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MUKI REC

SSR

viernes, 29 de noviembre de 2019

Scorn ha sacado nuevo álbum, Cafe Mor



El álbum de ocho pistas ya está disponible en Ohm Resistance.


El artista británico, cuyo nombre real es Mick Harris, regresa a su ambiente oscuro y su sonido influenciado por el dub en "Cafe Mor", ahora a través de Ohm Resistance. Compuesto por ocho pistas, el álbum presenta voces de Jason Williamson de Sleaford Mods en la quinta canción, "Talk Whiff". El LP también ve contribuciones de Daniele Antezza de Dadub, quien masterizó "Café Mor".

Harris es el ex baterista de Napalm Death, la banda pionera de grindcore del Reino Unido que comenzó en los años 80. (A veces se le atribuye haber inventado el blast beat). Cafe Mor es su primer largo desde el lanzamiento de "Refuse; Start Fires" en 2010, también manejado por el sello de Brooklyn enfocado en drum & bass, Ohm Resistance.

Cafe Mor progresa desde el aplastante digi-dub ('Elephant' y 'The Lower The Middle Our Bit') a zonas más industriales y más pesadas, posiblemente llegando a su punto máximo con 'Talk Whiff', una canción con Jason Williamson de Sleaford Mods.

Escúchalo/Adquiérelo en bandcamp.



Lucy remezcla a Donato Dozzy, Caterina Barbieri y más vía Stroboscopic Artefacts



El fundador de Stroboscopic Artefacts, Lucy, también conocido como el productor Luca Mortellaro, continúa celebrando 10 años del sello con un nuevo EP de remezclas.


"Lucy Reworks" ve al productor poniendo su propio giro en temas que representan "momentos significativos y profundamente personales" en la historia del sello, incluyendo 'Sotto Ma Sotto' de Donato Dozzy, 'War Lullaby' de Lucy y Ben Klock, 'Link' de Xhin y 'Virgo Rebellion' de Caterina Barbieri, que apareció por primera vez en la excelente recopilación "Flowers From The Ashes".

El EP sigue a "X - Ten Years Of Artefacts", una compilación de aniversario que presenta canciones originales de los afiliados del sello Rrose, Chevel, Alessandro Adriani, L.B. Dub Corp (Luke Slater), Efdemin, Lotus Eater y el propio Lucy.

Stroboscopic Artefacts lanzará "Lucy Reworks" el 24 de enero de 2020. El sello se encuentra actualmente en medio de una serie de exhibiciones del décimo aniversario en Europa y América del Norte con artistas clave de su lista.





jueves, 28 de noviembre de 2019

Flashback: KARLHEINZ STOCKHAUSEN y su Kontakte



Casi todos los trabajos que Karlheinz Stockhausen escribió en la década de 1950 parecían abrir nuevos caminos, pero pocos tuvieron un impacto más duradero que Kontakte, que planeó en 1958 y que realizó durante los siguientes dos años en los estudios electrónicos de la Radio de Alemania Occidental. La partitura existe en dos versiones: como un trabajo puramente electrónico en cinta, siguiendo el igualmente innovador Gesang der Jünglinge que Stockhausen había completado inmediatamente antes, y como una pieza electroacústica (la primera y una de las primeras compuestas), en el que los sonidos pregrabados se combinan con instrumentos en vivo, un piano y percusión.

Kontakte (1959-60) fue la primera pieza de Stockhausen en usar electrónica e instrumentos tradicionales juntos, marcando un punto de inflexión en su carrera, cuando su música comenzaba a mostrar las influencias del jazz y compositores de vanguardia estadounidenses como John Cage. En Kontakte, los músicos en vivo tocan junto con una grabación en cinta de sonidos de percusión que han sido alterados por diferentes dispositivos electrónicos (es decir, un modulador de anillo o un reverberador). Stockhausen quería que los músicos improvisaran sobre la cinta preparada, pero los músicos estaban tan perdidos que Stockhausen eventualmente tuvo que marcar también las partes instrumentales.

Fue estrenada en un festival de Colonia en mayo de 1960. El nombre se refiere, según explica el autor, “tanto a los contactos entre grupos de sonidos instrumentales y electrónicos como a los contactos entre distintos momentos, autosuficientes y claramente diferenciados entre sí”. Existe en dos versiones, una para electrónica sola y otra para electrónica, piano y percusión. Su composición supuso, de nuevo según Stockhausen, “el hallar por primera vez la forma de controlar las distintas propiedades de la música [timbre, altura, intensidad y duración] de acuerdo con un solo criterio rector”. Su estreno marcó un antes y un después en la música moderna.

Fuente: Internet






Kontakte fue presentada en dos versiones: una con acmopañamiento de piano y percusión; la otra -preferia por muchos, incluido el dúo electrónico Autechre- sin acompañamiento. Como explicaron Stockhausen y otros, el tema de Kontakte era su forma. Representaba para él la culminación del serialismo, una hazaña de organización total en la que "timbre, altura, densidad y duración son puestos bajo control único". En las interpretaciones en vivo, el centro de control era una "mesa giratoria" rodeada de por cuatro micrófonos desde la que el compositor podía manipular y distribuir por el auditorio los sonidos de la obra, colocándolos en cualquier lugar que quisiera por medio de parlantes ubicados en las cuatro esquinas de la sala. Esto hacía posible una variedad de relaciones entre la fuente sonora y el oído humano. Organización total como plataforma para la libertad absoluta: una posibilidad excitante o perturbadora dependiendo de la disposición del oyente para absorber música en la "oscuridad", sin los apoyos y certidumbres de los arreglos y la orquestación convencionales. Para algunos, Kontakte puede sonar como desechos electrónicos tóxicos arrojados en forma aleatoria por malhechores escondidos. No escasearon los oyentes que pensaron eso, varios de ellos ubicados en posiciones elevadas. Como recordó Stockhausen en 2005 en una entrevista con Réjean Beaucage: "Karl Amadeus Hartmann, compositor sumamente influyente y presidente de la filial alemana de la Sociedad Internacional para la Música Contemporánea, pasó al lado mío al salir de la sala y soltó: 'Scheißstück', '¡Una mierda!'. Me sentí realmente herido".

