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MUKI REC

SSR

viernes, 24 de septiembre de 2021

Por la plata baila el mono



...Expansivos por la inercia bárbara del impulso que las había empujado hacia el sur, de las tierras frías a las cálidas, de la pobreza hacia la riqueza y de la barbarie a la civilización, los clanes y tribus occidentales hicieron su propio camino hacia la tierra prometida y, como el antecedente bíblico, reemplazaron el dios del cielo por el dios del dinero sin abandonar su materialismo bárbaro y su magia mítica. Ya no fue exaltada la comunidad sino el individualismo, ya no la fraternidad sino la competencia; no la estabilidad de la espera de una resurrección de entre los muertos, sino la desesperación por el éxito inmediato; el aquí y ahora, no la eternidad. Un mito reemplazó al otro y el proyecto de saqueo del mundo conocido y por conocer reemplazó a la utopía de la hermandad cristiana. La racionalidad de Aristóteles fue la ideología que desplazó al idealismo de Platón; el tomismo, la ortodoxia que sirvió para poner en segundo plano a San Agustín. El misticismo fue transformándose en razón instrumental. El humanismo de Erasmo o de Tomás Moro, inspirado por América, debió coexistir con el fanatismo luterano, calvinista o de la Inquisición. El juicio a Jesús se repitió en los juicios contra Moro, Giordano Bruno y Galileo. Callarse, aceptar o morir.

La adicción a lo no necesario es esencia de lo «occidental»

La campaña guerrera por la satisfacción de necesidades básicas acabó convirtiéndose en la adicción insaciable a las necesidades «no necesarias» que menciona Heidegger. Poco a poco la sociedad europea se convirtió en «occidental» y empezó el proceso que culminaría marcando sus características hasta el siglo XX: una base económica capitalista (la adoración del becerro de oro, el imperio del capital), un sistema productor de infinitas mercancías no necesarias, la conversión de los seres humanos en mercancías (a la vez esclavos en Norteamérica, siervos indígenas en centro y Sudamérica y obreros «voluntarios» y formalmente libres atados al salario en Europa), un sistema político basado en el mito de la representación: derecho al sufragio y democracia que oculta la dictadura de los poderes económicos; y, ya al final del siglo XX, el gran mito del pensamiento único neoliberal (sin alternativa) sustentado en un supuesto y apolítico «sentido común».

Algo impulsaba a los occidentales a expandirse por el mundo, igual que lo habían hecho antes los hunos, los mongoles, después los árabes y todos los pueblos migrantes en otras áreas del planeta. Manchas de aceite expandiéndose sobre sociedades débiles e inermes. Como ellos, la necesidad de sobrevivir los empujaba hacia sus periferias y no reconocían fronteras. Pero había una diferencia sustancial. Los pueblos «primitivos», «salvajes», «bárbaros» se desplazaban para poder seguir viviendo. Las aventuras occidentales tenían como objetivo el enriquecimiento rápido e individual, la búsqueda de oro, el lujo material, adicciones que ya se habían apoderado de su mundo. El dios dinero encadenaba a sus súbditos mediante la adicción ilimitada al oro, la riqueza y el poder. Un mundo de codicia causado por un mundo de adicciones. Adicción al tabaco, al té, al opio, a las joyas, las piedras preciosas y al oro. Fueron estas adicciones las que sembraron las bases de la rentabilidad en el capitalismo.

Para los pueblos orientales y las civilizaciones americanas el oro sólo tenía un valor de uso: ceremonial, artístico o de ornato. 

Para el capitalismo temprano, empezó a contener un valor de cambio. Fenómeno similar pasó con el tabaco, los alucinógenos, el alcohol, el caucho. De roles sociales útiles o inocentes, pasaron a convertirse en aciagos motivos de vicio, guerra y explotación cuando entraron al mercado. La economía empezó a convertirse en monetaria aunque Maurice Dobb, en sus ya citados estudios sobre los orígenes del capitalismo, advierte que debe evitarse el error de concebir la época feudal como si el comercio hubiera desaparecido por entero y se desconociera totalmente el uso del dinero. 

Si América pasó de los tiempos precolombinos a los modernos a través del trauma de la violación y la conquista, los pueblos de Europa tuvieron que hacer el mismo tránsito de una edad a otra como víctimas de la propiedad privada, la industria y el capitalismo. Y África se convirtió en una gran mina de esclavos. Los americanos originarios fueron perseguidos y exterminados por las armas o los virus. Europa fue empobrecida, sus recursos naturales también fueron saqueados y su población fue sometida a la esclavitud del salario obrero luego de ser despojada. Hubo una Europa rica y otra pobre, una Europa feudal y burguesa y otra explotada y rebelde. Es bueno que los americanos dejemos de pensar en aquella Europa como una entidad homogénea y maciza cuando, en realidad, estuvo atravesada por una explotación y desigualdad similar a la que nos tocó padecer.


HÉCTOR BÉJAR
Historia del Perú para descontentos
2020

jueves, 23 de septiembre de 2021

MARCELO MELLADO INTERVIÚ :. Deteniendo el Tiempo



Marcelo Mellado (24) forma parte de la nueva ola de artistas sonoros que están empezando a publicar documentos abocados a la experimentación electrosónica estas temporadas. Ex-alumno de la PUCP, integra el sello 1049 y el staff de Deshumanización, colectivo con el que promueve las artes post-digitales a través de eventos, conciertos y talleres. Su primer álbum, "Hogares Sin Tiempo", publicado en bandcamp el 31 de Agosto, son 2 piezas holocáusticas, 38 minutos en el que nos encontramos cara a cara con maestros del lustre de Tim Hecker, Brian Eno, Fennesz y Stars of the Lid. Se trata de una música fascinante que, en su misantropía y desarraigo, transporta mundos y secretos de otros tiempos. Una verdadera reliquia del futuro que apunta a colocarse entre lo mejor del año.


Cuéntanos, ¿cómo conociste o empezaste a escuchar lo experimental y la electrónica voladora?

Más o menos a mediados del 2018 fue cuando empecé a buscar nuevas músicas que no tuvieran que ver con lo que yo escuchaba (que era rock progresivo en su mayoría). Me interesó bastante el rock de GY!BE, porque lo valoré desde su paciencia para desarrollar las ideas musicales, la lentitud empezó a calar en mí, observé en esto nuevas formas de expresión musical que exigían más atención, pero si te quedabas podías imaginar mundos. De ahí empecé a interesarme por esos momentos de drone ruidoso, nunca había escuchado un rompimiento del tempo de esa manera y que se pueda sostener tanto y aún así, tener formas claras. Creo que ahí me abrí hacía formas nuevas de creación. De ahí hablar de experimental no lo sé, yo creo que el término se ha vuelto bastante abstracto y se puede asignar a cualquier tipo de música que le suene “rara” a alguien; me gusta pensar que hace referencia a formas de creación musical que buscan trascender el concepto de género musical. Es música que se crea de acuerdo a las propias percepciones del compositor, que aunque inspirada en cierta clase de música, revela su ser mismo en su composición. Creo que los festivales de musica “experimental” de Lima como Deshumanización o Ruidismos fueron de las primeras veces que escuchaba música así.

“Hogares sin tiempo” (1049 Records, 2021) es tu disco debut, por ahí hemos visto otro bandcamp con piezas sueltas etiquetadas como electroacústicas y field recordings. ¿Cuántos años tienes, qué otros proyectos has tenido, cómo ha sido la concreción de este debut? ¿Qué herramientas empleas?

Tengo 24, he estudiado guitarra en la Universidad Católica. Sin embargo, no considero haber tenido proyectos serios anteriormente, supongo que siempre esperaba “madurar” musicalmente hasta un nivel decente (para mí) para recién poder compartir algo mío al resto. Esas piezas sueltas de mi bandcamp representan esta primera etapa de compositor luego de estar expuesto a estas nuevas músicas que en verdad marcaron una nueva visión de la creación musical. 

En esta época usaba mucho más la guitarra y grababa distintas capas en el Protools. Para Hogares sin tiempo ya estaba usando otras herramientas. Exploré con samplear algunos instrumentos de viento como saxos y quenas. También usé sonidos que sinteticé de manera digital en la compu, usé MaxMSP y SuperCollider, estas últimas herramientas han llamado bastante mi atención, lo ligo bastante a una creatividad matemática que se puede desarrollar solo explorando o jugando. Como al mover perillas en un sinte, pero aquí es tecleando números diferentes. 

¿Qué dirías que es lo que necesitas o deseas expresar con tu sonido?

Principalmente busco exponer las exploraciones sonoras que trabajo, actualmente muchas de estas son en programas de síntesis como los que mencioné. Me parece un trabajo detallista y delicado el diseñar y modelar los sonidos, las variaciones de timbres otorgan sensaciones que pueden contrastar con pequeñas modificaciones. Las formas de modificar los sonidos individuales dan paso a una idea musical, que se puede acomodar en composiciones más grandes con estructuras aterrizadas. Me parece que busco generar un discurso que tenga una identidad por sí misma. El álbum si bien tiene un concepto metafórico, aún así, los dos temas pueden apreciarse individualmente. Eso sí, requiere una escucha activa. 

De la música de los últimos años ¿qué artistas te interesan, local e internacionalmente?¿Algunos discos que hayan llamado tu atención tal vez?

