El debut en LP digital de Diego Faucheaux aka Árbol es una “ópera del ruido”, que inevitablemente nos conecta con la vanguardia peruana de principio de los dos miles. Proyectos como Paruro o la gente de Aloardí, v.g. Jab Lemur, Gabriel Castillo, Rolando Apolo o el propio Chrs Galarreta. Un discurso transgresor siempre y aún hoy en la Lima, bastión de los indie heads y gentrificación hipsterosa. Casi todos los discos están ahí en la web para quienes duden de esta afirmación.
ÁRBOL es ruido controlado con algunas reminiscencias a los clásicos del sello Mego y a capos como Tim Hecker y Fennesz. Asoman tímidas unas guitarras entre las nubes de vapor sonoro. En sus performances en vivo de ley que se aplican mucho más a joder las violas o eso suponemos. La escultura musical denota paciencia y laboriosidad. Amor por el sonido.
Visitando el bandcamp del sello 1049 encontramos una temática distinta y lejana al de los músicos electrónicos marketeados por las revistas y webs de moda. Títulos como “Deshumanización” o “Estados de Excepción” hablan de una exploración diferente, cercana quizás a gente como John Cage. Más sutil que la temática de sexo y vulgaridades del trap y reggaetón electrónico. Todo ligado a la abstracción, a los placeres de la mente.
La transgresión limeña ve su relevo y continuación en gente como Árbol, Paundra, Mauricio Moquillaza y todxs los que se apunten al llamado de los Dioses.
Wilder Gonzales Agreda.
Diego Faucheaux aka Arbol's debut on digital LP is an “opera of noise”, which inevitably connects us with the Peruvian avant-garde of early 00's. Projects like Paruro or the people of Aloardí, v.g. Jab Lemur, Gabriel Castillo, Rolando Apolo or Chrs Galarreta himself. A transgressor speech always and even today in Lima, bastion of indie heads and hipster gentrification. Almost all the discs are there on the web for those who doubt on this statement.
ÁRBOL is controlled noise with some reminiscences to the classics of the label Mego and to capos like Tim Hecker and Fennesz. Timid guitars peek out from the clouds of sound vapor. In his live performances surely he's more applied to fuck violas or so we suppose. Musical sculpture denotes patience and industriousness. Love for the sound.
Visiting the bandcamp of the 1049 label we find a different and distant theme to that of electronic musicians marketed by cool magazines and websites. Titles like "Dehumanización" or "Estados de Exccepción" speak of a different exploration, perhaps close to people like John Cage. More subtle than the subject of sex and vulgarities of trap and electronic reggaeton. Everything linked to abstraction, to the pleasures of the mind.
The transgression of Lima sees its replacement and continuation in people like Árbol, Paundra, Mauricio Moquillaza and all those who sign up to the call of the Gods.
Avant rock. Una real maravilla del post rock y la locura psicodélica. Tenía 21 años cuando lo escuché en las perdidas sesiones de decoración con los colegas de la Facultad. Mayo Thompson, luego en Pere Ubu y Steve Cunninghman transgreden la naciente psicodelia y la convierte en música del próximo siglo. "Transparent Radiation" el himno de miles de niños kemados de este mundo. Spacemen 3 y Crisálida Sónica incluidos. "Hurricane Fighter Plane", la semilla de la que nace Joy Division y todo el post-punk. You know the rest War Sucks. En realidad todo apesta. Escucharlo en su momento, 1967, debió ser un bautizo de fuego. Un disco que deja sentir su huella en el Loveless de MY BLOODY VALENTINE o el Comforts of Madnesss de PALE SAINTS = Free form freak outs. Equiparables solo a otros inmensos, Silver Apples. "El camino de exceso conduce al palacio de la sabiduría". (WGA)
Un disco que no solo rompe esquemas, sino los destroza. El legado de los Mothers of Invention y sus freak outs; esta vez intercalados con temas fusionando Rock and Blues pesado con el Garage Psicodélico y la Música Conceptual. Al igual que el primer LP de los 13th Floor, es producido por Lelan Rogers.
El arte de las carátulas también son revolucionarios. (sic)
En este LP escucharemos melodías que nos trae a la mente lo que posteriormente fue el Punk, New Wave, Kraut Rock, Heavy Metal, Funky. Hurricane Fighter Plane (tributo al DMT), Transparent Radiation, War Sucks, la electrónica (post-Virgin Forest) Parable of Arableland y, cerrando el álbum, la espiritual y profunda Former Reflections Enduring Doubt.
Las Cabezas: Mayo Thompson y Steve Cunningham, de invitados Rocky Erickson (en armónica) y alrededor de 50 personas dentro del estudio para los "Free-Form Freak Outs". "Las definiciones limitadas definen límite y uno puede ir tan lejos, aquí vamos..." - Mayo Thompson.
LA HUMANIDAD DEL NUEVO TIEMPO. Lo que ha sido predicho ya ha comenzado. De forma parecida a un mecanismo de reloj transcurre lo predicho. Una catástrofe se junta a la otra y una fatalidad da la mano a la otra. En ello se reconoce la transformación del nuevo tiempo. El mundo pecaminoso perece. En él ya amanece el nacimiento de la nueva era y se anuncian las generaciones espiritualmente despiertas, de las que surgirá la humanidad espiritual del Nuevo Tiempo. En el tiempo actual ocurre como en los tiempos de Noé o del hundimiento de Pompeya. Las personas ven y oyen acerca de los signos del tiempo -y, sin embargo, siguen siendo pecaminosos. Se han hundido e insisten en ello con su riqueza y su poder externo. En el transcurso de las épocas pasadas, estas almas vinieron una y otra vez a cuerpos terrenales, y muchos comenzaron nuevamente a obrar en aquello en lo que anteriormente se habían quedado en la hora de su partida -sólo que cada vez en un tiempo diferente, con otros medios y otros métodos. Muchos ocuparon y siguen ocupando los mismos cargos, ya sea como gobernantes de naciones y Estados o como mandatarios eclesiásticos. Una y otra vez su ambición de poder les ha empujado a la Tierra, a ocupar esos puestos. Como hombres han intentado e intentan una y otra vez mantener la rueda del mundo, las estructuras externas, en la marcha acostumbrada. Así, han promulgado y promulgan, a través de los siglos, leyes parecidas para el pueblo. Y los pueblos se han dejado y se dejan subyugar en mayor o menor medida x sus autoridades, y obedecen una y otra vez a los dirigentes que ya habían hecho algo igual o parecido en anteriores encarnaciones. Dado que siempre son los mismos los que gobiernan países y destacan como mandatarios eclesiásticos, en algunos países se repiten una y otra vez los mismos sucesos, como en tiempos pasados. Las fatalidades, las catástrofes y situaciones caóticas tienen sólo nombres diferentes. En muchos casos, sin embargo, son peores actualmente que en el pasado🎆 Programas de Vida Universal para estos tiempos del planeta Tierra cada sábado a las 10:00 AM: www.radiobienestar.pe. Durante las 24 horas del día x: www.radio-santec.com🎆
XELESTA
SAGA DE VOCES FEMENINAS
Un tributo a ENNIO MORRICONE x el acto ENIGMA. Aprecien la belleza de la arquitectura en este vídeo que quizás, la humanidad de este planeta, aún no ha alcanzado a valorarla del todo🎇
ENNIO MORRICONE
1928-2020
ENNIO MORRICONE: UN UOMO NELLO SPAZIO. Durante gran parte del año 2002, el sello Compost-Records de Alemania, venía poniéndome en aviso que x el cumpleaños número 75 de ENNIO, estarían editando 2 compilaciones con sus temas en versiones post-modernas. Me prometieron primicia mundial y entrevista con el anti-divo. Lo cumplieron a todas luces. El 7 de setiembre 2003 fue el pre-estreno mundial desde Lima: Ennio Morricone Remixes Vol.1 cuya venta oficial se realizó el 21 de octubre de ese año. El mencionado sello estuvo recíproco siempre desde que empezaron a publicar mis reviews a sus discos con cada envío que se dignaban darme para el programa radial x 96.1 FM: 2001_MILAÑOSDESPUES! y para medios escritos bajo mi producción. BRITANIA FANZINE fue uno de ellos en su edición número 74: El sonido futuro de ENNIO MORRICONE🎇
LOS OJOS PARA ESCUCHAR, LOS OÍDOS PARA LLORAR. La música de películas a través de los siglos sigue la curva de evolución del cine: desde el cine mudo, hasta la era moderna, en donde ha contribuido a forjar la identidad íntima de los cineastas. Ilustrativo desde un comienzo, se ha convertido paso a paso en un elemento de poner en escena, en un aliado de primer plano🎇
Para los coleccionistas, EM es el hombre que ha fichado un balance alucinante de más de 500 partituras escritas en unos 50 años. Para los melómanos-cinéfilos de todos los horizontes y músicos de todas las generaciones, él es un creador de formas y un viajero de atmósferas las más dotadas del siglo XX, y parte del subsiguiente siglo. No ha sido solamente el más célebre y adulado compositor de bandas sonoras. Su importancia dentro del paisaje musical y cinematográfico mundial (su carrera en Norteamérica está lejos de ser innegable) no se limita sólo a su inmensa contribución, cualitativa y cuantitativa, dentro del dominio de la banda original (¡más de quinientas partituras desde 1961!). ENNIO MORRICONE simboliza él solo la vitalidad apasionante del cine italiano de los años sesentas y setentas, verdadero viajero entre el divertimiento y la poesía, el comercio y la política, la industria y el arte. Él notablemente ha acompañado a los grandes autores del neo cine italiano, como lo han demostrado sus colaboraciones regulares y frecuentes con PIER PAOLO PASOLINI, BERNARDO BERTOLUCCI o MARCO BELLOCHIO y otros 🎇
MORRICONE fue un romano que no amaba alejarse de su ciudad, no le gustaba estar viajando, nada con el jet-set, la alfombra roja, la mundanidad. Como tanto se recuerda, él después de los conciertos -siendo un gran director de orquesta- se iba directo a casa. Una lección de un grande para todos aquellos pequeños meteoritos que aman los flashes. El trabajo de ENNIO sin megafiestas, quedará para la eternidad🎇
