LOS MINERALES PERTENECEN SÓLO AL CREADOR Y AL PLANETA TIERRA. La ignorancia espiritual de la humanidad la ha conducido hasta donde está ahora y el barómetro naturaleza mide toda esa falta ante la vista de todos. El planeta Tierra, organismo viviente es mantenido x medio de la irradiación cósmica. Todo acto contrario a esa ley divina altera la irradiación, crea frecuencias desarmoniosas y perturba el equilibrio en todas las formas vivientes de la Tierra. Los minerales son como los órganos del planeta y el petróleo, sus venas. Sin todos esos elementos, el planeta se desequilibra tal y como el ser humano x ser precisamente, un organismo viviente. El eje de la Tierra, tiene entre otras cosas la tarea de mantenerla en equilibrio y el hombre influye cada vez más en el desbalance de todo el planeta con sus experimentos de elaboración atómica, explotación de minerales y las expansiones de terrenos al continuar explotando la Tierra. Los rascacielos de las ciudades, los grandes túneles que atraviesan las montañas, así como los terrenos excavados de las minas, producen un cambio del eje terráqueo que afecta a todo el planeta. El hombre no cesa de explotar los yacimientos de petróleo y con ello desequilibra e influye sobre y dentro de la Tierra, como en toda la atmósfera. Las leyes de la naturaleza son leyes nobles si el hombre las mantiene puras. La transformación del planeta hacia un nuevo cielo y a una nueva tierra está en pleno desarrollo y es lo que los medios denominan cambio climático y calentamiento global◙ Cada sábado a las 10:00 de la mañana se emiten los programas de Vida Universal x 760 y 1360 AM y online: http://www.radiobienestar.pe, con data precisa para tu evolución espiritual◙ XELESTA Aurora Boreal en voces femeninas
Ondas aéreas que subyugan al tímpano y al cerebro en interminable fosforescencia es lo que transmite el segundo opus en álbum At The Party With My Brown Friends de BLACK BELT EAGLE SCOUT. Temas compuestos de corpúsculos de materia etérica en creciente sutileza, hasta colmar épicamente al ultérrimo átomo físico. Si acudes a tu memoria electrónica, recordarás que cité x esta columna la bio de este combo liderado x Katherine Paul a la sociedad. Su segundo álbum solidifica todo ese trabajo desde el momento que impactó a medio mundo con su disco debut. Todos los temas mueven el epifenómeno radiovibratorio que acompaña nuestras emociones, sentimientos y reflexiones◙
El satélite My Heart Dreams nos lleva a una región etérica x donde ya dejaron su huella LUSH, MAZZY STAR, SWALLOW, SILVERSUN PICKUPS... entre otros. Sin duda, la base rítmica te ubica en el universo de SMASHING PUMPKINS en efluvia. En suma, vibraciones lumínicas dentro de un hermoso paisaje cromático con cascadas de arcoiris líquidos y crema del cielo. Encandilan también otros títulos como Run It To Ya, Scorpio Moon, I Said I Wouldn´t Write This Song que van de la introspección al estallido, adornadas con texturas envolventes y líricas pensantes◙
BENEE, proviene de Auckland, un cuarteto sobre los escenarios que alimenta slow-tempo-synthpop y neo soul. Sus temas se orientan líricamente hacia el amor y a la vulnerabilidad y dan que pensar. Soaked, la pieza que promociona x estos días, puede llevarte a las pistas de baile y al escapismo. Su EP titula Fire On Marz◙
ROSIE LOWE, londinense de 29 años, puede traerte a la memoria el encanto vocal de SADE como la de MINNIE RIPPERTON, con su soul minimalista y seductivo. La cadencia de sus temas están lubricadas con iridiscentes y cambiantes colores en tonos pastel, tal y como se aprecia en The Way◙ YUNGBLUD, no es otro que DOMINIC HARRISSON, quien implantó su huella desde 2017 dentro de la escena y cuyas composiciones tienen ese gran sueño de cambiar al mundo e inspirar la juventud. Su poderosa vocalización se incrusta en sus temas de libertad y un ejemplo es Hope For The Underrated Youth◙ PALACE, trío británico que debutó en 2016, yendo desde el ethereal rock landscape hacia otras tendencias, promueve ahora con más fuerza Heaven Up There y su placa Life After◙
IGNITION ADVENTURE te espera en su local dentro de la Galería Cachina Fashion, en la cuadra 8 de Av. Argentina, con su renovado stock PRIMAVERA 2019/VERANO 2020. Además, gran despliegue en prendas para deportes de aventura y full accesorios en marcas A1◙ La escena indie se triplica en cuanto a bandas/actos en esta época del año. A apreciarlos:
MAUD GEFFRAY y LAVINIA MEIJER han tomado x asalto las composiciones de PHILIP GLASS como Koyaanisqaki, Einstein On The Beach y de su pieza de teatro The Photographer, y al lado de la ejecutante del arpa, proveniente de Netherlands, LAVINIA MEIJER, muy familiarizada ella con los temas de Glass. Still Life, es lo que promueven ambos y que en suma es reinterpretar las obras de PG, circulará desde el 18 de octubre vía Pan European Recordings. El clip incluye extratos del film Still Life de Kevin Elamrani-Lince e inspirado x la performance de la dupla◙Aprecia además el trabajo de MG para Goodbye Yesterday, una especie global de cambio orbital de neutrones◙
SCANNER SAGA DE INESPERADOS COVERS
ELIXIR MENTAL SAGA DE LOS 80´S
VIXOR DE MEMORIA SAGA DE LOS 90´S
POWER POINT SAGA DE LOS 2000´S
Mientras más progresa el ser humano, más se aleja de la Naturaleza, creyendo que puede existir sin ella◙STOP! UN PLUS:
“I LOVE LIMA” Es una exposición colectiva que forma parte de la 2ta Edición de #ART LIMA Gallery Weekend. Los invitamos a todos al barrio nuevo del Jockey Plaza, Lima, Perú desde este 26 de Septiembre a disfrutar de las obras plásticas del colectivo de artistas Blend. Analizar Lima, el colectivo Blend crea este reto importante, a pesar de ser una ciudad misteriosa, donde a veces es fácil imaginarla como una joven señorita con aires de tapada limeña y pies chiquitos -o que tal vez use ojotas y ropa algo ceñida- sin embargo, dependiendo a quien se consulte, hay quienes la imaginan como un hombre, de edad media, de vestimenta gris, actitud adusta y muy poco sociable. Proponemos que esta exposición sirva - para los artistas participantes, como para los espectadores - como un ejercicio en donde podamos imaginar y conocer algo más de la ciudad. En donde tengamos claro que, conviviendo en una misma Lima, tenemos visiones y miradas diferentes. La Lima que no conoces, será una exposición colectiva que se realizará en el Jockey Plaza como parte del circuito del Gallery Weekend Art Lima, donde a partir de este tema, los artistas reunidos producirán desde su propia óptica obras de estilo independiente, en una misma dirección y narrativa visual actual sobre la ciudad de Lima. PARTICIPANTES -María Teresa Iturri -Javier Flórez -Patrícia Alor -Lin Belaunde -Adawie Ghaliya -Martin Yepez -Denisse Jiras -Iris Silva -Jamil Ghaliya -Flori Bandini -Elias Alayza -Eugenia Werner -Fecha y hora de inauguración: JUEVES 26 de ABRIL -Hora y fecha de Visita Guiada : sábado 28 3 pm LUGAR DE EXPOSICIÓN Barrio Nuevo - Centro comercial Jockey Plaza.