Con respecto a los locales siempre es genial poder asistir a conciertos y llevarte la experiencia completa de su interpretación. Me gusta el trabajo de Rosa Naid y Gonzalo Garrafa aquí en Cusco. Cuando estaba en Lima me gustaba siempre el trabajo de Valicha, Oscar Recarte, de Kevin Salkeld, Paruro, Camilo Ángeles con Cecilia Mendizabal, y de mis amigos Árbol, Ale Borea, Rodolfo Ontaneda y Mauricio Moquillaza. Me gustó mucho el EP de Federico La Hoz, “Construir caminos” y también hace poquito escuché un trabajo de Diego Quispe que estaba bacán. Con lo demás, sinceramente creo que descubro lentamente a los artistas, y no me considero un conocedor de muchos. También escucho mucha música antigua a la que no le di antes el tiempo necesario. Actualmente Tim Hecker es una gran influencia para mí, en sus discos Radio Amor, Virgins y Konoyo he encontrado mucha inspiración justamente por su forma de manipulación, aún con tanto caos electrónico puede mantener la musicalidad. Caterina Barbieri también me gusta mucho, ella es bastante más minimalista y cíclica en su concepción de la música. Dentro de sus piezas, la novedad no se pierde ni resalta de manera contrastante. Admiro muchísimo también el trabajo audiovisual de Ryoji Ikeda y últimamente escuché lo último de Mouse on Mars que me ha volado la cabeza.

Tu opinión sobre la escena peruana de música experimental o como sea que a esta se le llame.

Es difícil segmentar artistas en escenas, y con lo experimental es aún más ambiguo. De todos modos, siento que la gente de la escena de la electrónica loca, ambient, noise, drone, entre otros, se ha ido desarrollando en comunidades pequeñas en festivales de música, tocadas y jams. Siempre hay contactos en común y poco a poco ves que todos se conocen de alguna manera. En este sentido, la movida experimental se da siempre entre un público ya conocido y los que se van insertando lo hacen de a pocos. Creo que la pandemia ha afectado bastante la difusión y agrandamiento de la escena, se ha generado un problema. La generación actual de jóvenes artistas emergentes, a la cual pertenezco, andamos en la búsqueda constante de espacios dónde poder presentar nuestras producciones y/o creaciones ya que no existen lugares adecuados para ello (mucho más aquí en el Cusco), tal es la cantidad de producción artística, innovadora, conceptual y auténtica que no puede quedar en una manifestación de acogida limitada, ya que también otras artes se ven involucradas en estas creaciones lo que genera un resultado peculiar para la apreciación.

El Perú, y el mundo en general, siempre ha sido un lugar de mierda, con fachos y felipillos por doquier, vejaciones, racismo e inequidades. ¿Cómo compaginas un discurso como el de la música que haces tan ensoñadora y etérea con el día a día en la ciudad y/o dentro del sistema?

El sonido en sí es un fenómeno cuya naturaleza me sorprende de sobremanera, me distrae y me lleva a crear limbos en el tiempo mientras la realidad ocurre. En la música que produzco capturo momentos sonoros que llaman mi atención y me parecen lo suficientemente perfectos para insertarlos en una composición. Muchas veces la inspiración sale de la realidad, como recuerdo escuchar las bocinas de los camiones en el cruce de la Panamericana con Benavides y recuerdo tratar de otorgarle un sentido bonito y organizado en todo ese caos. 

En el caso de este álbum sí puedo decir que busqué sonidos y que al final resultaron ensoñadores y trágicos. Yo creo que eso sentía cuando iba confeccionando las piezas y me gustó el resultado: un momento destinado a detener el tiempo. 

El sello 1049 Records del que formas parte, ¿cuáles son sus líneas, plan de trabajo y metas?

El sello está bien ligado al colectivo Deshumanización. En donde nuestro principal motivo de existencia es poder promover y brindar espacios a artistas latinoamericanos de expresiones artísticas que no son generalmente atendidas. El sello está reservado para la publicación de material fonográfico de los artistas, por lo que la movida se mantiene en propagación por redes y conversaciones para conseguir más difusión como menciones en podcasts y reseñas. 

Además de la música ¿qué otras expresiones concitan tu interés?

Me interesa mucho el arte visual, este apartado que involucra la generación de visuales también desde la síntesis digital. Hace un tiempo estaba experimentando con Hydra que es un software de programación visual que simula un sintetizador modular de video. En realidad me parece una expresión que se puede conjugar bastante bien con la música que produzco, sobre todo para presentaciones en vivo. Me gustan las experiencias multisensoriales en este tipo de expresiones por lo que actualmente estoy estudiando más del tema para poder incluirlo en mi arte sonoro.

¿Cómo has sobrellevado esta época de pandemia?

En casa aprendiendo nuevas cosas montando bici con los amigos. Regresé a Cusco mi ciudad natal, aquí hay más posibilidad de estar afuera de casa, en la naturaleza, que es lo que me recuerda la belleza de la vida. Tocando quena y criando a dos perritas. 

Tu instrumento, efecto o herramienta favorita es:

Guitarra y el SuperCollider

¿Cómo te ves de acá en 10 o 15 años?

En otro lado 


El SONIDO DEL MAÑANA: Cómo La Música Electrónica Se Introdujo De Contrabando En El Mainstream



En algún momento de 1966, Paul McCartney llamó a la puerta de una casa en Deodar Road, Putney, al sur de Londres. Estuvo allí para conocer a Peter Zinovieff, propietario de la casa, y a dos colegas, Delia Derbyshire y Brian Hodgson, ambos trabajando en el pluriempleo del BBC Radiophonic Workshop. Colectivamente, Zinovieff, Derbyshire y Hodgson fueron Unit Delta Plus, un grupo de corta duración dedicado a la promoción y creación de música electrónica, no realmente una banda u organización, sino algo intermedio.

Durante la reunión, Zinovieff condujo a McCartney a través de la casa hasta el jardín trasero, que se extendía hasta el río Támesis. En el lado izquierdo del jardín, a medio camino entre la casa y el río, se hundía un edificio del jardín, un gran cobertizo, a unos cuatro pies en el suelo. Zinovieff condujo a McCartney a través del jardín y bajó unos escalones, abriendo una puerta a un reino futurista secreto: el estudio de música electrónica mejor equipado del país. La sala estaba llena de grabadoras, osciladores de audio, mezcladores y, únicamente para un estudio de grabación en Gran Bretaña en ese momento, computadoras.

No salió mucho de esta reunión. A pesar de los rumores posteriores de que McCartney estaba considerando un respaldo electrónico para una nueva versión de 'Yesterday', no habría colaboración entre él y Unit Delta Plus. Lo que eleva este breve y aparentemente infructuoso encuentro por encima del estatus de nota histórica a pie de página es su significado simbólico. Es un marcador de algo que recién estaba comenzando a suceder en la música rock. En ese momento, The Beatles estaban en su apogeo comercial y creativo, dejando atrás las presentaciones en vivo y el merseybeat por una música rock más sofisticada y de estudio. Una parte de esa transición implicó explorar nuevas direcciones, y una parte de esa exploración fue investigar la música electrónica y de cinta. Lo que McCartney estaba haciendo en ese día lejano era participar en una tendencia pequeña pero claramente identificable en el rock en general. Un puñado de músicos, desde artistas consagrados hasta los apenas conocidos, se estaban interesando en integrar la música electrónica, o el sonido electrónico en la música, en el rock.

La Unit Delta Plus no duró mucho más de un año y tuvo poca importancia. Se rompió por desacuerdos entre Zinovieff por un lado y Hodgson y Derbyshire por el otro. Zinovieff fue un inventor, compositor y tecnólogo visionario independiente. Estaba interesado en el uso de computadoras para promover la música electrónica de vanguardia seria. Hodgson y Derbyshire eran diferentes. Ambos tenían conocimiento e interés en el fin serio de la música electrónica, pero gran parte de su trabajo para la BBC era por definición populista. Pasaron gran parte de su tiempo haciendo música y sonido para la televisión y la radio populares. Esa diferencia entre Zinovieff y Hodgson y Derbyshire fue un microcosmos de tensión en la música electrónica en ese momento entre lo serio y lo popular. Puede que McCartney no lo supiera, pero al acercarse a Unit Delta Plus se estaba acercando a algo que en sí mismo representaba dos ramas paralelas en la evolución de la música electrónica.

Cuando McCartney reflexionó sobre este evento tres décadas después en la biografía de Barry Miles, Paul McCartney: Many Years from Now, lo recordó como una reunión en el BBC Radiophonic Workshop. Recordó haber obtenido un número de la guía telefónica y haber llamado a Delia Derbyshire. Esta ligera confusión es comprensible y no solo por la imprecisión de la memoria. En ese momento, el Radiophonic Workshop era la cara pública de la música electrónica británica y Derbyshire su miembro más visible. Lo que demuestra el episodio es que la conciencia de McCartney de la música electrónica en ese momento fue moldeada, al menos en parte, por la efusión de temas, jingles, efectos de sonido y música incidental del Taller Radiofónico. Pero también estaba interesado en la música electrónica seria, y en febrero de 1966 había ido a escuchar una conferencia del compositor italiano Luciano Berio sobre el tema.

