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sábado, 16 de octubre de 2021

H R 3 0 0 1

X: HELENE RAMOS



ESTUPOR DE GALAXIAS CRISTALINAS  EXPANDIENDO EL ESPACIO DE LOS ULTRA SONIDOS. La banda canadiense LAND OF TALK formada en 2006 en Montreal/Québec y dirigido x  Elizabeth Powell, tendra disponible su EP Calming Night Partner para el 12 de noviembre. Un adelanto del mismo titula: Moment Feed (con resonancia y urgencia del órgano Farfisa) y eleva a la estratósfera. Como base, Powell ha usado la reclusión y la privacidad para construir un sentido de si misma que el mundo exterior parece decidido a destruir, en esta producción que ha sido a la vez su terapia de sanación. Concepto x el cual muchas de las bandas/actos han pasado realmente en la saga 2020/2021. LAND OF TALK ha tenido  varias alineaciones, la actual incluye a: Mark Wheaton, Chris McCarron, Pietro Amato y a Erik Hove. El vídeo ha sido dirigido x AITSO❎





AVEY TARE (ANIMAL COLLECTIVE), ha remezclado It Might Take Some Time de SPIRIT OF THE BEEHIVE, pista del álbum Entertainment, Death. Cada track está estilizado en mayúsculas dentro de todo este maremagnum sónico incluído. Adjuntando extra sonidos altamente fragmentados, letárgicos como para denominarlo maximalista. Extraña mezcla de texturas de sintes vaporosos se acoplan de forma intermitente como percusión desordenada y voces procesadas provocando escasas situaciones como para recordar y demasiado penetrante como para escapar. El álbum se las arregla para mostrarse difuso y extrañamente cohesivo. Aterradoramente caótico, escurridizo en concepto aunque lúdico en espíritu y visceral en su impacto. Zack Schwartz en el comando de los ritmos electro-psicológicos (¿o cómo los defino?), y quien atraviesa todos los ruidos. Surrealista  -aunque x otro lado, con alto sentido para los escapistas de lo trillado. Desconcertante igual para la mayoría híbrida. Aprecien más abajo el clip de It Might Take Some Time / y aquí el trabajo reciente/remezcla de AVEY TARE para el track en mención: https://youtu.be/1wWEUW0lbAU❎ 





El neo álbum del acto peruano RESPLANDOR titulado: Tristeza, estará disponible a inicios de 2022. X lo pronto, Blue (Robin Guthrie Mix) es la esquirla sónica que se desprende como satélite en single. Este al igual que el álbum, ha sido producido y mezclado x ROBIN GUTHRIE (COCTEAU TWINS), quien también lo hizo con el previo álbum: Pleamar. Blue, emana distintivas atmósferas mesmerizantes y desplegando ráfagas lumínicas dentro de una vorágine de magno éter celestial. Añadiendo x momentos unos coros sacros de filos empáticos y subyugantes. Masterizado x Simon Scott (SLOWDIVE) @ SPS Mastering. Grabado en Jan Schenk Studio en Amsterdam, actual base de RESPLANDOR que facilita sus presentaciones x capitales cercanas europeas. El clip ha sido filmado en Blue Grotto/Malta x Antonio Zelada❎ 





Los 5 de Seattle: BAND OF HORSES tras unos años de espera, tendrán disponible su macroesfera en álbum: Things Are Great desde el 21 de enero 2022. Como adelanto circula Crutch, pieza que retrata la relación sentimental del propio Ben Bridwell, lider de la banda y como una ironía a lo que comúnmente etiquetan como 'crush'. Algunas otras piezas del álbum: Warning Signs, In Need Of Repair, In The Hard Times, Tragedy Of The Commons... entre otros❎ BJÖRK va a continuar transmitiendo sus conciertos acústicos desde Reykjavik con la Orquesta Sinfónica de Islandia en Harpa Music Hall. Faltan estas fechas de una serie de cuatro: 24/ 31 de octubre y 15 de noviembre. Los conciertos son presenciables como transmitidos en vivo para el aprecio del montaje escénico que estuvo preparando. Cada fecha comulga un setlist distinto y lo recaudado será a beneficio de Kvennaathvarf Women's Shelter❎Pat Fish, quien comenzó el proyecto THE JAZZ BUTCHER, ha pasado a otra dimensión❎ 


BJÖRK en su primera presentación de la serie el 11 de octubre 2021@ Harpa Music Hall/ Reykjavik/Islandia.


PLEASURE expandiéndose ferozmente independientes y felizmente improvisados. Este trío australiano se hace presente con su álbum debut: Saint Albans editado x Disasters By Choice, placa con una mezcla de sonidos de antaño con la conciencia del hoy. Los sonidos de antaño es toda esa saga extraña que se interpuso entre el post-rock mas etéreo y las visiones pop más sofisticadas de la música experimental o de investigación: esa tierra de nadie (o de varios), que desde BOARDS OF CANADA llegó a la casa de GHOST BOX, pasando x la expresiva sensibilidad cinematográfica de BROADCAST y similares, al refinamiento sonoro más atmosférico de TORTOISE, y así sucesivamente❎




Vagas referencias para comprender las ordenadas y abscisas del sonido articulado de PLEASURE integrado x Adam Connelly (sintes y voces), Jonathan Boulet (bajo) y Hugh Deacon (batería), que es una música capaz de evocar las profundidades mucho más abstractas y desconocidas del cosmos, como los vacíos y ausencias oximorónicamente más tangibles y palpables, como ocurre en los minutos de abstracción y dilatación perceptual de Brain Waste 191013, una de las piezas paradigmáticas de este álbum de pleasure. En suma: construcción y desintegración, estratificación y  expansión. X lo mismo, el resultado de 20 horas de grabación. Iridiscente y modular al mismo tiempo. Un opus anematizante en esencia. Las señales de 2020/2021 mostrando sus inacabables delirios y escapismos que alguien lo va a recopilar en un libro... no lo duden❎

MOGWAI tiene editado un EP: Take Sides con remixes de los sencillos que se desprenden de su más reciente álbum titulado: As The Love Continues. De momento, circulan 3 remixes e incluido el de Stephen Morris y Gillian Gilbert (NEW ORDER), bajo el alias de THE OTHER TWO. Haz click a Ritchie Sacramento (OTHER TWO Remix): https://youtu.be/XByqAjTyRu0. Las otras 2 remezclas concebidas x IDLES y x ALESSANDRO CORTINI (músico de estudio y giras de NINE INCH NAILS)❎ 






BLACK DICE es uno de esos actos que jamás pensé que los entrevistaría. Hasta un vinilo autografiado me obsequiaron, fotos de la banda, stickers... Acto original de Providence/Rhode Island con actual base en Brooklyn y Los Angeles. Ellos han retornado tras 9 años de gran y esmerada ausencia. Considerados como verdaderos genios del under transversal, exploradores sonoros del mundo contemporáneo con aires punitivos, los 3 entes mantienen su sello con un disco de resultados electrónicos aplicados a sus ideas, desmembrando sonidos, desenredando espástico groove y de baile. Mod Prog Sic titula la gracia. Un Frankestein sónico en álbum  hecho materialmente de sobras de despojos sonoros pero de forma cohesiva y coherente. Un collage plus multifacetico. Influencias: THROBBING GRISTLE, SUICIDE, CABARET VOLTAIRE... Acaban de introducirse en un agujero de gusano para una gira de una década x toda la galaxia. Es un decir... el clip de White Sugar es arte puro y creatividad para ojos valientes, desinhibidos... pulsa el link  https://youtu.be/sYMuTj9ZMOs... ANIMAL COLLECTIVE los considera una de sus influencias❎ A liberarnos poco a poco de nosotros mismos, libres de soliloquios, de prólogos y monólogos, libres de lo desagradable. Los días actuales así lo exigen. A emanar amor fraterno, paz  y armonía ¡el planeta lo exige! Las ballenas y delfines transmiten esos sollozos y lamentos de la Tierra al espacio❎STOP!

jueves, 14 de octubre de 2021

We Love You .: UNA PROBADA A CREATION RECORDS



POR RICHARD KING
De "Freak Scene - Los chalados e inconformistas que crearon la música independiente"
2018


La reputación de Creation de haberse convertido en auténticos animales de fiesta —en oposición a la gente esclava de la idea de ser animales de fiesta— se consiguió a base de eufóricos desmadres de color y carnalidad, gracias a la sistemática adopción de una nueva droga por parte de McGee. Debido a sus vínculos con Factory, mientras que sus contemporáneos en el mundo de la música guitarrera de Londres todavía se contentaban con unas rayas de speed acompañadas de un poco de sidra, McGee se sumergió en el mundo del éxtasis. A pesar de su hedonismo, la precariedad de Creation seguía siendo una cuestión que le rondaba constantemente por la cabeza mientras procuraba mantener un equilibrio entre sus  ambiciones y las realidades de las facturas sin pagar y un programa de lanzamientos un poco agotado. Casi nadie, ni siquiera los propios grupos, estaban demasiado entusiasmados con los próximos álbumes de Razorcuts y The Jasmine Minks. McGee, necesitado de savia nueva, pero demasiado apático para motivarse, estaba considerando seriamente abandonar Creation. 

«Tuve una conversación con Tony Wilson y estuve a punto de tirar la toalla. A nadie parecía importarle un bledo Creation», dice McGee, «y él me dijo: ‘No abandones, sé independiente, a la mierda las majors’. Eso debía de ser a finales del 87: habíamos fracasado con Primal Scream, habíamos fracasado con los Weather Prophets, los Mary Chain me habían echado y Tony me soltó una charla motivacional de noventa minutos. Yo pensaba: bueno, no me ha ido mal. He tenido cuatro años buenos. No tengo un trabajo de verdad, pero qué más da. Y luego de repente teníamos a House of Love, My Bloody Valentine, Ride y a los Boo Radleys… en esa época sacamos un montón de discos buenos de verdad.»

...

Durante el día, Creation se encontraba con un mercado que había cambiado. Dave Harper era ahora el jefe de prensa de RCA, cosa que, como le encantaba decir a cualquiera, le convertía en el relaciones públicas de Elvis. Gracias a su historial con Factory y Rough Trade, Harper había sido contratado por Korda Marshall, un  &R de la major que consideraba que los antecedentes de Harper le serían de mucha utilidad a la hora de abrirse paso entre las complejidades de la prensa semanal y conseguir que apoyaran a sus dos nuevos fichajes: Pop Will Eat Itself y The Wedding Present, graduados de la escuela de la C86, que ahora competían con otros artistas de RCA como Rick Astley para alcanzar lo más alto de las listas y tener éxito comercial. 