Kontakte fue compuesta y presentada en una época en la que la imaginación popular del mundo occidental todavía estaba sumida en las pesadillas de posguerra de una inminente invasión de ovnis, representadas en incontables películas de clase B y parodias por Jerry Lewis y The Phil Silvers Show. También estaba la perspectiva de la exploración humana del espacio exterior, con los primeros satélites puestos en órbita y Yuri Gagarin a punto de hacer el primer vuelo espacial tripulado. Según Stockhausen, el título de la obra se refería en términos académicos a la interfaz entre diferentes elementos musicales, pero la palabra tiene su propia resonancia: uno piensa en el "primer contacto", no solo con formas de vida alienígenas, sino también con formas de música extraplanetarias, completamente alejadas de las bases en que se asientan las músicas conocidas, de la tierra en la que están cultivadas. Es una música que llega justo en el momento en que la topografía de la imaginación humana está comenzando a expandirse hacia lo cósmico desconocido. Los eventos que se insinúan en Kontakte en términos abstractos/concretos -ansiedad, impredictibilidad, aventura- deberían haber reflejado los de la humanidad al borde de la era espacial, deberían haber tocado múltiples fibras; una sensación del espacio exterior acoplada a una nueva conciencia espacial. No obstante, al menos en su propio tiempo, su impacto estuvo confinado a una pequeña camarilla dentro del mundo académico subsidiado de la vanguardia europea. Elvis seguía siendo el principal proveedor de electricidad popular.

DAVID STUBBS
"Sonidos de Marte. Una historia de la música electrónica"

martes, 26 de noviembre de 2019

La estafa de la neo-izquierda posmo



Extraído de "El Post-Modernismo ¡vaya timo!" por GABRIEL ANDRADE


La bandera de la izquierda postmodernista no es ya propiamente el socialismo, sino el abandono de la racionalidad moderna y la conservación de las culturas frente al crecimiento de la civilización occidental. Y, en función de eso, ha venido a ser ‘derechista’ todo aquel que favorezca la hegemonía cultural del Occidente moderno y racionalista en el mundo entero. La misma noción de progreso es ahora interpretada como una ideología derechista que sirve de excusa para colonizar y atropellar a los pueblos no occidentales. A partir de eso, los nuevos izquierdistas estiman que la manera de liberar a los no occidentales es propiciando la conservación de sus ancestrales formas de vida. Como corolario, estos nuevos izquierdistas se hacen llamar ‘liberales’ y tachan de ‘conservadores’ a sus oponentes, sin caer en cuenta que es mucho más conservador quien, precisamente, busca conservar antiguas costumbres y creencias.

El multiculturalismo  (el movimiento que valora a todas las culturas por igual) es así parte integral de la nueva izquierda. Frente a las pretensiones universalistas tanto de los derechistas liberales como de los primeros socialistas, el multiculturalismo defiende a ultranza la diversidad y la particularidad de cada pueblo (de nuevo, muy en concordancia con el rechazo postmodernista a lo universal). Bajo esta ideología, ninguna cultura está en el derecho de imponer, ni siquiera de persuadir, sus costumbres y creencias a otros pueblos. Y, ello parte del principio de que ninguna cultura es superior o mejor que otra. Todas las culturas tienen el mismo valor, todas deben ser respetadas por igual. En la medida en que las culturas renuncien a sus pretensiones de extender sus costumbres y creencias a otras culturas, cesará la explotación y las guerras.

Es hora de admitir que el postmodernismo ha traicionado a la izquierda clásica. La antigua izquierda pudo haber propiciado el totalitarismo y la estagnación económica en la U.R.S.S. y sus Estados satélites, pero al menos, los antiguos izquierdistas tenían firmes convicciones y estaban dispuestos a erradicar la explotación en el mundo. Pero, la nueva izquierda, al convertir en un fetiche a la cultura, la diversidad y el rechazo a la racionalidad moderna, está propiciando totalitarismos peores que el estalinista: en la medida en que rechaza el universalismo y celebra la diversidad cultural a toda costa, y admite el valor de las tradiciones sean cuales sean, está marcando un regreso a la más rancia derecha reaccionaria del siglo XIX. Es trágicamente sorprendente que la izquierda decimonónica, fundamentada en el socialismo científico, sea ahora traicionada por una izquierda postmodernista que niega que la ciencia sea superior a supersticiones como la homeopatía o el Feng Shui.

No es necesario ser derechista para afirmar la superioridad de la ciencia y la racionalidad, y para sostener la necesidad que el planeta entero tiene en asimilar muchísimas prácticas y creencias originarias del Occidente moderno. Esto ha dejado de ser un tema de derechas e izquierdas, y se ha convertido más bien en un tema sobre si debemos llamar al pan, ‘pan’, y al vino, ‘vino’. Desde el siglo XIX, los derechistas liberales y los socialistas habían convenido en lo más elemental: la ciencia es mejor que el mito, la tecnología es mejor que la artesanía, la racionalidad es mejor que la irracionalidad. Pero, ahora, la izquierda postmodernista pretende alterar lo que antes resultaba tan elemental.

Hoy existe la tentación de meter en el mismo saco izquierdista a Marx y Engels con postmodernistas como Derrida o Foucault (tristemente, este último defendió el régimen ultraconservador de los ayatolás en Irán, algo insólito para un supuesto izquierdista). A riesgo de especular, estimo que, de estar vivos, Marx y Engels se resentirían por ello. El oponerse al postmodernismo está muy lejos de abrazar el capitalismo y renunciar a las pretensiones de propiciar una revolución socialista. Es perfectamente viable adherirse a la promoción del socialismo y a la vez adherirse a los valores modernistas. La ciencia, la racionalidad y el predominio cultural de Occidente serían precisamente los medios para acabar con la explotación y la miseria en el mundo. Las ideas modernistas serían, por así decirlo, armas para la revolución. 

La izquierda ha sido usada y abusada por charlatanes que quieren convencer a la clase trabajadora de que el abandono de lo que ellos llaman ‘discursos totalizantes’ finalmente los librará de la explotación. Si la izquierda quiere recuperar algún prestigio tras el fracaso de la experiencia soviética, debe empezar por retomar la herencia de la modernidad, y resistir la tentación postmodernista de oponerse al predominio de la racionalidad y a toda forma de sistema. No fue la racionalidad, sino la falta de ella, la que condujo a los campos de concentración estalinistas y el totalitarismo. Cualquier persona pensante hubiese comprendido que el totalitarismo habría sido una monstruosidad moral, y que hubiese resultado perjudicial desde todo punto de vista. Fue precisamente el abandono del pensamiento racional lo que condujo a las atrocidades de Hitler y Stalin. 

El hecho de que en el Holocausto se hubieran empleado técnicas sofisticadas de exterminio no implica que semejante monstruosidad haya sido propiciada por el predominio de la racionalidad. Fue, en todo caso, una empresa profundamente irracional que se valió de algunas técnicas racionales. El Holocausto ocurrió porque se abandonaron los ideales modernistas. Si se hubiese asumido a plenitud el modernismo, se habría comprendido que el exterminio de seis millones de personas era la cumbre de lo absurdo. De hecho, no es casual que el pensamiento de Nietzsche y Heidegger, dos de las vacas sagradas del postmodernismo, fuera entusiastamente abrazado por los nazis.

