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jueves, 7 de enero de 2021

UNA CONVERSA CON ANDRÉS ORTEGA DE SACRE-X :. "Paraísos Artificiales" refleja mi relación con la escena experimental de Lima


Foto por: Kirk Noesdeaki y Dafne DianaDaf

Desde el primer instante del LP debut de Andrés Ortega -publicado en bandcamp hace 3 semanas- comprobamos que estamos ante una joya de la reciente música experimental nacional. Un opus donde la exploración sónica y la fantasía pop van de la mano. Lo etéreo oscurón y la vibra anglo 80's de "Paraísos Artificiales" son puestos al día a través de las maneras de gente como Arca u Oneohtrix Point Never. Mucho nervio y pasión por las nubes de algodón y la necesaria sobredosis de música que podría ser la solución a toda la mierda humanoide. 

Andrés Ortega formó parte de los recordados Miel, un grupo electro pop (o eso es lo que recuerdo de su concierto en casa de Frau Diamanda hace 10 años mínimo) que junto a Sacre-x forman dos planos, aquel sería el de un planeta de discotecas, chicas lindas y marketing y el otro la zona chill out de un hospital psiquiátrico. Ivo Watts Russell le ficharía en una.


¿Desde cuándo empezaste en la música alterna, cómo fueron tus inicios, qué sonidos o grupos te destaparon las orejas?

Mi desarrollo musical empezó desde muy temprano. Siempre hubo música en casa. Empecé tanto con música clásica, tomando clases de piano a los 11, como tambien con la musica de MTV que recibia en esa epoca (pop punk, post grunge y algo de hip hop) y el rock progresivo que le gustaba a mi madre. A ella le gustaba un montón Pink Floyd y los Beatles, siempre los ponia en la casa o en el carro. Cuando fui creciendo, anduve explorando más ese tipo de bandas de la epoca del rock progresivo o la psicodelia. Recuerdo que mi hermano en esa epoca tambien escuchaba mucho The Cure y me introdujo a bandas con pretensiones mas tendidas al Art Rock como Genesis (con Peter Gabriel, claro). Diría que un quiebre importante para mi fue cuando comence a entrar mas en la epoca de Pink Floyd con Syd Barrett. Me gustaba esa forma ruidosa, oscura y abstracta de hacer psicodelia (a diferencia del Pink Floyd posterior que se sentia tan limpio y tan “rock clasico”)... esa extraña oscilacion entre el cuento de hada, la fantasia infantil y la sobrecarga de oscuridad mental. Sentia que tenia una forma muy visual de hacer musica, casi como si estaba pintando con los sonidos. Luego, quede hambriento por mas abstracción sonora o bandas que hagan esa mezcla de psicodelia ruidosa y musica pop. Canciones como “Heroin” de Velvet Underground, el disco “Psychocandy” de Jesus and Mary Chain, o algunas canciones de Public Image Ltd. con Keith Levene me sucitaban algo de relacion a esto que buscaba. Asi fui yendo a generos cada vez mas abstractos, pasando por el industrial y el noise y tambien, posteriormente, entrando algo en el punk y el hardcore. A la par fui descubriendo que tambien ramas de la musica academica hacian algo similar pero sin el pop, asi que tambien comence a escuchar compositores de la segunda vanguardia (50s, como John Cage) y del minimalismo norteamericano.

Luego tambien comence a integrarme algo en la escena alternativa de Lima, yendo a conciertos locales (estoy hablando, maso a inicios de la decada del 2010). Esto fue despues de que mi banda colegial, “La Escena” se separo (haciamos una especie de indie rock con toques psicodelicos). En Lima, conciertos de bandas como Liquidarlo Celuloide, Cocaina y en especial El Aire fueron inspiradores para mi. En ese entonces conocí a Nacho (Jose Ignacio Lopez). Por esos momentos ya estaba entrando a la musica electronica de baile y Nacho me introdujo mas a la musica electronica a nivel academico. Fue ahi que hice mi primera publicacion... un EP titulado “La Muda” bajo mi nombre Carlos Andres Ortega. Era una mezcla de ambiente, canciones y ruido.

 ¿Tu reciente opus es un alucinógeno trip salpicado de canciones que uno podría catalogar como un cruce entre Silvania, Brian Eno y Arca. ¿Cuéntanos cómo fue la elaboración de todo este álbum, qué materiales has empleado, (instrumentos, fx, software), cuántas pistas por canción, en suma cuánto te llevó empezar y terminar el disco?

