Para alguien como uno que vivió con furia la cima de la vanguardia made in 90's, escuchar el pop y la música alternativa que se fragua actualmente y confrontarlo cada tanto que suceden efemérides como la que hoy nos ocupa, no es sino motivo de coraje. Pero también de amor por lo vivido que uds., los nuevos, no pueden ni siquiera rozar con la imaginación. Valió la pena existir y darlo todo por la música. Sin concesiones al billete ni al marketing. Morir por ella.
Uno de esos fenómenos noventeros fue el proyecto de Bristol, UK, FLYING SAUCER ATTACK. Empezaron en el 93 al mando de Rachel Brook y David Pearce y publicaron eps, 7"s y un par de álbumes. De los cuales el que primero oí fue "Further" (1995) cortesía de un intercambio de casettes con gente de Brasil dentro de la lista de correos shoegazer. De ahí proviene parte del sonido de mi primera banda, Avalonia, y fue uno de los motivos por los que decidí romper con los Hipnoascensión e ir solo. En 1997 Pearce sorprende a la escena post-rocker global anunciando nuevo esférico y con él la fase 2 de su proyecto.
Su tercer opus, "New Lands", aterrizó en Lima inmediatamente y nos cautivó a todos. Para mí es el mejor álbum de FSA. Su sonido folk pastoral marciano luce completamente innovador y original. Atrás quedaron las referencias a Nick Drake o Can. La fase 2 es pura vanguardia noventera, ambient de guitarras distorsionadas, amor espacial, shoegaze cosmogónico. Es también síntoma de que FSA se había convertido en solista de David Pearce ya que la Brook se apartaba para continuar con Movietone. Otra novedad con "New Lands" es la presencia del ritmo, si bien obliterado por capas de ruido trepanador, estos loops percutivos se integran perfectos e impulsan el efecto hipnótico sideral. Notablemente en "Whole Day Song", track previamente gozado e incluido en el split con Roy Montgomery del 96. Recuerdo leer en el artwork del CD que el culpable de las secuencias rítmicas no era otro que el eterno Matt Elliott de 3EF.
El ambient guitarrero con el que nos inunda FSA suena producido no por instrumentos convencionales sino por turbinas y secadoras de pelo. Es perfecto para olvidarte de todo(s) y flotar en el paraíso de las visiones y las ninfas de algodón. Sí señores hay vida más allá del Loveless. Acápite aparte para la luminosa voz de Dave quien emitiendo susurros desde algún paraje desolado se comunica cual bardo medieval en éxtasis. A pesar de todo esto, es más que seguro que a miles hoy desagradará el sonido y aura desprolijos y nada pulcros de esta obra maestra. Atreverse con todo, eso fue lo que FLYING SAUCER ATTACK y cía nos enseñaros a los adolescentes y niños unicornios de los 90.
Esto es post-rock y las irreales CANCIONES que adornaban nuestra vida post-rocker. ¿Cuándo?
...El gran misterio del neoliberalismo es hasta qué punto sus defensores “realmente” lo creyeron. ¿Fue alguna vez algo más que una artimaña para restaurar el poder y la riqueza de la clase dominante? Por supuesto, la respuesta a esto depende en parte de los defensores de los que estemos hablando. Es posible que ciertos proselitistas clave del neoliberalismo nunca lo creyeron, y solo se fijaron en él de manera oportunista como una forma de destruir las “bases rojas” del poder de la clase trabajadora. Con otros, es más probable que una creencia haya sido ayudada por el deseo de creer. Este deseo estaba motivado por el interés económico, por supuesto, pero también por ciertas satisfacciones libidinales: los placeres de ver a la clase trabajadora derrotada, de ver a los pobres y vulnerables despojados de la seguridad social. Para cierta sensibilidad pequeñoburguesa inglesa, el thatcherismo era el equivalente a un motín: un jubileo de destrucción, una zona autónoma temporal para un deseo reaccionario que se alimenta del sufrimiento y la miseria.
And as I was standing by the edge
I could see the faces of those led pissing theirselves laughing
(and the flames grew)
Their mad eyes buldged their flushed faces said
The weak get crushed as the strong grow stronger
THE JAM Funeral Pyre de "Snap!" 1981
La pira funeraria se volverá a encender si los Tories ganan el jueves (trae papel y trae madera/trae lo que queda de todo tu amor por el fuego), y después de cinco años más, no quedará mucho... El NHS habrá sido destruido, vendido a escondidas; la educación continuará siendo despojada de activos, lista para más saqueos corporativos…. los más vulnerables serán empujados aún más a la indigencia, las mujeres y los niños primero...
Realismo Comunista
Volviendo al jueves, aquí está el "emprendedor" Chris. “La prohibición del contrato de cero horas me impediría administrar mi pequeña empresa…” Bueno, ¿lo haría ahora? Hemos escuchado muchas versiones de esta queja en los últimos meses, de empresas grandes y pequeñas. Lo que esto significa es que estas empresas no pueden funcionar sin trabajadores súper explotados, y no pueden funcionar sin subsidios gubernamentales indirectos (con beneficios que complementan los salarios bajos). Espera un minuto: ¿los realistas capitalistas no tomaron sus “decisiones difíciles” de cerrar industrias nacionalizadas con el argumento de que no eran viables y estaban drenando demasiado dinero público?
Necesitamos un realismo nuevo, comunista, que diga que las empresas solo son viables si pueden pagar a los trabajadores un salario digno.Este realismo comunista revertiría la demonización del realismo capitalista de los beneficiarios y apuntaría a los verdaderos parásitos: los “empresarios” cuyas empresas dependen del trabajo hiperprecario; los propietarios que viven a lo grande del beneficio de vivienda; los banqueros que obtienen bonos de forma efectiva o real con dinero público, etc.
Pero el concepto de realismo comunista también sugiere un tipo particular de orientación. No se trata de un eventualismo, que apostará todas sus esperanzas a una transformación súbita y definitiva. No es un utopismo, que concede el “realismo” al enemigo. Se trata de evaluar sobria y pragmáticamente los recursos que están disponibles para nosotros aquí y ahora, y pensar en cómo podemos utilizarlos mejor y aumentar esos recursos. Se trata de pasar, quizás lentamente, pero sin duda con un propósito, desde donde nos encontramos, hacia un lugar muy diferente.
Grabaciones en vivo de Peter Rehberg dadas a conocer póstumamente
Shelter Press e INA-GRM se han unido para sacar las dos grabaciones inéditas extraídas de una actuación en el GRM
Dos grabaciones en vivo del difunto Peter Rehberg han recibido un lanzamiento póstumo por primera vez en el primer aniversario de su muerte.
A la venta hoy (22 de julio), Peter Rehberg At GRM ha sido lanzado conjuntamente por Shelter Press e INA-GRM, sellos con los que el sello Editions Mego de Rehberg colaboró en la publicación de una serie de discos. Las grabaciones en vivo, con un total de casi 22 minutos y casi 18 minutos, provienen de presentaciones de Rehberg en el festival Présences Électronique de INA-GRM en París en 2009 y 2016. Una se basa en la "música portátil", mientras que la otra ve a Rehberg explorar la síntesis modular. El disco en sí, que estará disponible en vinilo y formatos digitales, viene con un diseño de portada del colaborador de Rehberg y miembro de Sunn O))) Stephen O'Malley.
En un comunicado de prensa que acompaña al anuncio de Peter Rehberg en GRM, Shelter Press e INA-GRM dijeron: "El primer concierto, realizado el 15 de marzo de 2009 en la Maison de la Radio de París, marcó la primera colaboración entre Peter Rehberg y el GRM y el inicio de una larga y fructífera amistad. El segundo concierto tuvo lugar el 6 de marzo de 2016. Entre estos dos conciertos han pasado siete años, siete años en los que se han estrechado los lazos entre Peter Rehberg y el GRM, siete años en los que la música de Peter Rehberg ha florecido".
Rehberg, el fundador del influyente sello Editions Mego y un prolífico músico experimental por derecho propio, falleció repentinamente en julio pasado. En ese momento, INA-GRM dijo en un comunicado que confirmaba su fallecimiento: "Ningún otro músico podría fusionar tan hábilmente energías y densidades sonoras con una sensibilidad musical abrasiva y melancólica. Ya sea en solitario, como Pita o en sus proyectos colaborativos, Peter Rehberg ha dejó su huella en la escena de la música experimental internacional durante décadas. Hemos perdido a un querido amigo".
Yoko por Miyagi-Lammardo
Ya podés escuchar y adquirir "Yoko" por Miyagi-Lammardo desde nuestro Bandcamp o por Mercado Libre...!
