Quemados existen en todo el globo y como solía decir Helene Ramos en la radio cuando llegaban las bandas de Crisálida a realizar sesiones, "Dios los cría, y ellos se juntan". Desde Iberia, concretamente desde la ciudad norteña de Bilbao, nos alcanzan tremendo documento decorado al milímetro, cuyos 32 minutos se tuercen terminando en viajesaso. Tal el poder de esta dupla que, muy acertadamente, se hacen llamar LO PROFUNDO.
Como referentes, vaya que los hay, podríamos citar desde Dif Juz, esa filia indie post punk clara en las divagaciones y plegarias del cantante, hasta los últimos Labradford y, por ende, sus connacionales Balago. Pasan de meseta en meseta con una facilidad que hará añicos la psique de varios. Van apertrechados para ello de efectos e instrumentación ad hoc: el camino recorrido brota por todos los poros. "LoProfundo -apuntan en bandcamp- nace como respuesta a una propuesta de concierto para la inauguración del espacio Obrador en Rekalde Larraskitu en octubre de 2022. Se trabaja entonces durante un mes y medio en la composición de un único track que va evolucionando y pasando por distintas fases hasta llegar a un éxtasis en forma de 'rave'".
Una rave ceremonial necesaria para sacudirnos de advenedizos y hipsters, del mercado en resumen. Más que una rave, una liturgia de sonidos fluyendo cual navíos en ultramar, de tempestades, tragedias y horizontes. Piano Magic + Arab Strap.
Localizado en Uganda el sello Nyege Nyege Tapes distribuye artistas pan africanos orientados al folk y a la electrónica. Anoche tuve el placer de atiborrarme de jolgorio y asombro con las mutaciones del disco de Jako Maron, "The electro Maloya experiments of Jako Maron". Natal de Réunion una isla en el Océano Índico, Maron cultiva el estilo Maloya, usado en el siglo XIX por los pueblos esclavizados de Madagascar y África Occidental. Debido a la fuerza de su sonido y a representar a la clase baja oprimida el gobierno francés prohibió la Maloya en 1946, levantando la censura solo a inicios de los 70.
Este álbum compila trabajos elaborados entre los años 2006 y 2015 y es una re-interpretación de la Maloya, a saber, una amalgama trance percutiva escasa de armonías, ejecutada con sintetizadores modulares y cajas de ritmos. El resultado es emocionante. Como un Pan Sonic africano o un Drexciya en reflexión de una experiencia inenarrable. Un sonido que captura y hermana a los desplazados del sistema, a los N N, a los subalternos de todos los tiempos.
Si originalmente Maloya servía para comunicarse entre esclavizados, a la manera de un diálogo de llamada - respuesta, la actualización electrónica del señor Maron es una llamada a la protesta esperando una respuesta afirmativa del ser, de luchar por la libertad en un mundo diseñado por los de arriba para aprovecharse sempiternamente de la clase baja. No se necesitan gritos ni consignas, estos sonidos comunican rupturas del "orden", significan revueltas reales y prolongadas.
Después de todo y, como hemos venido avisando en este blog -ahí están Tonga Boys o Bonie Lulegan- la gente a la que todo el mundo estuvo robando, humillando y saqueando vienen por lo suyo y tal parece que no hay IA, ni algoritmos que los detengan. Un patadón a tu cabeza, un grito experimental y electrónico de sublevación.
El abismo que separa a la COCA-MAMA de la COCA-INA es la mejor expresión de la diferencia entre nuestra Sabiduría holista Andina milenaria y la globalista Ciencia occidental, que nos imponen ahora.
Los actuales Maquiritares, caribes venezolanos, han conservado la tradición de cómo fue la invasión occidental y recuerdan que el término "Caníbal" significa en realidad "Bañoro", que es sinónimo de español, porque estos europeos fueron los únicos que comieron carne humana:
"Recordando la historia de la conquista de Venezuela por los europeos, no nos extraña que se haya conservado semejante idea.
Debido al hambre los españoles arreaban tropas de indios, preferentemente mujeres y niños, como alimento para sus incursiones por la selva en pos de oro.
