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miércoles, 1 de julio de 2020

SUDAMERIKAN NOISERS :. BUSHIDO - Nameless Without Art (2020, Nailed Nazarene Industries)



Desde algún lugar de Lima, el vegano brasileño BUSHIDO compone una oda a la insanía de los tiempos de hoy y siempre. 33'55" de ruido blanco y computer music diseñados con devoción y amor por los sospechosos de siempre: Xenakis, Russel Haswell, Peter Rehberg, Karkowski. ¿No te dicen nada estos nombres? Experimentación y onanismo sónicos que dejarán una ruptura en tu corteza cerebral. Un agujero negro que si lo alimentas como requiere... traerá hermosas consecuencias. Para ti, para mi y para todos. Como decía Galarreta en su época laptopista, "el sonido no necesita justificación". 
"Sin nombre sin arte". (WGA)

Bushido Som es un ruidoso de Salvador Bahía - 🇧🇷 ,residente actualmente en Lima - PERU ,en donde sigue con su actividad ,y en estos días de confinamiento obligado grabó este nuevo material que se acaba de lanzar x el sello
Todo pasa en un track arrancando en una oscilación de sonido electrónico que se mantiene durante unos minutos como en misma frecuencia , logrando así una especie de mantra que lleva a pensar a uno que no va a correr riegos en la escucha , pero cuando esté sonido logra la confianza auditiva BUSHIDO engaña..,y de a poco empieza a quebrar partes para ir llevando el clima a un nivel más problemático sumando a aparecer pequeños acoples, interferencias que podrían de a momentos simular ser radiales, y con todo esto lo que estaba en principio bajo control termina hacia lo último de la producción convirtiéndose en una especie de caos microchip más que interesante. (JOE TRANSMISSION)
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Bushido Som is a noisy from Salvador Bahía - 🇧🇷, currently residing in Lima - PERU, where he continues his activity, and in these days of forced confinement recorded this new material that has just been released by the label
Everything happens on a track starting in an electronic sound oscillation that is maintained for a few minutes at the same frequency, thus achieving a kind of mantra that leads one to think that one will not run risks in listening, but when this sound succeeds the auditory confidence BUSHIDO deceives .., and little by little it begins to break parts to take the climate to a more problematic level, adding small couplings, interferences that could at times simulate being radial, and with all this what was in Principle under control ends towards the end of production becoming a kind of microchip chaos more than interesting. (JOE TRANSMISSION)



martes, 30 de junio de 2020

MUSIC TO LIVE BY .: NYZ - SHFTR FRQ (2018)



El reino de los cielos está dentro de uno y la ciencia metamusical de Dave Noyze lo sabe.


David Burraston (que también va como Dave Noyze) puede ser el único científico y sintetista que vive a cinco millas de la carretera pavimentada más cercana. "Vivimos en la granja donde estaban [los padres de mi esposa] cuando se jubilaron", explica. “Dirigimos una granja así como también el Wired Lab aquí. Estamos en el medio de la nada, y no recibimos ningún servicio, excepto la electricidad. Tenemos que capturar nuestra propia agua, tenemos nuestras propias aguas residuales y tanque séptico, tenemos que llevar nuestra propia basura hasta la punta. Ni siquiera recibimos correo". Esto es algo sorprendente para un hombre que obtuvo un Ph.D. por investigar autómatas celulares y música generativa, y famosamente condujo y publicó independientemente Syrobonkers, la entrevista más completa técnicamente que Aphex Twin ha dado.
BANDCAMP DAILY.

The Death of Rave tiene el honor de organizar el debut en vinilo de NYZ; el proyecto musical de culto, algorítmico / generativo del galardonado artista / científico Dave Burraston (Bryen Telko, Noyzelab). El lado A gira 14 blatz sucintas, que van desde piezas de percusión malhumoradas a disonancia microtonal queer y atmósferas similares a SAW II, que incluyen especialmente una pista hecha en un secuenciador Sequentix Cirklon y un sintetizador PreenFM2 que le regaló Richard D. James. El lado B contiene un tracto de dron espectral fuertemente inmersivo que (nunca) termina en un surco bloqueado, especialmente cortado en D&M, Berlín. Los resultados son totalmente únicos y hablan de la variación interminable y juguetonamente experimental del arte / investigación de NYZ. Revelan microcosmos viscerales y extraños de afinaciones microtonales cuajadas y artimañas propioceptivas destinadas a emocionar e inducir sensaciones nuevas y extrañas incluso en el demonio más difícil de complacer de la música electrónica. Se recomienda encarecidamente a los seguidores del caótico chirrido de Russell Haswell, las alucinantes afinaciones de Aphex Twin, los visionarios algoritmos de Roland Kayn y las meditaciones microtonales de Eliane Radigue. En las propias palabras de Dave:

"SHFTR FRQ es una serie de estudios experimentales en configuraciones simples de sintetizador controladas por diferentes niveles de sistemas generativos complejos [autómatas celulares MANIAC]. SHFTR FRQ se registró en los últimos seis años en un híbrido de equipos en constante cambio que abarca los dominios de módulos y modulares. Síntesis de sonido microtonal basada en MIDI [analógica y digital]. Las configuraciones siempre fueron ultra minimalistas, a menudo solo con el secuenciador de autómatas celulares MANIAC y uno o dos módulos / sintetizadores para proporcionar un enfoque sensorial constante. Los estudios abarcan desde secuencias ultracortas, microditties, motivos de investigación, para una meditación de drones espectrales de altura completa ".




lunes, 29 de junio de 2020

Juan Gonzalo Rose says



Entrevista de César Hildebrandt al poeta Juan Gonzalo Rose. 
Publicada en Caretas, Lima el 10 de marzo de 1980.