GENNIO ASSOLUTO. La storia musicale di MORRICONE è già sterminata e nessuno la potrà mai ripetere non più. ENNIO MORRICONE se ne va un pezzo di cinema mondiale. La musica un legame universale per unire tutti in un abraccio globale d'amore e di comunanza ideale.Oggi e più necessario che niente 🎇 La entrevista puesta al aire con el genio de genios: ENNIO MORRICONE es indudablemente uno de mis más amados highlights conduciendo 2001/2001_MILAÑOS DESPUÉS! 🎇La lluvia en mis ojos el 6 de julio 2020, como la memoria latente al presentar cada tema de los 2 volúmenes en radio, me inspiró estas líneas como un tributo a este gran compositor y director de orquesta, a pocos días de un mes de su partida. Ciao Maestro. Non smetterò mai di dirte grazie!🎇 Gracias siempre a todo el staff de Compost Records, a Nadine Riede en constante contacto conmigo x unión a la EXTRAtosferica música🎇 EXTRA DATA: el tema L' stasi dell'oro del film: Il Buono, il Brutto e il Cattivo, ha abierto siempre los conciertos de THE RAMONES y METALLICA, signo tangible de como su música fue más allá de los confines de las salas cinematográficas🎇
A CARLOS HERNÁN GONZÁLEZ -pianista peruano- siempre le sugerí tratar de comunicarse con él. Sus composiciones comprimen cierto halo cristalino de ese gran genio. Aprecia sus recientes live streaming en Youtube y no dudes en darles like, ello colaborará a su reconocimiento como artista en Francia. No olvido el concierto luminoso que me brindó estrenando sus neo temas. Ni mucho menos sus excelentes respuestas a la entrevista para este blog🎇
De marzo a julio 2020, no han habido tantos clips esmerados pero si, excelentes temas y lírica ídem. En años previos no me hubiera imaginado contactarme con tan grande universo de bandas tan amadas x todos nosotros. Todos muy agradecidos x la difusión de su arte. Gracias VINYL WILLIAMS. Algún día en Perú, lo presiento 🎇 Agradezco igual los diversos comentarios a las recientes entrevistas que me distraen un tanto como mis otras labores paralelas. En los meses recientes, sólo súper buenas vibras en mente, mientras escucho a bandas lumínicas x ratos: LIGHTNING BUG. Tal como el nombre de la banda podría sugerir logra soothing-music-rooted en sus elementos. Este acto proyecto de Audrey King, Kevin Copeland y Logan Miley data de 2015 con su esférico debut en álbum Floaters. Ellos retornaron con un sophomore álbum October Song, siguiendo un hiato de varios años. Su sonido es diverso, yendo desde el lo-fi al shoegaze, pasando x electro-pop y neo folk. Logran un contemplativo y apasionado glow impresionante. El talento marcado de King está en su voz🎇
Otro combo que x estos tiempos no dejo de escuchar: GNOOMES. Un acto que puede ubicarse en varios géneros pero el aura shoegaze en los riffs de guitarra no puede ser cuestionado. El álbum Mu! de este tetraquark (4) ruso, sincroniza las elipses de NEU!, WANDA y STEREOLAB con mega-catarsis de guitarras. El LP flota dentro de una dinámica en donde puedes ser absorbido fácilmente x sus antenas sónicas🎇 El shoegaze ha sido creado definitivamente con premeditacion y alevosía para estos tiempos en que vive el planeta y su humanidad. He armado un play-list inacabable y camino libre x las calles. escuchándolo y sin ningún facelift. Todos los virus están adheridos en ello. A pensar🎇
Brilla, irradia, vuélvete desinteresado, altruista, así te sirve el universo y todos aquellos que lo habitan en la envoltura pura de luz🎇 Hay seres en este planeta que no son para este mundo. RENZO PALMA DEL BUSTO, era sólo uno de ellos. Lo recuerdo siempre y es inevitable. Entiendo x ello y perfectamente, la situación de BENJAMIN STORM KEOUGH. Mucho peso tuvo en intentar alcanzar la trayectoria de su abuelo. Es importante que mencione aquí, lo que siempre dije al aire x las ondas hertzianas: uno viene a este mundo a crear sus propios éxitos y no a observar el éxito de los demás ... y jamás imaginé tener respuesta x parte de la familia Presley, x las líneas que publiqué en otros medios escritos🎇Suena x estos momentos en mi mente: Pass Me By de POOL SHOP🎇 STOP!
SANTA SPREESes un proyecto anglo japonés al mando de Anthony & Kazuko Dolphin. Desde 1994 se dedican a romper los confines del post punk, gracias a camionadas de bubblegum, vanguardia y barbarismo. Muy lejos de tus clásicos refritos de siempre y la retromanía capitalista. Recogen/elevan el legado de héroes como SUN RA, PERE UBU y DANIEL JONHNSTON. Recientemente publicaron "Sum Total Of Insolent Blank", un generoso álbum de 43 tracks, ideal para esos momentos y vidas en las que nada tiene sentido y quieres dispararte un balazo entre ceja y ceja. Como diría N, "solo la música enferma hace dinero hoy".
Su biografía dice que Santa Sprees ha existido desde 1994. Cuéntanos cómo nació la banda y qué sonidos han cultivado desde entonces.
Creo que las condiciones y los límites materiales dieron forma a la estética emergente de una manera que es difícil de recuperar ahora en 2020, cuando hay tanto disponible tan fácilmente por tan poco. Creo que muchos de esos límites siguen siendo partes importantes de nuestra singularidad y lo que hace que una canción sea de Santa Sprees. Creo que los límites son buenos para los artistas. Los hace ingeniosos. Mi falta de habilidad musical y conocimiento teórico es un límite. La elección ilimitada suena bien, pero te ralentiza hasta el punto de la parálisis.
Compré un pequeño teclado Casio muy barato en una tienda de catálogo de Argos en Clapham Junction y comencé a grabar muchas canciones muy rápidamente usando el micrófono abierto en una radio de cassette, luego reproduje la primera grabación en un micrófono condensado en una vieja cinta de cassette grabadora ITT ... y repetí esto cada vez que agregué un nuevo elemento. Las grabaciones estaban cubiertas de silbidos y bastante toscas, pero yo era bastante ambicioso en cuántas partes agregué ... así que, tres o más armonías vocales o capas de tres órganos, etc. (algunos registros anteriores: https://santasprees.wixsite.com/santasprees/about1-ctpy )
Un poco más tarde, compré un micrófono y un mezclador de 4 entradas muy básico de Tandy y luego un pedal de distorsión que usé en las voces y casi todo lo demás. No conocía ningún acorde ni siquiera qué notas eran cuáles, pero escribí y grabé cientos de canciones. Algunas sellos de cassette publicaron un par de las primeras colecciones y Dreamy Records puso algunas de esas grabaciones en su primera compilación y luego lanzó nuestro primer álbum, 'Keep Still', momento en el que había dejado Inglaterra, primero para vivir en Grecia y luego Tokio. 'Keep Still' fue grabado en un minidisco portastudio de 8 pistas en Japón. Recibió algunas críticas muy buenas y algunas reproducciones de radio. Grabamos dos álbumes más en Japón, que se distribuyeron de una manera mucho más pequeña. Todos son interesantes, pero es difícil para mí evaluar cómo suenan o cómo ha evolucionado el sonido.
Tengo un triángulo en mi cabeza con primitivo, avant y bubblegum en cada punto y para mí, es importante que una canción de Santa Sprees encaje en algún lugar dentro de ese triángulo. No creo que eso haya cambiado mucho.
¿En qué se diferencia Londres 1994 de Londres 2020?
No he vivido en Londres desde 1997, pero por las visitas, diría que es mucho más rico e infinitamente más pobre.
¿Cuál es tu meta principal al hacer música?
La aplicación de facultades estéticas.
Tu álbum reciente, "Sum Total of Insolent Blank", es una hazaña de 43 pistas. Algunos de corta duración. Pero resume sonidos como Gang of Four, Pere Ubu o The Pop Group imho.
Siempre es interesante los ecos que las personas imaginan que escuchan, puede ser una psicosis privada. Además de Pere Ubu (particularmente 'Dub Housing'), los grupos que mencionas no son importantes para mí. Una verdadera compensación por la falta de instalaciones musicales es que es mucho más difícil imitar o replicar una influencia. Si tuviera la habilidad, estoy seguro de que trataría de sonar como Duke Ellington tocando 'Lotus Blossom'. La cantidad y variedad de música que escucho es enorme y lo ha sido durante años y años ... y, por supuesto, influye e inspira. En términos de influencias, los más importantes son los que dan licencia para hacer algo ..... Maher Shalal Hash Baz me da licencia para extenderme sobre 43 pistas ... The Residents me dan licencia para hacer pequeñas composiciones verticales. ... Harry Partch es la licencia para afinar mi guitarra como quiera que quiera ... Sun Ra te da licencia para salir sin un plan ... los primeros cassettes de Daniel Johnston definitivamente me dieron licencia para pensar que la fidelidad en realidad fue.
¿Cómo fue la composición de este extenso LP?
Las canciones comienzan de 4 maneras diferentes. Algunos comienzan como una idea que quiero escuchar convertida en música ... por ejemplo, en 'Progress', el pensamiento fue qué sucede cuando agregas un nuevo elemento en cada compás a una canción de 2 minutos (termina como cacofonía).
Algunas canciones comienzan como títulos que engendran pequeños mundos o historias ('I Met The Man Who Miked The Cows On Malted Milk', 'Twelve Imerfect Men') y generalmente llegan/acaban rápidamente. Algunos comienzan en un piano u órgano y la música puede o no engendrar una letra. Y algunos comienzan con la guitarra. Grabé más de 100 canciones y seleccioné y ordené 43 para el álbum ... algunas son en realidad ediciones.
¿Dónde lo grabaron?
En nuestro estudio casero en Dartmouth en Devon, en el suroeste de Inglaterra.
¿Qué instrumentos, efectos o software has usado?