¡Es una de las páginas más negras de la conquista de América!"
Sin embargo, en el caso hipotético, no probado, que se hubiesen hecho sacrificios humanos en el Cerro Sechín; ¿por qué no se hace un análisis antropológico comparado de otros hechos paralelos similares sucedidos en Euro-Asia, o por qué no se toma en cuenta que en la antigüedad todas las culturas del mundo tenían un concepto diferente de la relación Vida-Muerte...?
Se olvida que, por tradición secular, Abraham iba a degollar a su hijo y ofrecerlo a su dios como una ofrenda quemada en la cumbre de un cerro. Fray Gregorio afirma que lo quemó, porque así era la costumbre hebrea.*
En todo caso las muertes rituales y los sacrificIos humanos propiciatorios que ofrecían a sus divinidades las culturas antiguas, en un esfuerzo por lograr el bienestar de sus comunidades, tenían mucho más sentido que los actuales genocidios de las Guerras Mundiales europeas, de Hiroshima, Vietnam, Camboya, Serbia, Palestina y las brutales matanzas colonialistas en los pueblos de Amerindia, Irak y Afganistán.
Todos ellos son genocidios ejecutados en nombre de la pureza racial, la democracia, el socialismo, los dogmas, las religiones, el control de la natalidad, el fundamentalismo, el narcoterrorismo y otros pretextos que se inventan los mismos "civilizados" fariseos que se "horrorizan" luego, de las criptografías de Sechín.
Bertrand Russell, matemático, filósofo y sagaz observador de sus tiempos, llegó a la conclusión que la aplicación de la Ciencia es inmensamente dañina:
"La ciencia, hasta ahora, ha sido usada para tres propósitos: para aumentar la producción total de mercancías, para hacer más destructivas las guerras y para sustituir por diversiones triviales aquellas que tenían algún valor artístico o de higiene mental. El incremento en la producción total, aún cuando tenía importancia hace cien años, se ha hecho ahora mucho menos importante que el incremento del ocio y la sabia dirección de la producción".
Occidente nUnca aceptó que la CULTURA primordialmente es una respuesta a la GEOGRAFIA, tildando a esta realidad como "determinismo aleatorio".
Por ello nuestra Cosmovisión Andina y nuestros mitos fueron catalogados peyorativamente con el adjetivo de "caóticos"... y no se equivocaron porque, la Nueva Ciencia Fractálica ha entendido que el
Cosmos, en cambio permanente, funciona por leyes deterministas, irregulares y aleatorias . . .
A esta forma Correcta de entender la realidad la llarmamos CAOS.
EI CAOS es conceptuado actualmente como la NO ACEPTACION del "orden" socrático, teonómico, bíblico y epifánico, irmpuesto por la iglesia dominante y luego racionalizado dogmáticamente por la iglesia dominante y luego racionalizado cartesianamente como real, ... ¡sin serlo!
Se me ha pedido en redes sentar postura e incluso salir a marchar y plegarme al paro de hoy -y mañana y pasado mañana- de manera fehaciente.
El paro está bacán, sería idiota no apoyar. Todo lo que vaya contra el lumpen, sean criminales chicos o los grandasos de uniform, cuello y corbata, se apoya. Como ya dije no participé en las manifestaciones de los 90/2000 contra Fujimori y tampoco ahora porque no me encuentro ni mucho menos me siento a gusto formando parte de una masa. Lo detesto naturalmente. Ya se trate de ver a la selección o a la "U" en el estadio et al. No es lo mío. Tampoco los tragos y la moda de chupa y lucha. Mi forma de activar, crear resistencia y cambios va por el lado interior, más sublime quizá, pero también duradero, el cambio de mentalidades, el remezón mental/espiritual.
Es ese uno de los motivos, que no solo me provocaron visiones adolescentes sino que me movieron a fabricar propios proyectos musicales. No tal cual ahora se estila para sentirme "orgullosísimo" de hacer música o por alucinarme un artista pro. Cojudeces.