Juan Gonzalo Rose: No he conocido lo que es la verdadera felicidad

Usted ha dicho, desgarradoramente, que las fuerzas creadoras lo han abandonado, pero que todavía espera un milagro 

---Es una manera de expresar una esperanza, dictada sobre todo por el sentimiento. Porque, racionalmente, yo me doy cuenta de que mis posibilidades de creación están agotadas.

Yo me he preguntado muchas veces, Juan Gonzalo, qué fue lo que lo quebró. En un poema de Las comarcas usted dice: «pero el gran desamor, sólo noches oscuras acarrea…». ¿Fue eso? ¿Fue la soledad?

---Sí, en parte… Pero hay otros factores. En primer lugar, naturalmente, el tiempo: tengo 52 años. Luego, esa soledad a la que nos hemos referido y que en mi caso es muy especial… Porque desde hace cuatro años yo padezco de depresión. Esta depresión me conduce a encerrarme en mi cuarto, y pasan semanas y semanas y yo no converso con nadie. De tal modo que, faltándome la experiencia, no hay material para la creación. Toda creación se nutre de vivencias…

El país, Juan Gonzalo, nuestra realidad, ¿tienen que ver con su tristeza?

---Creo que es posible. Sin duda el clima político influye.

No sólo el clima político. Me refería al maltrato sistemático que este país administra a sus poetas, a sus músicos, a lo mejor de su gente en muchos casos…

---Sí, El sentirse no estimulado, el sentirse siempre prescindible, esta especia de ofensiva muchas veces silenciosa, tienen que ver con mi depresión pero también influyen otros factores. Por ejemplo, el doctor Mariátegui (Javier) me decía que a mí me hace mucho daño no tener ninguna seguridad económica. Esto es cierto… He llegado a la edad que he llegado y yo vivo mantenido por mi madre… Mi madre me da techo y comida, pero a eso no se puede reducir la existencia. De tal manera que me ayudo con esporádicos artículos periodísticos… Y mi madre ya es una mujer que ya tiene sus 80 años. Desgraciadamente, no va a ser muy largo el plazo de su vida…

¿Usted fue despedido del Instituto Nacional de Cultura, ¿verdad?

---Sí.

¿Durante la gestión del señor Abril de Vivero?

---Así es.

¿Por qué lo despidieron?

---No me dieron ninguna explicación.

¿Cuánto ganaba?

---Diez mil soles.

Usted ha nombrado el insomnio de varias maneras en su poesía: los embarcaderos del insomnio, las candelas azules del insomnio, las altas guaridas del insomnio. ¿Sigue siendo, ahora, un malestar?

---En la actualidad tomo pastillas para dormir… Me surten algún efecto… Pero hace tres meses que sufro de un dolor muy agudo a los pies. Es una neuritis… Yo quisiera aprovechar esto para manifestar mi gratitud a algunas personas como Tania Libertad, y a su esposo, el poeta Francisco García, que me está pagando un tratamiento de acupuntura… También quiero agradecer a Chabuca Granda, que me está ayudando mucho moral y materialmente…

Todos quienes han seguido su itinerario poético han observado el paso de esa poesía social y militante de sus comienzos a la poesía confesional y padecida de su época madura. ¿Recuerda cuando escribió: «continúa el partido su vigilia cual un hermano pensativo y grande…»

---Sí. Recuerdo…

Me pregunto si el gesto de haber dejado creencias y partido en el camino no tiene que ver con su melancolía…

Yo creo que sí. Como usted sabe, en mi juventud yo adopté una posición política de combate…

¿Por qué la abandonó?

---Lo que motivó mi incursión a la política fue, más bien, un espíritu romántico… En realidad, nunca me atrajo la vida partidaria, que suele ser burocrática…

¿Usted fue comunista, verdad?

Sí.

Y antes había sido aprista…

---Bueno, eso no. Lo que pasa es que fui elegido miembro de la Federación de Estudiantes del Perú con votos apristas. Pero no milité en el APRA…

¿Es definitivamente cierto aquello de que Haya le dijo alguna vez: «Usted fue aprista» y usted le respondió: «Y usted también…»? Creo que ocurrió en México, ¿o me equivoco?

---Ocurrió en Lima, en el local de Alfonso Ugarte…

¿Y cómo reaccionó Haya?

---Comenzó a hablar de otra cosa, un poco molesto… Haya no tenía mucho sentido del humor. Yo lo traté en cuatro o cinco oportunidades…

¿Qué recuerdos conserva de él?