Las probabilidades de que cualquiera de los dos grupos tuviera éxito en el mundo del pop convencional eran remotas. La prensa semanal, aunque no hacía ascos a los ingresos publicitarios de los artistas que habían firmado por las majors, casi siempre consideraba que cuando uno de los grupos que anteriormente habían defendido firmaba por una major, había llegado el momento de tumbarlos en cuanto consolidaban su prestigio. Sin sonar por la radio, los Wedding Present y Pop Will Eat Itself encaraban el incierto futuro de entrar en lo más bajo del Top 40 a partir de su aparición en el Top of the Pops y la ilusión del impulso de construir una carrera. Pop Will Eat Itself era otro grupo de amigos y excompañeros de bandas que habían sorteado sus problemas casi ideológicos firmando directamente con una major, y ahora estaban cosechando los beneficios. Los Wonder Stuff eran, según a quién preguntaras, un grupo animado de pop forajido o un grupo de arriesgados músicos callejeros que habían tenido suerte. Su álbum de debut, que llevaba por espantoso título The Eight Legged Groove Machine, había entrado en las listas en el número 13, y el grupo estaba demostrando igualmente su profesionalidad a la hora de aparecer en los programas infantiles televisivos del sábado por la mañana y en la portada del NME; un hecho que no había pasado por alto a sus coetáneos, que, en lugar del éxito en las listas, se habían quedado sorteando profundas cuestiones acerca de su motivación y acusaciones de haberse vendido. 

«Había mucho odio y celos entre esa gente», dice Harper. «Pop Will Eat Itself odiaban a los Mighty Lemon Pips, como ellos los llamaban, y acabaron riñendo de manera espectacular con los Wonder Stuff en esa intensa rivalidad. Era un ciclo repetitivo de fracaso, cocaína y odio alimentado por el alcohol.»

...

McGee había conocido a My Bloody Valentine gracias al sello Lazy, cuyas oficinas estaban cerca de las de Creation en Clerkenwell. Aunque no los tachaban de ilusos ni de fracasados, McGee y Green no los veían como una amenaza para Biff Bang Pow! cuando les concedieron un puesto de teloneros en uno de sus infrecuentes conciertos en un club de Canterbury. Pero los hombres de Creation se quedaron boquiabiertos cuando la banda, recientemente reformada, exhibió una combinación de volumen e intensidad propios de un grupo de Blast First con una instantánea salva de pop art. 

«Algunos grupos necesitaban ayuda», dice McGee, que, además de disfrutar de manera entusiasta trabajando con las bandas, también estaba redescubriendo la  emoción del aspecto práctico de ser un A&R. «Los Scream, al principio de su metamorfosis, necesitaron ayuda. Ride y The Boo Radleys necesitaron un poco de ayuda, pero Kevin [Shields] nunca necesito ninguna ayuda, aparte de que yo eligiera ‘You Made Me Realise’ como single, pues él consideraba que era una cara B.» 

Kevin Shields y sus compañeros de grupo Bilinda Butcher, Colm O’Ciosoig y Debbie Googe llegaron e Creation en un momento perfecto tanto para el grupo como para el sello. Tras haber insinuado una dirección que iba más allá de ese pop de guitarras afiladas con referencias a los sesenta de sus publicaciones en Lazy, grabaron su álbum debut para Creation, Isn’t Anything, en dos semanas, anticipando su publicación con dos singles extraordinarios: «You Made Me Realise» y «Feed Me with Your Kiss». 

Agresivo aunque femenino, el sonido del grupo no se parecía a ningún otro; el canto arrastrado y lánguido de las voces de Shields y Butcher iba acompañado de la hueca dulzura de sus guitarras y una sección de ritmo que exploraba las notas bajas con ferocidad. Uno de los rasgos definitorios de Isn’t Anything era su uso del  registro más grave. O’Ciosoig utilizaba a tope su kit, aporreando los toms en contrapunto con la línea de bajo que fluía con la misma precisión. Para un sello que, si tenía un sonido marca de fábrica era el del siseo y la reverberación, Isn’t Anything introdujo a Creation en todo el espectro del sonido. Era la vez que el sello  publicaba un disco de un grupo que sonaba como el futuro, en lugar de una reelaboración sobre una plantilla del pasado, por caótica o elegante que fuera. 

«Yo lo llamaba la cosa rara», dice McGee. «Le dije a Kevin: ‘Dame un poco más de esta cosa rara’. Las reseñas fueron increíbles, y creo que se vendieron cincuenta o sesenta mil copias en Inglaterra, bastante para ser un álbum raro. Kevin sabía lo que estaba haciendo desde el primer día. Crear ese primer álbum probablemente le costó siete de los grandes, pero el sonido es increíble.» 

Isn’t Anything fue con mucho el álbum más conseguido y desconcertante publicado por una banda guitarrera británica en 1988, y fue digno de incluirse en las listas de mejores discos del año junto a Bug de Dinosaur Jr y Daydream Nation de Sonic Youth, los dos grupos que claramente habían influido en Shields en su salto hacia la abstracción pop. Aquel año, junto con My Bloody Valentine, hubo varios grupos que también experimentaron con el volumen; aunque, a la hora de dejarse crecer el pelo y darle al pedal wah-wah de buenas a primeras, había pocos que fueran más transparentes en sus influencias. Dos grupos en concreto, Loop y Spacemen 3, se unieron a My Bloody Valentine en una vanguardia de bandas decididas a meter caña. Ambos grupos habían nacido con la ayuda de un hombre para el cual McGee sentía un creciente afecto: Dave Barker de Glass Records, uno de esos héroes olvidados de la música independiente y de vez en cuando su peor enemigo. 

El sello, gestionado con cuatro perras desde una habitación situada en lo alto de una tienda en Kilburn High Road, se había ido formando de manera furtiva en la época posterior a la C86, convirtiéndose en un sello un tanto excéntrico pero popular. Había publicado cosas tan curiosas como el LP Corky’s Debt to His Father,  del cantante y compositor Mayo Thompson, junto con una serie ininterrumpida de álbumes de los Jazz Butcher, lo que le había granjeado a Barker una reputación de hombre con oído que sabía lo que se hacía. Su campechana cordialidad y su entusiasmo musical las veinticuatro horas del día había abierto la puerta a los Pastelsque se habían unido a Glass para grabar su disco seminal de garaje-anorak, Truck Train Tractor. McGee estaba atento a las recientes relaciones de Barker con la gente guapa de Glasgow, y Glass se convirtió en una especie de terreno de pruebas para Creation. McGee invitó a uno de los primeros artistas de Barker, The Jazz Butcher, a firmar en la línea de puntos. 

Los Jazz Butcher era un grupo fuera de cualquier moda basado en la figura de Pat Fish, que cantaba canciones al estilo de Jonathan Richman, melódicas y basadas en la observación irónica de las cosas, y cuya visión del mundo se enmarcaba en la zona de Northamptonshire en lugar de Nueva Inglaterra. Había sido en un pub de moteros de Rugby donde Fish había visto por primera vez a una banda de adolescentes, Spacemen 3, que tocaban versiones recargadas de los Stooges ante un público fascinado de Ángeles del Infierno. «Escuché la cinta», dice Barker, «y me dije: esto está bien, pero es un poco trillado… pero en fin, ¿qué no lo es? Tenían una canción… creo que era el último corte del disco, ‘O.D. Catastrophe’, que era igual que ‘TV Eye’, nota a nota, era ‘TV Eye’ con otra letra. Cuando los vi supe que tenían algo. Tocaban en el mismo concierto que los Butcher, no sé dónde, y te dabas cuenta de que… estaban sentados… qué está pasando… hay dos tipos sentados, el bajista está de pie, y, sabes, pasaban diez minutos entre canción y canción mientras afinaban, y tenían todas esas luces psicodélicas encendidas y cosas así, cosas retro, pero que nadie más hacía.» 

El primer álbum de Spacemen 3, Sound of Confusion, era una primitiva fusión de garaje de la Velvet y los Stooges. El disco no tuvo la menor repercusión en la prensa musical, y ni siquiera John Peel, que le había concedido tres sesiones a Loop, se mostró interesado. The Perfect Prescription, el segundo álbum de Spacemen 3, fue  una obra mucho más mesurada. La canción «Ecstasy Symphony» daba buena cuenta de la perspectiva orientada por las drogas del grupo. También sonaba más  exploratoria que trillada; y sus ideas, al menos en algunas canciones, aunque realzadas por los fármacos, no se quedaban tan solo en reproducir sus colecciones de discos. «A nadie le importaron una mierda», dice Barker. «Ni siquiera recuerdo que saliera una puta reseña. Creo que salió un buen artículo en Sounds cuando se editó The Perfect Prescription, en el que Sonic Boom hablaba todo el rato de la heroína, cosa que les jodió cualquier oportunidad de tocar en los Estados Unidos.» 

Alguien que comenzaba a mostrar interés por Spacemen 3 era McGee, que, como era habitual en él, decidió hacer de mánager del grupo de la noche mañana, entrando en un periodo de disipación permanente. «Me gustaba hablar de drogas con Sonic. Éramos dos cocainómanos de cuidado», dice. «‘Si tienes algo bueno para esta noche’… y ya estabas metido… ¿sabes a qué me refiero?» A pesar de que Loop consiguió que el Melody Maker les dedicara un artículo de portada —en el que aparecían permanentemente peleados con Spacemen 3—, los dos grupos seguían siendo minoritarios. No obstante, estaba comenzando un nuevo underground, lejos de grupos como Pop Will Eat Itself y los Wedding Present, que Marshall había contratado para RCA. Y si el público en su país era escaso, la versión distorsionada de Spacemen 3 del arquetipo del inglés comedor de opio halló eco en el extranjero. 

«Admiraba que vivieran en su propio mundo», dice Barker, «y estaban comprometidos al cien por cien. Me fui a Los Ángeles —eso fue en 1987—, y había una tienda de discos en Melrose y veo una tarjeta en la pared que pone: ‘Se necesita batería para un grupo, deben gustarle los Spacemen 3’. No les dedicaban ni una reseña en el puto Melody Maker ni en el NME, y sin embargo en Los Ángeles, en el 87, justo cuando salió el segundo disco, había unos chavales que querían formar una banda como los Spacemen 3.» 

Barrett, los Spacemen y todas las demás bandas y gente que rondaba por Creation fueron invitados a Hackney, donde la diferencia entre el día y la noche comenzaba a disolverse a medida que el éxtasis se afianzaba. McGee utilizaba cualquier excusa inverosímil para justificar una juerga de éxtasis de tres días. En su celo evangélico, de vez en cuando llegaba a extremos exagerados. A principios del verano de 1989, cuando se alargaban los días, para montar el lanzamiento de sus discos McGee sintió  la necesidad de montar una bacanal épica que rivalizara con las que ofrecían Ahmet Ertegun o Seymour Stein con toda su pompa de Broadway. McGee, decidido a utilizar el invernadero y el tejado de Westgate Street, estudió el calendario de lanzamientos y se dio cuenta de que tenía un problema: Creation no tenía nada que publicar más que una compilación de The Loft programada para septiembre. Tenían un álbum de Primal Scream ya preparado, pero el grupo aún no tenía muy claro si quería hacer música acid house; sin duda la fiesta iba a ser de rock ’n’ roll, pero no a la manera en que McGee, ahora saturado de éxtasis, estaba proclamando. Para no negarse la oportunidad de un poco de hedonismo de fin de semana, McGee decidió publicar inmediatamente una compilación de «Grandes éxitos» de las canciones de Biff Bang Pow! Era poco más que un resumen de su mejor material, aunque poco conocido, de los cuatro o cinco años anteriores; sin embargo, McGee escogió un título que pensó que resumía la esencia de su grupo y el de Green: The Acid House Album. 