Edición limitada de 20 cassettes, diseño ideal para este trabajo ambiental, con arreglos experimentales desde distintas fuentes.
EN: You can already listen and buy "Yoko" by Miyagi-Lammardo from our Bandcamp or by Mercado Libre...!
James K combina shoegaze con paisajes sonoros electrónicos en Random Girl
Además de "una grabación de teléfono celular de una isla tropical falsa en éxtasis".
James K lanzará un nuevo álbum, titulado Random Girl, a través del sello Incienso de Anthony Naples y Jenny Slattery este septiembre. A lo largo del disco de 10 pistas, trabaja con paisajes sonoros electrónicos, voces manipuladas, shoegaze y "una grabación de teléfono celular de una isla tropical falsa en éxtasis".
Random Girl es, crípticamente, descrita como “una voz contra la infantilización de la niñez, una refutación decisiva de la integridad”. Marca el primer álbum de James K en seis años, luego del lanzamiento de PET en 2016.
Reserva Random Girl de Bandcamp antes de su lanzamiento el 30 de septiembre; echa un vistazo a la obra de arte y la lista de canciones a continuación.
Cosas que no se pueden respetar
En ciertas comunidades de la india las mujeres viudas no pueden trabajar fuera del hogar, si salen pueden ser asesinadas por hordas lideradas por sus propios familiares masculinos y en nuestro propio país hace un par de semanas unas mujeres fueron colgadas de las piernas acusadas de brujería por los miembros de su localidad. Se pueden permitir estas atrocidades en nombre del respeto a la diversidad cultural, la respuesta es un rotundo NO, las culturas no son monolitos sólidos que van a dictaminar las formas como nos conducimos por la vida. Las culturas reales como nos señala la filósofa Martha Nussbaum son espacios de pluralidad y conflicto, tradición y subversión. Los individuos toman las creencias y tácticas de supervivencia que les resultan más convenientes de acuerdo con una situación determinada, las culturas puras no existen.
En lugar de solo preocuparnos por el respeto a las tradiciones culturales deberíamos más bien poner toda nuestra atención en cómo hacer que las capacidades humanas puedan desarrollarse. Por ejemplo, la capacidad de vivir una vida saludable (física y mentalmente), la capacidad de poder acceder a un ingreso que garantice una vida digna, la capacidad de la gente de poder decidir sobre su propio futuro y el de su comunidad. Esto es universal y compromete a todos los seres humanos. Una vez que esto se garantice se puede hablar de como se hace realidad cada una de estas capacidades y ahí viene la diversidad cultural. Uno puede practicar el ayuno en semana santa si es que no se está padeciendo de desnutrición crónica. O una mujer o un varón pueden optar por el celibato, siempre en cuando sea una opción y no una imposición. Los gobiernos como señala Nussbaum deben garantizar las capacidades y los individuos y sus comunidades las formas como quisieran que estas funcionen siempre en cuando se trate de un acuerdo libre.
- JAIME BAYLÓN.
¡Nuevo álbum de NADJA!
La última oferta de larga duración de Nadja, Labyrinthine, grabada durante la pandemia y al mismo tiempo que su álbum de Southern Lord, Luminous Rot, finalmente ve un lanzamiento en CD en el propio sello de la banda, Broken Spine, con versiones limitadas en casete de varios sellos independientes diferentes de todo el mundo: Katuktu Collective (EE. UU.), Cruel Nature Recordings (Reino Unido), Bad Moon Rising (Taiwán), Adagio830 (Alemania), Muzan Editions (Japón), WV Sorcerer (Francia/China), Pale Ghoul (Australia) y UR Audio Visual ( Canadá).
Labyrinthine explora temas de identidad y pérdida, monstruosidad y arrepentimiento, ascetismo extremo, las diferencias entre laberintos y enredos, inspirándose en Killing Commendatore de Haruki Murakami, The Tombs of Atuan de Ursula K. LeGuin y la reinterpretación de Victor Pelevin de la historia del minotauro y Ariadne, El Casco del Horror.
Si bien este podría ser el álbum más pesado y fatal de Nadja hasta la fecha, es único en el extenso catálogo de la banda, ya que cada pista cuenta con un vocalista invitado:
Alan Dubin - legendario vocalista estadounidense de O.L.D. y Khanate y, actualmente, Gnaw
Rachel Davies - vocalista y bajista de la banda británica Esben & The Witch
Lane Shi Otayonii - es una artista multimedia y vocalista china en Elizabeth Colour Wheel
Dylan Walker - vocalista estadounidense de la banda de grindcore / ruido Full of Hell
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Nadja ha lanzado numerosos álbumes en muchos sellos clandestinos diferentes: Alien8 Recordings, Daymare Records, Robotic Empire, Hydrahead Records, Gizeh Records e Important Records, por nombrar algunos. El dúo ha realizado numerosas giras por todo el mundo, incluidas actuaciones en festivales como SXSW, FIMAV, Roadburn, Donaufest, Le Guess Who, Incubate y Unsound, y ha compartido escenario con artistas como Earth, OM, Khanate, Tim Hecker, Ben Frost y Godflesh.
Originario de Toronto, Canadá, durante la última década el dúo ha tenido su sede en Berlín, Alemania.
LEM
Corrían los 90 y varios cabros que ya habían absorbido demasiado brit y demasiado palace brothers empezaron a encontrar otras respuestas en Autechre y en Aphex twin. A Ottavio lo conocí por una vez afuera de la background que le pregunté dónde chucha en Chile podía encontrar unos eps de American Music club y el primer disco de jay jay johanson. Él se río y me dijo con una cara de certeza absoluta: En la disquería de mi amigo Pietro en el interprovidencia, yo no sé cómo es posible que alguien guarde tanta información en su cabeza con más de una obsesión. Ya lo vas a conocer, si crees que sabe mucho de música, háblale de fútbol. Resumiendo, con la plata que me gasté en un año en esa disquería daba el pie para un departamento.
Otra vez fui a su casa porque quería venderme unos discos que me dijo que me iban a interesar. Yo pensaba que me iba a encontrar con puros discos de electrónica porque por esa época, él y todos los que giraban en torno a la background y a plan V, andaban pelando el cable con wagon christ. Mi sorpresa fue enorme porque lo que había era un museo de folk. Compartíamos veneración por bandas como low o palace brothers así que me pasa un disco de un grupo llamado supreme dicks diciéndome: Pablo, te vas a morir. Me fui con cosas de seefeel, insides, disco inferno y coil si la memoria no me falla pero lo primero que hice llegando a mi casa fue poner el de supreme dicks.
A Oscar Burotto lo conocí en los patios de psicología de la portales y me acerqué a él porque andaba con una polera de labradford y le dije riendo que ese era el único buen fordismo y se cagó de la risa. Nos sentamos a hablar de psicología que a él le aburría y terminamos hablando de la educación auditiva de spacemen 3, plaid y main.
Después nos volvíamos a cruzar afuera de la background y me hablaba de lo pegado que andaba siempre con las texturas de las cosas. Siempre que hablaba de texturas y pedales tocaba alguna tela de su chaleco, como si la tela fuera un instrumento.
Luego nos veíamos en industria cultural cuando tocaba caribou o animal collective. Le invité una cerveza cuando todo el mundo puteaba en esa presentación del pulsos en casa club donde tocaron 5 grupos con todos los cables y pedales mezclados y si bien LEM pueden ser indies, están casados con las metricas y eso que parece al azar nunca lo está.
El gusto por la repetición y la creación de texturas, no es por amor a la rutina sino una forma de agrupar sonidos que desde lo que parece caos se transforma en melodía.
El uso de las máquinas para Lem no es para seguir patrones sino más bien para deconstruirlos. Ottavio en una parte de bestiario dice: "Yo discrepo con que seamos una banda de máquinas, somos más bien rockeros. Teníamos sesiones de música, haciamos jams y despues editabamos, era retratar esa profunda depresión del estado del mundo en el 2020, era una música no alegre porque el mundo era apocalíptico.
Yo tengo una carrera técnica y si tú me preguntai que es la música, es algo que me da otra perspectiva de la vida".
- PABLO ROSENZVAIG
"Felicita" por ANADOL
“Ya sea tradicional o contemporáneo, debemos ser auténticos”, dice Gözen Atila, quien actúa como Anadol. “No afirmo ser auténtica, pero esto es lo que quiero lograr”.
Una sensación de auténtica exploración, introspección y celebración cubre cada centímetro del último álbum de Anadol. Después de Uzun Havalar de 2019, regresa con un álbum que continúa explorando una variedad de tradiciones musicales profundamente arraigadas mientras se precipita hacia nuevos terrenos.