---Desde lejos, visto desde la perspectiva de los mítines, exhibía otro tipo de virtudes. Pero, de cerca, en una conversación, transmitía una imagen de bondad… Claro que no era el gran conversador que dicen. No suscitaba el diálogo. Era, más bien, monologante. Y nunca hablamos de política. El tema principal de estas charlas, a las que me introdujo Carlos Tosi, era una cuestión esotérica…

¿Qué era aquello?

---Haya vivía obsedido por la existencia del alma. Él decía que el alma no abandona al cuerpo una vez producida la muerte sino que ella subsiste, teniendo conciencia de identidad, durante un tiempo, que puede ser corto o largo – y esto depende de la densidad del alma –. Y decía que hay almas que demoran mucho en percibir que ya no tienen identidad y que cuando adquieren esta conciencia de su no identidad recién es que se disuelven del todo… Al principio me pareció que Haya hacía de esto un tema atractivo de conversación, pero después me convencí de que él pensaba seriamente en estas cosas. Contaba mucho de su viaje por el Tíbet y, en realidad, estaba fascinado por todas esas cuestiones esotéricas…

Usted se afirma hoy como cristiano pero hay en su poesía palabras tan duras contra esta eclesiástica herencia española y, si no me equivoco, en algún poema, usted imagino la posibilidad de una catedral hecha para los que no oyeron… ¿Qué clase de refugio es el cristianismo?

---Es difícil creerlo… Uno puede, a la edad que tengo, ser víctima de espejismos… No creo, sin embargo, que el cristianismo sea sólo como la tabla de salvación de un náufrago. Es algo más sereno… Alguna vez yo le hice para Caretas precisamente, una entrevista a Fellini y le pregunté respecto a Dios y él me dijo que la condición natural del hombre frente a Dios (es) la duda. Así es. El cristianismo tiene momentos de vacilación. No es la fe del carbonero…

Hablemos algo de su poesía. ¿Por qué desestimó a «La luz armada» del tomo de su poesía completa? ¿Le pareció una poesía social demasiado fácil?

---Muy ingenua, sumamente ingenua…

Y usted suele ser desleal con esa ingenuidad que algunos estimamos… Usted depuró aquel poema «Las cartas secuestradas», que ahora tiene, por eso, dos versiones. ¿Por qué lo hizo?

Creo que sólo he cambiado las líneas finales. En la antigua versión, decía: también de palomar se muere un hombre cuando sabe vivir por una carta…

¿Por qué lo cambió?

---Porque me parecía un poco cursi…

Quizá sea usted el único poeta de su importancia que pueda hablar con tanta irreverencia de su propia obra. ¿Ha escrito otras cosas que ahora considere cursi?

---Parte de Las comarcas tiene mucho de cursilería. Hay una exuberancia verbal que no me gusta…

En un hermoso programa hecho para la televisión, y por supuesto hostilizado por algunos comerciantes, Tania Libertad le pregunta a usted quién fue Marisel. Y usted no responde. ¿Podría responder ahora?

---Es que Marisel no es una persona concreta. Es la amada ideal que todos tenemos. No es un ser de carne y hueso…

Pero hubo amadas de carne y hueso. Usted tuvo una hija…

---Sí. Ella vive en México.

¿La ve?

---No. Nos hemos escrito alguna vez.

¿Es usted, como ha escrito Mario Vargas Llosa, el hombre que trata de rescatar al niño desesperado y jubiloso que alguna vez fue?

---En algunos versos sí hay, en efecto, algo de nostalgia por la adolescencia perdida, por la niñez perdida…

Pero quizá más que de edades podríamos hablar de inocencia…

---Exactamente…

Porque en su poesía su infancia no aparece sino como la imagen de un chico melancólico que se internaba por ciertos arenales. Es decir, no creo que usted haya sido un niño feliz…

---Tiene usted razón…

¿Alguna vez ha sido usted feliz, Juan Gonzalo?

---No. No he conocido lo que es la verdadera felicidad.

¿No la buscó?

---Todos la buscamos. No he tenido la oportunidad de encontrarla.

¿Cómo la hubiera encontrado?

---En compañía de alguien que me entendiera.

¿Nunca llegó ese alguien?

---No.

¿No es una visión muy deprimida?

---La verdad es que en lo amorosa nunca pude alcanzar una verdadera estabilidad. Fue mi juventud extremadamente bohemia…

En un poema destinado a León Felipe usted lo invoca: si a cantar, cantador, nos enseñaste, enséñanos, varón, cómo se calla. Es hermoso que usted persista en no callar…

---Callar es en ese poema sinónimo de morir.

Y usted tiene una relación familiar con la muerte…

Sí, es una de mis obsesiones, una de mis obsesiones crepusculares.

¿Alguna vez intentó matarse, Juan Gonzalo?

Sí. Una vez… Tomé una cantidad de barbitúricos que considere que iba a ser suficiente…

¿En qué momento de su vida ocurrió?

---Eso fue cuando trabajaba en Expreso… Vivía una gran soledad, alejado de mis padres; tenía un pequeño departamento en el edificio Ritz… Había tenido una ruptura sentimental…

Tomaba mucho en esa época, ¿verdad?

Bebía mucho, sí. Yo he tenido una juventud alcohólica, de la que felizmente he logrado alejarme. Fue una batalla bastante dura.