Hay una versión de la historia que dice que la música electrónica se filtró desde las áridas e imponentes montañas de la cultura académica seria hasta las suaves colinas de la música pop. Esta es la historia de Pierre Schaeffer y Karlheinz Stockhausen, de los estudios de París y Colonia, de musique concrète y Elektronische Musik de Vladimir Ussachevsky y Otto Luening y del Columbia-Princeton Electronic Music Center. Que McCartney, un músico pop, supiera algo sobre ese tipo de música electrónica valida esa versión de la historia. Pero no es toda la historia. El argumento de este libro es que hay otra historia paralela al surgimiento de la música electrónica seria. Desde principios del siglo XX y los primeros instrumentos electrónicos de ejecución, hubo personas que intentaron hacer música electrónica para las masas. Cuando McCartney abrió la guía telefónica para buscar el número del Taller Radiofónico de la BBC, también estaba validando ese segundo historial.

La distinción entre música electrónica seria y popular tiende a volverse muy borrosa incluso con el examen más casual. De hecho, muchos avances en la música electrónica antigua provienen de la energía creada por una superposición entre los dos. Aún así, parece evidente que hay una diferencia en la intención a medida que avanza en cada dirección desde la línea divisoria. Pierre Schaeffer y Jean-Jacques Perrey, por ejemplo, claramente no estaban haciendo el mismo tipo de cosas, incluso si a veces usaban medios similares. Hay dos historias. El de la música electrónica seria y sus principales figuras se ha contado bien y con frecuencia antes. Este libro lo toca brevemente cuando se cruza con el segundo piso. Esa segunda historia es la historia de la música electrónica popular, y ese es el tema de este libro. Es la historia de Samuel Hoffman y Eric Siday; del Taller Radiofónico de la BBC y el Manhattan Research; de comerciales de televisión y bandas sonoras de películas; de Ondioline, Clavioline, Novachord; de aficionados a la electrónica y amateurs inspirados.

Nos aclimatamos gradualmente a nuevos sonidos. Incluso en 1976, la destilación de rock 'n' roll de The Ramones fue demasiado para muchos, sin embargo, si Johnny Ramone hubiera caído en una grieta en el tiempo y hubiera salido con su (guitarra) Mosrite ardiendo en 1956, lo más probable es que lo hubieran encerrado de por vida. Tal como estaba, en 1976 los niveles de distorsión habían ido aumentando durante años, creando un estado de preparación para los grandes acordes de losa. Así fue con la música electrónica. Los primeros usuarios se encontraron con una tecnofobia muy sentida pero vagamente definida de muchos sectores. Los sonidos de la música electrónica nunca se habían escuchado antes y a menudo se encontraban con desconcierto, ansiedad e incluso miedo. Como dijo una vez Bob Moog: "En aquel entonces, cualquier cosa que no saliera de madera, de un instrumento de metal o de una cuerda se consideraba sospechoso de alguna manera al menos... la gente sospechaba mucho de los instrumentos electrónicos que producían sonidos musicales". [en "Moog" por Hans Fjellestad, 2004] Las cosas han cambiado. En estos días, una gran parte de la música popular es electrónica o parcialmente electrónica. Difícilmente tiene sentido hablar de música electrónica como género, sino de muchos tipos de música hecha electrónicamente. La guerra terminó, pero no se ganó en una sola batalla, sino a través de muchas escaramuzas, acaparamiento de tierras y avances progresivos. No hubo un punto de inflexión, ninguna figura dominante, ni Waterloo, ni Wellington. No hubo revolución, sino una colonización gradual. O si fue una revolución, sucedió lentamente, una sucesión de caballos de Troya avanzando imperceptiblemente durante años. Este libro sostiene que cientos de bandas sonoras de películas de ciencia ficción, anuncios de lavadoras, temas de televisión para niños y jingles de radio hicieron que la música electrónica fuera agradable. Parte de esa música era completamente electrónica, parte de ella en parte. La distinción no es tan importante. El punto es que todo ayudó a crear las condiciones para el lugar en el que nos encontramos ahora.

Otra parte de la historia es que la música electrónica depende más de su equipo que la mayoría de las otras formas de música. El arte necesita un aparato; hay una relación simbiótica. El desarrollo de la música no puede separarse del surgimiento de nuevas tecnologías y la invención de nuevos instrumentos y técnicas. Pero en este punto existe el peligro de que se infiltre un engaño sutil. Toda una industria se basa en la idea de que la adquisición de la última pieza de equipo electrónico te convertirá en un músico más creativo. Se vuelve tentador atribuir un poder casi místico a las propias máquinas, pero sin gente que las use, son solo componentes eléctricos, cables, circuitos e interruptores. Durante la redacción de este libro, el sistema Oramics de Daphne Oram se exhibió en una vitrina en el Museo de Ciencias de Londres. Si mirabas dentro de esa vitrina, era como mirar un relicario. Había fragmentos de una visión, pero el espíritu se había ido. Tenías que escuchar la música, mirar las imágenes y leer la información sobre la propia Oram para que la máquina tuviera sentido, para que los huesos secos cobraran vida. El avance tecnológico puede sugerir posibilidades a los músicos que están abiertos a la sugerencia, pero son los músicos quienes crean. Entonces, la historia debe ser sobre cómo los músicos interactúan con la tecnología y, por extensión, los inventores de la tecnología también. Nadie hizo todo lo posible con solo presionar un interruptor. Más bien, hubo una serie de lluvias de ideas técnicas, experimentos musicales pioneros y oportunismo comercial repartidos durante décadas, los esfuerzos combinados de músicos y compositores, inventores e inversores.

En las primeras seis décadas del siglo XX, la música electrónica a menudo se expresó en términos visionarios. Era la música del futuro, música sin tradición, la banda sonora de una era futura en la que todos íbamos a trabajar en jet cars. Nada data más rápidamente que ese tipo de fantasía especulativa. El Telharmonium de Thaddeus Cahill pronto pareció un dinosaurio pesado. Una banda sonora de ciencia ficción theremin de la década de 1950 se convirtió en un significante del período kitsch en la década de 1960. La revolucionaria técnica de empalme de cintas fue descartada como laboriosa y una pérdida de tiempo una vez que aparecieron los sintetizadores. Sin embargo, ahora, décadas después, la retrospectiva revela cómo encajaban todas estas fases. No fueron eventos extraños anclados en el tiempo, sino pasos hacia el futuro.

Mark Brend
Devon, Inglaterra
Marzo de 2012



THE SOUND OF TOMORROW: How Electronic Music Was Smuggled into the Mainstream





Some time in 1966 Paul McCartney knocked on the door of a house in Deodar Road, Putney, south London. He was there to meet Peter Zinovieff, who owned the house, and two colleagues, Delia Derbyshire and Brian Hodgson, both moonlighting from the BBC Radiophonic Workshop. Collectively Zinovieff, Derbyshire and Hodgson were Unit Delta Plus, a short-lived group dedicated to the promotion and creation of electronic music – not really a band or an organization, but somewhere in between.

During the meeting Zinovieff led McCartney through the house into the back garden, which stretched right down to the River Thames. On the left hand side of the garden, about halfway between the house and the river, a garden building, a large shed, was sunk about four feet into the ground. Zinovieff led McCartney across the garden and down a few steps, opening a door into a secret futuristic kingdom: the best-equipped electronic music studio in the country. The room was packed full of tape recorders, audio oscillators, mixers and, uniquely for a recording studio in Britain at the time, computers.

Not much came of this meeting. Despite later rumours that McCartney was considering an electronic backing for a new version of ‘Yesterday’, there would be no collaboration between him and Unit Delta Plus. What elevates this brief and apparently fruitless encounter above the status of historical footnote is its symbolic significance. It is a marker of something that was just starting to happen in rock music. At the time, The Beatles were at their commercial and creative peak, leaving behind live performance and Merseybeat for a more sophisticated, studio-bound rock music. A part of that transition involved exploring new directions, and a part of that exploration was investigating electronic and tape music. What McCartney was doing on that far-off day was taking part in a small but clearly identifiable trend in rock in general. A handful of musicians, from established performers to the barely known, weregetting interested in integrating electronic music, or electronic sound in music, into rock.

Unit Delta Plus didn’t last much more than a year and did little of note. It was broken apart by disagreements between Zinovieff on the one hand and Hodgson and Derbyshire on the other. Zinovieff was an independent inventor, composer and visionary technologist. He was interested in using computers to advance serious avant-gardeelectronic music. Hodgson and Derbyshire were different. Both had knowledge of and an interest in the serious end of electronic music, but much of their work for the BBC was by definition populist. They spent a lot of their time making music and sound for popular television and radio. That difference between Zinovieff and Hodgson and Derbyshire was a microcosm of a tension in electronic music at the time between the serious and the popular. McCartney might not have known it, but in approaching Unit Delta Plus he was approaching something that itself represented two parallel branches in the evolution of electronic music.

When McCartney reflected on this event three decades later in Barry Miles’ biography Paul McCartney: Many Years from Nowhe remembered it as a meeting at the BBC Radiophonic Workshop. He recalled getting a number from the phone book and calling Delia Derbyshire. This slight confusion is understandable, and not just because of memory’s imprecision. At the time the Radiophonic Workshop was the public face of British electronic music and Derbyshire its most visible member. What the episode demonstrates is that McCartney’s awareness of electronic music at the time was shaped, in part at least, by the outpouring of themes, jingles, sound effects and incidental music from the Radiophonic Workshop. But he was also interested in serious electronic music, and in February 1966 had gone to hear the Italian composer Luciano Berio lecture on the subject.

