feed

SSR

miércoles, 31 de agosto de 2022

Reseña: VARIOUS - Bedroom Ambience: A Collection Of Home Recordings (Enraptured, 1997)



Un documento que atestigua el devenir del post-rock en indie instrumental, del ambient y folk weirdo a divagaciones rockistas para introvertidos. 


Después de publicar "Perdido" (Superspace Records, 2022), el cual, como he comentado ya, refleja en cierta forma las atmósferas de Fractal en vivo circa 98/99, estuve saltando por mi colección de archivos de música para disfrutar. Entonces ocurrió magia, como si estuviera tocado por el karma de mi propio disco, abrí un fichero con el compilado "Bedroom Ambience: A collection of home recordings", publicado en 1997 por el sello inglés Enraptured.



Tal cual intitulaba, se trataba de ambient de dormitorio, o quizás de 4 pistas y de espiritu lo-fi. Alumnos de Tony Conrad y FSA. Fue fantástico porque sentí que cualquier tema de mi "Perdido" podía insertarse ahí sin problema. Para más cruz, cuando lo busqué no lo hallé ni en bandcamp, ni spotify, ni amazon. Solo un tema de Mogwai resistía en el tube, mientras que los Hood por separado han publicado su track en la colección "Compilations 1995-2002" -me estoy encargando de componer eso hoy con este post y un par de videos en mi cuenta de YouTube -.

Recordé cómo otras tantas gemas de la música no existen para las plataformas de streaming de la www. Cito 2 prístinos ejemplos: Icreatesoundscapes y Head/Phone/Over/Tone. ¡Y vaya de lo que se pierden! Un consejo para los nuevos melómanos, investiguen y denle duro al cerebro, no se dejen viciar por cojudeces del montón. 

"Bedroom Ambience" floreció cuando no se estilaba hacer música en favor del marketing o de un sonido pulidito pro. Es arte y música etérea para introvertidos y desencajados. No una ruta para conseguir hypes o personalidad. Si te gustan los viajes rompedores, la música exploradora más allá de la escena hipster y sus moscas del mercado,  confirmo que tienes en esta gema un esplendoroso aliado.


Wilder Gonzales Agreda.

sábado, 27 de agosto de 2022

BJÖRK vuelve con "Fossora" - por HELENE RAMOS


♦CONTINUAS E INFINITAS VISIONES VISIONARIAS, ELEGANZA GABBER Y CONEXIÓN A TIERRA. BJÖRK: LA CANTANTE  DE LAS ESFERAS EN SU SAGA 2022 ATERRIZA DE NUEVO EN TUS OÍDOS  ESTELARES


EXPRESIÓN DE COLORES DINÁMICOS QUE SE TRANSFORMAN Y DANZAN MIENTRAS NOS PERMITIMOS ESTAR AUNADOS Y SER. DESDE SIEMPRE Y TANTAS VECES BJÖRK, RESONANDO ESTA VEZ EN UNA MEGA FRECUENCIA PARTICULAR DE NEÓN DENTRO DE UNA SUPRA ALTA VIBRACIÓN PARTICULAR.


                   X : HELENE RAMOS

                    

BJÖRK ha retornado en pleno creando sus propios dispositivos cuánticos y trayendo de vuelta el estilo 'gabber".

Transmitiendo niveles precursores a los de la realidad actual tal como ella misma los ha percibido. Echémosle la culpa a la saga 20/21 y al estado global del planeta Tierra. Uno de los más altos dispositivos cuánticos imprescindibles en esos momentos en su reactivada etapa de decodificación cuántica, ha sido su natal Reykjavik/Islandia, junto a los suyos. Allí expandió su matriz de elementos a altos multi-decibeles de volúmenes sónicos. El resultado ha sido el brote de su tan esperado décimo álbum en estudio: "Fossora" (One Little Independence Records).

 portada del single "Atopos" 

Interactuando en su configuración energética y su codificación cuántica -ha sido lo que ha dado vida a su álbum en mención dentro de su circular iglú espectrasónico. Su nuevo primer anillo cuántico extraído en single titula: "Atopos". La pieza en si, literalmente, ha desorientado a sus seguidores. El hecho está en que ella siempre ha grabado un álbum diferente al predecesor. X lo mismo, el tiempo de recodificación también ha llegado para los fans. A permanecer en el estado de 'neutegridad' (neutralidad + integridad) para lograr ser un buen receptor de los neo códigos cuánticos que esta vez se trae BJÖRK y su inesperada mega compañía en familia e ingresando a tu sistema audio-receptivo. El álbum muestra su alto equilibrio psicológico y anímico con su conexión a tierra sopesando el confinamiento global. En Islandia, no fue tan estricto pero en el resto del mundo sí lo fue.



"Fossora" es un álbum orgánico y terrenal pleno en calidez. Un mundo de contraste en donde los 2 imanes son el clarinete bajo y los estrepitosos estallidos del estilo 'gabber' (que tanto difundí x las ondas hertzianas con aquellos compilados de la colección "Thunderdome" y otros). Virtuosismo y complejidad: adjetivos que siempre la han identificado. Aparte del persistente estilo "gabber', el objeto volador identificado (o.v.i) en álbum: "Fossora" incluye además canciones plenas en ternura: "Sorrowful Soil" y "Ancestress" dedicadas a Hildur Rúna Hauksdóttir - madre de BJÖRK que partió a los 72 años de edad. Letra expresada en el segundo tema nombrado:  "The machine of her/Breathed all night while she rested/Revealed her resilience/And then it didn't". Esta no es la primera vez, antes le había compuesto "Quicksand" cuando su madre había superado estar 6 días en coma años antes. Hildur fue activista ambiental cuando BJÖRK crecía y se fue a vivir a una comuna de hippies amantes de la música de JIMI HENDRIX. Siendo homeópata y  habiéndose formado su madre en Medicina Alternativa, no estaba muy complacida de verse rodeada x doctores de batas blancas ni imaginó ello cuando enfermó al final de sus días. Ella tristemente falleció en el año 2018.

 BJÖRK DE NIÑA Y SU MADRE


X otro lado, en "Her Mother's House" en realidad, un poema de la pescadora y nómada del siglo XVIII, Látra -Björg; contribuye la voz exquisita de SERPENTWITHFEET y coros x parte de sus hijos: Isadora y Sindri quienes le dan un tono muy prístino y folclórico.  H
ablando de sus hijos, BJÖRK aparece x instantes en la saga vikinga "The Northman" de Robert Eggers junto a Isadora quien interpreta a una esclava irlandesa llevada a Islandia. BJÖRK actúa como la vidente, con los ojos bajo caparazones de caracoles marinos al momento que profetiza una violenta muerte para Alexander Skarsgárd -protagonista en el film. 

SINDRI

ISADORA 


La terrenalidad en el disco es aplanada x el sexteto de clarinetes bajos del álbum, un instrumento escogido x debido  a su melancolía, como en la sexta Sinfonía de Mahler, ni x su lujo desvanecido, como la interpretación de Bennie Maupin en "Bitches Brew" de MILES DAVIS, sino x su potencial como artillería de percusión. Ella sugirió un sonido paralelo a PUBLIC ENEMY, ese duh-duh-duh-duh como boxeo. Luego está el techno duro. GABBER MODUS OPERANDI,  dos punkers indonesios que mezclan estilos folk como el gamelán balinés con abrasivos parloteos de occidente y harto noise. Cuando BJÖRK se comunicó vía una vídeollamada con ICAN HAREM y DJ KASIMYN x vez primera, explicó que 'estaba haciendo su álbum como cavar un hoyo en el suelo. Una especie de cable a tierra'. 
El dúo envio x mail sus ritmos, BJÖRK editó muy minuciosamente en los complicados compases de "Fossora", lo que resultó en explosiones de lo que el trío llama: biological techno (el mismo nombre de su grupo chat de WhatsApp). 
       