¿Ha pensado que la dependencia emocional respecto de sus padres contribuyó a sellar su carácter, a fomentar su fragilidad?

---Sí. Yo creo que esa dependencia lo hace a uno poco inerme. Yo he tratado de librarme de esa dependencia viviendo solo cada vez que he podido, viajando…

Comparando a la luciérnaga con el hombre, usted ha escrito: «Pues caso estimable es el bicho, que más alumbra cuanto más se muere… Y no del hombre, que se opaca a pocos y es mucho más obscuro cuando dura…». Suena terrible, la verdad…

---Sí, efectivamente: es el verso más amargo que yo he escrito en mi vida. Es un rechazo a la vejez sobre todo…

¿Qué es lo que más rechaza de la vejez?

---Nos hace demasiado conscientes… Yo estaba acostumbrado, en mi juventud, a dejar que el azar participara de mi vida. Se pierde el sabor de la aventura. Todo es tan meditado. Se aproxima así uno a la muerte… Y conste que yo no soy una persona que piensa en la muerte como la tentación del descanso. No tengo miedo a la muerte. No voto en contra de la muerte…

Habla usted de descansar. ¿Qué es aquello de lo que más quisiera descansar, Juan Gonzalo?

---De la monotonía en la que se ha convertido mi vida, del estar encerrado en mi cuarto… Yo soy una persona curiosa: no voy al cinema, no veo televisión, no escucho música, no leo, no escribo. Yo no sé qué hago con mi tiempo, es totalmente un vacío… Todo me molesta, me repele…

¿Le molesta estar en este momento hablando de sí mismo como lo está haciendo?

---No… Porque es una catarsis…

¿Teme algo de especial manera?

---Sí… Me da miedo que, de agravarse este círculo de circunstancias adversas en que me muevo… Tengo pánico de retornar al alcoholismo. Sé que sería irremediable…

¿No le gustó el éxito alguna vez, no lo gratificó? Es decir, ¿también le disgustó el éxito?

---No me disgustó (el éxito)… Lo que pasa es que se produce una suerte de desdoblamiento. Pareciera que es otra persona la que recibe esos éxitos y no uno. Yo lo he sentido siempre así. Los éxitos me daban alguna satisfacción pero yo notaba que mi verdadero animal estaba un poco distanciado de ese otro triunfador…

¿Por qué no se aceptó un poco? ¿Por qué se combatió tanto?

---Creo que, en lo fundamental, yo me acepté a mí mismo. Lo que pasa es que no estoy conforme con el papel que me ha tocado en la comedia…

¿Cómo definiría ese papel?

---Me hubiera gustado ser alguien más útil… Con toda sinceridad, yo siento, ahora que el arte es algo totalmente inútil, que no tiene ningún sentido: la poesía, la música… Al único arte al que le sigo guardando respeto es al teatro…

¿Pero usted cree que su poesía no sirve? ¿Usted cree que no conmueve, que no enriquece? Como lector le diría, cordialmente, que usted está diciendo una barbaridad…

---Tal vez, pero nos leen tan pocos… En un tiempo yo tomaba parte en muchos recitales. En ese tiempo sí sentí que estaba haciendo algo por los otros… Pero con los libros el contacto con la gente es nulo… Además hay otras objeciones. El poeta tiende a hablar demasiado de si mismo…

O a ocultarse…

---O a ocultarse. Pero yo creo haber hablado bastante de mí mismo…

Pero de varios Juan Gonzalos: del derrotado y del esperanzado, del depresivo, del eufórico…

---Mi poesía es tan heterogénea, ¿no?

Hay mutaciones…

Así es.

¿En qué mutación anda ahora, Juan Gonzalo?

---Ahora estoy inmutable…

No puedo creer que usted no conserve alguna esperanza…

---Solamente extraterrena. Aquí el mundo… no tengo ninguna esperanza. Quizá suene cursi, pero lo único que espero es la salvación de mi alma… Yo soy un cristiano convencido. Creo en la compasión de Dios…

No cree en la de los hombres, ¿verdad?

---No.

Me pregunto si usted sería tan triste si no hubiera conocido el exilio y la soledad. Es decir, me pregunto si su vida afectiva podría haber sido otra de no mediar algunas circunstancias…

---Indudablemente hay circunstancias que influyen mucho y aquella del exilio, es cierto, fue importante para mí. Pero yo creo, más bien, que en la semilla, que en el espíritu, está la derrota esperando. Las circunstancias trabajan una arcilla ya hecha, ya cuajada. En esa arcilla ya estaba escrita la derrota… Yo nací para ser derrotado. En mis encierros me he preguntado muchas veces por qué, pero la verdad es que no he podido nunca encontrar una respuesta…

Creo que usted debe haber escrito estas palabras durante uno de sus encierros voluntarios: estoy tan triste ahora que si alguien se acercase, me amaría…

-Sí, eso pertenece a Retorno a mi cuarto. Lo escribiría de nuevo…

domingo, 28 de junio de 2020

UNA CONVERSACIÓN CON JOSÉ CARLOS RAGGIO (PASTIZAL/LECHE PLUS/RAYO CÓSMICO) :. "Psicodelia es empatía con el cosmos no una tendencia"