La música y las influencias, así como la historia, la cultura y la geografía detrás de ellas, que conforman a Atila como artista, se unen para crear algo completamente nuevo. El resultado es algo que explora simultáneamente la historia y la tradición mientras aprovecha los innovadores sonidos y técnicas modernas. “Si hay alguna tradición con la que estoy conectada o influenciada de alguna manera, entonces es multigénero”, dice ella. “Como el pop turco y la música árabe de este país donde crecí. Hay una conexión con el folk y también con el pop francés o el flamenco, las melodías y la orquestación de Oriente Medio, las adaptaciones griegas, los solos de Kenny G., las guitarras americanas”.
Esto se puede escuchar en Felicita, no en la medida en que puedes vincular y casar las influencias directamente, sino en la forma en que se desliza a través de los géneros, evitando las convenciones y la previsibilidad en el camino, para dar como resultado una experiencia caleidoscópica de un disco. Para el álbum, Atila encontró una lista talentosa de músicos de jazz en Estambul a quienes grabó además de sus producciones de sintetizador y grabaciones de campo. Muy pronto, el saxofón, la batería y las cuerdas comenzaron a apilarse contra bucles de batería preestablecidos de órganos antiguos. Es un disco donde las excursiones psicodélicas mareadas se mezclan con líneas de sintetizador de ensueño, un ambiente inmersivo y el uso ocasionalmente desconcertante pero increíblemente táctil de grabaciones de campo.
Si es un álbum que se siente como si viajara a través de una variedad de tonos, sentimientos y emociones, entonces es porque el concepto está vagamente arraigado en ese viaje. Felicita se traduce como “felicidad” y este álbum explora las complejidades y contradicciones dentro de tal emoción.
Una naturaleza paradójica de la felicidad se refleja musicalmente en el álbum, ya que explora la inversión de los adornos de la estructura típica. “Me gusta empezar a trabajar con clichés”, dice. “Muchos presets, secuencias de bajo y batería, y arpegios en órganos automatizados. Intentar atribuir una nueva comprensión mientras se trabaja en la dinámica y el flujo de energía para expandir las canciones. Tratando de mantenerlo lo más interesante, humorístico y contrastante posible con la fuente. Trato de crear eventos y acciones en la composición que puedan crear un nuevo significado en sí mismo”.
... Hoy, más que imponernos un espectáculo pacificador, las corporaciones capitalistas se salen de su camino y nos invitan a interactuar, a generar nuestro propio contenido, a unirnos al debate. No existe hoy ni una excusa ni una oportunidad para estar aburrido.
Pero si la forma contemporánea del capitalismo ha extirpado el aburrimiento, no ha derrotado a lo aburrido. Al contrario, podría decirse que lo aburrido es ubicuo. En casi todo, hemos abandonado toda expectativa de ser sorprendidos por la cultura; y eso vale tanto para la cultura "experimental" como para la cultura popular. Ya sea la música que suena igual que hace veinte, treinta o cuarenta años; un éxito de Hollywood que recicla y reinicia conceptos, los personajes y tropos que están agotados desde hace tiempo; o los cansados gestos de la mayor parte del arte contemporáneo; lo aburrido está en todas partes. Solo que nadie está aburrido, porque ya no existe ningún sujeto capaz de aburrirse...
Quizás el sentimiento más característico del momento actual es una mezcla de aburrimiento y compulsión. Aunque reconozcamos que son aburridos, nos sentimos obligados a hacer otro quiz de Facebook, a leer otra lista de Buzzfeed, a cliquear en un chimento sobre una celebridad que ni remotamente nos importa. Nos movemos incesantemente entre lo aburrido, pero nuestros sistemas nerviosos están tan sobreestimulados que nunca podemos darnos el lujo de sentirnos aburridos. Nadie está aburrido, todo es aburrido.
MARK FISHER. K-Punk 2
Settlements de CIVIC CENTER
Settlements es el segundo LP y documento final de Civic Center, un trío en el corazón del colectivo y sello Chicago Research. Surgido de la escena hardcore punk aquí, Chicago Research es un hogar para la música post-punk, industrial y relacionada; El sonido del Centro Cívico ha abarcado todo el espectro del mismo. Su primer LP tendía hacia el final más post-punk de las cosas, pero aquí son mucho más abstractos, creando paisajes sonoros industriales mínimos e erizados que tienen la sensación de transmisiones del más allá. El crujido del violonchelo en "These Hands" suena como puertas abiertas por un viento ominoso, interrumpido por breves ráfagas de estática sobre un lecho inquieto de sintetizadores; en “Actualization”, las voces establecidas en un pulso rítmico crepitan y se distorsionan como si se rompieran debido a una mala conexión. Puede parecer extraño describir el efecto general como inquietante, pero lo es absolutamente: un sonido que se pega a los huesos y perdura mucho después de que termina el disco. Es un trabajo hermoso, intensamente texturizado; aunque este proyecto puede estar terminando, siempre estoy interesado en ver qué nuevas formas sueñan estos artistas súper talentosos y comprometidos a continuación. - JES SKOLNIK
Hace tiempo lo señalé. McEvoy, Max Hernández y demás intelectuales mainstream son parte de nuestra decadencia.
Q tal gente!
Hice este track estos días, hoy acabe de mezclarlo con la ayuda del licuado de coquita.
Está dedicado a uno de los mejores profesores que tuve en el Salesianos, el Padre Mauchi. Quien nos enseñó a pensar, filosofar y explorar hasta el fondo. Nunca podré agradecerle tanto el haber sido mi maestro. Gracias padre.
Por cierto sónicamente es ideal para los fans de William Basinski y Thomas Köner.
- Roger Atasi cargo ride
- Marta Prochaska camera
- Roger Atasi montage
- Wilder Gonzales Agreda y su tema : ¡Baila Conmigo! del album "Real music for real people"
ESTELAR FUERZA GRAVITACIONAL. EL EJE DE LA TIERRA SE TERMINÓ DE ALINEAR EN 90 GRADOS ELEVÁNDOSE A UNA OCTAVA DE FRECUENCIA TAL CUAL EN LA MÚSICA🌉 La gran base de grupos originarios que alimentaron la gran saga de sellos independientes están de regreso. Esto hace a la escena mucho más fuerte en todas las líneas de tiempo, en todos los niveles, en alta multiplicidad de planos, en todas las macro dimensiones como en la gran diversidad de estilos🌉X lo pronto, combos como THE CULT, THE HOUSE OF LOVE, BAUHAUS, TEXAS,THE SKELETAL FAMILY... y hasta: QEPD CARREÑO (Perú) en la lista de los grandes retornos del año para reforzar la escena indie que pareciese ser un acuerdo global. THE CURE, MY BLOODY VALENTINE... con sus tan anunciadas nuevas grabaciones darían el vuelco total a la apuesta 🌉
El artista visual y diseñador Nicoló Cervello ubica el espacio de un club industrial tornándolo en una constante transformación como el escenario perfecto para el enfoque mutagénico de ABADIR. Él, no duda en unir diferentes ritmos árabes con estilos de club plus simbióticos en "Mutate" -neo álbum del productor de El Cairo: ABADIR. Hito del sello SVBKVLT de Shangái que crea sabores hurtando algunas escenas de la experimentación sonora. El gran enfoque explorativo de la composición mostrado en "Pyrolysis", es lo que resonó en el artista visual y diseñador Nicoló Cervello, quien se inspiró para construir un entorno que sirviera como una total inspiración psicogeográfica sobre los tipos de espacios para que este sonido mutado de clubes pudiera tener más sentido. El vídeo muestra todo lo que se puede lograr dentro de un abandonado almacén dándole expansiva vida a una óptima creatividad. Elogiado arte que cada vez se aprecia con mayor auge en lo visual🌉
DONNA BLUE es un dúo holandés integrado x Danique van Kesteren y Bart van Dalen. Exploradores sónicos cuyos temas diversifican riffs western de guitarras al típico estilo de ENNIO MORRICONE, agregando a ello: sintes vaporosos en vena del apreciado ANGELO BADALAMENTI. Todo ello sirve como decoración cinemática a las baladas ensoñadoras de esta dupla que en vivo suman 4 integrantes. De su álbum "Dark Roses" promueven "Solitaire", canción cantada en francés e inspirada x la onda ye-yé y de los films de JOHN BARRY y de DAVID LYNCH. Música clase A1 necesaria para este incierto tiempo, indie-pop de inspiración vintage de una brillante época con esquirlas agregadas de música de películas italianas y francesas. Highly Recommended🌉
THEO TRIANTAFYLLIDIS y el productor/artista sonoro SLUGABED navegan x una serie de vanitases cada vez más complejas y surrealistas. "Still Life With Platypus" marca la primera vez que el artista THEO y SLUGABED colaboran, el sonido singular del productor con sede en Londres ha influenciado en su trabajo. Palabra tradicionalmente utilizada para referirse a un tipo de pintura de naturaleza muy popular en los Países Bajos durante la época barroca del siglo XVII, el término 'vanitas' -ahora describe el arte que medita sobre el carácter efímero de los placeres terrenales y los logros mundanos. Bodegón con ornitorrinco subvierte la función tradicional de la vanitas y la pintura de bodegones, evitando el simbolismo cargado de objetos cotidianos. Las tecno-vanitases de TT, se niegan a quedarse quietas. Es uno de los más bellos vídeos de este 2022, literal🌉ALE-HOP, imparable en su serie de continuas performances en vivo en ciudades Essen y Berlín (Alemania), fechas que la llevarán en agosto x Nijmegen y The Haghe/Netherlands🌉
¡BOOOOM! Noah Benjamin Lennox (PANDA BEAR/ANIMAL COLLECTIVE, JANE, TOGETHER) se asoció con Peter Kember (SPACEMEN 3/E.A.R, SONIC BOOM), productor de MGMT y BEACH HOUSE -entre otros- para esta sideral unión. Kember ha estado también al mando de PANDA BEAR, en "Tomboy" (2011) como en "Panda Bear Meets The Grim Reaper" (2015). Fue Kember quien quiso llevar esta historia musical al siguiente nivel con una colaboración más estrecha. El resultado es "Reset", un disco galáctico con nueve satélites sonoros e inspirado en gran medida en la colección de Lp's estadounidenses en estilos doo-wop y rock 'n roll que posee Kember. El primer anticipo "Go On", contiene un sampling del tema "Give It To Me" (1967) de THE TROGGS🌉
PETER KEMBER
*Peter Kember nacido para ser astronauta (como Jason Pierce).