Y la verdad tampoco sé porque apelan a mí como si uno fuera Zaratustra o fuese imperioso que Wilder vaya y haga acto de presencia allí. Tíos, sépanlo, a mi no solo el sistema me parece injusto y una kk pero incluso nosotros mismos como seres, personas somos un adefesio, merecemos que se nos borre de la faz del Cosmos. Tan así que no quiero prolongar mis genes ni descendencia en este lugar de m13rda.
Bacán, viva la revolución, manifiéstense y escojan bien los artistas que apoyan y consumen también que no solo yendo a los paros se forjan las transformaciones sociales o ¿crees que para que suceda 1789 no existieron soñadores y próceres que idearon y poetizaron ideales inauditos? Santa simplicidad.
Penetrante y loco folk desde Ontario (Canadá) para bardos quemados.
Piith es el proyecto del canadiense Chris Love quien arropado por compañeros de vuelo, "una banda rotativa de canallas", construye discos de freak folk psicodélico en onda Red Crayola conoce a Animal Collective. Su "Sweet sweet morning" fue publicado el 2016 y vaya que pasó desapercibido por el radar de los medios -este blog incluído-. Hoy hemos venido a resarcir ese error.
Ideal para pasarte de vueltas o si eres fan de Beach Boys y Silver Apples, los paisajes de fábulas metafísicas de Piith (substancia, médula) son una puesta al día de los ideales hippies sesentones. Ruido, amor y electrónica mediante. Cuelan samples y violines en algunos tracks. Todo bien alucinado y feeling. Que no solo de shoegaze y minimalismo está hecha la vida post.
Representante de la New Weird Canada, Piith (o Pith) es un proyecto que deberías seguir si lo tuyo es la música para elevar la psique y dejar lejos bien lejos la manada pueril. Lo más cojonudo de este man, pone su disco en bandcamp para descarga gratuita = name your price y no tiene ni una puta review/comentario en rate your music, ni existe en discogs. Así estamos mundo.
...Con mis varios grupos -los distintos conjuntos de intérpretes que formaban The Theatre of Eternal Music-, fui trabajando con miras a hacer performances cada vez más largas en una noche e instalaciones cada vez más grandes, hasta llegar al punto, a comienzos de los setenta, de salir de gira con entre seis y ocho músicos, dos proyeccionistas de diapositivas, un técnico, un tour manager y dos toneladas de equipamiento electrónico. Necesitábamos una semana para montar todo, así que teníamos que estar en el lugar durante una semana, y luego tres días más para desarmar todo. Era realmente un gran despliegue".
En 1973, Young, Marian Zazeela y Pandit Pran Nath fueron invitados a la primera edición del festival italiano East West. La Monte propuso montar su "Dream House para una performance de la pieza en la que estaba trabajando en ese momento -o, mejor dicho, en la que venía trabajando los últimos siete años: Map of 49's Dream The Two Systems of Eleven Sets of Galactic Intervals Ornamental Lightyears Tracery. Pero el promotor le pidió algo nuevo y La Monte tuvo que poner las cosas en claro. "Esto no es un supermercado", le dijo, "donde hoy puedes comprar tomates, mañana lechuga y al día siguiente un litro de leche. Esto es en lo que realmente estoy trabajando, y lo que realmente quiero hacer". El promotor aceptó la crítica, pero le dijo que de todas formas lo que proponía estaba fuera de su presupuesto. La Monte le hizo escuchar entonces la grabación de una pieza que requería una semana de preparación para afinar el piano e instalar el entorno de luces de Marian: The Well Tuned Piano [El piano bien afinado]. El promotor aceptó, y el estreno de tres horas en Roma le terminó gustando tanto que le encargó dos conciertos más y compró un piano para que La Monte lo dejara afinado para siempre y le pusiera su firma. "Quedé, pues, completamente absorbido en The Well Tuned Piano", continúa. "Durante un tiempo resultó también menos costoso de montar que 'Dream House'. Tal como lo veíamos. era solo el piano y tal vez cuatro de nosotros: yo para tocar, Marian para hacer las luces, el afinador y un ingeniero de grabación"