Como mencioné antes, el proyecto tuvo sus inicios alrededor del 2012. En ese entonces trabajaba bastante con el feedback de la guitarra, el proceso de aquella señal con pedales, voz con delay, algunos sintetizadores virtuales y algo de electrónica básica. Paraísos Artificiales tiene una canción de ese periodo: “La Muda”, pero el arreglo de esa canción es muy distinto y más adaptado para esta nueva fase del proyecto. Entre ese periodo y el 2016, estuve componiendo algunas canciones que entrarían en el disco, pero fue realmente entre el 2016 y el 2018 que el album condensó conceptualmente en la dirección del producto final. Las últimas canciones del disco, como Dormir, Pornografia o Ctrl-Z, las escribí en ese periodo antes de salir de Lima y mudarme a Berlín (2018). Es decir, el disco fue terminado a nivel creativo-musical/lirico a fines del 2018 y lo que vino después fue más un refinamiento técnico y otros desarrollos visuales. Creo que Paraísos Artificiales refleja bastante bien mi proceso de aprendizaje musical y artistico en Lima, tanto a nivel individual como también mi relación con la escena alternativa y experimental de Lima. 

Con respecto al nivel material de la produccion, fue un disco hecho en gran medida con procesos electronicos y algunos instrumentos acusticos o electroacusticos como la guitarra electrica o la voz. Siento que el disco documenta una transicion gradual de lo analogo a lo digital que estaba sucediendo en mi manera de hacer música... mi transicion a descubrir el poder de la computadora como herramienta compositiva. Este proceso esta inscrito a nivel conceptual también en el disco. A nivel sonoro, he utilizado muchos samples de videojuegos, en especial samples de Zelda, un videojuego que ha sido muy importante para mi. Tambien exploro algo de sintesis electronica y manipulacion de grabaciones sonoras. Por momentos intentaba juntar formas de organizacion sonora derivadas de la musica concreta (uso de efectos como delay o reverb, como tambien cortes y subidas y bajadas de la velocidad de las grabaciones, entre otros), pero para crear texturas en el contexto de canciones pop. Para esto tambien he usado grabaciones de sonidos cotidianos o samples de varias fuentes, hasta de paginas pornograficas. Todo depende de que tipo de aspecto necesitaba resaltar y que es lo que me pedía el concepto de cada canción. La mayor parte del disco lo hice en Ableton... la cantidad de pistas es algo irrelevante, pues por mi desorganización, algunas canciones llegaban a tener casi 120 pistas. Si hubiera sido más organizado, hubiera podido reducir ese número a muchísimo menos. No estoy muy orgulloso del número de pistas, la verdad. 

¿De qué van las líricas de tus temas? 

Reflexionando sobre el disco a nivel tematico, cada vez mas lo veo como una especie de viaje... casi como la noche oscura del alma de San Juan de la Cruz, pero en vez del alma escapando del cuerpo para reunirse con Dios, es el alma fantaseando este mismo escape a través de la virtualidad, últimamente sin poder dejar la fragilidad y mortalidad del cuerpo. A traves de todo este viaje hay una especie de ambivalencia con respecto a la tecnología, una dialectica entre la utopia y la distopia, una especie de danza sutil entre el cielo y el infierno. Es la tension entre la eternidad deseada por todos y la irreversibilidad del tiempo, el hecho de que no se puede dar vuelta atrás a la direccion del tiempo y que, de alguna manera, la perdida esta inscrita en como se desarrolla la realidad temporalmente. A traves de la virtualidad, y me refiero a esta no solo en sentido digital, pues considero el lenguaje como una especie de virtualidad (poder explorar realidades diferentes de las que el cuerpo nos permite), tenemos una especie de extraña e ilusoria liberación de este flujo temporal. La digitalidad extiende esta virtualidad. En el mundo digital podemos copiar archivos casi infinitamente, podemos regresar al estado anterior de nuestro documento presionando Ctrl-Z... en la realidad fisica, por el contrario, esto esta estrictamente prohibido. Si quemamos un papel, no hay forma de que este vuelva de las cenizas... si le rompemos el corazon a un ser amado, puede ser que la relación se reestablezca, pero nunca va a ser lo mismo, por mas que querramos que lo sea. A través de las canciones documento una especie de proceso que empieza con deseo y promesa por esta quasi-eternidad, para luego pasar por una insatisfaccion distopica al llegar a esta nueva existencia virtual... para finalmente experimentar la frustracion, la decepcion de que fue, en ultima instancia, una ilusion y que la irreversibilidad absorbe todo. Las letras acompañan este proceso y señalan diferentes aspectos y temas de este viaje.