Encargó cinco mil portadas blancas de cartón sin nada escrito y un poco de pintura fluorescente, y modernizó el primitivo espíritu de Clerkenwell de doblar fundas de papel dentro de bolsas de plástico tras una ingesta de speed. Después de tres días pintando con spray las fundas de cartón clavadas en la pared, la fiesta de lanzamiento de The Acid House Album se convirtió en una orgía de extática privación. La pintura y los pintores comenzaron a fusionarse en un caos de camisetas blancas de manga larga y flecos mientras tracks de acid house y canciones de los Stones de los setenta competían por la supremacía en el estéreo. McGee dibuja una sonrisa mientras recuerda con nostalgia el que probablemente fue el punto álgido de disipación de Westgate Street. «Hubo unos cuantos que se colocaron con la pintura», dice, «y esos se quedaron colocados bastante tiempo.» 

«Me invitaban a esas fiestas de acid house», dice Nick Currie, el cual, aparte de no tomar drogas y ser el artista más autosuficiente de Creation, no se había visto    expuesto a la acometida del hedonismo en las oficinas del sello. «El lanzamiento de The Acid House Album de Biff Bang Pow! fue una increíble fiesta de éxtasis en la oficina de Hackney. Creo que yo era la única persona del lugar que no había tomado éxtasis, lo cual probablemente era de lo más extraordinario, porque presenciaba estas pesadísimas oleadas de empatía en las que todo el mundo serpenteaba por encima de todo el mundo. Los House of Love estaban todos allí en un enorme amasijo humano de brazos y piernas, y yo me fui con una chica que se encargaba de la parte gráfica de Rough Trade y que acabó casándose con Bill Drummond. Tenías todos esos rolletes de éxtasis con gente, y casi no importaba quién eras ni qué aspecto tenías, porque las drogas hacían el trabajo por ti.» 

En cuanto comenzó el proceso de limpieza, en algún momento del lunes por la mañana, McGee, resplandecía de orgullo, pues Creation ahora tenía un espacio para fiestas decorado para ese propósito. «Ahora teníamos otra trastienda», dice Kyllo. «Esa enorme zona vacía rociada con pintura fluorescente, que quedaba un poco apartada. A partir de este momento comenzó una verdadera locura.» Esas fiestas de afirmación de la vida a base de éxtasis iban acompañadas de los tremendos y desestabilizadores bajones de mitad de semana, un ciclo que no todo el mundo en Creation estaba lo bastante preparado para gestionar. «Iniciamos a mucha gente en el éxtasis», dice McGee. «Muchos le cogieron la onda, lo dejaron y nunca volvieron.» 

The House of Love todavía formaban parte del círculo íntimo de Creation y se les invitaba a las fiestas de Hackney, aunque cada vez les costaba más manejarse en el sello Fontana, pues la presión del gran adelanto que habían recibido creaba una sensación artificial de lo que podían lograr. Terry Bickers, el icónico guitarrista del grupo, descubrió que la expectativa que se había creado alrededor de la banda era difícil de soportar y sufrió un colapso nervioso, que se vio acelerado por el consumo de drogas. A medida que las sesiones de grabación de The House of Love comenzaban a estancarse, su inestabilidad se ocultaba a la prensa, pero dentro de Westgate Street su comportamiento ponía en evidencia sus problemas. «Terry Bickers se encontraba fatal, y entró en las oficinas con una pistola», dice Kyllo. «Tampoco es que apuntara a nadie. No era en plan: ‘Voy a mataros a todos’. No creo que estuviera cargada, pero tardamos mucho rato en convencerle de que dejara de esgrimirla.» 

Bickers con el tiempo se recuperó y dejó el grupo; su fragilidad fue un ejemplo insólito pero muy real del envés de las fiestas de Creation. McGee se había arrojado de cabeza al hedonismo del acid house y comenzaba a moverse en un medio distinto, más propio de los alrededores de su oficina de Hackney que de los clubs    indies. «Yo bailaba, si es que eso se puede llamar bailar», dice McGee. «Era más bien brincar sobre una pierna, pero yo brincaba sobre una pierna y hablaba con alguna chica que me estaba metiendo la lengua por la garganta mientras me decía que aquello era cojonudo, y entonces su novio me soltaba un gran beso y yo lo decía: ‘¿A qué te dedicas?’, y ella me contestaba: ‘Trabajo en un banco’, y luego le preguntaba al novio: ‘¿A qué te dedicas?’, y me contestaba: ‘Robo bancos’. En otra cultura eso es un chiste; en la del acid house, en el Gardening Club de Covent Garden de 1990, eso no era un chiste. Sabías que era un puto ladrón de bancos, sabías que el mensaje era: ‘¿Cuánto hay en el banco?’.» En el caso de McGee, el siguiente paso lógico era abrazar completamente la cultura y comenzar a publicar discos de acid house de 12” mientras sus oficinas se llenaban de un creciente séquito de traficantes y buscavidas, todos dispuestos a dar su consejo sobre el estado de la cultura. 

El hecho de que McGee y el resto de Creation hubieran abrazado el acid house estaba escrito en letra impresa en el programa de lanzamientos del sello de 1990.  También fue un éxito. Love Corporation, el alias acid house de Ed Ball, publicó el épico 12” «Palatial», que impresionó lo suficiente a Danny Rampling como para  remezclarlo. Rampling hizo lo mismo con otra publicación de Creation, «Dream Beam» de Hypnotone, que junto con los discos de Sheer Taft y Fluke sonaba por las noches en el Milk Bar. Al año siguiente, Creation público Keeping the Faith, una compilación de sus publicaciones de acid house. Presentado en el interior de una funda blanca, y con un logo de Creation fluorescente recién diseñado y de vida efímera, el álbum exhibía todas las características de un sello de baile. Para el aficionado era una aceptable colección de un género cambiante; para los chavales indies que se encontraban con  canciones como «Nena de Ibiza» de Crazy Eddie &  Q.Q. Freestyle, era una introducción un tanto desconcertante al mundo al que McGee, que ahora era mánager de The Grid y Fluke, había dedicado los últimos doce meses. «Todo el mundo reclamaba la autoría de la recopilación, pero fue Grant Fleming quien la hizo. De hecho éramos bastante buenos con el acid house, pero más que nadie, fue Grant el responsable. Era el que te encontrabas por ahí un sábado por la tarde con white labels.» 

Grant Fleming, un adolescente hincha del West Ham, era un personaje que nada tenía que ver con los editores de fanzines, que de vez en cuando desafiaban el sistema de transportes para visitar Creation. McGee, en un intento de reavivar sus relaciones con The House of Love, que ahora le aburrían muchísimo, le sugirió a Fleming que se uniera a él y al grupo mientras estaban de gira. «Lo puse al frente del merchandising en una gran gira de The House of Love cuando yo todavía les hacía de mánager», dice McGee. «Nunca viajaba con el grupo, porque me parecían demasiado aburridos, y Grant y yo íbamos y veníamos muy espitosos por la carretera, y utilizo la palabra ‘espitosos’ en su contexto adecuado. Acabábamos de tener tres semanas de disipación. Después de esa gira yo ya estaba hasta las narices de los House of Love. Éramos más fiesteros que el grupo: ellos se iban a la cama a la una de la noche después de haber tomado sus ocho pintas de cerveza, y nosotros salíamos y volvíamos a las siete, y luego al siguiente bolo colocados hasta las cejas, y así estuvimos tres o cuatro semanas. Al final le dije a Grant: ‘¿Quieres un empleo?’, y él me contestó: ‘¿Qué?’, y yo le dije: ‘Quiero fundar un sello de baile’, y él me dijo: ‘¿Y cómo vas a llamarlo?’. ‘Creation.’» 

En el programa de publicaciones de Creation para 1990 encontrabas a Crazy Eddie & Q.Q. Freestyle compartiendo espacio con tres EP y un LP que salió en noviembre de unos nuevos artistas que había fichado McGee, un cuarteto de estudiantes de arte de Oxford llamado Ride. Habían sacado el nombre de una canción de Nick Drake, y tenían un aspecto tan juvenil como el cantante de folk, y ese mismo aroma de juventud arcádica. Eran grandes fans de My Bloody Valentine y de The House of Love, y habían encontrado un sonido que exploraba el ADN de los dos grupos: una poderosa batería, armonías susurradas y diferentes efectos de pedal para cada cambio de acorde. Las letras de las canciones eran opacas y oníricas, y las cantaban con una vacilación conmovedora y un tanto afectada. 

El EP homónimo de debut de Ride se publicó la tercera semana de 1990, y al instante se pronosticó que iba a ser uno de los grupos de la nueva década. Ride había sintonizado con el público. En ausencia de nuevo material de The House of Love o My Bloody Valentine, llenaron el hueco que los viejos grupos habían dejado y comenzaron a tener un público a su imagen, veinteañeros fans de la música de guitarra que leían la prensa musical y que todavía estaban interesados en el acid house. Había muchos más fans de Ride que de Hypnotone o Sheer Taft, y el EP Ride significó para Creation el primer single que entró en las listas, en el número 72, y el nuevo grupo supuso un golpe de suerte en el momento oportuno. 

La maqueta de Ride le había llegado a McGee a través de Cally Calloman, que había pasado de Phonogram a Warner. «En aquella época yo trabajaba de A&R», dice, «y el cazatalentos Ben Wardle vino a verme con una casete que tan solo tenía la palabra ‘Ride’ escrita con Letraset de cuerpo grande. Los busqué y los vi ensayar, y al momento me dije: este es el grupo perfecto. Me dije que no había discusión… pero no conseguí que en la compañía discográfica nadie se interesara, y Ride seguían diciendo que eran grandes fans de My Bloody Valentine, y yo les contestaba: ‘Pero vosotros sois mucho mejores’.» 