Afortunadamente para la izquierda, queda una luz al final del túnel. Algunos intelectuales de izquierda han reconocido que el rechazar al proyecto modernista no ayudará en nada a la clase trabajadora, ni contribuirá a construir una sociedad más justa e igualitaria. Antes bien, estos intelectuales reconocen que el camino a la felicidad está en la misma continuidad de la modernidad, y no en su ruptura. El más emblemático de estos intelectuales es el alemán Jürgen Habermas. A su juicio, la modernidad es aún un proyecto incompleto que no puede considerarse como fracasado. Antes bien, para asegurar su éxito, es necesario asumir a plenitud la mentalidad modernista. Podemos admitir, sostiene Habermas, que en varias instancias, el modernismo ha tenido algunas desviaciones. Pero, estas desviaciones han conducido al abandono de la misma modernidad. Lo necesario, entonces, es hacer retomar a la modernidad su camino inicial: ciencia, orden, progreso, racionalidad, técnica. 

Para leer más… BLOOM, Alan. The Closing of the American Mind. New York: Simon & Schuster. 1988. El célebre crítico cultural Alan Bloom manifiesta su desdén con las actitudes de los jóvenes universitarios de finales del siglo XX. A pesar del renombre de esta obra,  hasta donde tengo conocimiento, no ha sido traducida al castellano.  REVEL, Jean Francois. El conocimiento inútil. Madrid: Austral. 2007. Una colección de ensayos, en varios de los cuales se reseñan los giros históricos de la izquierda.

Lo Recordings lanza música inédita del fallecido Susumu Yokota



Música inédita del compositor japonés Susumu Yokota recopilada en un nuevo LP


Lo Recordings ha lanzado Cloud Hidden, una nueva colección de música inédita del difunto productor japonés Susumu Yokota. Una figura muy respetada en el mundo de la música ambient que también profundizó en el techno y la música house, falleció hace cinco años y esta colección marca el primer lanzamiento completo de música de él desde su muerte. Abajo, puedes ver el vídeo de una de las canciones inéditas llamada 'The Future of Ecstasy'.






El lanzamiento en sí se produjo tras el descubrimiento de una cinta DAT por Mark Beazley (que había trabajado con Yokota en el EP colaborativo Rothko / Yokota "Rivers Edge") que contenía pistas inéditas y versiones preliminares de los tracks que formaron su álbum de 2002 The Boy and the Tree. Mark no recordaba por qué o cuándo le enviaron la cinta.

Beazley envió las pistas al fundador de Lo Recordings, Jon Tye, quien dijo que "decidió hacer lo mejor que podía para honrar el espíritu y el legado del trabajo de Yokota completando las pistas de una manera que [él] pensó que aprobaría". Lo Recordings había sacado varios registros de Yokota antes de su muerte.









Este año se cumple el quinto aniversario de la partida de Susumu Yokota de este mundo y, sin embargo, todavía está aquí. Su música siempre tuvo una calidad atemporal y este nuevo lanzamiento es un ejemplo perfecto.

Fue concebido después del descubrimiento de una cinta DAT por Mark Beazley que contiene pistas inéditas y versiones preliminares de los tracks que formaron "The Boy and the Tree". Mark había trabajado con Yokota en el EP de colaboración Rothko / Yokota "Rivers Edge", pero no recordaba por qué o cuándo le enviaron la cinta.

Mark envió las pistas a Jon Tye, quien decidió hacer todo lo posible para honrar el espíritu y el legado del trabajo de Yokota completando las pistas de una manera que pensé que aprobaría.

‘Solo conocí a Susumu una vez, pero me comuniqué con él muchas veces y siempre sentí una fuerte conexión con él y su música, todo se unió rápidamente y fluyó de principio a fin sin pensar ni preguntar. Espero que lo que he creado sea un tributo apropiado. Fue un privilegio entrar al mundo de Susumu Yokota y pasar tiempo con su espíritu ".

‘Muchos de los títulos y la cita a continuación están tomados del libro" Cloud-Hidden, Whereabouts Unknown "de Alan Watts, que estaba leyendo en el momento en que se mezclaron las pistas".


Buscando al ermitaño en vano

Le pregunté al niño debajo de los pinos:
Él dijo ‘Los maestros se fueron solos
Recogiendo hierbas en algún lugar del monte
Oculto en la nube, paradero desconocido "

Chia Tao (777-841)
Trans. Lin Yutang

lunes, 25 de noviembre de 2019

Conoce la indietrónica soñadora de FLOUR FLOUR



Flour Flour, con sede en Berkeley, es el proyecto de pop alterno de Brian Baughn. Originario de Idaho, Brian estuvo inspirado para dejar un trabajo de tecnología en San Francisco para seguir escribiendo sobre los temas de reinvención y descubrimiento de adolescentes que habían comenzado a aparecer en sus canciones, y al hacerlo esperaba reclamar algunas de las mismas libertades que los adolescentes deben reclamar por sí mismos de sus padres. El resultado fue el primer EP Dimension A de Flour Flour, una mirada juguetona a las comodidades y limitaciones del hogar. Las influencias incluyen a Joni Mitchell, Aphex Twin y Ariel Pink.

Un concierto de la banda de metal progresivo Tool (al cual asistió mientras estuvo bajo esa influencia) fue el ímpetu para la canción  "Three Eyes" pues le recordaba al cantante y guitarrista de Flour Flour Brian Baughn del poder que la música otorga a los  impotentes, particularmente adolescentes. Con la lengua firmemente en la mejilla, la canción cuenta la historia de una banda ficticia Three Eyes y el papel que juegan en la transformación de un joven nerd que quizás se parece un poco a Brian mismo cuando era adolescente. Mientras la letra de la canción toca el tema del comercialismo de la banda y el uso de drogas, las melodías optimistas irven como un recordatorio de lo que sucede cuando un chico idolatra a una banda y es todo dulzura, y en definitiva esencial para crecer.