Ok. Pero todo esto que narras ocurre básicamente en nuestra mente. Somos nosotros kienes les damos ese sentido casi de reencarnación a ese Ctrl+Z. La configuración y ego humanos bien podría ser nada al lado del kosmos. ¿En todo caso que es para ti lo etéreo? 

En la narrativa del album, termina siendo una ilusion como tu planteas. La volicion humana queda subsumida y disuelta en el mar de la temporalidad. Supongo que hay varias formas de considerarlo en la vida real, dependiendo del tipo de metafísica que uno mantiene. Hay teorias filosoficas que consideran la vida temporal carnal como una ilusion de una realidad mas profunda, atemporal y alocal... que el alma humana contiene una especie de relacion identitaria con el cosmos. Algo de mi vibra en sintonia con estas teorias... tengo una fascinación con el lenguaje y la visión religiosa. De alguna manera, en el album es como si se hubiera creado una version oscura y deformada de este ambito divino a traves de la tecnología.

A lo largo de mi desarrollo personal, he bebido bastante tanto de la tradición judeocristiana/platónica como de la tradición budista. Es interesante, pues ambas tradiciones mantienen visiones casi opuestas con respecto al tiempo, ambas tienen maneras distintas de solucionar el problema de la mortalidad y la temporalidad. A veces creo que estas dos visiones están en oposición dentro de mí.

Cuéntanos sobre tu experiencia en Europa, o más precisamente en Alemania. ¿Cómo has vivido las diferencias culturales y lo referente al apoyo a tu música? ¿Algún encuentro con gente facha neo nazi tal vez? 

Bueno, estoy viviendo en Berlin, sería mucho mas facil que me discriminen por ser hombre heterosexual que por venir de latinoamerica... si sabes a lo que me refiero. La cosa esta bien polarizada y politizada por aca, para mi resulta algo sofocante porque impide la libertad de pensamiento... es un movimiento bastante totalitario y dogmatico. He escuchado que en las afueras, en Brandenburgo, sí hay mucho mas pegada de movimientos de extrema derecha. No me he encontrado con ninguno, por suerte.

Con respecto a las diferencias culturales, hay muchas y muy diversas. Peru tiene cierta continuidad con la cultura europea, pero más con la cultura latina de Europa, en especial la cultura de España. La cultura alemana es muy diferente a la española, y, más aún, Berlín es muy distinto al resto de Alemania. Dicen que a algunos alemanes que se mudan de otras partes de Alemania a Berlín les da “shock cultural” por lo diferente que es. Eso me hace no tan capacitado para hablar sobre la “cultura alemana”.

Con respecto a la música, Berlín es una ciudad muy buena para la música alternativa... hay muchos conciertos y de todo tipo. En especial me he encontrado con una movida grande de experimentación sonora y de música electrónica. En un momento histórico, fue casi un “paraíso underground” en el que había mucho espacio para hacer movida autogestionada... los precios de vivienda eran muy baratos y era muy atractivo para artistas emergentes. Me da la impresión que todo eso está cambiando hoy y la ciudad, poco a poco, se está convirtiendo en una ciudad más como Londres o París. Es muy difícil conseguir casa y todo está en dirección de volverse más caro. Bueno o malo... depende para quien. Lo que sí es que se está convirtiendo en una ciudad menos amigable para artistas emergentes. 

Particularmente, yo me mudé acá para estudiar. Quería estudiar académicamente algo relacionado a música o sonido, pero a nivel experimental. Por el momento eso es imposible en Peru. Aca sí existen espacios institucionales que han integrado las revoluciones estéticas de John Cage, por ejemplo. Al menos para la música que yo hago, y en la cual me quiero desarrollar, esto es muy estimulante. Sin embargo, tambien me he topado con la idea de que algunos actos artisticos peruanos no tienen nada que envidiarle a lo que sucede por aca. Una gran diferencia, como tu pregunta sugiere, si es el tipo de apoyo material y de educación... la cual no es una diferencia trivial pues define si una persona puede dedicarle su vida al arte (y asi desarrollar su carrera en su maximo potencial)... o no.




En ese tema, ¿Cuál es tu postura sobre la gentrificación y pasteurización de las culturas alternativas y under? 