McGee se enteró de que circulaba por Warner una cinta grabada por un cuarteto de jóvenes fans de Creation, y enseguida comenzó a perseguir a la banda. «Alan me telefoneó en plan: ‘A tu novia no le gustas mucho… ¿te importa si salgo con ella?’», dice Calloman. «Fue muy amable, me dijo: ‘Es la clase de grupo que necesito para reconstruir Creation, y quiero hacer esto y lo otro’, y me dije, bueno, no consigo que nadie se interese por ellos, así que buena suerte.» Ride tuvo una carrera fenomenal en 1990, y acabó un año vertiginoso de giras con un álbum, Nowhere, que entró en las listas en el número 11, manteniendo una codiciada presencia para Creation en los semanarios musicales mientras «El Presidente» seguía de fiesta. Enamorado de cada lanzamiento, McGee ponía por las nubes a cada uno de sus artistas, ya fuera una banda guitarrera del Valle del Támesis o un oportunista del East End con un sampler, elevándolos a la categoría de «genios» y del «mejor grupo del mundo». Al final sería Primal Scream, que publicó Loaded en marzo de 1990, quien uniría las dos culturas de Creation: el acid house y la música de guitarras...


jueves, 7 de octubre de 2021

ENTREVISTA EXCLUSIVA A PIA FRAUS



ESTONIA/OCTUBRE 2021

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ENTREVISTA EXCLUSIVA A PIA FRAUS

ESTELAS IRIDISCENTES, BURBUJAS EN GÉISERES, ÁTOMOS Y MOLÉCULAS EN LAS CAPAS SUPERIORES DE LA ATMÓSFERA COLISIONANDO CON ELECTRONES DE ALTAS ENERGÍAS CINÉTICAS, ES LO QUE OCASIONA EN MI, LA MÚSICA LUMÍNICA DE PIA FRAUS.

ANTES QUE NADA, PIA FRAUS ES UNA EXPRESION CREADA X OVIDIO (METAMORFOSIS, IX, 711). SE TRADUCE DEL LATÍN COMO MENTIRA PIADOSA. X OTRO LADO, PIA FRAUS ES UNA BANDA MIXTA DE TALLIN/ESTONIA QUE OPTÓ EN ACTUAR  BAJO ESE NOMBRE DESDE 1998. ERA LA ÉPOCA EN QUE SUS JÓVENES  INTEGRANTES QUE ESTUDIABAN EN LA ESCUELA DE ARTE DEL LUGAR, CONTABAN TAN SÓLO CON 16 AÑOS DE EDAD. 23 AÑOS HAN PASADO DESDE ENTONCES. SOBRE ESTONIA PUEDO CITAR QUE ESTA NACIÓN BÁLTICA ES LA PRIMERA REPÚBLICA DIGITAL DEL MUNDO Y HA DIGITALIZADO EL 99% DE TODOS SUS SERVICIOS PÚBLICOS. HAY MUCHAS LECCIONES QUE APRENDER DE ESTONIA COMO BANDAS X CONOCER..


©HELENE RAMOS 


PIA FRAUS tuvo su incepción en 1998 cuando seis estudiantes de la Escuela de Arte de Estonia: Kart Ojavee, Kristel Eplik, Rein Fuks, Tonis Kenkmaa, Reijo Tagapere y Joosep Volk se reunieron para dar vida a la banda. Su primer concierto fue durante la primavera 1999, en su ciudad natal.




Tras los primeros conciertos, ellos empezaron a grabar su primera macroesfera sónica en álbum: Wonder What It's Like que originalmente se lanzó sólo en CD-R en edición limitada de 150 copias, año 2001. Luego se editó en vinilo.

Tiempo en que empezaron a enviar algunos demos a diferentes sellos. Su segundo álbum: In Solarium fue lanzado bajo Clairecords sello de  Sacramento/California (USA), en 2002. Como data extra, difundí los temas de la banda x el contacto con el sello a través  del programa 2001 en Lima/Perú . 

Kristel, se separaría de la banda y para más adelante, retornaría. Eve Komp se incorpora a la banda al momento previo del lanzamiento del siguiente álbum. Margus Voolpriit reemplazaría a Joosep Volk, quien retornaría tiempo después. Idas y venidas en su alineación que reúne actualmente a 5 de ellos. 







En 2003, el sello Clairecords, lanzó el EP Plastilina que incluyó temas de su álbum debut. A inicios de 2004, Vinyl-Junkie lanzó In Solarium con bonos tracks para Japón. En setiembre de ese mismo año, Mooie Island EP fue lanzado bajo Seksound Records que maneja el propio fundador de la banda: Rein Fuks. En 2005, Vinyl Junkie lanzó el CD recopilatorio Sailing On A Grapefruit Lake en Japón, incluyendo 2 videos. El resto es historia. A indagar x ustedes mismos su discografia, como tarea sónica.


❄LA ENTREVISTA


¡OID  Y VED MORTALES! Rein Fuks, Eve Komp y Joosep Volk, son 3 de los integrantes de esta banda ya de culto de Estonia: PIA FRAUS, quienes han respondido a las preguntas de esta entrevista exclusiva. Los grandes siempre son humildes.


¿Qué se siente el haber retornado con la banda y celebrar los 20 años de la edición de Wonder What It's Like  con tan precioso álbum: Now You Know, It Still Feels The Same? 

Rein: Para mi, ha sido un viaje emocional revisitar todas las canciones, aprender de ellas desde el scratch y analizar lo que nosotros pudiéramos cambiar, y así paso a paso. Fue también algo de temer. Si uno empieza un proyecto como este, siempre habrá un riesgo que puede traerlo todo abajo y tornándolo todo peor a como estaba. Tomó mucho tiempo y energía regrabar cada tema. Aparte, a causa de la pandemia, no tuvimos una oportunidad para la promoción de nuestro album: Empty Parks (2020), y es x eso que pudimos aprovechar todo ese tiempo para rehacer los temas de nuestro disco actual, que es una conmemoración a los 20 años desde la edición de nuestro álbum debut.

Eve: Fui muy feliz el ser parte de regrabar todas esas canciones de nuevo porque aún no era parte del grupo, cuando PIA FRAUS empezó.





¿Harán una gira? ¿Están planeando ya una para 2022? 

Rein: Es realmente difícil decir o afirmar ello. La situación en el mundo está aún muy complicada, y no es fácil hacer planes. Habíamos planeado una gran gira x USA y Europa hace años, pero todo se complicó y quizás sea mejor esperar un poco y ver que sucederá.  No estamos apresurados.

¿Están todos los integrantes originales de la banda en el presente?

Rein: La principal idea de regrabar las canciones para Now You Know, It Still Feels The Same, era grabarlo con la alineación original. Casi se convierte en realidad, excepto x la no incursión de Toni Kenkmaa que no pudo reintegrarse x estar muy ocupado con su familia y trabajo.  Fue grandiosamente divertido grabar la parte vocal de Kristel después de todos estos años. Estoy realmente feliz de que ella pudiera darse el tiempo para unirse a nosotros. Felizmente, nuestra cooperación va a continuar.

Rein, compones temas ejemplares ¿Qué te inspira?

Rein: Todo lo que me rodea me inspira. La naturaleza tiene un rol masivo en todo ello. Tan sólo observa todos esos colores durante el otoño, nieve en el invierno, o durante primavera, verano. Tan sólo tienes que observar, sentir y pensar en todo ello. También soy un gran fanático de la música y me tiene atrapado. Es tan grandioso el que haya tantas nuevas y grandes bandas. Si escucho algo que realmente me gusta, ello logra que yo también quiera componer nueva música. Es una adicción.






¿Estás planeando nuevos temas para un nuevo álbum? ¿Algún material para los escenarios?

Rein: Realmente ya compuse todos los temas para el nuevo álbum y, hemos estado ensayando muchos de los temas en nuestro espacio de 
ensayo. Posiblemente empezaremos a grabar todo muy pronto. ¡Será grandioso!

¿Son tus influencias las mismas desde el inicio de la banda o tienes algunas otras que agregar?

Rein: Soy feliz en decir de que mis influencias cambian a menudo 
porque escucho muchos tipos de música la cual conseguirá inevitablemente: impactarme. 

Compara la escena musical de hoy en día en tu país, a cómo era cuando recién comenzaron como una banda.

Joosep: Pienso que la escena indie está más fragmentada a lo que era. Habían pocas bandas y locales para conciertos como la variedad de multitud que solía ser grande ha descendido.

Rein: La escena  indie era muy buena cuando nosotros empezamos. 
Tuvimos mucho apoyo x parte de las otras bandas y mucho material. Tuvimos varios cientos de personas en nuestros conciertos cuando
tocábamos en nuestra ciudad de origen. Pero de pronto... ¡todo ello cambió! X estos días es difícil vender discos y si tienes un ciento más de personas en tus conciertos, debes de sentirte feliz. La 
escena indie de antaño ha desaparecido, los jóvenes tienen ahora un gusto musical ecléctico. Lo cual también es bueno, pero ellos no encuentran sentido el estar en nuestros conciertos que realmente es otra cosa. Así que, no tocamos en vivo muy a menudo en Estonia. 
Pienso que una vez al año es más que suficiente. Aunque, nosotros somos afortunados de tener tantos seguidores en todo el mundo, y ello nos da la motivación para existir y seguir.

¿Piensan que están un poco locos... de alguna forma, al haberse metido en todo esto desde un principio?

Joosep: Pienso que tienes que estar un poco loco el no querer empezar una banda durante tus años de adolescencia. O cualquier tropiezo que pudiera haber en el recorrido no juega ningún rol en ese punto. Y, sería tonto de mi parte si me arrepintiese de mi decisión inicial, hoy en día.

Rein: Todo sucedió naturalmente, conocí a muy linda gente en la Escuela de Arte y comencé con la banda. Yo ya había compuesto algunos temas naive-pop, así que necesité alguna ayuda para poder tocarlos. En el principio, todo fue muy frágil debido a que no éramos experimentados músicos. Pero practicamos mucho y aún lo seguimos haciendo. (Aún teniendo 40 años de edad). Necesito practicar mucho para satisfacernos a nosotros mismos.





Mencionen cuál es el álbum el cual ustedes aman mucho o les gusta más.

Joosep: Porqué todo lo que significa a una persona yo estoy de regreso entonces de como me he formado y hasta donde he llegado ahora, tiene que ser: Wonder, What It's Like.

Rein: Es realmente difícil nombrar mi álbum favorito de la banda. A menudo, no estoy tan feliz con el resultado cuando está listo. No es que algo haya resultado mal o algo x el estilo, es sólo ver que es difícil estar satisfecho con tu propio trabajo. X estos días me siento 
mejor cada vez más en esto pero aún me preocupa un poco. Al menos, tengo canciones favoritas de diferentes álbumes que hace que el mundo sea más luminoso. Quizás tenga que decir que en el momento me gusta mucho Now You Know, It Still Feels The Same. Aunque también tengo que decir que estoy también muy feliz y contento con el resultado de nuestro previo álbum: Empty Parks, y ​x la oportunidad que tuvimos de trabajar con John McEntire, lo convierte aún en algo muy especial para mi. Y, tengo que decir que el próximo álbum será nuestro: más grande álbum aún.

Eve: Sí, estoy de acuerdo en que es muy dificil escoger un álbum favorito de la banda. Con cada uno hay muchos recuerdos y canciones que han ido creciendo en mi corazón. Aunque no es 
un álbum, siento de que Mooie Island EP, es también muy especial para mi.

¿Han estado alguna vez, dando presentaciones en Sudamérica?¿Les gustaría venir al Perú y conocer a la cantidad de seguidores que tienen?

