and moving out of the shadows.
Yellow Spider is pressed on Translucent Yellow Vinyl presented in a 350gsm reverse board sleeve sleeve with insert and download





/RUDE AUDIO/
London electronic music outfit Rude Audio are releasing their new 'Rude Redux' EP, which features five tracks that go down easy and brings you into sci-fi trance mode.  This new release sees the band refine their trademark sound, fusing their love of woozy dub with throbbing electronics. Here, house music, flecked with Arab and Indian vibes, also shamelessly cavorts with dub.
Earlier, one of the band's main inspirations, Andrew Weatherall, premiered several tracks from the new EP on his radio show. Not only should this EP appeal to fans of Weatherall, as well as Duncan Gray, Adrian Sherwood, On-U-Sound, Hot Chip, Jagwar Ma, The Orb and Future Sound of London.
Based in South London, Rude Audio is a collective with a history of putting on fantastic underground parties, releasing the occasional dubby Balearic opus, engineering for the disparate likes of Paul Weller, Lemon Jelly and Royal Blood and generally mooching about anywhere that doesn’t have bouncers or operate a dress code.
The core of the collective are Mark Ratcliff (whose releases have been played by the likes of Andrew Weatherall, Laurent Garnier, Kris Needs, Don Letts, Graeme Park and Rob de Bank, as well as BBC Radio 6's Nemone and Gideon Coe), Owain Lloyd (mixing engineer for everyone from Oakenfold and Weller to Niall Horan) and Dave [The Rave] Brennan (ex The End recordings and key player at tech house dons' label, Bombis).
Ahead of this release, Rude Audio previewed 'To The Sun', complete with a new virtual reality-inspired video, directed by Ali Ingle, as well as 'To The Half Moon', along with a new video created by Robert Bell. 
The EP represents a progression from Rude Audio's latest 'Rudest' EP. More hooks, more chug, and more Middle Eastern and Indian influences, while retaining an underlying commitment to the dubby end of the spectrum. Inspired by the more open-minded dancefloors proliferating in south and east London, where world music might brush up against techno, dub and indie dance, the 'Rude Redux' EP operates between 108 and 120 BPM – fast enough to dance to, slow enough to let the music breathe.
Inspired by the new, eclectic, lower BPM spirit found on more discerning south and east London dancefloors in recent years, the 'Rude Redux' EP has allowed Rude Audio to bury into its abiding love of dub, leftfield house and middle eastern sounds and weld everything to a chunky four-to-the-floor anchor.





The Rude Audio sound takes dub and house as its starting point and heads out into analogue electronic waters, where the chuggy, Balearic spirit of early 90s progressive house meets its more modern, low slung counterpart - think A Love From Outer Space, indie dance and nu disco.  
"Whenever we are producing and getting excited by our output, we always insist that things sound as good as early Future Sound Of London singles and remixes. More broadly, we continue to be inspired by the more open and eclectic dancefloors of the early 90s and their spiritual counterparts today. Long may the Balearic spirit continue to resonate," says Mark Ratcliff.
Rich Lane, one of the best underground remixers and producers in the UK electronic music, has also remixed this track. His tunes are spun by all the key players in the new Balaeric scene – Andrew Weatherall, Sean Johnson, Daniel Avery and Logan Fisher. His sound has spread across dancefloors such as A Love From Outer Space with some of his recent remixes already considered classics.
"Rich Lane's remix of 'Steady State' is our favourite remix of the last 5 years, and his remix of our own 'To The Half Moon' is right up there alongside it, in our humble opinion," says Ratcliff.
Rude Audio continue their residency at Flaxonptootch in Kentish Town, London, the first Thursday of every month, where art shows mutate into parties later in the evening. Rude Audio will host an EP launch party in early November supported by some special guests. More detail to follow.