A medida que la pieza se fue desarrollando en su ejecución, la duración de cada concierto trepó de tres a cuatro horas. El tiempo de preparación se extendió a un mes, entre la afinación y los ensayos en el lugar de la performance. "Si quieres describir el movimiento de algún cuerpo planetario, la frecuencia de su órbita, no lo estudias solo por cinco o diez años, tienes que mirar hacia atrás en la historia y ver qué decían al respecto los viejos astrónomos. De alguna manera, a través del Trio For Strings y, un poco antes de este, de la sección media de Four Brass, me sentí inspirado para comenzar a escribir tonos largos y prolongados. Definitivamente estaba escuchando música clásica de la India y música gagaku japonesa. Cuando entré en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) estudié musicología. El departamento tenía una orquesta gagaku de estudiantes, y fue también durante esos años que escuché la primera grabación de Ali Akbar Khan, en el sello Ang Records, con Yehudi Menuhin de presentador. Cuando lo escuché en la radio salí literalmente corriendo, me subí al coche y manejé hasta la disquería Music City en Hollywood para comprarme el disco, que en los días siguientes escuché durante horas y horas. De hecho, estaba viviendo en la casa de mi abuela en Los Ángeles y el disco la sacaba de quicio. Decía que era música de opiómanos.
»De niño me encantaba pararme a escuchar las centrales eléctricas. Antes de mis cuatro años, mi padre tenía un trabajo en Montpelier, Idaho. Trabajaba para el padre de mi madre, el abuelo Grandy, que era dueño de una distribuidora de gas propano que abastecía a toda la zona con grandes camiones. Y al lado de la plana de almacenamiento había una central eléctrica. Emitía un zumbido constante. Amaba quedarme allí escuchando. Tengo el recuerdo incluso de estar jugando encima de los tanques de gas y sentarme al rayo del sol a escuchar esta cosa zumbar. Recuerdo otra vez que me paré cerca de los transformadores de alta tensión en Bern, Idaho, la localidad donde nací. También me encantaba escuchar el canto de los grillos. Por supuesto, la primera experiencia sonora temprana fue el sonido del viento que soplaba desde el lago Bear y envolvía la cabaña de madera en la que nací. Creo que lo que realmente sucedió fue una confluencia de toda esta información, que luego fue puesta en funcionamiento por mi exposición a la música oriental y por el hecho de que el mundo había empezado a encogerse con la llegada la era electrónica.
Gustavo Lamas es un artista electrónico presente en la escena bonaerense desde los 90. Fraguó discos para sellos argentinos y germanos en onda techno ambient hasta avanzado los dos miles. Le conocí cortesía de Pablo Reche, otro escultor sónico ché, allá por el 2002. Por ese entonces no sabía que Lamas estaba elaborando un sonido techno bastante etéreo y dub, así son las discontinuidades entre nuestras escenas latinoamericanas. Tiempo después pude escuchar, ¡gracias Internet!, delicias como los eps "Mañana", "Celeste" y "Brotes" que me pasmaron por completo. Después de todo este tiempo y tras haber integrado Mezcla junto a Ismael Pinkler el 2013, Gustavo surfea sereno las redes, prepara columnas quincenales para un programa de radio y aguarda por el momento preciso para lanzarnos a descubrir nuevos mensajes electrosónicos.
Gracias por concedernos la entrevista Gustavo. Coméntanos sobre tus inicios, ¿qué escuchabas en el barrio/colegio y cómo empezaste en la música alternativa y electrónica?