De "100 discos que prendieron fuego al mundo (while noone was listening)" por THE WIRE mag. (1998) ¿Cansado de que otras revistas te recuerden que los mejores álbumes del mundo fueron hechos por The Beatles, Beach Boys y Rolling Stones? También nosotros. En las próximas 18 páginas encuestamos a nuestros escritores para encontrar una guía de 100 discos que deberían haber encendido la imaginación del mundo, excepto que todos los demás estaban escuchando ... PIERRE AKENDENGUE Nandipo (Saravah, 1973) Compositor, guitarrista, dramaturgo, poeta y cantante, la influencia de Pierre Akendegue en su hogar, Gabón, es enorme, en el mundo francófono, ha hecho mella, en todos los demás, apenas es una nota al pie. Graduado de universidades en Francia (en literatura, psicología y más), Akendengue se quedó ciego en algún momento en sus veintes, lo que puede haber dirigido sus sentidos restantes hacia el lenguaje del sonido, la forma en que las partes musicales se unen y los contrastes en canciones de diferentes países... Nandipo, su primer álbum, se convierte en una obra de teatro: cada canción es un acto dramático hecho de escenas en miniatura. Las voces complementarias (coros armónicos ajustados, el propio tenor trino de Akendengue y la voz enfática de lectura) se sitúan sobre una colección de instrumentos individuales, cada uno en su propia línea rítmica. El álbum está acentuado por una guitarra acústica suave, agitadores en efecto estéreo, corte de flexitono, berimbau y cuica, cello profundo. Con la ayuda de la brasileña Nana Vasconcelos, Akendengue incorporó sin problemas el popular estilo vocal melódico francés, la viva percusión amazónica y los sólidos, conmovedores temas, palabras y energía africanos: un estilo del "Cuarto Mundo" varios años antes. RE.
BAD BRAINS Bad Brains (ROIR, 1982) ¿Crees que estás exitado? Deja que este álbum sea tu criterio. ¿Viste a los Beatles en Ed Sullivan? Vimos a Bad Brains en A7 y arriba se volvió abajo. Esta música incansablemente grabada y completamente implacable justifica cada cliché que se le arroja: un tren fuera de control, un disparo de agua desde una manguera, Coltrane como rock, lo que sea. Los cambios inesperados del grupo y los riffs pegadizos pueden ser el producto de su trasfondo de fusión, pero en 1982, ¿quién sabía de dónde venían los punks negros, y mucho menos lo que escucharon? El cantante HR canalizó las humillaciones de Johnny Rotten a través de la positividad pro-Rasta y las preocupaciones locales y, solo para expresar su punto de vista, bailó para personas con discapacidad auditiva como James Brown, el Punker original. Los números dub (apenas un movimiento de moda en ese entonces) te dan la oportunidad de recuperar el aliento antes del próximo hendir a la correción. Puede haber música punk más rápida, más dura o más fuerte en algún lugar, pero no levita como esta mierda utópica. SFJ
LOUIS & BEBE BARRON Forbidden Planet OST (Small Planet, 1956) Cuando MGM llegó a pedirle a Louis y Bebe Barron que compusieran una banda sonora electrónica para su prestigioso show de ciencia ficción, "Forbidden Planet", el equipo de marido y mujer ya había trabajado con John Cage, Anais Nin, Aldous Huxley y Maya Deren. Imitando los experimentos de Norbert Weiner que implican retroalimentación negativa y positiva en animales estresados, los Barron habían aprendido a hacer que los circuitos eléctricos literalmente 'chillaran', reprocesando los resultados a través de una cuidadosa manipulación de la cinta en paisajes acústicos electroacústicos extremadamente ricos y variados. Habiendo suministrado no solo la música de la película, sino también sus extraños efectos de sonido, los Barron tuvieron que cumplir con la decisión del estudio de incluir su contribución como "tonalidades electrónicas" en los créditos por temor a que la Unión de Músicos pudiera demandar. Esta desafortunada trivialización de su trabajo pionero podría explicar por qué el álbum Forbidden Planet se convirtió en un elemento tan raro y descuidado. Duro, metálico y cavernoso, el futuro nunca volvió a sonar tan bien. KH
JOEY BELTRAM Places (TRESOR, 1995) El lugar del ex artista de graffiti Beltram en la historia del techno está asegurado a través de la auténtica grandilocuencia y la energía arrogante de sus producciones adolescentes para el sello belga R&S, pero en su LP menos elogiado cambió sus puñaladas de teclado por intrincados enrejados de percusión, que construyen y brillan como una escuela de samba cyborg. La portada muestra a Beltram con el Puente de Brooklyn de fondo, la llamativa e inusual estructura ósea alargada de su rostro que complementa los pilones arqueados. Sónicamente, la arquitectura emula los ritmos cableados de la vida urbana, con líneas funky de batería sincopadas rotas por el extraño sonido muy reverberado, o un riff de sintetizador de percusión. "Places" es un ejemplo clásico de la capacidad del Techno de mantenerse indescifrable y dejar que el oyente le dé significado. Beltram es resueltamente determinista sobre su trabajo y se niega a verlo en cualquier forma narrativa o evocadora fuera de la pista de baile. Tracks como "Floaters" y "Set Ups", que inicialmente insinúan referencias oscuras al inframundo, son de hecho una jerga de graffiti: Beltram había comenzado a buscar sus latas de spray cuando hacía el LP. MSh
STEVEN JESSE BERNSTEIN Prison (Sub pop, 1992) "No le fue bien en la escuela, pero manejó la farmacia y las herramientas del crimen callejero instintivamente". Así se lee un epitafio auto-escrito en la manga de la única grabación de Steven Jesse Bernstein, "Prison", lanzada póstumamente. Es un resumen demasiado conciso de sus preocupaciones que típicamente sacrifica la verdad literal a favor del impacto de alto octanaje; la poesía de Bernstein era turbulenta, magullada, conflictiva y compleja, y se basaba en el legado de influencias como Ginsberg y Bukowski. Estuvo de acuerdo en tener una selección de esa poesía grabada y aumentada por el general del mediocampo en Sub Pop y pilar principal de Pigeonhed Steve Fisk durante los últimos dos años de su vida, y el resultado fue "Prison". Fisk comparó la entrega estimulante, áspera y dolorosamente consciente de Bernstein con HipHop sucio, muestras atonales borroneadas y fragmentos de loungecore latino, creando una unión sorprendentemente coherente de palabras y música que merece asegurar que el suicidio de Bernstein en 1991 no consigne su trabajo al olvido. CS
WILLIAM S BURROUGHS Call Me Burroughs (ESP-DISK, 1965) Un hombre, una voz, un micrófono. Seguro que no es mucho mejor que esto: Tío Bill solo en el estudio, leyendo extractos de The Naked Lunch y Nova Express con el destacamento libidinoso de un científico investigador en un laboratorio de toxicología. El sonido del hombre que ama su trabajo. Las rutinas incluyen "The Complete All-American De-Anxietized Man", " The Buyer" y las enloquecidas divagaciones del Enano de la Muerte que asienten bajo la custodia de la Policía de Nova ("¡Mi poder está llegando! ¡Mi poder está llegando!"). Desde que el Cuervo graznó "Nevermore", las cosas no han sonado tan sombrías. Sin embargo, lo que hace que estas grabaciones sean únicas es la forma en que Burroughs aborda algunas de las secuencias más abstractas de sus secuencias cortadas, su acento sepulcral imbuye su sintaxis fracturada con una poesía distante y triste que nunca ha sido igualada. "Call Me Burroughs" demuestra cuán poderoso puede ser un texto de experiencia auditiva. Uno de los cientos de registros que debes escuchar antes de morir. Justo antes de morir, de hecho. KH. ....... ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
RECORDS THAT SET THE WORLD ON FIRE while noone was listening
From "100 records that set the world on fire (while noone was listening)" by THE WIRE mag. (1998) Tired of being reminded by other magazines that the best albums in the world were made by The Beatles, Beach Boys and Rolling Stones? So are we. Over the next 18 pages we poll our writers to come up with a guide to 100 records that should have ignited the world's imagination, except that everyone else was fidding... PIERRE AKENDENGUE Nandipo (Saravah, 1973) Composer, guitarist, dramatist, poet and singer, Pierre Akendegue's influence in his home, Gabon, is huge, in the francophone world, he's made a dent, everywhere else, he's barely a footnote. Graduated from universities in France (in literature, psychology and more), Akendengue went blind sometime in his twenties - which may have turned his remaining senses toward the sound of language, the way musical parts fit together, and the cotrasts in songs from different countries. Nandipo, his first album, becomes a play - each song a dramatic act made of miniature scenes. Complementary voices (tight harmonic choruses, Akendengue's own trilling tenor and emphatic reading voice) arc above a collection of individual instruments, each running on their own rhythmic line. The album is accented by soft acoustic guitar, shakers in stereo effect, slicing flexitone, berimbau and cuica, deep cello. With the assistance of Brazil's Nana Vasconcelos, Akendengue seamlessly incorporated the French popular melodic vocal style, brisk Amazonian percussion, and solid, soulful African themes, words and energy: a "Fourth World" styling several years early. RE.