En su mayoría son cosas japonesas bastante antiguas ... un teclado Yamaha PSR 530, una guitarra Aria Pro II RS de 1979 de 5 cuerdas con afinación de Santa Sprees, un sintetizador monofónico Korg EA-1, un kit de batería Roland, flauta de bambú, grabadora, kazoo, piano thimb, bongos, platillos de dedo, melódica, xilófono, campanas de trineo ... un pedal Zoom 2100 (siempre distorsión a 2A) ... grabamos en un Yamaha AW16 G de 16 pistas. No hay software hasta Audacity en el final para recortar y amplificar. ¿Te emociona este detalle?
Monumental y raro. Me alegraría pensar que estábamos lejos de ser normales.
¿A qué bandas under de Londres o Reino Unido nos recomiendan poner atención?
Me parece que el 99,99% de toda la producción cultural es completamente irrelevante y poco interesante ... "bueno" no es realmente suficiente ... Quiero escuchar cosas que son notables, singulares o realmente hermosas y brillantes. Puede que nunca se recupere de esto, pero pasaría una tarde inolvidable persiguiendo lo siguiente: Yeah You, Lucie Peppermint, Girl Sweat, Meatraffle, The Bongoleeros, Sloth Racket, Leoncie, Bob Parks, Dethscalator, Led Bib, Lucy Railton y algunos que son un poco más conocidos como Sly & The Family Drone, Fat White Family, Micachu & The Shapes y Mica Levi (enviaré una lista de reproducción privada). Envíenos algunas recomendaciones de Perú y Sudamérica ... Me encantan los compositores César Bolaños y Nelson Gastaldi ..... Me gustan Los Belkings, Fumaça Preta, Julián Carrillo, Los Siquicos Litoraleños, Angel Rada, Alan Courtis, José Vicente Asuar ... y Wilder Gonzales Agreda, por supuesto ... es bueno.
Además de hacer registros post punk no wave, ¿qué otras actividades hacen?
Pinto y hago arte. Kazuko hace yubinuki (artesanía de hilo japonés). Solíamos trabajar también ... hasta que la plaga llegó al pueblo.
¿Cuál es tu sonido o lugar favorito?
Sonido: el sonido que saluda un gol en casa en Anfield.
Lugar: Candy, Inage.
Recientemente, John Lydon (Sex Pistols, PIL) mostró su apoyo a Donald Trump y varios medios de comunicación ingleses han informado sobre la relación de iconoclastas como Death In June con personas asociadas con el fascismo de derecha. Sin mencionar las acusaciones lanzadas en vida contra Genesis P. Oddridge por Cossey Tutti. ¿Cuál es su perspectiva sobre estos asuntos?
Lydon es un opositor y puede tomar posiciones reaccionarias para obtener una reacción por necesidad. Es difícil saber qué tan sincero es. Mark E Smith fue similar. Solo he leído reseñas del libro de Cosey ... pero la misoginia violenta envuelta en el vendaje de la teoría del arte sigue siendo una misoginia violenta. Al igual que su música, la política de Death In June no tiene consecuencias ni valor.
Planes futuros.
Comenzar una cooperativa de trabajadores. Comenzar un sello de música perdida, oscura, extraña y espacial. Comenzar el próximo álbum.
Muchas gracias por la entrevista, amigos. Saludos desde el norte de Lima.
Muchas gracias. ¿Es el norte de Lima un área muy distintiva? ¿Cómo es? Por favor, ven al Reino Unido en algún momento para tocar.
A CONVERSATION WITH SANTA SPREES :. Everything's Still Normal (In Space)
SANTA SPREESis an Anglo-Japanese project led by Anthony & Kazuko Dolphin. Since 1994 they have been dedicated to breaking the confines of post punk, thanks to truckloads of bubblegum, avant-garde and barbarism. Very far from your classic rehash/refried of always and the capitalist retromania. They collect / elevate the legacy of heroes like SUN RA, PERE UBU and DANIEL JONHNSTON. They recently released "Sum Total Of Insolent Blank", a generous 43-track album, ideal for those moments and lives when nothing makes sense and you want to shoot yourself a bullet. As N would say, "only sick music makes money today."
Your bio states that Santa Sprees has existed since 1994. Tell us how the band was born and what sounds have you cultivated since then?
I think the material conditions and limits shaped the emergent aesthetic in a way that is hard to recover now in 2020 when so much is available so easily for so little. I think many of those limits are still important parts of our singularity and what makes a Santa Sprees’ song. I think limits are good for artists. It makes them resourceful. My lack of musical ability and theoretical knowledge is a limit. Boundless choice sounds good but it slows you down to the point of paralysis.
I bought a very cheap, little Casio keyboard from an Argos catalogue shop in Clapham Junction and started recording lots of songs very quickly using the open mic on a cassette radio, then playing the first recording back to a condensed mic on an old ITT cassette tape recorder...and repeated this each time I added a new element. The recordings were covered in hiss and fairly crude but I was quite ambitious in how many parts I added....so, three or more vocal harmonies or layering three organs and so on. (some early recordings: https://santasprees.wixsite.com/santasprees/about1-ctpy)
A little later, I bought a microphone and a very basic 4-input mixer from Tandy and then a distortion pedal which I used on vocals and pretty much everything else. I did not know any chords or even which notes were which but I wrote and recorded hundreds of songs. Some cassette labels put out a couple of the early collections and Dreamy Records put some of those recordings on their first compilation and later released our first proper album, ‘Keep Still’ by which time I had left England, first to live in Greece and then Tokyo. ‘Keep Still’ was recorded on an 8-track minidisc portastudio in Japan. It got some very good reviews and some radio play. We recorded two more albums in Japan, which were distributed in a much smaller way. They are all interesting but it is hard for me to assess what they sound like or how the sound has evolved.
I have a triangle in my head with primitive, avant and bubblegum at each point and for me, it is important that a Santa Sprees’ song should fit somewhere within that triangle. I don’t think that has changed much.
How is London 1994 different from London 2020?
I haven’t lived in London since 1997 but from visits, I would say it is much richer and infinitely poorer.
What is your main task when making music?
The application of aesthetic faculties.
Your recent album, "Sum Total of Insolent Blank", is a feat of 43 tracks. Some of short duration. But it sums up sounds like Gang of Four, Pere Ubu or The Pop Group to me.
It is always interesting the echoes people imagine they hear, it can be a private psychosis. Apart from Pere Ubu (particularly ‘Dub Housing’), the groups you mention are not important to me. One genuine compensation of a lack of musical facility is it is much harder to immitate or replicate an influence. If I had the ability, I am sure I’d try and sound like Duke Ellington playing ‘Lotus Blossom’. The amount and range of music I listen to is vast and has been for years and years...and of course it influences and inspires. In terms of influences, the most important are the ones that give license to do something.....Maher Shalal Hash Baz give me licence to sprawl over 43-tracks....The Residents give me licence to make small, vertical compositions...Harry Partch is the licence to tune my guitar however the fuck I want.....Sun Ra gives you licence to go out there without a plan....the early Daniel Johnston cassettes definitely gave me licence to think what fidelity actually was.
How was the composition of this long long play?
The songs start in 4 different ways. Some start as an idea that I want to hear made into music....for example, on ’Progress’ the thought was what happens when you add one new element every bar to a 2-minute song (it ends up as cacophony).
Some songs start as titles that beget little worlds or stories (‘I Met The Man Who Miked The Cows On Malted Milk’, ‘Twelve Imerfect Men’) and usually come quickly. Some start at a piano or organ and the music may or not beget a lyric. And some begin with the guitar. I recorded over a 100 songs and selected and sequenced 43 for the album...some are actually edits.
Where did you record it?
At our home studio in Dartmouth in Devon in the south west of England.
What instruments, effects or software have you used?
It’s mostly pretty old Japanese stuff...a Yamaha PSR 530 keyboard, a 1979 5-string Aria Pro II RS guitar with Santa Sprees’ tuning, a Korg EA-1 monophonic synthesizer, a Roland drum kit, bamboo flute, recorder, kazoo, thimb piano, bongos, finger cymbals, melodica, xylophone, sleigh bells....a Zoom 2100 pedal (always st to 2A distorion)... we record on a 16-track Yamaha AW16 G. No software until Audacity at the end to trim and amplify. Does this detail excite you?
Monumental and rare. I would be happy to think that we were far from normal.
What under bands from London or UK do you recommend putting our ear on?
I find 99.99% of all cultural production utterly worhtless and uninteresting.....’good’ isn’t really enough....I want to hear things that are remarkable, singular or genuinely beautiful and brilliant. You may never recover from this but you would have an unforgettable afternoon pursuing the following: Yeah You, Lucie Peppermint, Girl Sweat, Meatraffle, The Bongoleeros, Sloth Racket, Leoncie, Bob Parks, Dethscalator, Led Bib, Lucy Railton and a few that are a little better known like Sly & The Family Drone, Fat White Family, Micachu & The Shapes and Mica Levi (I’ll send a private playlist). Please send us some recommendations from Peru and South America....I love the composers César Bolaños and Nelson Gastaldi.....I like Los Belkings, Fumaça Preta, Julián Carrillo, Los Siquicos Litoraleños, Angel Rada, Alan Courtis, José Vicente Asuar...and Wilder Gonzales Agreda of course...he’s good.
In addition to making post punk no wave records, what other activities do you do?
I paint and make art. Kazuko makes yubinuki (Japanese thread craft). We used to work, too...until the plague came to town.
What is your favorite sound or place?
Sound: the sound that greets a home goal at Anfield.
Place: Candy, Inage.
Recently John Lydon (Sex Pistols, PIL) showed his support for Donald Trump and various English media have reported the relationship of iconoclasts such as Death In June with people associated with right-wing fascism. Not to mention the accusations thrown in life against Genesis P. Oddridge by Cossey Tutti. What is your perspective on these matters?
Lydon’s a contrarian and can take reactionary positions to get a reaction per need. It is hard to know how sincere he is. Mark E Smith was similar. I have only read reviews of Cosey’s book...but violent misogyny wrapped in the bandage of art theory is still violent misogyny. Like their music, the politics of Death In June are of no consequence or value.
Future plans.
Start a workers’ co-operative. Start a label for lost, obscure, outsider & out there music. Start the next album.
Thanks a lot for the interview, friends. Greetings from North Lima.