En el single "Go On" el parpadeante sonido electrónico avanza instante a instante con voces repetitivas, relajantes riffs y coros sutiles. El respectivo clip presenta una canica en transcurso vía una pista de canicas futuristas y fue filmado y animado x James Siewart (dentro de la cofradía). Electroimanes en sonoridad astrofísica incrustada en campos magnéticos. "Reset" disponible desde el 12 de agosto en versión digital y el 18 de noviembre en versión física via Domino Records. Algunas de las gemas sónicas incluídas: "Danger", "Whirlpool", "In My Body", "Gettin' To The Point". Esta es la dupla del año 2022, sincronía además del porqué la Resonancia Schumann elevó su ascenso x estos días. Ambos entes se entienden bien entre mega galaxias, electrones arrancados de sus átomos y cúmulos estratoesféricos en la supra dinámica de su universo exponencial🌉"Forresa" podría ser el título del neo álbum de BJÖRK disponible para el último trimestre de 2022 coincidiendo con su gira x América Latina🌉La mítica banda PURESSENCE (Manchester) tienen ya disponible esta perla visual: "Thirty Years (The Career Spanning Documentary") -90 minutos de su pasado histórico desde 1991 a 2013. Tantas veces presentado x Radio Miraflores AM/FM en estelas galaxiales lumínicas de ultra cósmicas iridiscencias, que no pueden quejarse.
Bohdan Rozvadovsky (a) SadSvit proveniente de Ivano-Frankivs'k en Ucrania, es un joven intérprete y compositor de indie-pop y post-punk. Su discografía incluye los álbumes "Sumatoha"(2020), "Cassette" y "20&21" (ambos en 2021). Además, junto a SAD NOVELIST grabó el mini-álbum "Cold" (2020) mostrándose prolífico a sus escasos 18 años de edad. En este 2022 ha sido muy celebrado x sus temas "Youth" y "He60" con continuas revisiones en los medios e inclusiones en listas. Inmiscuido en la música desde los 13 años, ha planeado ya estudiar en VMI (Instituto de Música de Viena) en la Facultad de Productor Musical. Escogió la palabra Sad (Triste del idioma inglés) y Svit (Mundo) del idioma ucraniano = Mundo Triste🌉 Recibo siempre envíos respectivos/links de compilados con grupos de la fauna látex en vena post-punk, dark electronic wave, synth-pop, gothic: comparto el de este mes. Esta vez, me han fascinado varios actos como GEOMETRIC VISION, PERMANENT DAYLIGHT, HAUNT ME, SOCIAL UNION, FAUX FEAR, THE X RAYS... igualmente: KILL SHELTER - "All Of This (ft. Ronny Moorings/CLAN OF XYMOX) entre otros https://youtu.be/-c3HJ7Dpy01🌉"Under The Midnight Sun" - neo álbum con el retorno exponencial de la histórica banda de Bradford/Inglaterra, THE CULT🌉Igualmente, THE HOUSE OF LOVE retorna con "Clouds" su neo álbum y con distinta alineación. X vez primera, han optado en grabar sus temas con instrumentos variados: violín, arpa, banjo, guitarra de pedales y lap steel🌉Una dupla emergente que da de qué hablar: THE CHURCHHILL GARDEN e integrada x: Andi Jossi (Suiza) y Krissy Vanderwoude, promueven su tercer single "Always There". Se espera el álbum con gran expectativa 'gaze' https://youtu.be/6ADp9GWl4VE🌉Otro acto en mi radar: SUNNBRELLA (Londres) con "Wrong" teniendo a David Zbirka en el timonel🌉
No defraudan. SUBSONIC EYE tras su presentación reciente Live@ KEXP, también han posteado una de sus neo piezas "Bug In Spring" (Live@Gateway Theatre/Singapore) de su próximo cuarto álbum🌉DABDA en deliberado y continuo ascenso de talento, siguen dejando huella. Disfruta de esta gran secuencia de sus mega highlights: https://youtu.be/O2jGl9wgr9k 🌉PALM GHOSTS, banda de Nashville sigue apuntando hacia otros géneros fuera de lo mostrado antes. En su single "World Dissolve" optan x la onda new wave trayéndote quizás a la mente, ciertas esquirlas, aromas de unos ECHO & THE BUNNYMEN🌉Es el futuro recordando el pasado. La vigencia de la escena es lo que importa hoy ¡Viva la Rotación! 🌉SASU RIPATTI (a) VLADISLAV DELAY, el escultor sonoro de Oulu/Finlandia reconocido x su personal mezcla en estilos glitch, ambient, noise, ambient dub, techno... sin dejar atrás las igualmente heterogéneas y numerosas colaboraciones como VLADISLAV DELAY (su más reconocido alias) hasta trabajos recientes con SLY & ROBBIE y lumínicos side-proyects: RIPATTI/LUOMO/SISTOL, publica un neo album de temas inéditos "Isoviha" (Warp) en gran amalgama de ruidos intensos de la vida cotidiana y escultura de drones que marca el regreso a "Planet Mu" del insigne Mike Paradinhas. Explora esta oda sonora en destellos de gran inspiracion de este ente que continúa cincelando su audio arquitectura que lo confirma entre los grandes íconos de estos tiempos. Da play https://youtu.be/cLv5ng660wU🌉 "Funkydelia" - European Tour 2022 llevará al combo peruano BIG POLLO x Austria, República Checa, Alemania, Suiza, Italia, España. Concluyendo la gira en Lima/ Perú , decididamente: República Indie x antonomasia ¿o autonomasia? (DIY) ¡Kausachun Perú! 🌉Si la música puede educar, también puede tener el poder de generar cambios positivos en la sociedad🌉STOP!
Orquesta Pandroginia es uno de los muchos proyectos de Charlie Vásquez, natal de Santiago de Chile, el polifacético ente ignició su discografía en modo solista el 2015. Ha publicado miríada de splits y álbumes desde entonces. Su estética sónica es deudora de la electrónica made in 90's que surcara el planeta y germinara en diferentes cepas y mutaciones. Su imaginario y modus vivendi es el de un veinteañero abocado a las neo redes. Conversamos con él a propósito de "Xpiritual". Una belleza que podría acoplarse sin rubor a escuderías como Skam, Rephlex o Schematic. Editado en Chile por Poxi Records.
Cuéntanos tu background, ¿por qué bandas has pasado, de dónde proviene Charlie Vásquez y Orquesta Pandroginia?
Charlie Vásquez nace en 1994. Orquesta Pandroginia nace a fines del 2015. Ambas en Santiago de Chile. La existencia de una implica la de la otra más allá de las fechas y el lugar. Esa existencia también se proyecta hacia otras entidades: Oliver Tate, Ash U Ra, Nadeshiko, DJ Daddy Yonqui, Vásquez y otras que permanecen ocultas.
