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sábado, 31 de julio de 2021

ROBIN RIMBAUD AKA SCANNER INTERVIÚ :. Cualquier retroexploración abre la mente de los demás y les permite comprender el lugar de todo hoy



Escáner es, entre otras acepciones, ‎‎un receptor de radio que escanea secuencialmente un rango de frecuencias en busca de una señal‎ y es así mismo el alias que encontró el joven Robin Rimbaud para bautizar su sonido experimental allá por 1991. A la sazón había accedido a uno de estos dispositivos y rápidamente concibió la idea de explotarlo en grabaciones y performances. Sus álbumes Mass Observation (1994), Delivery (1997) y An Ascent (2020) son catalogados como obras innovadoras e inspiradoras de la música electrónica contemporánea. 

Hacia 1996 recibí un email de su parte preguntándome por un remix que había trabajado para una banda de la que servidor solía hablar en el maliling list de ambient hyperreal.org y que no sabía si había sido publicado o no. Se estaba refiriendo al remix incluido en el Delay Tambor de Silvania. Recuerdo también mi comunicación con gente de Cul de Sac y haberlos espantado con mi alucinada sobre Nietzsche y el post-rock. ¡¡Jajaja!!  

Robin Rimbaud aka Scanner si bien inició a componer para producciones profesionales en 1982 fue durante los locos 90 que alcanzó un sitial de honor en la escena avantgarde. Su trabajo comercial ha incluido el diseño de sonido de Philips Wake-Up Light (2009), Dream para Sprint Telephones / Leo Burnett en los EE. UU. y el sonido para los sistemas telefónicos de Cisco utilizados en oficinas de todo el mundo en 2019. Dedicado a trabajar con exponentes de la avanzada, colaboró con Bryan Ferry, Wayne MacGregor, Mike Kelley, Pauline Oliveros, Michael Nyman, Steve McQueen, Laurie Anderson, entre muchos otros.

Con ustedes, fans del blog Perú Avantgarde, un astro de aquellos tiempos de exageración y pureza. 


Gracias Sr. Rimbaud. Recientemente publicaste un texto donde señalabas los productos de la mass media que te influenciaron a temprana edad. ¿Qué música se escuchaba en casa, qué grupos disfrutaste de adolescente en vivo, intercambiabas casettes con los amigos del colegio o del vecindario?

Sí, mencioné algunas de las primeras influencias aquí en una publicación de blog reciente ( http://scannerdot.com/2021/07/the-origin-story-of-a-working-class-boy-discovering-the-world -a través-de-la-música-y-tv/ )

En casa la música era una constante, desde la radio por la mañana hasta escuchar discos todo el fin de semana con mi hermano. La música ha seguido siendo muy importante para mí a lo largo de mi vida. Cuando era adolescente escuchaba todos los estilos de música, desde Virgin Prunes a Peter Gabriel, Throbbing Gristle a Genesis, King Crimson a Jimi Hendrix. Grababa programas de radio y los archivaba para escucharlos más tarde. Enviaba cintas a amigos en el extranjero e intercambiaba música e historias. En lugar de escribir cartas, simplemente hablábamos en la grabadora durante 90 minutos y contábamos historias, eso era fantástico.

¿En qué se parece y se difiere el Londres de los 80 y 90 de la ciudad actual?

Nací en Londres y viví allí toda mi vida hasta hace 6 años, cuando me mudé a una pequeña ciudad comercial, a unos 50 minutos en tren. En la década de 1980, Londres tenía una plétora de tiendas de música independientes, librerías inspiradoras, locales de música, espacios alternativos, que con el tiempo se han cerrado, han sido reemplazados por cafeterías y tiendas minoristas, mientras que Internet ha devorado gran parte de estas industrias. Londres sigue siendo un importante punto de enlace para la interacción entre personas, ideas y actividades, pero es cada vez más desafiante con un espacio limitado y a un costo mayor que nunca. Vivir en una ciudad como Londres significa aceptar ciertos compromisos de luz, espacio y dinero. Y, naturalmente, extraño este pasado .

¿Cuál es el motivo principal detrás de tu acercamiento a la música? ¿Por qué haces música?

Sigue siendo el mismo. Porque puedo hacerlo y disfrutarlo. Me da placer. Cuando comencé a grabar nunca fue con la noción de éxito, con ganas de vender productos, hacer giras, ser una estrella del pop ni nada por el estilo. Todo lo que grabé fue solo para mis oídos. Estaba interesado en la creatividad, en hacer que algo sucediera, en capturar un momento en una cinta, antes de que se vaya para siempre. Casi nada me da mayor placer que empezar de cero y después de unos minutos, horas o incluso días, que algo aparezca como por arte de magia.

El sonido ha seguido desempeñando un papel absolutamente clave en mi producción creativa, además de agregar valor a mi vida y la de los demás. Es un idioma al que todos responden, en cualquier país del mundo. Va más allá de las barreras del lenguaje y la comprensión.

¿Por qué “escáner”?

He estado grabando desde que tenía unos 10 u 11 años. ¡Una grabadora siempre fue mi mejor amiga en ese momento! En realidad, fue pura casualidad que descubrí este dispositivo de escaneo, ya que un amigo era parte de un grupo de saboteadores de caza y lo usaba para escuchar a la policía local. Inmediatamente vi el potencial y la intriga de poder acceder a estos espacios privados e incorporarlos a estos paisajes sonoros exploratorios que estaba produciendo en ese momento. Me atrajo especialmente el hecho de que las grabaciones fueran tan íntimas, tan claras, pero de naturaleza abstracta. Uno tenía que imaginar quiénes eran esas personas que escuchaba por casualidad, dónde estaban, qué tipo de vida llevaban, ¡aunque la naturaleza de sus conversaciones a menudo lo explicaba claramente! Y necesitaba un nombre para abarcar este cuerpo de trabajo, ¡así que pensé que 'Scanner' era lo suficientemente simple y anónimo!

Tu opinión sobre el avance del fascismo de derechas en el mundo. Brexit, Donald Trump, Bolsonaro, etc.

Es una situación muy inquietante y preocupante que es como una infección. En la actualidad, parece que Internet ha estado ofreciendo a las personas la oportunidad de difundir ideas de incendios forestales y creencias peligrosas, sin censura. Existe esta 'mentalidad de manada' cuando la gente simplemente sigue a la multitud y no se detiene a pensar y considerar, con evidencia, cómo el mundo está cambiando de forma. De hecho, lo encuentro muy preocupante.

¿Qué aparatos usabas en tus primeras grabaciones? ¿Cómo era el proceso que seguías para grabar y estructurar tus composiciones? 

Mi primer trabajo se grabó en una grabadora portátil, el tipo de máquina que se podía adquirir por muy poco dinero. A través de los años, esta tecnología se expandió en el uso de un Teac 2 - pista grabadora de carrete a carrete, y luego un Fostex grabadora de 4 pistas, y en última instancia un ordenador muchos años más tarde. Sin embargo, la idea y la estructuración de las obras se ha mantenido similar desde los primeros días de la grabación para mí . Mantengo las cosas simples. Intento no contar demasiadas historias en ninguna pieza musical. Me quito las cosas y las dejo respirar. Gran parte de mi trabajo está grabado en vivo, por lo que representa un momento en el tiempo que nunca se repetirá. Es una especie de arte escénico en ese sentido. También significa que no puedo evocarlos más adelante.

Recuerdo que cerca de 1996 me enviaste un email a través de uno de esos mailing lists, quizás el hyperreal.org, preguntándome sobre un remix que habías hecho a un grupo peruano del cual yo solía hablar en el foro, Silvania. ¿Qué recuerdos de tus actividades, conciertos y anécdotas de los años 90?

La década de 1990 fue una época especialmente importante para la música electrónica y el lado social de la música. Este fue un período anterior a Internet en cierto sentido. No existían las redes sociales o los influencers. La web ofrecía solo un acceso muy limitado a información valiosa y extremadamente lenta y costosa para la mayoría de las personas en ese momento.

Como tal, el sentido de descubrimiento a través de la interacción, la conversación, las revistas, la asistencia a conciertos y la escucha de la radio fue esencial. Dirigí un club en el ICA en Londres llamado The Electronic Lounge durante 5 años que funcionaba como una forma de compartir música pero también hacer conexiones para la gente.

En el Reino Unido, la escena de la música electrónica explotó, con el desarrollo de las salas Chill Out en los clubes, de manera que de repente la música que no recibió exposición pudo ser escuchada por muchos otros, las barreras entre lo experimental y lo popular se derrumbaron y nuestras mentes se expandieron de tal manera en muchas formas extraordinarias.