Rein: Sería fantástico ofrecer algunos conciertos en Sudamérica. Nunca hemos estado allí, pero sí sabemos que tenemos muchos seguidores en las diferentes ciudades. Felizmente, la situación en el planeta Tierra va mejorando y reiniciaremos nuestros planes de giras nuevamente. Gracias a todos x el apoyo, y el poder verlos pronto.

Eve: Sería súper si esto sucediera algún día. Nunca he estado en Sudamérica y tengo la esperanza de lograrlo.

¿Algun live streaming a futuro?

Rein: Esperemos que sí. No sé aún pero lo tenemos que pensar.

Son libres de agregar lo que deseen.

Rein: Helene, muchas gracias  x la entrevista... ¡Grandes preguntas!

Esta ha sido la entrevista con tres de los integrantes de PIA FRAUS, la banda con base en Tallin/Harjumaa (Estonia). Un combo mixto salpimentado con sonidos en fuga shoegaze, dreampop de múltiples capas y lo-fi noise de su universo sensible y pleno de ecos de contornos crepusculares que revitalizan los mencionados géneros. Textos diáfanos y melodías emotivas como rapsodias para tus refugios emocionales en estos tiempos del planeta. Rein Fuks maneja también un acto paralelo junto a Kristel Eplik: IMANDRA LAKE (nombre del lago en Rusia en el Óblast de  Múrmansk), que te puede gustar tanto como PIA FRAUS. 

FICHA TÉCNICA DE PIA FRAUS 
Kristel Eplik: voz/ sintes/shaker
Eve Komp: sintes/coros/shaker
Kart Ojavee: sintes 
Rein Fuks: gtr/voz/sintes/tambourine/shaker
Reijo Tagapere: bajo
Joosep Volk: batería 

Las influencias en el inicio de la banda fueron actos localistas de Estonia: BIZARRE, BORAX, DALLAS, DREAMFISH, ROOVEL OOBIK, ZAHIR... como también: MY BLOODY VALENTINE, STEREOLAB, THE WEDDING PRESENT... Rein Fuks, escucha ahora entre otros grupos a SODA LILLIES, SHE BIT HER LIP, 
LAZY LEGS... y todo lo que le pueda impresionar de las neo bandas. Kristel, Reijo y Joosep, aportan también con sus composiciones para la banda. La macroesfera en álbum Now You Know, It Still Feels The Same, ha sido editado en vinilo de tonos: amarillo, verde y negro. Grabado entre marzo 2020 y mayo 2021 x Rein Fuks en Seksound Studio/ Tallinn, Estonia que es como se escribe en idioma estonio.



POST DATA: la otra banda PIA FRAUS que alguna vez existió, estuvo dentro de la onda post-industrial y provenía de Aartrijke/Bélgica. Grabaron 2 álbumes y se separaron en 2006, difundido en su época exacta en el programa radial 2001 de Radio Miraflores AM/FM❄ 



viernes, 1 de octubre de 2021

H R 3 0 0 1

X:HELENE RAMOS


ASIA SPOTLIGHT/SINGAPUR EN EL MAPA. El quinteto mixto SUBSONIC EYE ha puesto a Singapur y al sudeste asiático en el mapa, tras ser noticia como la primera banda del lugar en aparecer en las sesiones KEXP la estación indie de radio con sede en Seattle. Formado en 2015, SUBSONIC EYE, surgió tras un intercambio de demostración desprevenida entre Daniel Barces (gtr) y Nur Wahidah (voc). Poco a poco se fueron juntando los otros integrantes: Spencer Tan (bj), Lucas Tee (bt) y Jared Lim (gt) siendo el guitarrista Zhang Bo quien estuvo un tiempo dentro de la banda y se alejó ❎

Variantes en los estilos que alimentan también han sido parte de su evolución, como que admiten el sentirse tan libres de poder hacerlo. Su tercer macroesfera: Nature Of Things tiene mucho que ver con la actualidad planetaria. Grabado en Kribo Records ubicado en el distrito de Geylang en Singapur. Este es el álbum con el cual la banda se reinventa y dará de que hablar y mucho. Lanzado en una época convulsiva, el disco sirve también  para apreciar los buenos momentos dejando olvidado y muy atrás todo el desconcierto que pueda conducir al caos❎




Les sugiero apreciar todos sus videos desde sus inicios para que capten esa evolución hasta la fecha. Esta será vuestra banda favorita ahora y en años x venir. Créelo o no. Esquirlas vocales de una Harriet Wheeler (THE SUNDAYS), NATALIE MERCHANT (10,000 MANIACS) y claras influencias de SONIC YOUTH, SNAIL MAIL, THE SMITHS/JOHNNY MARR, THE CURE, MY BLOODY VALENTINE... Indaguen además x sus predecesores álbumes Strawberry Feels y Dive Into que aglutinan un mosaico de géneros: shoegaze, dreampop, post-punk, avant-garde noise, primitivist folk, emo... e igual a conectarse a sus continuas presentaciones en vivo y a sus sesiones acústicas. Nur canta y compone en idiomas inglés y malayo. En el EP We Feel Ethereal After Midnight (2016) los universos vocales de Elizabeth Fraser y Harriet Wheeler se entrelazan al unísono bajo la factura vocal de Nur. La banda singapurense puede tener ciertos  paralelismos con otras bandas y, es justo ese Singapur Touch, lo que los torna en una banda de críos totalmente ultra  encantadores y hasta exóticos. Fascinan y arman alboroto durante sus shows en  vivo: https://youtu.be/GCYauj9RFuF. Han alternado junto a bandas de cartel: BEACH FOSSILS, TURNOVER, YUCK ... y han hecho giras x toda Asia. Esta es la saga de bandas frescas que presentía desde que empezaron a llegar los de aura azul.❎


 



Tras 10 años desde la publicación de Underrated Silence, ULRICH SCHNAUSS y MARK PETERS llegan a la conclusión de una trilogía ideal a la que se agrego Tomorrow Is Another Day en 2013, y al publicar este nuevo opus sónico: Destiny Waiving en 2021. El músico y productor alemán y su homólogo británico -entre otros integrantes de ENGINEERS- han recopilado material extraído de largas sesiones (en su mayoría improvisados), cuya amplitud aún se aprecia en las 8 piezas que contiene este su actual  álbum, relativamente no tan extenso pero compacto. SCHNAUSS es conocido entre sus seguidores x haber marcado un punto de comparación entre el sonido de guitarras post-modernas y la electrónica más cósmica y supra atmosférica❎




Lo de SCHNAUSS es un viaje musical que lo llevó a unirse a las filas del mismo TANGERINE DREAM. Evidentemente, él halló en Mark Peters una simbiosis y correspondencia perfecta de sensibilidad e intención. Esta serie de álbumes restaura efectivamente su equilibrio mágico, casi telepático❎ Tanto como me encantó entrevistar a ULRICH SCHNAUSS, me ha encantado de igual forma entrevistar -hace unos pocos días- a PIA FRAUS. La entrevista en exclusiva para este blog pronto será publicada y entonces a estar muy atentos. Ese ha sido otro día de diamante en mi vida este acercamiento con la banda y, su tan acomedido pixel: Rein Fucks❎




The Worlds We Made There lo firma el productor/DJ estadounidense Terry Grant bajo el seudónimo de MORE GHOST THAN MAN. Todo el espectro de emociones conflictivas que la mayoría de la gente ha podido experimentar en los últimos meses, se traduce aquí en música y palabras en una unión entre la composición electrónica y cinematográfica. Hay una cierta sensación de incertidumbre, como una tensión siempre palpable recorriendo cada una de las canciones que, sin embargo, mantienen una calma estoica constante, dando vida a una experiencia auditiva profunda e introspectiva. "Hasta las más lindas canciones del álbum son como piezas de gritos entre el éter y yo" -es lo que él mismo ha declarado recientemente❎ Sus videos, estimo que urgen de trabajo inmediato para psicólogos y psiquiatras❎



Pushing Daisies es un EP de JULIE, una formación dedicada a sonidos entre shoegaze y noise-pop al estilo noventero: guitarras distorsionadas, feedback, atmósferas SONIC YOUTH y melodías dulces con contrastes femeninos-masculinos al servicio de canciones pop para ser pulidas. https://youtu.be/hlsibEt1cTO. En vivo son hartamente frenéticos❎El acto TELEVISION BLONDE de Ohio, promueve su single Daisy para tu apreciación sonora🎧 : https://youtu.be/KXQcGP0y-pQ❎ X otro lado, cierta efervescencia estilística  de THE CURE + A FLOCK OF SEAGULLS conjuga el acto FINE PLACE con su actual single en promoción: This New Heaven. Conectate al link: https://youtu.be/Vn8CLFB3bE




Después de tres años a su placa anterior Different Times, GIARDINI DI MIRÓ ha retornado con una neo opus/suite que dura unos 19 minutos: Del Tutto Illusorio es como titula, incluye elementos post-rock que siempre ha caracterizado el sonido de esta banda de Cavriago/Italia: muros de ruidosas guitarras in crescendo que se alternan con meditaciones melancólicas que moldean la escena ambiental y cinematográfica. El disco muestra un tiempo suspendido, metafísico entre avizorar un túnel y el de poder cruzarlo. Más de ellos en: https://youtu.be/hpu6tOpnj6A. Actuaran en vivo x primera vez (desde las restricciones) el 10 de octubre 2021 en el Festival NOISE DEL MOURNING @ Teatro Farnese de Parma/Italia❎ ROBIN GUTHRIE acaba de enviarme esta data: su neo EP, Mockingbird Love para el 15 de octubre vía su propio sello: Soleil Après Minuit. El primero en una serie que seguirá x el resto del año. A pocos días de la salida de Another Flower, entrega de ROBIN junto a HAROLD BUDD, este pasó a otra dimensión en diciembre 2020❎Otro que tampoco está ya más en este mundo es: Richard H. Kirk / CABARET VOLTAIRE. El sello Mute lo anunció el 21 de setiembre ❎

 


LOGO RADIO MIRAFLORES


No habíamos terminado aún  de recuperarnos de la partida (27 de  agosto) de quien fuera REYNALDO SHOLS, locutor de locutores en diferentes emisoras de Lima/ Perú, y nos sorprende e igualmente, la partida a otra dimensión (29 setiembre) de RICARDO PALMA MICHELSEN, Gerente General. Fue él, precisamente, quien me dio carta libre para difundir toda esa avalancha de actos de los sellos indie de los 5 continentes cada fin de semana en la emisora, algo que en otros medios  no me hubiesen permitido hacerlo ¡jamás! La audiencia fue la ganadora. Pendiente siempre él, de todos los programas que he conducido desde entonces. Cada semana recibía su llamada para decirme: "ese disco que acabas de tocar... tráelo para incluirlo en la programación de la radio" y muchas fueron todas esas bandas. Más arriba está el logo de la mítica radio que lo he transformado en neón y que también se lo pude enviar ❎RENATO SHOLS dio cátedra de elegancia en sus programas radiales y quien además organizó eventos anuales x el Día del Locutor durante varios años. 