La década antepasada vio un inusitado florecer de formaciones neo psicodélicas en Lima. Amparados en la obra de HIPNOASCENSIÓN, SPACEMEN 3 y BRIAN JONESTOWN MASSACRE, estos cadetes espaciales se movían principalmente en el distrito del Rímac. ¿Sus nombres? PASTIZAL, TRANSPARENTE, LECHE PLUS, RAYO CÓSMICO y SOUNDS OF SALOMON JEDIDIAS. Compartieron personnel y escenarios y tomaron la escena vía las "NOCHES DE PSICODELIA", acompañados de La Ira de Dios, Serpentina Satélite, Quema Tu Radio, Liquidarlo Celuloide, y diversos conciertos en points de la época v.g. La Casa Ida, De Grot... Sus discos permanecen incólumes como mares esperando ser descubierto por otrxs. 

José Carlos Raggio fue/es parte de esta escena. Guitarrista en PASTIZAL, compositor y miembro de LECHE PLUS y fundador de RAYO CÓSMICO. Ha bebido música desde la cuna y hoy continúa fiel a ella y a las sensaciones de la neo-psicodelia. Sus composiciones en sintonía con PRIMAL SCREAM, FLOWERED UP, HAPPY MONDAYS y THE CHARLATANS son una invitación a perder los sentidos y convertirte en tu versión más salvaje. Los dejo con el Rayo Cósmico.


Cuéntanos Jose Carlos, ¿cómo empezaste en esto de la música alternativa y neo psicodelia, qué músicos o bandas escuchabas o admirabas de adolescente, como empezó todo??

Mi vida es la música. Desde niño crecí con instrumentos en casa, en mi adolescencia toqué en varias bandas de rock clásico de los 70s, quería desarrollarme más en la guitarra y mejorar técnicamente. Ya después de tocar blues, funk y variados estilos, a los 23 años me encuentro con Renato Alvarado un amigo de la niñez, el me presenta a Luis Durand y me proponen tocar en Pastizal. Es con Pastizal cuando empiezo a sumergirme en la Psicodelia, ellos ya tenían sus temas, igual yo compuse varias armonías para el primer álbum INDIFERENTE. Una de las bandas que más admiraba era THE DOORS y THE ANIMALS. Pero en mis inicios y hasta ahora no dejo de escuchar mucha música no sólo la psicodelia. Pero con la música psicodélica encontré una técnica y expresión distinta al  cual me apasioné hasta hoy, hasta encontrar mi propia psicodelia.

¿Qué es de la vida de Renato Alvarado bass press? ¿Continúa creando? ¿Has seguido en contacto con los otros músicos de PASTIZAL?

Con Renato sí, hasta ahora somos amigos. Con Luis no, aunque a veces lo he visto y nos hemos saludado pero ya no tenemos una amistad. Renato hizo varias producciones después de Pastizal, creo que están en la red. Y Pepe el Baterista no lo veo años. 

¿Por qué "Indiferente"? ¿De qué trataban las líricas de Pastizal? ¿Qué drogas y discos usaban/escuchaban en esa época?

Cada uno de nosotros tenía su propio concepto del álbum, en mi caso es por como me sentía contra la nefasta realidad que vivía, y la indiferencia multicolor que sentía cuando estaba en un estado de conciencia distinta bajos los efectos del Cannabis, cocaína, alcohol, a veces todas a la vez. Lo único que probé sin mezclar fue el floripondio ( Tremendo viaje ).





¿El viaje con Floripondio lo combinaste con música o cómo fue?

Cuando uno tiene una experiencia psicodélica, al volver a la realidad ya no es el mismo, la perspectiva de la realidad ya es otra y eso influye en uno mismo, en su expresión, y de hecho salían melodías y mucha música como respuesta a lo vivido.

Hoy en día las experiencias psicodélicas, la ingesta de ayawaska y demás plantas sagradas están de moda entre la gente nice y hipster. ¿Qué opinas de este fenómeno?

Rechazo toda moda. Ya sabemos que el Ayahuasca es una planta "sagrada" al igual que el Floripondio y el san pedro, y participar en una sesión por moda no tiene ningún sentido espiritual, y ahora por el avance tecnológico muchos se están embruteciendo con el entretenimiento en la mano, por eso no me sorprende que utilicen la sesión de ayahuasca de un modo recreativo mas no transcendental.

¿Quién o quiénes estuvieron a cargo de las líricas de las canciones de Pastizal?

Todas las letras fueron escritas por Luis Durand y algunas ideas de Renato, mi aporte más fue en las estructuras, armonías y sólos de guitarra.

¿Volverías a reformar PASTIZAL? Es un disco que se mantiene alto luego de todos estos años y aunque la escena peruana es bastante mediocre de seguro que tiene reservado un sitial de honor.

Volver a formar una banda del pasado es volver con los mismos integrantes y trabajar duro en una producción, ya sea en vivo o una grabación en estudio, sinceramente ahora ya que nuestras vidas están encaminadas a otros planes cada uno en su rollo, es imposible volver a Pastizal. Me quedo con las mejores vivencias en su tiempo.

¿Y cuáles son las mejores vivencias? ¿Alguna que te animes a compartir?