Viajaba constantemente y sucedieron tantas cosas de maneras gratificantes e inolvidables que apenas puedo comenzar a capturarlo todo aquí en una pequeña entrevista. Sin embargo, créeme, cualquiera que haya vivido este período piensa lo mismo, ¡que yo sepa también!

Tu opinión sobre la gentrificación y la retromanía ubicuas en la cultura y, por tanto, en la música.

En algún momento, gran parte de nuestro mundo se convierte en mercancía y se reconfigura para nuevas audiencias. Creo que sigue existiendo una fascinación por el pasado, y ciertamente no hay nada de malo en querer saber de dónde viene algo, cómo empezó, etc. El reempaquetado de la música por parte de los principales sellos discográficos puede volverse bastante tedioso, vendiéndote otra versión de algo que ya tienes, reemplazando interminablemente el pasado con una versión más brillante, más fresca, extendida, remezclada y remasterizada. Sin embargo sigo siendo lo más positivo posible de que cualquier retroexploración abre la mente de los demás y les permite comprender el lugar de todo hoy.

¿Tu padre es francés? Ya sabes, Rimbaud también es un famoso poeta maldito.

Tenía familia francesa, sí. Sin embargo , mi padre murió cuando yo era muy joven, por lo que tuvo poca influencia.

Como artista multimedia, ¿qué software y herramientas usas hoy y cómo crees que será el futuro de las artes y la música en particular?

Utilizo una combinación de herramientas digitales y analógicas que a muchos les resultaría familiar. Nada especialmente inusual, pero todos me ofrecen la oportunidad de seguir descubriendo, explorando y creando de una manera que me recompensa sobre todo. El simple hecho de nombrarlos probablemente no sea muy atractivo, al igual que aprender con qué pluma estilográfica James Joyce escribió nunca te permitiría escribir algo como él.

Nunca podría haber anticipado el arte y la música actuales hace unos 25 años, así que no puedo ni imaginarme dónde estará en el futuro. Estoy emocionado de que haya un flujo continuo de artistas que pueden seguir innovando e inspirando a otros de formas tan dinámicas. El hecho de que los artistas puedan tener éxito de forma independiente, sin la necesidad de utilizar el "sistema" de la galería, significa que, con suerte, nuestro futuro será cada vez más experimental y gratificante.

Planes futuros + palabras finales.

Es posible que una pandemia haya cambiado la forma en que muchos de nosotros pensamos sobre el mundo en la actualidad, pero estoy seguro de que el futuro nos espera tan emocionante como siempre. Tengo proyectos que estaban sucediendo en 2020 que se trasladaron a 2021 y ahora se han pospuesto hasta 2022, pero espero con ansias el día en que podamos compartir nuestro mundo nuevamente.

Me mantengo excepcionalmente ocupado con proyectos y apoyando a otros, y actualmente estoy sentando las bases para el Programa de Residencia de Artistas que curaré en el futuro para ser alojado en un edificio en el Reino Unido, para alentar a otros artistas más jóvenes.


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ROBIN RIMBAUD AKA SCANNER INTERVIÚ :. Any retro explorations open up the mind of others and allow them to understand the place of everything today




Scanner is, among other meanings, a radio receiver that sequentially scans a range of frequencies in search of a signal and is also the alias that the young Robin Rimbaud found to baptize his experimental sound back in 1991. At that time he had accessed of one of these devices and quickly conceived the idea of ​​exploiting it in recordings and performances. His albums Mass Observation (1994), Delivery (1997) and An Ascent (2020) are classified as innovative and inspiring works of contemporary electronic music.

Around 1996 I received an email from him asking about a remix that he had worked for a band that server used to talk about on the ambient hyperreal.org maliling list and that he didn't know if it had been published or not. He was referring to the remix included on Silvania's Delay Tambor. I also remember my communication with people from Cul de Sac and having scared them away with my hallucinating about Nietzsche and post-rock. Ha ha ha!!

Robin Rimbaud aka Scanner, although he began to compose for professional productions in 1982, it was during crazy 90s that he reached a place of honor in the avant-garde scene. His commercial work has included sound design for Philips Wake-Up Light (2009), Dream for Sprint Telephones / Leo Burnett in the US, and sound for Cisco phone systems used in offices around the world in 2019. Dedicated to working with leading figures, he collaborated with Bryan Ferry, Wayne MacGregor, Mike Kelley, Pauline Oliveros, Michael Nyman, Steve McQueen, Laurie Anderson, among many others.

With you, fans of the Peru Avantgarde blog, a star of those times of exaggeration and purity.


Thank you Mr. Rimbaud. You recently published a text where you pointed out the mass media products that influenced you at an early age. What music did you listen to at home, what groups did you enjoy live as a teenager, did you exchange tapes with friends from school or from the neighborhood?

Yes, I touched on some of the earliest influences here in a recent blog post (http://scannerdot.com/2021/07/the-origin-story-of-a-working-class-boy-discovering-the-world-through-music-and-tv/). At home music was a constant, from the radio in the morning to  listening to records all weekend with my brother. Music has remained very important to me throughout my life. As a teenager I listened to all styles of music from Virgin Prunes to Peter Gabriel, Throbbing Gristle to Genesis, King Crimson to Jimi Hendrix. I would record shows off the radio and archive these to listen to later on. I would send tapes to friends overseas and exchange music and stories. Instead of writing letters we would just speak into the tape machine for 90 mins and tell stories, that was fantastic.

How is London in the 1980s and 1990s similar and different from the city of today?

I was born in London and lived there all my life until 6 years ago, when I moved out to a small market town, about 50 minutes away by train. In the 1980s London had a plethora of independent music shops, inspiring book shops, music venues, alternative spaces, which over time have closed, been replaced by coffee shops and retail stores, whilst the internet has devoured much of these industries. London remains an important nexus point for the interaction between people, ideas and activities, but it’s ever more challenging with limited space and at greater cost than ever. Living in a city like London means accepting certain compromises of light, space and money. And naturally I miss this past.

What is the main motive behind your approach to music? Why do  you make music?

It remains the same. Because I can do it and enjoy it. It brings me  pleasure. When I began recording it was never with the notion of  success, wanting to sell products, to tour, to be a pop star or anything like that. Anything I recorded was only for my ears. I was interested in creativity, in making something happen, in capturing a moment on tape, before it’s gone forever. Almost nothing brings me greater pleasure than beginning with nothing and after a few minutes, hours or even days, having something appear as if by magic.

Sound has continued to play an absolutely key role in my creative output as well as adding value to my life and that of others. It’s a language that everyone responds to, in any country in the world. It moves beyond barriers of language and comprehension.

Why “Scanner”?

I’ve been recording since I was around 10 or 11 years old. A tape  recorder was always my best friend at the time!. It was actually purely by chance I discovered this scanner device, since a friend was part of a hunt saboteur group and would use it to listen in to the local police. I immediately saw the potential and intrigue of being able to access these private spaces and incorporate them into these exploratory soundscapes I was producing at the time. I was especially drawn to the fact that the recordings were so intimate, so clear, yet abstract in nature. One had to imagine who these people were you over overhearing, where they were, what kinds of lives they led, although the nature of their conversations often clearly explained this! And I needed a name to embrace this body of work, so thought ‘Scanner’ was simple and anonymous enough!

Your opinion on the advance of right-wing fascism around the world. Brexit, Donald Trump, Bolsonaro, etc.

It’s a very concerning and worrying situation that is like an infection. At present it feels as if the internet has been offering individuals an  opportunity to spread wildfire ideas and dangerous beliefs, without  censorship. There is this ‘herd mentality’ when people just follow the crowd and don’t pause to think and consider, with evidence, how the  world is changing shape. I find it very worrying indeed.

What devices did you use in your first recordings? How was the  process you followed to record and structure your compositions?

My very earliest work was recorded on a portable tape recorder, the  kind of machine you could pick up really cheaply. Over the years this technology expanded into using a Teac 2-track reel-to-reel recorder, and then a Fostex 4-track recorder and ultimately a computer many years later on. The idea and structuring of works has remained similiar since the earliest days of recording for me though. I keep things simple. I try not to tell too many stories in any piece of music. I strip things back and let them breathe. Much of my work is recorded live, so represents a moment in time that will never be repeated. It’s a kind of performance art in that sense. It also means I cannot recall these later on.

I remember that around 1996 you sent me an email through one of those mailing lists, perhaps hyperreal.org, asking me about a remix you had done to a Peruvian group that I used to talk about on the forum, Silvania. What memories of your activities, concerts and anecdotes from the 90s?

