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lunes, 16 de marzo de 2020

Música en días de cuarentena :. 14 DISCOS PARA ALEJARSE DEL COVID-19 (Y DE TODOS)



Ahora que la podre se extiende por ahí toca permanecer en casa lejos del ruido sabroso y vulgar. El COVID-19 lo han sembrado y creado los yankees y les ha saltado en la cara. Ya se ve en todos lados cómo los que antes aborrecían del rol del Estado, hoy piden que el gobierno les ayude con sus deudas bancarias. Santa simplicidad. Mientras saltan los acaparadores y empresarios sin una pizca de ética ni empatía te dejamos esta gran lista de discos con los que resistir al confinamiento neoliberal.


ESCUPEMETRALLA - Edificio Putrefacto
2020

Un recordatorio de Genesis Breyer P-Orridge (1950-2020).

Algunas de las capas en esta pista son versiones procesadas de "Convincing people", un track de clásico industrial por Throbbing Gristle. Debido a las frecuencias ultrabajas creadas en este proceso, puede provocar revueltas estomacales y mareos, siempre que se escuche con un buen equipo de alta fidelidad y no con esos altavoces desagradables que probablemente esté a punto de usar.

Una fuente de inspiración para los títulos de Escupemetralla proviene de la literatura. "Edificio putrefacto" vino probablemente del libro de Víctor Nubla "Cómo caza un dromedario", un compendio de textos ingeniosos, surrealistas y dadaístas. www.blackiebooks.org/catalogo/como-caza-un-dromedario/27/

Nubla es uno de los agitadores esenciales de la vida cultural de Barcelona, y fue miembro fundador de Macromassa, el primer grupo que emitió un vinilo independiente en España: "Darlia microtónica", grabado en vivo en 1976, publicado en 1978. nubla.bandcamp.com/album/darlia-microt-nica









POPOL VUH - Affenstunde
1970

Formada por el visionario Florian Fricke (moog, sintetizadores); en las percusiones Holger Trulzsch (ex-Amon Düül II) y Frank Fiedler en las mezclas y sintetizadores. Popol Vuh nos llevaría por un viaje cósmico-electrónico, con las hipnóticas señales sumergidas y frecuencias pre-Ambient de Ich Mache Einen Spiegel y Dream Part 4, con percusiones de rituales africanes en Dream Part 5, de nuevo al estado electro-ambient en Dream 49 y la conceptual, de 18', Affenstunde (Hora del Mono). Esta es la manifestación de lo que era capaz Fricke y su moog; fusionando el Cosmos estelar y el Cosmos étnico-terrenal!!! EDUARDO LECCA.








HABÓ - s/t 
2020

Lima Northside es la tierra de la cual ha brotado HABÓ un fantasma destinado a probar tesoros y placeres sobrecogedores. Este apenas es el primer paso. Un demo que nos permite colegir a donde van los intereses de su creador, a saber, la electrónica de tintes punk y oscuros: Suicide, Grauzone, White Noise. No me sorprendería que termine transformándose en un monstruo con el alma de Portishead, las guitarras de los Monks y el verbo de Syd Barrett.
Experimental music from spacesoul.









CAO - Flesh Luminescence 
2020

CAO es el proyecto en solitario de Constanza Bizraelli, una compositora y productora de música electrónica peruana, actualmente con sede en Amsterdam. Después de su lanzamiento en 2016 con Opal Tapes, el nuevo EP de CAO con CLUB CHAI Flesh Luminescence fue concebido durante un período de transición en el que la artista tenía su base entre Londres, Lima y Amsterdam. El registro está inspirado en la dinámica de la migración y las metamorfosis posteriores que conlleva este proceso. Estas ideas se evocan a través de la creación de espacios sonoros, elevando la fantasmagoría de la natividad a través de narrativas de pertenencia, los restos de lo que se considera "natural" y la consagración ritual / chamánica de los lugares. Estas operaciones permiten el descubrimiento de una neo-naturaleza. La música y el sonido sirven como vehículo para descubrir tanto las relaciones cósmicas, ancestrales y neo terrenales con esta neo-naturaleza. Usando la luz como metáfora, el título del EP Flesh Luminescence se refiere tanto a los aspectos materiales como etéreos de este viaje. El estado de luminiscencia de la carne apunta hacia la autonomía de la materia para producir lo que se ve y se vive, para "iluminar" de esta manera; producir natividad mediante la vivificación y la consagración de la experiencia espacial, donde la lubricidad de la música sirve como conductor terrenal y cósmico. Musicalmente, el EP describe un viaje futurista chamánico a través de paisajes sonoros posindustriales, donde los sonidos ásperos, los escenarios apocalípticos neo-tropicales, los cantos populares y el minimalismo, sirven para revitalizar las conexiones entre el habitante siempre cambiante y su entorno.
El disco se compuso con una configuración híbrida entre sintetizadores analógicos y cajas de ritmos, uso extensivo de síntesis granular, experimentos vocales y la constante mezcla entre sonidos ásperos, electrónica ritualista, tropicalismo oscuro y minimalismo extático.











