David Stubbs (1962) pertenece a la promoción de críticos que analizaron y terminaron dando forma a algunas de las escenas más rupturistas de las últimas músicas desde sendos espacios en la prensa independiente británica de fines del siglo XX.. Sus inicios se remontan al magazine de cultura pop "Monitor", fundado junto a Simon Reynolds y otros inconformes de la Universidad de Oxford en 1984. Stubbs integró el staff permanente del Melody Maker donde desarrolló la columna de surrealismo sardónico "Talk Talk Talk" dando vida a “Mr. Agreeable”, un suculento alias con el que se despachaba en medio de insultos de todo tipo con el mundo del rock y sus protagonistas. Ha escrito para New Musical Express, The Guardian y The Wire et al. y su pluma es culpable de insondables documentos como "Future Days - Krautrock y la construcción de la Alemania moderna" (Caja Negra, 2015) y "Sonidos de Marte - Una historia de la música electrónica" (Caja Negra, 2019) amén de "Fear of Music - Why people get Rothko but don't get Stockhausen" (Zero Books, 2009). Mr. David Stubbs conversa hoy con da blog para el embeleso de sus fans y los melómanos más acérrimos de este planetita.
¿Cómo sientes que el panorama de la prensa y el consumo de música (melomanía) ha cambiado a lo largo de los años desde los tiempos en que una banda podía hacer una estrategia, como Throbbing Gristle, de poner un título no acorde con la música del LP, CD o álbum y esperar tener éxito de alguna manera? ¿Qué te puso en la dirección de ser crítico musical por primera vez?
Ha cambiado mucho: cuando Throbbing Gristle lanzó una "edición limitada", era de 1500 copias. Sin embargo, fueron pioneros. Hoy en día una gran cantidad de artistas han seguido sus pasos, artistas de calidad, todos obligados a tomar una porción menor de la cuota de mercado: sus ediciones limitadas serán de solo 50 copias. No creo que nadie tenga la culpa de esto, no la industria en este caso; en un mundo verdaderamente justo, ¡todos los músicos que lo merezcan solo podrían recibir 1000 £ cada uno!
Me convertí en periodista musical porque estaba fascinado por el periodismo musical cuando descubrí NME / Melody Maker por primera vez, a los 15 años. Me fascinó que existiera la oportunidad de desarrollar una voz crítica, que fuera mordaz sobre lo mediocre, celebradora sobre lo excelente, y que la lucha por hacer buena música en un mundo comercial tenía un contexto más amplio, contracultural e incluso político. Esto fue alrededor de 1978. Más tarde me di cuenta de que la relación entre la música y lo comercial / político / contracultural era un poco más complicada, pero eso solo hacía que el arte y la práctica de la crítica musical fueran mucho más interesantes.
En tu libro sobre Krautrock, entrevistas a varios de los músicos involucrados y algunos de ellos te dicen que estaban avergonzados de su sociedad nazi, que incluso los nazis todavía vivían a su alrededor, etc. Me pregunto cómo reaccionaron los jóvenes británicos ante algún flirteo nazi que bandas como Joy Division, Siouxsie and the Banshees o Death In June -¡dicen que incluso el primer Bowie! - mostraban en sus apariciones. ¿No fue duro con respecto al hecho de que solo habían pasado unas pocas décadas desde la Segunda Guerra Mundial, etc.?
El punk temprano presentaba mucho la esvástica, no porque los punks fueran neonazis (o en su mayoría no), sino porque querían molestar a sus padres, que estaban empapados de películas de guerra triunfantes en las que los británicos eran los héroes y los alemanes los malos. Sin embargo, no pasó mucho tiempo con la formación de Rock Against Racism para contrarrestar el ascenso de fascistas británicos como el Frente Nacional que la esvástica desapareció en su mayoría del punk como un ícono. El punk tenía un aspecto multicultural, su solidaridad con el reggae del Reino Unido, por ejemplo, y para 1978 a cualquiera que coqueteara con la derecha se le habrían hecho preguntas muy severas y habría aprendido a no repetir sus primeros errores (Siouxsie). Joy Division son un caso extraño porque, aparte del nombre de su banda, no estaban preocupados musicalmente por el fascismo y, como experiencia auditiva, no están contaminados por eso.