Thank you very much. Is North Lima a very distinctive area? What’s it like? Please come to the UK sometime to perform.
acá siguiendo en la lucha avantgarde.. hace varios días que quería lanzar una nueva edición de aquél compilado SAY SOL de hace años.... hoy por fin lo he hecho y les comparto vía da blog... contiene neo actos que me parecen super lokos e interesantes.. desde la novel Mynezza de lima norte o DRX quien ya publicó por Superspace su debut hasta conocidos x la gente como Evamuss, Silvania, Leche Plus o Isocaos.
esta vez son 30 tracks y mucho jolgorio para pasar estos días de encierro y peligro en el aire... disfruten y pasen la voz... hacer todo x la música es lo q nos distingue de tanta bosta arty hipster... y
Asesinatos en serie, fábricas post-humanas y nihilismo.
En algún lugar en Zárate, Buenos Aires, Argentina, se celebran orgías ruidísticas ajenas a la cordura y bastante más cerca a los desvaríos no exentos de humor y corrosión de Burroughs, Merzbow y Russolo. Una invitación a perder el tiempo zambulléndose en océanos de ruido y non sense. A salir hermoso y creador ad infinitum. "La guillotina tiene hambre".
Wil Bolton es un artista inglés con una extensa discografía en sellos como Cathedral Transmissions, hibernate, Rural Colours y sound in silence. Su debut Time Lapse (2000) rompió algunos corazones. Hoy nos presenta un álbum poderoso, basado en sintetizadores modulares, el muy etéreo "Visions in Static" (Neontantra, 2020).
Este disco hace parecer a Tangerine Dream o Klaus Schulze siniestro dark ambient. Probablemente demasiado espiritual para estos tiempos de mierda.
"El trabajo de Wil Bolton utiliza guitarras, instrumentos acústicos, teclados y efectos antiguos para crear melodías cálidas y emotivas, fragmentadas y sumergidas entre camas de texturas ambientales y sonidos ambientales."
Dos mujeres dedicándose apasionadamente al misticismo psicodélico, el sonido y las vibraciones paralelas en este mundo confuso en el que posamos nuestras huellas por breve lapso de tiempo. Se hacen llamar TAN COLOGNE y provienen de algún lugar en Nuevo Mexico, USA (donde además regentan una galería underground de arte, la Psychic Sink). Su álbum debut, "Cave Vaults on the Moon in New Mexico", se ha publicado por Labrador Records y es una elegía en clave Mazzy Star meets Bardo Pond todo licuado por los sentimientos, experiencias e intuiciones de Lauren Green y Marissa Macias a.k.a. TAN COLOGNE.
¿Cómo comenzó su proyecto? ¿Cuándo y cómo se conocieron?
Nos conocimos en Taos, Nuevo México, a través de nuestra amiga común Jesse, quien tocó el disco de la antigua banda de Lauren para Marissa. Nos reunimos y configuramos todos nuestros pedales y amplificadores de guitarra en un círculo y tocamos durante horas. Desde entonces, hemos estado explorando terrenos musicales y creativos juntos. Después de trabajar en paisajes sonoros para nuestra galería subterránea llamada Psychic Sink, comenzamos a escribir nuestro álbum debut "Cave Vaults on the Moon in New Mexico". El álbum surgió de observaciones paralelas y de crecimiento, con Nuevo México como eje del viaje.
¿Qué es o a qué se refiere Tan Cologne?
Queríamos invocar capas de sentidos, y pensamos en cómo "Tan" (tr: bronceado, marrón) era un color y también una alteración humana hecha por el sol, y cómo "Cologne" es un aroma que se aplica y también una neblina en la piel. Ambos deseados y no, dependiendo de las circunstancias. Pensamos que las dos palabras evocaban una especie de sentimiento.
Hicimos una pequeña gira en México y nuestros amigos en la Ciudad de México nos dijeron que Tan Cologne significa "So Cologne" y nos encantó. Casi como una nueva frase, ja.
¿Cómo ha sido el proceso de creación, composición y grabación de su álbum debut?
Escribimos y grabamos todo nosotros mismos, por lo que fue casi como nuestra cuarentena personal antes de que realmente tuviéramos que ponernos en cuarentena. Tuvimos un ritual paralelo durante la grabación, que era hacer fuego o saltar a algunas aguas termales o agua. Esta área y paisaje tiene una fuerte atracción y presencia, y siempre nos lo ordena la combinación. Ponernos a tierra es la acción más importante de nuestros días, especialmente durante el proceso creativo aquí.
¿Cómo es la escena alternativa y psicodélica en Nuevo México?
Hay una gran variedad de música en Nuevo México, pero no tanto una escena musical específica. Una vez leímos acerca de Nirvana tocano en una pista de patinaje en Santa Fe antes de que fueran famosos. Hay magia como esa aquí y allá, que se mueve a través del estado y décadas de manera intermitente.
¿Qué música / discos están escuchando en estos días?
Alice Coltrane, Woo, Mazzy Star, Ami Dang, Amen Dunes, Johnny Hawaii, A.R. & Machines, Sun Ra, The Durutti Column, Nailah Hunter.
¿Cómo fue su llegada a Labrador Records?
Terminamos nuestro disco y les enviamos un correo electrónico pensando que probablemente no obtendríamos una respuesta, ¡pero nos sorprendió! Nos encantan muchas bandas actuales y anteriores en su catálogo - The Radio Dept., Maria Usbeck, + - ¡así que nos alegramos cuando recibimos una respuesta positiva diciendo que querían lanzar nuestro álbum!
¿Qué comparte o no su neo psicodelia con el movimiento de los años 60?
Nos conectamos con los movimientos políticos y sociales y algunos sonidos de los años 60, especialmente Jefferson Airplane. Hay aspectos de los años 60 que se sienten alejados de nuestro ser. Nos sentimos más independientes y operamos por intuición y comunicación universal.
¿Mazzy Star o Blonde Redhead?
Mazzy Star tiene un sonido completo que resurge a menudo. Son mágicos ¡Descansa en el poder, David Roback!
¿Cuál es su droga favorita?
VINO y agua
Durante estos tiempos de coronavirus, recesión económica, Donald Trump y fascismo, ¿cómo es dedicarse al arte y la música en los Estados Unidos?
Es nuestra protesta y nuestra forma de utilizar las fuerzas creativas para consolar, elevar y devolver.
Planes futuros.
Actualmente estamos trabajando en un nuevo EP / álbum. Tuvimos una gira europea en proceso, ¡pero veremos cómo funciona! Nos encantaría visitar Sudamérica algún día.
A CHAT WITH TAN COLOGNE :. Bardo Girls
Two women passionately engaging with psychedelic mysticism, sound, and parallel vibrations in this confused world in which we put our footprints for a short time. They call themselves TAN COLOGNE and come from somewhere in New Mexico, USA (where they also run an underground art gallery, the Psychic Sink). Their debut album, "Cave Vaults on the Moon in New Mexico", has been released by Labrador Records and is an elegy in key Mazzy Star meets Bardo Pond all liquefied by the feelings, experiences and intuitions of Lauren Green and Marissa Macias a.k.a. TAN COLOGNE.
How did your project start? When and how did you meet?
We met in Taos, New Mexico through our mutual friend Jesse who played Lauren’s old band’s record for Marissa. We got together and set up all of our guitar pedals and amps in a circle and played for hours. Ever since, we’ve been exploring musical and creative terrains together. After working on soundscapes for our underground gallery space called Psychic Sink, we began writing our debut album "Cave Vaults on the Moon in New Mexico". The album emerged from parallel observations and growth, with New Mexico as the axis of the journey.
What is or what does Tan Cologne refer to?
We wanted to invoke layers of senses, and thought about how “Tan” was both a color and also human alteration made by the sun, and how “Cologne” is an applied scent and also a mist on the skin. Both desired and not, depending on circumstance. We thought the two words evoked some sort of a feeling.
We did a short tour in Mexico and our friends in Mexico City told us Tan Cologne means “So Cologne” and we loved that. Almost like a new phrase, ha.
How has been the process of creating, composing and recording your debut album?
We wrote and recorded everything ourselves, so it was almost like our personal quarantine before we actually had to quarantine. We had a parallel ritual during recording, which was either making a fire or jumping into some hot springs or water. This area and landscape has a strong pull and presence, and we are always commanded by the mix of it. Grounding ourselves is the most important action of our day, especially during the creative process here.
How is the alternative and psychedelic scene in New Mexico?
There’s a wide variety of music in New Mexico, but not so much a specific music scene. We once read about Nirvana playing at a skating rink in Santa Fe before they were famous. There’s magic like that here and there, that moves through the state and decades intermittently.
What music / records are you listening to these days?
Alice Coltrane, Woo, Mazzy Star, Ami Dang, Amen Dunes, Johnny Hawaii, A.R. & Machines, Sun Ra, The Durutti Column, Nailah Hunter
How was your arrival at Labrador Records?
We had our record finished and sent them an email thinking we probably wouldn’t get a response, but we were surprised! We love a lot of current and previous bands on their roster - The Radio Dept., Maria Usbeck, + - so we were stoked when we got a positive response saying they wanted to release our album!
What does your neo psychedelic share or not with the movement of the 60s?
We connect with the political and social movements and some sounds of the 60s, especially Jefferson Airplane. There are aspects from the 60’s that feel estranged from our being. We feel more independent and operate by intuition and universal communication.
Mazzy Star or Blonde Redhead?
Mazzy Star has a complete sound that resurfaces often. They are magical. Rest in power, David Roback!
What is your favorite drug?
WINE and water
During these times of Coronavirus, economic recession, Donald Trump and fascism, what is it like to dedicate yourself to art and music in the USA?
It’s our protest and our way of using creative forces to comfort, uplift, and give back.
Future plans.
We’re currently working on a new EP/album. We had a European tour in the works, but we’ll see how that pans out! We would love to come visit South America one day.