WINDY AND CARL - Antarctica
1997


WINDY & CARL han separado el primer plano de su música y han creado un paisaje de lugar, tiempo y clima de fondo. De calidad orgánica, con frecuencia el oyente olvida que la instrumentación es electromecánica y acústica. Estos "espacios" son reconocibles y están conectados al subconsciente expandiéndose exponencialmente con momentos de la memoria. Ubicado en algún lugar dentro de la inmensidad de estas tres piezas de estados de ánimo rodeados de espacio psicoacústico, eres transportado voluntariamente a un espacio no urbano donde todo lo que sucede es exploratorio y visual. Un hermoso conducto a un mundo sin mapas. NOTEC












PEZ PLÁTANO - s/t
2004

El tótem que entroniza el proyecto instrumental de Kike Fuentes es el de mayor renombre “mediático” dentro del género: Tortoise. Pero no es la única cita. Aunque, de hecho, su desempeño trata de sortear por todos los medios el encasillamiento consustancial a la etiqueta post, queda claro que no puede prescindir de la bomba que irriga sendas mitades en Pez Plátano: John Mc Entire. Lo decimos porque el otro 50% cualitativo del disco palpita al son del indie surreal y vaporoso de The Sea And Cake (donde también participa Mc Entire). Más preciso, quizás, sea ubicar este espécimen entre los dos extremos –nada que ver con Trans Am, por favor-.

La técnica improvisacional del jazz, la introvertida ambientación de un mundo mecido al ritmo de los vientos vivificantes de una postmodernidad sin fronteras, el metodismo polaroid en la construcción de las sosegadas viñetas. PP navega en una acuosa ionosfera jazzera al glasé (“Yamirha” -quijada de burro incluida-, “Maga Luna”): ése es su hábitat natural, si bien no se priva de nadar en otras aguas. Puede teñirse de folk (“Tull”), o desbocarse sutilmente hacia el caos (“Cuko Tripi”). Puede sonar kitsch cuando coincide en la síncopa juguetona y los nerviosos desvaríos del teclado (“Como Las Tres X ’ ’ ç No?¿...”), o bien progre cuando la guitarra asume un rol estelar (“Burbuja Cyan”, “Yhira-Afa”). Lo primordial, empero, es la recontextualización de las colisiones armónicas del free jazz para su faceta post, inspiración ratificada hasta por el track semi-oculto en plan de joda... HÁKIM DE MERV










SPECTRUM - High, lows and heavenly blows
1994

Ese título es solo ... wow. Okay. Highs, Lows y Heavenly Blows (hola mamá) originalmente cayó en 1994 y ahora se vuelven a prensar a través de Medical Records (Pram, Martin Jenkins) y Music On Vinyl. El protagonista principal de Spectrum es el ex miembro de Spacemen 3, Sonic Boom, y la influencia de la retorcida fantasía psicodélica de ese grupo se muestra mucho aquí. Estos paisajes sonoros trippy se encuentran en medio de The Brian Jonestown Massacre, The Orb y la era "Screamadelica" de Primal Scream.
Kember trabajó junto con el guitarrista Scott Riley, así como con los colaboradores habituales Pete Bain de Spacemen 3 y Alf Hardy. Los drones y tracks hipnóticos se basan en los sonidos de sintetizadores y elementos de guitarra. El álbum se apoya en el shoegaze y el rock espacial de principios de los 90. Es un viaje increíble a través de las ideas musicales de Sonic Boom.










PALMBOMEN II - Memories of Cindy
2017
Beats In Space reúne los volúmenes I + II de Memories of Cindy de Palmbomen II junto con 11 nuevos cortes del conjunto de caja de  4LPs, completando una sesión profundamente soñadora de house exhausto y diáfano synth-pop de entre los más desafiantes que ha resultado de esta escena.