MINI VIDEO MY BLOODY VALENTINE © HR



Ricardo Palma era de un espíritu tan increíblemente juvenil, que un buen día me dijo: "Helene ... ¿Qué tal si cambiamos toda la programación de la radio a sonidos electrónicos? Percibo que esos sonidos suenan contundentes y llenan los vacíos de audio..." Era la época de las raves en Lima y la gente lo vivió en grande. Igualmente y antes, me había hecho este otro comentario: "el rock ya no lo es más. Los sonidos electrónicos lo comandan todo ahora". X supuesto que le dije que era sólo un ciclo... todo pasa. Quiso también que 2001 saliera todos los días x las noches e igualmente me permitió salir al aire: x 10 ú 8 horas continuas con LA LISTA ANUAL MAS LIBRE DE TODO EL PLANETA, cada fin de año. En ninguna otra emisora pude tener más libertad que en Radio Miraflores AM/FM. La audiencia apreció todo lo que pudo escuchar y todo ello se agradece ad infinitum. Tuvo además, el desapego de obsequiarme toda la colección de RFI/Radio Francia Internacional, Rock Over London y otras sagas, debido a que yo le daba igual a la radio, primicias para la programación diaria❎


Su arte sonoro lo divulgó 2001 con aires de libertad como a decenas de su estirpe y sin restricción alguna.


Más que un jefe, un amigo que se adaptaba fácilmente a la edad de su interlocutor o de nosotros(as) los locutores(as). Recuerdo también esas reuniones únicas con todo el staff de la radio, en los grandes locales o cuando en una entrevista que me hizo en la radio, dijo al finalizar: "Helene ha venido de otros mundos muy superiores a enseñarnos muchas, muchas cosas". O cuando a la escucha de la primera emisión de 2001 comentó: ¡Que tal programa! ¡Nunca había escuchado algo así!... Lo he apreciado humildemente todo ello siempre. La música tanto en Renato como en Ricardo (que ya desde décadas atrás, no quiso escuchar que le dijéramos: ni señor ni ingeniero), marcó sus vidas y es x eso que estos textos divulgan ese  lado personal no tan difundido. Eso es lo que viví alli, en la radio, el lado musical que nos atrapó en su momento y, muy atento igual a mis reclamos. ¡Los resolvia él... y ya! Y soy explícita en remarcar que... tantas risas y bellos momentos compartidos en amistad no se olvidan así nomás, son y serán imperecederos de destacar x siempre jamás. ¡Sellado! ❎STOP!

miércoles, 29 de septiembre de 2021

Captain Sensible (The Damned)



Para muchos “críticos” británicos del punk, The Damned no eran queridos: eran los tontos y los que levantaban el infierno, pandilleros de fin de semana que en realidad resultaron ser convincentes, duraderos y genuinamente inventivos. En las costas estadounidenses, fueron adorados por sus melodías furiosas de tendencia pop en las que los oyentes podían discernir fácilmente los rastros de MC5 y el rock'n'roll de la década de 1950. Como la primera banda de punk extranjera en poner un pie en Los Ángeles, se convirtieron en favoritos, incluso cuando se transformaron al territorio gótico a mediados de los 1980. Tras su reinvención en la década de 1990, han continuado cortejando a nuevos y viejos fanáticos con su alegría del viejo mundo, su satisfactoria combinación de géneros de rock'n'roll y su incansable tipo de poesía de clase trabajadora que evita ser obtuso y difícil de manejar.

El Captain Sensible no era un tonto gigante de la guitarra. Evocó la personalidad de un bufón de la corte / drag queen / inadaptado del rock'n'roll que hizo palidecer los motivos de las películas de monstruos de Dave Vanian en comparación. Tal vez te guste la llamada política callejera de The Clash o el brillo de la radio FM de The Offspring, pero The Damned ofrece partes iguales de fantasía punk y crítica social inteligente de una sola vez. Así que excava y desempolva el Machine Gun Etiquette, baila semidesnudo con tus calcetines llenos de agujeros y reza para que Phil Collins no termine en tu puerta una noche con un paquete de Budweiser.

DAVID ESMINGER
Left Of The Dial. Conversations with Punk Icons.

2013

Fuiste la primera banda punk en sacar un single y la primera banda punk en hacer una gira por América, pero ¿no te consideras una banda punk?

Sí, sí. Me encanta lo que significa el punk, pero se convirtió en algo diferente ... alrededor de 1978, cuando Exploited y UK Subs se convirtieron en una especie de sonido estándar. The Clash, Pistols, The Stranglers y The Damned tenían algunas melodías, pero el punk se convirtió en algo no melódico, me encanta Charlie and the UK Subs, pero en realidad no pude escuchar ninguno de sus discos.

Vienes de la tradición del rock progresivo de principios de los setenta.

Sí, todavía me gustan esas cosas, sigue siendo lo que escucho todo el tiempo, estaba en una tienda de discos el otro día, todo es borroso, en Tampa, hay una tienda de discos al lado del State Theatre, y estaban tocando este disco, y yo estaba como, maldita sea, eso suena como Soft Machine, con un poco de The Groundhogs agregadas, le dije al tipo detrás del mostrador, qué es eso, y él dice, es una nueva banda estadounidense llamada Zero Zero y el álbum se llama AM Gold, y es simplemente un álbum genial, nuevo y con un sonido fresco. Sabes, me gustaría hablar con la banda y preguntarles si tienen algún disco de Soft Machine, y apuesto a que maldita sea dirán no, no lo hemos hecho, pero lo han descubierto de la misma manera, simplemente poniendo órganos Farfisa a través de cajas fuzz y cosas así, sí, me encanta el rock progresivo, pero el cinco o diez por ciento que es bueno, no como Yes y Genesis, que eran una absoluta mierda de perro, realmente le dieron mala fama a todo el género.

¿Qué te llevó de ese sonido progresivo a las ideas bastante sencillas del punk?

Sabía que algo iba a pasar, porque a mediados de la década de 1970, la música en ese momento era tan turgente, realmente era Yes, Genesis y Emerson, Lake & Palmer, o era disco, o The Osmonds, era realmente malo y apenas había nada bueno en él, el glam rock había seguido su curso y algo tenía que suceder, y cuando conocí a Brian James a través de un anuncio, pude ver que tenía la visión de armar algo espectacular, algo que nunca había considerado. Tenía esta mentalidad salvaje de pandillas, un tipo de ruido explosivo y relámpago que tenía en mente. Dormí en su piso con Rat Scabies, ambos dormimos en su piso, y él puso sin parar The New York Dolls. Nos enseñó estas canciones maníacas y todo lo que pude ver porque estaba haciendo cosas que nadie más estaba haciendo. Y simplemente tenía estas grandes ideas, así que así fue como me involucré en ello.

Al igual que con The Clash y Buzzcocks, ¿la idea del punk cristalizó con el show de Ramones en 1976, o ya sabías lo que querías para entonces?

Todos aparecimos en el concierto de los Ramones como lo hicimos en un concierto de Eddie and the Hot Rods, aunque nunca se dijo, porque la palabra P, punk, nunca se dijo. Ninguna de las bandas dijo, estamos formando bandas de punk, va a ser un movimiento masivo. No sabíamos que ninguno de nosotros estaba haciendo algo similar, pero, de nuevo, todos aparecimos en el concierto de los Ramones. Y seguí viendo las mismas caras, Steve Jones, Joe Strummers, Tony James. Había una pequeña escena clandestina, pero siempre subterránea. Fue solo que estábamos en el lugar correcto y en el momento adecuado, y realmente se convirtió en algo convencional, tanto si la gente lo quiso como si no.

¿Te sorprendió cuando saltó de clubes pequeños como Roxy, 100 Club, Nashville y otros a lugares realmente grandes como el Rainbow?

Sí, porque siempre pensé, y sigo pensando, que la gente se va a dar cuenta de que la música real la hacen músicos genios que pueden tocar una ráfaga de notas maravillosas y perfectamente formadas como Eric Clapton o idiotas por el estilo. Honestamente, no pensé que duraría mucho más de tres o cuatro semanas, tanto que cuando salió nuestro primer álbum, tenía una foto en la portada ... Bueno, nos presentamos para la sesión de Damned Damned Damned y comimos todos estos pasteles de natillas y pasteles y espuma de afeitar y esas cosas, y nos lo untaron en la cara. Pero no sabía qué iba a suceder. Ahora, cuando aparecí, debes entender que pensé que este era el único álbum que iba a hacer. No quería que mi foto en la portada de ese maldito álbum estuviera cubierta de mierda, por lo que mi tía y mi tío en el maldito Glasgow no pudieron reconocerme. Estaba absolutamente furioso. Cuando vi la foto que habían elegido para la portada, dije que no, claro, entonces veamos qué tienes en la parte de atrás. En la parte de atrás hay una foto de la banda en vivo en el escenario de espaldas a la cámara. No podía creerlo, así que obtuve una pequeña fotografía de pasaporte y la pegaron en el lugar donde estaba el monitor en el escenario para que realmente pudieras ver una foto de mi cara.

¿Por qué pusieron una foto de Eddie and the Hot Rods en las primeras mil copias?

Bueno, esos son los típicos discos de Stiff, artículos de colección instantáneos, creo que buscaron unos pocos para ellos y los pusieron debajo de la cama para su jubilación, creo que eso es lo que era, solo una estafa barata.

¿Tenían el consentimiento de la banda?

No tengo ni idea.

¿Cómo llegaron a Estados Unidos sin siquiera haber publicado tus discos aquí?

¿Quién sabe? No tengo idea, todo fue hecho con un presupuesto muy bajo, y tocamos en el CBGB, recuerdo que la puta Patti Smith nos dijo que nos largáramos de su camerino, tenían dos shows esa noche, se suponía que íbamos a limpiar nuestro equipo lo más rápido que podamos, portarnos bien, salir de allí rápidamente, para que llegue el próximo espectáculo, Patti Smith y ese tipo guitarrista entraron y dijeron, imbéciles, salgan de nuestro camerino, Pensé, muchas gracias, el punk neoyorquino nos da la bienvenida, luego nos dirigimos a Los Ángeles.

¿Donde tocaste en dos shows?

Sí, con Television, pero Television se retiró del concierto, así que tuvimos que dormir en el piso de alguien en Los Ángeles.

¿Por qué no se lanzaron los tres primeros discos en Estados Unidos?

Eso es una charla de negocios. Solo soy un guitarrista.





¿Por qué crees que Music for Pleasure es el disco de Damned más pasado por alto?