He participado en un par de bandas de corta vida: Cool Kids en 2014/15 (shoegaze/grunge), Non m'importa della luna en 2016 (dream pop/trip hop), Corazones Service en 2016 (no wave/punk/garage), Desaparición en 2017 (post-hardcore/noise rock), Albania en 2018 (post-punk/dance punk), Charcoazul en 2019 (black metal/screamo), Las momias de Guanajuato en 2020 (surf rock/krautrock) y Team Mekano desde el 2020 a la fecha (breakcore/hexD). También estuve tocando con mi amigo Pablo Vostok bajo el nombre de Tractatus de Peste, hice un disco de progressive electronics con mi cuñado bajo el nombre de TCCV, participé del proyecto de improvisación internacional The Field Where I Died y he apoyado en vivo a amigues como Vimvau, Donato Soto e Indenadfin. Probablemente más de alguna otra cosa se me está escapando ahora.
Trabajo con sonido desde el 2015. A veces hago trabajos de mezcla y masterización en el estudio Club de Rayuela. Otras hago composiciones para obras audiovisuales. Alguna cosa pequeña ha aparecido en algún museo. También soy parte del sello Medio Oriente y ayudo en ocasiones al sello Gemelo Parásito con cosas varias.
Charlie y Orquesta no son siempre sinónimas. Orquesta Pandroginia es una entidad mutable no dependiente, sobre todo en vivo. En ella confluyen muchas personas que rotan y crean de acuerdo a la voluntad colectiva de la Orquesta. Provenimos de muchas partes y no sabemos hacia dónde iremos.
Escuchando tu reciente opus, "Xpiritual", detectamos influencias de grupos tipo Squarepusher, la escena drum and bass y la IDM noventera. Ciertamente algo ya trajinado por muchos y en varias células creativas. Si bien Poxi Records presenta el trabajo como un disco "que promete darle un vuelco a los sonidos de la electrónica chilena". ¿Qué nos puedes decir al respecto?
Esa declaración-provocación puede leerse de varias maneras. Entiende el tiempo como algo no lineal: la escena del drum and bass e IDM no es algo que aconteció en los 90s y terminó tiempo después, no es un suceso enclaustrado, ni se puede localizar únicamente en una ideación inglesa anclada a esa época. Es una historia que aparece solo una vez la miramos desde su futuro, desde un presente constante. Es un círculo. Se desarrolla y prolifera como un virus que se aferra a distintas manifestaciones culturales y géneros musicales, trastocándolos, atacándolos, avivándolos, siempre jugueteando, y aún no se agota, aún tiene hambre de más. La música electrónica es un continuum y Xpiritual se inserta como una singularidad dentro de su trayectoria, que nació tanto entre 2021 y 2022 como en 1988 con los primeros lanzamientos de Bleep Techno y que no pudo haber sido construido de otra forma. Es un disco que lleva décadas componiéndose, pero que era capaz únicamente de ser lanzado en 2022 -el momento indicado que contenía dentro de sí todos los requerimientos para ello- y es contemporáneo porque entiende de forma consciente esto. Pensarlo únicamente desde el IDM y desde los 90 es limitar lo que nos entrega.
También plantea la cuestión de qué es la electrónica latinoamericana y chilena en particular.
¿Se limita esta a la Digital Cumbia, al Tribal Guarachero, el Funk Carioca o el Tecnobrega, por ejemplo? ¿A ese paraguas al que se ha llamado Latin Electronic? La creación de Xpiritual es imposible fuera de Chile, es un trabajo completamente sudaca, pero que no busca entrar (o más bien salir) por la puerta ni abanicarse con estas etiquetas. No viene desde Wendy Carlos, viene desde José Vicente Asuar. No desde Warp o Hyperdub -a pesar de las referencias que puede hacerle-, sino que desde Infinito Audio, Pueblo Nuevo,
Modismo. Pero no lo hace imitando, sino que construyendo desde un carril paralelo. Se emparenta a través de las relaciones que produce.
Xpiritual no se encierra en esto ni tuvo a ingleses como Squarepusher en su imaginario en ningún momento, los guiños y sampleos al Breakbeat, el Dubstep, el Wonky, el Garage, el Halftime, el Neurofunk, la televisión, la publicidad, TikTok, Instagram, los videojuegos, las citas literarias, se presentan a lo largo de toda su composición como un ejercicio de hiperactividad autista producto de la aceleración tecnológica que no se detiene solo en las capas sonoras superficiales. Es un maximalismo que mastica, regurgita, vomita, consume. El vuelco tiene que ver con el ir agarrando esas fuerzas y direccionarlas hacia otras zonas, hacia otras probabilidades, sobre todo entendiendo el territorio donde estos sonidos se insertan. Un vuelco es un gesto más humilde y sencillo de lo que parece. Se puede volcar un auto en un accidente estruendoso o volcar un vaso con jugo de pera y esto último puede llegar a tener más impacto que lo primero. El trabajo verdaderamente xpiritual no busca trazar, sino que simplemente apuntar para que alguien o algo más se atreva a recorrer, vislumbrando conexiones. Es parte de una colectividad que aún no ha aparecido, pero a la que se le invita a emerger. Es el anuncio de una procesión. Las 7 canciones incitan a la apertura de una consciencia sónica lisérgica desde una férrea posición anti nostálgica que es necesario entender desde la situación des/favorecida por lo que estamos viviendo actualmente.
El artista y diseñador Frederic Goudy decía que todavía es posible conseguir nuevas expresiones de vida y vigor basándose en las formas establecidas en el pasado. No se trata de retromanía ni de vaporwavización. Es una declaración de sampledelia intensiva que escudriñar metiéndose a zonas sucias y abandonadas, así como a aquellas zonas de la red que en la actualidad son pormenorizadas. Ahí es donde las influencias no importan tanto como puntos históricos sino que como materia prima. Como, de nuevo, material para fabricar relaciones y extender puentes hacia afuera.
En otro sentido, esa declaración simplemente es mentira. Una mentira intencionada que busca volverse verdad al ser traída al mundo. Un engaño, un artificio como todo diseño, toda composición y toda promesa. Como la música misma del disco. Hacer música es siempre tejer ficciones sónicas, por mucho que se le quiera encerrar dentro de estructuras rígidas y cristalizadas que justamente por serlo tienden a quebrarse (en contraste con el comportamiento líquido y maleable propio del sonido).
Hablando de Xpiritual, coméntanos please, ¿cuál es tu set up, qué sintetizadores usas, cómo ha sido el proceso de creación del mismo?
Xpiritual se trabajó con un computador Acer, Ableton Live 11, una Tascam dr-05 y un celular LG-K40s. Fue un intento por hacer confluir estas distintas tecnologías aprovechando sus diferencias y puntos de encuentro. Internet fue un eje central de este proyecto: se aprovecharon bancos públicos de sonido y grabaciones de distintas redes sociales como fuente de materia prima. Todo su imaginario nace desde ahí.
Me parece interesante investigar todo esto al ir haciendo las canciones, sin tener una idea previa tan clara. Es algo que llevamos haciendo desde hace tiempo, pero cambiando el enfoque cada vez. La experimentación nace desde ahí, sin ni una pretensión de acercarse a esas gastadas ideas de lo experimental asociadas a vanguardias con más de 100 años de existencia, aunqudo. En este disco el interés mayor estuvo en el aprovechar la saturación digital, el dither, los errores de los softwares, el MIDI, en ir mezclando cosas de formas que algunas personas podrían plantear como incorrectas. Es una exploración muy desde adentro, independiente del resultado final.
La mayoría de las canciones partieron desde este trabajo de sampleo, de reproponer sonidos encontrados y mezclarlos de distintas formas hasta que emergiera algo con suficiente fuerza como para sostenerse por si sola. El componer siempre es medio una posesión, dejar que algo se apodere de ti y se manifieste en el medio elegido. Quien escribe es la Orquesta, un conjunto de voluntades mutables. Xpiritual es una manifestación más de esto.
Qué nos puedes comentar de la escena electrosónica chilena, o quizás solo la de Santiago. ¿Cómo recibe el público estos sonidos, tanto en conciertos como en las redes y la respuesta a los lanzamientos?