domingo, 24 de noviembre de 2019

El placer de la ignorancia



por CÉSAR HILDEBRANDT
julio 2008

“...para que diga por qué APRODEH intervinió en favor del MRTA...”, dice el locutor de RPP.
“...Aperturarán proceso penal en contra de funcionarios...”, añade su pareja de locución unos segundos después y refiriéndose a otro asunto.
“Un equipo se preparaban...”, insiste la voz de RPP, o sea “la del Perú”, instantes más tarde.
Y todo eso en el lapso de unos segundos.
Y me refiero a la emisión de ayer por la tarde, entre las 6:30 y las 7 p.m. Lo que transcribo puede ser verificado escuchando la grabación respectiva.
¿Intervinió? ¿Aperturarán? ¿El equipo que se preparaban?
La radio está más cerca de la gente que apenas habla español. Claro que sí.
Y para remate, el conductor del noticiero, un amable nieto de Chita, comenta un “concierto romántico” que será “todo un suceso” y recomienda, eso sí, que “no se corten las venas cuando vayan”.
¿Cuándo se jodió la radio, Zavalita?
¿De dónde viene ese Huascarán de bazofia gramatical, esa riada de huachafería, ese supremo mal gusto? ¿Cuándo fue que empezamos a ser nuestro propio Yungay cultural?
Con la debacle del Perú, por supuesto.
Si un Nuremberg internacional de educadores nos juzgase, la horca nos esperaría. El Perú es, en cuanto a ignorancia declamada, nazismo puro. Y muchas de sus falsificadas universidades son el campo de concentración donde se tortura al lenguaje, se gasea al arte, se patea hasta la muerte a las matemáticas y se marca a fuego el brazo de la imaginación.
Si fuera posible herir al idioma sin palabras, los peruanos lograrían esa hazaña aunque fuese matando a todos los mimos de la tribu. ¡Qué mal se habla y qué peor se escribe en estos reinos que un día vieron a Garcilaso el Inca subiéndose a las más altas cotas del idioma!
Los escuadrones de la muerte del analfabetismo al mando se pasean por las redacciones impartiendo sus manuales de estilo, aporreando a los partisanos que insisten en escribir con corrección, amenazando con los peores castigos a los que leen. Un tal Zavala los financia, un tal Delgado los arma, la cucaracha Martina los destina, el demonio de Tasmania les da el tono.
¿Cuándo fue que nos jodimos, Vargas Llosa?
Creo que nos jodimos:
a) cuando la escuela de Teresa González de Fanning fue reemplazada por la Escuela de Choferes;
b) cuando Porras Barrenechea empezó a ser un desconocido;
c) cuando Mariátegui fue sólo una avenida que cruza Jesús María;
d) cuando Chapulín el dulce tuvo más presupuesto que el Conservatorio;
e) cuando a “Radio Selecta” la mataron de un botellazo en la Novena Sinfonía;
f) cuando Ricardo Palma fue sólo una universidad que auspicia mamotretos;
g) cuando al pobre Vallejo lo raptó un tal Acuña;
h) cuando en el Bausate Meza empezaron a creer que Abril de Vivero era una florería;
i) cuando a Blanca Rosales la llamaron la directriz;
j) cuando nadie recordó que Javier Prado fue, antes que una vía rápida, el autor de “El problema de la enseñanza” y el rector por encargo de San Marcos;
k) cuando todos creyeron que la Vulgata Latina era la Chichi;
l) cuando el cachorro Zavala pensó que José Enrique Rodó había sufrido un grave accidente;
ll) cuando Tula Rodríguez soñaba con bailar las suites de Barranco en tutú rosado;
m) cuando Jessica Tapia creyó que D’ Anunnzio era un gran publicista;
n) cuando los hermanos Agois aprendieron a firmar (hace ocho años);
ñ) cuando Cacho llamó al ministro del Ambiente para hacerle una consulta;
o) cuando Bryce se plagió a sí mismo y escribió “Un mundo para Julius”...
Etcétera, etcétera.
Hace poco tuve que hablar con un psicólogo, titulado y todo, que decía “dea” y “dean” en vez de “dé” y “den”, respectivamente. Así que le dije que me “dea” un permiso y me retiré. Javier Velázquez Quesquén dice “habíanos” y “teníanos” y puede ser el próximo presidente de ese Congreso que alguna vez pisó Luis Alberto Sánchez. Un señor escribió hace un año en “El Comercio” que los toros de lidia gozaban tanto cuando los atormentaban en las plazas que dejaban de sentir dolor (“Un mecanismo anula el dolor al toro bravo en la lidia”, “El Comercio”, 30 de julio del 2007, página C-11), lo que constituye, más allá de la gramática, un caso extremo de ignorancia bebida y entusiasta.
Es que también nos jodimos cuando don Luis Miró Quesada de la Guerra se murió y dejó a “El Comercio” muy parecido al Pérez Araníbar.

sábado, 23 de noviembre de 2019

H R 3 0 0 1



AGUJEROS NEGROS. La ciencia debería conocer las correlaciones cósmicas, pero es ciencia celeste y no tan fácil de descifrar. Los científicos investigan e investigan, pero hasta hoy no han conseguido sondear y examinar a fondo la Inteligencia Universal, la Consciencia Universal. Hablan x ejemplo de los llamados agujeros negros del cosmos material, saben que los agujeros negros atraen sistemas solares completos y que en ellos las energías se transforman, pero siguen sin respuesta sobre el por qué y el para qué. La Consciencia Universal, es la fuerza creadora, es el Creador que obra en todos los ámbitos de la Caída y transforma energías, o sea las cambia de forma para bien de la Existencia eterna, a la que pertenece todo el infinito. En base a la Ley de transformación energética, a los agujeros negros se les podría calificar sin más,de máquinas clasificadoras cósmicas, que transforman las energías de partes de planetas y hasta de sistemas solares, y las incorporan a los cosmos correspondientes. En suma, los agujeros negros, atraen a algunos planetas del macrocosmos material y los transforman en sustancias más sutiles. Acabarse en una forma para transformarse en otra superior, más radiante, más luminosa, más cercana a su origen espiritual. Igualmente se transforma energéticamente lo ilegítimo que los que fueron seres humanos introdujeron en su interior, porque sus almas se han elevado en su desarrollo en camino de la purificación y del olvido. También x esto se transforman los astros y son conducidos a la consciencia más elevada◙ Todos los sábados a las 10:00 de la mañana, VIDA UNIVERSAL continúa con sus emisiones desde Alemania para tu evolución espiritual en estos tiempos del planeta Tierra vía 760 y 1360 AM, y on line: http://www.radiobienestar.pe


ACTO DEL AÑO 2019








Tal y como en 2018, se impuso en el planeta el combo THE 1975, en 2019 quien ha destacado durante todo el año ha sido BILLIE EILISH. Su módulo orbital con incontables conciertos durante todo el año, la consagra en definitiva. Considerando su edad, no escatimó esfuerzo alguno en la acción de las mareas sónicas de todas las tendencias habidas y x haber como que envió todas sus erupciones hacia el espacio sideral... y x consiguiente volvieron a ella misma, pero con mucha más fuerza y el balance final de un año en música la sitúa como el ACTO DEL AÑO 2019◙











EVALUACIÓN ANUAL ESCENA INDIE GLOBAL 2019

PARTE 3

Durante todo 2019 anduve con mi escudo diamagnético: antimeteoritos sónicos, antivirus y anticlonación. Mi legado siempre va a ser comunicadora de la raza futura desde las supernovas hasta las galaxias y los quasars y difusora apasionada de la escena indie, la misma que se mantiene viva ahora y x siempre jamás. La Evaluación Anual 2019 continúa en su tercer episodio◙



ÁLBUMES/ESCENA INDIE POP

CHAI - PUNK
SUNDANA  KARMA - ALFILAS´ALPHABET
HANA VU - NICOLE KIDMAN/ANNE HATHAWAY
CHARLY BLISS - YOUNG ENOUGH
NILUFER YANYA - MISS UNIVERSE
VAMPIRE WEEKEND - FATHER OF THE BRIDE
SHARON VAN ETTEN - REMIND ME TOMORROW
SUNFLOWER BEAN - KING OF THE DUDES
LOCAL NATIVES - VIOLET STREET
MATT MALTESE - KRYSTAL











