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MUKI REC

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jueves, 4 de marzo de 2021

UNA CONVERSA CON DIEGO FAUCHEUX AKA ÁRBOL .: Casi nadie habla de la desconexión generacional en la escena experimental



Diego Faucheux es uno de los creadores sonoros de reciente aparición en nuestra grisácea ciudad. Sus inicios con el metal fueron violentados cuando a los 18 años presenció el recital de Krzysztof Penderecki y desde entonces su sentido de lo que es o no música cambió irremediablemente. Integra junto a Mauricio Moquillaza, otro argonauta del sonido, el proyecto Paundra y bajo el alias de Árbol entregó "Estados de Excepción" (1049 Records, 2020); un documento de "ruido controlado con algunas reminiscencias a los clásicos del sello Mego y a capos como Tim Hecker y Fennesz." La carrera de Faucheux apenas empieza y en da blog creemos que será de las más proyectadas de su generación.  


¿Por qué Árbol?

Hay muchas explicaciones para esto, una de ellas parte de 2 películas de Andrei Tarkovsky que son La infancia de Iván (su primera película) y El Sacrificio (su última película) en donde hay escenas donde un niño aparece al lado de un árbol, en la primera el árbol está lleno de hojas y vivo, en la segunda el árbol está semi muerto o moribundo, pero se le intenta recuperar. Es una imagen muy fuerte para mi que corresponde al recorrido a través del tiempo de un ser vivo, el árbol representa para mí en este caso, la construcción de la imagen viva del paso del tiempo y sus cambios, sus luchas, sus estados; todo esto registrado en su madera, en su crecimiento, en su corteza. Por otro lado, los árboles crecen y se mueven para buscar la luz, hay unos que crecen entre sombra y tienen que ir moviéndose lentamente para poder encontrar la luz del sol, he de ahí que algunos tienen formas muy extrañas, algunos hasta van al ras del piso y luego de 2 metros de recorrido recién se elevan. Todo el viaje en busca de luz está registrado en su forma, todo. Además, hay una belleza aleatoria dentro de su forma, las ramas las hojas, si las observas bien, tienen un recorrido bellamente generativo, es alucinante. Todo eso siento que me identifica, tanto personalmente como estética o poéticamente. Podríamos hablar más sobre esto.

¿Qué es para ti la música experimental?

Bueno, realmente yo discrepo en parte con esta nominación. En primer lugar, se confunde mucho aquello que no entra en una categoría especifica como experimental, o en el peor de los casos; a todo lo que suena raro y fuera de lo estandarizado se le llama también experimental. Lo experimental para mi es toda aquella creación que tiene una línea o un fin de descubrir nuevas aproximaciones, técnicas o estéticas dentro de la composición. Pero no siempre que uno escucha una creación que desafía los límites de la estructura sonora es realmente experimental porque puede ser también el resultado de un proceso de elementos ya practicados o interiorizados con un enfoque estructural no experimental; y a la vez, puede sonar totalmente abstracto y desafiante. Es realmente un término bastante vago para aglomerar cierto tipo de música, como la mía, por ejemplo, que no considero experimental del todo. Verás, tengo amigxs que hacen cosas mucho más digeribles, como trap y neo soul y cuando hablamos de procesos siento que ellos son mucho más experimentales que yo jaja y de hecho aprendo un culo también. Todo puede ser experimental en todo caso. Mal uso del término en nuestro contexto creo, muy superficial o estereotipado.

¿Entonces cómo calificas o llamas a lo que produces?

Creo que trabajar el sonido nada más, o sea esculpirlo. Es solo como coger el fenómeno del sonido y darle forma, tallarlo, armarlo, romperlo, etc. No se si esté bien tratar de nominar este tipo de aproximación hacia la creación, o sea es muy personal. Cada uno suena a su manera, crea su propia poética, su propia estética. Cuando se rompe la barrera del estilo, del género es así, uno suena propio; cuando realmente se hace a conciencia claro.




¿Qué aparatos y/o software utilizas?

Usualmente uso 2 controladores MIDI, el Evolution UC-33 que considero como una obra maestra ya descontinuada de controladores MIDI de la primera década del 2000; luego el Launchpad Mini de Novation, el cual me ayuda demasiado para moverme por el Ableton sin que parezca que estoy jugando Counter. En softwares principalmente uso 2, Ableton para tocar en vivo y componer live sets y para edición, mezcla o composición de estudio utilizo REAPER. También uso entornos de programación cómo Pure Data y Max/MSP. Este último más que nada porque estoy mucho más familiarizado. Max esencialmente lo utilizo para 2 motivos puntuales: Elaborar algoritmos de síntesis para grabar samples de texturas generativas y otras cosas, siempre para coger samples y luego llevarlos al Ableton (proceso que aprendí gracias a Oscar Recarte); segundo, crear instrumentos para Max for live en Ableton, una herramienta alucinante que te permite utilizar y configurar tus patches de Max dentro del Ableton Live, uff.

¿Cuáles dirías que son tus influencias para abordar el sonido?

Yo escucho demasiada música, enserio mucha música, no sabría específicamente decir mis influencias, siento que provienen de muchos ángulos. Creo que el momento más interesante de mi vida fue cuando comencé a escuchar música académica. Ahí ocurrió un quiebre porque antes de eso era un chibolo metalero y webonaso. Con la música académica brotó todo; empecé por lo básico, siglo XIX hacia atrás, luego caí en el siglo XX y mi cerebro se derritió. Luego vi a Penderecki en el teatro nacional en 2014, fui con mi vieja. Luego de esa experiencia algo paso en mí. A la par escuchaba siempre música distinta, como música de cantautor, guitarra, etc. Una actividad que me gusta mucho hacer que casi nadie sabe es tocar canción, tengo un amigo que es un cantautor fenomenal que se llama Santiago y desde que lo conocí me pegó el gusto muy fuerte de escuchar canción, buena canción; pero esa es otra historia. Posterior a Penderecki le entré a los compositores peruanos de la década del 50, luego uno de los guitarristas de Parahelio, Rafael (con quien estudiaba en la universidad), me mostró Brian Eno, de ahí caí en Tim Hecker (mi más fuerte influencia creo), cuando me juntaba con Mauricio, apareció el Free Jazz y la impro libre. En 2018 estudiaba guitarra clásica, me pegué con Leo Brower denso. Es demasiado, no se cómo seguir esto. Lo más reciente creo fue que un amigo que conozco desde que éramos crías que es productor musical me mostró lo que estaba escuchando y tipo era como trap, neo soul, pop pero muy bien hecho muy bien compuesto y bastante creativo; entre esta gente me mostró a Nicolas Jaar. Los bajos me llamaron demasiado la atención, el diseño de sonido, de su potencia, de su golpe, de su ataque. El nuevo material que voy a lanzar este año tiene mucho de esa apropiación. En fin, supongo que es suficiente con esto. Olvidé mencionar que me encanta el cine, soy muy pegado al cine y de hecho muchas veces he pensado en dejar el sonido y dedicarme al filme. Las películas que veo de hecho tienen un impacto fundamental en el desarrollo de mi universo estético a través del sonido.

¿Además de la música experimental qué otras actividades desarrollas?

Me dedico también a la gestión cultural, eso es algo que me gusta mucho hacer. Crear proyectos, gestionar acciones en pro del arte nacional. Ahora estoy trabajando en el Paradero Cultural de la mano con Henri. A favor de la escena sonora peruana también, que es de donde provengo.

Ahora estoy bastante pegado con Hydra, plataforma de live coding visual. Me gustaría mucho empezar a programar visuales para otros artistas, está en mis planes.

Finalmente me dedico también a enseñar, mi principal fuente de ingresos. Por ahora estoy dictando un curso de Max que he elaborado con los años y que lo dicto de forma personalizada tanto dentro de LATAM como fuera.

Tu opinión sobre la escena alterna/experimental local.

En estos últimos meses me he ido dando más cuenta que la escena es más grande y tiene más archivo histórico del que pensaba. Me preocupa la desconexión que existe entre generaciones pasadas y las actuales, es un poco preocupante. Casi nadie habla de eso o sabe de eso.

Hasta antes de la pandemia la escena local emergente estaba llegando con todo. Esta situación definitivamente nos ha debilitado a mil, pero, desde el lado positivo, ha ayudado a crear lazos entre Latinoamérica y otras partes del mundo. Eso está rebueno, pero por el momento muchxs siguen preocupados por esta situación. No será lo mismo definitivamente. Espero realmente que organizándonos podamos sobre pasar todos los retos.

¿Qué estás escuchando estos días?

Durante los últimos 2 meses me enganché con las compilaciones de Unexplained Sounds Group. Todas son alucinantes y tienen demasiado contenido para escuchar y aprender. De hecho, mañana viernes 5 de marzo sale la de Perú en donde tengo el agrado de formar parte. Por otro lado, he estado escuchando bastante de IDM. Tengo unos roomates que provienen de la escena criolla y me han prestado unos discos que han grabado, he estado escuchando un poco de eso también. He estado viendo mucho a un artista dinamarqués de instalación sonora Christian Skjødt Hasselstrøm, demasiado bueno, pero ya demasiado, puede buscarlo en YouTube y ver su trabajo. Ya por último me pegué con el saxofonista Bendik Giske desde que escuché su versión para saxo de Fantas de Caterina Barbieri; de hecho, ese álbum saldrá en abril. Son puros reworks de Fantas, increíble.


martes, 2 de marzo de 2021

Reseña: SEXORES - Salamanca (Buh Records, 2020)



Teniendo como eje una mutación dark wave coloreada de ruido y ambient, la formación ecuatoriana Sexores hereda en su último álbum (¿el quinto?) un tributo "a todas aquellas mujeres asesinadas injustamente en épocas cuando las instituciones temían que el poder pierda su centro patriarcal" o así nos lo hacen saber en las liner notes del release. La música que transmite "Salamanca", generosa en cuerdas, distorsiones y voces de ensueño, está diseñadas para despertar las más recónditas fuerzas. Femenino a más no poder estamos ante la insólita presencia de una fantasía que se/nos pierde entre bosques, orgías y profanaciones milenarias. 