El último tiempo ha habido un gran cantidad de gente joven que se agarra de los sonidos del Freeform Hardcore, el Breakcore, el hexD, el Nightcore, el Jungle, el Trance, el Drum and Bass, el Speedcore y un etc. cada vez más ecléctico y entretenido, atractivo justamente por lo mareante que es. Es una escuela que nace desde las distintas plataformas que entrega internet. Comparten lo que hacen en Soundcloud y TikTok, conversan por Discord e Instagram, navegan por horas RateYourMusic y Discogs, hablan de animación, fútbol, Grindcore y Trap. Son gente muy activa y es muy emocionante encontrarse entre medio de todo ello. Hay gente de todas las regiones participando.
En Santiago también están las típicas raves de techno, industrial y house que se llevan haciendo hace años, de las cuales cada tanto aparecen lanzamientos que son un gusto de escuchar. Aquí ya hay una comunidad más sólida, donde se realizan fechas más grandes y con un número mayor de artistas con carreras más largas. Igualmente, hay una cantidad importante de gente que trabaja con el ambient, el IDM y el Deconstructed Club en distintos espacios, además de DJs que simplemente mezclan todo lo que se encuentren jugando con el algoritmo, eludiéndolo y aceptándolo a la vez.
Si se quiere entender lo que se ha configurado en este territorio, es bueno pasarle la oreja a colectivos y sellos como Revolte, Martirio, Enter d'Noise, Si paro de bailar me muero, Recreo, Panal, Club Genesi, Halcxn, Makin Movs, Discos Pegaos, EPA Sonidos y tantos más. Independiente de su masividad, existe un público inquieto al que realmente le interesa acercarse a este tipo de sonidos. Hay personas constantemente buscando artistas, discos, lanzamientos, fechas. Son personas a las que realmente les interesa participar y se pierden en la vorágine de distintas maneras, desde lo que les nace de su interior, creando en paralelo, produciendo, moviéndose, bailando, construyendo en conjunto, apoyando desde lo que su posición les permite y sus intenciones les dicten.
Es difícil hablar de escena si es que lo pensamos como algo cohesionado y fijo, estable. Lo que sucede acá es más bien móvil, exceptuando un par de casos que de todas formas tan reacios a la mezcla no son. Son piezas que se encajan y desencajan continuamente, armando algo que luego se desarma para construir otra cosa (muy a pesar del hermetismo que algunos prefieren).
¿Cómo ha influido el proceso de cambios socio políticos que están viviendo por allá a los artistas y la música que se concibe en estos días en Chile?
Instancias como esta han sido importantes para plantearse el acercamiento a lo político. Se tiende a pensar lo político como algo panfletario u obvio. Como una documentación pornográfica. Lo interesante no es limitarse a decir “esto está pasando”, sino plantearse el “esto podría pasar”, “esto queremos que pase” y trabajar desde ahí. Los problemas imaginativos tienen un rol fundamental en lo político, no solo en cosas tan obvias como en la capacidad de poder imaginar un mundo más allá del capitalismo, sino que también en imaginar otras maneras posibles de movilización y construcción.
La revuelta permitió el encuentro de varias artistas que antes se encontraban algo separadas. Varios colectivos y sellos nacieron en ese momento porque una gran cantidad de entidades se dieron cuenta de que el “cada una por su lado” ya no iba más. El mal manejo de la pandemia por parte del Estado también influenció. Esperamos que esto permita replantear las capacidades de acción que surgen en paralelo desde lo personal y lo colectivo. ¿Qué efectos somos capaces de tener en los mundos? ¿De qué manera podemos intervenir?
Durante los últimos tres años aparecieron gran cantidad de discos, compilados, artistas, bandas, seudónimos que volcaron sus inquietudes en proyectos de índole muy amplia y variada. Algunos fueron efímeros, no pasaron de una intensa instancia diminuta, otros se mantienen intermitentes o siguen creciendo a día de hoy. No había nada correcto, todos los acercamientos confluyeron, sobre todo en 2020 y 2021 donde se sentía un espíritu que se desbordaba hacia todos lados.
A partir de lo que está sucediendo en el país, me parece necesario el pensar en las cosas que hacemos circular, en qué información visual y sonora arrojamos al mundo, el cómo lo hacemos y por qué, bajo qué mecanismos y circuitos. Es vital hacernos cargo de la datificación infopunk de la conformación sociopolítica local, pero no desde la visión del norte global que se nos impone -independiente de sus abanderamientos-, sino que desde las pertinencias latinoamericanas.
¿Qué nos puedes comentar sobre el nombre de tu proyecto, el cual alude a una neo corriente sexual propugnada por gente como el fenecido Genesis P. Orridge?
El nombre se me apareció una noche en la que la privación de sueño me tenía con un cansancio enorme. Me hizo sentido en relación a problemas que me planteaba desde mi propio cuerpo, desde ciertas condiciones que se me han impuesto a nivel social y químico.
Genesis como figura personal no me interesa tanto, pero sí como una figura colectivizada que no se limita a elle ni terminó con su muerte. El concepto que plantea la Orquesta viene desde el omnivorismo cultural, la antropofagia, la difuminación de límites, la continuidad de procesos autónomos, la inconstante permanencia. Es algo que se desprende de Charlie Vásquez, quien ni siquiera ha estado presente en todas las presentaciones que ha hecho.
Recomiéndanos por favor otros proyectos que estés escuchando sean chilenos o de cualquier otra región.
De Chile recomendamos mucho escuchar lo que hace Anthony1, que mezcla Freeform Hardcore y distintas vertientes del Trance de una manera muy potente y creativa, con harta intensidad. Hace poco sacó un EP corto, “musicwasnevermeantobeplayed, que está brutal. El año pasado publicó un split junto a Segunda Mordida en la línea del Breakcore y el Hardcore Breaks que es de lo mejor que salió por acá en ese entonces.
Segunda Mordida también es alguien a quien hay que ponerle atención. En marzo compartió “Lengua Madre”, tres canciones de un IDM relajado, pero cargado de elementos, con sintes melodiosos y texturas percusivas. Es corto y es bueno darse el tiempo de escucharlo.
Tuve el gusto de poder masterizar y colaborar con el arte del disco “Tenshi III” de Post-Millenial Dreams. A toda persona que lea este blog le interesará. Aprovecha muchos elementos de las vertientes ambientales del techno y el drum and bass. Se emparenta mucho con los discos mencionados anteriormente.
También he estado usando mucho Soundcloud y escuchando lo que hace gente como C3ntell4, serenade, latex fruit, deswide, gouzes, KoçitSkoria, leorina, c678924, lila loni. La verdad es que es para perderse y eso me encanta. Es bueno dejarse llevar por ahí.
Por otro lado, el sello Transamericas se ha atrevido con una serie de publicaciones alucinantes de las cuales he podido conseguir un par en vinilo. “Otra Vez Otra” de Lavina Yelb, “Botones” de Narval Orquesta, “El Triángulo De Las Bermudas” de Tobías Alcayota y “Exactomondo” de Archimboldos. Son trabajos increíbles, es genial que tengan este espacio para ser publicado. Osvaldo, una de las personas detrás del sello, hace una labor tremenda.
Por supuesto, no puedo dejar de recomendar otros lanzamientos de Poxi Records, que es donde salió el disco Xpiritual. Sus últimos lanzamientos, “Hypnotica” de Hablemos del Alma, “Electro Glazba” de Talismán, “Materiales y Símbolos” de Asunción y “Magnetismos” de Laktik son bastante variados entre sí y pueden ser un acercamiento interesante a la escena chilena para quienes no la conozcan.
Sin entrar en tanto detalle, aquí hay otros discos que he estado escuchando recientemente:
Paltamango - Birdnet
Afrorack - The Afrorack
Aleksi Perälä - Paradox
HDMIRROR - Adrenalin
Omaar - Drum Temple
Bébe Yana - Space Mulan
Lisabo - Ezarian
Planes futuros y palabras finales.
Se preparan algunas presentaciones en vivo con distintas formaciones. Hay grabaciones en vivo de la época de Oh! No! Dub! que están por ahí y puede que aparezcan. También van a salir un par de canciones que no tienen nada que ver con Xpiritual en algunos compilados.
Por ahora no hay planes de algún disco, aunque siempre hay algo sucediendo.
Queremos agradecer el espacio y la disposición, así como la labor en general que realizas tanto con el blog como con Superspace Records. Un abrazo.
Carlos V se llenó de guerras y problemas en vez de construir un imperio cristiano universal. Sus sucesores heredaron un aparato inviable que solo sirvió para enriquecer más a los banqueros que habían sido socios de Carlos y a nuevos banqueros que llegaron después. El sistema no funcionó. El imperio cristiano universal se convirtió en imperio español. La separación de razas se convirtió en mezcla de razas. La discriminación por sangre hizo que los postergados se alojasen en lugares secundarios pero claves del aparato, el ejército y el comercio menor, desde los cuales conspiraron para hacerse lugar haciendo saltar la cúpula metropolitana debilitada por la invasión napoleónica. Una combinación de impasse económico del sistema e intervención extranjera: la inglesa comercial y la francesa intelectual y militar, terminaron trayendo abajo el mundo imperial.