ÁLBUMES / ESCENA CHAMBER POP


KISHI BASHI - OMOIYARI
C DUNCAN - HEALTH
PATRICK WATSON - WAVE
MIKE PATTON & JEAN CLAUDE VANNIER -  CORPSE FLOWER
NICK CAVE - GHOSTEEN
ANDREW BIRD - MY FINEST WORK YET
TINDERSTICKS - NO TREASURE BUT HOPE
THE NATIONAL - I AM EASY TO FIND
JOSEPHINE WIGGS - WE FALL
AMANDA PALMER - TERE WILL BE NO INTERMISSION










Cuantas más personas y animales partan de este planeta, tantos más agujeros negros habrán que absorvan planetas de registro, que entonces son preparados para ser sustancia material. De forma parecida a como en la Tierra tiene lugar un continuo ir venir, de forma parecida es también en el mundo estelar del cosmos material◙STOP!

viernes, 22 de noviembre de 2019

Baltimora - Tarzan Boy

¿Osmose de Expressive E es el sinte del Futuro?



Osmose es un sintetizador de teclado expresivo que responde a gestos físicos. Está disponible para pre-pedido por $ 1,079.

Expressive E no es exactamente el nombre familiar que, por ejemplo, es Korg. Es una pequeña startup francesa con solo un par de dispositivos musicales de nicho en su haber. Pero su Touché y Touché SE son únicos en la forma en que permiten a los músicos controlar y esculpir su sonido. El corazón y el alma del Osmose es su teclado. Se basa en una tecnología patentada llamada Acción de teclado aumentada (AKA). Es, al igual que el Touché, un poco difícil de explicar con palabras. Esencialmente, el teclado permite el control de cada nota individual en tres dimensiones, lo que significa que no solo puedes presionar la tecla hacia abajo sino también moverlo de lado a lado. Esto le permite agregar vibrato a una nota simplemente moviendo una tecla hacia adelante y hacia atrás. Puede que no parezca un gran problema al principio, pero si viene al teclado desde otro instrumento, mover las manos para crear vibrato se siente natural.

Si bien puede parecer que el Osmose tiene un diseño de teclado estándar (aunque con teclas alargadas), es capaz de reconocer diferentes gestos físicos como tocar, sacudir y rasguear. En principio es similar a los instrumentos Seaboard de ROLI, pero sin las teclas blanditas, algo que puede ser más atractivo para los tecladistas tradicionales.





El Osmose funciona con el motor de sonido EaganMatrix de Haken Audio, que según un comunicado de prensa es el "sintetizador expresivo más poderoso del mercado". El motor de sintetizador combina síntesis digital (incluido el modelado físico) con síntesis aditiva, sustractiva, FM, analógica virtual, granular y espectral.

Si no desea utilizar el motor integrado, el Osmose se puede utilizar como un controlador MIDI estándar. También tiene soporte para MIDI Polyphonic Expression (MPE), lo que significa que puede usar los controles gestuales del teclado con cualquier sintetizador compatible con MPE o complemento VST.

Se espera que se envíe en el verano de 2020 a un precio minorista de $ 1,799. Pero puede reservar uno a partir de hoy haciendo un depósito de $ 299. Y si realiza ese pedido anticipado antes del 10 de diciembre (consulte la actualización a continuación), Expressive E descontará $ 700 del precio minorista. Si eres impaciente o quieres asegurar tu descuento, puedes dirigirte al sitio web de Expressive E para hacer tu pedido anticipado hoy.

Actualización: El esquema de precios para los pedidos anticipados de Osmose se ha simplificado y, en lugar de aumentar gradualmente en las próximas semanas, cualquiera que deposite el depósito antes del 31 de diciembre puede obtener uno por $ 1,079.



jueves, 21 de noviembre de 2019

31 años del "Isn't Anything" de MY BLOODY VALENTINE :. Amanecer Shoegazer


Hace 31 años, My Bloody Valentine lanzó su clásico álbum, Isn't Anything, a través de Creation Records. Para celebrarlo, estamos revisando qué decían los melómanos peruanos de la primera escena avant shoegazer.


Considerado por el grueso del público como el debut de los Valentine, al menos así fue para el usamericano/yankee, Isn't Anything representó para MY BLOODY VALENTINE el despegue hacia el paraíso psicotrópico de la vanguardia y el arribo al sitial de honor que ocupan, desde entonces, en la historia de la música. En suma, el primer álbum de shoegaze que se encargaron de firmar. Contemporáneos de otros genios guitarreros como A.R. Kane, Spacemen 3 o Loop, MBV transforma aquí su sonido indie c86 -ese del cual beberían luego gente como The Pains of Being Pure At Heart- en una selva psicodélica adicta a la exploración sónica y la manipulación de millones de efectos y técnicas. En la época algunos en Lima, Perú, lo consideraban superior al Loveless -sin ir muy lejos Chrs Evamuss/Sajjra solía afirmarlo-. En lo que respecta a influencia y nirvanas alcanzados pues diremos que es un digno gemelo. 

Hace 31 años se publicó en UK esta belleza asediante cortesía de Creation Records, otrora hogar del avantgarde indie con bandasas como Slowdive, Ride, Primal Scream o The Boo Radleys; y en Perú Avantgarde lo festejamos recordando las reseñas realizadas en libros activistas -sí, cuando nadie nada un centavo por estos sonidos!!!- por 2 melómanos de la primera escena avant shoegazer peruana: Eduardo Lecca y Eduardo Lenti. 


... Buscar las influencias de las cuales se nutrió el sonido Valentine, resulta ser una verdadera pérdida de tiempo. El aporte más valorable de la banda, indudablemente, fue el tratamiento que aplicó en la elaboración de sus obras, usando el estudio como un instrumento más, y el más importante de todos, concepto que los relaciona directamente con Amon Düül II, Ash Ra Tempel, Kluster, Faust, CAN, Neu!, Klaus Schulze, es decir, con la Psicodelia alemana.

Como dato referencial, los Valentine confesaron gustar de gente tan dispar como el nocivo dúo Suicide, los Stooges, Captain Beefheart, Fall, la Velvet Underground, y tantos otros talentos marginados por la idiotizante industria musical con sus productos desechables. El licuado de esas y otras influencias en la cabeza de un genio como Shields, dio como resultado el sonido Valentine, el cual retocó y embelleció con técnica.