Es un tema complicado y con muchas aristas; sobre el cual no me siento tan capacitado de responder. Me resulta un poco complicado transponer el concepto de gentrificación (concepto urbanístico relacionado a la dimensión del espacio) a escenas musicales. El espacio es limitado... si yo tengo que habitar un cuarto junto con otra persona, el espacio que me pertenece se reduce, lo cual hace que sea muy diferente a si yo lo habito solo. Por otro lado la cultura y la música se pueden propagar y reproducir sin necesidad de que el “objeto” cultural se reduzca. Si yo compongo una canción y otra persona la toca también (ignorando el problema de autoría), la canción no se divide, se multiplica... tiene más alcance. Esta no es una diferencia trivial, creo que es una diferencia casi esencial... En todo caso, asumo que te refieres al fenómeno de popularización de las escenas underground y su adaptación a paladares más generales.

Desde el punto de vista del artista, ser underground tiene sus libertades pero también sus limitaciones. De la misma manera, estar en el mainstream tiene otras libertades y limitaciones. Dicho esto, mis artistas favoritos no son los que se quedaron “fieles al underground” necesariamente, sino mas bien los que se pueden adaptar y hacer arte de manera creativa y original, entendiendo su contexto y posición.  

Por el lado de la escena, la popularización de alguna escena sí cambia el pulso de ella. Creo que un problema surge cuando uno se aferra a ser “underground” cuando evidentemente la cosa ya va por otro lado.

¿Qué discos dirías que te marcaron?

Uf, la lista es muy larga... soy algo melómano y he pasado por varios periodos de interés y por géneros diversos. Lo que sí puedo responder es qué álbumes creo que fueron importantes durante y para el desarrollo estético de mi último álbum.

 

El Aire - El Aire... Sin duda alguna mi disco preferido de música alternativa peruana. En mi opinión un disco único en el rock peruano.

Por alguna razón, mucha de mi relación con la escena alternativa limeña no fue tanto a través de discos, sino a través de conciertos... así que al anterior le sumaría también conciertos de Liquidarlo Celuloide, Cocaína, Paruro, Jardín y Alan Poma (también sus presentaciones operáticas). Todos ellos fueron importantes para mi desarrollo y aprendizaje estético en Lima.

The Piper at the Gates of Dawn - Pink Floyd... creo que ya hablé suficiente de este disco.

R Plus Seven - Oneohtrix Point Never… No se si es necesariamente mi preferido de él, pero fue el primero que me pegó. 

Unknown Death 2002 - Yung Lean … siento que en un momento fue la voz de una generación. 

Life of Pablo - Kanye West… difícil escoger entre sus discos.

Everywhere at the end of time (Stages 1-6) - The Caretaker… son 6 discos, pero los considero como una unidad. Es un viaje conmovedor y oscuro.

Far Side Virtual - James Ferraro… me parece un disco que reflejó muy bien su momento histórico.

The Well Tuned Piano - La Monte Young… una pieza extensa que invita al trance.

Midnight Marauders - A Tribe Called Quest... me introdujeron al hip hop.

Young Death // Night Market - Burial… también difícil escoger dentro de su carrera

4:33 - John Cage… John Cage en general fue un gran punto de quiebre para mí y mi manera de ver la música.

Yendo de la Cama al Living - Charly Garcia... otro difícil, he escuchado todas sus bandas desde temprano...toda su carrera me ha influenciado mucho.

Low - David Bowie... también otro difícil, creo que este es mi preferido de su carrera.

For Phillip Guston - Morton Feldman... otra pieza extensa y sublime

 

La lista podría obviamente seguir y seguir...

Planes futuros.

Tengo varios proyectos que se vienen este año, ojalá el tema del Covid-19 se relaje para poder regresar a un ritmo más normal. Este año tengo planeadas algunas colaboraciones con artistas interesantes. Entre ellas hay un disco con Juan Diego Capurro (de Liquidarlo Celuloide) que estamos pensando sacar pronto y un split con Qalín que estamos ideando. También, con mi hermano (Juan Francisco Ortega) tenemos una plataforma llamada 3,4,5-trimethoxyphenethylamine en la cual estamos sacando la música que hacemos juntos. Este año esperamos publicar un disco con unos temas que hicimos durante la primera cuarentena en Lima.

Con respecto a Sacre-x, tengo otro disco solista, algo corto, también en el horno... espero poder sacarlo este año. Siento que el proyecto está entrando a una nueva fase, pues mi forma de componer y mi sonido está evolucionando de maneras que no pude prever.


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