Un grupo muy pequeño pero consistente de líderes de los sectores postergados de este sistema, a los que llamaríamos después libertadores, quiso hacer realidad otra utopía: la unidad continental de los pueblos de América con un gobierno de los sabios y justicia para los indios, aboliendo la esclavitud. Una vasta región libre con un monarca inca que sustituya al imperio desechado de los borbones. O una confederación de repúblicas gobernadas por aristocracias de la moral y la sabiduría.
Para realizar su proyecto hicieron la guerra con las técnicas que aprendieron en la metrópoli, el dinero prestado por los banqueros ingleses y los soldados que pudieron reclutar en Irlanda, Escocia, los llanos venezolanos, las serranías andinas y las haciendas de esclavos.
Fue una verdadera epopeya aquella que realizaron desde Buenos Aires y Caracas. Aprovechando la crisis del imperio consiguieron la separación americana de España separación que, en el caso de los criollos, fue también un desmembramiento cultural y emocional de una realidad social de la cual ellos eran una prolongación. Pero esa prolongación no podía echar raíces en un mar social que era indio y africano. Se agotaron en lo cultural. No pudieron construir en lo político. Se agotaron militarmente en una guerra de quince años, desde 1810 a 1824.
Mariano Moreno (probablemente) y Bernardo Monteagudo fueron asesinados. Los hermanos Carrera y Manuel Rodríguez fueron fusilados. Bolívar murió enfermo, amenazado de muerte, echado del Perú y Colombia, abandonado por Venezuela y Ecuador. San Martín tuvo que partir a un largo y amargo exilio, también apartado por quienes le sucedieron. O´Higgins tuvo que correr al Perú buscando refugio. Sucre fue ultimado por sus ex compañeros de armas. Simón Rodríguez murió aislado y olvidado en Amotape, en el polvoriento norte del Perú. Manuelita Sáenz acabó en la miseria en Paita y sus restos fueron arrojados a la fosa común.
Triste final, pero revelador. Los localismos, los nacionalismos, las intrigas de ocasión, las rivalidades, triunfaron sobre la idea de América. Federales en Argentina, separatistas en Bolivia, Colombia y Ecuador, el fraccionamiento pasó a ser desde entonces la ley histórica del continente y siempre pesó más que los esfuerzos o ideales de integración.
Los obstáculos geográficos, las dificultades de comunicación, las distancias culturales, los abismos entre riqueza y pobreza hicieron lo suyo: también explican la no realización de la utopía. El largo paréntesis de mestizaje, interculturalidad y anomia que separa aquella utopía sepultada de su probable renacimiento en un futuro impredecible.
Los españoles nacidos en América fueron hijos de la casualidad, nacidos en países con los que nunca terminaron de identificarse, víctimas de discriminaciones que veían injustas por parte de la que hubiesen querido que fuese su patria, España. A pesar suyo, eran blancos de segunda clase. Eran españoles americanos, es decir tenían un nombre y un apellido que los señalaba como especiales; una identificación que no correspondía al territorio que pisaban: la «España» de ultramar; aspiraban a ser parte de una identidad, la hispana peninsular, que no los aceptaba ni era la suya. Con excepción de los próceres jacobinos que tomaron las armas para luchar por la independencia convocando a mestizos, negros e indios (estos líderes fueron excepciones de un sentimiento general), tenían a menos a las castas por impuras y a los indios, por ignorantes y sucios. Nunca, hasta bien entradas las repúblicas independientes, dejaron su hispanismo. Habitantes urbanos en una época de ciudades minúsculas, desconocían tanto el país que pisaban, como la patria lejana de sus padres y abuelos. Sabían que su lugar en el sistema sería siempre el de segundones. No conocían la técnica de gobernar porque nunca habían gobernado. Con el tiempo, fueron sin embargo los gobernantes herederos de los libertadores, aquellos que decidieron la suerte de nuestros países durante las décadas republicanas. Encontraron al fin su lugar prominente en la república y la construyeron a la imagen de sus limitaciones mentales y culturales, de sus prejuicios e intereses. Las repúblicas fueron una proyección de sus conflictos, limitaciones y prejuicios. En México y la región andina prolongaron la dominación sobre los indios aboliendo las garantías que, para ellos, estableció la Corona. En Argentina, Brasil, Uruguay, Chile, continuaron la conquista que los españoles empezaron, hicieron su propia guerra con similar fanatismo (esta vez la religión positivista) y crueldad; y fundaron el sistema republicano sobre el genocidio. Las repúblicas del XIX fueron la prolongación de la conquista del XVI.
Se puede separar los quince años de guerras de independencia, del resto de la historia que continuó en América hasta hoy. ¡Qué período tan breve! ¡Solo quince años! Fueron resultado de la acción de un grupo muy compacto de líderes que combinaban la preparación intelectual ilustrada, excepcional para su tiempo, su conocimiento del mundo también excepcional (el de Francisco de Miranda es el caso más notable pero no el único) su experiencia en el ejército de la Corona y las acciones de armas que fueron realizando en las campañas libertadoras. Tenían ideas. Compartían un proyecto. Pero estaban lejos de las bases sociales consolidadas por la dominación española; y de sus propios seguidores inmediatos que procedían directamente de la realidad social colonizada. La realización de la utopía tropezó con inmensas barreras geográficas; con enormes dificultades de comunicación; y con grandes brechas culturales. Pero lo importante es dejar bien claro que la utopía y el proyecto existieron a pesar que han sido ignorados por las generaciones posteriores.
La perspectiva continental y global de los líderes de la emancipación sobrepasó la visión localista de quienes los secundaron. Consiguieron liderar a sectores importantes de la sociedad americana en la guerra contra España, pero no pudieron mantener ese liderazgo y sucumbieron ante las visiones localistas, federalistas y nacionalistas de sus jefes de segundo nivel que se convirtieron después en los caudillos que sumieron a nuestros países en un ciclo de guerras civiles llevadas a cabo por intereses pero no por ideas ni principios. Quedaron el poder, la riqueza y la guerra, puros y simples.
OMNIVERSO FRACTAL. LA MÚSICA ALTAMENTE IRIDISCENTE COMO CONTINUO ESTADO LATENTE EN TODO EL PLANETA🌉 MAX COOPER compartió recientemente uno de sus estelares DJ sets en la web. Gran presentación que ofreciera en The Acropolis (julio 2021) en Atenas/Grecia. Encantada además, que al propio MAX COOPER, le haya gustado la revisión que hice al mega y lumínico evento. Igualmente, Optical Arts logró el concepto visual para su tema "Broken Machines Broken Dreams" haz click: https://youtu.be/wEP66wE8RkU. Su set es una fascinante puesta en escena que pueden apreciar a continuación e incluye ciertos tracks en vena jungle que el 90% de djs en el mundo, lo ha retomado. El as GOLDIE está encabezando la lista🌉
HONEYGLAZE ha codificado un álbum pleno en ternura y turbulencia a la vez. Esmalte de miel es como se traduce el nombre que indica perfectamente la órbita en que va este trío. Debutantes o recién llegados desde el sur de Londres: Anouska Sokolow (voc/gtr), Timothy Curtis (bj) y Yuri Shibuichi (bt). Su placa autotitulada canaliza la vulnerabilidad sin filtrar y la pasión sincera en su sonido establecido y altamente carismático. Todos los temas incluídos me han cautivado, menciono sólo algunos: "Honeyglaze", "Young Looking", "Half Past", "Burglar", "Shadows". Un esférico que contiene traslucidas perlas sónicas introspectivas en halo de cristal, tal cual como se espera de un álbum debut en la vena musical que ellos saben dominar. Plácidamente trajeron a mi memoria a 10,000 MANIACS / NATALIE MERCHANT con su: "I'm Not Cushion". De inicio a fin, una placa en alto brillo y ciertamente: Highly Recommended🌉El acto londinense FRESH, impacta igualmente con su literalmente fresco álbum "Raise Hell" y sus 11 satélites secuestradores para tus oídos. Indie-pop no desdeñable e irresistible🌉
La banda WITXHES (=WITCHES) con su álbum "Bury The Witxhes", impone su vena darkwave en inquietante halo hipnótico. No, no se pasman y quedan sólo ahí, sino que su placa debut constituye un adentrarse en un mosaico extra de estilos: noise, post-punk, avant-garde, post-industrial. El dúo WITXHES, lo integra el compositor de música electrónica y productor sueco: Henry Sunbring (OPUS, DOMUS, OPLEN, AGENT SIDE GRINDER) y el músico danés de rock Richard Ahlgren (DANMARCK), quien es también el vocalista de la banda. Títulos, odas como: "Beat Poet", "A Part Ache", "Bury Your Witxhes", "Second Fall" llevan al extremo de una u otra forma, cualquier idea de la música dark conectada con la variedad de música electrónica. Agrego: kraut-rock como inspiración aparte del punk-rock.