/Banshee - Caw!/
Cardinal Fuzz are proud to introduce to you Banshee and their debut LP - Caw! Hailing from Boston and blazing red hot cinders through your eyes Banshee channel widescreen, kick out the jams motherfuckers psyche-rock-a-rama with a singer doing his best to channel both Iggy and Stiv.  Yes they rock like crazy and play with the fired up fury of not just The Stooges and MC5 but also the off kilter sounds of Destroy All Monsters too (check out the outro of Devil’s Eyes) as they let their freak flag fly. So while they play with fired up fury and the sound of breaking glasses can be heard Banshee also can dig into a groove (with 5 of the 7 songs going over 5 minutes) as they take it as far as it can go in much the same way that jazz-inspired bands like Can or Amon Düül II did, but with zero jazz pretension and maximum American rock riffage.
A special 120 only European Edition Black vinyl presented in a 320gsm gloss laminated wide spine sleeve with insert and download. 
”BLAZING RED HOT CINDERS THROUGH YOUR THIRD EYE. PEANUT BUTTER WITH ADDED RAMA LAMA - THIS IS THE SHIT..” Optical Sounds

/SUGAR JOHN/
We are Sugar John and we make rock music and this is our video.
You should check it out because we are from the future. Also, we crafted this video after spending millennia staring into the clear and undying light. 
For eternity, it shall consume you. 


martes, 9 de octubre de 2018

No es tiempo de declinar: Vanguardia + Revolución

FAMILIA FESTEJA EL TRIUNFO DEL RACISTA BOLSONARO EN BRASIL.
UNA DE LAS FRASES MAS CONOCIDAS DE BOLSONARO ES.
"LOS NEGROS NO SIRVEN NI PARA REPRODUCIRSE, SOLO SALEN DELINCUENTES"

"¿Y dónde están los intelectuales? ¿En qué torre se callan, desde qué azotea de suicidas nos miran como si con ellas no fuera la cosa? Julien Benda habló de la traición de los intelectuales que permanecieron distantes de lo que él consideraba ámbito intrínseco de su actividad: la trascendencia, los valores, los fueros de la cultura y el espíritu. Los nuestros no es que hayan traicionado su papel de "clérigos" -ése fue el término lato que empleó Benda- entregándose a la política y a la banalidad de sus revueltas. Los nuestros han construido castillos de lego, egoísmos ínfimos, avideces de pasado mañana. Y todo para que la cultura oficial los tome en cuenta, para que las fundaciones frívolas los inviten. Para que el poder, en suma, no frunza el ceño" 
CÉSAR HILDEBRANDT




“Tu confusión es ilusión/Y la contradicción/Es energía eléctrica/La chispa de la rebelión/En esta ciudad de trampas/De komunes/Y tiempos muertos/Tus ojos aún brillan”
- Cocó Ciëlo


domingo, 7 de octubre de 2018

H R 3 0 0 1


LOS 7 SOLES PRISMÁTICOS Y LA GIGANTESCA MECÁNICA CELESTIAL. PARTE SEGUNDA. Los 7 soles prismáticos son los transmisores de energía que transmiten las fuerzas etéreas del Sol Central Primario a las diversas esferas. Toda la creación se mueve x lo tanto en 7 planos básicos, en 7 enormes cielos de luz alrededor de la Estrella Central Celestial, el Sol Central Primario. Es decir que en los 7 mundos celestiales hay siete dimensiones. Sin embargo, el acontecimiento puede ser vivido y visto sólo x un  verdadero iluminado. Este también puede percibir la música de las esferas que se produce x el fluir de las 7 x 7 fuerzas que traspasan los mundos celestiales. La música de las esferas es la eterna armonía del Espíritu Universal en la que se mueve toda la Creación. Todo es sonido, todo es sinfonía. El universo espiritual se parece a una orquesta, es denominada la armonía universal Dios. Las diversas fuerzas influyen unas sobre otras y así se fecundan mutuamente. Es decir que un plano celestial irradia al otro x lo que está garantizada la armonía y la unidad absoluta◙Vida Universal, Escuela de Enseñanza Cósmica, emite sus programas para tu evolución espiritual en estos tiempos del planeta cada sábado desde las 10:00 de la mañana x AM 760 y 1360◙