The 1990s were an especially important time for electronic music and the social side of music. This was a period pre-internet in a sense. There were no such things as social networks or influencers. The web offered only a very limited access to information that was of value and was extremely slow and expensive for most people at that point in time.

As such the sense of discovery through interaction, through  conversation, magazines, attending concerts, and listening to the radio was essential. I ran a club at the ICA in London called The Electronic Lounge for 5 years which operated as a way to share music but also make connections for people.

In the UK the electronic music scene exploded, with the development of the Chill Out Rooms in clubs so suddenly music that didn’t receive exposure could be heard by many others, the walls between experimental and popular were broken down and our minds expanded in so many extraordinary ways.

I was travelling constantly and so much happened in rewarding and  unforgettable ways that I can barely begin to capture it all here in a little interview. Believe me though, anyone who lived through this period thinks much the same, as far as I know too!

Your opinion on the ubiquitous gentrification and retromania in  culture and therefore in music.

At some point so much of our world becomes commodified and  reconfigured for new audiences. I think there remains a fascination with the past, and there’s certainly nothing wrong with wanting to know where something comes from, how it began, and so on. Repackaging of music by major record labels can tend to become rather tiresome though, selling you yet another version of something you already have, endlessly replacing the past with a shinier, fresher, extended, remixed, remastered version. I remain as positive as possible though that any retro explorations open up the mind of others and allow them to understand the place of everything today.

Is your father French? You know, Rimbaud is also a famous cursed  poet.

I had French family, yes. My father died when I was very young though, so had little influence.

As a multimedia artist, what software and tools do you use today and what do you think the future of the arts and music in particular will look like?

I use a mixture of digital and analogue tools that would be familiar to many. Nothing especially unusual but they all offer me the chance to keep discovering and exploring and creating in a way that rewards me most of all. Simply naming them probably isn’t of much appeal, much the same as learning what fountain pen James Joyce wrote with would never enable you to write anything like him.

I could never have anticipated the current art and music today some 25 years ago so can’t begin to imagine where it will be in the future. I’m just excited that there is a continuing flow of artists who can continue to innovate and inspire others in such dynamic ways. The fact that artists can be successful independently, without the need to use the gallery ‘system’ means that our future will hopefully be ever more experimental and rewarding though too!

Future plans + final words.

A pandemic may have changed the way many of us think about the world at present, but I feel confident that the future awaits us as thrilling as always. I have projects that were happening in 2020 that were moved to 2021 and now have been postponed until 2022, but look forward to a day when we can share in our world again.

I keep myself exceptionally busy with projects and supporting others and am at present setting the foundations for the Artist Residency Programme that I will curating in the future to be hosted in a building in the UK, to encourage other younger artists.


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viernes, 30 de julio de 2021

UNA CONVERSA CON PAOLA TORRES NÚÑEZ DEL PRADO :. "El Tiempo del Hombre" es mi granito de arena en la escritura de otra historia del Arte y la tecnología



Paola Torres Núñez del Prado es graduada del Hunter College, City University de NY, de la Real Escuela de Arte de Suecia et al. y ha fijado su interés en el lado avant underground de la tecnología y la electrónica desde inicios de los dos miles. Tal visión la transmuta con referentes autóctonos como los telares pre-hispánicos y los quipus. Reside en Estocolmo (Suecia) y además de ser sponsoreada por Google Arts ha obtenido una mención honrosa en el Prix Ars Electronica 2021 con su proyecto de poesía de inteligencia artificial AIELSON con el cual da voz a un Jorge Eduardo Eielson irreal. 

La Torres ha mostrado tanto su obra como su proyecto performático de “Textiles Sonificados” en festivales de Arte como el Lofoten International Art Festival, Piksel Festival, Pinta Art Fair y Al Aire Fest y en países como Noruega, Suecia, Luxemburgo, Francia, Italia, Inglaterra, Estados Unidos, México, República Dominicana, Brasil, Chile y Perú. Con tal background se diría que va feliz y sonriente anclada en el mundillo de las artes plásticas pero para ella "eso de andar haciendo adornos para las casas de los ricos o aumentar sus colecciones privadas de Arte tampoco es una idea que me cautiva mucho la verdad". 

La contracultura en lxs neo quipukamayoq. 



¿Cómo es la vida de una ciudadana peruana en Suecia? ¿Da la creación para pagar las facturas?

En Suecia la creación artística le permite a muchos de los artistas que conozco vivir sólo del arte. Claro, esto depende de muchos factores, como de qué tan conocido seas, si cumples con lo que se espera de ti como artista, pero, básicamente, del poder probar que produces obra y esta merece ser financiada... Aquí hay varias instituciones que te dan dinero para proyectos, como en Perú o te otorgan becas de investigación artística (cosa que debería implementarse en Perú), estas últimas con dinero del Estado (sí, ya me han dicho mantenida los amiguitos de la derecha) y hay que decirlo: poder acceder a estos apoyos es realmente un privilegio. En mi caso, la verdad, vivo en un estado de inestabilidad económica constante: debo ser muy prudente con mis gastos, ya que actualmente sobrevivo gracias a ese tipo de financiamientos y no de vender piezas de arte. Actualmente no me representa ninguna galería comercial. A veces quisiera que alguna lo haga... Pero eso de andar haciendo adornos para las casas de los ricos o aumentar sus colecciones privadas de arte tampoco es una idea que me cautiva mucho la verdad... Cada vez que un año termina y veo en retrospectiva el que mis hijos accedieron a buena educación, que tuvieron sus necesidades elementales cubiertas, que tienen acceso a un sistema de salud decente, y que pude darles comida y un hogar en un lugar "bonito" (con aire limpio, con seguridad, y con muchas áreas verdes) pues lo agradezco, y también me lo agradezco, porque nunca sé bien cómo lo hago...

Así que como Peruana... La verdad que aquí me he vuelto aún más "roja", más Socialista que en Perú, en especial porque soy testigo de cómo el Neoliberalismo va destruyendo ese Estado de Bienestar (una idea heredada del Socialismo, después de todo) que convirtió a Suecia en una suerte de paraíso ante los ojos de muchos Latinoamericanos, y que es justamente la (otrora) uniformidad social lo que ha convertido a esta sociedad en sorprendentemente segura a nuestros ojos - con decirte que hoy me olvidé la billetera en la canastilla de mi bicicleta cuando fui a comprar, y NADIE se la llevó. ¿Es esto exclusivamente porque recibieron una correcta educación cívica? No lo creo; yo diría que es porque la inequidad social no es tan extrema como en Perú, en donde llevarse una billetera puede equivaler a tener que comer por tres días (o más). No hay ese tipo de necesidades aquí, por más pobre que seas: el Estado también financia a la gente que se encuentra en necesidad extrema (mientras tengas un documento de identidad Sueco, esto es) lo que ha hecho que, por años, la gente no añore lo que tiene el otro. Pero veo que todo este Estado de Bienestar va a terminar pronto, y no es por lo que aquí se dice, por el "mayor influjo de inmigrantes que aumentan la criminalidad" sino por la progresiva precarización del mercado laboral, mayormente por la proliferación de lo que en Perú se conoce como "services" que, por beneficiar a las empresas, ahora ofrecen contratos por medio de estos intermediarios que suelen ser de corto tiempo y sin mayor beneficio. La clase trabajadora aquí ya empieza a sufrir y ha perdido mucho de los beneficios de antaño; sin embargo, se les induce a pensar que su reciente inestabilidad laboral no es por el debilitamiento de las uniones laborales y la preferencia empresarial por contratar a esos "services" que se hagan cargo de las contrataciones de personal (para ahorrarse costos, obviamente) sino que es culpa del migrante que les quita el trabajo. En general, hay un clima anti-inmigrante muy fuerte. Con decirte que hace unos meses todos en mi edificio (menos nosotros) recibieron cartas de los neonazis explicando por qué los inmigrantes "marrones" o "negros" eran un problema, y estas iban dirigidas tanto a los habitantes del edificio blancos como los no-blancos (a estos últimos, les pedían que entiendan que "la raza blanca, con sus hermosos ojos azules, estaba en vía de extinción"). Lo curioso es que nosotros no recibimos nada en nuestra casilla de correo: me imagino que las parejas "mixtas" somos realmente problemáticas para los neonazis.