Mezclado y masterizado en Helter Skelter, estudio en Estocolmo del propio Henrik Sunbring. El arte de portada pertenece a Ola Elmquist y a Emanuel Lundgren. El vídeo "A Part Ache" contiene fotos históricas filmadas x Ivan Berse sobre la vida rutinaria en Dakota del Sur durante la Gran Depresión. El trailer para "What Makes Us Drop Will Keep Us Alive" derrama sonoridad astrofísica en magníficos estruendos:
STEREOLAB retorna felizmente a las andadas con neo gira 2022. El combo con Laetitia Sadier y Tim Gane al frente, presentan en vivo el quinto volumen de la serie recopilatoria de rarezas Switched On, titulado "Pulse Of The Early Brain", que incluye demos inéditos, canciones colaborativas con NURSE WITH WOUND, versiones en directo y recuperaciones del pasado sin estrenar, entre la que promocionan "Robot Riot", pieza escrita originalmente para una escultura creada x Charles Long, artista con el que la banda habia colaborado en el proyecto "Music For The Amorpheus Body Study Center" en Tanya Bonakdar Gallery de New York (1995). Arte moldeable en jebe y plástico. Piezas incluidas en "Pulse Of The Early Brain" (Switched On Volume 5): NURSE WITH WOUND - "Simple Headphone Mind", STEREOLAB/NURSE WITH WOUND -"Trippin' With The Birds", "ABC", "Magnet Music", "Plastic Mile"(Original Version), "Varoom", Cybele's Reverie" (Live @ The Hollywood Bowl)... entre otras magníficas perlas sónicas. Dale play : "Robot Riot"
Exaltante conspiración de post-rock refinado x vibraciones electrónicas e inquietante rock espacial con GOD IS AN ASTRONAUT. Este combo ha cautivado a gran audiencia de todo el mundo con sus inspiradas actuaciones y dedicación extrema hacia la proyección de mega imágenes. Explosivo arte expandido si le agregamos voces evanescentes y sugerentes, con maravilloso desborde de luces y una espléndida estilística atmosférica. La banda irlandesa está cumpliendo presentaciones x Europa en promoción a su álbum "Ghost Tapes # 10". La banda celebra también el vigésimo aniversario de su álbum "The Beginning Of The End" con una producción de estudio en vivo con transformaciones actuales de todas las canciones de su álbum debut en mención. Vídeo de la neo versión para "Coda" https://youtu.be/4rLtwcD9GW0
El post-rock no se rinde🌉
La escena post-punk de Dublín/Irlanda cumple hoy en día un expandido e intenso periodo. Avalancha que avanza sin marcar tiempo, tal cual lo demuestran las recientes ediciones sónicas de JUST MUSTARD, SPRINT e INHALER. Otro acto que brilla con luz propia es MELTS. Sus previos singles ya los habían colocado en la mira siendo "Maelstrom" -su tan esperado debut. Un álbum pirotécnico y vertiginoso, producido x Daniel Fox (GIRLBAND) que instala sus raíces en diferentes territorios, cosechando psych-rock, post-punk, dark-wave, space-rock y la cúspide típica del kraut-rock. Melting-pot en sonidos sin la necesaria cohesión, cualidad que no necesitan para insertar su interesante propuesta. Existe una fuerza motriz que activa la fascinante turbulencia sonora que MELTS pone en acción en múltiples niveles. HAWKIND tanto como SPACEMEN 3, dentro de sus observados planetas. Épicas reverberaciones catedralicias góticas ("Tides"), "Spectral" y "Outlier" se desplazan dentro de los túneles más dark. Cacofonía visceral y garage-rock-espacial en "Signal". Apreciable la evolución estilística del grupo que está totalmente expandida en este álbum no apto para puristas.("Signal" via:
Las leyendas vivas de Melbourne/Australia TROPICAL FUCK STORM anuncian su gira "Fuck The Rain Away" junto a DELIVERY y PARTY DOZEN. El combo TFS, ganadores del premio ARIA (no lo necesitan), se presentan del 4 al 12 de agosto en Brisbane, Sidney, Darwin y Melbourne🌉 X otro lado, TONY HADLEY (SPANDAU BALLET) se presentará en Australia y Nueva Zelanda en septiembre, para celebrar su 40 años en la música🌉Una especie de RAGE AGAINST THE MACHINE... (a las impresoras) de parte de Matt Healy de THE 1975, él mismo ha corregido que su neo álbum titula: "Being Funny In A Foreign Language", siendo " Part Of The Band" su single disponible desde el 7 de julio. Sospecho que está enamorado al observar los títulos en el álbum: "I'm In Love With You", "About You", "When We Are Together", "Oh Caroline", " Looking For", "All I Need To Hear", "Happiness"... 🌉
Hace poco estuve apreciando el Home Town Extravaganza (Australia) que incluyó a 3 bandas estelares: MERAKI MINDS con su sway-pop y funk-surf en reverb (!). A THE FILLMORES un acto con alma latina y alimentando una inesperada especie en vena lounge-surf, lo-fi y hasta boogie con ciertas esquirlas punk que me recuerda a unos DEAD KENNEDYS. El acto GO DOG GO mezcló estilos: psych, progressive, funk y cosmic jazz. Tobi Oladele (bj) es su estrella y sin esfuerzo alguno. Charlie Bowmaker empapa su voz con un baño de reverberaciones a la carta. El cover para "Isolation"(JOY DIVISION) es parte obligada de sus shows en vivo. Cierto es que: cualquier comparación con otra banda no les hace justicia alguna. El evento es un festival regional que une a bandas de diferentes estados (presentándose en su base local) y concluye en Melbourne. El local Northcote Social Club (Wurundjeri Country) es siempre parte de la interesante e inusual hazaña🌉SOCCER MOMMY con Sophie Allison en el comando estelar retoma su fórmula compartiendo la obra junto a Daniel Lopatin (ONEOHTRIX POINT NEVER) en su reciente álbum: "Sometimes, Forever". Las líricas de sus temas "Unholy Affection", "Shotgun", "Darkness Forever", "Feel It All The Time" -entre otras, son realmente realistas para estas eras:
Este vídeo con la cinematografía de Luke Coley, es sólo una muestra de como se está purificando el océano. AYLA transmite mucho en sus elevadas liricas que recomiendo con mucho aprecio🌉
MAGNETO ASTRONÓMICO EN GRAN EXPLOSIÓN DE BANDAS X TODO EL PLANETA. No, no es sólo la Frecuencia o Resonancia Schumann en saga 2022. Esto va más allá de todo ello y, que podría dar como resultado: un neo avenir en las ondas radiofónicas de todo el planeta. Somos nosotros, los instigadores originarios y divulgadores continuos de los sellos independientes quienes instalaremos el 'new woke order' radial. Que no les extrañe si en un futuro muy cercano, las emisoras del mundo comienzan a tener nuevos dueños. Solvencia económica para lograr todo ello...¡sobrará! Audionautas del mundo: el mainstream tal y como fue conocido irá desapareciendo poco a poco. Esto no es ciencia ficción... ¡No tiene cabida ya más en la nueva Tierra! ¡Advertidos todos están!🌉 Es un macro Servicio Humanitario en Plan 1 de salud mental y evolutiva, iniciando su ultra y supra expansivo desarrollo. No lo duden🌉 Todas las experiencias de los seres vivos con alma en el planeta, son idénticamente importantes. Se constituyen en un sonido del alma individual en cada una de ellas, y a su vez son el conjunto del sonido del universo. Los delfines remodelan la composición del océano, con su canto. Hay aún muchos otros brillantes y lúcidos ejemplos🌉STOP!
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PROMO DEL CD DE FRACTAL
barbarismos
El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.
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realismo capitalista peruano, ¡ja, ja!
rojo 2
es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo
En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez.
«Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.
MARK FISHER.
perú post indie
Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños. Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo... Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?
FRED ROHNER Historia Secreta del Perú 2
as it is when it was
sonido es sonido
pura miel
nogzales der wil
RETROMANÍA
"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia."
SIMON REYNOLDS
Retromanía
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