Siempre me gustó la música y el rock desde muy chico. Recuerdo bailar a los Bee Gees a los 4 años en un casamiento familiar. Siempre me atrajeron los discos, los cassettes y lo que sea relacionado a la música cuando iba a una casa me tiraba a ver la discoteca. Para mi cumpleaños, navidad o lo que fuera, el mejor regalo era música. De muy chico estuve bastante atrapado por el Rock de Argentina que tuvo un gran auge desde principios de los 80´s. A los 15 empecé a pasar música con un compañero del Colegio y ahí ya comenzó mi gusto por la música tecno, el incipiente house y creo que fue un gran momento de la música para crecer sin muchos prejuicios y muy abierto a lo nuevo. Recién en el 91 siento que comencé a tener un gusto más determinado y a poder separar la paja del trigo. Coincidió con un gran momento de clubes en Buenos Aires y una nueva camada del rock con bandas como Babasónicos. Los Brujos, Martes Menta y otros. A mediados de los 90s ya estaba más involucrado con la escena de raves, djs hasta que me pude comprar mi primer sampler y comencé a hacer mis primeros bocetos que tuvieron unos años de proceso hasta que empecé a mostrarlos. En el 97 hice mi primer CDR.
Coméntanos sobre las formaciones en que has participado, tu proyecto solista usando tu propio nombre y cómo realizaron el contacto con la gente del sello alemán Kompakt.
Yo de adolescente tuve bandas que nunca llegamos ni a grabar más en plan pop y rock independiente. La última fue Capital del Espacio en la que ya tocaba el sampler en su última formación. De ahí comencé un recorrido siempre con mi propio nombre a partir de 1997.
Los otros proyectos que tuve son Rascacielos junto a Leo García y Mezcla con Ismael Pinkler. Pero nunca usé otros nombres ni seudónimos para editar mis discos. Grabé un primer CD llamado “Disperso” de manera independiente y el paso siguiente fue en 1999 donde edité en el sello Frágil Discos de Argentina y Traum de Alemania. A los sellos alemanes llego por medio del Instituto Goethe y de los djs que venían a Buenos Aires de la mano del crítico y amigo Pablo Schanton. Él siempre les mostraba música de Argentina y favorecía ese puente entre Buenos Aires y la escena de Colonia, Alemania con muchos djs de allá que nos visitaron y tocaron acá en Argentina. Primero fue con Triple R y Anima en Traum y luego Michael Mayer de Kompakt.
Grafícanos por favor la escena de la llamada Buenos Aliens.
Buenos aliens es un sitio web con transmisiones en vivo y una agenda completísima de todas las fechas de música electrónica en el país. Este sitio fue fundamental para mostrar todo tipo de música electrónica en un momento que apenas existía la banda ancha, la gente se conectaba por ICQ y el concepto de streaming era una rareza. Yo toqué varias veces ahí y siempre que me invitaron compartí mi música a través de ellos. Todavía están los archivos de esas participaciones. En cuanto a escena es difícil describir la escena de Buenos Aires porque hay diferentes momentos. Yo puedo hablar más desde mi experiencia. De alguna manera participé en la escena de productores locales que hacíamos música en un principio no tan orientada a la pista, sino que también incursioné en el ambient y otras músicas para escuchar, menos orientadas a la pista de baile. Eso con el tiempo se fue mezclando y pude compartir más con djs. Incluso tuve una etapa que mi música estuvo más enfocada en las pistas, pero siempre con mi impronta y la dificultad de hacer un set en vivo con temas propios en una discoteca. En los últimos años dejé eso un poco de lado y me dediqué más a mi costado como dj y musicalizador que siempre me tiene con la inquietud de escuchar música nueva o revalorizar perlas perdidas de otras épocas.
Recuerdo haberte conocido allá por el 2002 en un breve viaje a tu ciudad, cuando trabajabas en una tienda de discos y me recomendaste el CD de Pommerenck, uno de los tesoros que conservo hasta hoy. Además de la música electrónica, ¿qué otras actividades concitan tu interés? ¿Cómo es un día en la vida de Gustavo Lamas?
Bueno. Me alegro porque justo ese cd de Frágil es un perla que ya está descatalogado y yo no lo tengo. Ese era el proyecto electrónico de Migue Castro de Victoria Mil que ahora toca como Un.