 "COMO CANTAUTORA, MI PAPEL ES EXPRESAR EL VIAJE DE MI CUERPO A MI ALMA. ESPERO SEA ASÍ HASTA MIS 85 AÑOS DE EDAD" (BJÖRK) 


"Fossora" es un álbum pacifista e idealista concebido a base de flautas, sintetizadores y cantos de aves. La palabra "Fossora" se basa en la palabra 'digger' en latín y está ligado al tema del álbum sobre la vida de los hongos, de las setas. El álbum"Fossora" con sus satélites de heliofísica bailable con la cantante de las esferas y auroras del arcoiris, disponible desde el otoño europeo. Algunas de las gemas sónicas incluídas: "Atopos", "Ancestress", "Her Mother's House", "Fungal City", como "Sorrowful Soil". Inesperado el choque de 2 galaxias: Isadora (o Doa) y Sindri con la nave nodriza: BJÖRK. 


Post -Neon Art ©Helene Ramos 


BJORK: CABLE A TIERRA EN ESTAS  RESPUESTAS


♦SUS DIAS DENTRO DE LA SAGA 20/21:

Como la mayoría de las personas en el planeta, he disfrutado estar en casa, echar raíces y ser visceral y táctil. Ha sido algo que me ha ido alejando un poco de la tecnología y más. Ver el cuerpo y las estaciones pasar, una especie de acercamiento a las cosas viscerales. 


♦EL RETORNO A LOS ESCENARIOS:

Estar sobre los escenarios después de una pausa de dos años ha sido muy loco. X lo general, los conciertos son diversos, pero esta vez estoy trabajando con el mismo sentimiento a través de ellos -aunque ahora los conciertos tienen diferentes temas.



♦EL CONFINAMIENTO EN SÍ: 

Nunca había pasado momentos tan increíbles como esos 18 meses de confinamiento. Despertarme todos los días en mi cama, siempre tan sorprendida conectada a tierra y tranquila. Reuniones en casa con los amigos, fiestas en la sala de estar hasta las 10 de la noche. Comer pudín de chocolate todos los días y caminar. Disfrutando al ver la piscina del lugar activa en Vesturbaejarlaugin. En todo ese tiempo en casa, no me habían engreído tanto desde que tuve 16 años de edad. 


♦SOBRE EL TITULO FOSSORA DEL ÁLBUM: 

El título "Fossora" del nuevo álbum se inspira en la palabra en latín fossora que significa persona que cava, excava y excava, busca en la tierra. Exactamente y en este caso, una excavadora en sentido y género femenino.


♦SETAS/HONGOS: FUENTE DE INSPIRACIÓN PARA EL ÁLBUM 

La dimensión más arraigada a la realidad de éste actual proyecto proviene de la inspiración encontrada en las setas, que define el tema principal del álbum y la palabra 'digger' en latín: de 'The Life of Fungi'. Lo defino como mi álbum sobre los hongos.


♦LUGAR DE GRABACIÓN DEL ÁLBUM: 

El álbum fue grabado durante y después del confinamiento en Islandia. Aproveché ese largo período para concentrarme y pulir el trabajo dedicado al álbum que debería ofrecer muchos títulos. ''Fossora'' se hace eco de "Utopia", pero describo el nuevo álbum como más terrenal que su predecesor, un álbum orgánico y muy espacioso. Natural.


♦EL ÁLBUM NO ES TAN EXPLÍCITO PARA LAS RAVES:

La música incluida se desarrolla en la marca de 80 y 90 BPM, debido a que esa es la velocidad en la cual camino. Me gusta escuchar música que comienza lentamente para luego ir aumentando sus beats por minuto.¡Wow!... y es cuando  empieza el baile. El álbum va en ese sentido.


EL GABBER DE RETORNO

El estilo "gabber' está viviendo su revival y con más fuerza, desde 2021. Palabra que se traduce como amigo o colega. Ello me trae a la mente, a Eduardo "Lalo" Ponce, quien me dio los horarios y lugares  en los cuales BJÖRK estaría durante su estancia en Lima/Perú. Así pude cruzar palabras con ella y conocer a todo su staff de la gira e incluida a su hija Isadora, una niña entonces, y cuyas facciones me recordaron de inmediato a Elizabeth Fraser (COCTEAU TWINS). Igualmente a su séquito en pleno: WONDERBRASS. Dos días  mágicos en los que pude entrevistar al baterista de la gira: CHRIS CORSANO ¡dentro de un taxi! (a MOUSE ON MARS fue en una Van), como cruzar palabras con DAMIAN TAYLOR, el ejecutante del Reactable.

Damian Taylor y Chris Corsano cuando estuvieron en Perú. 

Neon Post-Art: ©Helene Ramos


CÓMPLICES CÓSMICOS DURANTE LA CONJUNCIÓN PLANETARIA: BJÖRK. 

Todo ello pudo suceder teniendo como cómplice a Eduardo Ponce. X otro lado, otro de mis insignes amigos: Omar Lavalle quien había organizado un versus con otros bateristas en un mítico club de la Lima gótica, fue quien me hizo el conecte con CHRIS CORSANO. Día en que conocí a Franco Ortiz, dentro de la organización de la venida de BJÖRK a Lima, quien me indicara que ella y staff estarían en un restaurant de la Costa Verde e invitándome a ir. Fue igualmente él, quien más adelante me invitaría a una cena con Mike Peters (THE ALARM) en un evento en Lima, en honor a los músicos  sobrevivientes del cáncer. Todos han sido mega espectaculares momentos que aún están en mi vixor mental de memoria.


GIRA ESTRATOSFÉRICA 2022 

La gira que BJÖRK inicia pronto, la llevará al Primavera Sound en Buenos Aires. Estén atentos a las amplias escalas en esculturas sónicas de la continua visionaria visión infinita de BJÖRK. Alguna vez les dije al aire que cuando le solicité una entrevista virtual, recibí de vuelta en mi mail su auto entrevista en vídeo, y desde la puerta de su casa en Islandia cerca al mar en el barrio Vesturbaerinn. El martes 23 de agosto último, mi comunicación más reciente fue que confirmara, si "Atopos" era su neo single... y la confirmación salió publicada el miércoles 24 en sus redes sociales. La conexión está siempre allí de una u otra forma. BJÖRK siempre está con su cable a tierra y es tan simple y humana como alguna vez me lo dijeran igualmente otros de mis amigos cómplices en esto de la música: Johann Merel (la vio en un concierto electrónico en Londres) y Quique Romero, quien la vio y saludó cuando tomaba agua desde una pileta en Nueva York. (Época en que BJÖRK vivía y tenía su estudio de grabación en un barco, precisamente en NY). Cito todo esto y a los amigos cercanos para que aprecien y sientan que ella  no es tan inalcanzable como algunos piensan o dicen. Ni mucho menos con aires de diva. Mi testimonio para todos los que son sus seguidores. Los que quisieron lograr la hazaña del conecte y no lo lograron, no significa que otros no pudieran hacerlo. Algunos de los  bjorkianos dentro de su club de fans en Perú, los llevé también conmigo al otro día del primer encuentro, y uno de ellos fue quien tomara las respectivas fotos en el Swissotel. Hasta aquí el cósmico episodio. Esta es una de sus canciones eternamente fascinante:


BJÖRK: VENUS AS A BOY@THE BEAT UK TV1993. STOP!

jueves, 25 de agosto de 2022

Onanismo en frente de todos, ¿por qué no?



Sí, hombre: ¿por qué no? Pues la técnica es simple, los resultados  inmediatos, y todo el mundo sin excepción ha probado, prueba o probará esos placeres solitarios. Entonces, ¿por qué tiene que recaer sobre esta técnica tan vieja como el mundo y los hombres un peso tal de culpabilidad, una semejante carga cultural y social? ¿Cómo justificar el arsenal represivo que envuelve la masturbación? De hecho, no debería preocupar en modo alguno, puesto que entre el productor y el consumidor mal puede imaginarse la posibilidad de un conflicto, de un desacuerdo o un malentendido. 