Los días que andábamos juntos para todos lados, nuestros ensayos, las tocadas en vivo, gente nueva que conocíamos. Recuerdo que en una tocada en Quilca cuando estábamos tocando el tema: Pasta y Sónico un lunático del publico se desnudo y empezó a bailar entre la gente, todos, nosotros seguíamos tocando y la gente seguía disfrutando la música, estábamos "puestos".






Formaste Rayo Cósmico, una banda con la que llevas algunos discos publicados por el sello Dorog Records y con la que has llegado a tocar en Argentina. ¿Qué nos puedes contar de esta experiencia?

Sí. Hasta ahora es una experiencia muy positiva, me puedo dar la libertad de poder producir lo que me gusta y de variar en los estilos e influencias, desde la neo psicodelia hasta el rock, disco, pop, nueva ola y todo siempre con la química que tengo con Jhon Siberoni que es uno de los mejores bajistas del Perú y no por su técnica si no por su creatividad y actitud en el escenario.

Hablando de él, ¿qué es de Leche Plus?, alucinante proyecto aquél con su discaso en onda Alpha Stone meets Primal Scream x Superspace Records allá por el 2009.

Tremendo disco!,  Jhon y yo nos juntamos justo cuando ya me había salido de PASTIZAL, vivíamos juntos en su casa y ahí formé parte de LECHE PLUS, yo hice toda la pre producción junto con él, es un disco al que le tengo mucho amor porque pusimos muchísimas horas de nuestras vidas en plasmarlo, ya que en esos tiempos no había tanta facilidad de grabar como ahora, a Jhon y a mí siempre nos ha gustado ALPHA STONE, THE DARKSIDE, THE ZODIAC, JESSAMINE, TORTOISE.

Tocaron varios conciertos como Leche Plus, algunos en La Casa Ida del centro de Lima. Hartas drogas y placeres imagino. ¿Alguna anecdóta o flashback que compartir?

Sí tocamos con Leche Plus en varios lugares pero en la Casa Ida nunca he tocado, es más una vez fui a ver un evento y la verdad no soporté el entorno, mil veces prefería drogarme en la calle o en mi casa. 
No puedo negar que habían y hay hasta ahora proyectos muy buenos.

¿Cómo cuáles?

Muy al margen de los grupos que tocaban en la casa ida me gusta la música de HIPNOASCENCIÓN, ERTIUB, RESPLANDOR,  SERPENTINA SATELITE, TICA, SILVANIA, FRACTAL, SALOMON JEDIDIAS, VIAJEROS del CHINO HAMANN. Son proyectos muy auténticos y muy buenos. Pero como te comenté antes mis gustos son muy variados no me quedo en una tendencia o estilo. pero tampoco escucho música basura.

Justamente, creo q Leche Plus solía tocar en Casa Ida con Luis, Jhon y el man de Salomon Jedidias en la formación. ¿Sabes algo de él, seguirá haciendo música?

Salomón me llamó hace unos días y hablamos de música, y me contó que había tomado floripondio y terminó en el hospital, le dije: "Cuidado con eso son: LAS PLANTAS DE LAS BRUJAS".
Nos reímos un rato y luego acordamos para apoyarlo con una producción que tiene en mente. A él le fascina el EP LEYENDA 2050 DE RAYO CÓSMICO.

¿Cómo has estado sobrellevando estos días de caos y pandemia? ¿Qué planes para tu futuro musical?

Bueno estuve en Argentina y Bolivia trabajando y tuve que venirme a Lima.  Estoy viviendo en el Rimac y no me ha afectado tanto ya que estoy acostumbrado a estar en casa siempre grabando, ensayando o leyendo libros. Pero trabajando igual en casa. Eso no significa que sea pudiente y que la tenga todo fácil. Pero sí asqueado de toda mala información y de tanta corrupción en todas las instituciones.

¿Crees q hay alguna solución a todo ello o simplemente ya fue, a divertirse nomas? y si es posible agarrar tajada pues mejor aún.

Todos están siendo más dominados, la iglesia es el alcahuete del gobierno, en plena pandemia sigue habiendo corrupción, la única solución es interna, es individual, es un cambio de conciencia, pero desde el punto espiritual.

Finalmente, ¿qués es para ti o cuál es el significado que tú le das a la psicodelia?

Para mi Psicodelia es el estado alterado de la mente. Es la interacción medular, es un viaje sensorial que la mente conduce para escapar de la realidad física. Al tener varias experiencias psicodélicas pude darme cuenta de la esencia de mi ser, la trascendencia de las plantas, una visión distinta de empatía con el cosmos. Psicodelia es amor a la vida, a la tierra, a la música. Es una hipnosis sofisticada y metafísica. 
Psicodelia no es una tendencia.

Excelente JC. Gracias x concedernos la entrevista. Si deseas  agregar algo este sería el momento. Cool vibes desde el cono norte.