Si Nico y su obra solista, tan sónica y altisonante, se erige acá como diosa madre no podemos dejar de sentir el pálpito de grupos como Swallow (la voz de Emi Bahamonde remite al "Hush" EP de los ingleses) y artistas como Cossey Fanni Tutti. La letra ha sido extraída de una investigación en el folklore de varios puntos del planeta. Una jugada que devela cierta afinidad con la magia y los ritos iniciáticos. A destacar la participación de otros miembros de la cofradía darky latina como la peruana Noelia Cabrera e Itzel Noyz, de Mexico, en tracks como "Hannya" y "Volantía"; este último quizá el single del disco: un himno refractario de las energías de All About Eve, Lush y The Charlottes

Sexores ha confeccionado una gema de la música latina a la altura del "Treasure" de Cocteau Twins o el "En cielo de océano" de Silvania. Pasarán las lunas y miles retornarán a él para perder-se(r). El poder de la serpiente.

Wilder Gonzales Agreda.


lunes, 1 de marzo de 2021

Rocola Invisible: KEVIN SHIELDS/MY BLOODY VALENTINE



Testeado por David Keenan

Extraído del Invisible Jukebox de The Wire (Marzo de 1999)

Inspirado por el pop extático de los años 60 y el garage punk, Kevin Shields formó My Bloody Valentine en 1984 junto a Deb B Googe, Colm O'Ciosoig y Dave Conway. En la base de discos tan naif seguidor como The New Record By ... EP y "Sunny Sundae Smile", el grupo se unió a la entonces naciente renovación del punk rock DIY / C86. En 1987, Bilinda Butcher reemplazó a Dave Conway en el mini-álbum "Strawberry Wine" 12 "y Ecstasy. Para entonces, la estética de guitarra alucinógena de Shields había comenzado a tomar forma. Perfeccionó esta versión hard-rock pero soñadoramente borrosa del rock / pop clásico en los EP You Made Me Realise y Feed Me With Your Kiss de 1988. Con el aclamado álbum Isn't Anything (Creation), Shields volvió a colocar la maravillosa invención de la guitarra en el mapa del Reino Unido. En vivo, MBV ahora era propenso a levantar paredes de una sola nota que duraban 30 minutos o más. Después del lanzamiento del álbum Loveless de 1991, Creation aparentemente no pudo continuar financiando las legendarias sesiones de estudio prolongadas del grupo, y MBV firmó con Island. Hasta el momento, no ha surgido música del acuerdo; el grupo se ha separado, y Shields ha permanecido prácticamente invisible durante los últimos ocho años. En los últimos 18 meses ha comenzado a salir de portada, trabajando junto a Sonic Boom, Kevin Martin y Eddie Prevost en EAR, y remezclando a Primal Scream, Mogwai, The Pastels y Mercury Rev. Creation planea publicar una compilación de EPs de MBV y pistas raras; mientras tanto, un nuevo álbum aparentemente está listo para salir, y fresco por una aparición especial con The Flaming Lips en 1998, Shields incluso planea tocar en vivo nuevamente. The Jukebox fue su primera entrevista desde el lanzamiento de Loveless.


MUSICA TRANSONIC
"First track" de Musica Transonic (PSF)




Suena como una grabación en vivo. Lo que es realmente extraño es este tipo que me describió un grupo el otro día llamado The Dead C. Estaba diciendo que eran básicamente un grupo de rock que hacía cosas realmente "jazzísticas". Suena notablemente similar a esto.

No son ellos.

¿Quién es entonces?

Musica Transonic de Tokio, uno de una nueva ola de increíbles grupos japoneses. Sus niveles de distorsión son similares a ese pasaje eterno de un acorde que solías tocar en medio de "You Made Me Realize" ...

En realidad, no era un acorde, eso es un mito, era solo una especie de improvisación, no exactamente aleatoria, en el último acorde de la canción. Sonaba como un acorde porque tenías el sonido de los altavoces rompiéndose muy fuerte.

Si te gusta ese tipo de cosas, te encantará la nueva música japonesa.

Cuando solíamos tocar en Japón, era bastante sorprendente. A todos les encantaba esa sección de ruido. Todo el mundo estaba al 100 por ciento. También había países enteros donde no les gustaba.

¿Qué países lo odiaban?

[Inmediatamente, riendo] Alemania. Y también Canadá e Irlanda. A Dublín no le gustaba mucho y no les gustó mucho en Holanda. Ya les gustaba en Gran Bretaña, Francia y la mitad de América ...

¿Costa este?

Bueno, la gente de Los Ángeles se sintió un poco rara al respecto, pero a Detroit le encantó y a Nueva York le gustó. Encontraríamos áreas enteras donde la gente estaría interesada. Australia no estaba interesada; bueno, no en el nivel en que la gente de otros lugares se involucró.

¿Fue esto algo que siempre hacías? Como, "¿Esta noche me gustaría hacerlo durante una hora"?

Principalmente lo hacíamos hasta que la audiencia parecía agotada. Siempre fue un gran alivio para nosotros. No sé cuál fue el más largo: pierdes la noción del tiempo. Fuimos a 40 minutos o más en 30 o 40 ocasiones, eso era casi el promedio cuando hicimos la segunda gira estadounidense. Cuando comenzamos a tocar en lugares grandes con grandes audiencias, comenzamos a desconectarnos de ellos y simplemente nos metíamos. Por lo general, había algún tipo de club después, así que no importaba si terminábamos tarde. Cuando llegaba la medianoche la gente empezaba a bailar [risas].



RAFAEL TORAL
"Wave Field (Radio Edit)" de Wave Field (Dexter's Cigar)




No, nunca había escuchado esto antes.

Es un tributo a My Bloody Valentine.

¿Qué? ¿En serio? [Mira la portada, un pastiche de la portada de Loveless, y se ríe] ¡Eso es extraño!

Es un artista portugués.

La portada es genial. Creo que musicalmente no se relaciona realmente, es lo suyo. Parece indulgente en el hecho de que se permite estar completamente en lo que está haciendo y no preocuparse de que la gente lo perciba de cierta manera, o de que no esté progresando o cubriendo nuevos caminos. Los pequeños lanzamientos subterráneos son geniales. Con suerte entraré en eso porque ese es el tipo de cosas que podrían liberarme. Hacer cosas con extrema indulgencia y no tener que promocionarlas demasiado o intentar salir de gira.

Es difícil cuando tienes un albatros colgando de tu cuello, que es como algunas personas podrían ver el legado de un grupo como MBV.

Intenté hacer un disco de My Bloody Valentine durante tres o cuatro años y descubrí que estaba creando áreas y conceptos completos. Me volví demasiado conceptual, que es donde me equivoqué. Intentaba conscientemente estar a la altura de algunas de las ideas en mi cabeza que, simplemente tratando de articularlas, se convirtieron en conceptos. Me había influenciado el drum 'n' bass, todo este concepto de tiempo libre en el que las cosas simplemente iban a la deriva. Por eso me gusta mucho el folk-blues, porque me gustaba que, cuando tocaban con los dedos, en realidad era un tipo de improvisación, un estilo de punteo de forma libre. No se repite, sino que sigue. La sincronización del acorde cambia y el lugar donde vienen los bits individuales es aleatorio. Muchas de las primeras cosas de drum 'n' bass son así, con esas trampas desgarradoras repitiéndose. Estaba lleno de eso, todo tipo de tensiones y explosiones.

Si hubieras hecho un disco de MBV inmediatamente después de Loveless, ¿habría sido un disco de drum 'n' bass?

Realmente influenciado por el drum 'n' bass. Lo hubiéramos ralentizado. Estábamos usando el marco de drum 'n' bass de la batería estilo jazzy de forma libre, pero con un estilo y una sensación más de ritmo medio.

¿Han cambiado tus ideas ahora?

Bueno, hay alrededor de la mitad de un álbum de material que definitivamente saldrá. Cosas que siempre me han gustado porque son bonitas melodías y la música no ha pasado de moda. Hay una canción que tiene un estilo drum 'n' bass de 160 bpm, excepto que se basa principalmente en una caja, como un efecto de montaña rusa constante, o como una mezcla de un tren y una montaña rusa. Tiene muchas fases y distorsiones, así que en lugar de sonar como una pista de batería, suena como una especie de pista de ritmo extraño.

¿Es todo puramente percusivo?

Tiene guitarra y voz mía en ese. Hay letras pero no está terminada. Algo melódico de los sesenta, es agradable. Me las arreglé para igualar el efecto de montaña rusa de esos tambores rápidos con cambios de acordes optimistas ala Beach Boys. Bueno, Bacharach meets Beach Boys. Se siente natural. Ahí es donde estuvimos durante mucho tiempo.


...


THE DEAD C.
"Helen Said This" de World Peace et al (Shock)




Esto me recuerda algo, algo muy oscuro. Suena como un concierto, una cinta en vivo. ¿Recuerdas una banda llamada God?

Por supuesto...

Alrededor de 87-88 había mucha gente haciendo este tipo de cosas, muchas cosas bastante pesadas. Esto realmente me recuerda a ese período. Suena bastante cansado, resignado; probablemente sea diferente si estás en la habitación con ellos. El tono suena infeliz pero sin ser miserable. Melancólico. En los 80 así era todo el mundo. Todo el mundo estaba jodidamente infeliz. Nadie pensó nunca que llegarían a ser masivos o exitosos. Esto me recuerda a esa cosa realmente lenta y fúnebre en la que Swans se metía. Repetitivo pero bastante roto y alargado. Algo de voz que está ahí.

Entonces, ¿qué pasó en los 90? No me sentí ningún animador.