El combo RIVAGE ilumina esta esfera con su pieza La Plage (FT. Ferno). Este acto lo conforma la piedra angular del sello Roche Musique, los 3 apellidados Kartell y Alexandre Gonzalez, guitarrista del acto synth-pop SUPERJAVA. Sonidos relajantes, aire fresco y mar en tono pastel que se proyecta al verano local 2019◙


El acto de Tolouse/Francia CATHEDRALE se ha propuesto revivir el psych-garage dentro del espectro musical con su actual single I Think I Can, incluido en su esfera matriz Facing Death  que circulará a partir del 16 de noviembre en una edición split compartida con HOWLIN´ BANANAS y JUVENILE DELINQUENT. El clip se desarrolla dentro de unos síntomas para ser estudiados psicológicamente, sin duda alguna◙


Textualmente, en Visiones parásitas. Experiencias alternantes, íntimas e involuntarias. STELARC afirma: El cuerpo ya no ve ni oye el mundo real, sino que percibe la www. Un cuerpo parásito que se mueve y responde ópticamente a un espectro sensorial externo y expandido. X otro lado en un principio se denominó a la música electrónica como fría, sin sentimiento y a la larga ha demostrado que no necesariamente es así. Una gran cantidad de odas electrónicas han captado desde entonces al alma. Así LCD SOUNDSYSTEM, combo de New York, promueve su single + clip Oh Baby, acompañado de Rian Johnson, realizador del sub-estimado octavo episodio de la saga Star Wars, Los últimos Jedi. A GARY NUMAN le encanta este track◙


El combo IDLES, que a estas alturas ya está promocionando otro clip, se presentó en BBC TV en Later...With Jools Holland en vivo alborotando todo el estudio con el tema Bristol Punks con la performance de Danny Nedelko◙ X otro lado BECK no tuvo mejor idea que en su clip Colors apareciera BLUE MAN GROUP en la coreografía del mismo, reafirmando una heliografía global de ejercicio energético. Unicidad y consciencia colectiva a observar. Alison Brie participa y se luce en su propia danza orbital también◙



Lo que caracteriza a un ser espiritual es su desvinculación existencial de lo orgánico. Es tratar de alcanzar la divinidad o al menos tratar de aproximarse a ello. DEAD CAN DANCE, la dupla que siempre demostró estar mucho más allá de la vocalización convencional, se va a presentar el 2 de mayo 2019 en el local Liberté de Rennes, Francia y el 10 y 11 de mayo en Grand Rex de París con su gira A Celebration - Life & Works 1980-2019 y de seguro van a deslumbrar en su más grande esplendor vocal◙


El neo single de ANGÈLE titula Jalousie y su clip ha estado bajo la producción del bailarín Leo Walk y del fotógrafo y realizador Neele Castillon, el mismo que en sí muestra unos cascos cúbicos a través de unos espejos como escenario original. Esta cantante belga ha incluido este tema en su esfera Brol◙El reciente clip Peter Pan de ARCADE FIRE fue filmado x las calles planas y clubes jamaiquinos que muestra el amor de Peter y Wendy, dos personajes interpretados x Maleik Lamont y Rayana Campbell, ambos de Kingston/Jamaica. El ritmo va en vena dancehall y low-fi◙



Aquella dupla franco-chilena PÁNICO, integrada x Caroline Chaspout y Eduardo Henriquez, retornan tras unos años bajo el nombre de NOVA MATERIA con su single Follow You All The Way. Su primer esférico en álbum It Comes es para Crammed Discs◙Otros clips recibidos x estos días: THEA con Leave It To The Sun, PÉPITE con Feu Rouge, VENDREDI SUR MER con su bello tema Écoute Chérie, FAUNESS con Street Song y JESSIE WARE envía el audio de Overtime, en vena acid-house, que está también en youtube◙





SCANNER
SAGA DE COVERS INESPERADOS





ELÍXIR MENTAL
SAGA DE LOS 80´S




VIXOR DE MEMORIA

SAGA DE LOS 90´S





POWER POINT
SAGA DE LOS 2000´S



Donde no hay carácter tampoco hay consciencia del deber y a la larga sólo está a nuestro servicio aquello que está al servicio de todos◙STOP!

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