El superventas francés, que arrasó con ‘El capital en el siglo XXI’, vuelve con un texto más controvertido.
por VÍCTOR LENORE
Despachar dos millones de libros en nuestra época es toda una hazaña cultural. Mucho más si lo que ofreces es un ensayo de 816 páginas a contracorriente de las teorías económicas dominantes. El capital del siglo XXI, con su arrollador arsenal de datos, interesó a lectores muy diversos, desde la izquierda radical hasta los principales multimillonarios del planeta. El magnate Bill Gates se sintió tan interpelado que contestó por escrito a Thomas Piketty: “Estoy de acuerdo en que la fiscalidad debería alejarse de gravar el trabajo. No tiene ningún sentido que el trabajo en Estados Unidos sea tan fuertemente gravado en relación con el capital. Tendrá aún menos sentido en los próximos años, ya que los robots y otras formas de automatización vendrán a desempeñar más y más de las habilidades que los trabajadores humanos tienen hoy”, admitía.
Como era de esperar, Gates también formuló criticas sustanciales al enfoque del texto, señalando que hay niveles aceptables de desigualdad o que Piketty se centraba demasiado en la relación entre capital y trabajo, olvidando el crucial factor del consumo. Resumiendo: se produjo un debate global muy razonable donde los lectores podían situarse, después de escuchar a las partes implicadas. Piketty vuelve este otoño redoblando su apuesta, publicando 1.200 páginas tituladas Capital e ideología (Deusto). El libro arranca en la Edad Media, contiene 170 tablas de gráficos y abarca varios registros, desde el estudio empírico hasta la propuesta política, pasando por el análisis cultural.
Nada más llegar a las tiendas ha encendido un debate sobre si son realistas propuestas como un tipo fiscal del 90% para las grandes fortunas globales o una herencia universal de 120.000 euros, que se recibiría al cumplir los 25 años. Hablamos del tipo de ‘socialismo participativo’ cercano al que está proponiendo Jeremy Corbyn en el Reino Unido, donde aboga por la semana laboral de cuatro días o el reparto de acciones entre empleados de grandes empresas.
Izquierda elitista
Llegados a este punto, conviene aclarar que el libro no trae buenas noticias para la izquierda occidental. Su tesis más desafiante afirma que lo que llamamos ‘progresismo’ es un espacio político similar a la casta Brahmán, el estamento sacerdotal -considerado el más importante de la India-. Eran los encargados exclusivos de los sacrificios, los cánticos y de la asesoría a los reyes, lo cual sin duda hará gracia a los defensores de la teoría de la ‘dictadura progre’. Mientras la derecha se dedicaba al comercio, la izquierda se centraba en la academia, con el objeto de acumular los conocimientos que le permitieran influencia en el sistema político y económico, pero sin mancharse con la vulgaridad del mercado. Hablamos de una acusación de elitismo similar a las que han realizado otros autores de idea tradición izquierdista como Mark Lilla, Thomas Frank y Diego Fusaro.
La formulación más clara de este cuestionamiento la encontramos en esta reciente reseña del libro, firmada por Jan Rovny y publicada en una de las bitácoras de la London School of Economics: “El libro demuestra de manera convincente que la izquierda solía ser el brazo político de los infraeducados y se ha convertido en la esfera de los educados. Esto, en cualquier caso, no tiene tanto que ver con las estrategias escogidas por la izquierda”. Lo que plantea el libro es la crónica del divorcio entre los intelectuales de izquierda y el mundo del trabajo. “Ni la izquierda ni ningún otro espacio político puede satifacer simultáneamente las demandas económicas y culturales de la clase profesional y educada, que se ha beneficiado de la globalización transnacional, al mismo tiempo que atiende las necesidades de la clase trabajadora amenaza por ese mismo proceso”, resume. Esta paradoja explica el ascenso de un populismo identitario, de creciente atractivo para las clases más pobres y menos educadas.
Ejemplos prácticos
Cuando Gates contestó al anterior libro de Piketty, reconoció que tenía gran parte de razón al explicar que no era aceptable que los hijos de los millonarios acumulasen dinero de manera automática sin necesidad de trabajar. Entre 1990 y 2010, la era dorada de Microsoft, la fortuna de Bill Gates creció desde los 4.000 millones de dólares hasta alcanzar los 50.000. Al mismo tiempo, el patrimonio de Liliane Bettencourt -heredera del emporio L'Oréal, líder mundial en cosmética- pasó de dos mil millones a 25.000, según los registros de ‘Forbes’. ¿Moraleja? Bettencourt (que no ha trabajado un solo día en su vida) contempló como su fortuna crecía al mismo ritmo que la del pionero tecnológico.
El propio Gates lo pudo confirmar porque le ocurrió lo mismo cuando decidió dejar de trabajar. A pesar de su extensión, parece claro que el nuevo libro de Picketty será otro éxito de ventas y un impulso para nuevos debates. La gran pregunta que flota en el aire es cómo se tomará la izquierda occidental que uno de los suyos señale el proceso de elitización y toma de distancia de sus votantes, que ha contribuido al auge global de la derecha. Lo saben bien en Francia, donde la izquierda casi ha desparecido para dar lugar a una fase donde se enfrenta al centrismo liberal de Macron con la derecha identitaria lepenista. Mientras tanto, los chalecos amarillos no quieren saber nada de socialistas ni de comunistas. ¿Estamos ante el fin de una época?
It's received strong support from you. Big Thanks!! Today ppl at Bandcamp has put some of it in the Bandcamp Weekly radio show which you can enjoy here:
The track is "Ojos Azul Verdes" by ANTÁRTIKA, the very late Cocó Silvania/Ciëlo. Its a reversion he did of "Pale Blue Eyes" by Velvet Underground under his own perspective and in spanish. Its amazing how he turned the song into alien tekno minimal. One of the highlights of Superspace Records history indeed.
Ha sido recibido con fuerte apoyo de todos uds. ¡¡Muchísimas Gracias!! Hoy la gente de Bandcamp ha puesto algo de él en el Bandcamp Weekly show radial, el cual pueden escuchar acá:
El track es "Ojos Azul Verdes" por ANTÁRTIKA, el recordado Cocó Silvania/Ciëlo. Es una reversión que hizo de "Pale Blue Eyes" de Velvet Underground bajo su propia visión y en castellano. Es alucinante como transformó la canción en
inimal alien tekno. Uno de los hitos de la historia de Superspace Records de hecho.
Estaremos publicando nuevo material pronto.
Keep shining.
SSR.
Los Olivos, Perú.
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ETCSRECORDS me entrevistó hace poco y les hice una playlist con joyas peruanas.
"En esta oportunidad, invitamos a realiza un playlist de un poquito más de una hora y a que respondiera unas preguntas al músico peruano de experimentación electrónica sicodélica Wilder Gonzales Agreda que tiene además una larga trayectoria en el Perú ligada al hacerlo por ti mismo y que lo ha llevado a incursionar transversalmente en distintas áreas de la cadena musical.
Wilder también conduce el sello experimental SUPERSPACE RECORDS y en su catálogo, cuenta con más de 90 publicaciones y destacando los proyectos del Perú: Fractal, Hipnosensación, The Electric Butterflies, El Conejo de Gaia, Avalonia. También están los chilenos Julio Caffarena y A Full Cosmic Sound, Estadoshundidos de Argentina, Yellow 6 entre varios otros. Sumado a lo anterior, pueden leerlo en el sitio Perú Avantgarde - http://peruavantgarde.blogspot.com/ donde encontrarás entrevistas, reviews, reflexiones.
X - ¿Cuéntame cómo ha sido la situación en tu ciudad con respecto al COVID19, en que aspectos afectó en tu vida y cómo se organizan con la familia el día de hoy frente a las restricciones de la Pandemia?.
WGA: En Lima, Perú ha ido in creciendo desparramándose el virus desde los barrios burgueses hasta los conos. En mi caso en el cono norte hay algunos muertos en mi zona. En lo que respecta a mi familia y amigos no he tenido muertes que lamentar o contar por el covid.
Pues sí hemos tenido que aislarnos y solo salir a comprar los alimentos o pagar los recibos y ese tipo de cosas. Pero se ve que a muchos les afecta pues en Perú la economía es principalmente informal y la gente en su mayoría vive del día a día así que la cuarentena se rompió de facto hace mucho. Incluso los más afectados se ve son los venezolanos que llegaron a Perú auspiciados por el gobierno entreguista de PPK lamebotas de los yankees y hoy hasta pasean por las calles pidiendo ayuda o comida a gritos, diciendo incluso, “no te estamos asaltando, ayúdanos con lo que salga de tu corazón”. Ese es el panorama grosso modo.
X - ¿Además de los temas sociales, económicos, de género y de espacio que otros problemas visualizas tú que se han exacerbado?
WGA: La rapiña de los comerciantes chicos y grandes por ganar billete a costa incluso de la salud de la gente. Los temas psicológicos, el estrés que una situación como esta causa en cualquiera. Hay también algunos casos de solidaridad y de personas humanitarias como el caso de algunos empresarios que no han subido el precio del oxígeno como han hecho el 99% de sus pares. Todos nos estamos enfrentando/conociendo más a la muerte de forma más real que verla de lejos o en la TV.
X - Bajo tu impresión en el ámbito artístico/artesano o músico/no músico y luego de todo este descalabro, ¿qué piezas recogerías y cuáles dejaría en el suelo?
WGA: Siento que el mundo sigue siendo la misma mierda. Sigo igual en todo caso. Alejándome de la marketing, las modas y los carneros.
X - Qué piensas del futuro?
WGA: Lo veo muy lúgubre con los avances científicos y genéticos al servicio de una élite que terminará dominando al resto de personas convencionales sin esos súper poderes que ellos podrán pagar. Más pandemias seguramente. El ser humano - post-humano es un error y espero termine eliminándose de la faz del planeta para que domine lo más puro, el éter. Demasiado hedor ya en todos lados.
X - En que estas tú en estos momentos en el ámbito creativo?
Este año he publicado 2 álbumes. El último el pasado mes de mayo. Siempre vía mi sello Superspace Records y lo pueden disfrutar en bandcamp y spotify.
X - En qué consiste el siguiente playlist amigo?
WGA: Algunas gemas no muy conocidas de la escena alterna peruana publicadas por sellos como: Aloardi, Chip Musik y claro Superspace Records et al.