El placer al alcance de la mano 

Onán pasa por ser el inventor del asunto -por lo menos si creemos lo  que dice la Biblia (Génesis 138, 9)- un día en el que Dios lo requirió para dar hijos a su cuñada que había enviudado recientemente. La ley era así, en la época: cuando una mujer perdía a su marido y se quedaba sin descendencia, el hermano del difunto velaba por la tarea y hacía nacer hijos que heredaban fortuna de su hermano fallecido. Para no engendrar en provecho de su cuñada, Onán se masturbaba antes de visitar a la esposa que aguardaba. 

Dios, al que no le gusta mucho que se burlen de él, menos aún que no se le obedezca, peor, que se piense primero en uno mismo, y de ninguna manera en la familia, en el linaje, maldijo a Onán y luego lo mató. Para caracterizar el pasatiempo de Onán -el vuestro, el nuestro, el de vuestros padres, de vuestros profesores...-, desde entonces se habla de onanismo. 

El psicoanálisis (ver el capítulo de la conciencia, pág. 224) ha probado lo natural que es la masturbación. Los etólogos muestran que, en el vientre materno, los niños practican movimientos destinados a procurarse placer. 

Muy pronto, pues, y según el orden de la naturaleza, el ser humano se da placer en la más absoluta de las inocencias. Más tarde, y a medida que el niño crece, los padres socializan a su prole y la conforman al molde de la sociedad. Se enseña entonces que la masturbación no es una buena cosa, más o menos claramente, más o menos violentamente, con una relativa calma en el mejor de los casos (padres afables y atentos), una violencia castradora en el peor (padres agresivos y sin delicadeza). Todos hemos sido desviados culturalmente de ese movimiento natural por los adultos, que han  condenado esta práctica o al gesto íntimo y secreto, o a la práctica culpable y peligrosa, errónea y pecaminosa. 

Porque la masturbación es natural y su represión cultural. La Iglesia,  muy pronto, condena esta práctica que la incomoda. La historia de Onán, el que agravia a Dios, se reutiliza según las necesidades de los siglos que pasan: se asocia el onanismo al pecado que hay que confesar, después, expiar, se lo compara con la mentira, el disimulo, la enfermedad, la perversión, se asocia a una negatividad perjudicial, de modo que, cuando aparecen las ganas, se las aleje de inmediato por miedo a cometer un pecado. La ciencia toma el relevo más tarde, en particular los especialistas en higiene, que asocian el placer solitario con la desintegración del equilibrio ¡nervioso, físico y psíquico! Los curas amenazaban a los masturbadores con el infierno, los médicos, con la debilidad psicológica y mental: prometían las  peores enfermedades para los enganchados a este deleite. 

¿Por qué razón la masturbación natural y reguladora de una sexualidad que no encuentra otras formas de expresión en el momento presente pasa a ser una falta que hay que pagar o una práctica deshonrosa, inconfesable e inconfensada, aunque cada uno recurra a ella de vez en cuando o regularmente? Porque la civilización se construye sobre la represión de las pulsiones naturales, las desvía, las utiliza para fines distintos de la satisfacción individual, para el mayor provecho de las actividades culturales y de  la civilización. Un onanista es un improductivo social, un solitario interesado en su solo goce, que no se preocupa por dar a su pulsión una forma socialmente reconocida y aceptable, a saber, la genitalidad (la relación sexual reducida al contacto de los órganos genitales) en una historia heterosexual (un hombre con una mujer), monógama (una pareja, no dos), que persigue la familia, el hogar, la procreación

¿Cubierto por la Seguridad Social?

Algunos filósofos se alzan -si se puede decir así- contra ese orden de  cosas: son los cínicos griegos (Diógenes de Sínope, Crates o Hiparquia, una de las escasas mujeres en esta actividad esencialmente masculina). Actúan, enseñan y profesan en Atenas, Grecia, en el siglo IV antes de Jesucristo. 

¿Su modelo? El perro [cynós, en griego], porque ladra contra los poderosos, muerde a los importantes y no reconoce otra autoridad que la naturaleza. Para los cínicos, la cultura consiste en imitar a la naturaleza, en permanecer lo más cerca posible de ella. De ahí su decisión de imitar al perro (o a otros animales por los que tienen especial afecto: el ratón, la rana, el pez, el gallo o un arenque atado al extremo de una cuerda...). 

Diógenes no ve por qué razón privarse de lo que proporciona bien y no perjudica al prójimo, o esconder lo que cada uno practica en la intimidad de su casa. Si la naturaleza propone, la cultura dispone: ¿y por qué deberíamos seguir siempre el sentido de la represión, de la culpabilización? ¿Por qué no aceptar culturalmente la naturaleza y lo que esta invita a hacer, puesto que no hay que temer ningún daño? Si tenemos sed o hambre, bebemos agua de la fuente o arrancamos un fruto de la higuera al alcance de la mano, sin que eso moleste a nadie... ¿Por qué cuando sentimos un deseo sexual, que es tan natural como el de beber o comer, deberíamos rehusar satisfacerlo u  ocultarnos para darle respuesta? No hay buenas razones para el sufrimiento culpable, para la vergüenza disimulada. El pudor es un falso valor, una virtud hipócrita, una mentira social que atormenta inútilmente el cuerpo produciendo malestar. 

La cultura sirve casi siempre a los intereses de la sociedad, ya que  necesita hacer de la sexualidad un asunto colectivo, comunitario y general. Porque, para la sociedad, la energía libidinal no debe complacer dos individualidades libres y que están de acuerdo, sino aspirar a la creación de la familia, célula básica de la comunidad. La masturbación es una actividad asocial, individual, antiproductiva para el grupo. Hace del placer un asunto gratuito entre uno mismo y su mismidad, y no una actividad remuneradora para la ciudad, pagada en forma de hogares creados. Señala la apropiación, cuando  no la reapropiación, de sí por sí, sin otra preocupación que su satisfacción egoísta. De ahí que el masturbador sea un enemigo declarado de las iglesias, los estados, las comunidades constituidas. Con su gesto, se hace amigo de sí mismo y da la espalda a las máquinas sociales consumidoras y devoradoras de energías individuales. 

Ahora bien, la masturbación es un factor personal de equilibrio psíquico cuando una sexualidad clásica y entre dos es imposible: en una pensión, una prisión, en un hospital, un hospicio, un cuartel, un asilo, allí donde alguien no satisface, o no suficientemente, su sexualidad con una tercera persona. El onanismo es la solución de los niños, los adolescentes, los viejos, los prisioneros, los militares, las gentes alejadas de su hogar o de sus hábitos, incumbe a los enfermos, a los excluidos, a los solteros voluntarios o no, a los  viudos y viudas, a los que tienen prohibido el placer sexual porque la época los considera muy jóvenes, demasiado viejos, demasiado feos, o no responden a los criterios del mercado social del placer. Incumbe también a la persona que no alcanza su plenitud con las formas clásicas y tradicionales de la sexualidad burguesa y occidental

Habitualmente, la civilización se alimenta del malestar de esos  individuos forzados a esta forma de sexualidad, alegre si es ocasional y elegida, desesperante cuando es regular y sufrida. El Trabajo, la Familia, la Patria, la Empresa, la Sociedad, el Colegio se alimentan de esas energías desplazadas, sublimadas: para la civilización, toda sexualidad debe perseguir las formas familiares tradicionales o compensarse con una mayor inversión en el juego y teatro mundanos —el orden, la jerarquía, la productividad, la competitividad, la conciencia profesional, etc

Masturbándose en la plaza pública (depende ahora de vosotros animar el patio de vuestro instituto...), Diógenes muestra a los poderosos de este mundo (Alejandro, por ejemplo) y a los transeúntes anónimos que su cuerpo, su energía, su sexualidad, su  placer no son vergonzosos, que les pertenece y no tienen por qué alienar su libertad en una historia colectiva. El onanista es un soltero social que da a la naturaleza un máximo de poder en su vida y concede a la cultura lo estrictamente necesario para una vida sin tropiezo y sin violencia con los otros.