There is a version of history that says that electronic music filtered down from the arid, imposing mountains of serious academic culture into the gentle foothills of pop music. This is the story of Pierre Schaeffer and Karlheinz Stockhausen, of the Paris and Cologne studios, of musique concrèteand Elektronische Musikof Vladimir Ussachevsky and Otto Luening and the Columbia-Princeton Electronic Music Center. That McCartney, a pop musician, knew something about that sort of electronic music validates that version of history. But it is not the whole story. The contention of this book is that there is another history running alongside the emergence of serious electronic music. Right from the start of the twentieth century and the first performing electronic instruments there were people trying to make electronic music for the masses. When McCartney opened the phone book to look for the number of the BBC Radiophonic Workshop he was also validating that second history.

The distinction between serious and popular electronic music tends to get very blurred with even the most casual examination. Indeed, many advances in early electronic music came from the energy created by an overlap between the two. Even so, it seems self-evident that there is a difference in intent as you travel further in each direction from the dividing line. Pierre Schaeffer and Jean-Jacques Perrey, for example, were clearly not doing the same sort of thing, even if they were sometimes using similar means. There are two stories. The one about serious electronic music and its leading figures has been told well and often before. This book touches on it only briefly when it intersects with the second story. That second story is the story of popular electronic music, and that’s the subject of this book. It’s the story of Samuel Hoffman and Eric Siday; of the BBC Radiophonic Workshop and Manhattan Research; of television commercials and movie scores; of the Ondioline, the Clavioline, the Novachord; of electronics hobbyists and inspired amateurs.

We become acclimatized gradually to new sounds. Even in 1976 The Ramones’ distillation of rock ’n’ roll was too much for many, yet had Johnny Ramone fallen through a crack in time and come out Mosrite blazing in 1956 he most likely would have been locked up for life. As it was, by 1976 the distortion levels had been creeping up for years, creating a state of readiness for the great slab chords. So it was with electronic music. Early adopters encountered a strongly felt but vaguely defined technophobia from many quarters. The sounds of electronic music had never been heard before and they were met often with bewilderment, anxiety, even fear. As Bob Moog once said: ‘Back then, anything that didn’t come out of wood or a brass instrument or a string was considered somehow suspect at least  … people were very suspicious of electronic instruments producing musical sounds.’[en "Moog" por Hans Fjellestad, 2004] Things have changed. These days a vast slice of popular music is electronic or partly electronic. It hardly makes sense to talk of electronic music as a genre, but rather of many types of music made electronically. The war is over, yet it was not won in a single battle, but rather through many skirmishes, land grabs and creeping advances. There was no tipping point, no dominant figure, no Waterloo, no Wellington. There was no revolution, but rather a gradual colonization. Or if it was a revolution it happened slowly, a succession of Trojan horses edging forward imperceptibly over years. This book argues that hundreds of science fiction movie soundtracks, washing machine adverts, children’s television themes and radio jingles made electronic music palatable. Some of that music was entirely electronic, some of it partly electronic. The distinction isn’t that important. The point is that all of it helped create the conditions for where we are now.

Another part of the story is that electronic music depends more on its equipment than most other forms of music. The art needs an apparatus; there is a symbiotic relationship. The development of the music cannot be separated from the emergence of new technologies and the invention of new instruments and techniques. But at this point there is the danger of a subtle deceit creeping in. A whole industry is predicated on the idea that acquiring the latest piece of electronic equipment will make you a more creative musician. It becomes tempting to ascribe an almost mystical power to the machines themselves, but without people to use them they are just electrical components, wires, circuits and switches. During the writing of this book Daphne Oram’s Oramics system was displayed in a glass case at the Science Museum in London. If you just looked into that glass case it was like staring at a reliquary. There were fragments of a vision, but the spirit had left. You had to listen to the music, and look at the pictures and read the information about Oram herself for the machine to make sense, for the dried bones to come to life. Technological advance can suggest possibilities to musicians who are open to suggestion, but it is the musicians who do the creating. So, the story must be about how musicians interact with technology, and by extension the inventors of the technology as well. Nobody made everything possible with the flick of a switch. Rather, there was a series of technical brainstorms, pioneering musical experiments and commercial opportunism spread over decades, the combined efforts of musicians and composers, inventors and investors.

In the first six or so decades of the twentieth century electronic music often came couched in visionary terms. It was the music of the future, music without tradition, the soundtrack to a coming age where we’d all zip to work in jet cars. Nothing dates more rapidly than that sort of speculative fancy. Thaddeus Cahill’s Telharmonium soon looked like a lumbering dinosaur. A theremin science fiction soundtrack of the 1950s became a kitsch period signifier by the 1960s. The revolutionary technique of tape splicing was dismissed as laborious and time wasting once synthesizers appeared. Yet now, decades on, hindsight reveals how all of these phases fitted together. They weren’t freak events anchored in time, but steps into the future.


Mark Brend
Devon, England
March 2012

miércoles, 22 de septiembre de 2021

El hogar está en tu cabeza :. 30 AÑOS DEL "HOME IS IN YOUR HEAD" DE HIS NAME IS ALIVE



Uno de los documentos básicos de la avanzada etérea de los 90. Todo entrelazado como una sola pieza. Podías conseguirlo en Lima con relativa facilidad, claro si no eras "un webón más". Impresionante dark experimental, ruidista y enajenado. Las líricas propias de una paciente del Larco Herrera o, digamos mejor, del Noguchi. Warren Defever disparando saetas desde el cielo apoltronado en una nube con su viola en temas como The Well, Why People Disappear, Chances Are We Are Mad o el track epónimo mientras Karin Oliver dibuja preciosistas melodías con las gracias de su voz onírica. 

La producción estuvo a cargo de Ivo de 4AD quien estuvo más explorador y proyectado acá que en cualquier experimento con This Mortal Coil. El Home Is In Your Head es hijo de los 90; su ruido blanco, las rajaduras sónicas en la mezcla y su tendencia a la abstracción post lo testifican. Introspectivo, perturbador y esotérico, capaz de transformarte la existencia y más. Una creatividad esplendente que será el encargado de forjar los senderos para proyectos como Grouper, CocoRosie, Anna Roxanne, Julia Holter o Lovesliescrushing. Gemas como Sitting Still Moving Still Staring Outlooking o Love's a Fish Eye penetran el alma y de ahí no salen nunca, las tendrás salvadas en el inconsciente, serán tú. 

Home Is In Your Head, es de las obras que busca a sus iguales; sí justo como el Hiperión de Hölderlin, el Zaratustra de Nietzsche o el sempiterno Maldoror. Haberlo encontrado, o que él te haya encontrado a ti, en un momento en que la grey tonti hipster no hundía la ciudad-escena significa portar un galón más. Amigue, si necesitas de más tienes a su hermano el King of Sweet esperándote. La prescripción ideal para corazones intoxicados y almas tan supremamente hermosas que se resistirán a dejar de serlo con todas sus fuerzas. Su nombre siempre estará vivo.  

Wilder Gonzales Agreda.






...En ese momento, Ivo también estaba ocupado asesorando a Warren Defever para el segundo álbum de His Name Is Alive. Home Is In Your Head, un título que capturó a la perfección la mentalidad de Defever, y la de Ivo, Music-For-Interiors. El álbum siguió el mismo patrón que Livonia, Ivo remezcló una gran cantidad de pistas (veintitrés en total, ninguna en la ilustración) de canciones de ensueño etéreas y excéntricas con Karin Oliver al frente, aunque Defever esta vez había proporcionado piezas terminadas en lugar de bocetos. "Simplemente tomé las partes que me gustaban", recuerda Ivo, "cosas que podrían divagar o desintegrarse. Una pieza tenía solo cuarenta segundos de duración. Pero no pensé que hubiera nada que pudiera hacer que molestara a Warren. De todos modos, desmantelaría sus propias canciones. Era el individuo menos afectado sobre su propia música que jamás había conocido ".

Defever también compartía créditos, con Karin Oliver en "The Well", mientras que "Tempe", una ensoñación acústica poco común entre todos los experimentos nerviosos, fue escrita por el guitarrista Jymn Auge. Los títulos de canciones como "My Feathers Needed Cleaning" y "Beautiful And Pointless" eran una rara señal de alegría en el canon 4AD. El cierre de "Dreams Are Of The Body" proporcionó el equilibrio con un estado de ánimo sacado del cancionero de This Mortal Coil.

Ivo escuchó las mezclas en bruto que él y John Fryer habían hecho de Home Is In Your Head mientras se instalaba en un nuevo apartamento de dos niveles en el sótano de Clapham Common. "Lo había comprado por la altura de los techos, pero me sentía muy inseguro, pensando ¿por qué diablos lo había comprado? Los techos me hacían sentir tan pequeño, temía que, espiritualmente, nunca llenaría el lugar, el cual no tenía nada más que el estéreo, los CD, la ropa y un sofá. A altas horas de la noche, escuchaba las mezclas de las cosas de Warren allí, muy silenciosamente, porque aún no conocía a mis vecinos, lo que permitía que el tictac de mi propio despertador se mezclara con los sampleados en las mezclas. Amo ese disco. Es un viaje musical tan impredecible, pero fluido ".


MARTIN ASTON
Facin the other way. The story of 4AD.