1. WILDER GONZALES AGREDA - ¡Me llegas al pincho!
2. SAJJRA - Maldita Kolmena
3. KOLLANTES - Comegato
4. HABÓ - Mon'k junto a mí
5. TRIBU - Todos los jaguares (Canto para Yana)
6. BRAGEIKI - La procesión del tono
7. EVAMUSS - Icor
8. DRX - El absurdo
9. LA MOLICIE - Uno
10. ISOCAOS - Orquídea
11. FRACTAL - Soy Tu/Yo Señor
X - Algo más que quieras agregar?
WGA: Un saludo a todos los otros niños arruinados de este mundo. ¡A seguir contra todo(s)!
Esta vez rescatamos en da blog una de las terremotos perdidos de la música electrónica planetaria. IDM made in 1985. Intelligent cantado o mejor dicho rapeado y parido en los ghettos de New York por unos jodidos genios, a saber, el DJ Kurtis Mantronik y el rapper MC Tee sacándole todo el partido a sus limitadas máquinas y aventajados cerebros. AUTECHRE y Warp Records salen de acá.
Mantronix: The Album, lanzado por primera vez en 1985, logró expandir el lenguaje de la música electrónica con los singles clásicos 'Needle To The Groove', 'Fresh Is The Word' y el éxito del Top 40 del Reino Unido 'Bassline' siendo enorme en los clubes, y aunque el álbum debut no fue un enorme éxito comercial en ese momento, se ha convertido en una piedra de toque de todo lo que ha surgido desde entonces, terminando bien ubicado en muchas listas de fin de año.
Los esfuerzos de Mantronix en Mantronix: The Album y su efecto en el hip hop temprano y la música electrónica tal vez se resumen mejor por la observación del crítico musical Omar Willey en 2000:
"Con "Fresh Is the Word" y las nuevas pistas "Bassline" y "Electro Mega-Mix", Mantronix definió el nuevo sonido del electro-funk. Mantronik usó un estilo polirrítmico, similar a la batería de registro de África occidental, pero en lugar de la batería acústica, el ritmo se llevaría a cabo mediante la combinación de batería electrónica, sintetizador, vocoder y / o voz sintetizada sobre una línea de bajo completamente reproducida en el sintetizador. No hay samples de James Brown aquí. Esta era realmente música electrónica: sobrante, funky e inmensamente bailable, un homenaje y una extensión simultánea de la plantilla electrónica del hip hop de la vieja escuela que había comenzado con "Planet Rock" en 1982. El sentimiento de Afrika Bambaataa, Grandmaster Flash, Kraftwerk y Neu! todos combinado en la música de Mantronik. Era un claro lazo entre la vieja escuela y el nuevo jack, y Mantronix tenía el campo para ellos solos."
Extractos del Invisible Jukebox de The Wire de un número de 1999.
Nacidos en 1970 y 1972 respectivamente, Rob Brown y Sean Booth se criaron con una dieta constante de Mantronix, graffiti, BMX y 808 State. Después de reunirse en 1987 y una temporada en la radio pirata en Manchester, el dúo lanzó su primer sencillo, "Cavity Job", bajo el nombre de MYSLB Productions en 1991. Sin embargo, Brown y Booth no entrarían en el ojo público hasta el año siguiente, cuando "The Egg" y "Crystel" de Autechre aparecieron en la compilación de Artificial Intelligence que define la escena de Warp. Su álbum debut, Incunabula, fue lanzado en 1993, su Electro ligeramente sesgado siguiendo un diagrama esquemático propio. Una exploración hermética de los contornos de sus máquinas Roland 303 y 606 favoritas. El álbum de Autechre de 1994, Amber, fue su gran avance. Después de lanzar el Anti EP, que contenía ritmos deliberadamente 'no repetitivos', hicieron lo mismo con Tri Repetae (1995), Chiastic Slide (1997) y el año pasado LP5, desarrollando formas electrónicas opacas talladas en la suciedad del sistema y unidas de acuerdo con reglas que eran cualquier cosa menos euclidianas. Los EP para Clear y Skam como Gescom (abreviatura de Gestalt Communications) pueden o no haber sido Booth y Brown. Las sesiones Peel Sessions de Autechre se lanzan este mes en Warp, y el dúo se encuentra actualmente en Sheffield trabajando en sus propios proyectos de software.
JUST ICE "Cold Gettin' Dumb" from Absolutely The Very Best Of Old School HipHop (Castle)
Sean Booth: Esto suena maravilloso. Creo que realmente me hubiera gustado esto en 1986 si saliera en una etiqueta de Nueva York. Oh, tenemos que saber quién es.
Rob Brown: Está fuera de tiempo, ¿no?
SB: Parece que fue producido por un genio. ¿Quien podría ser? ¿Algunas ideas?
RB: No quiero decir realmente, porque podría ser mucha gente, ¿no?
SB: Suena como el tipo de sello que estaría en Broadway, pero eso es solo una suposición. Parece que un geezer latino lo produjo de todos modos.
¿Porque eso?
SB: No lo sé, tiene un giro flojo.
RB: Es el tipo de persona que probablemente probaría sus cajas de ritmos y no las usaría, sino que simplemente las probaría y conseguiría que muchos niños latinos las editaran también.
SB: Me recuerda a Duke Bootee, pero ...
Estás cerca.
SB: Probablemente sea de Manhattan y probablemente no trabaje tan bien con sus raperos.
No.
SB: No recuerdo quién es. ¿Quién es?
Es Just Ice, con Mantronik produciendo.
RB: Sí, he oído hablar de él. Es maldito.
¿Fue Mantronik una gran influencia entonces?
SB: ¿Qué te parece? [Risas]
RB: En realidad, es bastante nuevo en cubrir sus huellas con este chico. Nunca se sabe, bueno, ya sabes cómo lo ha hecho, pero ...
SB: No se anuncia solo.
RB: Por el momento, el equipo que tenía estaba bastante avanzado.
SB: Estaba usando un SP-12 cuando las personas a su alrededor usaban un 808. Sí, y Emus. Estaba jodidamente golpeando básicamente.
RB: Fue el primer chico, en realidad, que pudo controlar el inicio y detener el movimiento del aire en la música. A diferencia de un 808 tocado infinitamente, tienes un sampler que se detiene finitamente, y él aprovecha al máximo eso.
SB: Sí, entendió totalmente su tecnología, no en términos de sus limitaciones, solo en términos de su capacidad. No fue el primero en hacer lo que estaba haciendo, pero probablemente fue la primera persona que supo cómo usar el sampler en HipHop para crear nuevas dinámicas con su kit, en lugar de simplemente intentar recrear las dinámicas existentes con samplers, que es lo que la mayoría de la gente estaba haciendo. En la segunda mitad de los años 80, básicamente fue él quien mejoró y todos los demás empeoraron, excepto The Bomb Squad, que se enfrentó desde su propio ángulo por completo. Eso fue algo así para nosotros entonces. Creo que era realmente bueno teniendo conceptos invisibles en sus cosas.
RB: Exactamente, porque los chicos HipHop no aceptan los conceptos.
SB: No, no lo harán. Solo quieren el aspecto estilístico de algún tipo de "realidad". Mientras que lo estaba empujando hacia adelante.
RB: Él no lo estaba mostrando al final. Creo que todos lo jodieron porque se fue ... Estuvo aislado por mucho tiempo, eso fue lo que pasó. Creo que probablemente se volvió tan futurista que decidió tratar de mantenerse al día con todos los demás, y así es como perdió la trama, en cuanto a dónde iban los demás, y terminó haciendo un montón de discos de soul. Eso lo manchó totalmente.
¿Qué crees que le quitaron?
SB: Realmente se inspiró más en él como persona. Era solo su forma de ser, la forma en que aplicaba lo que sabía y en lo que estaba metido.
RB: Era un poco zorro.
SB: Sí, definitivamente. Era un poco un héroe. Es un poco extraño porque solo recuerdas lo que pensabas cuando eras niño en lugar de recordarlo. Realmente no podía decir ahora qué estaba haciendo en términos de la técnica que me estaba haciendo girar. Creo que era solo que él siempre estaba presionando. Cheese era igual. Quiero decir que Cheese estaba produciendo cosas al mismo tiempo, alrededor del 86, que estaba muy bien hecho, hecho de forma exuberante. Él encarna muchas cosas que la gente ahora da por sentado, especialmente los productores de jungle.
...
DAVID TUDOR
"Pulsers" de Three Works For Live Electronics (Lovely Music)
SB: Suena como Chris Carter.
RB: ¿Es una grabación en vivo?
Si.
RB: No me importaría ver eso.
SB: Suena genial, sea quien sea. No es David Tudor o algo así, ¿verdad?
Sí, una grabación en vivo de 1976.
SB: Creo que tiene un oído extraño.
¿Crees que hay algo nuevo que puedes hacer con la electrónica en vivo que no puedes hacer en el estudio?
SB: Sí, por completo. Eres completamente lineal, solo puedes lidiar con un marco de tiempo. Tiene la capacidad de alterar tu perspectiva, o tu entorno de trabajo dentro de ese plazo puede estar completamente bajo tu control. En vivo, puedes darte todo el control que quieras.
RB: Definitivamente eres más un conducto en vivo.
SB: Definitivamente estás limitado a trabajar dentro de un período de tiempo y de una manera puramente lineal, por lo que no estás realmente preocupado por eventos futuros de la misma manera, por lo que no estás realmente preocupado por eventos pasados de manera un poco diferente, no tanto. Definitivamente cambia la forma en que trabajas en cosas: estás mucho más preocupado por las cosas en el presente que cuando trabajas en el estudio, porque no hay presente. A menos que estés trabajando en vivo en el estudio, que es como, uh, live, en sí = [Risas]
RB: Sí, pero sabes que será abordado y evaluado con la actitud que has tenido en el estudio.
SB: Si eso es lo que has decidido hacer ... Creo que la línea divisoria se está volviendo realmente delgada porque ahora hay tantas cosas que puedes cambiar. Cuando estaba haciendo cosas, sin una red masiva de computadoras, no podías hacerlo... Hay tantas formas diferentes de hacerlo ahora que la cuestión de si es en vivo o no es casi irrelevante, porque estás haciendo algo para que lo use, luego lo usa y le da la mayor flexibilidad posible. Es como ser DJ, de verdad.