BAD BRAINS Bad Brains (ROIR, 1982) You think you're all worked up? Let this album be your yardstick. You saw The Beatles on Ed Sullivan? We saw Bad Brains at A7 and up became down. This ineptly recorded, completely relentless music justifies every cliche thrown at it -runaway train, water shot from a hose, Coltrane as rock, whatever. The group's unexpected changes and catchy riffs may be the product of their fusion background, but in 1982 who knew where the hell for black (belt) punks came from, much less what they listened to? Singer HR channelled the putdowns of Johnny Rotten through pro-Rasta positivity and local concerns and, just to make his point, danced for the hearing-impaired like James Brown, Original Punker. The dub numbers (hardly a fashionable move back then) give you chance to catch your breath before the next haynde to righteousness. There may be faster, harder or louder punk music somewhere but it doesn't levitate like this utopian shitfit. SFJ
LOUIS & BEBE BARRON Forbidden Planet OST (Small Planet, 1956) By the time MGM got around to asking Louis and Bebe Barron to compose an electronic soundtrack for their prestige sci-fi presentation, "Forbidden Planet", the husband and wife team had already worked with John Cage, Anais Nin, Aldous Huxley and Maya Deren. Mimicking Norbert Weiner's experiments involving negative and positive feedback in stressed animals, the Barrons had learned to make electrical circuits literally 'shriek', reprocessing the results through careful tape manipulation into extremely rich and varied electroacustic soundscapes. Having supplied not only the film's music but its alien sound effects as well, the Barrons had to abide by the studio's decision to list their contribution as 'electronic tonalities' in the credits out of fear that the Musicians' Union might sue. This unfortunate trivializing of their pioneering work might explain why the Forbidden Planet album became such a relatively rare and neglected item. Harsh, metallic and cavernous, the future never sounded this good again. KH
JOEY BELTRAM Places (TRESOR, 1995) Former graffiti artist Beltram's place in Techno history is assured through the sheer bombast and snotty energy of his teenage releases for Belgian label R&S, but on his less-lauded LP he traded in his tough keyboard stabs for intrincate lattices of percussion, which build and shimmer like a cyborg samba school. The cover shows Beltram with the Brooklyn Bridge in the background, the striking and unusual elongated bone structure of his face complementing the arching pylons. Sonically the architecture emulates the wired rhythms of urban life, with funky syncopated drum lines broken up by the odd heavily reverbed splash of sound, or a percussive synth riff. "Places" is a classic example of Techno's ability to keep itself indecipherable and let listener give it meaning. Beltram is resolutely determinist about his work and refuses to see it in any narrative or evocative form outside of the dancefloor. Tracks like "Floaters" and "Set Ups", which initially hint at dark underworld references, are in fact graffiti slang - Beltram had begun to pine for his spray cans when making the LP. MSh
STEVEN JESSE BERNSTEIN Prison (Sub Pop, 1992) "Didn't do well in school, but handled pharmacy and the tools of street crime instinctively." So runs a self-penned epitaph on the sleeve of Steven Jesse Bernstein's only recording, the posthumously released "Prison". It's an over-concise summary of his concerns which tipically sacrifices literal truth in favour of high-octane impact; Bernstein's poetry was turbulent, bruised, confrontational and complex, building on the legacies of influences like Ginsberg and Bukowski. He agreed to have a selection of that poetry recorded and augmented by Sub Pop midfield general and Pigeonhed mainstay Steve Fisk during the last two years of his life, and Prison was the result. Fisk matched Bernstein's exhilarating, rasping and achingly self-aware delivery with smeared HipHop, smudged atonal samples, and snatches of Latino loungecore, creating an uncannily coherent union of words and music which deserves to ensure that Bernstein's 1991 suicide will not consign his work to oblivion. CS
WILLIAM S BURROUGHS Call Me Burroughs (ESP-DISK, 1965) One man, one voice, one microphone. It sure don't come much better than this: Uncle Bill alone in the studio, reading extracts from The Naked Lunch and Nova Express with the libidinous detachment of research scientist in a toxicology lab. The sound of man who loves his work. Routines include "The Complete All-American De-Anxietized Man", "The Buyer" and the crazed ramblings of the Death Dwarf going on the nod in Nova Police custody ("My power's coming! My power's coming!"). Not since the Raven first croaked "Nevermore" have things sounded this grim. What makes these recordings unique, however, is the way Burroughs tackles some of the more abstract of his cut-up sequences, his sepulchral drawl imbuing their fractured syntax with a distant, mournful poetry that has never been equalled. "Call Me Burroughs" demonstrates just how powerful a listening experience text can be. One of the hundreds records you should hear before you die. Just before you die, in fact. KH.