MICHEL ONFRAY
Manual de Antifilosofía

martes, 23 de agosto de 2022

Reseña: PANDA BEAR & SONIC BOOM - Reset (Domino Recording, 2022)


Retrofuturismo de verano.

Objetivamente hablando, el disco firmado por Panda Bear y Sonic Boom suena más al primero y su banda de origen, Animal Collective, que a cualquiera de los proyectos donde Pete Kember aka Sonic Boom ha puesto su garra: atmósferas enrarecidas de psych rock bañadas de loops, electronalidades, voces en falsete y cadencias tropicales. En "Reset" han ido a por seguro, sin riesgos. Pleno de hits para radios alternativas, el estilema de Animal Collective luce explotado al máximo en un álbum que referencia tanto a Brian Wilson/Beach Boys como a Talking Heads y Eddie Cochran. Pop electrónico de melodías añejas -50s, 60s-, que a diferencia de unos Stereolab, ocultan la cuchilla innovadora en aras de un producto conservador, de filigrana lúdica y substancial. 

Presenciamos una simbiosis donde el maestro vibra con las lecciones aprendidas de/por Panda Bear aka Noah Lennox, pincelando mínimamente sus locuras. Esto es puro Animal Collective, o Silver Beach Boys = Silver Apples + Beach Boys, como expresaran en la entrevista para Freak Out! en Lima circa 2010. Retrofuturismo estival, óptimo para unas vacaciones en Cancún o, ya que estamos, en la Isla de la Fantasía. 


Como indica su nombre, "Reset", viene prescrito para afrontar tiempos como los que corren, ahíto de enfermedad, muerte y restricciones. Distópico y estimulante. REINICIAR.

Wilder Gonzales Agreda.


viernes, 19 de agosto de 2022

H R 3 0 0 1

X: HELENE RAMOS

PLANETA EXTRA PLUS. PÚLSARES ESPARCIDOS X LA GRAN GALAXIA DE SELLOS INDIE COMO UN DETECTOR DE ONDAS GRAVITACIONALES A1 ANTE TI. NUBES HECHAS DE GEMAS SÓNICAS VAPORIZADAS HACIA UN  SIN FIN DE EXOPLANETAS GRUPALES CONOCIDOS Y X CONOCER◼Esta es la escena más diversificada y amada en todo el planeta Tierra ¡Es literal!◼En 2 castillos de Trento/Italia, BRIAN ENO presenta: Audio Installation para Buonconsiglio y 77 Million Painting para Beseno. Desde el 19 de agosto al 10 de septiembre, 2 instalaciones site-sputnik del artista. Incluye pantalla de 1,500 metros cuadrados para la eximia proyección superpuesta y, en constante cambio, de 400 cuadros pintados x ENO (!) acompañados de su música ambient. Alucinaaaaaad y gánate: https://Images.app.goo.gl/cnGh1qrE6PxUY7Fs5


SUNNBRELLA se instala en tu mente como las auroras boreales impulsadas x tormentas deslumbrando a los proto astronautas observadores del cielo en toda la esfera. "Wrong" su reciente sencillo es una incursión que rasga el éter desde sus raíces bedroom-pop.  David Zbirka nació en Praga, mientras que su banda fue tomando forma en su habitación en Londres. La producción logra una belleza resplandeciente más que merecedora de comparación con COCTEAU TWINS - acto que define el género. "Wrong" estabiliza su fuente junto a favor del viento desde unos SLOWDIVE, a MY BLOODY VALENTINE en la arenosa playa del shoegaze, un lugar perfecto. Su sonido envolvente evoca imágenes multi-paradisíacas nebulosas, riffs de guitarras inmersivas empapadas en alta modulación, evolucionando sutilmente pero sin nunca perder su impulso. Los riffs distorsionados provocan un clímax dando valor a su macro laberinto arremolinado de texturas. Belleza auditiva y guitar delicious sin duda alguna◼


BREATHLESS. No hay otro lema más adecuado, sino el elegido como el nombre de la banda para describir la onírica y atormentada mezcla de psicodelia, shoegaze, dream-pop y darkwave con que el  grupo londinense se ha identificado. Integrado x Dominic Appleton, Ari Neufeld, Gary Mundi y Tristram Latimer Sayer. La banda pertenece a esa estirpe de músicos carismáticos x la inspiración y la coherencia, y sin embargo tímidos y casi intimidados ante la muestra de aprecio de sus seguidores. Su álbum "See Those Colours Fly" contiene, en sus 45 minutos, la apuesta compositiva más madura a su previo trabajo. Los 9 capítulos se suceden como una suite imaginaria, entre referencias a la música cósmica alemana y a los primeros PINK FLOYD. "The City Never Sleeps" o elegantes  citas de "Party's Not Over" ligan con la temporada dorada del sello 4AD que bautizó al supergrupo THIS MORTAL COIL, del que formó  parte Dominic Appleton. Este su álbum, es una apoteosis armónica en la melancólica y conmovedora pieza en vena dream-pop/shoegaze: "Let Me Down Gently". El tema "Somewhere Out Reach" rememora a los GALAXIE 500, rozando finalnente la difusa frontera entre materia y sueño al final con: "I Watch You Sleep". Estallidos en vuelos celestes como vórtices sonoros tanto post-humano como poético◼


GRAZER, integrado por Matt y Mollie llegan al fin a su disco debut que confirma la maestría absoluta de la dupla australiana: "Melancholics Anonymus". Su dream-pop es sinuoso, cautivador, juega con las sombras y los claroscuros más que con los clásicas sensaciones oníricas. El track " I Want Control", es todo un encanto auditivo que captura teniendo a THE CURE, como inspiración tanto como en "These Days Pass Me By". Dale click  https://youtu.be/oNbA8uNJrEo◼ Al unísono: PANDA BEAR  y SONIC BOOM arremeten con un neo single y respectivo clip: "Danger" -dirigido x Fernanda Pereira. Pieza basada en un sampling de un disco de THE EVERLY BROTHERS cuyo clip sumerge sus tramas en una evidente atmósfera psicodélica, con unas bailarinas atravesadas x los láseres de un club nocturno vintage y con los rostros de ambos: Noah Lennox y Peter Kember superpuestos. El disco en sí, es una forma de subrayar su propósito: el placer de compartir otro mundo hecho de inclusión y dicha. No cito la new age habitual sino de la visión psíquica de dos inspirados viajeros perdidos en algún universo paralelo en el cual, tanto EVERLY BROTHERS y EDDIE COCHRAN son ectoplasmas luminosos. Una pieza como un imán interestelar brillando con Júpiter, Saturno y Urano a la vez◼Lucho Pacora y Alonso Almenara como moderadores en el Foro sobre Periodismo Musical en el marco de Corriente-Mercado Internacional de la Música. La cita importante es este 31 de Agosto en Ministerio de Cultura/San Borja (2:30 pm a 4:00 pm). Preciso cuando la orfandad de medios escritos especializados no precisamente abundan, tampoco programas radiales o televisivos que marquen la pauta◼


Libros que trascienden y que pasan x mis manos y mi mente dejando aromas de efervescencia vivida y ampliamente difundida : EXMACHINA - Historia Musical de Nuestra Extinción /Valerio Mattioli. En la introducción leo: "Soy un lector ideal de este libro extraordinario": SIMON REYNOLDS. Valerio Mattioli ha elegido la coyuntura histórica actual, el espíritu de la época para este libro. La historia artística de APHEX TWIN,  AUTECHRE y BOARDS OF CANADA, es una buena forma de decir lo que plantea este libro en su enjambre. El discurso parte de la eclosión del techno, la cultura rave e IDM en un período histórico que, en la dinámica de expectativas y temores x la inminente transición al neo milenio, vio como la tecnología se internaba cada vez más y más con los temas grandes y pequeños. Seres humanos, dictando todos ellos, los tiempos, la agenda y las posibilidades de la vida cotidiana, superponiendo progresivamente las prácticas habituales -de comunicación y socialidad a primeras- hasta el punto de sustituirlas x una versión más evolucionada de ellas. EXMACHINA - Historia Musical de Nuestra Extinción es un subtítulo que puede resultar desconcertante, lo mismo ocurre con esa fórmula inescrutable reproducida en la contraportada. Como escribe Simon Reynolds en la introducción, en el corazón del volumen hay una especie de "impresión extáticamente paranoica de que la música es independiente de los diseños humanos y tiene su propia agenda oscura. No fueron los humanos quienes hicieron la música, fue la música la que hace y deshace a los humanos como categoría". Título original: EXMACHINA - Storia Musicale Della Nostra Estinzione 1992>00◼ 


AUTECHRE continúa x doquier con su saga de presentaciones estelares e igualmente APHEX TWIN como BOARDS OF CANADA.