En el rock, hay un elemento de peligro al hacerlo en vivo, puedes equivocarte de verdad, pero en la electrónica ese elemento de riesgo parece ser menos frecuente.
RB: No, no lo creo. Depende de cuánto riesgo te arriesgas realmente.
SB: Dejar un sonido abierto en el sintetizador que puedes editar es permitirte arruinarlo. Controlar las curvas del filtro es permitirte arruinarlo, si las resonancias están demasiado altas. Hay potencial para joder todo lo que hacemos. Es tonto decir que un concierto electrónico no puede sonar a mierda si presionas los botones equivocados.
RB: Sí, totalmente. Hay un millón de notas sin valor para escuchar en cualquier tipo de concierto.
SB: No hay más o menos posibilidades de arruinarlo que una banda de guitarras. Al menos en una banda de guitarras, alguien lo jode, el resto de la banda puede seguir tocando.
RB: Seamos realistas, alguien como Jim O'Rourke tocando una guitarra acústica frente a un micrófono es igual de arriesgado. Es extraño confiar en estas cajas. Si usas herramientas que has diseñado, debes ser un poco más inteligente que el siguiente hombre porque si se rompe, una, es tu culpa y, dos, si lo arreglas, sabes cómo funciona y, tres, has aprendido algo.
DICK RAAIJMAKERS
"Ping Pong" de The Complete Works (Donemus)
SB: Está bien, esto. ¿Que es esto? Es realmente lindo
RB: Ping pong.
Sí, es una grabación de dos paletas de ping pong con micrófono de contacto. Intentaban encontrar el algoritmo de una bola que desaceleraba, ¿no es así?
SB: Eso fue algo que hicimos hace dos años. Es solo matemática básica. Fue entonces cuando empezamos a generar ... Generativo es una palabra tan jodidamente estúpida, en realidad. No es en absoluto generativo. Es una especie de hipercreatividad, supongo. Es una palabra desagradable. De todos modos, esa fue una de las primeras cosas que hicimos, tratando de hacer ejercicio ...
RB: Es estructural, de verdad.
SB: Estábamos haciendo eso en 1995, 96. Fue entonces cuando comenzamos a usar computadoras y otras cosas.
¿Por qué se metieron en eso?
SB: Creo que nos dimos cuenta de que éramos mucho más capaces con MIDI y matemáticas. MIDI es simplemente un sistema entero bastante sorprendente. Podrías hacer mucho con eso y una vez que hicimos clic en eso, las cosas se expandieron.
¿Crees que hay algo divertido en convertir las matemáticas en música?
SB: Uno es el otro de todos modos.
RB: Escuchando cosas viejas que has hecho, usando los mismos principios, pero no planeando esos principios, sino simplemente explorándolos y entrando en ellos, dándote cuenta de que una vez que tienes esta máquina puedes descubrir muchos de las principios. La belleza real en los números utilizados para crear estructuras, es increíblemente interesante.
Están haciendo su propio software ahora, ¿verdad?
SB: Sí. No hay un objetivo, en realidad. Mucho de esto no es música, son solo cosas que nos interesan.
RB: Animación, de verdad. No en términos de representación gráfica, sino algo que puedes desarrollar.
SB: O algo que se anima a sí mismo, o algo que animará otras cosas. Es todo tipo de movimiento diferente. Todo está basado en el tiempo, todo lo que hacemos lo es. Pero no todo es sonido.
RB: [refiriéndose al track] ¿Quién está ganando? No creo que estén jugando un juego serio. Algunos deberían grabar un juego maestro chino. Sería más de los 90, ¿no? [Risas]
SB: Sin embargo, sería tan jodidamente dinámico.
RB: Sí, pero terminaría en unos 90 segundos.
SB: Creo que sería mejor si fuesen buenos jugadores.
...
COIL
"Dimethoxy-4-Ethyl-Amphetamine" from Time Machines (Eskaton)
RB: Solo iba a decir que el sistema de calefacción tiene un tono.
[Ambos adoptan caras decaídas y miran la mesa en silencio durante unos dos minutos]
SB: Suena como COIL. ¿Es Time Machine? Sí, maldición.
RB: Es raro porque suena mucho más viejo.
SB: No puedo escucharlo más. No lo puedo tocar más. La última vez que escuché esto realmente me asustó. Es jodidamente impresionante este CD.
¿No están trabajando con ellos?
SB: Es un proceso largo y lento.
¿Están intercambiando cintas?
SB: Más ideas.
RB: Sí, lanza una clave en los trabajos también.
SB: Respeto, maldito.
¿Qué hay en Coil que les mueve?
SB: Eso es lo que no puedes decir. Se trata de abrir puertas, creo. Abren muchas puertas. No siempre llegan hasta allí, pero simplemente te muestran esta puerta y a veces es un giro.
RB: Coil está solo en una esfera. Por lo general, es bastante cautivador. Son una banda bastante cautivante, de verdad. No importa lo que hagan, hay algo allí que es absolutamente ellos y te mantiene allí.
¿Solían escuchar Dead Can Dance también?
SB: Sí, un poquito. Bits selectos. No demasiado de las cosas cursis del world / etno, más las cosas posteriores. Creo que "The Host Of Seraphin" es hermosa. Eso es al final lo que me gustaba. Me gustaba más que las pistas especializadas en instrumentos.
¿El movimiento industrial significó algo para ustedes?
SB: No venimos desde ese punto de vista en absoluto. Solíamos ir a este club Hardcore, y el DJ, que era totalmente decente, estábamos haciendo esta cosa de radio con él, la hacía. Tocó canciones de Love's Secret Domain a 45", simplemente jodiéndolas totalmente. Siempre le gustaban las cosas raras también.
RB: Sí, solía atormentar a su audiencia bastante. Él estaría tocando para entusiasmar a las multitudes, dejando caer a Coil a 45" en la mezcla.
SB: Fue totalmente impresionante, mirando hacia atrás. Compramos todo lo que estaban haciendo en ese momento y luego retrocedimos e intentamos obtener la mayor cantidad de cosas posible. Es muy denso. Están realmente interesados en lo que están haciendo a un nivel bastante íntimo. Solo están ellos y :zoviet*france: y The Hafler Trio que nos impresionaron en ese momento. Un poco de Chris & Cosey, también, supongo.
¿Crees que compartes una postura hermética con estos chicos?
SB: Creo que así es como lo escuchas. Creo que si estás preparado para ser bombardeado por ciertas cosas, entonces lo aceptas como parte del plan. Comienza a funcionar, es bastante raro. Coil tiene la habilidad de hacer cosas que son bastante enfermizas en cualquier otro lugar y hacerlas totalmente evidentes. Quiero decir, esto es absolutamente asombroso. Es muy fácil de hacer, pero es totalmente efectivo.
...
LFO
"Mentok 1" from Frequencies (Warp)
SB: Rah.
RB: ¿Quién selecciona la música entonces?
Comité.
[Ambos risas] RB: Comité. Esa es una respuesta muy diplomática.
OK, ¿qué tal junta?
SB: LFO nos acaba de golpear de la tabla. Nadie que conociera iba a escucharlo. Todos se metieron en "Testone" de [Sweet Exorcist] cuando eso salió y todos se metieron en "The Theme" y Forgemasters "Track With No Name" ...
RB; Recuerdo que había dos LFOs al mismo tiempo. Ese fue el momento en que salieron como un millón de discos por semana, todos copiándose entre sí.
SB: Eso es verdad. No fue hasta que salió el álbum que los atrapé totalmente ... El lado B fue bastante impresionante. Me perdí totalmente en el álbum, pensé que era increíble.
RB: Solo esperas que salgan todos esos 12 "al mismo tiempo, solo piensas que habrá un millón más para reemplazarlo. Y luego, para alguien aparentemente fuera de baile, escucharlos hacer un álbum de larga duración fue totalmente valioso.
SB: totalmente exuberante.
Tested by Peter Shapiro
Excerpts from The Wire's Invisible Jukebox of an issue of 1999.
Born in 1970 and 1972 respectively, Rob Brown and Sean Booth were both raised on a steady diet of Mantronix, graffiti, BMXs and 808 State. After meeting in 1987 and a stint on pirate radio in Manchester, the duo released their first single, "Cavity Job", under the name MYSLB Productions in 1991. Brown and Booth wouldn't enter the public eye until the following year, though, when Autechre's "The Egg" and "Crystel" appeared on Warp's scene-defining Artificial Intelligence compilation. Their debut album, Incunabula, was released in 1993, its slightly skewed Electro following a schematic diagram all their own. A hermetic exploration of the contours of their favourite Roland 303 and 606 machines. Autechre's 1994 album, Amber, was their breakthrough. After releasing the Anti EP, which contained deliberately 'non-repetitive' beats, they followed suit with Tri Repetae (1995), Chiastic Slide (1997) and last year LP5, developing opaque electronic shapes carved out of system dirt and put together according to rules that were anything but Euclidean. EPs for Clear and Skam as Gescom (short for Gestalt Communications) may or may not have been Booth and Brown. Autechre's Peel Sessions are released this month on Warp, and the duo are currently holed up in Sheffield working on their own software projects.
JUST ICE
"Cold Gettin' Dumb" from Absolutely The Very Best Of Old School HipHop
(Castle)
Sean Booth: This sounds gorgeous. I reckon that i would have really liked this in 1986 if it came out on a label from New York. Oh, we've got to gess who this is.
Rob Brown: It's well out of time, isn't it?
SB: It sounds like it was produced by a genius. Who could it be? Any ideas?
RB: I don't want to say really, because it could be loads of people, couldn't it?
SB: It sounds like the sort of label that would be on Broadway, but that's just a guess. It sounds like a Latin geezer produced it anyway.
Why's that?
SB: I don't know, it's got a saggy swing to it.
RB: It's the sort of guy who would probably sample his drum machines and not use them, but just sample them and get loads of Latin kids to edit them as well.
SB: It reminds me of Duke Bootee, but...
You're close.
SB: He's probably from Manhattan and he probably doesn't usually work his rappers this good.
No.
SB: I can't remember who this is. Who is it?
It's Just Ice, with Mantronik producing.