También gracias a ti Wilder. Bueno Nada solo decirles a los amantes del rock aqui en Perú que por favor dejen esa actitud estúpida de seguir a bandas que hacen música enlatada con letras cojudas y trilladas. De lo contrario será el fin del rock y de la música en este país.


sábado, 27 de junio de 2020

H R 3 0 0 1



MANIPULACIÓN GENÉTICA: programas extraños se sobreponen a la herencia física y a la herencia divina. Si se lleva adelante la concepción científica de poder cambiar el mundo con ayuda de la manipulación genética a través del material genético de los hombres, de los animales y de las plantas,  esto tendrá como consecuencia que con el tiempo aparecerán otras especies de hombres, animales y plantas. Los reinos de la naturaleza, al que pertenece también la humanidad, cada cuerpo humano, tiene un orden justo en la naturaleza, salvo que este sea manipulado. La obra de la manipulación es la de construir un hombre manejable, que no conozca más el libre albedrío y x tanto no lo posea  más, ya que está dirigido y no tiene más ningún acceso a su mundo de sentimientos. Al final, lo que resulte de ello, será un homúnculo que se asemeja a un robot que no tiene sentimientos ni autoridad, es decir que no tiene conciencia, sino que sólo es un instrumento y estación de paso de las fuerzas contrarias a lo divino. Algunos cientifícos desean crear hombres modificados genéticamente que correspondan a su voluntad, a saber, que piensen y actúen como lo prescriben los potentados y sus monopolios de poder. Más no llegarán a su cometido su tiempo de experimentar se les acabó. Inmensos ciclos de luz existen entre el hombre en formación y el hombre ya constituido🎇 Emisiones semanales, tal cual en los 5 continentes y, de Vida Universal desde Alemania, con programas explícitos para tu evolución espiritual en Perú x: 1360 y 760 AM cada sábado a las 10:00 de la mañana y ademas puedes conectarte on line: www.radiobienestar.pe 🎇


XELESTA
SAGA DE VOCES FEMENINAS 




Probablemente, en décadas pasadas no nos hubiéramos imaginado jamás, que en pleno 2020 estaríamos escuchando nu kraut-rock con estela lumínica de lo que en su época instauró CAN, aunque con el píxel de una vocalista femenina. Ello se ha dado y lo ha logrado: DERADOORIAN, nacida en Orangeville como Angel Deradoorian y explícitamente en Los Ángeles/ California. Ex integrante de DIRTY PROJECTORS, combo coral que ha contado con algunas participaciones de BJÖRK en performances en vivo. Ella reafirma una carrera solista y hacia 2009 ya había sincronizado Mind Raft EP, la placa debut Expanding Flower Planet surge en 2015 y en 2017 Eternal Recurrente EP. Para el 18 de setiembre de este año, estará disponible su segundo álbum Find The Sun. Este opus incluye una gran estela de temas como Corsican Shores, que es el actual single que ella promociona🎇






Otras cápsulas sónicas extravehiculares en este áureo disco, han estado girando y debido a que inicialmente, el esférico iba a estar disponible el 22 de mayo, la plandemia le obstruyó las ansias. Entre estos: Saturnine Nights, Monk's Robes y también It Was Me, con clip animado respectivo. La lírica de Corsican Shores enmarca a una mujer tratando de encontrarse a sí misma y x primera vez. La disyuntiva a alta voz, es si se decide a tener una relación o se mantiene en un estado más confortable disfrutando de su libre independencia. La mayoría de sus temas están enfocados en encontrarse uno mismo, exponenciarse y evolucionar brillantemente irradiando hacia los demás 🎇





Su satélite Saturnine Nights, una oda de 7:19 minutos, destila esquirlas vocales cercanas a Anja Huwe (X-MAL DEUTSCHLAND). DERADOORIAN es multi-instrumentista, actriz y astróloga vedica. Asume haberse inspirado en la libertad del estilo de cantar de Damo Suzuki (CAN), pero también del misticismo de las espiritualizadas vocalizaciones de las cantantes hindúes, como de los masters del jazz: PHAROAH SANDERS y SUN RA, de los sonidos chamánicos e instrumentos orgánicos como campanas, flautas, gongs... definiendo que todo ello está al servicio de su disco y guiado desde un punto de vista espiritual. El álbum ha contado además con la participación del percusionista Samer Ghadry como de Dave Carrington. Desde ya entre los álbumes destacados del año dentro de su rubro y universo transónico: Referencia*3001🎇






Ubicados ahora, en la esfera sede del combo VINYL WILLIAMS en Los Angeles, bajo el comando de Lionel Williams, nieto del compositor de música para películas: JOHN WILLIAMS. La celebridad no es siempre sinónimo de éxito popular. Tras una gran saga de brillantes álbumes, el reciente titula: Azure, y viene empacado dentro del denominado hipnagogic pop que en resumen, es un acoplamiento de pop y psyche, que evoca la memoria cultural y la nostalgia x el entretenimiento vintage de años idos. Aunque sabido es que la música de VW desafía cualquier fácil categorización. Lionel y su grupo se concentran también dentro del blissed--out-pop, chillwave, y a los soundscapes del ambient y hasta kraut-rock y lo-fi🎇