Post-Arte/Neón: Helene Ramos

SYLVAN ESSO promueve "No Sandy Rules" (Loma Vista). Álbum que destila electrónica reflexiva y suaves ecos dance, enmarcadas en ritmos a menudo minimalistas. La voz de Amelia Meath apoyada en pleno con sintetizadores y cajas de ritmos que crean un fondo sonoro esencial y verdadero en "Echo Party" y "Alarm". Los SYLVAN ESSO de 2022 no van en búsqueda de la melodía a toda costa, prefieren tejer tramas angulosas que crecen lentamente y en la distancia salvo quizás en "Didnt Care" más tradicional y x ello elegido como single. Un álbum no lineal que abarca todas las rarezas de estar vivo y tiene sus mejores ideas en "Cloud Walker" y "Sunburn". Un 'work in progress' que cambia de forma con una frecuencia innata incorporando mensajes de voz y voces infalibles como grabaciones de sonidos propalados x animales. Audio: https:// youtu.be/jKU2PGmU7hw

HATER - "Sincere" (Fire Records). Grabado en 2021 en Malmo, el álbum ha sido producido x Joakim Lindberg y masterizado x John Cornfield (RIDE, THE STONE ROSES, MUSE...). El disco cuenta x primera vez en grabación, con la participación de los 2 nuevos integrantes de la formación sueca, el bajista Frederic Rundquist y el baterista Rasmus Andersson, sección rítmica de la banda post-punk FEWS. Aprécialos: https://youtu.be/7XaWg3eLZQY X su parte, Caroline Landahl podría llevarte a esos paraísos no fiscales de COCTEAU TWINS, LUSH y PALE SAINTS. "Sincere" permite observar a HATER moverse en múltiples direcciones con buena intensidad. Me envuelve su mesmerizante tono ensoñador. Highly Recommended◼


DAVE GAHAN y MARTIN LEE GORE, han publicado un post para informar que están de vuelta en el estudio de grabación: "Encontrar estabilidad en lo que conocemos y amamos enfocándonos en lo que le da sentido y propósito a la vida -un  propósito: componer música bajo el nombre compartido con ANDREW FLETCHER durante tantos años"◼ROYEL OTIS - "Egg Beater" incluído en su álbum "Bar & Grill", ascendentes temas que x estos días pululan en mi radar mental supra escarchado. La escena cada vez crece:  https://youtu.be/SlaaWKoVwY◼Un encanto escuchar igualmente: "Wade past all those times you recalled on line/Just can't help yourself..." parte de la lírica de "Mirage" de la banda SOFT TOP INTREPID◼Hasta aquí la cita en este maravilloso zafiro, la Tierra. Para los que saben apreciarla y ven: con sus plantas, animales,  árboles, el aire, los mares, su cielo exento de químicos y los astros, sus arco iris y auroras boreales, sus razas y humanidad consciente de pensamientos nobles y de alta vibración. Aunque... existe un zafiro más bello que este planeta que algún día lo alcanzaremos si realmente deseamos estar... ¡precisamente allí! Así que quien sea sensitivo siempre se descubrirá a sí mismo◼STOP!

TAMBIÉN TE PUEDE INTERESAR:

Vanguardia Peruana & Sonidos Contemporáneos: WILDER GONZALES AGREDA - VANGUARDIA PERMANENTE O CUANDO LA FÍSICA DEL UNIVERSO PLASMA SINTONIZA CON EL BIOCAMPO HUMANO (peruavantgarde.blogspot.com)

NOVEDADES AGOSTO 2022: Novo disco de Wil Volador, Bitchin' Bajas, entrevistas y +

Q tal droners!

Primero q todo les comento q recién descubrí, cortesía de los playlists enlazados a mi música en Spotify, este proyecto psicodélico experimental de Chicago, BITCHIN' BAJAS. Llevan varios años en el ruedo, a lo menos más de 10 años, y han publicado en sellos tales como Drag City, Duophonic e Important Records. A seguir les dejo con dos alucinantes rodajas de estos lokos.


Resulta que esta semana publiqué mi tercer álbum de este año. "Perdido" (Superspace Records, 2022) colecta sonidos que he estado haciendo desde hace años, a los que he pasado por diversos efectos de software. El disco es harto aislacionista y ambient drónico. Noté también que tiene cierto símil a lo q eran los conciertos de Fractal circa 99, 98. Como q, inconscientemente, se va cerrando un círculo. 


Hace poco, los chikos de República Sónica, un programa de la FM chilena, me entrevistaron sobre mi carrera y sobre los Spacemen 3, la conversa fue harto agradable y fraterna. Lo emiten mañana, sábado 20, a las 8 p.m. de Perú vía WWW.ZONAFM.CL


Les recomiendo checar mi nueva review para ConciertosPeru sobre el sonido loko de AMALIYA GROUP, vía 1000Hz Records. Un álbum q con su trance drone tribal está destinado para espíritus inquietosPor Wilder Gonzales Agreda.

En la escena global en la que respiramos, tal como brillan los “artistas” alumbrados por el marketing y asuntos accesorios a la música como Arte y, si se quiere, como manifestación de lo sublime -tranqui bro, acá también disfrutamos de Rosalía y Karol G-, decía que así como abundan tales mercenarios musicales habitan también quemados, locos y desquiciados que dan la contra y persisten en sonar siguiendo su instinto, tirando a la basura los preceptos que dictan lo que debe o no ser. Existen, incluso, otros chiflados que les apoyan y publican sus maravillas. Como diría Helene Ramos, “Dios los cría y ellos se juntan”.

Descubrí esta joya de Nobukazu Takemura, del 2001. Sublime. (También conocí este álbum por recomendaciones del Spotify enlazados con mis canciones. Ah! y también descubrí HELDON)



Mi sonido me sale natural. No es q sea/o trate de ser insolente o algo así. Pasa q desde q comencé a crear "música" mis influencias no han sido ni Björk o Pavement sino FLYING SAUCER ATTACK, SPACEMEN 3, TONY CONRAD, etc. Por cierto, mañana ya sale mi nuevo álbum, "PERDIDO" (Superspace Records, 2022)

WIL METAMÚSICA

miércoles, 17 de agosto de 2022

MIGUEL ÁNGEL "CHINO BURGA" INTERVIÚ :. No me interesa lo que pasa en la escena musical ni siquiera en lo under. Hago lo mío y me concentro en eso.


Estoy seguro que para los asiduos de da blog, Miguel Ángel "Chino Burga" no necesita introducción, igual como somos re-melómanos y tercos, allí vamos. Empezó su decurso sónico en Ácidos Acme, una banda noise-rock que mostraba simpatía por Sonic Youth y otras yerbas. Tras ello y luego de formaciones como Azul en Silencio y Claroscuro, funda Espira -cuyo sublime "Bajo tus sueños" EP (1996), según muchos, no tiene nada que envidiar a Slowdive- y participa como complotador, junto a otras "almas" -como Christian Galarreta, Aldo Castillejos, et al.- de la escena shoegaze post-rocker de mediados de los 90, Crisálida Sónica. Desde entonces el Chino ha transportado su música hacia terrenos más pesados y rockistas. V.g.: La Ira de Dios, Culto al Qóndor, Necromongo -qué buen nombre este último, ¡ja!. Algunos años hace, Burga retomaría la senda del pastel psicodélico usando como alias el sugerente nick 3 AM. Finalmente, en estos días edita etéreas rodajas de introspección y kosmische guitarrorista bajo el nombre que le conocemos todos: Chino Burga. Hablamos con él sobre su extensa carrera, sus músicas preferidas y un poco más. 