RB: Yeah, I've heard of him. He's wicked.
Was Mantronik a big influence then?
SB: What do you think? [Laughs]
RB: He's pretty fresh at covering his tracks this kid, actually. You never know - well, you know how he's done it, but...
SB: It doesn't advertise itself.
RB: For the time, the gear he had was quite advanced.
SB: He was using an SP-12 when the people around him were using an 808. Yeah, and Emus. He was fucking banging basically.
RB: He was the first kid, actually, who could control the start and stop motion of the air in music. As opposed to an 808 played out infinitely, you've got a sample that stops finitely, and he makes the most of that.
SB: Yeah, he totally understood his technology, not in terms of its imitations, just in terms of its capability. He wasn't the first to do what he was doing, but he was probably the first person who knew how to use the sampler in HipHop to create new dynamics with his kit, rather than just try to recreate existing dynamics with samplers, which is what most people were doing. In the latter half of the 80s, it was basically him getting better and everyone else getting worse, except for The Bomb Squad, who came at it from their own angle completely. That was kind of it for us then. I think he was really good at having invisible concepts in his stuff.
RB: Exactly, because HipHop kids won't go for the concepts.
SB: No, they won't. They just want the stylistic aspect of some kind of 'realness'. Whereas he was thrusting it forward.
RB: He wasn't showboating it in the end. I think he did get fucked off by everyone because he went... He was isolated for too long, that's what it was. I think he probably got so futuristic that he decided to try and keep up with everyone else, and that's how he lost the plot, as far as where everyone else was going, and he ended up doing loads of soul records. That totally tainted him.
What do you think you took from him?
SB: It was more being inspired by him as a person really. It was just his way of being, the way he applied what he knew and what he was into.
RB: He was a bit of a Zorro.
SB: Yeah, definitely. He was a bit of a hero. It's kind of weird because you just remember what you thought about as a kid rather than remembering it. I couldn't really say now what he was doing in terms of technique that was spinning me out. I think it was just that he was always pushing. Cheese was the same. I mean Cheese was producing stuff at the same time, around 86, that was really well done, absolutely lushly made. He embodies a lot of things that people now take for granted, especially Jungle producers.
...
DAVID TUDOR
"Pulsers" from Three Works For Live Electronics (Lovely Music)
SB: It sounds like Chris Carter.
RB: Is it a live recording?
Yes.
RB: I wouldn't mind seeing that.
SB: It sounds great whoever it is. It's not David Tudor or something, is it?
Yes, a live recording from 1976.
SB: He's got a weird ear, I reckon.
Do you think there's anything new you can do with electronics live that you can't do in the studio?
SB: Yeah, completely. You're completely linear, you can only deal with one time frame. You've got the ability to alter your perspective, or your working environment within that time frame can be completely under your control. Live, you can give yourself as much or as little control as you want.
RB: You're more of a conduit live, definitely.
SB: You are definetly confined to working within one time frame and in a purely linear way, so you're not really concerned with future events in the same way, so you're not really concerned with past events a little bit differently, but not as much. It definitely changes the way you work on stuff - you're miles more concerned with stuff in the present than you are when you work in the studio, because there is no present. Unless you're working a live way in the studio, which is like, uh, live, innit= [Laughs]
RB: Yeah, but you know that it's going to be approached and appraised with the attitude that you've been in the studio.
SB: If that's what you've decided to do... I think the dividing line is getting really slim because there's so many things now that you can change. When he was doing stuff, without a massive network of computers, you couldn't do it... There's so many different ways of doing it now that the question of whether it's live or not is almost irrelevant, because you're making something for yourself to use, then you use it and give it as much flexibility as possible. It's just like DJing, really.
In rock, there's an element of danger in doing it live, you can screw up royally, but in electronics that element of risk seems to be less prevalent.
RB: No, I don't think so. It depends on how much risk you give yourself really.
SB: Leaving one sound open on the synth that you can edit is allowing yourself to fuck up. Controlling the filter curves is allowing yourself to fuck up, if the resonances are set too high. There's potential for fucking up all over what we do. It's silly to say that an electronic gig can't sound shit if you press the wrong buttons.
RB: Yeah, totally. There's a million duff notes to be heard at any sort of gig.
SB: There's no more or less chances to fuck up than a guitar band has. At least in a guitar band, someone screws up, the rest of the band can keep playing.
RB: Let's face it, someone like Jim O'Rourke playing an acoustic guitar in front of a microphone is just as risky. It is weird relying on these boxes.. If you use tools that you've designed, then you've got to be a little bit more intelligent than the next man because if it breaks, one, it's your fault and, two, if you fix it, you know how it works and, three, you've learned something.
DICK RAAIJMAKERS
"Ping Pong" from The Complete Works (Donemus)
SB: It's nice, this. What is this? This is really nice.
RB: Ping pong.
Yes, it's a recording of two contact-miked ping pong paddles. You were trying to find the algorithm of a decelerating ball, is that right?
SB: That was something we did two years ago. It's just basic math. That was when were first getting into generative... Generative is such a fucking stupid word, actually. It's not at all generative. It's sort of hyper-creative, I suppose. It's a nasty word. Anyway, that was one of the first things we did, trying to work out...
RB: It's structural, really.
SB: We were doing that in 1995, 96. That was when we started to use computers and stuff.
Why did you get into that?
SB: I think we realised that we were a lot more capable with MIDI and maths. MIDI is just a pretty amazing integer system. You could just do a lot with it and once we clicked into that, things just expanded.
Do you think there's something funny about turning maths into music?
SB: One is the other anyway.
RB: Listening to old stuff that you've done, using the same principles, but not actually planning those principles, but just exploring them and getting into them, realising that once you've got this machine you can suss out a lot of the principles. The actual beauty in the numbers used to create structures, it's incredible interesting.
You're making your own software now, is that right?
SB: Yeah. There isn't an aim to it, really. A lot of it isn't music, it's just stuff that we're interested in.
RB: Animation, really. Not in terms of graphic representation, but something that you can develop.
SB: Or something that animates itself, or something that will animate other things. It's all different kinds of motion. It's all time-based, everything we do is. But it's not all sound.
RB: [refering to the track] Who's winning? I don't think they're playing a serious game. Some should record a Chinese master game. It would be more 90s, wouldn't it? [Laughs]
SB: It would be so fucking dynamic, though.
RB: Yeah, but it would be over in about 90 seconds.
SB: It would be better if they were good players, I reckon.
...
COIL
"Dimethoxy-4-Ethyl-Amphetamine" from Time Machines (Eskaton)
RB: I was just going to say the heating system's got a tone to it.
[They both adopt bugged-out faces and stare at the table in silence for about two minutes]
SB: It sounds like Coil. Is it that Time Machines? Yeah, fucking hell.
RB: It's weird because it sounds a lot older.
SB: I can't listen to it anymore. I can't play it anymore. The last time I heard this it really spun me out. It's fucking stunning this CD.
Aren't you working with them?
SB: It's a long, slow process.
Are you exchanging tapes?
SB: Ideas more.
RB: Yeah, throw a spanner in the works as well.
SB: Nuff respect, wicked.
What is it about Coil that you respond to?
SB: That's the thing you can't say. It's about opening doorways, I think. They open loads of doorways. They don't always go all the way into it, but they just sort of show you this doorway and it's just such a spin out sometimes.
RB: Coil are just in a sphere. Usually it's quite captivating. They're quite a captive band, really. No matter what they do, there's something in there that's just absolutely them and it keeps you in there.
Did you used to listen to Dead Can Dance as well?
SB: Yeah, a little bit. Selective bits. Not too much of the cheesy World/ethno stuff, more the later stuff. I reckon that "The Host Of Seraphin" is gorgeous. That's the end of what I was into. I was more into taht than the instrument specialist tracks.
Did the industrial movement mean anything to you?
SB: We didn't come from that point of view at all. We used to go to this Hardcore club, and the DJ, who was totally decent, we were doing this radio thing with him, he played it. He played tracks from Love's Secret Domain at 45, just totally fucking them up. He was always into weird stuff as well.
RB: Yeah, he used to tormet his audience quite a bit. He'd be playing to rave crowds, dropping Coil at 45 in the mix.
SB: He was totally stunning, looking back. We bought everything they were doing around that time and then just went backwards and tried to get as much stuff as possible. It's so dense. They're really into what they're doing at a pretty intimate level. There's only them and :zoviet*france: and The Hafler Trio that made any impression on us, at that time. A bit of Chris & Cosey, too, I suppose.
Do you think you share a hermetic stance with thouse guys?
SB: I think it's how you go about listening to it. I think if you're preapred to be barraged by certain things, then you accept it as part of the plan. It starts to work, it's pretty weird. Coil have a knack o making things that are pretty sickly anywhere else and making them totally apparent. I mean, this is absolutely amazing. It's so fucking easy to do, but it's totally effective.
...
LFO
"Mentok 1" from Frequencies (Warp)
SB: Rah.
RB: Who selects the music then?
Committee.
[Both laughs] RB: Committee. That's a very diplomatic response.
OK, how about junta?
SB: LFO just hit us from the chart. Nobody I knew was going out to listen to it. Everybody got into [Sweet Exorcist's] "Testone" when that came out and everyone got into "The Theme" and Forgemasters "Track With No Name"...
RB; I remember there were two LFOs out at the same time. That was the time when there were like a million records coming out a week, all copying each other.
SB: That's true. It wasn't until the album came out that I totally got... The B-side was pretty awesome. I totally lost it to the album, I thought it was amazing.
RB: You just expect all those 12"scoming out at the same time, you just think there's going to be a million more to replace it. And then for someone seemingly out of dance, to hear them do a full-length album was totally worthwile.
SUPPORT PERU AVANTGARDE////APOYA LA AVANZADA PERUVIANA
PROMO DEL CD DE FRACTAL
barbarismos
El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.
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realismo capitalista peruano, ¡ja, ja!
rojo 2
es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo
En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez.
«Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.
MARK FISHER.
perú post indie
Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños. Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo... Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?
FRED ROHNER Historia Secreta del Perú 2
as it is when it was
sonido es sonido
pura miel
nogzales der wil
RETROMANÍA
"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia."
SIMON REYNOLDS
Retromanía