por CÉSAR HILDEBRANDT
Extraído de "Hildebrandt en sus trece" Dicen que el odio es tóxico. Eso no es cierto. El odio es muchas veces necesario. No es que lo recibamos con alegría, que lo acojamos con placer, que lo sintamos con agradecimiento, no. Pero odiar el crimen, por ejemplo, es imprescindible. El odio nos distancia de la peste y gracias al odio bien mantenido conservamos muchas veces la integridad. Odiar lo que representó Nicolás de Piérola, uno de los más grandes enemigos involuntarios del Perú, nos sitúa en la lucidez. Y, sin embargo, odiar al civilismo, contra el que se levantó Piérola, es también, por simetría, un acto de justicia. Piérola deshizo el Perú. El civilismo no pudo hacer un país. Y el civilismo de hoy se retrata en la agenda hegemónica de la derecha. ¿Cómo no odiar lo que nos hicieron los ejércitos de la noche de Sendero Luminoso? El odio es un antídoto que nos preserva de la locura. La locura es aceptar que hubo peruanos que se unieron a los chilenos para derrotar a la confederación peruano-boliviana que instauró Santa Cruz en 1836. La locura es creer que el militarismo posindependencia, corrupto en esencia, fue inexorable. Si las masas hubiesen odiado la sumisión, todos aquellos que lucían entorchados no habrían podido saquear el erario nacional como lo hicieron. Locura es, contemporáneamente, creer que “la república aristocrática” existió de verdad, que Leguía fue un gran presidente y que Alan García merece ser perdonado porque se disparó en la sien. La locura nos ronda y llama para sumergimos en esa confusión, en ese medio pelo que todo lo vuelve niebla, indefinición, cobardía intelectual, media voz, sonrisita limeña, andar de gallina clueca. “Hay que comprender”, exigen los historiadores. Pues bien, porque comprendo es que odio gran parte de nuestra historia y pongo en mi infierno personal a quienes, creo, se lo merecen. ¿Hay que comprender a Mariano Ignacio Prado, el hombre que siendo presidente y comandante supremo de nuestros ejércitos huyó del país después de que Grau fuese muerto y el sur fuese invadido a partir de Pisagua? Comprendo su cobardía, comprendo sus intereses crematísticos, sus inversiones en Chile, su amistad con la élite de Santiago, pero eso no me produce empatía alguna. Odiar a ese Prado fundador es un mecanismo de defensa si uno quiere seguir siendo peruano. Porque si uno aceptara que Prado nos representa como nación, ¿por qué entonces admiramos a la gente de coraje que en esa misma guerra nos demostró que la derrota sería pasajera? Allisan de Chazet dice en un libro que cuando guillotinaron a Robespierre una señora, que había visto morir a dos de sus hijos durante el Terror, demandó, en el momento en que la cabeza rodaba al cesto, que lo hicieran otra vez. Ese es, se diría, un odio enfermizo y un peso en el alma, ¿pero quién se atrevería a juzgar con severidad tamaña hipérbole de pasión revanchista? Odiar a Hitler no cuesta nada, pero odiar a quienes hoy lo admiran, eso sí que es un dilema. ¿Debemos odiar a alguien por sus ideas? ¿Dije ideas? ¿Qué ideas se aprecian en “Mi lucha”? Ninguna, excepto la de la “grandeza de Alemania”, el papel supuestamente nefasto de los judíos y la injusticia del Tratado de Versalles. Y ese puñado de hipos nacionalistas y estrabismo ario nos llevó a la segunda guerra mundial y a la muerte de sesenta millones de personas. Los neonazis actuales citan a Hitler para sentirse marciales y ocultar sus racismos surtidos y su primitivismo mental. ¿No es un deber odiarlos? Odiar a Pol Pot, aunque esté mil veces muerto, nos dignifica. Y odiar a Stalin, que mató simbólicamente a Marx y su sueño altruista, es un deber cívico. Del mismo modo que odiar los abusos del capitalismo, la dictadura del dinero, la podredumbre de las corporaciones, preserva el lado más soleado de nuestra conciencia. ¿Debemos comprender a Trump? ¿Qué hay que comprender en un hombre que podría, si el regreso al pasado fuera posible, caminar en taparrabos, de cueva en cueva, robando mujeres y trozos de mamut, sin siquiera mirar los animales que algunos profetas del arte pintaban sobre la roca? No hay nada que comprender. Trump es lo que la codicia da a luz cuando es preñada por la deshonestidad. Es la brutalización de una política imperial que no admite la rivalidad ni reconoce las señas de su decadencia. Le profeso un odio acrisolado y sin remordimiento. Odiar la incultura no nos hace cultos ni exquisitos ni privilegiados, pero qué agradable y risueño resulta. Escuchar al locutor de radio que patina en la barbarie, ver a la periodista que en la tele terquea en su estupidez, leer la protoprosa de algunos columnistas del diarismo nacional, resulta siempre estimulante. Y uno termina odiando a quienes concibieron un sistema que le permitió a Telesup, por ejemplo, reinar como universidad lucrativa durante mucho tiempo. No necesitamos ser güelfos o gibelinos para odiar al Congreso actual, pero algún instinto de justicia nos dice que el problema no es aquel recinto donde alguna vez estuvo gente de mucho valor. El problema es que quienes han capturado el Congreso son el fujimorismo y la agonía (nada unamuniana) del Apra. ¿Odiar al fujimorismo supone un riesgo psiquiátrico? Eso es lo que quieren decimos algunos interesados. ¿Cómo odiar a quienes son mayoría en la sede de las leyes? -preguntan. El fascismo de Mussolini también era mayoría, así como la partidocracia que representaba al militarismo agresor en el Japón que invadió Manchuria. El problema es que con menos del 30% de los votos populares el fujimorismo, gracias al deforme sistema electoral peruano, se hizo con más del 60% de los asientos congresales. Y el problema mayor es que el fujimorismo sigue siendo la mafia que evisceró las instituciones del país corrompiéndolo todo. Nunca, en toda nuestra historia, la vocación por el delito conoció de una metástasis como la que concibió el fujimorismo. Los chicos y chicas del milenio tienen que saber que en el esplendor del fujimorismo el Perú carecía de un poder judicial independiente, de una fiscalía que persiguiera a los malos, de una Contraloría que denunciase lo que era digno de escándalo, de un sistema electoral neutral y limpio, de un Tribunal Constitucional garantista, de unas fuerzas armadas ajenas al latrocinio. Fujimori fue el resumen de nuestras taras más intensas, el intérprete de lo peor que tenemos dentro. Con Fujimori fuimos una peste en América Latina. Y la prensa que lo adulaba era la que él mandaba hacer en el SIN, o la que aceitaba por lo bajo, o la que intimidaba desde el Ministerio Público. Eso es lo que las Bartra y las Beteta, pasando por los Mamani y los Tubino, quisieran restaurar. ¿Cómo no odiar una perspectiva de esta ralea? ¿Qué debemos comprender de quienes se sienten herederos del delirio autocrático y delictivo del señor Fujimori? que quieren enlodarnos, que quieren someternos, que quieren hundirnos en la miseria moral. Odiar ese ofrecimiento inmundo es para mí una urgencia, una vacuna, un aprendizaje -estoy robándole un título a Hinostroza- de la limpieza.
POST GALAZER es una banda post punk nacida en Huamanga, Ayacucho con algunos años de recorrido a cuestas. Su discurso bebe de entes como Religión, The Jam, Catervas, Acid House Kings, etc. Acaban de publicar de forma independiente y a través de Superspace Records su debut, el mismo que no dudamos será recordado como uno de los álbumes de indie pop más concisos y eximios de las últimas jornadas. 40 minutos de extasis por los que John Peel resucitaría solo para escucharlos y gozarlos en vivo. Con uds para PERÚ AVANTGARDEPost Galazer presentando "Terminal".