ENTREVISTA/SETIEMBRE 2021 :. HELENE RAMOS EN VANGUARDIA PERUANA🔷 UNA MIRADA A SUS UNIVERSOS PARALELOS.

                                 Por: Arturo Salcedo


Si existiera un premio Nobel por la incansable difusión de la escena de sellos independientes y sus actos, Helene Ramos sería la galardonada. Sus textos han aparecido en casi todos los medios importantes del país como en varios internacionales: La República, El Comercio (TV+), Cambio, Expreso, Correo, Ojo, Revistas: Si, Ave Rok, Esquina, Outer Reef, Losing Today (Italia), Circus (USA), Compost Records (Alemania), Amazon (USA/on line), Dosis... como en decenas de páginas on line y  ha editado Britania su propio fanzine, alcanzando la edición 76. Sin olvidar: Helene With The News en Funky Hits en sus inicios. 

Su programa radial de polendas: 2001 / 2001_MILAÑOSDESPUÉS! , rompió (literalmente), el techo de cristal en las emisoras que estuvo como a sus micrófonos estandarizados: Radio Miraflores AM/FM,  Radio Unión FM, Radio Nacional AM/FM... y siendo previamente productora textual en Súper FM, Doble9, Studio 92... La saga al programa radial continúa desde hace años atrás en Vanguardia Peruana, blog de otro elemento que destaca por su persistente seguimiento a la escena: Wilder Gonzáles Agreda. La entrevista se dio personalmente en 2 partes, siendo sólo las repreguntas vía mail.


ENTREVISTA🔹


¡Hola Helene! Me emociona poder hablar contigo, verte tan radiante y saber que no has perdido ese tacto y visión en cuanto a dar las pautas en lo que a la música de los sellos independientes se refiere -y ahora, en tan importante blog ¿Cómo logras hacerlo?

HR: ¡Gracias de veras! Es por  la experiencia de los años dentro de todo ello. Un conductor de un programa musical sabe desde los primeros 10 segundos de un tema, el impacto que pueda alcanzar. Así de fácil. 

¡Si! pero por ejemplo: en tus columnas en Vanguardia Peruana, haces tus listas anuales desde noviembre, pasan unos 2 meses y las listas del mundo coinciden con tus avances. Te menciono sólo  algunos ejemplos: 

Wolf Alice, The 1975, Yungblud, Beabadoobee, Benee, Sleigh Bells, St. Vincent, Fontaines D.C... y es que ¡son tantos tus aciertos! o Black Belt Eagle Scout que empezaste a difundir en 2018, y en Lima, recién lo han programado en radio ¿Cómo así? 

HR: Los observo detenidamente a los integrantes de un determinado grupo, por unos instantes. Sus vibras transmiten mucho así sea mediante un vídeo, me informo sobre ellos, de sus inicios y de lo que quieren lograr. Agrégale su presencia y carisma que es también un plus.

¿Era igual en radio? ¿Veías a los chicos peruanos con sus bandas y te proyectabas con ellos?

HR. Realmente era así. La forma en que ingresaban a la cabina, se quedaba todo ello marcado en mí. Balance Final: ellos resultarán. No fallé en mi intuición: Christian Galarreta (Holanda), Theremyn_4, Lucho Quequezana, Inés Cook como Elsieanne Caplette (incluidas ambas en las compilaciones Café Del Mar/España), Giuliana Origgi (España), Voz Propia (encabezando la lista semanal de la radio), Resplandor (Noruega), Dolores Delirio, Kollantes, Carlos Hernán González (Francia), Catervas, Insumisión (sonando en BBC)... y hasta el propio Wilder Gonzáles Agreda con sus sesiones de radio ¡tan alucinantes! Lo recuerdo haciendo efectos al aire con globos inflados y haciéndolos rechinar sobre su música en alguno de sus diferentes combos. Actos de exportación, sin duda alguna. Hay muchísimas  más bandas... como  también los DJ's de Perú que llegaron a actuar con la crema de la crema en las raves. Una bella época y me tomaría mucho espacio nombrarlos a todos.

A propósito, estuviste en otro blog de Perú por un tiempo: Sugartime ¿Cómo te decides incursionar en el blog Vanguardia Peruana?

HR: Estuve en Sugartime al mismo tiempo que conducía en Radio Miraflores por AM/FM los programas: 2001_MILAÑOSDESPUES!, B-SIDE/THE CHILLOUT ZONE, EQUINOCCIO y SPECTRASONICS. Como ves, no tenia el tiempo para hacer tanto... ponía también la música a programas como LA HORA ALEMANA e IN HOUSE. Me apena no haber conocido a quien lo dirigía y me pregunto por qué no lo entrevisté al aire. Entonces, muchos blogs me invitaban a ser parte de, otros querían que presentara clips on line. Al mismo tiempo, me propuso una empresa argentina/peruana conducir un programa de clips con bandas de sellos indie en un canal de señal abierta... mucha tarea para mí. Solución final: una columna de videos on line. Me conecto con WGA, le sugiero y acepta de inmediato. Igual, otros blogs insistían aún en que escribiera para ellos. Opté por VP/blog, debido a la fraterna amistad que me une a Wilder desde temprana edad. Ahora, todos los grupos que incluyo leen el blog y, lo más lindo, es que agradecen la nota publicada. Feliz por todo ello.

Tu columna es muy esperada para enterarnos de las buenas nuevas y de tan acertada anticipación. Se extrañan todos tus programas ¿Volverías a la radio? ¿Cómo vas armando tu columna?

HR: Estoy en otra etapa de mi vida que tiene que ver con mi trabajo en Marketing/Relaciones Públicas para una Editorial Alemana. Enseño idiomas y hago traducciones. En 2019, logré mi Maestría en Psicología Espiritual que me brinda la tranquilidad que estos tiempos exigen. No escucho radio desde muchísimos años atrás, y sólo me conecto a los envíos en discos y links que recibo diariamente. Pienso que no es el momento adecuado para presentar programas musicales sino de un despertar de la humanidad. La columna la voy preparando unos días antes en hojas ordenadas por números, al tiempo que tengo la inspiración. Luego, las entrego para ser tipeadas y para su publicación.  

¿Quién  o quiénes han sido tus grandes mentores en todo lo que has hecho?

HR: Mis padres, principalmente en cuanto a educarme para ser una persona libre y de no seguir a lo que los demás hacen. En ser yo misma, en lo que creo. Me enseñaron a hacer las cosas bien o a que mejor no las hiciera, si es que el resultado no lograría ser óptimo. En radio e inicialmente, Donald Wilson de Súper FM, dándome la oportunidad de hacer producción textual a los programas de la estación: Radio Clash con Oscar Guerra, Súper Soul con Mr. Freeze y para sus programas diarios. Paralelo a ello, en el programa Clips de canal 27UHF. Javier Lishner en el ingreso oficial a Radio Miraflores. Ricardo Palma, abriéndome las puertas de par en par de su emisora e igualmente, toda esa libertad que se necesita para llegar a desarrollar tus perspectivas. En los medios escritos: agradezco a Marco Bazalar por darme espacio en su columna del diario La República. ( Los invito a leer su óptimo peruinca.blog, muy preciso para atraer turismo). Oficialmente, ingreso al diario (para citar mi universo indie), cuando leí en El Comercio, la  reproducción de un artículo mío -en dossier-, de CABARET VOLTAIRE que me había tomado 3 semanas en completarlo, para Britania Fanzine. Voy con el diario y el fanzine, para que hicieran una respectiva nota, quien chequea el fanzine es Oscar Vargas Romero y me dice: ¡para qué mencionar al tipo, no se lo merece! Más bien, sé parte de nuestro staff. Así es como empiezan mis columnas/entrevistas en el diario y estuve por 10 años allí. Nunca había sido tan difundido antes, todo ese universo indie. Manuel Fazio y su productora para el programa 2001 en Canal 33. Igualmente, Kike Cano Alva, como productora e intérprete de su programa en Canal 27UHF y Canal 2. Peter Schneider, también como productora textual de sus programas de videos en Canal 27. Eduardo Beingolea para el programa colectivo de amigos (Deportes de Aventura) entonces Canal 9. Más personas en el camino por citar pero me extendería mucho. 

¿Cómo has lidiado con los años 2020 y 2021? ¿Cómo han sido todos tus días?

HR: Tratando de ser empática y sin darle permiso ni a la depresión ni al aislamiento. He seguido con mi rutina de trabajo, tal cual. Aproveché en un cien x ciento el poder comunicarme con las bandas de la escena que divulgo. ¡Fue genial! Todos disponibles y en casa. Pláticas por doquier y entrevistas con Vinyl Williams (USA), For Tracy Hyde (Japón) y Dabda (South Korea) publicadas en Vanguardia Peruana, como otras más en diferentes medios. Y no eran una sola plática eran hasta 4 veces al día.  Conectes con Mark Gardener (Ride), Animal Collective, Valerie Trebeljahr (Lali Puna), Gary Numan, David Thayer (Xeno Volcano), Laetitia Sadier (x Instagram y enviándole los links de Dabda y de otros actos, que siguen su legado), Simon Raymonde, Boy Pablo, Carlos Hernán González (actualmente en Lima), Elizabeth Fraser y staff para una nota de For Tracy Hyde)...una gran e interminable lista. Con Leif Garrett (instagram) fue inesperado para mi como con Paddy McAloon (Prefab Sprout), con el hijo de Ennio Morricone, con Sonic Boom, Garbage... Mi carnet de periodista me sirve enormemente para trasladarme por donde quisiera. Desde hace unos pocos días, en Dinamarca ya se eliminaron todas las restricciones consabidas. Eso es lo que se irá dando de a pocos en el mundo es de suponer.