Como sentenciaran Loop: "Too real to feel".

Gracias por la entrevista Chino. Cuéntanos, has estado publicando vinilos y discos en modo solista con un sonido kosmische generado por guitarras, feedback y más. ¿En qué estás hoy 2022? o ¿Cómo has asimilado o devenido tu paso por bandas tales como La Ira de Dios, Culto al Qóndor, Necromongo, etc?

Siempre he visto mi carrera como una espiral, donde puedo pasar por el mismo punto pero ya con con más amplitud… más experiencia…Espira me llevo a La Ira… La Ira a Qondor y Qondor a donde estoy ahorita. Con La Ira empecé a moverme por la escena internacional de psicodelia y luego con 3AM y Culto al Qondor me he mantenido activo en esa escena hasta hoy, que sigo editando ya bajo mi nombre. Si bien lo que hago actualmente no se parece mucho a 3AM o La Ira, creo q alguna conexión hay con Espira del Electr-Om, pero que efectivamente ha tenido q pasar LaIra/3AM/CaQ para llegar a esto.

¿Cuál es el set up con el que has ejecutado tus últimos discos, “Aero/Ouro”, “Invokaciones”, et al.?

Mi guitarra y algunos pedales, básicamente distorsiones y efectos de ecos (entiéndase delays y reverb). Por ahí he utilizado alguna percusión electrónica aleatoria y paro de contar… y de cantar, ya que por el momento siento la necesidad de estar en silencio… un silencio necesario en épocas donde las susceptibilidades por las opiniones han llegado a un nivel a mi parecer sumamente innecesario, así como la inmediatez y rapidez de las cosas actualmente. El ir en silencio y a mi tiempo es casi una postura política para mí, si no filosófica o hasta espiritual.


¿Qué quieres expresar con tu sonido? O, dicho de otro modo, ¿por qué haces 
música?

Actualmente lo que busco es ser un puente entre el receptor y lo q Grinberg llama la red, basándome en sonoridades andinas muy, pero muy dilatadas y reverberadas donde se pierde el concepto de tiempo y por ende (luego) el espacio… el concepto de tiempo o tempo, o la falta de este, me llama mucho la atención, no me importa la  velocidad a la que voy, si es muy rápida o muy lenta.. al final se vuelve un todo, como apunta Garnier, por lo que trato que mi música sea un espacio liminal para el oyente.

Cuéntanos sobre aquella anécdota que narrabas en redes, la de conocer al man de Spacemen 3, Sonic Boom.

A él lo conocí brevemente en un festival en Bélgica donde compartimos cartel y terminamos prestándole el bajo a Carruthers porque temía reventar las cuerdas del suyo. Ellos iban como Spectrum. Luego le escribí un par de veces a Sonic y en una le  conté sobre esa experiencia con el ladrón de mi walkman… se rió de la historia y le gusto.

Tu opinión sobre el shoegaze metal, al cual creo que se le conoce también como black shoegaze.

La verdad no conozco el tema.

Han pasado largos 25 años desde que participaste con Espira, en el k7 “Compilación I” (1997) de Crisálida Sónica y en la escena shoegaze post-rocker de entonces. En una anterior entrevista, hace varios años, en Perú Avantgardemencionabas que pasabas por un momento mentalmente difícil aquellos días, lo cual varios ni lo notamos, pues siempre estabas risueño o volando con la música,  como algunas fotos atestiguan. ¿Qué te han dejado de legado los días de Espira, Claroscuro, Azul en Silencio y de la Crisálida en general para tu carrera como músico y, quizás, tus procesos como humano?

Supongo q por afuera flores y por dentro temblores… la depresión es una enfermedad silenciosa y si la mezclas con adicciones es una bomba de tiempo. De vuelta… el silencio ha sido una medicina para mí en los últimos años, me permitió erradicar muchas cosas q no necesitaba más conmigo. Y sobre la música de esos años, supongo que me han quedado las ganas siempre por experimentar con el  instrumento q tenga. No soy ningún virtuoso de la guitarra, pero creo haber armado mi propio estilo, a partir de ciertas influencias como Labradford, Flying Saucer Attack, Seefeel o Windy and Carl (entre muchas otras cosas) y creo también haber podido desarrollarlo a través de los años y no quedarme estático en una sola formula.

¿Cuál fue el mejor concierto que presenciaste en esos días crisálidos?

Supongo q cualquier concierto de Hipnoascención se lleva ese titulo.

Tienes en alta estima el “E.Muss” de Evamuss según apuntabas alguna vez. Además de ese registro ¿qué otros documentos recomendarías de la era o de los proyectos posteriores de los involucrados en Crisálida Sónica?

Recuerdo que el disco de Girálea me gustaba bastante, igual los discos de Serpentina Satélite.

¿My Bloody Valentine o Slowdive?

Uuuh…. difícil…. si bien los Slowdive tienen una discografía alucinante, creo q nadie gana en avance sonoro a los MBV, lo que hacían con las guitarras desde el Ecstasy and Wine ya era un paso delante del resto. El Isn’t Anything es mi favorito de ellos y junto al Playing with Fire y al Fade Out es lo mejor que se hizo en la segunda mitad de los 80s, a opinión personal, claro.

Hoy gran parte de los nuevos músicos edifican sus carreras enfocándose ante todo en el marketing. ¿Cuál es tu opinión acerca de la gentrificación de la cultura underground, de la cual la música no es excepción?

Te soy sincero… no estoy al tanto ni me interesa estarlo, sobre lo que pase en la cultura underground. Yo hago lo mío y me concentro en eso. No estoy enterado de lo q pasa en la escena musical actual, ni siquiera en el underground. Irónicamente ando escuchando mucha música nueva para mi pero que no es nueva en lo absoluto. Ando muy pegado con Mark Fry, Robbie Basho y Bobby Frank Brown.

¿Qué discos o proyectos estás escuchando por estos días?

Pues a parte de los mencionados.... Karen Dalton... John Fahey... Sibille Baier... Mucho garage 60s asiático o latino.... blues como Henry Thomas o Abner Jay... y hillbilly como The Carter Family.

Proyectos futuros y palabras finales.

Seguir en lo mío.

 ¡Gracias por la entrevista Chino! Saludos desde el cono norte.

Abrazo desde el Ande.


domingo, 14 de agosto de 2022

VISIONES :. El "Playing With Fire" de SPACEMEN 3 explotando nuestras cabezas


Spacemen 3 fue una banda que marcó a la escena avantgarde de los 90 limeña. Si bien éramos una minoría -los integrantes de Crisálida Sónica, y me refiero no solo a los músicos sino también a los colegas activistas-, el remezón fue tal que, pasadas las décadas, el aguijón de los Spacemen se percibe en los discos, compilados y algunas de las neo-bandas que han surgido desde los 90.

La primera vez que los escuché fue en un ensayo con Hipnoascensión, circa 1994 en San Felipe (Comas), cuando coverearon "Lord can you hear me?". Instantáneamente sentí que la canción me hablaba a mi: súper espiritual y etérea, portaba también un halo psicodélico que los emparentaba con Velvet Underground, por ejemplo. Por ese entonces contaba con solo 17 años e hice que un amigo del colegio, Richard Huamán, se grabara otro tema de ellos en uno de sus mixtapes. Para mi suerte el track en cuestión fue "How does it feel?". El enganche, de nuevo, fue inmediato. Fui entonces a la tienda en Los Pinos (Miraflores) de Eduardo Lenti a solicitar se me grabe el álbum completo.