Pues bien, el error fue que siempre había una veta experimental corriendo a través de esta banda. No creo que alguna vez nos hayamos repetido. Hay un tema recurrente, pero sí creo que tratamos de hacer algo diferente cada vez. Así que con el segundo álbum pensamos, de acuerdo, hemos hecho el disco punk con Damned Damned Damned, así que vamos donde Syd Barrett, el genio psicodélico loco, para producirlo. La gente de Pink Floyd, por supuesto, estaban avergonzados por la forma en que trataban a Syd Barrett, tú sabes que lo habían echado de la banda. Se presentaba en sus conciertos, pero no lo dejaban subir al escenario. Así que, por supuesto, que pensaban que, si pudiéramos volver a insertar a Syd en el estudio, podría chispear su creatividad y ser el gran músico que es. Así, donaron el estudio de Pink Floyd a The Damned con Syd Barrett produciendo, pero estabamos sentados allí esperando por él. Es mi puto héroe, ya sabes. No podía esperar a su encuentro, y realmente iba a pasar. Por la puerta con unas cinco a seis horas de retraso camina el jodido baterista, Nick Mason. Nadie podía creerlo. Estábamos como, ¿qué haces aquí? Debido a que la formación actual de Floyd no era precisamente muy popular en los círculos de punk porque eran parte del dinosaurio de mierda del que estábamos tratando de deshacernos. Y dijo, soy el productor. Syd no podía hacerlo. No hace falta decir que todo fue un desastre. Toda la banda se dividió, Nick Mason no sabía qué diablos estaba haciendo con nosotros, y mucho menos mezclar. Hemos tenido un atasco con él un día, y ni siquiera podía tocar la batería. Ni siquiera podía tocar “Jonny B. Goode”. Le preguntamos, y él dijo, “Johnny B. Goode, ¿qué es eso?” Fue un desastre.

¿Cómo se sintieron cuando Robert Plant y Marc Bolan vinieron a ver los shows?

Nos encantaba Marc Bolan. Pensamos que era maravilloso. Algunas personas de la vieja guardia entendieron que el punk era diferente, un poco peligroso, en comparación con la idea de que quizás los estaba echando de un trabajo. Pero a algunos les gustó, a otros no. Ambos pensaban que era fantástico. Bolan venía a nuestros shows y, de hecho, nos invitaba de gira con él. Salimos y tocamos veinte fechas apoyando a T.Rex, fue fantástico, qué gran tipo era, se estaba poniendo en forma y saludable y llevaba un chándal, mientras todos comíamos fry-ups grasientos, él estaba trotando por el café , Tomábamos otra rebanada de comida chatarra cargada de colesterol, y Marc Bolan pasaba corriendo. ¡Había dejado de beber, las drogas y tuvo un accidente automovilístico! Buen hombre, Pero Phil Collins dijo: "He mirado este fenómeno llamado punk y no veo nada que valga la pena", Qué idiota, así que nunca pierdo la oportunidad de quitarme esa costra.

Siendo escocés, ¿estás de acuerdo en que los punks en Escocia eran un poco más duros y hardcore porque “eso es todo lo que tenían”?

Tal vez, era mucho más una moda en Londres, tenías personas como la secta Bromley, que eran solo pequeños niños ricos, Bromley es una zona rica del sur de Londres, Todos sus padres tenían dinero, por lo que podían permitirse ir a la tienda de Malcolm y comprar los trajes de bondage de doscientas libras, doscientas libras en esos días ... Imagínense cuánto es ahora, son las únicas personas que caminan con esta moda punk, mientras que el resto del país iba a tiendas de segunda mano, a comprar ropa de mierda y a arrancarles las mangas, a meter imperdibles y a usar bolsas de basura y cosas así, me identifiqué con el lado de la clase trabajadora, siendo yo mismo de esa convicción. Existe un debate entre los dos lados del aspecto histórico del punk, si fueron las propias bandas las que inventaron estos fenómenos, o si fueron Malcolm, Jamie Reid y Bernie Rhodes, el tipo de universitarios que manejaban los hilos, lo que está inducido por England's Dreaming, de Jon Savage, que es un montón de mierda si me preguntas, prefiero No Irish, No Blacks, No Dogs de Johnny Rotten.

...

¿Podrías explicar a una audiencia estadounidense la diferencia entre el gobierno laborista de los 1970 en Inglaterra y el gobierno laborista actual?

El gobierno laborista de los 1970 era más socialista, ahora creo que todos los partidos políticos de los países occidentales se han dado cuenta de que, lamentablemente, solo tienen una opción que es el capitalismo de mercado, que es como humillarse y arañar al Banco Mundial y al gobierno. FMI y gente así. Por eso nuestra canción "Democracy?" tiene un signo de interrogación después, porque en realidad no hay muchas opciones entre el Partido Laborista y el ala conservadora. Alguien del Partido Conservador dijo que Tony Blair es el mejor primer ministro conservador que hemos tenido. Quiero decir, realmente, eso resume las cosas, ¿no? Y con Gore y Bush, realmente no había muchas opciones entre ellos. 

¿Ha sorprendido a la gente en Inglaterra lo entusiasmado que ha estado Blair con la guerra contra el terrorismo?

No me sorprende en lo más mínimo porque diga lo que diga este país, Inglaterra es su fiel caniche leal. Dicen "Saltar", nosotros decimos, "¿Qué tan alto?" Creo que hay una especie de conspiración de la gente anglosajona, de habla inglesa, y una vez que la gente está en el gobierno británico se dan cuenta que su trabajo como parte de Estados Unidos y Gran Bretaña es ir por ahí intimidando al resto del mundo. Gran Bretaña es un aliado leal que hace todo lo que dicen. Para ser honesto, si quieres un mundo honesto y decente, debes tratar bien a la gente. No deberías cagar en países enteros como lo está haciendo Occidente. Los palestinos deberían tener una patria, ¿no es así?

¿Es injusto que los israelíes tengan uno, pero no los palestinos?

Escribí esta canción una vez "A Holiday in My Heart". La frase vino de este director de cine israelí que dijo que cada vez que matan a un escuadrón británico en Palestina, hay un día festivo en mi corazón. La canción en realidad no refleja eso, pero de ahí es de donde saqué el título.

¿Es todo por ahora con The Damned, o perseguirás proyectos en solitario?

Es lo único que puedo hacer. Bueno, yo era un limpiador de baños bastante bueno, eso dijo el consejo cuando entregué mi renuncia. Dijeron, ¡mantendremos el trabajo abierto para ti! Entonces, si esto no funciona, fue muy amable de su parte. Pero la única otra cosa que puedo hacer es divertirme en el escenario, pero si alguien alguna vez tiene un proyecto cinematográfico loco y quiere algo de música incidental, entonces soy el hombre. Dave también está interesado en eso, Dave está realmente interesado en las películas, es decir, no me gustan las películas, pero me gusta la música.

¿Considerarían sacar un disco de música ambient?

Si sucediera una película, entonces sí, sucedería, porque Dave estaría muy interesado.

¿Pero incluso sin una película?

Lo haría de todos modos, tengo un disco que se llama Meathead, que está lleno de ambient, excursiones de diez o quince minutos hacia lo desconocido, que no vendió mucho [risas], fue un disco doble; Llené los dos CD de música, cosas que habían estado en mi estante, nunca habría visto la luz del día, pero está ahí fuera, en los estantes [de discos] baratos, si alguien está interesado en ese tipo de cosas.

¿Con quién te gustaría tocar que no lo hayas hecho hasta ahora?

Me gustaría trabajar con los tipos de Talk Talk. Hicieron un álbum fantástico la última vez. Los sacó de su sello porque es muy experimental, pero es el álbum más hermoso, ¿quién más? Todavía me gusta Terry Riley.

¿A quién estás escuchando ahora que sea inspirador?

Ese disco de Zero Zero, es el mejor disco que he tenido en años, Stereolab me gusta mucho, y Ladytron, y Spiritualized.

Mike Scott de The Waterboys mencionó lo poderoso que fue para él el disco Spiritualized.

La música brillante puede hacerte llorar; puede cambiar todo tu estado de ánimo durante el día, recuerdo cuando iba a la escuela, y si tenía un día particularmente agotador por delante, lanzaba algo terriblemente agresivo en el tocadiscos y salía corriendo a la escuela con un resorte en mi paso, la música tiene un poder inmenso, escucha la segunda sinfonía de Rachmaninoff, esa es la pieza musical más asombrosa, te lleva de viaje.

O el movimiento medio del Concierto para piano de Ravel es exorbitante, uno de los mejores fragmentos de música que he escuchado. Está intercalado entre este tipo de cosas de jazz porque Ravel tenía esto con Gershwin. Estaban tratando de emparejarse para la orquesta de jazz swing. La parte central del piano es tan escandalosa porque es una pieza tan melancólica. Mi novia y yo lo escuchamos y lo llamamos notas crispantes por las notas desafinadas que él toca en el piano, pero están estratégicamente ubicadas y te hacen estremecer.






For many British punk “critics,” the Damned were no darlings: they were the goofballs and hell-raisers—flash-in-the-pan yobs that actually turned out to be compelling, long lasting, and genuinely inventive. On American shores, they were adored for their furious pop-slanted tunes in which listeners could easily discern traces of the MC5 and 1950s rock’n’roll. As the first foreign punk band to set foot in LA, they became a fave, even as they mutated into goth territory in the mid-1980s. Upon their reinvention in the 1990s, they have continued to woo new and old fans with their old world mirth, their satisfying meld of rock’n’roll genres, and their tireless working-class kind of poetry that avoids being obtuse and unwieldy.

Captain Sensible was not a dumb guitar behemoth. He evoked the persona of a court jester/drag queen/rock’n’roll misfit that made Dave Vanian’s monster movie motifs pale in comparison. Maybe you like the so-called street politics of the Clash or the FM radio sheen of the Offspring, but the Damned offer up equal parts punk fantasy and savvy social critique in one fell swoop. So dig out and dust off Machine Gun Etiquette, dance half-naked in your hole-strewn socks, and pray that Phil Collins does not end up on your doorstep one night with a pack of Budweiser.

DAVID ESMINGER
Left Of The Dial. Conversations with Punk Icons.

2013

You were the first punk band to put out a single, and the first punk band to tour America, but you don’t consider yourself a punk band?

I do, I do, I love what punk stands for, but punk became something different … around 1978, when the Exploited and UK Subs became a kind of standard sound, Real shouty, loud, tuneless kind of thing, The original bands like the Clash, Pistols, the Stranglers, and the Damned all had some melodies, but punk became a nonmelodic thing, I love Charlie and the UK Subs, but I couldn’t actually play one of their records.

You came from the tradition of the early 1970s prog rock.

Yes, I still like that stuff, It’s still what I listen to all the time, I was in a record shop the other day, it’s all a blur, in Tampa, There’s a record store next to the State Theatre, and they were playing this record, and I was like, fucking hell, that sounds like Soft Machine, with a little bit of the Groundhogs thrown in, I said to the bloke behind the counter, what’s that, and he says, it’s a new American band called Zero Zero and the album is called AM Gold, and it’s just a great, new, fresh-sounding album, You know, I would like to speak to the band and ask them if they have any Soft Machine records, and I bet they bloody say no, we haven’t, But they’ve discovered it the same way, just by putting Farfisa organs through fuzz boxes and things like that, Yeah, I love progressive rock, but the five or ten percent that is good, not like Yes and Genesis, who were absolute dog shit, They gave the whole genre a bad name really.

What led you from that prog sound into the rather straight-ahead ideas of punk?