Bueno, lo que quiero decir es que no había underground en los 90. En lugar de todas estas bandas tocando en el sótano de los pubs, el underground se aisló por completo. Literalmente impenetrable. Todos los demás, debido al Grunge, Madchester, lo que sea, tenían la idea de que podías llegar a la cima y vender millones de discos. El término medio, que era el underground de los 80, quedó completamente ocupado por gente que, como las bandas de garage de los 60, no tenían ninguna filosofía que impidiera el éxito comercial. Eso es lo que los 60 y los 90 tenían en común, y la música rock se entiende muy bien, se conceptualiza. Incluso con nosotros. Nuestro asunto del ruido era viejo. Lo original de nuestro grupo fue que era música muy femenina, no suave; lo femenino puede ser extremadamente pesado. Cuando piensas en lo que es una mujer, la música femenina no es menos pesada que la masculina. Su fuerza es que te atrae. Cuando la gente decía que no teníamos sentido o que simplemente no estábamos enfocados y no teníamos nada que decir, fue un malentendido masivo de ese tipo de energía, solo viendo el lado superficial de ella. Era una música ridículamente enfocada. Tenía que ser así. Este mito sobre mí siempre rehaciendo esto - ¡100 por ciento tonterías! Solo había una forma de hacer esas pistas. Nunca hice nada dos veces. La mayoría de lo que la gente piensa de nosotros es basura de los medios y nunca me he molestado en aclararlo. Nadie escucha de todos modos. Simplemente nos convertimos en un adjetivo negativo. "Muy flojo".

MBV era un grupo muy sensual.

Pero no sexual funky. La gente piensa que muchos grupos fueron influenciados por lo que hicimos, pero yo solo creo que las cosas generalmente se están volviendo más femeninas. Lo femenino existe en todas las personas; todos somos un equilibrio. Seguimos viviendo en un país muy machista. Estados Unidos es probablemente el país más machista, seguido de cerca por Irak, casualmente los dos mayores enemigos. Están obsesionados el uno con el otro: ¡los dos hombres más grandes del planeta se agarran las pelotas y se gritan el uno al otro! Esta cosa de supermacho es la gran amenaza. Como el jazz, el drum 'n' bass te absorbe de esa manera. John Coltrane es femenino para mí. Es música que realmente se siente. Si realmente tienes algo, entonces puedes salirte con la tuya. [Risas] ¡Puedes! Puedes hacer cosas que deberían considerarse patéticas. Mucho de lo que hicimos podría considerarse patético y nuestros detractores siempre dijeron que éramos vagos e indecisos. El caso es que significó mucho. Mire a The Pastels y a nosotros ahora, la gente nunca nos tomó en serio a ninguno de los dos al principio, pero estábamos tan metidos en lo que estábamos haciendo que estábamos decididos a que a nadie le preocupara.

¿Cómo hemos acabado aquí? Solo puse The Dead C.

De verdad, ¿eso fue entonces? Espera, reprodúcelo de nuevo. Espera, ahora lo recuerdo. De hecho, necesito escuchar más, ¿puedes volver a tocarlo? Un chico de Nueva Zelanda estaba entusiasmado con ellos. Dije que debería traerlos aquí para tocar ...


TONY CONRAD
"4 violins" from Early Minimalism (Table of the Elements)



Lo primero que me viene a la mente es que sería una gran idea para un grupo, montones de chicos en el escenario con armónicas pasadas por algún tipo de pedales. ¡Realmente podrían hacer mucho ruido! [Rompe a reír] Comentarios, bueno, probablemente no obtendrías mucho más que tonos realmente pesados. ¡Me encanta! Todos esos armónicos de fondo, se consiguen con este efecto de "albóndiga" con el que he estado jugando. Destaca todos estos extraños armónicos que acechan allí. En realidad, es muy variado y realmente atrae. No está tratando de hacer una declaración intelectual. Incluso si lo es, es impresionante para alguien que viene desde una perspectiva intelectual.

¿Sabes quién es?

No. ¿Es John Cale?

Casi...

¿Entonces quién?

Tony Conrad.

No lo conozco.

Tocó con Cale junto a LaMonte Young en The Dream Syndicate.

También podría ser un grupo de tipos con esos tubos giratorios de juguete que giras sobre tu cabeza. Me encantaba The Velvets en el sentido de que aquí había un grupo que realmente podía hacer lo que quisieran: música realmente suave o extrema, desgarrada, violenta. Sin embargo, nunca fueron divertidos, como los grupos de garaje con su postura punker adolescente. Incluso si fue en contra de su voluntad que Nico se uniera al grupo, esa fue una de sus grandes bendiciones porque les permitió tener ese enfoque femenino más fracturado. Es una sensación de "tómalo o déjalo". No está desesperado por convertirse.


...


THE BEATLES
"Strawberry Fields Forever - Take 25" From Nothing Is Real (CD pirata)

Strawberry Fields Forever (Take 25) from Roger Klug on Vimeo.



¡Guau! ¡Ahora, toco esta música cuando necesito sentirme bien! De donde es esto

Es un pirata con todas las tomas de "Strawberry Fields Forever".

¡Guau, oh, guau! Necesito conseguir esto. Encontraré esto. Tengo aproximadamente la mitad de las tomas de otro bootleg, una cosa general de The Beatles. Me encantaría poder escribir una canción como esta. Esa es una de mis grandes ambiciones en la vida. Quiero decir, porque esto no llegó al número uno, ¡fue visto como un fracaso para The Beatles! Ridículo. Todavía soy un gran fan de los Beatles. Las únicas bandas cuyas canciones puedo tocar con la guitarra son The Beatles, The Byrds y The Ramones. Siempre me ha fascinado la secuencia de acordes de "Eight Miles High", tan simple e inspirada, como "Strawberry Fields". Me identifico con las idiosincrasias de sincronización de John Lennon, no fueron planeadas, solo necesitaba hacerlas. Vamos, ¿puedo escuchar algo más de esto? Cíñete a la primera toma.




Tested por David Keenan

Excerpt from The Wire's Invisible Jukebox. March 1999.

Inspired by ecstatic 60s pop and garage punk, Kevin Shields formed My Bloody Valentine in 1984 alongside Deb B Googe, Colm O'Ciosoig and Dave Conway. On the bass of such faux naif records as The New Record By... EP and "Sunny Sundae Smile", the group was bundled in with the then nascent DIY/C86 punk rock renewal. In 1987, Bilinda Butcher replace Dave Conway on the "Strawberry Wine" 12" and Ecstasy mini-album. By now Shield's hallucinogenic guitar aesthetic had begun to take shape. He perfected this hard-rocking yet dreamily blurred take on classic rock/pop forms on 1988's You Made Me Realise and Feed Me With Your Kiss EPs. With the highly acclaimed Isn't Anything album (Creation), Shields put blissful guitar invention back on the UK map. Live, MBV were now prone to raising walls of single note feedback lasting 30 minutes and longer. Following the release of the 1991 album Loveless, Creation were apparently unable to continue funding the groups legendary elongated studio sessions, and MBV signed to Island. As yet, no music has emerged from the deal; the group have parted company, and Shields has remained virtually invisible for the last eight years. In the last 18 months he has begun to break cover, working alongside Sonuic Boom, Kevin Martin and Eddie Prevost in EAR, and remixing Primal Scream, Mogwai, The Pastels and Mercury Rev. Creation plan to issue a compilation of MBV EPs and rare tracks; meanwhile, a new album is apparently ready to go, and fresh from a guest appearance with The Flaming Lips in 1998, Shields is even planning to play live again. The Jukebox was his first interview since the release of Loveless.


MUSICA TRANSONIC
"First Track" from Musica Transonic (PSF)



This sounds like a live recording. What's really weird about it is this guy describing a group to me the other day called The Dead C. He was saying they were basically a rock group doing really "jazzy" freakout kind of stuff. It sounds remarkably similar to this.

That isn't them.

Who is then?

Tokyo's Musica Transonic, one of a new wave of incredible Japanese groups. Their levels of distortion are similar to that eternal one chord passage you used to play in the middle of "You Made Me Realise"...

It wasn't actually a chord - that's a myth - it was just a sort of jam, not exactly random, on the last chord of the song. It sounded like a chord because you had the sound of the speakers breaking up really heavily.

If you like that kind of thing, you'd love a lot of the new Japanese music.

When we used to play in Japan it was quite amazing. Everyone loved that noise section. Everyone was 100 per cent into it. You also had whole countries where they didn't like it.

Which countries hated it?

[Inmediately, laughing] Germany. And Canada and Ireland as well. Dublin didn't really like it that much and they didn't really like it in Holland. They already like it in Britain, France and half of America...

East Coast?

Well, LA people felt a bit weird about it, but Detroit loved it and New York was into it. We'd find whole areas where people would be into it. Australia wasn't into it; well, not on the level that people elsewhere got into it.

Was this something that you'd always do? Like, "Tonight I fancy doing it for an hour"?

Mostly we did until the audience seemed exhausted. It was great relief for us, always. I'm not sure what the longest one was -you lose track of time. We went to 40 minutes or over on 30 or 40 occasions- that was almost average by the time we did the second American tour. When we began to play big places with large audiences, we began to disconnect from them and just got into it. There'd usually be some kind of club on afterwards so it didn't matter if we ended late. When it got to midnight, people just started dancing [laughs].



RAFAEL TORAL
"Wave Field (Radio Edit)" from Wave Field (Dexter's Cigar)





No, I've never heard this before.

It's a My Bloody Valentine tribute.

What? Really? [Looks at the sleeve, a pastiche of the cover of Loveless, and laughs] That's bizarre!

He's a Portuguese artist.

The cover's great. I think musically it doesn't really relate, it's his own thing. It seems indulgent in that he's allowing himself to be completely into what he's doing and not worrying that people will perceive this in a certain way, or that he's not making progress or covering new ground. Small underground releases are great. I'll hopefully get into that because that's the sort of thing that could free me up. To do stuff extremely indulgently and not have to over-promote it or try to go on tour.