Así que, a mantener el ánimo al máximo y las súper vibras lumínicas. Morrissey, New Order como decenas de actos via Reading Festival (UK), acaban de brindar sendos conciertos.

 ¿Algo que ni siquiera sospechabas que se daría por todos esos días? 

HR: Sí. La multitudinaria rave al aire libre por calles londinenses este 2021 para que se reabrieran los clubes. ¡Lo lograron, sin más ni más! . 

¿Cuáles bandas estarías difundiendo si retornaras con algunos de tus programas?

HR: Por ahora, ni en mis más delirium tremens... no es el momento, como te adelanté. Aunque... si existieran broadcasters de mente abierta y aceptaran mi posición de ser libre en programar, estaría difundiendo a Pia Fraus y su álbum: Now You Know It Still Feels The Same. Un combo de Estonia que encandila y con ciertas esencias de SLOWDIVE, MY BLOODY VALENTINE, STEREOLAB, SONIC YOUTH... tan sólo imagínate todo ello. Preferiría ahondar más en las bandas más jóvenes y noveles. Daría espacio a chicos en sus teens y vía  la secuencia Micrófono de Cristal, para un relevo generacional de locutores. Es necesariamente urgente, no hay nuevas voces ni programas que te atrapen, todo esto me lo comunican mis más cercanos amigos.





Danos más nombres de bandas de tus diarias escuchas. ¡Haznos felices!

HR: ¡Ha, Ha! No sé ... cada uno tiene sus gustos personales. Probablemente, les gustaría escuchar a *Lunar Aisles, *Credit Electric,*Swiss Portrait, *Gerdie, *Island Eyes, *Grazer, *Stray Fossa, *Beach Vacation, *Yaris Paris, *Scuba Dvala, *Softcult,  *Mazey Haze, *The Vanishing Twin... una enormidad de bandas y no necesariamente mis favoritas. Escucho para discernir.

Tus artículos en el blog sobre bandas como The Chameleons, Kevin Shields, Silver Apples, Primavera Sound, Retorno de Stereolab... son siempre comentadas entre literatos que aprecian tu estilo. ¡Que tal inspiración!

¿Cuál o qué es tu inspiración?

HR: Siempre he leído libros de ciencia ficción que al final los he tomado como una especie de disclosure, de ir diciendo las verdades. Tengo además unos 160 libros en mi cerebro sobre lo aprendido en la Escuela de Enseñanza Cósmica a la que he asistido por años. Eso me inspira tanto como el mar.

¿A dónde escribes más por estos días? 

HR: Reviews musicales para diferentes páginas on line. Más seguido para la página de David Dean Burkhart. No musicales para páginas de diarios del mundo, etc. Me abundan los likes decenas de veces y a cada instante. Imagínate que John Cale te responda a un review que hice al reciente álbum de St. Vincent. ¡Súper Loquix!

¿Das entrevistas aún? ¿Cuál es la más reciente? ¿Te reclaman los oyentes? Se aprende tanto con tus exposiciones, con tu data y sabiduría de esos tus universos paralelos.

HR: Si las doy. Específicamente a los estudiantes de Ciencias de la Comunicación que consiguen mis e- mails. La más reciente la he dado a Flavio Yamamoto/PUCP quien está armando un libro para la Universidad sobre la banda Huelga de Hambre y el grunge. Los oyentes insisten siempre en que vuelva al aire, mis correos están llenos de números telefónicos e invitaciones para conversar sobre música. Por otro lado, gracias por tus comentarios hacia lo que transmito.

¿Qué frases te dicen tu audiencia, los lectores?  Menciona algunas si fuera posible. 

HR: Frases lindas siempre me dicen por todo lo que les compartí y sigo compartiendo. Una de ellas: Llévame contigo a tus dimensiones siderales... sólo no podría atravesar todos esos caminos, me cegaría tan inmensa luz. 


Allí han tenido a Helene Ramos, ilimitada visionaria total y que revolucionó la radio a viva voz. Tiene un magnetismo que lo irradia plenamente. No hay divismos ni poses en ella. Su naturaleza afable, acaricia y da calma. Cada una de las bandas de sellos indie que presentó en sus programas llegaron lejos, muy lejos y esa saga continúa en el blog peruavantgarde/vanguardiaperuana. Se anticipa a lo que vendrá. Ella misma ha llegado lejos, muy lejos con su dedicación y, tal cual se lo anticipó: Diana García, a tan sólo escasas semanas en salir Helene, al aire. A visitar la página cada día que hay novedades continuas. ¡Bravo Wilder! ¡Sigue en la resistencia!💯🔷

martes, 21 de septiembre de 2021

CABARET VOLTAIRE



POR EDUARDO LECCA
Extraído de "Vanguardia 1966-1998"


Mix-Up
Rough Trade, 1979

Luego de unas apariciones en el sello Factory (donde estaban Durutti Column y Joy Division), regresan más sofisticados que nunca. Psycho-Techno Industrial. Bajo el sello Rough Trade nos traen más post-Kluster/Eno/Wire/Throbbing Gristle.

Temas: Kirlian Photograph, No Escape (cover de Seeds), Fourth Shot; entrelazando guitarras tratadas, pulsaciones orgánicas post-Viaje Hacia los Límites Exteriores ('76). Teclados y sintetizadores rasgueantes en la dantesca Heaven and Hell; percusiones programadas, efectos y capas reamplificadas, con sonidos encontrados (Found Sounds).

Las cabezas Beats: Stephen Mallinder, Richard Kirk y Christopher Watson; entraron al Cielo y regresaron al infierno para contarnos sus experiencias... Post-Cluster/Suicide en el tema, en vivo, Eyeless Sight y Expect Nothing; conceptualismo a lo Cosmic Jokers en Photophobia, post-Silver Apples, pre-Death In June en On Every Other Street. Cerrando el LP, Capsules, monótona y sugestiva... "cápsulas es lo que necesitas". Si te gustan los trabajos de Daniel Miller y Mute Records, esto te hará alucinar.




1974-1976
Industrial Records, 1980

Tendencias más interplanetarias y dadaístas, ruidos bizarros representando vida de otros planos.

Lanzado por Industrial Tapes (sello de Throbbing Gristle). Con escuchar dos temas les bastará para pasarse de vueltas: Venusian Animals y The Outer Limits. Demos post-Kluster/Eno/Cluster/Kraftwerk/Phaedra.

La introducción electrónica Avant-Garde para UK. ¡Indispensable!




The Voice of America
Rough Trade, 1980

Techno Pop Industrial, Beatnik y surrealista. The Voice of America/The Damage Done, Partially Submerged; atmósferas oscuras, nihilistas, pre-Isolationism, pre-Cindytalk/Death In June. Pop Minimalista en Kneel to the Boss, más trance-conceptualizado en Premonition, pre-Tones On Tail en This Is Entertainment, If The Shadows Could March (1974), Obsession, News From Nowhere y Messages Received. Resalta la línea entre PIL, Dome y 4AD.




Red Mecca
Rough Trade, 1981

El final de esta etapa influencial del circuito electrónico de Europa. Incursionando cada vez más en el Industrial Pop, post-Kraftwerk/Eno, en Landslide. Inicios del Dark Electrónico en A Thousand Ways (10", precediendo otra vez a Tones On Tail y varios). Los pioneros de los Found Sounds, llenos de Cut-Ups e incidentes. Sonidos bailables con Red Mask (post-Joy Division, pre-Red Lorry Yellow Lorry, pre-Alien Sex Fiend), el Techno inteligente, post-Suicide. Split Second Feeling, Black Mask (pre-Body Electric de Sisters of Mercy), Spread the Virus y A Touch of Evil (abriendo y cerrando el LP).

Cabaret Voltaire empezaría una línea dirigida hacia el Techno-Dance que antecede al Dub Industrial de los belgas, holandeses y el EBM.







R.I.P. RICHARD H. KIRK.