El "Playing With Fire", así en cinta, lo degusté miles de veces. Esos trémolos hipnotizantes, las voces y estilemas de Kember y Pierce tan diferentes y hermanados a la vez, sus mantras tóxicos de las que, varias calendas después, Cocó Silvania/Ciëlo me diría "yo veo rosas con Spacemen 3". Un océano de fuego bautismal. El medio -trémolos, acid rock, gospel bliss, minimalismo recalcitrante- es el mensaje y el mensaje era "colócate y escoge esto". Y, déjenme decirles, yo les creí. Desde ese momento me convertí en un cadete espacial y elevé al nivel de maestro espiritual a Sonic Boom. No me da vergüenza decirlo hoy, décadas después, y cuando la situación, evidentemente, es otra.

Fue así que hice y he hecho todo lo que creé durante los 90. Avalonia, Fractal, El Conejo de Gaia. Crisálida Sónica. Vivir en fantasía fue lo máximo. Pagarlo no. Realmente.

Pete Kember y Jason Pierce, la dupla que alumbró las canciones "pop" más proyectadas de los 80. Eran gemelos esos weones, como dijo Paco, nuestro broder de Zárate, quien traía discos y casettes a la gente de La Colmena. Hijos ilustres de Rugby, un pueblo gris de Inglaterra, tal cual lo puede ser, salvando estrictas diferencias, cualquier suburbio o arrabal sudaca. 

Jason y Sonic, antes de terminar mandándose a la mierda, nos legaron esta Biblia Psicodélica como testimonio de lo que podemos ser "todos los niños arruinados de este mundo". Su posición en la Historia de la Música no lo mueve nadie.


ALGUNOS MELÓMANOS DE LA ESCENA DECLARAN SOBRE LO QUE FUE PARA ELL@S EL "PLAYING WITH FIRE" (1989) DE SPACEMEN 3


LUXSIE
(22 años, Lima, Perú)
[música y artista visual]

Descubrí el "Playing With Fire" en el 2018 por una recomendación de youtube, estaba escuchando "Some velvet morning" de Primal Scream, mientras scrolleaba para buscar nueva música, me llamó la atención la portada de colores pasteles que tenía escrito “purity love suicide accuracy revolution” y al centro “playing with fire”, me parecía bien irónico en ese momento de mi vida leer esas palabras, hasta que le doy click y la canción que empezó a sonar fue HOW DOES IT FEEL? 

Creo que fue uno de los pocos momentos donde experimente concentración pura, me sentía presente, se sentía como estar caminando, como subiendo montañas y verificando al mismo tiempo si existía señal de las torres de energía, todo eso sentía estando tirada en la cama. Lo que experimenté fue un sentimiento que tenía un 60% amor, 20% perplejidad, 15% curiosidad y 5% esperanza. Mientras respondía estas preguntas me puse a escuchar de nuevo How does it feel, y me hace ruido la línea “Cos what I see, it's pure heaven to me So tell me, are you for real?”, me hace pensar que quizá estoy soñando despierta, definitivamente esa canción me lleva a un estado liminal. 

"Playing with fire" es como una carta colectiva abierta al mundo, donde desglosa confusión, amor y libertad. No solo por las letras tan sinceras que te cantan como si estuvieras en alguna especie de ceremonia de cacao, sino que el mismo sonido del delay/tremolo en las guitarras te hacen sentir la vibración de la siguiente acción que vas a tomar, la distorsión del rasgueo en seco en “Lord can you hear me?” para mi fue un reencuentro con prioridades que he dejado abandonadas desde infancia, no se si desde vidas pasadas a esta, pero si muchas heridas que no tomaba atención. Este álbum no solo es una invitación a la muerte de la versión más horrenda que hayas tenido, sino también con “Revolution” disfrutas la libertad de ser/hacer lo que desees, que puedes elegir no estar sujeto al tiempo, mientras tu escribas la siguiente línea en tu canción puedes también darle un giro completo a tu vida y decidir el cambio, el comienzo.


ANDRÉS BUZOLIC (43 años, Punta Arenas, Chile)
[músico]

"Playing With Fire" lo escuché a través de descarga en la web. No había acceso inmediato para comprarlo en alguna disquería. Llegué a él un poco tarde, alrededor del año 98, luego de descubrir a Spiritualized, sobre todo con el disco en vivo del Albert Hall. A primera escucha me pareció un disco con una propuesta rupturista y ruidosa, heredero de nuestros queridos Velvets, sobre todo en su primera mitad. El uso y hasta abuso del trémolo me pareció que era el tipo de canciones que yo quería hacer si tenía una banda. También la forma de vocalizar, ese desgano que arroja poesía provocativa y a la vez naif.

En un disco iniciático, aunque suene cliché, después de este disco en cuanto a tus gustos nada volverá a ser igual. Los Spacemen en este disco mezclan ruidismo con hermosas melodías y hasta una vocación pop. Me cuesta reconocer un segmento del disco que me guste más que otro, debo señalar que el arranque me vuela la cabeza y creo que es el signo común en todos los discos que tengo de cabecera. Todo buen disco tiene tremendo arranque.

Un disco que pasa del gospel a la experimentación, un disco que es un mantra eterno, pero que nunca se vuelve plano o monótono, para mí también tiene una elegancia maravillosa este disco, es la elegancia auténtica, con muy poco dinero.


RENATO (29 años, San Miguel, Lima)
[Traductor]

La primera vez fue en una noche que no me acuerdo mucho lamentablemente, hace como 10 años tratando de buscar música mediante los medios que podía ya que la economía no me acompañaba del todo. Fueron momentos oscuros en mi vida que espero no vuelvan a suceder pero pienso deben quemarse las etapas para surgir. La primera vez estaba días sin dormir bajando y descubriendo música y de inmediato me atrapó el shoegaze a diferencia de mi banda de ese entonces que se inclinaban en sus influencias más a bandas post punk o new wave de los 80s.

"Playing With Fire" me enseñó mucho a aceptar otros géneros, ya que este álbum fue muy raro por sus sonidos. Tal como fue la primera vez que escuché el "Psychocandy" de los JAMC. Sí que cambie musicalmente hablando y mucho. Me encanta el ruido y las melodías hasta psicodélicas del disco. 

Si pudiera hablar con Spacemen 3 les diría que lo lograron, rompieron con todo tipo de fronteras, cambiaron muchas vidas en el término musical.


RODRIGO OMAR RUIZ LOPEZ (46 años, Sao Paulo, Brazil)
[Administrador de Media Audiovisual]

Escuché el PLAYING WITH FIRE, de un cassette prestado por un amigo del Chino Burga (3am) en los años 90, el cassette pertenecía a UMMAFUMMA, no me acuerdo de su nombre, pero él había dicho que el UMMAGUMMA de Pink Floyd debía llamarse UMMAFUMMA.

Ya escuchábamos SPACEMEN con el Chato Juan Casella y Wilder Gonzales (U de Lima), pero había escuchado los primeros álbumes como "Sound of Confusion" y los singles.

Recuerdo estar regresando en tren del aeropuerto de Roma (Fiumicino) cuando coloqué el cassette en mi walkman. Había despedido a un amigo en el aeropuerto después de una noche larga de UMMAFUMMA. Allí en la mañana de un sol naciente de Agosto escuche HONEY, que por cierto retumbaba en ms orejas, solo para ser remplazado por COME DOWN SOFTLY TO MY SOUL. Donde ya inmediatamente cerré los ojos.

La verdad lo asimilé últimamente con la edición del sello Superior Viaduct que, en los últimos 2 años, ha re-lanzado esta joya en vinilo y otros más de los Spacemen 3.