It's difficult when you've got an albatross hanging round your neck, which is how some people might view the legacy of a group like MBV.

I tried to make a My Bloody Valentine record for three or four years and I found that I was creating whole areas and concepts. I became too conceptual, which is where I went wrong. I was self-consciously trying to live up to some of the ideas in my head which, through just trying to articulate them, turned into concepts. I'd been influenced by drum 'n' bass, this whole concept of free time where things just kind of drifted along. That's why I like a lot of folk-blues stuff, because I was into the way that, when they do the finger picking, it's actually a type of jam, a freeform picking style. It's not repeating itself but just going along. The timing of the chord changes and where the individual bits come is all kind of random. A lot of the early drum 'n' bass stuff is like that, with those ripping snares repeating. It was full of that, all kinds of tensions and explosions.

If you'd made an MBV record straight after Loveless, would it have been a drum 'n' bass record?

Really drum  'n' bass influenced. We would have slowed it down. We were using the drum 'n' bass framework of jazzy freeform style drums but with a more mid-paced style and feel.

Have your ideas changed now?

Well, there's about half an album's worth of stuff that will definitely come out. Stuff that I've always like because they're nice tunes and the music hasn't dated. There's one song that's 160 bpm drum 'n' bass style, except that it's mostly snare-based, like a constant rollercoaster effect, or like a mixture of a train and a a rollercoaster. It's really heavily phased and distorted, so instead of sounding like a drum track it sounds like a kind of strange rhythm track.

Is it all purely percussive?

It's got guitar and vocals by me on that one. There are lyrics but it's not finished. Kind of 60s melodic - it's nice. I managed to match the rollercoaster effect of those quick drums with kind of optimistic Beach Boys chord changes. Well, Bacharach meets Beach Boys. It feels natural. That's where we were for a long time.



THE DEAD C
"Helen Said This" from World Peace et al (Shock)



This reminds me of something - something very obscure. Sounds like a gig, a live tape. Remember a band called God?

Of course...

Round about 87-88 there were a lot of people doing this sort of thing, a lot of pretty heavy stuff. This really reminds me of that period. It sounds quite tired, resigned; it's probably different if you're there in the room with them. The tone sounds unhappy yet without being miserable. Melancholic. In the 80s that's the way everyone was. Everybody was really fucking unhappy. No one ever thought that they would become massive or  be succesful. This reminds me of that real slow, dirge thing that Swans would get into. Repetitive but quite broken up and elongated. Some vocal which is just there.

So what happened in the 90s? I didn't feel any cheerler.

Well, what I mean is that there was no underground in the 90s. Instead of all these bands playing in the basement of pubs, the underground became totally isolated. Literally impenetrable. Everyone else, because of Grunge, Madchester, whaterver, had this idea that you could go to the top and sell millions of records. The middle ground, which was the underground of the 80s, got completely occupied by people who, like the 60s garage bands, didn't have any philosophy that would prevent commercial succes. That's what the 60s and 90s had in common - and rock music is very understood - it's conceptualised. Even with us. Our noise thing was old hat. What was original about our group was that it was very feminine music - not soft; feminine can be extremely heavy. When you think of what a woman is, feminine music is no less heavy than a male. Its strength is that it drawys you in. When people said we were meaningless or just unfocused with nothing to say, it was a massive misunderstanding of that type of energy, only seeing the superficial side of it. It was ridiculously focused music. It had to  be just like that. This myth about me always re-doing this - 100 per cent bollocks! There was only ever one way to do those tracks. I never did anythwing twice. Most of what people think of us is just media crap and I've never bothered to clear it up. No one listens anyway. We were simply turned into a negative adjective. "So lazy".

MBV were a very sensual group.

But not funky sexual. People think a lot of groups were influenced by what we did, but I just think that things are generally becoming more feminine. Feminine exists in all people; we're all a balance. We still live in a very macho country. The USA is probably the most macho country, closely followed by Iraq - coincidentally the two biggest enemies. The're obsessed with each other - the two biggest men on the planet are both grabbing their balls and screaming at each other! This supermacho stuff is the big threat. Like jazz, drum 'n' bass sucks you in in that way. John Coltrane is feminie to me. It's music that really feels. If you really something, then you can get away with murder. [Laughter] You can! You can do things that should be deemed pathetic. A lot of what we did could be deemed pathetic and our detractors always said we were vague and wishy-washy. The point is, it meant a lot. Look at The Pastels and us now - people never took either of us seriously at first - but we were so into what were doing we were resolved to no one caring.

How did we end up here? I just played The Dead C.

Really, that was then? Hang on, play it again. Wait, I remember it now. Actually I do need to hear more, can you play it again? Some New Zealand guy was raving about them to me. I said he should bring them over here to play...


...


TONY CONRAD 
"4 violins" from Early Minimalism (Table of the Elements)



The first thing that springs to mind is that would be a great idea for a group, loads of guys onstage with harmonicas put through some kind of pedals. They could really make some heavy noise! [Breaks up laughin] Feedback, well you probably wouldn't get much but just real heavy tones! I love it! All those harmonics in the background, you get that with this "meatball" effect that I've been mucking about with. It briings out all these weird harmonics that are lurking there. It's actually really varied and it really draws you in. It's not trying to make some intellectual statement. Even if it is, the it's impressive from someone coming from an intellectual perspective.

Do you know who it is?

No. Is it John Cale?

Almost...

Then who?

Tony Conrad.

Don't know him.

He played with Cale alongside LaMonte Young in The Dream Syndicate.

It could also be a bunch of guys with those toy whirly pipes that you spin abouve your head. I loved The Velvets in the sense that here was a group that could really do what they wanted - music that was really gentle or extreme, ripped apart, violent music. They were never funny, though, like garage groups were with ther adolescent punker stance. Even if it was against their will to get Nico into the group, that was one of their great blessings because it allowed them to have that more fractured, feminine approach. It's a "take it or lave it" feel. It's not desperate to convert.

...



THE BEATLES
"Strawberry Fields Forever - Take 25" From Nothing Is Real (Bootleg CD)

Strawberry Fields Forever (Take 25) from Roger Klug on Vimeo.


Wow! Now, I play this music when I need to feel good! Where's this from?

It's a bootleg with all the takes of "Strawberry Fields Forever".

Wow oh wow! I need to get this. I will find this. I've got about half of the takes on another boot, a general Beatles thing. I'd love to be able to write a song like this. That's one of my great ambitions in life. I mean, beacuse this didn't get to number one it was seen as failure for The Beatles! Ridiculous. I'm a huge Beatles fan still. The only bands whose songs I can play on the guitar are The Beatles, The Byrds and The Ramones. I have always been fascinated by the chord sequence of "Eight Miles High", so simple and inspired, just like "Strawberry Fields". I relate to John Lennon's timing idiosyncrasies, they weren't planned, he just needed to do them. Come on, can I hear some more from this? Stick on the first take.

UNA CONVERSA CON JOHN PEREYRA AKA HÁKIM DE MERV :. El Ruido sigue siendo la última frontera



John Pereyra aka Hákim de Merv es uno de los críticos musicales más destacados de su generación. Se inició en la recordada revista Caleta a mediados de los 90 y desde entonces ha desarrollado una carrera siempre afín a la prensa alterna y la música independiente. Sub, Freak Out!, Interzona, Peru.com son algunos de los órganos para los que ha escrito sobre las gracias y desgracias de nuestra escena. Ante la casi nula existencia de prensa musical peruana, o de algo que merezca ese mote, el propio Hákim ha decidido tomar el toro por las astas y publicar vastas reseñas, vía Facebook y su blog Apostillas desde la disidencia, particularmente centradas en lanzamientos latinoamericanos. Con tanto recorrido y escuchado el señor Pereyra nos ha regalado un poco de su tiempo para contestar las preguntas de Perú Avantgarde, en la avanzada desde siempre.


¿Qué recuerdos de tus inicios en la música? ¿Qué grupo dirías que fue el que primero te rompió el cerebro y te metió de lleno a la música alterna experimental?

Muchas gracias por la invitación, Wilder.

Empecé a coleccionar música en cassettes con “mi semana”, cuando ingresé a la universidad (PUCP, 1992), pero ya para entonces disponía de algunas cosas que mis familiares me habían ido regalando (tanto en cinta como en vinilo). Nada muy rebuscado, naturalmente: para que te obsequien el Heaven Or Las Vegas en LP o algo así, tu papá mínimo tiene que ser Aldo Castillejos. Es sólo una broma, por supuesto.

Candidatos ha habido muchos en el curso de todos estos años. Si tengo que elegir a uno sólo, inevitablemente ha de pertenecer a los 90s, década en que se abrió una grieta insalvable entre el pop convencional y la experimentación sonora de vanguardia. En tal sentido, y más que un grupo en concreto, el álbum con el que quemé neuronas fue el D.I. Go Pop de Disco Inferno -uno de los logros concluyentes del post rock. Tardé en llegar a él, lo reconozco: entonces no era tan fácil como ahora conseguir los trabajos más notables de las escenas independientes de primer orden.

Tantos años escribiendo en diferentes medios y webs. ¿Cómo analizas la escasez o casi desaparición de la prensa musical en Latinoamérica por no decir sólo en Perú? Y según vemos Europa no se queda muy lejos, webs como The Quietus, XLR8 o FACT han cerrado o acuden a financiamiento (¿desesperado?) de sus lectores, RDL tiene amagos de cierre etc.

Me permito la licencia de contestar esto desde mi experiencia. El nuestro no ha sido, tradicionalmente, un país inclinado a la lectura; pero rindió esa bandera definitivamente después del descalabro educativo de los 90s (descalabro del que hoy seguimos pagando las consecuencias). En cierto modo, la cuestión se agravó más con la consolidación de Internet y la fiebre de las .com: por un lado, todo tipo de información comenzó a estar a un click de distancia, lo que significó un golpe durísimo para todos los medios impresos. Por otro lado, esa misma inmediatez determinó recortes en los límites para desarrollos de contenidos: actualmente, somos muy pocos los que nos explayamos a nuestras anchas sobre aquello de lo que nos interese hablar.