La fascinación de David Bowie por el fascismo / Hitler coincidió con su "fase de Berlín", irónicamente una de las fases más progresistas de su carrera creativa. Dijo e hizo cosas tontas, pero a diferencia de Eric Clapton, se arregló con su postura antirracista explícita en los años 80, incluso criticando a MTV por no presentar suficiente música negra.
Death In June son imperdonables. Los derechos del artista no te dan derecho a flirtear con la mala política.
Le hice esta misma pregunta a tu colega Simon Reynolds. Me gustaría saber qué responde: ¿Pink Floyd o Silver Apples?
Me gusta mucho Silver Apples, pero mi respuesta es: Pink Floyd. Hasta Dark Side Of The Moon al menos. Me encanta la era Barrett, pero en realidad mi trabajo favorito es el disco en vivo de 1969 Ummagumma, la inauguración del rock espacial.
¿Qué efecto en la cultura y la música crees que tendrá todo el proceso de gentrificación que estamos viviendo desde hace mucho tiempo? Todo parece bastardizado / pasteurizado aquí y allá que encontrar una banda haciendo música desde el alma es como buscar agua en un desierto.
Como he dicho antes, creo que se está haciendo una cantidad asombrosa de buena música en este momento, una actividad creciente. Sin embargo, es tan marginal, tan carente de perspectivas comerciales que no se ve afectado por la máquina del negocio de la música.
Creo que hay un problema de “gentrificación” de oportunidades: es más difícil para los jóvenes dedicarse a la música de la forma en que The Clash pudo, viviendo del paro, encontrar un espacio para ensayar. Existe la sensación en todas las artes de que se están convirtiendo en el juguete de los ricos.
Sugeriría que la gente ignore el espectáculo del star system, los denominadores comunes, explore Bandcamp, intercambie enlaces, sugerencias... si es posible, pague al artista unos dólares en línea en lugar de descargarlo gratis.
Recientemente Sophie murió en un accidente, lo que me lleva a la pregunta de por qué ese sonido de música de computadora + IDM sigue siendo tan vanguardista hoy como 25 años después de que fuera concebido por gente como Autechre, Editions Mego o AFX.
La razón de su calidad de vanguardia es su liquidez, su maleabilidad, su capacidad para asumir nuevos estados y formas. Creo que la importancia de Sophie estaba relacionada con su condición de transgénero: la forma en que ajustaba y jugaba con autotune, la forma elástica en la que jugaba con el pop sugirió que la música puede expresar el proceso de "convertirse", en lugar de simplemente establecer, formas fijas de ser.
¿Cómo estás pasando tu tiempo estos extraños días de pandemia?
No lo estoy haciendo tan mal, ¡gracias! Actualmente, divido mi tiempo entre escribir (acabo de terminar un tercer libro para Faber, una historia de la comedia británica), cuidar de mi hijo de cinco años y hacer ejercicio para tratar de perder los kilos de COVID. Tengo la suerte de que trabajo desde casa de todos modos y no me he visto gravemente afectado en el trabajo, económicamente y he mantenido mi salud física y mental. Otros, por supuesto, no han tenido tanta suerte y anhelo por el bien de todos que esta miserable pandemia termine. Espero que también hayas logrado mantenerte bien.
Estoy a punto de terminar tu libro centrado en la música electrónica, "Sounds from Mars". Me impresionó el capítulo en el que escribes sobre la música de William Basinski, John Foxx y Philip Jeck y descubres cuánta conceptualización pusieron en la realización de sus discos. También me recordó a Brian Eno hablando de cómo él “inventó” la música ambiental estando enfermo en el hospital. Hablando desde la distancia, ¿crees que el sonido necesita alguna justificación?
Gracias. ¡Mi respuesta es "sí"! Creo que especialmente en el caso del tipo de música ambiental / abstracta a la que te refieres, es trabajo tanto del artista como de los críticos explicar cuál es la naturaleza y el resultado de su esfuerzo musical, que no se trata solo de campanillas de viento o ruido accidental, o la belleza casual de las nubes: que están haciendo lo que hacen por una razón y, si tienen éxito, crean una resonancia que es tanto conceptual como material; lo mismo que con el arte visual abstracto.