En el Verano del 97 los proyectos individuales de los integrantes (en este caso Sonic Boom) ya habían llegado a mis orejas, digamos que todo era medio relacionado, solo después fue que decidí armar una colección física de la trayectoria de los Spacemen y Sonic Boom. Habíamos ya escuchado el FOREVER ALIEN. Puedo también hablar de lo que he escuchado y leído del PLAYING with FIRE, pero no seria justo ese BLA BLA BLA, porque no sabía mucho acerca de los aspectos de producción del álbum. Solo puedo describir lo que sentía en ese entonces, una 'rejection' de lo standard y común que me envolvía en ese entonces, la piratería era cultura, y lo que recibíamos era por parte de grabaciones en cassete e ibas a la casa de tu pata a escuchar los álbumes que habían llegado, sea por correo, o por Galerías Brasil o por la tienda de Eduardo Lecca: Música Selecta. No conocía profundamente las influencias generales de los Spacemen 3, solo después que descubriría Suicide o MC5 o Kraftwerk.

Me estoneaba para escuchar, ayudaba mucho, pero lo más importante era la paciencia que debías tener para asimilar estos documentos sonoros. Sin paciencia, sin amor a la música , no hubiera llegado a entender la hipnomonotonía. Era un trance, una especie de DERVISH sonoro. Era lo que buscaba y lo que vino después de escuchar y coleccionar psicodelia.

Este álbum me influenció y me hizo buscar las influencias de los Spacemen en sus diferentes etapas. Ahora que escucho consigo relacionar las influencias. Después de Spacemen 3 nada sería igual en mi relación con la Música. Después de Spacemen descubriría el KRAUTROCK , INDUSTRIAL MUSIC, MINIMALISM de LOS 90.

Fueron mi piedra angular para meterme en la caja de pandora y cerrarla para mi propio deleite. También ya venía de una influencia literaria beatnik, más que todo William Burroughs y su almuerzo desnudo. Solo después descubrí el DREAM MACHINE de BYRON GYSIN, que evangélicamente se casa con la hipnomonotonía de los Spacemen.


HORACIO FERRO (38 años, Santiago, Chile)
[bajista en El Purpurado de Charol]

Cuando entré a la universidad me tocó ser compañero de carrera de Mario Varas Arévalo, quien es quizás mejor conocido por su proyecto indie lo-fi Calostro, & recuerdo que él usaba a menudo una polera de la banda (Spacemen 3) que había pintado él mismo a mano.

Mario es de las primeras personas en mostrarme música alternativa (en esa época el internet era mucho más precario, piensa que en un momento por ese entonces la gente me pagaba por buscarle álbumes en Soulseek & grabárselos en CD-R, porque se les hacía engorroso buscarlos ellos mismos), & con él aprendí un montón.

Recuerdo que cuando los escuché por primera vez me hizo mucho sentido lo que oí. Fueron fundamentales para la postura ideológica que en adelante comencé a desarrollar a la hora de pensar en sonidos & presentarme en vivo. Eso de mantener una nota sostenida durante media hora, sin progresión melódica, simplemente transitando por las texturas del sonido, me hacía caer en una suerte de eternidad de  bolsillo cada vez que los escuchaba. Suspender la existencia, una suerte de anestesia sonora. Si la psicodelia era el correlato sonoro a los psicoactivos, esto me remitía a los opioides.

Por ese entonces con un amigo teníamos un blog donde reseñábamos música, recuerdo que reseñé no este disco sino el Taking Drugs to Make Music to Take Drugs to (1990) [Tomar drogas para hacer música para tomar drogas], pero aún así siento que el texto funciona perfectamente para resolver esta pregunta. Te lo copio (le pregunté a google el sitio sigue existiendo, así que lo tengo a mano), pues creo  que, pese a ser medio pueril, siento que comunica mejor el entusiasmo que las primeras escuchas de esta banda me provocaron, & creo que no hay mejor promoción que el entusiasmo:

El shoegaze es la manera en que se reinterpretó la música psicódelica y hippie, desde un contexto postpunk. Es decir, toma de lo primero la forma musical, que busca más la generación de un ambiente contemplativo que una progresión en sus temas; mientras que de lo segundo toma la exploración en el sonido y en las maneras en que se pueden utilizar los instrumentos, heredada de la estética punk —sobretodo aquella parte del punk que mejor se nutrió del minimalismo de la Velvet Underground, proveniente a su vez de La Monte Young, que lo tomó de John Cage, quien lo desarrolló a partir de los postulados estéticos que yacían inmanentes en la música de Erik Satie, de quien André Bretón dijo que, pese a que el surrealismo repudiaba la música, su música era surrealista, y yo creo que lo dijo porque, mientras todos los músicos de la época componían para una burguesía sentada en los palcos de una recámara de concierto, Satie tocaba en cabarets y vodeviles, no para que su  música fuera el centro de atención del público para que luego lo aplaudieran y lo congratularan y lo premiaran y poder vivir de socialité en socialité, sino para pasar desapercibido y propiciar con su música un ambiente perfecto para que los borrachos que pululaban por el lugar se sintieran cómodos mientras hacían todo eso que la gente va a hacer cuando va a un cabaret—.

El título de este disco —una colección de demos y B-Sides del Sound of Confusion (1986), primer disco de la banda— es una suerte de ars poética que xplica muy bien el origen, el método y fin hacia el que apunta el shoegaze. Spacemen 3 son los padres del shoegaze. En vez de realizar supermegaconciertos pirotécnicos para que los aplaudieran y los congratularan y los premiaran y poder vivir como rockstars por el resto de su vida, los Spacemen 3 se sentaban en el suelo —con un espectáculo lumínico barato pero efectivo— para pasar desapercibidos y propiciar con su música un ambiente perfecto para que todos los narcófilos que pululaban por el lugar se sintieran cómodos mientras hacían todo eso que la gente va a hacer cuando va a un concierto shoegaze. El espíritu de Satie sigue vivo.

Creo que de no haber sido por ellos no me hubiera aventurado a hacer música. Tras escucharlos con mis amigos formamos una banda, básicamente abandonamos los estudios & nos juntábamos a meter ruido 5-8 horas diarias durante como dos años. De esas improvisaciones luego surgiría la banda que tengo ahora, El Purpurado de Charol. Hace unas semanas tocamos en vivo, & al terminar de tocar, se me acercó alguien a preguntarme si no me aburría mantener la misma figura mínima & repetitiva en el bajo durante 5-10 minutos por canción. & mira la coincidencia, no me acordaba de esto cuando comencé a responder estas preguntas, les respondí que ese era el espíritu de Spacemen 3. Soy pésimo citando, así que los parafraseé: Tres notas es un exceso. Dos notas está bien. Pero una nota, ahí está el meollo.


“Tres acordes bien, dos acordes mejor, un acorde lo mejor de todo”
SONIC BOOM





Un disco parido por dos tipos desde un pueblo de mierda reinventando el rock and roll. Sí, rock and roll y no rockkkk con toda su arrogancia. Dos gemelos jugando con fuego y con nuestro ego, enseñándonos que el largo camino a casa tiene de aullido y desafinaciones, como de gospel y mantra.
ANDRÉS BUZOLIC

Los Spacemen fueron muy importantes como piedra angular en lo que se refiere al otro lado de la música. Aquel lado que me salvo de lo banal.
RODRIGO RUIZ

Formulario de contacto

Nombre

Correo electrónico *

Mensaje *

SUPPORT PERU AVANTGARDE////APOYA LA AVANZADA PERUVIANA

PROMO DEL CD DE FRACTAL

barbarismos

barbarismos
El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.

...

...

realismo capitalista peruano, ¡ja, ja!

rojo 2

es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo

En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez. «Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.


MARK FISHER.

perú post indie

Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños.
Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo...
Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?


FRED ROHNER
Historia Secreta del Perú 2

as it is when it was

sonido es sonido

sonido es sonido

pura miel

nogzales der wil

RETROMANÍA

"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia." SIMON REYNOLDS Retromanía

kpunk

las cosas como son

las cosas como son

las cosas como son II

las cosas como son II