Aunque las circunstancias en países europeos y en la Unión Americana son mucho menos dramáticas que las de sus pares latinoamericanos, el tema central de por sí arrastra un hándicap. Hablamos de prensa sonora independiente, altamente especializada: el público objetivo que sigue a los grupos y a los/as artistas de quienes hablamos tiende a ser minoritario, lamentablemente. Está el hecho, además, de que; como me dijese hace poco un músico chileno, escribir reseñas de discos es un arte que va olvidándose de a pocos. Bien practicado, implica todo un proceso: no sólo es dedicarle tiempo a la escucha del material, es documentarse sobre los entretelones de la grabación, es producir un adecuado brainstorming de ideas, es moldear insistentemente la prosa hasta alcanzar estándares óptimos de exigencia.

En tiempos de la Globalización post COVID-19, se hace más fácil producir contenidos en formatos ágiles, inmediatos, interactivos; como podcasts y videos. Son éstas las opciones a través de las cuales el grueso de la crítica ligada a la Música persiste, aquí y allá. Son éstas las alternativas que han seguido casi todos los críticos peruanos de mi generación. Como mi don es la palabra escrita, no la hablada, yo me empeño en esta batalla condenada al fracaso.

¿Por qué crees que la música de Aphex Twin o Autechre, o la del sello Mego, sigue sonando tan vanguardista o rupturista hoy casi 25 años después?

Porque la dialéctica que alimentaba a la música pop, nacida de la interacción entre mainstream y underground, se quebró inexorablemente en los 90s. Hasta esa década, cada época tenía una vena digamos comercial claramente identificada, balanceada por su contraparte underground. Ese pop masivo-pero-no-prefabricado era el reflejo, comodificado y tardío, de lo que sucedía en los circuitos independientes.

Si esa interrelación se rompió entonces, fue por una razón muy sencilla: el Ruido. Por definición, el Ruido en estado puro es subversivo, remiso, incendiario. No puedes asimilarlo a un discurso bubblegum, ni puedes disfrazarlo. Incluso si lo reduces a su mínima expresión, sigue siendo montaraz e indomable. Al no poder fagocitarlo ni simplificarlo, como siempre había hecho con los principales descubrimientos del underground, el mainstream comenzó a repetirse, a mirar hacia atrás, a ser más permeable a lo que era superficial entretenimiento diseñado. Por desgracia, lo mismo le pasó al under, excepto lo último. Veinticinco años después de las revoluciones propuestas por Autechre, Aphex Twin y los ruidistas vieneses de Mego; el Ruido sigue siendo la Última Frontera -y también la manera más eficaz de contrarrestar el fascismo cultural.

¿Cómo fueron los años 90 para ti?

Tuvieron sus altas y sus bajas, como le ocurre a todos/as. Mi familia hizo un esfuerzo enorme, inimaginable, por darnos a mi hermano y a mí una educación de calidad; tanto en la instrucción primaria y secundaria como en la superior. Es un esfuerzo que no podré pagarles jamás, si bien no dejamos de sacarnos mutuamente canas verdes. Lástima nomás que elegí mal la carrera -debió ser Periodismo en lugar de Filosofía, pero entonces no hubiera podido estudiar en la “Caótica”, que ofreció la especialidad en 1996 y recién abrió la facultad de Comunicaciones en 1998.

¿Qué más decir? Que conocí a los mejores amigos de mi vida durante ese decenio, que hice mis pininos como redactor desde el primer número de Caleta (junio de 1995), la revista que refundó el ejercicio de la crítica partisana en la escena local... Habrá sido una década dominada por la irreverencia y el cinismo, si se le compara con la de los 80s, pero fue el tiempo en que viví mi primera juventud. Por esa razón, es un periodo de mi vida que no olvidaré nunca.

Podría agregar que más de un beso me dieron, y más de un bofetón, como dice el cursi de Sabina. Pero sería caer en la ridiculez. Así que no lo digo más que por joder.

¿Cuál es el concierto o evento que más te ha influenciado o marcado? Si es que alguno hay.

Me inclino por escoger el que más me marcó, y ése fue el de Slowdive. He sido fan desde la primera vez que los escuché, y saber que se volvían a juntar luego de tantos años era un sueño hecho realidad. Naturalmente, cuando se confirmó que tocaban en Lima, me puse a moquear a mares. No demoré ni diez minutos en conseguir mi entrada -la más cara-. Consecuentemente, el concierto fue un éxtasis inenarrable. Claro que hubiera sido ideal rodeado de mis camaradas, pero casi ninguno pudo. Igual lo disfrute intensamente.




Y el evento, si se le puede llamar así, fue conocer en persona a Mario Silvania. Me emocioné muchísimo al dar la mano, tomarme fotos y conversar con uno de los creadores más destacados que hemos tenido entre los créditos peruanos.

¿Qué grupos contemporáneos peruanos y/o extranjeros te animarías a recomendar a nuestros lectores?

Como soy un melómano de tipo omnívoro, quizá mis recomendaciones no necesariamente encajen en el perfil del lector de Vanguardia Peruana & Sonidos Contemporáneos. Ahí van de todos modos.

Por el lado peruano: Alunaki, Gelatina Magma, Sajjra, Cuarzo, Server, Liquidarlo Celuloide, Dreams On Board, Artaud, The Genius Sex Poets, Ande, El Jefazo, Vrianch, 27 U H F, Ionaxs, Fiorella16, Puna, Norvasc, Silvana Tello, El Otro Infinito... Por encima de géneros y/o estilos, la escena peruana está más bullente que nunca.

Por el lado extranjero, el año pasado estuve esencialmente centrado en el barrio al sur de Estados Unidos: las recopilaciones de noise brasileño Sismografias De Vizinhanças (saga que ya cuenta con tres volúmenes), Laktik, Nax, Bahía Mansa, Sexores, Das Leiden, Red Sun Cult (fenomenal banda de stoner colombiano), Días De Septiembre (post rock venezolano a lo Mogwai, aunque no sé si seguirá en activo, con todo lo que sucede por allá)...

¿De escribir un libro de tu autoría, de qué sería la temática, te lo han propuesto ya?

He perdido la cuenta ya de la cantidad de veces que me han preguntado por qué no saco un libro. Creo que lo normal sería pensar en una recopilación de textos -puesto que 25 años escribiendo casi ininterrumpidamente te da material más que suficiente de dónde escoger-, pero preferiría algo nuevo, o en todo caso la ampliación minuciosa/pormenorizada de algo de lo que ya he hablado. Quizá una historia seria de la música pop peruana, desde los 60s hasta la actualidad. Ya hay un esqueleto armado sobre el que podría erigir ese proyecto. Habría que completarle las paredes, ultimar acabados, poner las ventanas, etc. Una propuesta editorial, sin embargo, aún no ha sido lanzada.

Además de la música, ¿qué otras expresiones concitan tu interés?

¿Artísticas o de cualquier tipo? Jajajajajaja... Supongo que es lo primero. Me gusta mucho el cine. En lugar de comprar DVDs piratas, como hacía hasta hace unos años, ahora descargo desde Internet. Sin recurrir a Torrent, lo que hace más difícil conseguir novedades del cine independiente, pero no imposible.

Estoy retomando el hábito de la lectura. Nunca lo dejé, en realidad, pero sí había descuidado la cantidad de lecturas por año. Leo básicamente narrativa y ensayo. Lo primero lo hago bastante rápido. Lo segundo me toma considerablemente más tiempo, ya que tiendo a interpelar las ideas vertidas en un ensayo tanto como el ensayo interpela las mías -lo que es otra manera de decir que establezco con textos de este jaez una dialéctica.

¿Cuál crees que sería el futuro de la música?

Harto difícil predecirlo. Los 00s fueron la dolorosa resaca luego del carnaval de las vanguardias que fueron los 90s. Los 10s han dejado un panorama más claro: entre los grupos de la órbita anglo que han bajado un poco de nivel y los de nuestra región que han subido la valla, me parece que la cancha ha quedado pareja. Hoy por hoy, un grupo latinoamericano poco tiene que envidiarle a sus pares del “Primer Mundo”. El stoner peruano, por ejemplo, está muy bien considerado en Latinoamérica. La prensa que se mueve al margen de la mass media habla con entusiasmo del avant garde facturado por nuestros compatriotas. Y medios internacionales fuera del mainstream celebran a nuestros vecinos de los cuatro puntos cardinales.

Lo que queda claro, en todo caso, es que la música pop occidental ha exterminado los purismos: tanto en la música electrónica como en la música pop/rock, apenas si quedan linderos en pie. Lo que suceda en este nuevo decenio que ya arrancó, aparte de la consolidación de nuevos circuitos bastante más dinámicos, es un misterio.