Este tema está conectado a la actividad artística también: se espera que, como artista "de la diáspora" (...) hables de tu condición "migrante" en tu arte... Creo que hay que aceptar que ese tema "vende" por estas tierras, y, para mí, esa podría ser una mala señal, aunque suene crudo. Yo a veces toco esos temas, pero de una manera bastante particular, primeramente desechando esa terminología y llamándome "nómade" (una condición aún más problemática, ya que los únicos nómades por estas tierras son los "gitanos", y digamos que no son muy queridos) utilizando también herramientas tecnológicas  (algo que no se espera de "un inmigrante del tercer mundo"), muchas veces visibilizando la presión que siento para hablar de ese problema (de mi "condición" de migrante) al supuestamente ser lo que se espera de mí: problematizar sobre la identidad, del sentimiento de alienación del migrante, del sufrimiento de estar en una tierra lejana a la mía "por necesidad"... Me inclino por postular que la innovación  tecnológica no solo viene del "Primer Mundo" la verdad. Es complicado porque la sociedad aquí anda con un espíritu anti-inmigrante tan fuerte que en verdad es imperativo denunciar... Pero esa denuncia hace que también se caiga en la categoría de "artista inmigrante que acusa" y al ser lo que se espera de ti, me parece que la denuncia se neutraliza. O termina como buen lavado de cara institucional. O como una transgresión, no como una subversión del statu quo que sería lo idóneo Pero quizá sea una cuestión de masa crítica: quizá si son muchas las voces que repitan lo mismo, finalmente pueda ser reconocido por el resto de la población "nativo-Sueca" (sea lo que eso signifique) el que hay algo muy relevante en aquella queja, y también un aprendizaje... Y es que los Suecos, en realidad, no están acostumbrados a protestar, y el quejarse es mal visto. Pero creo que deben ir dándose cuenta que su sociedad no es la misma que la de hace 30 años, y si no se empiezan a denunciar los abusos que también sufren, este nuevo sistema ya consolidado (un capitalismo despiadado) se los va a tragar "con zapatos y todo".

Cuéntanos sobre tu obra “El Tiempo del Hombre” que recientemente obtuvo una mención en Prix Ars Electronica 2021. ¿Qué procesos llevas a cabo?

Bueno, es una obra compleja, y por lo tanto llevo varios procesos a cabo en las distintas fases de ese proyecto, el que empezó como parte de la Residencia Artists + Machine Intelligence de Google, lo que de verdad fue de las experiencias más increíbles que he tenido... Claro, Google es un monstruo, y tampoco diré que es una compañía  "inocente y pura" (jaja) pero me permitió conocer a personas increíbles como Kenric McDowell, especialista en Inteligencia Artificial quien había ido a Perú anteriormente (familiarizado con la comunidad Shipibo Conibo por ejemplo) o Holly Grimm, artista Nativo Americana (Navajo) que estudió Pintura e Ingeniería de Sistemas A LA VEZ en Stanford, y quien fue la que me apoyó  mucho en la parte técnica de lo que es el Aprendizaje de Máquina..

Mi intención era hablar de los Quipus sin hacer uno... Digamos, esta sería una obra post-Quipu... Lo que sucede es que llevo un tiempo definiendo lo que a todas luces es un movimiento artístico que, en mi opinión, empieza hace cien años gracias a Elena Izcue. Esto se puede leer en el "Manifiesto Neokhipukamayoq desde la Technokhipumancia" que escribí, un poco delineando los alcances de este movimiento y dando pautas para manejar el tema de manera responsable y con respeto, ya que el Quipu no sería únicamente una herramienta de almacenamiento de data precolombina, sino que es un símbolo vigente que es parte de las tradiciones actuales de algunos pueblos del Ande, en especial, de San Andrés de Tupicocha, en las afueras de Lima.

De tal manera que el álbum "El Tiempo del Hombre" es una pieza más en aquel rompecabezas, y fue creado siendo pensado como tal. Ahora, al hablar del Quipu también se habla de la muerte de los medios, o de su vida después de la muerte, y es por eso que elegí la voz de Eielson; de hecho, creo que no hay ningún otro artista que haya sido referenciado tanto por otros artistas en Perú, y esa suerte de "loop" referencial (que es finalmente autorreferencial en el contexto del arte Peruano) me pareció relevante... ¿Vamos a seguir dejando que la historia (del arte y/o de la tecnologìa) siga siendo escrita desde el "Primer Mundo", bajo su óptica jerarquizadora, que siempre termina por colocarnos por sobre el resto de pueblos "no desarrollados"? Bueno, aquel proyecto es mi granito de arena en la escritura de otra historia, tan necesaria...

Con respecto a la parte técnica, pues e proyecto cuenta con varios módulos de aprendizaje de máquina, y utiliza tres modelos diferentes para crear la poesía que recita la voz de AIELSON (que, ojo, nunca se presenta como Jorge Eduardo Eielson). Estos archivos de poesía sonora han sido entonces incluidos en un álbum, un vinilo (me parece que es el primero en su clase) el que devino en un huaco sintético para el futuro, pues lo he enterrado en el desierto al sur de Lima. Me interesaba el vinilo como formato pues la aguja pasando por las curvas de este me evocaban a los dedos de la mano al tocar los nudos del Quipu.

Ahora, debo decir que entrené el primer modelo (GPT2 o la porción que genera la poesía escrita) no sólo con la poesía de Eielson, sino con la de Cecilia Vicuña, y hasta la mía propia, esto después de haber entrenado el modelo en primera instancia con un compendio de poesía en español (mayormente Latinoamericana). AIELSON es profundamente Sudamericano...

Si bien el castellano puede tener una carga colonial fuerte, en el contexto de los países del Primer Mundo, y, en especial en Estados Unidos, es una lengua que genera mucha controversia, habiendo gente que ha sido atacada tan sólo por hablar español en esos entornos. AIELSON tiene una forma de hablar que es característicamente Latinoamericana, no Española, y entrenar un modelo con esas características implicaba de por si una pequeña revolución en el ambiente de la Inteligencia Artificial, que cuenta con modelos que son predominantemente en inglés.







Eielson es un referente en la tradición local. ¿Qué encuentras tú que conectas con su discurso?

Lo que me interesa de Eielson, como también de Cecilia Vicuña, y lo que me hace situarme un poco entre ellos (más allá de lo egomaníaca de esa posición, jaja) es la inclinación por la práctica artística  interdisciplinaria, que incluye la escritura tanto de poesía como de prosa, pintura, escultura, interés en el textil y en la cultura precolombina, en los nuevos medios, en el sonido, en la experiencia táctil... Todos esos son medios en los que he trabajado yo misma por años. De alguna manera, definirlos era una manera de definirme.

Tienes un gran trabajo como artista visual, ¿qué buscas expresar en tus imágenes?

Vaya, esa es una pregunta complicada. A veces las imágenes son tan sólo un vehículo que me permite enviar un mensaje al espectador, o a veces son relevantes por ellas mismas, cuando están relacionadas con el error o el "glitch"... Mi relación con el ámbito visual también es un poco complicado; es decir, yo vengo del ámbito de la pintura, entonces, lo visual, esa estética tan característica de la pintura, por su materialidad, su bidimensionalidad, y su atemporalidad, en un momento, lo fue todo. Y la verdad es que me hastió. A raíz de ese hastío es que nace toda mi obra no-visual (o no exclusivamente visual). Pero ahora, por ejemplo, estoy pintando un par de cuadros...

Tu opinión sobre la gentrificación y retromanía omnipresente en la cultura actual.

La verdad que pareciese que sólo la cultura "marginal" (sea lo que sea eso) que se gentrificó es la que aparece en los libros de historia. La cultura popular siempre anda bien diferenciada de las "bellas artes"... A menos que empecemos a hablar del "pop art" por ejemplo, y las artes populares occidentales (no voy a hablar del caso Peruano aquí, pero bien podría porque también lo que sucedió es similar, de alguna manera, si bien el arte "pop" no tiene que ver nada con el folklore como en el caso del arte popular peruano). Ya que más ejemplo de eso de gentrificación en el arte que Andy Warhol...