¿Cuéntennos desde cuándo existe y cómo se formó la banda, qué experiencias musicales previas tienen? POST GALAZER: La banda tuvo formaciones previas a la formación oficial que se concretó en noviembre del 2015. Elvis y Joel (guitarristas) llegaron desde la ciudad de Huancayo a Ayacucho para un porvenir musical como carrera y vocación, es así donde se progresaron las ideas sonoras y se plasmaron en temas, con ensayos y con amigos apoyando al proyecto para después de un tiempo concretar la banda y establecer un rumbo definitivo sumándose así Liliana (bajista). Las experiencias previas se basaron en antiguas bandas en donde pertenecían los integrantes, llegando a tomar un nivel e influencia necesaria para poder realizar nuestras propias composiciones. ¿Qué tal es la escena alterna o culturosa en Ayacucho? Existen propuestas interesantes y buenos gestores que apoyan a la escena con eventos, Ayacucho siempre se caracteriza por hacer prevalecer el arte y cultura en general, pero a veces con respecto a la música se siente un declive con respecto a apoyar ciertas formas o líneas musicales, es por eso que muchas de las gestiones de eventos suelen ser independientes o uniendo colectivos determinados. El apoyo de la gente o público es demasiado importante para el soporte de la escena. ¿Cuál es vuestro arsenal de equipos y efectos y cómo es vuestro proceso para componer? Las composiciones se basan más que todo en rifts creados mayormente con guitarra acústica y que desde allí ya se genera la idea general de un tema. La batería, bajo y armonización están en la cabeza y que luego concretamos, pulimos y a veces modificamos en los ensayos con nuestros instrumentos: guitarras eléctricas, bajo electrónico, batería acústica y multiefectos conectados en amplificadores. ¿De qué van las letras de las canciones? Las letras de los temas vienen de vivencias, pensamientos anécdotas o estados de ánimo. Estuvieron tocando en un festival indie en Huancayo, ¿qué tal la acogida para con vuestro sonido allá y qué tal les ha ido en las presentaciones que ya han tenido, alguna anécdota quizás? La acogida del público fue esencial, nos llevamos la sorpresa que había muchos oyentes jóvenes de las nuevas generaciones. Llegamos a tocar en Lima, Cerro Azul, Huancayo y Ayacucho mismo y siempre se sintió la satisfacción de apreciar la recepción del público para con nuestros temas. Eso siempre ayuda a seguir avanzando. Mencionen 7 o 10 discos fundamentales de su vida o que les hayan roto la mente de una manera hermosa. Siempre se llega a este tipo de preguntas de bandas, grupos o discos escuchados que posiblemente tengan que ver como influencia, pero esta es una lista de los mejores disco en común que existen para la banda : Pink Floyd - Dark side of the moon - The Wall - Wish you were here Black Sabbath - Master of reality - Paranoid - Black Sabbath
King Crimson - In the court of the crimson King - In the wake of poseidon Neutral Milk Hotel - In the Aeroplane Over the Sea Velvet Underground - Velvet underground and nico - Loaded - Velvet Underground
Radiohead - Ok computer - Kid A - Amnesiac Nirvana - In utero - Bleach - Nevermind Joy Division – Closer - unknown pleasures
The Strokes - Is this it De hecho existen un sinfín de bandas no mencionadas desde los 60 hasta lo contemporáneo que generaron mucha vivencia musical y nos ayudaron en nuestra formación. ¿Qué otros proyectos o expresiones de su ciudad/región se animarían a recomendar? Hay muchos proyectos interesantes que algunos faltan concretar, otros que ya lo hicieron y algunos que ya no están en actividad. Uno de ellos a mencionar es de una banda ayacuchana llamada ARNAWAN que hace un cierto tiempo volvieron a la escena después de un descanso. Con temas propios envolventes y fuertes. ¿Por qué Post Galazer, algún significado ahí? Nombre fundado por Elvis López que lleva una imaginación con la supuesta unión de dos palabras (GALAXIA Y LAZER) que conjugando con el prefijo POST (después de) obtendríamos la idea siguiente: “DESPUES DEL LAZER GALACTICO” significado que se le da al nombre de la banda. Si desean agregar algo este sería el momento. Muchas gracias por la entrevista y sobre todo por el disco en Superspace Records, un honor y un gusto. Vibras desde el cono norte limeño. Muchos saludos y agradecimientos desde un rincón de Huamanga – Ayacucho a SUPERSPACE RECORDS por este bondadoso pero importante espacio y por la difusión de nuestra música.
"Antes, extremar el discurso era la manera de combatir la simplificación, y así progresaban escenas como el techno o el breakbeat inglés; hoy, la uniformización, copiar lo que funciona, responde a deseos más materialistas: es la clave para aspirar, no a conseguir un éxito, sino más bien a entrar en el circuito estable de las contrataciones en clubes y festivales, de modo que incluso la producción de un track ya no es tanto un acto creativo —una necesidad del alma—, sino una inversión empresarial, una tarjeta de visita o un diploma, lo que explica que muchos DJs firmen como suyos discos que en realidad los ha producido un ghost-writer, o sea, un negro, un productor fantasma..." LOOPS 2 (2018) "Before, extreme the speech was the way to combat simplification, and thus progressed scenes such as techno or English breakbeat; today, standardization, copying what works, responds to more materialistic desires: it is the key to aspiring, not to achieve success, but rather to enter the stable circuit of hiring in clubs and festivals, so that even the Production of a track is not so much a creative act - a need of the soul - but a business investment, a business card or a diploma, which explains why many DJs sign as theirs albums that have actually been produced by a ghost-writer, that is, a black man, a ghost producer ... " LOOPS 2 (2018) No hay divorcio entre comercio y arte. Es parte de todo el intercambio entre el artista y el destinatario. Sin embargo, algunas de las mejores obras de arte se crean cuando el motivo de lucro disminuye (bandas que tienen trabajos diarios y crean música como una salida artística sin tener que atender estrictamente al consumismo y al aparato general de la 'industria'). JJ. There's no divorcing commerce from art. It's part of the whole exchange between the artist and the recipient. However, some of the best art is created when the profit motive is diminished (bands who have day jobs and create music as an artistic outlet without having to strictly cater to consumerism and the overall apparatus of the 'industry'). JJ.
¿Eh? La 'música alternativa', la 'radio universitaria', etc., fue una invención de los sellos discográficos, ya que ya no podían vender Journey y REO Speedwagon a los jóvenes. La industria de la música no se trata de "expresar tu alma". ¿Cuándo, exactamente, la industria de la música no ha sido por dinero? JR.
Huh? 'Alternative music,' 'college radio', etc was an invention of record labels since they couldn't sell Journey and REO Speedwagon to young people anymore. The music industry is not about 'expressing your soul.' When, exactly, was the music industry not about money? JR.