I knew something was going to happen, because in the mid-1970s, the music at the time was just so turgid, it really was really Yes, Genesis, and Emerson, Lake, and Palmer, or it was disco, or the Osmonds, it was really bad and there was hardly anything good about it, Glam rock had kind of run its course and something had to happen, and when I met Brian James through an advertisement I could see he had the vision to put something spectacular together, something I had never considered. He had this wild kind of gang mentality, a kick-ass, blitzkrieg kind of noise that he had in his mind. I slept on his floor with Rat Scabies, we both slept on his floor, and he just played us nonstop New York Dolls. He taught us these manic songs and the whole thing I could see because he was doing stuff that no one else was doing. And he just had these great ideas, so that’s how I got involved with it.

Like with the Clash and Buzzcocks, was the idea of punk crystallized by the Ramones show in 1976, or did you already know what you wanted by then?

We all turned up at the Ramones gig as we did at an Eddie and the Hot Rods gig, although it was never said, because the P word, punk, was never spoken. None of the bands said, we are forming punk bands, it’s going to be a massive movement. We didn’t know that any of us was doing anything similar, but then again, we all turned up at the Ramones gig. And I kept seeing the same faces, the Steve Jones, the Joe Strummers, the Tony James. There was a little underground scene, but it was always underground. It was just that we were at the right place and the right time, and it did actually gel into a mainstream thing, whether people wanted it to or not.

Did it surprise you when it jumped from small clubs like the Roxy, 100 Club, the Nashville, and others to really big venues like the Rainbow?

Yeah, because I always thought, and I still think, that people are going to realize that real music is made by genius musicians who can play a flurry of wonderful, perfectly formed notes like Eric Clapton or wankers like that. I honestly didn’t think it would last much more than three or four weeks, so much so that when our first album came out, it had a picture on the front … Well, we turned out for the session for Damned Damned Damned and they had all these custard pies and cakes and shaving foam and shit like that, and they smeared it all over our faces. But I didn’t know it was going to happen. Now, when I turned up, you got to understand, I thought this was the only album I was ever going to make. I didn’t want my picture on that fucking album cover to be covered with shit, so my Auntie and Uncle in bloody Glasgow couldn’t recognize me. I was absolutely furious. When I saw the picture they had chosen for the cover, I said no, right, so let’s see what you got on the back then. On the back there’s a picture of the band live on stage with my back turned to the camera. I couldn’t believe it, so I got a little passport photograph and they stuck it on to where the monitor was on the stage so you could actually see a picture of my face.

Why did they put a picture of Eddie and the Hot Rods on the first thousand copies?

Well, that’s typical Stiff records, instant collector’s items, I think they fetched up a fair few for themselves and put them under their beds for their retirement, I think that’s what it was, just a cheap scam.

Did they have the consent of the band?

I have no idea.

How did you get to America without even having your records released here?

Who knows? I have no idea, It was all done on a very low budget, and we played CBGBs, I remember that cunt Patti Smith telling us to get the fuck out of her dressing room, They had two shows on that night, We were supposed to clear our equipment out as quickly as we possibly could, behave ourselves, get out of there quickly, so the next show could come in, Patti Smith and that guitarist bloke came in and said, you limey assholes, get out of our dressing room, I thought, thank you very much, New York punk welcomes us, Then we went across to Los Angeles.

Where you played two shows?

Yeah, With Television, But Television pulled out of the gig, so we had to sleep on someone’s floor in Los Angeles.

Why weren’t the first three records released in America?

That’s business chitchat. I’m just a guitarist.

Eso es una charla de negocios. Solo soy un guitarrista.



 


Why do you think Music for Pleasure is the most overlooked Damned record?


Well, the mistake was that there was always an experimental streak running through this band. I don’t think we have ever repeated ourselves. There’s a theme running through, but I do think we try to do something different each time. So with the second album we thought, all right, we’d done the punk record with Damned Damned Damned, so let’s get Syd Barrett in, the crazy psychedelic genius, to produce it. The Pink Floyd people, of course, were embarrassed by the way they treated Syd Barrett, you know they had thrown him out of the band. He turned up at their gigs, but they wouldn’t let him up on stage. So, of course, they thought, if we could get Syd back in the studio, it might spark his creativity to be the great musician that he is. So, they donated the Pink Floyd studio to the Damned with Syd Barrett producing, but we were sitting in there waiting for him. He’s my fucking hero, you know. I couldn’t wait to meet him, and it was really going to happen. In through the door about five to six hours late walks the fucking drummer, Nick Mason. Nobody could believe it. We were like, what are you doing here? Because the current line up of Floyd was not exactly very popular in punk circles because they were part of the dinosaur shit we were trying to get rid of. He was like, I’m your producer. Syd couldn’t make it. Needless to say, the whole thing was a disaster. The whole band was splitting up, Nick Mason didn’t know what the fuck he was doing with us, let alone mix it. We had a jam with him one day, and he couldn’t even bloody drum. He couldn’t even play “Jonny B. Goode.” We asked him, and he said, “Johnny B. Goode, what’s that?” It was a disaster.

How did you feel when Robert Plant and Marc Bolan would come by and see shows?

We absolutely loved Marc Bolan. We thought he was marvelous. Some people from the old guard understood that punk was just different, a little dangerous, compared to the idea that it was kicking them out of a job maybe. But some of them liked it, some didn’t. Both of them thought it was fantastic. Bolan would come out to our shows, and in fact he asked us on tour with him. We went out and played twenty dates supporting T. Rex, It was fantastic, what a great bloke he was, He was getting fit and healthy and wearing a tracksuit, While we were all eating greasy fry-ups, he was jogging around the cafe, We’d have another slice of cholesterol-ridden junk food, and Marc Bolan would jog past, He was off the drink, off the drugs, and he had a car crash! Nice man, But Phil Collins said, “I’ve looked at this so-called punk phenomenon and I see nothing of any worth,” What a wanker, so I never miss an opportunity to dis that scab.

Being Scottish, do you agree that punks in Scotland were a bit more tough and hardcore because “that’s all they had”?

Maybe, It was much more of a fashion in London, You’d get people like the Bromley sect, who were just little rich kids, Bromley is a rich area of South London, All their parents had money, so they could afford to go down to Malcolm’s shop and buy the two-hundred-pound bondage suits, Two hundred pounds in those days … Imagine how much that is now, They are the only people who walk around wearing this punk fashion, while the rest of the country was going to thrift stores, buying shitty clothes, and tearing the sleeves off of ‘em, sticking safety pins in and wearing bin liners and things like that, I identified with the working-class side of it, being of that persuasion myself, There is a debate going on between the two sides of the historic aspect of punk, whether it was the bands themselves that invented these phenomena, or whether it was Malcolm, Jamie Reid, and Bernie Rhodes, the kind of university types who were pulling the strings, which is led by Jon Savage’s England’s Dreaming, which is a ripe load of shit if you ask me, I much prefer Johnny Rotten’s No Irish, No Blacks, No Dogs.

...

Could you explain to an American audience the difference between the Labour government of the 1970s in England and the current Labour government?

The Labour government of the 1970s was more socialist, now I think all the political parties in the Western countries have realized that there’s only one option for them, unfortunately, which is market capitalism, which is like groveling and scraping to the World Bank and the IMF and people like that. This is why our song   “Democracy?” has a question mark after it, because there’s isn’t really much choice between the Labour Party and the conservative wing. Somebody in the Conservative Party said that Tony Blair is the best conservative prime minister we’ve ever had. I mean really, that sums things up, doesn’t it? And with Gore and Bush, there was not much choice between them really.

Has it surprised people in England how gung-ho Blair has been with the war on terrorism?

It doesn’t surprise me in the slightest because whatever this country says, England is your faithful loyal poodle. You say “Jump,” we say, “How high?” I think there is a kind of Anglo Saxon, English-speaking people’s conspiracy, and once people are in the British government they realize their jobs as part of America and Britain is to go around bullying the rest of the world. Britain is a loyal ally that does whatever you say. To be honest, if you want an honest, decent world, you got to treat people good. You shouldn’t shit on whole countries the way the West is doing. The Palestinians should have a homeland, shouldn’t they?

It’s unfair that the Israelis have one, but not the Palestinians?

I wrote this song one time “A Holiday in My Heart.” The phrase came from this Israeli film director who said that every time a British squady is killed in Palestine, there’s a holiday in my heart. The song actually doesn’t reflect that, but that’s actually where I got the title from.

Is the Damned it for now, or will you be pursuing solo projects?

It’s the only thing I can do. Well, I was a fairly good toilet cleaner, so the council said when I handed in my resignation. They said, we’ll hold the job open for you! So, if this doesn’t work out, that was very nice of them. But the only other thing I can do is goof around on stage, but if anyone ever has a wacky film project and wanted some incidental music, then I’m the man. Dave is into that as well, Dave’s really into films, totally, I mean, I don’t dig the films, but I like the music.

Would you guys consider putting out a record of ambient music?

If a film happened, then yeah it would happen, because Dave would be so interested.

But even without a film?

I’d do it anyway, I have an album called Meathead, which is full of ambient, ten or fifteen-minute excursions into the unknown, That didn’t sell very many [laughs], It was a double album; I filled both CDs full of music, Stuff that had been sitting on my shelf, It would have never seen the light of day, but it’s out there sitting in the cheapy racks, if anyone is into that sort of thing.

Who’s someone you’d like to play with that you haven’t so far?

I’d like to work with the guys from Talk Talk, They did a fantastic album this last time, It got them thrown off their label because it’s so experimental, but it’s the most beautiful album, Who else? I’m still into Terry Riley.

Who are you listening to now that’s inspiring?

That Zero Zero record, It’s the best record I’ve had for years, Stereolab I like a lot, and Ladytron, and Spiritualized.

Mike Scott from the Waterboys mentioned how powerful the Spiritualized record was for him.

Brilliant music can move you to tears; it can change your entire mood for the day, I remember when I was going to school, and if I had a particularly grueling day ahead, I’d throw something terribly aggressive on the record player, and run off to school with a spring in my step, Music has immense power, Listen to Rachmaninoff’s Second Symphony, That’s the most amazing piece of music, It takes you on a journey.
Or the middle movement in Ravel’s Piano Concerto is outrageous, one of the best bits of music I have ever heard. It’s sandwiched between these jazzy kinds of things because Ravel had this thing going on with Gershwin. They were trying to match each other for the swing jazz orchestral. The middle part of the piano is so outrageous because it’s such a melancholic piece. My girlfriend and I listen to it and call it the twitch notes because of the out-of-tune notes he plays on the piano, but they are strategically placed and make you shudder.
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ANTHOLOGY OF EXPERIMENTAL MUSIC FROM PERU

perú post indie

Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños.
Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo...
Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?


FRED ROHNER
Historia Secreta del Perú 2

as it is when it was

sonido es sonido

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lefty

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NARNIA RULZ DICES??

NARNIA RULZ DICES??
"EL GLAMOUR ES EL AURA DE LOS IMBÉCILES"