ISN'T ANYTHING (1988) es consecuencia de ello. Las tres piezas iniciales de la obra conforman una trilogía de cargada y morbosa sexualidad, arropadas por ráfagas de ruido, guitarras procesadas, síncopas bruscas en la batería (Soft As Snow), melodías grises como las que ilustran su espléndida cubierta, con vocalizaciones provocadoras (Lose My Breath), combinadas con violencia y con insistentes aporreos en los tambores (Cupid Come), utilizando las cuerdas de la guitarra como un violín de un modo impresionante (Several Girls Galore), a veces recreando cascadas chirriantes con cuerdas superpuestas (You Never Should), derrochando energía a raudales con estrepitosos cambios en los ritmos, los mismos que en ocasiones, fueron invertidos, dando paso a melodías, en donde la voz de Bilinda, resultaba ser más que un provocador lamento (Nothing Much To Lose), adelantando incluso algunos conceptos que evolucionarían en posteriores trabajos, como las capas de guitarras superpuestas (All I Need), inclusive al revés, como en el inicio de Sueisfine, sampleando el efecto en la estructura misma a lo largo de la canción. En resumen, Isn't Anything, resultó ser un disco de potencia y agresión controlada/elaborada, usando la fuerza para hacerse notar de un modo poco frecuente: intelectual. El disco contó con la participación de tres ingenieros de sonido, Steve Nun, Alex Russell y el más importante, Dave Anderson, bajista en los dos magníficos albumes iniciales de los Amon Düül II y miembro temporal de los Hawkwind de la mejor etapa.

En las primeras 5 mil copias del álbum (edición vinilo), regalaban el 7" Instrumental, conteniendo en el lado A una pieza fuerte y veloz, bastante repetitiva (minimal), con capas de ruido cambiante, creando una especie de cortina bajo la estructura, representando tal vez, el pasado no muy lejano de su sonido. En tanto, la instrumental del reverso, marcaba su futuro inmediato. Se trataba de un ritmo contagiante, House-Groovy, sobre el cual, la voz de Bilinda, sampleada y procesada, imitaba el sonido de una guitarra y generaba toda una melodía, coloreando toda la pieza.

EDUARDO LENTI
Cinco décadas de Rock. Parte II (1980-89). La Real Evolución
(2002)







... Señores: El Shoegazing, músicos y artistas que solo necesitan de la autovaloración y del auto-festejo, el Individualismo! La escena que se celebran ellos mismos, cada uno y su interior en completa armonía.

Mientras que en Gringolandia existía una escena denominada "Los Cachacerdos" (antecediendo al Grunge explotado años después) que lanzaban gritos de rabietas y puntos de vista post-High School hecho en U.S.A.; inmaduros y no llegaron a ningún lado!

Los dejo con esta frase de Kevin Shields: "Últimamente a donde todos nos dirigimos en la música es hacia una especie de integración de la realidad respecto al objetivo de todo; eso es extremadamente psicodélico en el sentido más puro. La música te puede hacer recordar que hay otras cosas allá afuera. Es como una guía!!".

Musicalizando temas respecto a angustias lujuriosas, "escapes" bienaventurados y una alienación arrolladora, nos traen el LP No es cualquier cosa: Soft as Snow (But Warm Inside), Lose my Breath, Cupid Come, No More Sorry, Sue is Fine, You Never Should, Nothing Much to Lose y I Can See It (But I Can't Feel It).

Abren el camino para los Rockeros Oceánicos.

Como ingeniero figura Dave Anderson (ex-bajo de Amon Düül II y Hawkwind). Qué tal influencia!!!


EDUARDO LECCA
Vanguardia 1966-1998
(1999)







<<My Bloody Valentine no ha tocado en Irlanda, ya que originalmente se fueron y me pregunto si lo que han estado diciendo tiene algo que ver con esa decisión. "No, es solo debido a diferentes acontecimientos ...", dice Kevin. "Pero realmente me gustaría tocar en Irlanda para la gente de allí. No tengo nada contra Dublín ni nada". ¿Cómo se ubicarían culturalmente, entonces? Cito el número de año nuevo de Melody Maker: "My Bloody Valentine ... una de las bandas que te enorgullece de sentirte británico otra vez ...".

Coro simultáneo: "No somos británicos".

"La palabra 'británico' es una de las más desagradables del mundo", dice Kevin. "No me importan los ingleses, pero es ese concepto 'británico'. Muchos periodistas ingleses están realmente tan llenos de mierda, hasta el punto de que muchos de ellos odian a las bandas estadounidenses, son tan patriotas. levantarse por una bandera es peligroso. Estúpido. Cuando la gente nos llama británicos simplemente está mal informada. Ves, todo lo que nos ha sucedido, correcto, ha sucedido desde Londres. No Irlanda. Pero la mitad de la banda es inglesa. Es tonto llamarnos una banda irlandesa. Pero llamarnos una banda británica tampoco está bien ".


Bilinda continúa: "Nos han llamado irlandeses. Quiero decir, ninguno de los dos somos patriotas en lo más mínimo, no nos importa en absoluto. Es curioso la forma en que todo el mundo quiere asegurarse de que eres una cosa u otra ">>

HOTPRESS, 1988









Yeah, (can you get) what you see
But you can't have what you can't
Hey, what's come down over me
It's the way you stood
'Cause things the way they are
I guess you might go real far
So feed me with your kiss
Oh, come lie down close to me
Do what you dare
Oh I don't care
I will get what I can see
I'll crawl over there
(Spread me like a) (appeal to you)
I do what I do I do what I will do
Crave, your kiss will set you free
I'll do what I should.

martes, 19 de noviembre de 2019

Blackest Ever Black se despide con un compilado final



El sello londinense Blackest Ever Black, reputado por haber sido casa de gente como Carla dal Forno, Tropic of Cancer o Raime dice adiós con una compilación que suena a desesperanza y misantropía. "A short illness which he never recovered" incluye artistas nuevos y consagrados y acaba de ser puesto a la venta en el bandcamp del sello en formato LP. 

En el siguiente link puedes escuchar el track de apertura, "Flower, Drop", firmado por Scythe y apreciar la carátula y el tracklisting.







Detrás del recinto ferial hay un prado grande, liso y curvo, un vertedero, supongo, con blancos tubos de plástico curvados que sobresalen de su superficie, respirando vapores pálidos en el aire frío. Al otro lado de esto discurre una carretera muy transitada, y más o menos una milla más abajo hay un centro comercial donde ocasionalmente desafío las miradas de otros compradores para comprar velas y parafina para el pequeño calentador que ahora tengo: mi único mueble. Puedo vivir fácilmente con unos pocos dólares al día, y a este ritmo no tengo perspectivas inmediatas de morir de hambre.

Y cuando siento la necesidad de iluminación, o simplemente de algo más que mi propio trabajo para distraerme, tengo Shakespeare de Barbara Hellermann y el libro que traje conmigo cuando salí de la habitación 106 por última vez. Esta última es una traducción de los Evangelios gnósticos: los escritos descartados como apócrifos por los primeros patriarcas y excluidos del canon de las Escrituras que constituyen la versión autorizada del Nuevo Testamento. Por extraño que parezca, cuando lo saqué de mi maletín hace unos días, se abrió en la misma página que había estado leyendo cuando lo abrí por primera vez. Allí delante de mí estaba el pasaje que me había intrigado tanto antes de que me interrumpieran y perdiera mi lugar:

Si llevas a cabo lo que está dentro de ti, lo que llevas a cabo te salvará.