Bueno, a mí Andy Warhol me aburre sobremanera, jaja, pero esa es una opinión personal y no espero que nadie la comparta. Igual el tipo fue genial porque reconoció un mercado y lo explotó... Fue la mejor herramienta que la cultura estadounidense consumista y "libre" tuvo para autoafirmarse en plena Guerra Fría. Y el arte muchas veces sirve para eso, como sabemos. Hasta el arte que hago yo podría quedarle como anillo al dedo al Gobierno Peruano, para reafirmarse también - alguna de las cosas que he hecho podrían ser vistas como recontra "Marca Perú" (hola Estado Peruano, sí, a tí te hablo. ¡sálvame de mi crisis económica! Jajajja) - obvio que al Estado Peruano nunca le interesaría lo que hago, así que podemos estar tranquilos que me mantendré independiente por un tiempo más al menos. En especial porque a mí me encanta morder la mano que me alimenta (jajaja). Pero bueno, en este punto, cuando veo al mundo del arte, sólo veo juegos de geopolítica, de poderes, y de ricos interesados en pagar menos impuestos o tener a su dinero en "una forma segura que no se devaluará" (o sea, en una obra de arte) o de limpiadas de cara institucionales. Sí, no tengo mayor ilusión sobre el mundo del arte ya. La verdad que ni me muevo para exponer más allá del ámbito virtual, a menos que me contacten para hacerlo... Ni sé cuándo lo haré de nuevo, de manera física. Lo que es una pena, porque lo material me gusta mucho más que lo virtual... Ah, no sé, veremos qué pasa.

Si hago arte es por mí y para la gente en realidad, para compartir con ellos: prácticamente todo lo que he hecho se puede encontrar en línea... Lo malo que es tanto que nunca me da el tiempo para terminar de explicarlo, y creo que, en el caso de mi obra, a veces una imagen no es suficiente, lamentablemente. Quisiera que fuese así: sería más fácil...

Pero bueno, al menos allí están los videos, las imágenes, y los textos, para quien le interese.

Una buena salida a ese sistema de las bellas artes ha sido el tocar en vivo con los Textiles Sonificados. Después de todo, son obras de arte portátiles que pueden ser tocadas por quien desee, no sólo por mí. Y me agrada mucho más que tener que lidiar con las formalidades detrás de una exposición en una galería, por ejemplo: el contacto con el público es mucho más directo cuando se toca en lugares pequeños, por ejemplo. En expos, la gente tiene un poco de miedo de acercarse o preguntar.

Sobre la retromanía... Eh... Pues depende. En Hollywood parece que se les acabaron las ideas y ya todo es un remake... En las "bellas artes" puramente occidentales, bueno, también es un poco así...  A veces (aunque no quiero generalizar tampoco) ¿Se puede innovar mediante la referencia a obras del pasado? AIELSON es una respuesta a ello, creo.

¿Qué extrañas y detestas después de la escena limeña?

Jajaja, ¿qué extraño? ¡A la escena no-limeña! Jajaja...

No, ok, creo que no fui nunca parte de ninguna escena Limeña. Como que estuve por ahí... deambulando... Creo que nadie podría decir que fui parte de esa escena o aquella... Creo que siempre me fui antes de que se me pudiese definir como parte de algo.

Tuve amigos en varios entornos diferentes de la escena Limeña relacionada al sonido... La mayoría ni me pasa ahora, ajajjaja.

Para la escena de "bellas artes", bueno, hay que decirlo: soy prácticamente inexistente. No importa cuantos logros obtenga en el exterior, nadie jamás ha escrito una línea sobre mi obra, salvo Elisa Arca creo... Algún curador o curadora se interesó en mi persona alguna vez... Pero de ahí vieron mis posts en Facebook, y bueno, ya o me eliminaron o no me responden, ajajaja. Quizá haya algún valiente por ahí que sí la haga... A ver qué pasa. Hmm, seguramente no me debería reír de esto dado que mis supuestos ingresos económicos vendrían de posibles expos y demás... Pero si vamos a andar defendiendo la libertad como anda tan de moda, bueno, entonces defenderé la libertad de manifestar mis opiniones políticas o sociales como me plazca, sin temor a que me cancelen por ello. Y el temor no viene porque yo creyese que no me van a cancelar: ya lo han hecho y no sólo a mí, sino a artistas que sí "existían" para aquella escena de arte... La falta de temor viene justamente porque no he recibido nada de esa escena, por ende, no tengo nada que perder. Mis respetos a aquellos que sí recibían y, aún así, se enfrentaron. Sean de la clase social que sean, hay que reconocer que se requiere valentía para potencialmente perder tus comodidades por defender tus ideas, justamente cuando esas ideas tienen que ver con exponer un sistema que da mayor valor a un grupo de gente por sobre otra.

Por favor, dinos qué discos, libros u obras te han roto el cerebro de una manera inolvidable.

No me preguntes de discos que seguramente te daré una lista de discos de metal, ¡jaja!

Bueno un grupo peruano que me encantó fue Colores en Espiral... Tica también era increíble

Si hablamos de "roturas cerebrales", ¡el primer libro que me rompió el cerebro habría sido el Antiguo Testamento! Después de leerlo de púber, me volví atea: en sus páginas sólo encontraba a la más repugnante humanidad (incesto, asesinatos, violaciones, extremo machismo, etc.) y muy poca o nula presencia de aquel dios (como cantaron alguna vez, "porque dios así lo quiso porque dios también es hombre") y ya, después de eso, rechacé los sistemas morales basados en el miedo, el castigo, y esa paranoia de que "hay alguien que siempre está viendo lo que haces". Ese alguien soy yo y listo (bueno, hoy día, también nos ve la cámara web y nos escucha el teléfono así no querramos, jaja).

Sobre películas, tampoco esperen una respuesta cultivada: ¡amo el sci fi! Sí, ese sci fi hollywoodense bien trillado... Me he visto las películas más predecibles sólo por ser sci fi... Amo "Contacto"... Amo "Interstellar" (no esperen una crítica intelectual por mi parte de ninguna de estas películas: yo las veo, y soy feliz, y es suficiente).  He visto la saga de "Star Wars" miles de veces y he sufrido con las dos "primeras" que en verdad son las cuarta y la quinta por la calidad de sus efectos especiales... Claro, todo tiene su límite y mi límite es "Avatar"... Ya si los efectos generados por computadora son malos, por más interesante que sea la trama (en el caso de esa película, la verdad que ni eso) pues simplemente no lo puedo ver. Prefiero mil veces efectos análogos que se perciban como anticuados a las renderizaciones en 3D modernas que se evidencian como tal... Extraño mucho los animatronics y por eso "The Mandalorian" fue como un regalo de los dioses para mí. Creo que la tercera temporada es lo que más espero del 2022 jaja...

De màs joven gustaba mucho de la literatura Rusa y también de la Argentina... ¿Un libro que me haya encantado? Redoble por Rancas, de Scorza. Ese libro debería ser de lectura obligatoria en todas las escuelas.

Siendo madre y artista, ¿cómo abordas el cuidado, crianza y  educación de tus retoños?

Pues compartiéndoles el aprendizaje más importante que he tenido en la vida al decirles: NI SE LES OCURRA SER ARTISTAS, ¡ajajja!

Pues... creo que asumí que no iba a ser una madre ideal. Y que en el proceso seguramente aprendería yo tanto o más que ellos. Creo que andan felices... Muy engreídos nomás, jeje.

Planes futuros.

Mmm... ¡dejar el arte!

Jaja, no... Pues, como siempre, a largo plazo nunca sé... A corto plazo, participar del Ars Electronica. Experimentar más con redes neuronales... Estuve escribiendo bastante... ¿Quizá publicar algunos de esos textos? No lo sé...





miércoles, 28 de julio de 2021

UNA CONVERSACIÓN CON SANTIAGO PILLADO :. No debería sorprender que los medios oficiales busquen invisibilizar el arte y la música pues son vías de empoderamiento y transmisión de energía




Santiago Pillado-Matheu es un personaje de la escena alterna. Creció durante los tempestuosos años de la movida subte, ese escenario que produjo tremendas rupturas y próceres como María T-Ta y Cocó Silvania/Ciëlo. De infante le viene el afán por la experimentación: solía estimular su mente con las radios, silencios y artefactos hogareños. Notable como baterista y vocalista en El Hombre Misterioso y como escultor de sonidos + auras en Sanken Rei, su proyecto junto a Mariana Tschudi; acaba de publicar el soundtrack "La Revolución Y La Tierra", una de las más vibrantes películas peruanas de las últimos décadas, documental para más inri. Feliz 28.


Cuéntanos Santiago, ¿desde cuándo fluye en ti la atracción y el cultivo de las sonoridades relacionadas al arte sonoro y la música experimental?