Soy bastante monotemático y obsesivo con la música así que el resto de las cosas son un complemento. Viviendo en un país con tantas dificultades también sigo bastante la política, pero es una cuestión que parecería casi sin arreglo por estas latitudes. Tengo un trabajo formal relacionado con las Redes Sociales así que eso me exige estar informado y ver lo que ocurre en ese mundo. Y soy bastante obsesivo con informarme sobre estar al tanto de las novedades musicales. Tengo una metodología que va de leer determinados sitios a armar playlist por temporadas con mis favoritos. Además en mi estudio tengo mi colección de cds y vinilos en la que escucho de todo. Tengo épocas que puedo estar escuchando música de los 70´s como cosas actuales. Además parte de todo eso lo vuelco en mi columna de radio que se llama "Las Pistas Mareantes"; dentro del programa Discorama de Mario Mengoni que va los sábados a las 22 h por Radio con Vos. Yo estoy cada dos semanas con novedades.
¿Cuáles son los discos que te rompieron el cerebro y/o que podrías recomendar a los lectores del blog?
Uhhh qué difícil. Esto va cambiando todo el tiempo. Pero podría nombrarte los discos que me impulsaron a hacer música propia. “Fox Base Alpha” de Saint Etienne es un disco de canciones basadas en el sampler y es uno de mis favoritos de todos los tiempos. El disco “Life´s A Gas” de Love Inc uno de los tantos proyectos de Wolfgang Voigt es otro que siempre nombro y donde está toda la cosa del sampler más la música electrónica y de pista que más me influenció. “3 Feet High and Rising” de De La Soul también otro que tiene que ver con el sampling y como componer desde la información y pondría “Conga” de Daniel Melero, un disco definitivo en mi deformación musical que me impulsó a hacer mis primeros experimentos. Nombro estos pero en casa tengo muchos discos y voy cambiando de favoritos todo el tiempo. Ahora escucho más por streaming y estoy siempre atento. Este año me gustaron mucho Bolis Pupul, el de Space Dimension Controller, Floating Points, Soela, Frank & Tony, el de Kaytranada y K Lone, Axel Boman y el Brat de Charli XCX que es música pop de los rankings, pero siempre me gusta lo que hace ella.
¿Cómo ha cambiado la escena bonaerense desde que empezaste hacia fines de los 90 al día de hoy?
Bueno es difícil ser objetivo porque siempre tiene que ver con los momentos de efervescencia que uno vive cuando arranca y se desarrolla. La escena fue cambiando bastante desde una escena de artistas y compositores que duró hasta mediados de los 2000 que muchos editamos en sellos como Casa del Puente, muchos artistas más nuevos desarrollaron algo más internacional, muchos se fueron a vivir a ciudades como Berlín. Pero siempre hay una noche muy activa y cosas interesantes. Yo siempre que puedo voy a ver a los Djs Pareja que son de mis djs favoritos y siempre están vigentes con sus fiestas Fun Fun y otras.
¿Cómo ves el futuro cultural artístico de Argentina bajo el paraguas del régimen de Milei y lo que se les viene?
Creo que hay una crisis muy grande. Es un año muy difícil donde la plata no alcanza para nada y la situación social es muy dura. Eso afecta a todo. Hay cierta confrontación con el mundo de la cultura que hace todo peor aún. Creo que la música siempre logra moverse más allá de las políticas culturales estatales y hacer la suya. Pero es imposible no reflejar la crisis general que nos afecta en el día a día.
Estuvimos escuchando tu proyecto Mezcla del 2013, en comandita con Ismael Pinkler, suena bien chill y tech house como para relajar, ¿en qué estás creativamente hoy 2024? ¿Qué grupos o proyectos actuales te animarías a recomendarnos?
Sí, ese material lo hicimos juntos con Ismael y fue un gran momento para salir un poco de nuestros proyectos solistas que siempre tiene una cuota de cierta soledad y te puede llevar a repetirte y explorar ese camino a dúo estuvo muy bien. Ahora Ismael acaba de sacar un disco basado en el piano que lo super recomiendo, también los tracks de Tom Tom Clubber, Betas y las producciones de los djs Pareja. Este año también me gustó mucho el trabajo que estuvo haciendo Lucas Martí que sacó cuatro discos en las las plataformas de Streaming que son como Soundtracks de acontecimientos históricos de argentina. También siempre le presto a la escena de noise y ambient local: me gustan Pablo Reche, Federico Durand y Eric Olsen. Ya que estamos en plan de recomendaciones podria señalar el último disco de Melero Ultracromático y su libro “Incierto y Sinuoso”, donde están volcadas gran parte de sus ideas y su historia que es muy inspiradora.