AUTOMATY :. Un agujero negro desde Gdańsk, Polonia



Nos llega al inbox del blog lo último de la avanzada space rocker polaca. Se trata de Automaty y es un trío informado por Piotr Czerski, Jarosław Lipszyc y Karol Schwarz. Entre sus divagaciones atmosféricas se dejan acariciar ecos de Tangerine Dream circa Phaedra y los ingleses post-rockers AMP. Mucho bliss out y ensoñaciones para despejar la psique y sacudirse del fragor del día a día. Recomendado.

sobre el EP:

La idea que organiza la expresión de la banda “Automaty” (Machines) es disolver el ego, es decir, que nadie está seguro post factum de quién hizo qué sonidos; en este caso, las circunstancias de la creación del álbum están cubiertas de niebla: ¿dónde estábamos el 19 de octubre de 2019? ¿Quiénes éramos el 19 de octubre de 2019? ¿Qué palabras y pensamientos - preguntó el poeta - estaban con nosotros en ese momento? ¿Y el mundo? ¿Cómo era el mundo el 19 de octubre de 2019? Mientras escuchas el álbum 19X19, puedes pensar en todo esto, o no pensar en absoluto, simplemente inhala y exhala, inhala y exhala ...


domingo, 28 de febrero de 2021

UNA CONVERSACIÓN CON DAVID STUBBS :. Las artes se están convirtiendo en el juguete de los ricos



David Stubbs (1962) pertenece a la promoción de críticos que analizaron y terminaron dando forma a algunas de las escenas más rupturistas de las últimas músicas desde sendos espacios en la prensa independiente británica de fines del siglo XX.. Sus inicios se remontan al magazine de cultura pop "Monitor", fundado junto a Simon Reynolds y otros inconformes de la Universidad de Oxford en 1984. Stubbs integró el staff permanente del Melody Maker donde desarrolló la columna de surrealismo sardónico "Talk Talk Talk" dando vida a “Mr. Agreeable”, un suculento alias con el que se despachaba en medio de insultos de todo tipo con el mundo del rock y sus protagonistas. Ha escrito para New Musical Express, The Guardian y The Wire et al. y su pluma es culpable de insondables documentos como "Future Days - Krautrock y la construcción de la Alemania moderna" (Caja Negra, 2015) y "Sonidos de Marte - Una historia de la música electrónica" (Caja Negra, 2019) amén de "Fear of Music - Why people get Rothko but don't get Stockhausen" (Zero Books, 2009). Mr. David Stubbs conversa hoy con da blog para el embeleso de sus fans y los melómanos más acérrimos de este planetita. 


¿Cómo sientes que el panorama de la prensa y el consumo de música (melomanía) ha cambiado a lo largo de los años desde los tiempos en que una banda podía hacer una estrategia, como Throbbing Gristle, de poner un título no acorde con la música del LP, CD o álbum y esperar tener éxito de alguna manera? ¿Qué te puso en la dirección de ser crítico musical por primera vez?

Ha cambiado mucho: cuando Throbbing Gristle lanzó una "edición limitada", era de 1500 copias. Sin embargo, fueron pioneros. Hoy en día una gran cantidad de artistas han seguido sus pasos, artistas de calidad, todos obligados a tomar una porción menor de la cuota de mercado: sus ediciones limitadas serán de solo 50 copias. No creo que nadie tenga la culpa de esto, no la industria en este caso; en un mundo verdaderamente justo, ¡todos los músicos que lo merezcan solo podrían recibir 1000 £ cada uno!

Me convertí en periodista musical porque estaba fascinado por el periodismo musical cuando descubrí NME / Melody Maker por primera vez, a los 15 años. Me fascinó que existiera la oportunidad de desarrollar una voz crítica, que fuera mordaz sobre lo mediocre, celebradora sobre lo excelente, y que la lucha por hacer buena música en un mundo comercial tenía un contexto más amplio, contracultural e incluso político. Esto fue alrededor de 1978. Más tarde me di cuenta de que la relación entre la música y lo comercial / político / contracultural era un poco más complicada, pero eso solo hacía que el arte y la práctica de la crítica musical fueran mucho más interesantes.

En tu libro sobre Krautrock, entrevistas a varios de los músicos involucrados y algunos de ellos te dicen que estaban avergonzados de su sociedad nazi, que incluso los nazis todavía vivían a su alrededor, etc. Me pregunto cómo reaccionaron los jóvenes británicos ante algún flirteo nazi que bandas como Joy Division, Siouxsie and the Banshees o Death In June -¡dicen que incluso el primer Bowie! - mostraban en sus apariciones. ¿No fue duro con respecto al hecho de que solo habían pasado unas pocas décadas desde la Segunda Guerra Mundial, etc.?

El punk temprano presentaba mucho la esvástica, no porque los punks fueran neonazis (o en su mayoría no), sino porque querían molestar a sus padres, que estaban empapados de películas de guerra triunfantes en las que los británicos eran los héroes y los alemanes los malos. Sin embargo, no pasó mucho tiempo con la formación de Rock Against Racism para contrarrestar el ascenso de fascistas británicos como el Frente Nacional que la esvástica desapareció en su mayoría del punk como un ícono. El punk tenía un aspecto multicultural, su solidaridad con el reggae del Reino Unido, por ejemplo, y para 1978 a cualquiera que coqueteara con la derecha se le habrían hecho preguntas muy severas y habría aprendido a no repetir sus primeros errores (Siouxsie). Joy Division son un caso extraño porque, aparte del nombre de su banda, no estaban preocupados musicalmente por el fascismo y, como experiencia auditiva, no están contaminados por eso.

La fascinación de David Bowie por el fascismo / Hitler coincidió con su "fase de Berlín", irónicamente una de las fases más progresistas de su carrera creativa. Dijo e hizo cosas tontas, pero a diferencia de Eric Clapton, se arregló con su postura antirracista explícita en los años 80, incluso criticando a MTV por no presentar suficiente música negra.

Death In June son imperdonables. Los derechos del artista no te dan derecho a flirtear con la mala política.

Le hice esta misma pregunta a tu colega Simon Reynolds. Me gustaría saber qué responde: ¿Pink Floyd o Silver Apples?

Me gusta mucho Silver Apples, pero mi respuesta es: Pink Floyd. Hasta Dark Side Of The Moon al menos. Me encanta la era Barrett, pero en realidad mi trabajo favorito es el disco en vivo de 1969  Ummagumma, la inauguración del rock espacial.





¿Qué efecto en la cultura y la música crees que tendrá todo el proceso de gentrificación que estamos viviendo desde hace mucho tiempo? Todo parece bastardizado / pasteurizado aquí y allá que encontrar una banda haciendo música desde el alma es como buscar agua en un desierto.

Como he dicho antes, creo que se está haciendo una cantidad asombrosa de buena música en este momento, una actividad creciente. Sin embargo, es tan marginal, tan carente de perspectivas comerciales que no se ve afectado por la máquina del negocio de la música.

Creo que hay un problema de “gentrificación” de oportunidades: es más difícil para los jóvenes dedicarse a la música de la forma en que The Clash pudo, viviendo del paro, encontrar un espacio para ensayar. Existe la sensación en todas las artes de que se están convirtiendo en el juguete de los ricos.

Sugeriría que la gente ignore el espectáculo del star system, los denominadores comunes, explore Bandcamp, intercambie enlaces, sugerencias... si es posible, pague al artista unos dólares en línea en lugar de descargarlo gratis.

Recientemente Sophie murió en un accidente, lo que me lleva a la pregunta de por qué ese sonido de música de computadora + IDM sigue siendo tan vanguardista hoy como 25 años después de que fuera concebido por gente como Autechre, Editions Mego o AFX.

La razón de su calidad de vanguardia es su liquidez, su maleabilidad, su capacidad para asumir nuevos estados y formas. Creo que la importancia de Sophie estaba relacionada con su condición de transgénero: la forma en que ajustaba y jugaba con autotune, la forma elástica en la que jugaba con el pop sugirió que la música puede expresar el proceso de "convertirse", en lugar de simplemente establecer, formas fijas de ser.

¿Cómo estás pasando tu tiempo estos extraños días de pandemia?

No lo estoy haciendo tan mal, ¡gracias! Actualmente, divido mi tiempo entre escribir (acabo de terminar un tercer libro para Faber, una historia de la comedia británica), cuidar de mi hijo de cinco años y hacer ejercicio para tratar de perder los kilos de COVID. Tengo la suerte de que trabajo desde casa de todos modos y no me he visto gravemente afectado en el trabajo, económicamente y he mantenido mi salud física y mental. Otros, por supuesto, no han tenido tanta suerte y anhelo por el bien de todos que esta miserable pandemia termine. Espero que también hayas logrado mantenerte bien.

Estoy a punto de terminar tu libro centrado en la música electrónica, "Sounds from Mars". Me impresionó el capítulo en el que escribes sobre la música de William Basinski, John Foxx y Philip Jeck y descubres cuánta conceptualización pusieron en la realización de sus discos. También me recordó a Brian Eno hablando de cómo él “inventó” la música ambiental estando enfermo en el hospital. Hablando desde la distancia, ¿crees que el sonido necesita alguna justificación?

Gracias. ¡Mi respuesta es "sí"! Creo que especialmente en el caso del tipo de música ambiental / abstracta a la que te refieres, es trabajo tanto del artista como de los críticos explicar cuál es la naturaleza y el resultado de su esfuerzo musical, que no se trata solo de campanillas de viento o ruido accidental, o la belleza casual de las nubes: que están haciendo lo que hacen por una razón y, si tienen éxito, crean una resonancia que es tanto conceptual como material; lo mismo que con el arte visual abstracto.

¿Qué música más allá del mundo angloeuropeo coleccionas?

Mis gustos varían del clásico al jazz, antiguo y nuevo; También me gusta la música rock expansiva. Acabo de entrevistar a Dinosaur Jr. Mi hija me toca cosas como Kevin Abstract y lo disfruto. Me gusta la música en una variedad de géneros, pero en general me inclino hacia sus manifestaciones más formalmente radicales y de vanguardia. Me aburro de los ortodoxos.

¿Cuáles son sus planes futuros, Sr. Stubbs?

Estoy a punto de reiniciar mi sitio web: quiero presentar mis cosas favoritas de mi legado, intentar escribir cosas en mis propios términos que es poco probable que se encarguen, reflexiones, tal vez sobre la naturaleza de la crítica musical. Probablemente tendré que hacer algo de publicidad sobre mi reciente libro de comedia. No sé si me queda otro libro sobre música de vanguardia, habiendo escrito tres sobre el tema. ¡Pero ciertamente escribiré más sobre ese tópico!