Hola Wilder, muchas gracias por la entrevista… Pues desde siempre me ha gustado el sonido como elemento de creación. He tenido mucha avidez por los sonidos que se podían generar en la calle, en el barrio, en la casa, en el mercado, en una fábrica. Entonces cuando era chibolo yo fusionaba en mi cabeza el refrigerador, el partido de fulbito, el patrón rítmico de las máquinas de tejer que habían bajo mi casa, la interferencia de la radio que tenía mi abuelo, que era radioaficionado, y bueno, cuando descubrí el rock en la televisión, grababa canciones en mi tocacassette poniéndolo frente a la tele y siempre se escuchaban ruidos externos, respiraciones y conversaciones en las grabaciones. Así que siempre tuve mis antenas muy abiertas a escuchar esos sonidos inesperados, rándom, y crear ritmos y atmósferas con ellos. He tenido la suerte de tener una infancia con bastante contacto con diferentes realidades y lugares del Perú, y siento que pude absorber mucho de lo que ahí sucedía a través de los sonidos. Creo que gracias a eso gusto mucho de componer por capas, integrando insumos de procedencia diversa que me permitan hacer florecer tanto música como arte sonoro, que para mí son lo mismo. 




¿Con qué música creciste o qué escuchabas de chibolo o teen?

De bien chibolo escuchaba la música que escuchaban mis viejos: música clásica, tango, baladas en español, salsa dura, música latinoamericana, nueva trova. Pronto me interesé por el rock y comencé a buscar todo lo que pude, de lo cual me terminó gustando la mitad al final del día. Luego descubrí el punk de The Clash, Pistols, Ramones y el rock subterráneo de estas tierras y me pegué fuerte con eso, con mucha emoción y adrenalina gracias al halo “prohibido” y “peligroso” que representaban en una época que fue bastante peligrosa en la calle (mediados y fines de los ochenta). Terminando el colegio empecé a descubrir muchísima música nueva que no sabía que existía y que abrió mi mente y mi corazón. A partir de allí supe que lo mío no pasaba por géneros ni estilos definidos y que, como decía Bob Marley: “música es música”. 

Tu banda El Hombre Misterioso se caracterizaba por modular su vena funk y jazzy con pinceladas minimalistas y freakys, ¿cómo has abordado la composición del álbum que acabas de publicar en relación con tu discografía previa, qué elementos y herramientas has usado, cuánto tiempo te ha tomado?

Bueno, en El Hombre Misterioso realizamos un trabajo por capas que integra a todo el factor humano que coexiste dentro de la banda, es decir cada quien hace lo que le da la gana y luego vamos filtrando las posibilidades en relación al concepto o los conceptos que queremos transmitir. Eso tanto en la música como en las historias que contamos en nuestras canciones. Y como nosotros provenimos de distintas frecuencias musicales, esta diversidad humana que forma EHM hace que nuestras producciones tomen tiempo: el tiempo que sea necesario para que nos gusten a todos. 

Para el caso de mis producciones personales la cosa es más sencilla, solo soy yo en el punto de partida, con algunas colaboraciones que pido eventualmente, y vuelvo a ser solo yo en el punto de llegada. Entonces aquí mis juegos de collage sonoro y superposición de capas sonoras puedo hacerlos más a fondo. En La Revolución y La Tierra, que acaba de ser lanzado en LP de vinilo por Buh Records, el proceso fue muy rápido. En primera instancia le planteé al director de la película, Gonzalo Benavente Secco, que la música representara la voz de la tierra, dado que las imágenes, que iban bien rápido, me parecía que representaban la voz de la revolución. Entonces la música nace como una sonoridad subterránea, lenta, que te habla desde un lugar más grande que un acontecimiento puntual en el tiempo, pero que a la vez es muy consciente de él. Para eso busqué elementos de música andina que fueran ritualistas para mí y que pudiera tocar, como flautas de armónicos, bombos sicuris, tambores, semillas, cáscaras, chajchas, usé una tanpura que tengo para sostener notas largas, intervení y ralenteé violines afroperuanos que había grabado anteriormente, y utilicé paisajes sonoros de tierra que había grabado en la sierra para proyectos personales. Así busqué generar texturas que puedan sonar contemporáneas y a la misma vez ancestrales, que se integran con loops electrónicos largos, samples, teclados y synthes que siento que me ayudaron a generar por un lado tensión, las tensiones que salen a la luz cuando uno remueve la mierda, y por otro lado dulzura, la dulzura de la tierra y de la gente que está conectada con ella. 

El documental “La Revolución y la Tierra” es además de histórico, fascinante. Lo vi con mi padre (qepd) en Megaplaza cuando fue estrenado y nos hizo vibrar. Justamente el soundtrack que has realizado refleja la tensión entre ese pasado y el presente en base a ritmos y samples amén de una curiosa energía melancólica. Tu opinión sobre la situación reflejada en el documental, el revuelo que causó en los conservas y el ambiente que vivimos ahora con un campesino profesor en la Casa de Pizarro. 

Bueno yo creo que ha sido una película muy necesaria, porque muestra con filmaciones de la época el imaginario tan colonial que se mantiene en el Perú incluso hasta nuestros días. La manera en la que nos cuenta la historia de la república del Perú, desde la independencia de España, deja muy en claro que no había una voluntad de construcción de ciudadanía ni integración de personas ni de saberes, y que por el contrario fue una réplica de la dominación, secuestro y corte de circuitos a una civilización evolucionada por parte de sus conquistadores. En mi opinión el trabajo de investigación, recopilación y edición del material es fabuloso, así como la narración y el guión, entonces siento que es una película que con poco presupuesto ha balanceado las noticias que sobre la reforma agraria y el gobierno de Velasco se dispararon en ráfagas desde la elite más conservadora del país. Yo he visto la reacción de muchos jóvenes sobre las imágenes que dejan en evidencia la situación de semi esclavitud en la que estaba el campesinado peruano, y que no pueden creer cómo un indio le sirve de escalera a un blanco para subir a su caballo. Entonces mucha gente joven ha tomado consciencia de la discriminación y el abuso que sucedía como algo oficial hace no tanto tiempo en el país. 

Y ya que mencionas la coyuntura política actual, pues me parece muy interesante que un profesor y rondero sea presidente del Perú en el Bicentenario además. Creo que Castillo tiene la oportunidad de integrar la diversidad que conforma el país, espero que lo haga, y a la misma vez que todos, desde nuestra humanidad, pongamos nuestro grano de arena para construirnos como una colectividad con ciudadanos al mismo nivel de oportunidades y posibilidades, con justicia y respeto para todxs, sin discriminaciones. 





¿Cuáles son los discos, películas y libros que podrías recomendar a los lectores del blog y que dirías que te marcaron o influenciaron?

Discos: 

The Velvet Underground & Nico de The Velvet Underground. Combat Rock de The Clash. Frank´s Wild Years de Tom Waits. Divididos por la Felicidad de Sumo. Catch a fire de Bob Marley. The revolution will not be televised y I´m New Here de Gil Scott Heron. Tenderness de Kip Hanrahan. Unknown Pleasures de Joy Division. Easter de Patti Smith. Lust for life de Iggy Pop. In My Own Time de Karen Dalton. The Wall de Pink Floyd. Little girl blue de Nina Simone. El disco homónimo de Andrea Echeverry. El disco homónimo de Perotá Chingó. Saludo musical de Los Muñequitos de Matanzas. Stellar regions de John Coltrane. Chinchano de Andrés Prado. Intensidad y Altura: música para banda magnetofónica (sobre un poema de César Valllejo) de César Bolaños. Encantos andinos de Jaime Guardia y Pepita García Miró. The Future de Leonard Cohen


Películas:

Toda la saga de Star Wars. La montaña sagrada y El Topo de Alejadro Jodorowski. Brazil, de Terry Gilliam. Solo los amantes sobreviven, Hombre muerto y Bajo el peso de la ley, de Jim Jarmush. 24 hour party people de Michael Winterbottom. Bastardos sin gloria de Quentin Tarantino. Y la nave va de Federico Fellini. Stalker de Andrei Tarkovski. La muralla verde de Armando Robles Godoy. Sigo Siendo de Arturo Corcuera. Koyaanisqatsi de Godfrey Reggio. Pacificum, el retorno al océano de Mariana Tschudi. Los ojos del camino de Rodrigo Otero. 


Libros: 

Peleando a la contra de Charles Bukowski. Morfina de Mijail Bulgakov. El Almuerzo Desnudo de William Burroughs. Pájaro de celda y El desayuno de los campeones de Kurt Vonnegut. La conjura de los necios de John Kennedy Toole. El mundo es ancho y ajeno de Ciro Alegría. Lima La Horrible de Sebastián Salazar Bondi. Ese puerto existe de Blanca Varela. Autobiografía de un Yogui de Paramahansa Yogananda. Sobrenatural de Joe Dispenza. El héroe de las mil caras y Diosas de Joseph Campbell. El legado de la sociedad andina ancestral de Mario Osorio Olazábal. 