Siempre ha estado por todos lados. Algunas bandas cambian para tener éxito, otras se vuelven exitosas en sus propios términos y el éxito las cambia. Algunos solo se animan con poco que mostrar más que orgullo. Los números cambian pero los escenarios básicos persisten. AB. It's always been all over the place. Some bands change to be successful, some become successful on their own terms and success changes them. Some just chug along with little to show but pride. The numbers change but basic scenarios persist. AB. Siento que los muchachos que trabajan están prácticamente fuera de las artes en estos días. La mayoría de los artistas "exitosos" son de clase media o más ricos. Las personas de la clase trabajadora no pueden permitirse el lujo de comenzar una carrera en la música debido a los bajos beneficios, los salarios no vivibles y los niños ricos que hacen los conciertos por "exposición". TR. I feel that working lads folk are pretty much frozen out of the arts these days. Most “successful” artists are middle class or richer. Working class people can’t afford to start a career in music due to poor benefits, unliveable wages and rich kids doing the gigs for “exposure”. TR. Acabo de ver el documental 'Creation Records: Upside Down nuevamente esta noche. He estado pensando lo mismo. SM. Just watched 'Creation Records:Upside Down documentary again tonight. Been thinking the same thing. SM.
No lo veo así en absoluto, especialmente con la escena pop del dormitorio de hoy. ML. I don't see it that way at all, especially with today's bedroom pop scene. ML. A quién le importa una mierda, a nadie que tome en serio el arte / la música le importa el marketing, a menos que esté comercializando algo más allá de perseguir ganancias, la 'industria' de la música, en ese sentido, es un grupo de payasos azotando a un caballo muerto = no es música alternativa, son publicistas persiguiendo la última tendencia u ofreciendo una versión diluida/pasteurizada de música marginal. MH. Who gives a shit,no one serious about art/music cares about marketing-unless it s marketing something beyond chasing profits-the music 'industry'-in that respect-is a bunch of chancers flogging a dead horse-=it s not alternative music,it s ad men chasing the latest trend or offering a watered down version of marginalised music. MH. Muchas cosas. Mis comentarios están relacionados con el Reino Unido. Tenemos muchas más bandas ahora en comparación con hace 30 años, toneladas y toneladas de bandas. Hay muchas bandas que hacen exactamente lo que quieren sin presiones comerciales, pero a menudo están tocando conciertos para prácticamente nadie (el domingo vi un concierto, cuando llegaron los artistas principales eran tres personas, más el técnico de sonido y miembros de otras bandas que tocaron en la noche). En términos de bandas con cualquier tipo de ambición, la mayoría son algo comerciales. En la forma en que escriben, graban, suenan, se comercializan. Yo diría que esto se debe principalmente a dos cosas: (1) Ahora es mucho más difícil poder vivir barato y dedicarse a su arte. Si quieres dedicarte, también tienes trabajo, y debes hacer todo lo posible para ganar dinero para seguir adelante. (2) Todo se ha hecho antes y la música ha ido en tantas direcciones extremas que es imposible ser muy nuevo y alternativo sin ser totalmente poco comercial.
Las bandas hoy en día tienen que ser aburridas o tienen que tener días de trabajo y tratar su música como un pasatiempo. FS. So many things. My comments are UK related. We have lots more bands now compared to 30 years ago, tons and tons of bands. There are many bands doing exactly what they want with no commercial pressures, but they're often playing gigs to practically no-one (on Sunday I saw a gig - by the time the headliners came on the audience was three people, plus the soundman and members of other bands that played on the night). In terms of bands with any sort of ambition most are somewhat commercial. In the way they write, record, sound, market themselves. I'd argue that this is mainly down to two things - (1) It is much harder now to be able to live cheap and dedicate yourself to your art. If you want to be dedicated you have work as well, and you need to do everything you can to make money to keep going. (2) Everything has been done before and music has gone in so many extreme directions that it is impossible to be evern vaguely new and alternative without also being totally uncommercial.
Bands nowadays have to be boring or they have to have days jobs and treat their music as a hobby. FS.
Está igual que siempre. "Solo la música enferma hace dinero hoy; nuestros grandes teatros subsisten con Wagner". Friedrich Nietzsche, primer escritor de Pitchfork. BP
Same as it ever was.
"Only sick music makes money today; our big theaters subsist on Wagner." Friedrich Nietzsche, first ever Pitchfork writer. BP
LA CANCIÓN DEL CAMBIO CLIMÁTICO. Cada país tiene sus estrofas de la larga oscuridad y de la luz en este planeta. Ninguna energía se pierde como la ciencia también, lo ha manifestado. Las energías negativas no sólo quedan grabadas en el cosmos sino también en la superficie y dentro de la Tierra. La tierra se alza contra la humanidad, desde ayer a hoy y muestra su música. La Tierra gime, el resultado son las melodías sobre y dentro de la Tierra, mostrando sus cantos y tonalidades en estrofas disonantes para cada país, con su partitura correspondiente. Cada persona canta y tararea con la orquesta naturaleza y la balanza se muestra con precisión en su ajuste final de cuentas. Lo que las generaciones de todos los siglos sembraron recibe su cosecha hoy más que nunca como podemos comprobar. Lo no purificado regresa de nuevo, lo no expiado. X tanto, el cambio climático se ha convertido en melodía, una canción compuesta catastróficamente x cada ser humano. El ayer es nuestro hoy. Todas esas energías negativas acumuladas en siglos, se levantan y se unen al tenebroso cambio climático cada vez más y se unen al cortejo del horror. Todo lo no expiado se levanta de la Tierra y a su vez ella se purifica. Así, este planeta se irá aclarando paulatinamente para tornarse cada vez más luminoso. La aurora esperada de siglos se está desarrollando tal y como lo prometió el Padre Eterno. El Sol Central Primario, los Siete Soles Prismas, astros y planetas proveerán también amorosamente luz para el planeta Tierra renacido y a su humanidad en la luz portadora y plena de energías positivas para su nuevo amanecer. Manifestación del Padre Eterno a través de su última profetisa para esta generación, Gabriele Wittek, desde Alemania y traducido para los 5 continentes. (Junio 2019). No es ciencia ficción, el que tenga ojos... ◙A difundir, de nada sirve ser luz si no vas a iluminar el camino de los demás. El barómetro naturaleza muestra además, en donde se encuentra la humanidad◙ XELESTA Aurora Boreal en voces femeninas
Novas y supernovas en esta columna quincenal, plataforma continental de la escena under global. Los anillos macro-sónicos en escalas ascendentes continúan◙PATRICK WATSON, canta-autor con base en Montreal/Canadá, se inició con su banda WATSON, fusionando cabaret-pop y música clásica con influencias del indie rock. Comparado con actos como ANDREW BIRD, NICK DRAKE, JEFF BUCKLEY, WAINWRIGHT y PINK FLOYD, x su experiencia musical. Nacido realmente en Lancaster/California de padres canadienses aunque criado en Hudson/Quebec. Estudió en Lower Canada College y música en Vanier College de Montreal, como que integró también la banda de ska GANGSTER POLITICKS. En 2007 obtuvo el trofeo Polaris Music Prize. PW promueve su single Dream For Dreaming, incluido en su álbum Wave disponible desde el 18 de octubre. Música para expandir la mente◙
OVERCOATS, dupla de New York, integrada x Hana Elion y JJ Mitchell, debutaron en 2017 con su álbum Young que dio de que hablar. Hana nació en New York, criada en Washington como que ha vivido en Jamaica, Uganda y Belize, durante su adolescencia. Este combo está ubicado dentro de la electrónica minimalista con influencias del neo-folk y neo bluegrass. Ellos se autodenominan como soulful-folk-tronic-tunes. Su actual single titula The Fool◙
BOMBAY BICYCLE CLUB, cuarteto de Londres, con Jack Steadman en el timonel, alimenta el post-punk revival y neo folk al momento que pone en órbita neo single y respectivo clip Eat, Sleep, Wake (Nothing But You). A primeras el clip me llevó al universo de VINCE CLARK◙ Iones positivos aterrizan en fraternidad sideral con POESY, que tendrá su EP Glassbox Confessional para octubre y mientras circula ya su single Body Language. Una de las voces revelación de Canadá y quien ha unido talento al de Gavin Brown quien ha trabajado con METRIC, THREE DAYS GRACE y otros◙ HOT CHIP con el tándem Joe Goddard y Alexis Taylor, mesmerizan tus sentidos con single y clip: A Bath Full Of Ecstasy◙ X otro lado, THE BIG MOON, tendrá su o.v.i en álbum Walking Like We Do para el 10 de enero 2020. Su actual single Your Light◙
El universo de universos de la escena indie continúa con la actualidad en clips que desfilan en mi vixor orbital.