Planes futuros y palabras finales.
En este momento estoy más abocado a la tarea de musicalizador como dj y con mi columna de radio “Las Pistas Mareantes” en Discorama, el programa de Mario Mengoni, pero tengo ganas de retomar la composición y hay unos tracks ahí seleccionados que posiblemente salgan a flote en cuanto les pueda dar una mezcla final.
SUPPORT PERU AVANTGARDE////APOYA LA AVANZADA PERUVIANA
PROMO DEL CD DE FRACTAL
barbarismos
El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.
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realismo capitalista peruano, ¡ja, ja!
rojo 2
es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo
En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez.
«Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.
MARK FISHER.
perú post indie
Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños. Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo... Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?
FRED ROHNER Historia Secreta del Perú 2
as it is when it was
sonido es sonido
pura miel
nogzales der wil
RETROMANÍA
"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia."
SIMON REYNOLDS
Retromanía
kpunk
No olvidar qué somos.
Llegó Julio, mes patrio. Y con él, vuelven las viejas preguntas de cuándo se jodió el país. Carátula del tratado anónimo atribuido a Mariano Machado de Chaves, "Estado político del reino del Perú”, de 1747 (citado por Alfonso Quiroz en "Historia de la corrupción en el Perú", 2013).
las cosas como son
Joe says
"En un principio los "rockeros" ,no eran funcionales a los gobiernos de turno.., de echo el rock se caracterizo por ser una contracultura a todo eso, sin importar kien fuese el ladron en el sillón .., pero con el pasar de los tiempos y el amiguismo a cambio de favores, la bancada de viajes a festivales al exterior ,los hospedajes gratuitos en hoteles y miles de mierdas mas a cambio de no hablar mal del k este de turno, es lo k hizo k hoy en dia el político y el rockero se peinen juntos para la foto.
Los k estámos afuera de eso, somos "odiadores o envidiosos" , según el criterio de muchos (publico) k SI hablan x hablar y defienden a kienes ni saben pk están en donde están.
Vuelan ,giran , comen y beben gracias a los impuestos ke les pagan odiadores como yo 😁
Siempre voy a elegir no cerrar mi maldita boca y solo conseguir con esto k se me cierren mil puertas y ke me odien y me corten la cara mil veces más , prefiero eso a ser un careta.
Hablando d esto ..¿vieron el documental de NICHETO??) ..,estaba esperando k alguien la tire, pero ya fue .., yo ya me prendí fuego 🔥 hace rato .., así k la tiro yo , total una mancha más al tigre k le hace?..
me importa un huevo lo k piensen de mi y k me desfenestren ,como se k lo van a hacer después de este posteo 🙂.., me kedo con la primer época aquella en la k no se compartía la foto..
INDIE fuertes , indie esto , indie otro blsbla ,ESO NO ES INDIPENDENCIA , eso es amiguismo puro y propaganda pagada x mi bolsillo y x el de muchos miles de otros ke muchas veces e irónicamente ,no tienen un mango ni para cargar la sube para ir a tocar, o ni pueden cambiar su encordado x uno nuevo k no les corte los dedos, etc)
Vengan de a uno o d a miles.. me chupa un huevo - repito.
También espero ver kien respalda lo k digo , pk según tengo entendido serian muchos.
NO SEAN CARETONES!! 👊
Los tiempos cambiaron, es hora de empezar a hablar con la verdad y decir las cosas como son.
Y sino de ultima k la guita de cultura se reparta para todos los miles de trabajadores de la música y no solo para los amigos de los de turno no?..
A todo esto, x otro lado ¿cuando NICHETO fue aguante del under o lo k mierda sea ke intentan mentir en este documental de
juguetería????"
- JOE DIXEXION
2020