A CONVERSATION WITH DAVID STUBBS :. The arts are becoming the plaything of the well-to-do




David Stubbs (1962) belongs to the promotion of critics who analyzed and ended up shaping some of the most disruptive scenes of the latest music from their spaces in the British independent press of the late XX century. His beginnings go back to the magazine of pop culture "Monitor", founded with Simon Reynolds and other Oxford University nonconformists in 1984. Stubbs joined the permanent staff of the Melody Maker where he developed the sardonic surrealism column "Talk Talk Talk" giving life to "Mr. Agreeable ", a succulent alias with which he dispatched amid insults of all kinds with the world of rock and its protagonists. He has written for New Musical Express, The Guardian, and The Wire et al. and his pen is guilty of bottomless documents such as "Future Days - Krautrock and the construction of modern Germany" (Caja Negra, 2015) and "Sounds of Mars - A history of electronic music" (Caja Negra, 2019) as well as "Fear of Music - Why people get Rothko but don't get Stockhausen"(Zero Books, 2009). Mr. David Stubbs talks today with da blog for the enchantment of his fans and the most ardent music lovers of this tiny planet.


How do you feel the landscape of music press and consumption (melomania) have changed over the years from the times when a band could make an strategy, like Throbbing Gristle, of putting a title not according to the music the LP, CD or album contained and expect to succeed in any way? What put you in the direction of being a music critic in the first time?

It has changed a great deal - when Throbbing Gristle put out a “limited edition”, it was of 1500 copies. They were pioneers, however. Today a great many artists have followed in their footsteps, quality artists, all forced to take a smaller slice of the market share - their limited editions will be of just 50 copies. I don’t think anyone is to blame for this, not the industry in this case; in a truly just world, all deserving musicians might only be awarded £1000 each!

I became a music journalist because I was fascinated by other music journalism when I first discovered NME/Melody Maker, aged 15. It fascinated me that there was the opportunity to develop a critical voice, that was scathing about the mediocre, celebratory about the excellent, and that the struggle to make great music in a commercial world had a broader, countercultural, even political context. This was around 1978. I later realised that the relationship between music and the commercial/political/countercultural was a little bit more complicated but that only made the art and practise of music criticism that much more interesting.

In your book about Krautrock you interview several of the musicians involved and some of them tell you they were ashamed of their nazi society, that even nazis were still living around them, etc. I wonder how brittish youth reacted to some nazi flirtation that bands like Joy Division, Siouxsie and the Banshees or Death In June -they say even early Bowie!- showed in their appearances. Wasn’t it rough regarding the fact it was only a few decades since WWII etc?

Early punk featured the swastika a great deal, not because punks were neo-Nazis (or mostly not) but because they wanted to annoy their parents who were steeped in triumphant war films in which the British were the heroes and the Germans the bad guys. It wasn’t long, however, with the formation of Rock Against Racism to counter the rise of British fascists like the National Front that the swastika mostly disappeared from punk as an icon. Punk had a multicultural aspect - its solidarity with UK reggae, for example - and by 1978 anyone flirting with the right would have been asked very stern questions indeed and learned not to repeat their early mistakes (Siouxsie). Joy Division are a strange case because, the name of their band apart, were not preoccupied musically with fascism and as a listening experience are untainted by that.

David Bowie’s fascination with fascism/Hitler coincided with his “Berlin phase”, ironically one of the most progressive phases of his creative career. He said and did silly things but unlike Eric Clapton, made amends with his explicit anti-racist stance in the 80s, including taking MTV to task for not featuring enough black music. 

Death In June are inexcusable the rights of the artist do not entitle you to flirt with bad politics. 

I made this same question to your colleague Simon Reynolds. I d like to know what you reply: Pink Floyd or Silver Apples?

I like Silver Apples a lot but my answer is - Pink Floyd. Up until Dark Side Of The Moon at least. I love the Barrett era but actually my favourite work of theirs is the live disc of 1969’s Ummagumma - the inauguration of space rock.





What effect in culture and music do you think the whole process of gentrification that we are experiencing since a long time will have? Everything seems bastardized/pasteurized here and there that find a band making music from the soul is like looking for water in a desert. 

As I have said before, I think there is a staggering amount of great music being made right now, a mushrooming of activity. However, it is so marginal,  so lacking in commercial prospects that it is unaffected by the music business machine. 

I think there is a problem of “gentrification” of opportunity - it is harder for young people to dedicate themselves to music the way The Clash could, living on the dole, able to find space to rehearse. There is a feeling across the arts that they are becoming the plaything of the well-to-do. 

I would suggest people ignore the spectacle of the star system, the common denominators, explore Bandcamp, exchange links, suggestions . .. if possible pay the artist a few dollars on line rather than download for free. 

Recently Sophie died in an accident, which guide me to the question of why that IDM + computer music sound is still so avantgarde today like 25 years after it was conceived by the likes of Autechre, Editions Mego or AFX?

The reason for its avant garde quality is its liquidity, its malleability, its ability to assume new shapes and forms. I think the importance of Sophie was connected to her being transgender - the way she tweaked and played with autotune, the elastic way she messed with pop suggested that music can express the process of “becoming”, rather than just set, fixed ways of being.  

How are you spending your time these strange pandemic days?

I am not doing so badly, thanks! I divide my time currently between writing (I have just completed a third book for Faber, a history of British comedy), looking after my five year old boy and exercising to try and keep off the COVID pounds! I am lucky in that I work from home anyway and have not been badly affected work-wise, financially and have maintained my physical and mental health. Others, of course, have not been so lucky and I yearn for all our sakes for this wretched pandemic to be over. I hope you have managed to keep well too...

I’m about to end your book focused on electronic music, Sounds from Mars. It impressed me the chapter where you write about music by William Basinski, John Foxx and Philip Jeck and discover how much conceptualisation they put on the making of their discs. It also reminded me Brian Eno talking about how he “invented” ambient music being sick at the hospital. Speaking from a distance, do you think sound needs any justification?

Thank you. My answer is “yes”! I think especially in the case of the sort of ambient/abstract music you refer to, it is the job of both artist and critics to explain what the nature and outcome of their musical endeavour is, that it is not just windchimes or accidental noise, or the chance beauty of clouds   - that they are doing what they do for a reason, and, if successful, create a resonance that is conceptual as well as just material; the same as with abstract visual art. 

What music beyond anglo-euro world do you collect?

My tastes vary from classic to jazz, old and new; I also like expansive rock music - I just interviewed Dinosaur Jr. My daughter plays me things like Kevin Abstract and I enjoy that. I like music across a range of genres but generally incline towards their more formally radical, avant garde manifestations. I get bored of the orthodox.

What are your future plans Mr. Stubbs?

I am about to reboot my website - I want to feature my favourite stuff from my legacy, try to write things on my own terms that are unlikely to be commissioned, reflections, perhaps on the nature of music criticism. I will probably have to do some publicity around my recent comedy book. I am not sure if I have another book on avant-garde music left in my, having written three on the subject. But I will certainly write more on that topic!

sábado, 27 de febrero de 2021

UNA CONVERSACIÓN CON NICK EDWARDS A.K.A. EKOPLEKZ :. No ha habido peor momento para ser artista en el Reino Unido que ahora





Mejor conocido como Ekoplekz, Nick Edwards (1969) es un creador que desde el año 2010 ha elaborado una generosa discografía de exploración electrónica y ritmos intransigentes para sellos como Planet Mu, Seagrave y Mordant Music. Creció bajo el parteaguas del post punk y los efluvios de la neo psicodelia y las raves y en su música refleja su filiación hacia bandas del porte de Cabaret Voltaire, E.A.R. y toda la escena IDM. Hace no muchas lunas canceló Ekoplekz para dar salida a una seguidilla de releases bajo su nombre civil en Bandcamp. Mantiene además otros proyectos como eMMplekz (con Baron Mordant), Ekoclef (con Bassclef), Ensemble Skalectrik, PLKZFX, etc.
 Nos conectamos hasta Bristol (UK) para charlar un poco con él y ver qué fluye de uno de los cerebros más lokos del momento.


¿Por qué sigues haciendo música experimental en este mundo jodido donde las artes y la cultura son menos importantes?

Pregunta interesante. No creo que el arte y la cultura sean menos importantes ahora, pero es cada vez más difícil concentrarse en lo que es importante en una era de sobrecarga de información. Intento ser fiel a mis creencias y mantener un nivel personal de gusto que me ayude a navegar a través de toda la escoria. Y siempre seguiré trabajando. No porque sea importante para el arte o el comercio, sino porque me impulsa la necesidad de crear. Seguiría haciéndolo incluso sin audiencia.

Cuando eras adolescente, ¿qué músicos o discos captaron tu atención?

Mi adolescencia fue la década de 1980. Había mucha música que odiar, pero también mucho que amar. Al principio estuve en Ultravox y The Human League, luego descubrí Kraftwerk, Cabaret Voltaire y New Order. También el electro y el hip hop eran géneros nuevos que me intrigaban, especialmente Mantronix. Luego vino el acid house, pero también el rock experimental de Spacemen 3, The Young Gods y AR Kane.

Pero probablemente el disco que tuvo el mayor impacto fue una reedición del álbum debut de Suicide de la década anterior que salió en 1986. Eso realmente me llevó a la idea de que la música electrónica podía sonar realmente cruda y sucia.

Tienes una larga carrera como Ekoplekz. ¿Qué álbum te hace sentir más orgulloso que los demás? ¿Por qué decidiste cerrarlo y empezar de nuevo esta vez con tu nombre real?

Probablemente el álbum del que estoy más orgulloso es Intrusive Incidentalz Vol.1 de 2011. Porque era totalmente intransigente pero parecía tocar la fibra sensible de mucha gente. Recibió muy buenas críticas y, a juzgar por algunos comentarios que recibí, fue bastante inspirador para algunos otros artistas electrónicos que buscaban romper con géneros restrictivos.