SCANNER Saga de inesperados covers
ELIXIR MENTAL Saga de los 80´s
VIXOR DE MEMORIA Saga de los 90´s
POWER POINT Saga de los 2000´s
BAUHAUS, átomo original de la escena under se vuelve a unir tras idas y venidas con sus integrantes originales el 3 de noviembre en Hollywood Palladium de Los Angeles◙ La energía del Eterno que fue degradada x el yo humano, se convertirá en fuerza positiva◙STOP!
por CÉSAR HILDEBRANDT
Extraído de "Hildebrandt en sus trece"
A los idiotas que inventaron la revolución industrial se les ocurrió hace muchos años desprestigiar a la tristeza. O sea que podías ser proxeneta, mercenario, pirata, esclavista o asesino; lo que no podías ser era ser (a veces) triste. La gente huía de los tristes porque suponía –y con razón- que la tristeza era una señal de desadaptación. Nada más calumniado, desde entonces, que la tristeza. Contra ella han librado campañas demoledoras desde hace 300 años, pero ninguna como la que libraron, en las últimas décadas, los jefazos de las corporaciones, los neocon y su corte de violentos fronterizos, el departamento de mercadotecnia de Monsanto, la televisión de los rufianes. Es que la tristeza no es capitalista. En cambio, si prescindes de toda tristeza Hollywood te parecerá una maravilla y la moda de la casa Versace un arcoiris y hasta Obama te parecerá un profeta disfrazado de rey mago. Y, sin embargo, a pesar de tantas difamaciones, una cierta tristeza de fondo suele ser hija de la lucidez. Jamás he visto a una persona sabia que no tenga una pincelada de tristeza. No hablo, claro, de la tristeza cursi y con tundete de jarana. No hablo de la tristeza que paraliza y que inutiliza. Hablo de ese halo fino que procede de la conciencia de la muerte. Y que vuela al lado del águila mayor, que es la idea de lo absurdo. Para exterminar a la tristeza crearon fábricas argentinas de psicoanalistas (los hay también muy buenos), submarinos de fenobarbital, obleas de serotonina y/o dopamina, y, más radicalmente, una Disneylandia hecha de puro litio fluorescente. Persiguen a los tristes en este mundo donde Ricky Martin ha sido el logotipo de la vitalidad. Los abalean con píldoras, consejos, fórmulas magistrales, flores de Bach (cuando las únicas flores de Bach son sus suites para viola). Les temen y les quitan el empleo. Porque los tristes son una pelusa en ese mecanismo que no puede chistar ni chirriar. Son la nube negra en el cielo pintado por los escenógrafos de Mobil Oil. Son la presa que no se deja cazar, el borbotón de vida que no pudo embotellarse. Se odia a la tristeza en este mundo donde el Éxtasis entona, la cocaína anima, la marihuana rima y la guerra se prepara en los países que ya la perdieron. Todo se tolera excepto la tristeza. Desacredita la tristeza porque mancha el curriculum vitae y te puede sacar del fiero mercado en el que toda duda es sospechosa y toda pregunta en torno al asesinato que vas a cometer te descalifica. Por todo eso y por muchas otras razones yo amo la tristeza desensillada y simple, pura y desvergonzada, mundial y necesaria si quieres demostrarte que estás vivo. Repito: no hablo de una tristeza crónica que te paralice sino aquella ráfaga de tristeza que te recuerde tu humanidad, los hijos que vuelan, el parecido con la gotera que puede tener el tiempo y el paso de los días enroscados.
Continuamos con nuestra serie de vuelos paradisíacos que harán de tu día a día lleno de politicastros, arribistas y demás esperpentos algo puro. Presentamos una porción de lo que ha pasado a través de nuestros ojos, mente y corazón vía downloads, notas de prensa, etc. La avanzada no duerme, sigue activa transgrediendo e inventando neo-horizontes desde calles perdidas en algún país del tercer (o cuarto) mundo o desde la suite más in de New York o Londres. Cuando este planetita no esté -ojalá sea bien pronto, y tal parece que así será cortesía de la raza humanoide- nadie sabrá si quiera todo lo que hicimos, malogramos y perfeccionamos. ¿Estás por lo real? DJ PYTHON - Derretirse Dekmantel, 2019 Como DJ Python, Brian Piñeyro ha contribuido con un nuevo y maravilloso sonido a la música dance estadounidense: el deep reggaetón. Informado por la herencia de Piñeyro y su tiempo viviendo en Miami, el deep reggaetón sumerge el sensual movimiento del Dembow en exuberantes y espaciados fondos. En manos del productor de Nueva York, estos ritmos son meditativos. "Derretirse" lleva su música a un nuevo nivel de profundidad. Imagine el último álbum de Piñeyro, "Dulce Compańia", combinado con la serie de Artificial Intelligence de Warp. El EP de seis pistas se sienta y se reclina como si estuviera en la sala de descanso iluminada por una lámpara de lava de un chill-out de mediados de los 90. El sonido de Python siempre ha sido de ensueño, pero "Derretirse" lo es especialmente. "Espero" flota en un lago de reverberación y eco, mientras que el empuje más firme de "Tímbrame" tiene melodías que suenan como voces suspirantes. Incluso una pista más percusiva como "Be Si To" tiene un encanto tranquilo, sereno en su repetición. "Siento que [Nueva York] me da ganas de hacer música más relajante porque es una ciudad estresante para vivir", dijo Piñeyro en una entrevista de 2018. Su música tiene el mismo ambiente, rebosante de buenas ideas pero cierto en su calma. "Lampara", donde las almohadillas onduladas de estilo Boards Of Canada se despliegan sobre tambores de trip-hop más lentos, es especialmente atractivo. Piñeyro aprovecha el aire enrarecido de tantos registros IDM tempranos, una mezcla de belleza, nostalgia y melancolía. Resident Advisor.