Operando dentro de un prisma ahora abarrotado, el sonido de Palmbomen II aún sobresale del entorno a fuerza de su sensibilidad a los ritmos texturizados y una lente nebulosa de trucos de mezcla que enmarcan un alma new age profundamente nostálgica y melódica en su núcleo.

El sonido de Palmbomen II se muestra en toda su gloria discreta aquí, burbujeando con un agarre subliminalmente efectivo en los ajustes de ácido metálico y la inquietante voz femenina de pyrotechnomarco y el magnífico himno etéreo, Forever Afsluitdijk, antes de darle al piso algo con lo que golpearse desaliñadamente con los cortes de prototipo dub de IAO Industries, y luego recurriendo a temas románticos de estilo Troma con Transportzone Meer, y abrazando la cinta fuertemente con su jamming lento y sintetizado Dancing & Crying.


Solo se vuelve más exhuberante y agridulce en la segunda mitad nueva para nuestros oídos, que anteriormente solo estaba disponible en una edición limitada de 4LP boxset. Desde el retorcido y ácido dreamhouse de Ultimate Lovestrory Fantasy a través de las exquisitas percolaciones corales de Wilco's Funeral hasta el rudo masaje de Disappointment Island y el track estilo Teresa Winter cool en Cyber ​​Tears y los soundstracks de John Hughes de Can It Be, este nuevo lote solo sirve para consolidar el estado de Palmbomen II, a la altura de Hype Williams, 1991, lueke, BoC.












SLOWDIVE - Pygmalion 
1995

La banda número 2 de Creation, después de MBV. Empezó con su Shoegazing/Dream Pop entre Cure y Cocteau Twins, post-Charlottes/Lush. Joyas discográficas como los 12" y el álbum debut, titulado Just For A Day, reflejaban un sonido más triste y oscuro que los MBV. Después vino el pop del Souvlaki e incursiones en el Ambient. Pero es en éste álbum, que llegan a conceptualizar su música mediante la experimentación y minimalización. Rutti (10'), influenciada por el Ambient de guitarras, Eno y por los trabajos de Spectrum y Spiritualized.











TOMORROWLAND - Anemone
2002

Primera idea que se me ocurrió cuando audicioné este álbum: ha empezado a tomar las alcantarillas underground la generación que creció de la mano de Seefeel o de los Autechre del Tri Repetae (1995) más movedizo. Lo digo no porque suenen como los grupos citados, sino porque parten de ellos para expresar una sensibilidad severamente influenciada por el ambient electrónico más puro y por el impulso dance más elemental. Pero, conforme le fui prestando mayor atención a este Anemone, las impresiones se hicieron más confusas e incoherentes. Segunda idea: Aphex Twin ha sido pasteurizado y (re)orientado hacia las performances bailables de perfil bajo. Tomorrowland desnuda el abigarrado andamiaje rítmico del Gemelo y lo hace suyo, supliendo el decorado del Twin con sobrios trazos ambientales de remotísimas reminiscencias house.



Tercera idea, elaborada tras una buena cantidad de escuchas: Anemone es el disco que firmarían los Orbital si es que pertenecieran a una forma de vida inteligente, superior a la humana... HÁKIM DE MERV











JOEY BELTRAM
Places
1995

El lugar del ex artista de graffiti Beltram en la historia del techno está asegurado a través de la auténtica grandilocuencia y la energía arrogante de sus producciones adolescentes para el sello belga R&S, pero en su LP menos elogiado cambió sus puñaladas de teclado por intrincados enrejados de percusión, que construyen y brillan como una escuela de samba cyborg. La portada muestra a Beltram con el Puente de Brooklyn de fondo, la llamativa e inusual estructura ósea alargada de su rostro que complementa los pilones arqueados. Sónicamente, la arquitectura emula los ritmos cableados de la vida urbana, con líneas funky de batería sincopadas rotas por el extraño sonido muy reverberado, o un riff de sintetizador de percusión. "Places" es un ejemplo clásico de la capacidad del Techno de mantenerse indescifrable y dejar que el oyente le dé significado. Beltram es resueltamente determinista sobre su trabajo y se niega a verlo en cualquier forma narrativa o evocadora fuera de la pista de baile. Tracks como "Floaters" y "Set Ups", que inicialmente insinúan referencias oscuras al inframundo, son de hecho una jerga de graffiti: Beltram había comenzado a buscar sus latas de spray cuando hacía el LP. MSh