La inexistencia (o precariedad) de una Industria Cultural en nuestro medio se refleja en el hecho que no existe un órgano impreso o digital enfocado en la música así en general. Los esfuerzos anteriores como Esquina o Caleta son casi lunares si los comparamos con sus pares de otras latitudes que llevan en la escena décadas. ¿Qué fue de Descabellado el sello y la revista?  

Bueno, si consideramos que la cultura y el arte y la música son medios de transmisión de energía y de empoderamiento de nuevos paradigmas, no debería sorprendernos que los medios oficiales y sus discursos traten de invisibilizarlos. Pero, como bien dice Leonard Cohen, “siempre hay una grieta en cada cosa y es por ahí por donde entra la luz”. Siento que las luces siguen entrando y que el Perú, que es un país muy musical y diverso, tiene un universo que se va mostrando a quienes tienen ojos para ver y oídos para escuchar. Y el tiempo es relativo así que ya está sucediendo. 

Sobre Descabellado como sello discográfico y colectivo artístico-musical, pues siento que cumplió un ciclo que para muchos entre los que me incluyo ha sido muy importante y ha dado aportes sustanciales para la integración y puesta en valor de la música independiente hecha en el Perú. Dejamos más de 40 discos editados, de diversidad que va desde el rock y sus múltiples derivados, pasando por la salsa, cumbia, música andina y amazónica tradicional, hasta la música experimental y el arte sonoro. El tema de gestión hizo que el colectivo Descabellado se ponga a un lado, sincere sus capacidades y limitaciones, y permita que cada artista se encargue de sí mismo. Nacimos con el “do it yourself” y hemos vuelto al “do it yourself”. Desde mi perspectiva: un final feliz. 

Sobre la revista Descabellado, pues se hizo un arduo trabajo en alianza con el grupo La República, encargado de financiar y promover la publicación, pero al final no se pudo continuar justo en el momento en el que podía empezar a despegar la cosa. Personalmente, como editor de la revista, me queda la satisfacción de haber aportado por lo menos conceptualmente a la importancia de construir puentes entre las distintas corrientes musicales del país y los distintos lugares donde hay gente que sin duda gustaría de conocer y tener acceso a nueva música y música diferente hecha en el Perú y el mundo. 

¿Difusión o Gentrificación?

Difusión. Integración. Propulsión. 

¿Cuándo por fin el álbum largo del proyecto synth wave que llevas con tu pareja, Mariana Tschudi, SANKEN REI?

El disco que estamos haciendo toca temas profundos que tienen que ver con la oscuridad de la humanidad y con la ternura como la principal posibilidad para poder atravesarla, transmutarla y evolucionar hacia el amor. En este proceso nosotros mismos experimentamos sensaciones que a veces nos toma mucho tiempo transformar para poder salir de allí. 

Cuando el disco vea la luz significará que hemos logrado estar a la altura de lo que dicen nuestras letras, en especial yo porque Mariana, como mujer, tiene la conexión más abierta con la ternura, los ciclos de la vida y la muerte, y los portales multidimensionales de los que todos los seres humanos formamos parte aunque no seamos conscientes (aún) de ello. 

El proyecto Sanken Rei busca desde su concepción la integración de los lados femenino y masculino que tenemos los seres humanos para encontrar nuestro eje, nuestro centro, nuestra esencia. Personalmente estoy trabajando mucho en eso y espero de corazón estar muy pronto a la altura de eso que estamos transmitiendo para que el disco salga a la luz.  

Planes futuros y palabras finales.

Los planes futuros son seguir haciendo música, no-música y arte en diversos formatos. Con Mariana estamos generando material para una película y yo por mi lado tengo proyectos nuevos de música para cine y artes escénicas. Ojalá podamos pronto tocar en vivo con Sanken Rei. Queremos hacer jam sessions y activar el arte de improvisar en forma interdisciplinaria. El objetivo es vivir la vida como un arte. 


sábado, 24 de julio de 2021

Entre cerros y unos :. 20 AÑOS DEL "AUQUICO" DE EVAMUSS



“Auquico” - pequeño príncipe en quechua - es el primer álbum hecho completamente en ordenador - a la manera de la llamada computer music - lanzado al mercado en Perú el 2001.

Corría el año 1999 cuando Christian Galarreta – miembro de Crisálida Sónica y creador de DiosMeHaViolado,Tica y Ninguna Nínfula – sumergido en su amor a la música, la transgresión y a los efluvios celestes - que por ese entonces invadían a contemporáneos como Catervas, Girálea o a los fantásticos Espira - descubrió las infinitas posibilidades del medio digital gracias a tres factores principales:

1. La ausencia de una plataforma solvente para afrontar la concreción de experimentos realizados con efectos o sintetizadores de avanzada.

2. La escucha visionaria de artistas como Kevin Drumm, Hecker, Pita entre otros. 

3. La conexión histórica entre Lima y Viena gracias a los intercambios de CDs, LPs y emails con el dueño del sello Mego, Peter Rehberg (a.k.a. Pita) -fallecido el día de ayer de paro cardíaco a los 53 años- catapultaría la carrera de Galarreta años luz más allá de lo que por estas latitudes estaba en boga por aquel entonces.

El álbum ignicia con un alucinante juego batalla de percusiones digitales desorientadoras, una re-versión personal de la IDM. Temas como “Minimuss” o “Neontetra” son prueba audible de la magia e inventiva de Galarreta quien hacía de los ruidos y los cut and paste de la edición digital su hábitat natural. ¿Deleuze y Achim Scepanski de Mille Plateaux libando licor en el cruce de Alcazar con Tarapacá?

Más adelante temas como “KLluvia” o “Iwi9” nos muestran el lado etéreo de Evamuss metamorfoseado por las florituras electrónicas más crispantes e increíbles surgidas del cráneo de este músico del Rímac, quien pasó su talento por las aulas del Salesianos y del Conservatorio “Josafat Roel Pineda” –donde se iría de bruces ante las limitaciones y atraso de la formalidad musical patria.

"Auquico" tuvo que esperar un año para su publicación, pues Galarreta inscribiría su obra como participante del Festival de Video Arte Electrónico del año 2000 en donde obtuvo una mención honrosa. El VAE no contaba con un apartado para música digital por aquellos días. Así, el disco vería la luz recién el año 2001 vía Aloardí. La portada nos presenta un telar Wari en donde se retrata a un músico del Perú pre-hispánico. En mi opinión Galarreta parece decirnos que el Perú siempre ha sido un lugar alucinante y en Vanguardia por lo cual hoy nos toca tomar ese sitial de nuevo.

Veinte años después es innegable que este artefacto suena tan fresco como al momento de su concepción y puesta en venta. Pocas obras tienen esa cualidad, entre otras podemos citar el "Delay Tambor" de Silvania. Las siete piezas de "Auquico" siguen sorprendiendo a quienes tras la escucha de disco son forzados o bien a odiarlo o amarlo con todas sus fuerzas. No hay medias tintas acá.

FINAL 1: La mayoría dice que la vanguardia es así, yo creo que a muchos no les gusta ver de frente al Sol, tanta luz les ciega.

FINAL 2: Haber vivido en tiempo real la gesta de Evamuss a fines de los 90 e inicios de los 2 miles es, desde todo punto de vista, un privilegio y un galón más para nosotros, ciudadanos del universo.

FINAL 3: Algunos emprenden el vuelo sin retorno que todo ser, cual Odiseo, debe una vez en la vida acometer. ¿Lo has hecho ya tú?



viernes, 23 de julio de 2021

Reseña: CAN - Tago Mago (Spoon, 40th Anniversary Edition)



por QUIM CASAS
Extraído de Rock de Lux, 2011


Los emperadores del rock alemán aún no habían grabado ninguna obra magna hasta que apareció el doble álbum “Tago Mago” (1971). Sus anteriores discos eran probaturas –“Monster Movie” (1969)– y recopilatorios de gemas dispersas concebidas para el cine –“Soundtracks” (1970)–, así que les faltaba aún la pieza significativa, la cristalización absoluta de su forma de fundir el rock anglosajón con las enseñanzas de Stockhausen, los ritmos tribales y la improvisación jazzística.

Después de “Tago Mago”, que es también una obra incómoda por su abierta experimentación formal –condensada en los diecisiete minutos que dura el tema “Aumgn”–, las cosas serían más fáciles: “Ege Bamyasi” (1972) y “Future Days” (1973) alargaron las enseñanzas de este disco medular, mientras que “Soon Over Babaluma” (1974) ahondó en otros paisajes rítmicos.