MATEIS E. AQIR - Chrome Upon Guayota 100% Silk El último EP del reconstructivista rítmico ruso con sede en Barcelona Mateis e. aqir surgió durante y después de una estadía formativa en la isla española de Tenerife en el verano de 2017, donde durmió en la arena, recorrió las estrellas y montó en scooters por caminos serpenteantes a través de aldeas remotas. Profundamente inspirado por el paisaje, la gente y las "nuevas emociones" que experimentó, una serie de piezas sutiles, en espiral y empoderadas de percusión comenzaron a florecer en destellos y bocetos, que se articularon aún más en Barcelona. La guitarra eco-flexionada y el bajo circular se entrelazan con patrones escalonados de bongo y caja de ritmos, evocando alternativamente una sensación de levitación, hipnosis y vértigo, que se aproxima a su propia perspectiva surrealista y reveladora del viaje: “El tiempo existe en nosotros, no nosotros en el tiempo. Las vibraciones de la isla hicieron que esta música sonara en mi cabeza".
JULIO CAFARENA Pop futurista otoñal Superspace Records, 2019 Nostalgia, sueños, días sin lluvia... se convierten en una verdad. Pronósticos errados y confusos, del sí y del no. Nostalgia, sueños y días sin lluvia es lo que trae el avance de la diagonal árida. Sueños de una robótica manera de vivir. Nostalgia de un lugar prístino. Actualidad de lugares donde el pop es el ganador. Nostalgia por ritmos básicos e hipnóticos. Nostalgia por lo simple. Nostalgia por la lluvia que nunca vendrá.
SORA - Re.sort Svetlana Records, 2003
Cortes relajantes y collages analógicos para soñadores en la brisa de verano. Lanzado originalmente en 2003 (solo en CD), concebido por Sora, alias Takeshi Kurosawa. Re.sort es un milagro de la electrónica japonesa. Ampliamente desconocido pero muy necesario. Fragmentos y texturas coquetean juguetonamente entre sí, bossa nova y discos de jazz flotan en el aire, un viejo fonógrafo se sienta junto al mar. Leftfield que se siente como un hogar lejano, donde naderías alegres lo son todo. Dulce minimalismo y micro melodías. Sora significa cielo. Vamos a la deriva.
ROBOTALCO - Callisto 100% Silk por MARTYN PEPERELL Cuando lo estás buscando, rápidamente te das cuenta de que hay una gran cantidad de música hecha de batería y sintetizador que implica el recuerdo de una puesta de sol de verano perfecta desde una playa de arena cubierta de palmeras, todo en VHS granulado. Calidad de la cinta no menos. Entonces, cuando escucho, no, en realidad experimentar es una palabra mejor, experimento una canción como "Tape 1", donde puedes sentir el sol en tu espalda, pongo atención. ‘Tape 1’ es la primera canción en Callisto, la última oferta del DJ y fabricante de música italiano Sebastiano Urciuoli, también conocido como Robotalco, que se lanzó a través del sello 100% Silk de Los Ángeles. Para aquellos que no están familiarizados, Urciuoli comenzó a hacer mixtapes de hip-hop y house en Milán en los años 90, antes de pasar al paisaje disco para calentar las pistas de baile con una serie de singles y ediciones como Club Silencio. En la década de 2010, se reinventó a sí mismo como Robotalco, con una misión declarada de explorar, "vibraciones líquidas, el house futurista industrial francés de los 80 y el cruce de caminos intangible de Kingston y Detroit", un estilo de lógica de excavadora de cajas que aparece con buenos resultados para escuchar. Después de 'Tape 1', las vibraciones playeras en Callisto comienzan a entrar en una configuración de dub techno caribeño en la canción principal del álbum, antes de convertirse en un ácido doblado en 'Cuissardes Fatality', tocar dream house con 'Day Dreamer' y golpear un uptempo boogie/mover-el-esqueleto shuffle-barajeo callejero en 'Bubble Rhodes'. Al igual que con la "Tape 1", una característica central de las diez pistas que componen Callisto es cuán correctamente habita Urciuoli las formas en las que camina. Ya sea el salto aplastante de 'Freedub', la sincopación diurna de 'Missaglia Jungle' o los espaciosos ritmos mecánicos de 'Robodub 3' como ejemplos, la comprensión de Uriuoli de la música de baile como un vehículo para paisajes oníricos, hechizos, mitos y vidas mágicas en el bolsillo, y hace que una hora gastada con esta nueva oferta valga la pena.
ISHISHCHA - Na Superspace Records, 2016
por CECILIA GAMARRA ...Me gusta coleccionar música y me gusta compartirla, tengo una canción favorita: Danza Ondulante de Delirios Krónicos y 4 compositores que han hecho que mi cerebro trabaje de forma tal que han logrado observe de distintas perspectivas el mundo: Mort Garson, Hiroshi Yoshimura, el colectivo Geinō Yamashirogumi (de quienes hablaré en un próximo artículo) e Ishishcha de quien escribiré hoy. Con Ishishcha pasó algo especial, nunca me había enamorado de un proyecto, cuando digo enamorarme es tal cual, quiere decir, el tipo de amor que le tienes a una novia o novio, de querer verle siempre, en mi caso era escucharle siempre, de querer abrazarle con el corazón y no soltarle jamás, no quería saber quién era el/la compositora, solo quería escuchar cada melodía y esa voz cargada de nostalgia y dulzura... Las canciones de Ishishcha son como un puente que te conecta con distintos caminos, uno de ellos con la energía ancestral, quizás por la lengua que emplea y probablemente porque mi abuela era cusqueña es que me emociona mucho escuchar este proyecto.Quien la escuche irá creando y transportándose a distintos paisajes. Otro camino es la conexión con la energía micro y macro cósmica, cuando escucho Méxicomanta Alfredoq takin me transporta a un escenario galáctico, el sonido introductorio es como post apocalíptico, luego van integrándose otros elementos y hago una regresión, visualizo que soy un feto retornando al vientre de mamá, luego soy luz, nada, pero una nada que a pesar de eso está ahí, existiendo, va viajando interplanetariamente y soy energía circulando vibra mi corazón...
PIETER NOOTEN & MICHAEL BROOK - Sleeps with the Fishes 4AD, 1987 por Dominik Barmanski "Sleeps with the Fishes" es un álbum ambiental excepcionalmente bello y criminalmente subestimado de Pieter Nooten y Michael Brook. Uno de esos secretos bien guardados :) Lanzado por el legendario sello 4AD en 1987, y muy raro en vinilo, es una historia musical contemplativa, atemporal y de alto orden que vale la pena tener en cualquier formato. No es solo una cadena de paisajes sonoros nebulosos, como a veces es el caso con cosas "ambientales". En cambio, es una visión bien diseñada, una que tiene un arco narrativo sutil pero discernible y, por lo tanto, no necesita ocultar la falta de ideas detrás de una fachada de "minimalismo". Está lleno de momentos increíblemente buenos. Para hacer las cosas más interesantes, ¡Brian Eno fue uno de los colaboradores! Y la gran profundidad de sonido es simplemente impresionante, especialmente en la genial canción melancólica "After the Call". • Dirección de arte de portada y diseño de Vaughan Oliver.
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PROMO DEL CD DE FRACTAL
barbarismos
El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.
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realismo capitalista peruano, ¡ja, ja!
rojo 2
es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo
En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez.
«Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.
MARK FISHER.
perú post indie
Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños. Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo... Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?
FRED ROHNER Historia Secreta del Perú 2
as it is when it was
sonido es sonido
pura miel
nogzales der wil
RETROMANÍA
"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia."
SIMON REYNOLDS
Retromanía