¿Qué música más allá del mundo angloeuropeo coleccionas?
Mis gustos varían del clásico al jazz, antiguo y nuevo; También me gusta la música rock expansiva. Acabo de entrevistar a Dinosaur Jr. Mi hija me toca cosas como Kevin Abstract y lo disfruto. Me gusta la música en una variedad de géneros, pero en general me inclino hacia sus manifestaciones más formalmente radicales y de vanguardia. Me aburro de los ortodoxos.
¿Cuáles son sus planes futuros, Sr. Stubbs?
Estoy a punto de reiniciar mi sitio web: quiero presentar mis cosas favoritas de mi legado, intentar escribir cosas en mis propios términos que es poco probable que se encarguen, reflexiones, tal vez sobre la naturaleza de la crítica musical. Probablemente tendré que hacer algo de publicidad sobre mi reciente libro de comedia. No sé si me queda otro libro sobre música de vanguardia, habiendo escrito tres sobre el tema. ¡Pero ciertamente escribiré más sobre ese tópico!
A CONVERSATION WITH DAVID STUBBS :. The arts are becoming the plaything of the well-to-do
David Stubbs (1962) belongs to the promotion of critics who analyzed and ended up shaping some of the most disruptive scenes of the latest music from their spaces in the British independent press of the late XX century. His beginnings go back to the magazine of pop culture "Monitor", founded with Simon Reynolds and other Oxford University nonconformists in 1984. Stubbs joined the permanent staff of the Melody Maker where he developed the sardonic surrealism column "Talk Talk Talk" giving life to "Mr. Agreeable ", a succulent alias with which he dispatched amid insults of all kinds with the world of rock and its protagonists. He has written for New Musical Express, The Guardian, and The Wire et al. and his pen is guilty of bottomless documents such as "Future Days - Krautrock and the construction of modern Germany" (Caja Negra, 2015) and "Sounds of Mars - A history of electronic music" (Caja Negra, 2019) as well as "Fear of Music - Why people get Rothko but don't get Stockhausen"(Zero Books, 2009). Mr. David Stubbs talks today with da blog for the enchantment of his fans and the most ardent music lovers of this tiny planet.
How do you feel the landscape of music press and consumption (melomania) have changed over the years from the times when a band could make an strategy, like Throbbing Gristle, of putting a title not according to the music the LP, CD or album contained and expect to succeed in any way? What put you in the direction of being a music critic in the first time?
It has changed a great deal - when Throbbing Gristle put out a “limited edition”, it was of 1500 copies. They were pioneers, however. Today a great many artists have followed in their footsteps, quality artists, all forced to take a smaller slice of the market share - their limited editions will be of just 50 copies. I don’t think anyone is to blame for this, not the industry in this case; in a truly just world, all deserving musicians might only be awarded £1000 each!
I became a music journalist because I was fascinated by other music journalism when I first discovered NME/Melody Maker, aged 15. It fascinated me that there was the opportunity to develop a critical voice, that was scathing about the mediocre, celebratory about the excellent, and that the struggle to make great music in a commercial world had a broader, countercultural, even political context. This was around 1978. I later realised that the relationship between music and the commercial/political/countercultural was a little bit more complicated but that only made the art and practise of music criticism that much more interesting.
In your book about Krautrock you interview several of the musicians involved and some of them tell you they were ashamed of their nazi society, that even nazis were still living around them, etc. I wonder how brittish youth reacted to some nazi flirtation that bands like Joy Division, Siouxsie and the Banshees or Death In June -they say even early Bowie!- showed in their appearances. Wasn’t it rough regarding the fact it was only a few decades since WWII etc?
Early punk featured the swastika a great deal, not because punks were neo-Nazis (or mostly not) but because they wanted to annoy their parents who were steeped in triumphant war films in which the British were the heroes and the Germans the bad guys. It wasn’t long, however, with the formation of Rock Against Racism to counter the rise of British fascists like the National Front that the swastika mostly disappeared from punk as an icon. Punk had a multicultural aspect - its solidarity with UK reggae, for example - and by 1978 anyone flirting with the right would have been asked very stern questions indeed and learned not to repeat their early mistakes (Siouxsie). Joy Division are a strange case because, the name of their band apart, were not preoccupied musically with fascism and as a listening experience are untainted by that.