“Tago Mago” fue grabado con la formación más estable, o más duradera, de Can: el fallecido Michael Karoli (guitarra), Irmin Schmidt (piano eléctrico y órgano), Holger Czukay (bajo), Jaki Liebezeit (batería) y Damo Suzuki (voz). La tonalidad angosta de “Aumgn” se metaboliza en el frenesí de “Oh Yeah” y “Halleluwah”, mientras que “Bring Me Coffee Or Tea”, uno de los temas de Can utilizados por Tran Anh Hung en “Tokio Blues”, demuestra el enorme poder hipnótico de las piezas más sencillas del grupo.

Spoon, el sello de Can, reedita el disco en su 40 aniversario con un buen complemento, un compacto en directo con los temas “Mushroom”, “Halleluwah” y “Spoon”, y un libreto con oportunos textos de Bobby Gillespie y David Stubbs (repescados de la reedición de 2004), así como de Duncan Fallowell (novelista y colaborador de Irmin Schmidt). 


H R 3 0 0 1


     X: HELENE RAMOS


ALGORITMOS COMPUTACIONALES. 

KSAWERY KIRKLEWSKI, diseñador gráfico y programador, graduado en el Departamento Gráfico de la Academia de Fine Arts en Gdansk/Polonia es quien ha concebido la trama para este bien conceptuado clip. Usó fotos y películas importantes para él como "Talking Heads" (1980) de KRISZTOF KIESLOWSKI. Artista en algoritmos que unido a MAX COOPER (Belfast/Irlanda) y a JOEP BEVING (pianista con base en Doetinchem/Holanda), son los 3 protagonistas de esta gran obra de arte. MAX, se desenvuelve dentro de la música electrónica a la par de aplicar sus estudios en biología numérica. Así, JOEP ha tenido su pieza Hanging D, remezclada x MAX. El resultado ha sido óptimo y considerando que él, convirtió cada nota de piano en synth notes siguiendo el ritmo minimalista del original, pero de manera electrónica. Ha sido una experiencia que  une la constante multiplicación de partículas, que podrían estar diciendo una historia al momento de formarse las imágenes. JOEP admira el trabajo de PHILIP GLASS, KEITH JARRETT, MAHLER, CHOPIN... entre otros. Nada a contracorriente como que es libre de clichés. Aprecia este opus luminiscente  que  enmarca 2021❎





Cuando creíamos que ya lo habíamos visto todo... la música no se detiene en sorprendernos y 3 genios se juntaron para lo que acabas de mirar❎ En música jamás existe crisis en ninguna parte de este planeta. La producción para este año es de terabytes en terabytes❎ DEPECHE MODE confirma su boxset de 8 vinilos con los singles de Ultra remezclados x AIR, PLASTIKMAN y UNDERWORLD. Un total de 8 singles en vinilos de 12" con arte original, audio remasterizado, demos y versiones alternas de Barrell Of A Gun, Painkiller, It's Not Good, Home, Useless y Slowblow. Disponible desde el 10 de setiembre con un poster y respectivo códig para descarga digital❎ X otro lado, circula un neo libro de DEPECHE MODE (Taschen Books) con fotografías de ANTON CORBJIN❎



Feel/Listen: Es un viaje a la música acústica de la compositora kosovar DONIKA RUDI e interpretada a través del sistema octofónico que permite percibir sonidos. Una exploración de la relación entre escuchar y sentir e insertada en la cuadragésima sexta edición del Festival Pergine, dirigido x Carla Esperanza Tommasini. Lo asombroso del mismo es que ha sido diseñado especialmente para un público en particular: los sordos. El proyecto verifica las posibilidades de la música acústica -término que le dio PIERRE SCHAEFFER en 1960. Ellos, para oír los sonidos  deben físicamente entrar en contacto con las fuentes de vibraciones utilizando la plataforma sensorial de madera que se expande. Los altavoces están insertados en la estructura de la piel para amplificar la escucha de las composiciones de DONIKA RUDI. Una gran experiencia que realmente sorprende y es admirable todo su background❎





IMMERSION acto formado en 1994 e integrado x el tándem: Colin Newman (WIRE, GITHEAD, ORACLE...) y su esposa de Tel-Aviv/Israel: Malka Spigel (EARTH, GITHEAD, MINIMAL COMPACT, ORACLE...) anuncian su próximo neo álbum Nanocluster Vol. 1. El título es además, el nombre del club que ambos regentan en Brighton/UK. Este es su primer álbum (no debut) con colaboraciones estelares de LAETITIA SADIER, ULRICH SCHNAUSS, TARWATER y SCANNER. Cada uno de ellos participa con 3 piezas. Disponible desde el 4 de setiembre próximo. En actual promoción: Skylarks - ULRICH SCHNAUSS❎




POST / POST-PUNK REVIVAL. Ciclos alternos hemos visto pasar con INTERPOL, FONTAINES D.C., DRY CLEANING, SHAME... Citar a la enésima banda siglo XXI que no desestima inspirarse en sonidos de hace 4 décadas atrás, puede parecer de alguna forma pleonástico. Aunque... no siempre es así. El combo de Bruselas/Bélgica: WHISPERING SONS, que ha lanzado su álbum Several Ones, utiliza piano de modo esencial y eficaz en piezas como Aftermath, obstinados sintes en (I Leave You ) Wounded o en los samples en Screens. Empezaron escuchando a THE HORRORS, THE EDITORS... x el habido post-punk revival. Para más adelante se llenaron de la fuente de JOY DIVISION, THE CHAMELEONS, THE CURE, SOUND... Ciertamente noto otras ciertas esencias de actos darkwave como también aromas de unos SUICIDE o NICK CAVE y hasta de FRONT 242. Fenne Kuppens es el vocalista y,  probablemente, sea uno de los más gélidos de la escena. No muestra emoción alguna. Me recuerda a DAVID BYRNE al momento de entrevistarlo para algunos medios. ¡Confirmado: DAVID BYRNE ES UN ALIEN! Comenté al aire... (un ser extraño x si acaso)❎





IAN CURTIS ¿escuchaste a Fenne? X otro lado, Grian Chatten (FONTAINES D.C.) se debe de  haber quedado en gran estado de shock❎ WARSAW PACT, banda post/post punk de Los Angeles, retorna con neo alineación y con un single doble lado A:  Monarca/Witnessed el audio disponible a tu debida disposición 



Y para variar,  con esencias en aerosol de STIFF KITTENS, WARSAW, JOY DIVISION, THE CURE...❎ LAETITIA SADIER ofreció un streaming live from London-Road To Siren 2021 el 21 de julio en un ambiente íntimo y gratuito. Fueron nueve temas y entre ellos: Dried Fruit, Statues Can Blend, Reflectors, The Milk Of Human Tenderness siendo The Pounding y New Moon (unreleased): conectarse a:



Un adelanto/invitación al Siren Festival que se da del 19 al 21 de agosto en Vasto, villa italiana y Comuna de la provincia de Chuti en Abruzzes❎Se unieron TYCHO (Scott Hansen) & BENJAMIN GIBBARD (DEAD CAB FOR CUTIE) para grabar Only Love que es la microesfera que promueven hoy en día y con mensaje adjunto. 
El audio oficial en 




Under The Weather álbum disponible desde el 10 de setiembre de Peter Sagar con base en Toronto y conocido oficialmente como: HOMESHAKE. En suma, es una reflexión atmosférica del clima como que incluye temas compuestos durante una alta época depresiva del artista durante 2019. El clip Passenger Seat (satélite en single) lo percibo como  en cámara lenta, ténebre y melancólico a la vez. Realizado y diseñado para tu admiración x Pete Sharp  ❎




La órbita de THE BLUE HERONS va x el guitar-pop clásico de la escuela C-86. Cito a THE SUNDAYS como referencia inmediata y a THE SMITHS. Señal de que no se vienen con grabar x grabar. Su cuarta microesfera en 8 meses titula Electric y mientras concluyen con su macroesfera para 2022. Prolíficos ellos: Gretchen DeVault y Andy Joss (al frente), planean lanzar 2 microesferas más para este 2021. 'You and I are high voltage/ We make the lights shine so bright/... A kinetic force/ Nothing can stop this light from shining...' parte de la lírica de Electric. Conecte cristalino depurado:



❎Todo el Universo está en nosotros, somos fractales del Universo❎STOP!

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y las patrullas no sirven para nada

ANTHOLOGY OF EXPERIMENTAL MUSIC FROM PERU

perú post indie

Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños.
Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo...
Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?


FRED ROHNER
Historia Secreta del Perú 2

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sonido es sonido

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lefty

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NARNIA RULZ DICES??

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"EL GLAMOUR ES EL AURA DE LOS IMBÉCILES"