Si no llevas a cabo lo que está dentro de ti, lo que no llevas a cabo te destruirá.



lunes, 18 de noviembre de 2019

Aphex Twin admite que literalmente no tiene idea de qué está haciendo



ESCOCIA: Richard D. James, de la fama Aphex Twin, nos confiesa en una entrevista: "Sí, solo salgo al escenario y doblo las perillas hasta que la gente se comienza a animar".

Cuando se le pide que se explique más, James confiesa que en realidad nunca ha escrito una sola canción. Cada mañana se despierta con una canción completamente nueva grabada, mezclada y masterizada.

Cuando se le preguntó cómo era posible, James dijo que un día vio una caja llena de "objetos musicales" ser alcanzada por un extraño rayo, y luego la electrónica comenzó a crear sonidos de otro mundo. Cuando se le preguntó qué equipamiento fue golpeado, respondió rápidamente: "¿Equipamiento? Soy un músico, no un relojero ..."

Increíblemente, cuando nos mostró su estudio, carecía de todos los equipos, excepto una computadora Apple Macintosh II con Linux y un par de altavoces desconectados. Cuando se le preguntó dónde estaban sus sintetizadores, James respondió: "¿Mi qué? Oh, sí, esas cosas ", y luego no respondió la pregunta.

James afirma que lanzará nueva música si, "las lluvias son buenas este año", y esperamos que lo sean.





Fuente: Internet.

Fonola Post Avantgarde :. OMAR VIÑAS (El Árabe Pub/Dealer/Caracas Calling)



Quizás los mejores momentos de la escena local se gestaron cuando la música era vivida y buscada con pasión y alevosía, muy lejos del marketing y la gentrificación de hoy. Quilca, La Colmena, La Nueva Helden, Los Pinos lo prueban. Uno de esos míticos puntos era el Árabe Pub en el populoso distrito de San Martín de Porres, una vez más, hacia el cono norte. De todos lados acudían los marxianos a ver a sus bandas en acción, a disfrutar de fiestas estrafalarias y llenas de tekno, goticadas y psicodelia. Uno de los culpables de tamaño caos en el suburbio, acompañado de compinches como Azules Moros o el recordado "Vulcano", fue Omar Viñas, DJ, organizador de conciertos, agitador y melómano. Hoy Omar reside en Caracas (Venezuela) y activa la tienda de joyas sónicas DEALER además de la feria Caracas Calling. Ha hecho un breve stop a su labor de padre primerizo -¡felicitaciones kumpa!- para responder la Fonola Post Avantgarde de da blog. Enjoy...




CATERVAS - B-2ble-P (2001): 

Tuve el privilegio de ‘ver nacer’ a los CATERVAS (por allá, mediados de los 90), ensayaban cerca de la casa de un amigo, un día en su casa (de mi amigo), él me dice oye, y a lo lejos se oía una música, eran ellos ensayando, me dijo que los conocía, él me consiguió un demo, lo oí, cuadramos y a los días los Catervas debutaban en El Arabe Pub al lado de Dolores Delirio.

En El Arabe Pub, también se dio el Mítico concierto de ‘Crisalida Sonica’. 

Con respecto a este tema, es uno de los favoritos de los ‘primeros’ seguidores de la banda. Cuando Catervas apareció en escena fue como una ‘nueva oleada’ en el sonido que se gestaba en Lima en aquella época.









ECHO AND THE BUNNYMEN - The puppet (live, 1981): 

Este tema está extraido del doble Lp Urgh! A Music War (1981), un Rayo X a la escena ‘New Wave’ de aquella época, y los Bunnymen sacan 20 Puntos.









STEREOLAB - Super electric (1991): 

Por estos días se han reeditado en extensas ediciones (de 3 Lp’s), los trabajos de STEREOLAB de la segunda mitad de los 90.

Este tema es de sus primeras composiciones, en un momento en donde el GRUNGE estaba por todos lados, bandas como STEREOLAB eran un bálsamo para nuestro oídos.










GALARRETA / PARURO / KARKOWSKI - Ruido al paso (2004): 

Desde siempre, el Perú ha gozado de un ‘Sonido Vanguardista’, y es desde los 90 en adelante (¿influenciados por SILVANIA?), que emergen desde diversos rincones NO-MUSICOS, la lista es enorme. Aquí con ‘Ruido al Paso’ tenemos una Excelente muestra de ello.



Galarreta/Paruro/Karkowski - Ruido Al Paso 1 [Excerpt] (2011) from Wilder Gonzales Agreda on Vimeo.





POST GALAZER - Módulo lunar (2019): 

Un sonido fresco el de esta prospuesta, melodías indies, guitarras rítmicas, suenan a 60’s, a 70’s a 80’s a 90’s, y son de AYACUCHO. ¡Vaya sorpresa!.










SIOUXSIE & THE BANSHEES - Kiss them for me (1991): 

Siouxsie y su banda entraban a los 90 y este tema ‘sonó’ hasta la saciedad. Muchas bandas ‘Famosas’ de los 80 NO llegaron a la nueva década, Siouxsie sí lo hizo, y esta Canción está muy acorde con los tiempos, con ese ‘rap mantra’ en el medio de la canción, ese tipo de ‘colaboraciones’ se vería mucho en la década (de los 90), pero Siouxsie and the Banshees lo hizo primero.











WGA - ¡Me llegas al pincho! (2019): 

Vocoder, Loops, Letra Incendiaria, Efectos Agudos, un ritmo ascendente: WGA.










MOJAVE 3 - Lovesongs on the radio (1995): 

Oír Mojave 3 me remite a mi época en que me la pasaba en Quilca, iba por esa zona hasta 3 veces por semana, sea por saludar a los amigos, comprar algún fanzine, a un toque o enterarme de alguna novedad, y un día ‘descubrí’ a los Mojave 3, un sonido perfecto para nuestra ‘Lima Gris’.

Pensar que esta banda surgió de ‘las cenizas’ de SLOWDIVE (que hace poco sacaron nuevo disco, hicieron una gira y el aclamado SOUVLAKI ha sido reeditado hace menos de 2 meses)









S d M - Púdrete pituco (1986): 

En aquella época ‘este tipo de letras’ era lo NORMAL en las bandas Subtes, dudo mucho que ahora se hagan (estas letras), como Documento Sonoro es válido.
Letras Cortas y Directas ‘De Frente al Cuello’.