David Bowie’s fascination with fascism/Hitler coincided with his “Berlin phase”, ironically one of the most progressive phases of his creative career. He said and did silly things but unlike Eric Clapton, made amends with his explicit anti-racist stance in the 80s, including taking MTV to task for not featuring enough black music.
Death In June are inexcusable the rights of the artist do not entitle you to flirt with bad politics.
I made this same question to your colleague Simon Reynolds. I d like to know what you reply: Pink Floyd or Silver Apples?
I like Silver Apples a lot but my answer is - Pink Floyd. Up until Dark Side Of The Moon at least. I love the Barrett era but actually my favourite work of theirs is the live disc of 1969’s Ummagumma - the inauguration of space rock.
What effect in culture and music do you think the whole process of gentrification that we are experiencing since a long time will have? Everything seems bastardized/pasteurized here and there that find a band making music from the soul is like looking for water in a desert.
As I have said before, I think there is a staggering amount of great music being made right now, a mushrooming of activity. However, it is so marginal, so lacking in commercial prospects that it is unaffected by the music business machine.
I think there is a problem of “gentrification” of opportunity - it is harder for young people to dedicate themselves to music the way The Clash could, living on the dole, able to find space to rehearse. There is a feeling across the arts that they are becoming the plaything of the well-to-do.
I would suggest people ignore the spectacle of the star system, the common denominators, explore Bandcamp, exchange links, suggestions . .. if possible pay the artist a few dollars on line rather than download for free.
Recently Sophie died in an accident, which guide me to the question of why that IDM + computer music sound is still so avantgarde today like 25 years after it was conceived by the likes of Autechre, Editions Mego or AFX?
The reason for its avant garde quality is its liquidity, its malleability, its ability to assume new shapes and forms. I think the importance of Sophie was connected to her being transgender - the way she tweaked and played with autotune, the elastic way she messed with pop suggested that music can express the process of “becoming”, rather than just set, fixed ways of being.
How are you spending your time these strange pandemic days?
I am not doing so badly, thanks! I divide my time currently between writing (I have just completed a third book for Faber, a history of British comedy), looking after my five year old boy and exercising to try and keep off the COVID pounds! I am lucky in that I work from home anyway and have not been badly affected work-wise, financially and have maintained my physical and mental health. Others, of course, have not been so lucky and I yearn for all our sakes for this wretched pandemic to be over. I hope you have managed to keep well too...
I’m about to end your book focused on electronic music, Sounds from Mars. It impressed me the chapter where you write about music by William Basinski, John Foxx and Philip Jeck and discover how much conceptualisation they put on the making of their discs. It also reminded me Brian Eno talking about how he “invented” ambient music being sick at the hospital. Speaking from a distance, do you think sound needs any justification?
Thank you. My answer is “yes”! I think especially in the case of the sort of ambient/abstract music you refer to, it is the job of both artist and critics to explain what the nature and outcome of their musical endeavour is, that it is not just windchimes or accidental noise, or the chance beauty of clouds - that they are doing what they do for a reason, and, if successful, create a resonance that is conceptual as well as just material; the same as with abstract visual art.
What music beyond anglo-euro world do you collect?
My tastes vary from classic to jazz, old and new; I also like expansive rock music - I just interviewed Dinosaur Jr. My daughter plays me things like Kevin Abstract and I enjoy that. I like music across a range of genres but generally incline towards their more formally radical, avant garde manifestations. I get bored of the orthodox.
What are your future plans Mr. Stubbs?
I am about to reboot my website - I want to feature my favourite stuff from my legacy, try to write things on my own terms that are unlikely to be commissioned, reflections, perhaps on the nature of music criticism. I will probably have to do some publicity around my recent comedy book. I am not sure if I have another book on avant-garde music left in my, having written three on the subject. But I will certainly write more on that topic!
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