"Para aquellos que se habían criado en los suburbios del sur de Inglaterra, convertirse en un militante de izquierda era una rebelión, una manera de autodefinirse por oposición a la condición pequeño-burguesa de sus padres. En Sheffield, donde la política de extrema izquierda era cosa de todos los días, lo rebelde era hacerse artista. La juventud disconforme de Sheffield se lanzaba hambrienta sobre cualquier fuente de estímulo a la que pudiera echar mano: música pop, arte, ropa glam, ciencia ficción o, mejor aún, una extraña combinación de todo eso junto. Para un Richard H. Kirk aún adolescente, ser miembro de la Young Communist League era casi como ir a misa todos los domingos. En vez de eso, Kirk se sentía irremediablemente atraído por la revuelta no constructiva y el irracionalismo tóxico del dadaísmo. Kirk amaba el movimiento artístico antiarte por antonomasia. El nombre, 'Cabaret Voltaire', respondía al club nocturno/galería de Zurich en donde Tristan Tzara, Hugo Ball y compañía habían recitado su poesía fonética mientras la Primera Guerra Mundial arrasaba Europa. Fue el ataque dadaísta al sentido y al gusto, junto con sus técnicas de collage, lo que disparó la imaginación de la banda. Los miembros de Cabaret Voltaire estaban especialmente fascinados con las técnicas de cut-up que Burroughs había desarrollado junto con Brion Gysin. La idea era cortar textos o sonidos y recombinarlos para interrumpir la linealidad de pensamiento; cada corte y cada empalme funcionaba como una grieta a través de la cual 'se filtra el futuro' (...). 
El 13 de mayo de 1975, Cabaret Voltaire dio su primer recital ante una sala llena de estudiantes pasmados. Tristan Tzara hubiera estado orgulloso de sus muchachos, que se las arreglaron para incitar un disturbio que nada tenía que envidiarle a ninguno de los provocados por los dadaístas. 'En lugar de algún tipo de percusión teníamos una grabación loopeada de un martillo pilón, y Richard tocaba un clarinete todo cubierto de parpadeantes lucecitas navideñas. Finalmente, todo terminó del único modo en que podía terminar, con la audiencia invadiendo el escenario y moliéndonos a palos', recordó Watson. En medio del tumulto, Mallinder se cayó del escenario, se fisuró un hueso de la espalda y tuvieron que llevarlo al hospital. Kirk blandía su clarinete como un garrote para repeler a los atacantes y terminó tirándole su guitarra casera a la audiencia: 'Todo el mundo estaba muy borracho, y sencillamente se descontroló todo'.”
Simon Reynolds, "POSTPUNK. Romper todo y empezar de nuevo":


CABARET VOLTAIRE

lunes, 20 de septiembre de 2021

UNA CONVERSA CON UNKNOWN ME :. Ahora la visión eres tú



UNKNOWN ME son 4 broders que provienen de Tokio y hacen una música de estilo "ambient embriagante". Su sonido lo decoran de florituras extraídas a diversos sintetizadores a lo que adicionan vocoders y armonías que harían la delicia de Dante en su recorrido por los luminosos círculos del Paraíso. Como expresáramos en su momento acá en da blog, "en una escena global donde la electrónica se encuentra asaltada por entes formulaicos y aburridos marketeados como si fueran lo más cool del arte actual por sus PR y magazines de siempre es un alivio y un grito de esperanza encontrarse con sellos y bandas como Not Not Fun y los japoneses Unknown Me que persisten en lo suyo, a saber, la música entendida como vida y sustancia no como bagatela ni moda." 

Lo que tenemos hoy para ustedes chikos de kromo es la conversa con estos bendecidos de la metamúsica. Nada ni nadie nos quitará lo soñado, ahora la visión eres tú.


¿Cómo surgió su proyecto, cuánto tiempo se conocen, en qué grupos han estado anteriormente?

Yakenohara, P-RUFF y H.Takahashi vivían en el vecindario y bebían para hablar sobre música ambient.
Mientras bebíamos varias veces, decidimos lanzar juntos una cinta de música ambient.
Eso fue hace unos cinco años, y lanzamos por primera vez como grupo en el verano de 2016.
Yakenohara, P-RUFF y Osawa Yudai se conocen desde hace más de 10 años.
(estábamos tocando en la misma escena de música dance).


Hacemos música de forma individual.


Yakenohara es un DJ de música dance profesional y ha estado pinchando en todo Japón durante más de 10 años.
Se ha unido al trabajo de Tatsuro Yamashita y también se ha unido a más de 100 trabajos como remixes y colaboraciones.
También ha lanzado un álbum con su banda y un álbum de rap.


P-RUFF es un DJ y creador de pistas.
Dirige un sello llamado radloop, que principalmente lanza discos de 7 pulgadas.


H.Takahashi es compositor y diseñador de espacios.
Ha lanzado 10 trabajos ambientales desde Japón y el extranjero.
También planea abrir una tienda de discos de su propio diseño en un futuro próximo.


Osawa Yudai trabaja principalmente como diseñador gráfico.
Se ha unido a UNKNOWN ME como diseñador visual y director de video en vivo.

(UNKNOWN ME)

¿Cuáles dirían que son sus principales influencias a la hora de componer?

Música y pensamientos de otra gente. Varias cosas que siento todos los días.
Añado nuevos sonidos o los modifico a partir de la inspiración para el sonido que sale o ya está ahí.

(Yakenohara)

Estoy influenciado por la música que estoy escuchando en ese momento, el sonido que los otros miembros tocan en esa canción y mis emociones en ese momento.

(P-RUFF)

El entorno y la mentalidad de la producción.

(H.Takahashi)

Estoy constantemente influenciado por la música que me hace sentir nuevo y bien.

(Osawa Yudai)

¿Cuál es vuestro equipamiento?

DAW de PC, sintetizadores suaves. También tengo varios sintetizadores de hardware y cajas de ritmos (TB-303, MC-202, TR-808, SH-2 y muchos otros instrumentos analógicos y digitales), pero no los uso tanto en estos días.
Para UNKNOWN ME, a menudo uso GarageBand en mi iPad para el intercambio de datos.

(Yakenohara)

A menudo uso sintetizadores, samplers y iPads de software y hardware.

(P-RUFF)

Utilizo GarageBand en mi iPhone.

(H.Takahashi)

Utilizo GarageBand en mi iPhone.

(Osawa Yudai)



¿Cómo es la escena ambiental etérea en Tokio? ¿Qué otros proyectos nos podrían recomendar?

Hasta donde yo sé, creo que la música ambiental estaba en la escena de la segunda sala del techno en los 90.
Después de eso, la electrónica fue bastante popular (tal vez la precisión se adaptara al temperamento japonés).
En los últimos años (¿quizás debido al Covid-19, más tiempo en casa?) c
reo que cada vez a más gente le gusta el revival de NewAge y la música ambient.
No creo que haya mucho evento o escena colectiva, ya que es música muy personal.

(Yakenohara)

No solo en Tokio, sino que siento que en los últimos años, los elementos ambientales se han incluido en varios géneros de música.
Me gustan las obras ambient creadas por artistas con varios estilos musicales, tanto estáticos como dinámicos, como parte de su trabajo.
Las pistas creadas por el artista con sede en Tokio "Yamaan" tienen una sensación ambient natural que encuentro atractiva.

(P-RUFF)

Durante un tiempo pareció haberse calmado, pero ahora parece haber reaparecido bajo la influencia de Covid-19.
Recomiendo “Ind_fris” como compositor japonés.

(H.Takahashi)

Parece que últimamente ha habido muchos lanzamientos interesantes.
Aunque no en Tokio, siento que la tienda de discos “Tobira Records” en Hyogo, que abrió el año pasado, tendrá un gran impacto en la escena ambiental de Japón.

(Osawa Yudai)

¿Ha implementado el gobierno japonés bonos para la cultura y los artistas debido a la pandemia? ¿Cómo han afrontado los casi 2 años de coronavirus?

El año pasado, la Agencia de Asuntos Culturales nos dio algo de dinero de apoyo.
En comparación con otros países, no puedo hacer un juicio claro sobre si el apoyo es rico o no.
He sido músico toda mi vida, pinchando y creando, pero estoy prácticamente desempleado.
Sin embargo, no cuento con el apoyo de otros.
Estoy estudiando varias cosas que nunca antes había tenido tiempo de hacer.

(Yakenohara)

Mis actividades no eran elegibles y no pude recibir una subvención.

(H.Takahashi)

Renuncié a la solicitud de la subvención a la mitad porque los formularios de solicitud eran complicados y el proceso de selección era muy estricto.
Incluso si no tuviera un trabajo, traté de crear algo todos los días y enviar información constantemente.

(Osawa Yudai)

¿Merzbow o Yellow Magic Orchestra?

¡Ambos son geniales!
Cuando era estudiante, invité a Merzbow a un evento. Es arte pop hardcore.
YMO es un grupo legendario de algunos de los artistas de música popular japonesa más talentosos del siglo XX.

(Yakenohara)

Creo que ambos me gustan y estoy influenciado por ellos. Personalmente, encuentro sus presentaciones en vivo más atractivas que sus lanzamientos.

(P-RUFF)

Me gustan los dos.

(H.Takahashi)

Los admiro a ambos como artistas, pero no son los artistas a los que suelo escuchar.

(Osawa Yudai)

¿Qué saben del Perú?

Perdón. No mucho (por supuesto, sé dónde está Perú en el mapa mundial).
Luego Alberto Fujimori y el Imperio Inca es lo que conozco.
Me gustaría saber más sobre ellos.
Por otro lado, me interesa cómo los peruanos escucharían nuestra música.

(Yakenohara)

Poco. No sucedió, pero yo quería ir a Machu Picchu cuando era estudiante.

(P-RUFF)

Me gustaría visitar Machu Picchu algún día.
He visto un documental de televisión sobre Perú antes y descubrí que es un país hermoso con una rica cultura e historia.

(H.Takahashi)

Había un restaurante peruano en Harajuku, Tokio, donde cené varias veces.
Realmente me gustaron los platos saludables que usaban ingredientes que no se encuentran en Japón.
Algún día me gustaría ir a Perú y probar la auténtica comida peruana.

(Osawa Yudai)

Además de la música, ¿qué otras expresiones les interesan?

Estoy interesado en la literatura, el cine y diversas formas de arte.
En estos días, estaba leyendo un libro sobre "Rimpa", una vieja pintura japonesa.