Dejé el nombre de Ekoplekz porque sentí que había agotado ese sonido por el que era conocido después de 10 años. También mi casetera de cuatro pistas estaba rota y decidí no reemplazarlo. Ahora grabo digitalmente, por lo que el sonido es más limpio. Ya no es Ekoplekz, pero está bien. Hice más que suficiente bajo ese nombre

A veces, tener artefactos más baratos te hace cavar más tu cerebro. Cuéntanos acerca de tu equipo cuando comenzó Ekoplekz y el material que usas ahora en 2021.

Siempre he trabajado con material bastante barato. Comencé con un viejo órgano de transistores que compré de segunda mano, agregando pedales de guitarra y efectos y fue creciendo a partir de ahí. Pero ahora uso deliberadamente equipo más moderno, en lugar de material antiguo o sintetizadores que emulan sonidos "clásicos". Quiero trabajar con nuevos diseños y ver a dónde me llevan. Mis favoritos en este momento son Arturia Microfreak y Dreadbox Typhon.




¿Te gustan las raves o la música electrónica para ellas?

Me gustaba la música rave cuando era más joven, a principios de los noventa. Luego, más tarde, entré en la escena del dubstep temprano. Pero no tengo ningún interés en la música rave / dance actual. Ahora tengo casi 52 años, así que supongo que me estoy volviendo un poco mayor para esas cosas.

¿Qué haces para pagar las facturas? ¿Qué pasa con la situación en el Reino Unido bajo el corona?

Nunca he dependido de la música para mi principal ingreso y puedo trabajar desde casa, por lo que no me está afectando económicamente, pero tanto COVID como Brexit han destruido los medios de vida de tantos involucrados en la escena musical aquí en el Reino Unido. Nunca ha habido un peor momento para ser artista aquí. Va a ser muy difícil durante algún tiempo. Incluso cuando se alivien las restricciones de COVID, este gobierno hará las cosas muy difíciles, y estoy bastante seguro de que es un ataque deliberado a las artes, a pesar de que la industria de la música es una gran parte de nuestra economía. Pero quieren que todos los músicos se vuelvan a capacitar. ¿Cómo qué? ¿Qué otros trabajos quedan ahora? Es una locura.

¿Cómo ha cambiado Bristol desde los días de Massive Attack, Tricky y Flying Saucer Attack hasta hoy?

Realmente no sigo muy de cerca la escena musical de Bristol en estos días. Pero lo que he notado es que muchos de los artistas más nuevos que están surgiendo son mucho más experimentales y están menos preocupados por encajar en los viejos estereotipos del género. Es posible que haya tenido alguna influencia en eso. Cuando comencé, Ekoplekz era muy diferente a la cultura de clubes que prevalecía en la ciudad. Introduje la idea de la electrónica de hardware improvisada en vivo en un momento en que la mayoría tocaba y producía música de baile formulada en computadoras portátiles. Pero también creo que la gente está ahora más expuesta a influencias más amplias en Internet. Y los sintetizadores de hardware han tenido un gran regreso. El equipo modular asequible tiende a fomentar una mentalidad más experimental. Las cosas son más abiertas en general, menos tribales.

¡Tus planes futuros!

Mis planes actuales son seguir trabajando sin sentir ninguna necesidad de liberar nada a toda prisa. Actualmente no estoy involucrado con ningún sello discográfico, por lo que este año mi única salida para grabaciones de estudio en solitario es una presentación mensual en la estación de radio por Internet The Neon Hospice. La radio me parece un medio nuevo en este momento y se adapta más al ritmo de mi trabajo que el antiguo modelo de "un álbum al año", que todavía está muy arraigado en el antiguo sistema de la industria musical.

También espero volver a tocar en vivo nuevamente cuando las restricciones de COVID lo permitan, particularmente en un entorno de improvisación con otros artistas, en lugar de solo un show individual. Nunca me ha interesado realmente simplemente entretener a la gente. Tocar en vivo debe ser una aventura creativa que otros puedan optar por observar. Pero volviendo a lo que dije antes, será casi imposible tocar en el extranjero ahora debido a los problemas con el permiso de trabajo de Visa después del acuerdo del Brexit. Es una vergüenza para mí, ya que siempre disfruté tocar para el público europeo, pero para otros significará una gran pérdida de ingresos.

Las oportunidades para la música experimental en vivo nunca fueron tan buenas en el Reino Unido, la cultura predominante es muy convencional y conservadora, así que no soy tan optimista, pero espero que todavía haya algunos lugares interesantes para tocar aquí.

ESCUCHA/CHEKA EL PROGRAMA DE RADIO DE NICK EDWARDS ACÁ!!





A CONVERSATION WITH NICK EDWARDS A.K.A. EKOPLEKZ:. There has been no worse time to be an artist in the UK than now



Better known as Ekoplekz, Nick Edwards (1969) is a creator who since 2010 has produced a generous discography of electronic exploration and uncompromising rhythms for labels such as Planet Mu, Seagrave and Mordant Music. He grew up under the watershed of post punk and the effluvia of neo psychedelia and raves and in his music reflects his affiliation with bands such as Cabaret Voltaire, E.A.R. and the entire IDM scene. Not many moons ago he canceled Ekoplekz to launch a series of releases under his civil name on Bandcamp. He also maintains other projects like eMMplekz (with Baron Mordant), Ekoclef (with Bassclef), Ensemble Skalectrik, PLKZFX, etc. We connected to Bristol (UK) to chat a bit with him and see what flows from one of the craziest brains of the moment.


Why do you continue making experimental music in this fucked up world where arts and culture is the less important?

Interesting question. I don’t think that art and culture are less important now, but it’s increasingly hard to maintain some focus on what’s important in an age of information overload. I try to stay true to my beliefs, and maintain a personal level of taste that helps me navigate through all the dross. And I will always continue working. Not because it’s important for art or commerce but because i am driven by the need to create. I would still be doing it even without any audience. 

As a teen what musicians or discs captured your attention?

My teens were the 1980s. There was a lot of music to hate, but a lot to love as well. Early on I was into Ultravox and The Human League,  then discovered Kraftwerk, Cabaret Voltaire and New Order. Also electro and hip hop were new genres that intrigued me, especially Mantronix. Then came acid house, but also experimental rock from Spacemen 3, the Young Gods and AR Kane

But probably the record that had the biggest impact was a reissue of Suicide’s debut album from the previous decade that came out in 1986. That really got me into the idea that electronic music could be really raw and dirty sounding. 

You have a long career as Ekoplekz. What album makes you feel more proud than the others? Why did you decide to close it and to start again this time under your real name? 

Probably the album I am most proud of is Intrusive Incidentalz Vol.1 from 2011. Because it was totally uncompromising yet seemed to strike a chord with a lot of people. It got some really good reviews and judging from some comments I received, it was quite inspirational to a few other electronic artists looking to break out of restrictive genres. 

I dropped the Ekoplekz name because I felt I had exhausted that sound I was known for after 10 years. Also my cassette four track was broken and I decided not to replace it. Now I record digitally, so the sound is cleaner. It’s not Ekoplekz anymore, but that’s okay. I did more than enough under that name.

Sometimes having cheaper artifacts make you dig your brain more. Tell us about your equipment when you started Ekoplekz and the stuff you use now 2021.

I have always worked with fairly cheap gear. I started with an old transistor organ I bought second hand, adding guitar and fx pedals and it grew from there. But now I deliberately use more modern gear, rather than old stuff or synths that emulate ‘classic’ sounds. I want to work with new designs and see where they take me. My favourites at the moment are the Arturia Microfreak and Dreadbox Typhon.



Do you like raves or electronic music for them?

I was into rave music when I was younger, in the early nineties. Then later I got into the early dubstep scene. But I don’t have any interest in current rave/dance music. I’m nearly 52 year old now, so getting a little old for that stuff I guess.

What do you do for paying the bills? What about the situation in UK under corona?

I have never relied on music for my main income and am able to work from home so it’s not effecting me financially, but both COVID and Brexit have destroyed the livelihoods of so many involved in the music scene here in U.K. There has never been a worse time to be an artist here. It’s going to be very difficult for some time to come. Even when COVID restrictions are eased this Government is going to make things very tough, and I’m pretty sure it’s a deliberate attack on the arts, even though the music industry is a huge part of our economy. But they want all the musicians to retrain. As what? What other jobs are there left now? It’s insane.

How Bristol has changed since the days of Massive Attack, Tricky and Flying Saucer Attack till today?

I don’t really follow the Bristol music scene too closely these days. But what I have noticed is that many of the newer artists coming up are a lot more experimental and less concerned with fitting into the old genre stereotypes. It’s possible I had some influence on that. When I first started, Ekoplekz was very different to the prevailing club culture in the city. I introduced the idea of live improvised hardware electronics at a time when most were deejaying and producing formulaic dance music on laptops. But also I think people are more exposed to wider influences on the internet now. And hardware synths have made a big comeback. Affordable modular gear tends to encourage a more experimental mindset. Things are more open-ended in general, less tribal. 

Your future plans!

My current plans are to keep working without feeling any need to release anything in a hurry. I am not currently involved with any record labels, so this year my only outlet for solo studio recordings is a monthly showcase on the internet radio station The Neon Hospice. Radio feels like a fresh medium to me right now and suits the pace of my work more than the old ‘one album a year’ model, which is still very rooted in the old music industry system. 

I also hope to get back into playing live again when COVID restrictions permit, particularly in an improvisation setting with other artists, rather than just a solo show. I’ve never really been interested in simply entertaining people. Playing live should be a creative adventure that others may choose to observe. But coming back to what I said earlier, it will be almost impossible to play abroad now due to the Visa work permit issues following the Brexit deal. This is a shame for me as I always enjoyed playing for European audiences, but for others it will mean a major loss of earnings. 

Opportunities for live experimental music were never that great in the U.K., the prevailing culture is very mainstream and conservative, so I am not that optimistic but hopefully there will still be a few interesting venues for me play here.


LISTEN/CHECK OUT NICK EDWARD'S RADIO SHOW HERE!


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