NITZER EBB - The lightning man (1990): 

No se si te paso a Ti: fue una tarde, no recuerdo si de 1990 o de 1991, en el Programa Disco Club, transmitido por Canal 7 a todo el Perú, Gerardo Manuel estaba entrevistando al Editor de la ‘Mítica Revista’ ESQUINA (no recuerdo el nombre de la persona), y estaban hablando de las novedades que venían en el Nuevo Número (de la revista), y bueno, hablan sobre el Techno-Industrial, y durante la entrevista presentan 3 videos, uno de Renegade Soundwave, otro de T.G.T. y otro de NITZER EBB y era de este tema, o sea YO ALCÉ EL VOLUMEN AL MÁXIMO, era la primera vez que veía un video de Nitzer Ebb, no es por nada pero ese año los Nitzer Ebb con ese álbum: SHOWTIME la pegaron del techo, sus temas sonaban en todas las fiestas (sabes a qué Fiestas me refiero), fueron los Teloneros de los DEPECHE MODE para la gira del VIOLATOR, tras bambalinas Alan Wilder (de Depeche Mode) y Douglas McCarthy (Nitzer Ebb), se hicieron muy amigos, y cuando Alan dejó a los DM y formó RECOIL, no dudó en llamar a Douglas para que pusiera su voz en algunos temas de su nuevo proyecto.









ARCA - Reverie (2017): 

Antes conocido como Nuuro, tuve la oportunidad de compartir cabina con él la década pasada en una fiesta muy concurrida aquí en Caracas, después ‘desapareció’ siguió haciendo música desde Gringolandia bajo ese mismo Seudónimo, volvió a desaparecer.
Y de pronto, nos llegan noticias de todos lados sobre ARCA, sencillamente ARCA es un (NO) MUSICO del Siglo XXI.


martes, 12 de noviembre de 2019

UNA CONVERSA CON BRUXISTA Y EL SUEÑO DE LA CASA PROPIA :. En Chile se vive un proceso sicológico colectivo fascinante



José Manuel Cerda viene transformando su locura en sonidos y música desde el 2005, en su natal Valparaíso primero como EL SUEÑO DE LA CASA PROPIA (ESDLCP), un nick por demás sugerente que traslucía su afán por construirse un oasis en la escena electrónica sudaca, tan poblada por hipsters y advenedizos arribistas del arte. Si ESDLCP recurría a la explotación de samples del folklore tradicional en un ambiente trippy tropical que lo amparentaba con Animal Collective o El Guincho, BRUXISTA, su nuevo avatar, se decanta un poco más por las vibraciones ambient jazzy de marcianos como Jonah Sharp aka Spacetime Continuum y del nipón Sora. Hoy en Perú Avantgarde conversamos con Cerda de los últimos movimientos en Chile además de sus músicas favoritas.



¿Qué música escuchabas de crío, adolescente? ¿Qué fue lo primero que te destapó los oídos en términos de música no comercial, alternativa o distinta? 

De niño me fascinó la música y de preferencia la menos comercial, en un principio lo que me marcó fue Michael Jackson, el heavy metal y la new wave. Ya de adolescente la escena Thrash y Hardcore Punk, que por esos años era muy fuerte en Chile, lo que me influyó sobremanera determinando para siempre mi estilo de vida. Sin embargo no fue hasta mediados de los noventa en medio del auge de las raves cuando mi gusto musical se asentó luego del hastío que provocó el fenómeno del rock alternativo. Estilos como el IDM o el post-rock y los sonidos que inspiraron a esos músicos(Krautrock, música concreta, minimalismo, free jazz, techno, folk, psicodelia, Hip hop instrumental etc.) son el sustrato que hasta el día de hoy conforma mi gusto musical.

ESDLCP, tu anterior proyecto, tiene matices de folk y electrónica todo digitalmente modulado. ¿Qué nos puedes contar de esa aventura? ¿Alguna experiencia o anécdota que te gustaría comentar?  

ESDLCP se gestó desde la necesidad personal de dar un sentido profundo a mi existencia, fue particularmente autobiográfico y le debe estilísticamente mucho al sonido de la folktrónica propia de los 2000. Es un proyecto que hoy duerme pero que en cualquier momento despertará, de hecho acabo de hacer un remix bajo este a.k.a. para el sello New Latam Beats (https://soundcloud.com/newlatambeats/nirso-umfo-esdlcp-remix) una suerte de deconstrucción dub de un tema de cumbia. ¿Anécdotas? no tengo buena memoria para eso.  

¿Cuál es tu equipamiento, sintes, pedales de efectos, software? 

No me interesa mucho el equipamiento, mientras menos cosas ocupe mas cómodo me siento por eso desde siempre el software ha sido mi herramienta de creación. Su potencia, versatilidad y precio la constituyen, a mi juicio, en la mejor opción para la producción musical, es por lejos la representación mas fiel del sonido del siglo XXI.






¿Cómo procedes para componer/construir una pieza?

Generalmente con una idea o loop raíz de la cual todo va brotando naturalmente, en este proceso el azar, el error, la experimentación y planificación tienen lugar en un mismo punto.

Bruxista, tu nuevo proyecto, deja de lado las cuerdas y se orienta más a un ambient viajero con tintes de jazz típico de lo que se escuchaba en los 90 en proyectos como Spacetime Continuum y su disco Emit Ecaps. ¿Qué motivó este cambio en tu sonido? ¿Cuáles son tus próximas movidas?  

Quise probar una forma de trabajar más definida y planificada a diferencia de esdlcp que era más ecléctico estilísticamente hablando. Proyectar una mezcla de minimalismo, jazz y house. El futuro no lo tengo muy claro, pero sin duda que para mis 2 proyectos se viene nuevo material. 

¿Qué proyectos chilenos te animarías a recomendar a los lectores del blog? 

Asunción, Juan Cacciutollo, Txakur, Felipe Cadenasso, Nico Rosenberg, Laika Cienfuegos, Pol del Sur, Sigobrilllando, Janeiro, Merci Merci, Aguilas paralelas, M.O.E.?, Maifersoni, Las Mairinas, Raw c, Tomas  Urquieta, Aye Aye, Los Jerjeles, etc etc etc etc. 

En estos días de turbulencia y revueltas en Chile qué nos puedes contar como músico y ciudadano acerca de lo que se está viviendo en el país del Sur. 

Es un momento histórico que me siento muy feliz de estar viviendo, es un proceso sicológico colectivo fascinante, se siente en el aire. Después de años al fin el pueblo está tomando conciencia del lugar que le corresponde a la hora de establecer las reglas del juego social. Lo que se viene es incierto, esta la calle x un lado demandando un nuevo orden y por el otro el gobierno a duras penas tratando de resguardar los privilegios de las clases dominantes, cuanto durara esta batalla no lo sé, lo que si sabemos todos es que no hay vuelta atrás.

Tus  discos  para una isla desierta son:  

Miles Davis - Bitches Brew
Fleetwood Mac - Dreams 
Talk Talk - Spirit of eden
Autechre - Tri repetae
Four Tet - Rounds 

¿Gustavo Cerati o Ricardo Villalobos?

Lucho Barrios.


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