TAVISHI - মশ্তিষ্কের কণ্ঠশ্বর | Voices in my head 
2019

Vanguardia desde India. Usando códigos científicos convertidos en magmas de electrónica, teclados, instrumentación oriental y una voz en trance sanador Tavishi, nombre de batalla de la investigadora Sarmistha Talukdar, hunde nuestras substancias en el caos que cruza el interior de l@s hijxs del capitalismo tardío en especial de aquellos que sufrimos marginación e ignominia por parte de una sociedad global/glocal que golpea con sus lujurias y miserias ad eternum. "La historia, la experiencia y la verdad de las personas marginadas están siendo borradas, tergiversadas y gaseadas, puede ser difícil creer en nosotros mismos" (Tavishi). Recomendado para fans de Editions Mego, Stockhausen y terroristas sonoros de todos los tiempos.










DIOSMEHAVIOLADO - Flores Para Raquel
2011

Habiendo trazado un somero marco teórico, quisiera dedicar unas pocas líneas a un disco que acabó en mis manos virtuales. Me refiero al disco de Dios Me Ha Violado – DMHV – "Flores Para Raquel". Poco sé de estos muchachos, salvo que su trabajo precede a esta década y que Flores Para Raquel, como otros trabajos, es parte de un espíritu de reencuentro de estos músicos con antiguo material abandonado a la humedad de tristes habitaciones tercermundistas. Y este es precisamente el espíritu que respira Flores Para Raquel: una importante sensación de reminiscencia melancólica y paraíso perdido, altas ciudades en decadencia y tumbas de doncellas suaves como la luz del primer amanecer. La instrumentación es sencillísima y la producción muy precaria, factores que, si son bien utilizados, contribuyen a la sensación de estar escuchando una pieza de música que se petrificó desde un  pasado imposible y que viene a atestiguar una vida muy diferente de la que ahora se vive. El disco es recorrido por motivos sencillos, temas de corta duración que se sujetan de tonos suaves y melodías que habitan el borde sutil entre lo melancólico y lo fantástico. El piano o teclado o a veces no sé si es guitarra persigue estos motivos a lo largo de todo el disco, enunciando una cualidad muy fotográfica, como si cada breve tema fuera un snapshot de vida instalado en el álbum de fotografías que llamamos disco y Flores Para Raquel. A veces los temas me recuerdan las bellas "Gymnopedias" de Satie, o incluso ese extraño tema que atraviesa el "Daydream Nation" de Sonic Youth, en piano, que quizá es uno de los temas más hermosos concebidos por la banda. Lo importante, y el influjo principal que esta música conjura en mi, es que esas fotografías que se van dibujando son tan personales como uno mismo. La música en Flores Para Raquel interpreta nuestros recuerdos sumidos en desesperanza, inalcanzables por el paso del tiempo. Son, claramente, una ofrenda de parte de los músicos, un bouquet de flores para conmemoración de una relación muerta, sepultada quizá por la tragedia. Pero son, también, nuestros propios recuerdos de la tragedia, aquellas sonrisas que no volveremos a atestiguar, y los momentos donde la felicidad escurría como los ríos que añora Rimbaud adolescente en su "Temporada en el Infierno". Flores Para Raquel funciona como un maravilloso bisturí para incidir en nuestras incomodidades y deseos profundos de reconstrucción histórica. Y todo esto con la simple utilización del teclado, la estética del lo-fi, un centenar de frecuencias indomables que se esconden bajo los acordes y forman el pulso y el río de la consciencia... ALBERTO PARRA.








OVAL
94 Diskont
1995

Un disco de dos mitades. La apertura "Do While" logra, en poco más de 20 minutos, una culminación y destilación de todo esfuerzo minimalista anterior en la música. Sea consciente o no, Oval sintetiza la influencia y las mejores prácticas del minimalismo más puro de Steve Reich o Terry Riley con la esencia digital de la nueva tecnología "instrumental". De nada más que detritos digitales, Oval construye un holismo resonante de pura belleza cristalina. El balance de este disco está destinado a breves excursiones en exposición de texturas, posponiendo los límites del sonido como música. TO




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PROMO DEL CD DE FRACTAL

barbarismos

barbarismos
El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.

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realismo capitalista peruano, ¡ja, ja!

rojo 2

es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo

En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez. «Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.


MARK FISHER.

perú post indie

Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños.
Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo...
Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?


FRED ROHNER
Historia Secreta del Perú 2

as it is when it was

sonido es sonido

sonido es sonido

pura miel

nogzales der wil

RETROMANÍA

"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia." SIMON REYNOLDS Retromanía

kpunk

las cosas como son

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las cosas como son II

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