(Yakenohara)

Me gustan las películas, los libros, el arte, la bebida, el café, el desayuno, la estacionaria, la radio, los gatos, el skate, el baloncesto y los campamentos.

(P-RUFF)

Me interesa el espacio y la arquitectura.

(H.Takahashi)

Diseño gráfico.

(Osawa Yudai)

¿Cuál es tu sonido o experiencia sonora favorita?

Hay tantos (realmente tantos) que no puedo decidirme.
Solía ​​y todavía escucho música, la hago y me emociono.
En los últimos años he estado escuchando mucha música étnica y barroca.

(Yakenohara)

Me gusta la música que tiene la sensación de flotar.
Cada fiesta al aire libre a la que fui cuando era más joven fue muy emocionante.
Fui influenciado por varios LIVEs y DJs, pero tuve muchas experiencias increíbles con largos sets de Theo Parrish.
Durante las pandemias, me siento feliz cuando escucho música en mi sistema de sonido en mi habitación mientras bebo.

(P-RUFF)

Hay tantos, pero Evening Star de FRIPP & ENO, que tocaban en un baño público hace más de 10 años, fue una buena experiencia auditiva.
Todavía recuerdo ese tiempo a veces y lo uso para mi producción.

(H.Takahashi)

Música eléctrica y música similar.
Música en la que aparece un espacio frente al sistema de sonido.

(Osawa Yudai)

Planes futuros.

En cuanto a nuestros planes para UNKNOWN ME, estamos trabajando en la música para el proyecto de la revista.
Tenemos un concepto de álbum en el que hemos estado trabajando durante años y esperamos completarlo con éxito.

(UNKNOWN ME)




A CHAT WITH UNKNOWN ME :. Now the vision is you



UNKNOWN ME are 4 pals who come from Tokyo and make an "intoxicating ambient" style music. Their sound is decorated with flourishes drawn from various synthesizers to which they add vocoders and harmonies that would delight Dante on his journey through the luminous circles of Paradise. As we expressed at the time here in da blog, "in a global scene where electronica is assaulted by formulaic and boring entities marketed as if they were the coolest of current art for their PR and magazines of always is a relief and a cry of hope to find labels and bands like Not Not Fun and the Japanese Unknown Me who persist in their business, namely, music understood as life and substance, not as trifle or vogue."

What we have for you kids of khrome today is the conversation with these blessed ones of the metamusic. Nothing and no one will take away what we dreamed of, now the vision is you.



How did your project come about, how long have you known each other, what previous groups have you been in?

Yakenohara, P-RUFF, and H.Takahashi lived in the neighborhood and drank to talk about ambient music. 
While drinking several times, we decided to release a tape of ambient music together. 
That was about five years ago, and we released first as a group in the summer of 2016.
Yakenohara, P-RUFF, and Osawa Yudai have known each other for more than 10 years
(we were playing in the nearly same dance music scene).

We make music individually.

Yakenohara is a professional dance music DJ and has been DJing throughout Japan for over 10 years. 
He has joined Tatsuro Yamashita's work and has also joined over 100 works such as remixes and collaborations. 
He has also released an album with his band and a rap album.

P-RUFF is a DJ and track maker.
He runs a label named radloop, which mainly releases 7inch records.

H.Takahashi is a composer and space designer. 
He has released 10 ambient works from Japan and abroad. 
He is also planning to open a record store of his own design in the near future.

Osawa Yudai works mainly as a graphic designer.
He has joined UNKNOWN ME as a visual designer and live video director.
(UNKNOWN ME)

What would you say are your main influences when composing?

Other people's music and thoughts. Various things I feel every day.
I add new sounds or modify it from the inspiration for the sound that comes out or is already there.
(Yakenohara)

I am influenced by the music I am listening to at that time, the sound the other members play on that song, and my emotions at that time.
(P-RUFF)

The production environment and mentality.
(H.Takahashi)

I am constantly influenced by music that makes me feel new and good.
(Osawa Yudai)

What is your equipment?

PC’s DAW, soft synths. I also have various hardware synths and drum machines (TB-303, MC-202, TR-808, SH-2, and many other analog and digital instruments), but I don't use them that much these days.
For UNKNOWN ME, I often use GarageBand on my iPad for data exchange.
(Yakenohara)

I often use software & hardware synthesizers, samplers, and iPads.
(P-RUFF)

I use GarageBand on my iPhone.
(H.Takahashi)

I use GarageBand on my iPhone.
(Osawa Yudai)




What is the ethereal ambient scene in Tokyo like? What other projects could you recommend us?

As far as I know, I think ambient music was in the second room scene of techno in the 90s.
After that, electronica was quite popular (maybe the precision suited the Japanese temperament).
In recent years (maybe because of the Covid-19, more time spent at home?) I think more and more people like NewAge revival and ambient music.
I don't think there is much of an event or collective scene, as it is very personal music.
(Yakenohara)

Not only in Tokyo, but I feel that in the past few years, ambient elements have been included in various genres of music.
I like ambient works created by artists with various musical styles, both static and dynamic, as an aspect of their work.
The tracks created by Tokyo-based artist “Yamaan” have a natural ambient feel to them that I find appealing.
(P-RUFF)

For a while it seemed to have calmed down, but now it seems to have reappeared under the influence of Covid-19.
I recommend “Ind_fris” as a Japanese composer.
(H.Takahashi)

It seems like there have been a lot of interesting releases lately.
Although not in Tokyo, I feel that the record store “Tobira Records” in Hyogo, which opened last year, will have a big impact on the ambient scene in Japan.
(Osawa Yudai)

Has the Japanese government implemented any bonuses for culture and artists due to the pandemic? How have you coped with the nearly 2 years of coronavirus?

Last year, the Agency for Cultural Affairs gave us some support money.
Compared to other countries, I can't make a clear judgment on whether the support is rich or not.
I've been a musician all my life, DJing and creating, but I'm virtually unemployed.

However, I don't count on support from others.
I am studying various things that I have never had time to do before.
(Yakenohara)

My activities were not eligible and I was not able to receive a grant.
(H.Takahashi)

I gave up on the application for the grant halfway through because the application forms were complicated and the screening process was very strict.
Even if I didn't have a job, I tried to create something every day and constantly send out information.
(Osawa Yudai)

Merzbow or Yellow Magic Orchestra?

Both are great!
When I was a student, I invited Merzbow to an event. He's hardcore pop art.

YMO is a legendary group of some of the most talented Japanese popular music artists of the 20th century.
(Yakenohara)

I think I like both of them and am influenced by them. Personally, I find their live performances more appealing than their release. 
(P-RUFF)

I like them both. 
(H.Takahashi)

I admire both of them as artists, but they are not artists I usually listen to.
(Osawa Yudai)

What do you know of Peru?

Sorry. Not much (of course, I know where Peru is on the world map).
Then Alberto Fujimori and the Inca Empire I know.
I would like to know more about them.

On the other hand, I am interested in how Peruvians would hear our music.
(Yakenohara)

Not much. It didn't happen, but I have wanted to go to Machu Picchu when I was a student.
(P-RUFF)

I would like to visit Machu Picchu someday. 
I have seen a TV documentary about Peru before and found it to be a beautiful country with a rich culture and history.
(H.Takahashi)

There was a Peruvian restaurant in Harajuku, Tokyo, where I had dinner several times.
I really liked the healthy dishes that used ingredients not found in Japan.
Someday I would like to go to Peru and try real Peruvian food.
(Osawa Yudai)

Besides music, what other expressions interest you?

I am interested in literature, movies, and various art forms.
These days, I was reading a book on ”Rimpa”, an old Japanese painting.
(Yakenohara)

I like movies, books, art, drinking, coffee, breakfast, stationary, radio, cats, skateboarding, basketball, and camping.
(P-RUFF)

I am interested in space and architecture.
(H.Takahashi)

Graphic design.
(Osawa Yudai)

What is your favorite sound or sonic experience?

There are so many (really so many) that I can't decide.
I used to and still listen to music, make it, and get excited.
In recent years, I have been listening to a lot of ethnic music and baroque music.
(Yakenohara)

I like music that has a sense of floating.
Every outdoor party I went to when I was younger was so exciting.
I was influenced by various LIVEs and DJs, but I had many amazing experiences with long sets by Theo Parrish.
During pandemics, I feel happy when I listen to music on my sound system in my room while drinking.
(P-RUFF)

There are so many, but FRIPP & ENO's Evening Star, which was playing in a public bath more than 10 years ago, was a good listening experience. 
I still remember that time sometimes and use it for my production.
(H.Takahashi)

Electric music and similar music.
Music in which a space appears in front of the sound system.
(Osawa Yudai)

Future plans.

As for our plans for UNKNOWN ME, we’re working on music for the magazine project. 
We have an album concept that we have been working on for years, and we’re hoping to complete it successfully.
(UNKNOWN ME)


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y las patrullas no sirven para nada

ANTHOLOGY OF EXPERIMENTAL MUSIC FROM PERU

perú post indie

Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños.
Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo...
Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?


FRED ROHNER
Historia Secreta del Perú 2

as it is when it was

sonido es sonido

sonido es sonido

)))))))))))))))))))))))))))))))

lefty

lefty

the joy of being

NARNIA RULZ DICES??

NARNIA RULZ DICES??
"EL GLAMOUR ES EL AURA DE LOS IMBÉCILES"