Lo de VINYL WILLIAMS es un viaje caleidoscópico ideado x su celestial explorer que es Lionel. Temas como Machu Picchu y LA Egypt están enmarcados x reverb-drowned-guitars y acoplada vocalización. Siendo este título un homenaje al músico brasileño Arthur Verocal. Azure es un álbum que no tiene pierde y puede engalanar e iluminar tus prolongadas tardes en acomedida libertad y destacan también: Zum, Mithras, Never Tell The World... con ellos, el universo se expande en sus elipses concéntricas y en sublime perfección. El alma de Lionel alguna vez ha vivido en Brasil y quizá también en Peru🎇







El acto ruso PARKS, SQUARES AND ALLEYS, con Sergey Khavro al frente, caminando este x Moscú, conoció a un tipo que le prometió grabar su música y cumplió. Precisameante uno de esos temas es: Apyr/Amigo en donde participa además Andrei Romanov del grupo CAMMET KOMA. Trata el tema sobre los conflictos que algunas veces causan los amigos y es cuando la amistad, se rompe. Formado en 2010, este acto tiene ya álbumes a considerar🎇. Phil Danyew es la fuerza motora de ELEPHANT CASTLE. Proviene de Oceanside/California, compone y graba música desde los 12 años de edad, usando las grabadoras de su padre. Creció escuchando oldies de los años 50's y 60's. Influenciado x teclados vintage y vocalización en capas sobre capas, siendo aficionado además a los sonidos dreamy de saturación de cintas y onda análoga. Se inició como miembro integrante en las giras de FOSTER THE PEOPLE, dejando todo ello para iniciar su propia carrera. Esta parte desde 2019 y él despliega ya temas sueltos como: Cool To Be Unhappy, Warm Welcome , I' m A Loser entre otras. Life In Outer Space, su single en circulación, % contiene lírica que tiene mucho que ver con la sensibilidad del tiempo que ha estado pasando la humanidad de este planeta. Un amor cósmico que se inicia en un parque y termina en el espacio exterior. De seguro, que a futuro, se publicarán libros con líricas compuestas durante todo este tiempo de confinamiento como que se intensificaran opiniones, sobre la inusual austeridad en la producción de los respectivos clips, de este termitente 2020🎇








DABDA agradece a este blog x la entrevista y review a su espléndido álbum But, All The Shining Things Are. Awesome! ha sido su comentario a ello y es la misma palabra que ha citado: FOR TRACY HYDE, cuando agradeció x la entrevista/review a su álbum igual de espléndido: New Young City, respectivamente. Ambas bandas han iluminado con su música estos tiempos del planeta. Otros actos celebran la cantidad de info que se despliega, mientras es un encanto para mí, saber de las nuevas y buenas bandas que emergen en los 5 continentes  🎇. Siempre provocó un ocaso, cuando culturas de la antigüedad se permitieron arrogancias semejantes en cuanto a la manipulación genética🎇. STOP! 



¡FLASH DE PRÓXIMO MINUTO!

El acto local THEREMYN_4 lanza " "Carmín Ciclón 2020", una re-versión del track del  disco "Fluorescente verde en el patio”, 1er. disco del grupo.

“Carmín Ciclón 2020” es un avance previo al lanzamiento del disco de aniversario por los 20 años del disco debut de Theremyn_4  “Fluorescente verde en el patio”. Este disco de aniversario, que será 
doble, contiene en el primer volumen un remaster de la placa y en el  segundo volumen nuevas versiones, rarezas y otras en vivo de la  época.

El track “Carmín Ciclón 2020” viene acompañado de una reinterpretación del video original filmado en el 2001 y que fue transmitido por MTV Latino y hecha x el videasta Oscar Villavicencio.

“Carmín Ciclón” fue el primer single y el primer video que Theremyn_4 lanzó a inicios de los 2000s. Esta nueva version mantiene el espíritu meditativo y emocional del original con una sonoridad 
actualizada e  inspirada desde siempre x el panorama desértico y enigmático de las costas de Paracas en Perú.





“Carmín Ciclón 2020” en YouTube: https://youtu.be/5qcbFb_bna4
“Carmín Ciclón 2020” en Spotify: https://spoti.fi/2BF7WU2

viernes, 26 de junio de 2020

Sacral Grooves publica trance africano "Mutende Mizimu"/"Me inclino ante los espíritus"



Baile de sanación demencial hipnodroner, Vizumba, desde el Norte de Malawi (África). Producido por la gente de 1000 Hz.


Dr. Kanuska, como muchos sacerdotes / médicos de vimbuza, ayuda a las personas que sufren por la posesión, se ven afectadas por la brujería o simplemente no tienen acceso a la medicina moderna. Los sacerdotes de Vimbuza (asinganga) diagnostican y sanan en un baile durante el cual se comunican con antepasados fallecidos.

Musicalmente, vimbuza es un ritmo extremadamente rápido y de múltiples capas. Se arreglan tres tambores, dos de los cuales tocan trance, partes repetitivas, mientras que el tercero realiza improvisaciones rítmicas densas. En el Grupo Kanuska, el primer tambor se cambia entre su hijo Thomas Mnthali, el sobrino Maclean Nyasulu o los estudiantes: Maphiri y Raphael Banda, quienes también están poseídos por vimbuza.

Las grabaciones para el álbum se realizaron durante varias ceremonias nocturnas en 2019. El productor tenía poco control sobre la actuación, que definitivamente tenía un papel ceremonial. La composición del álbum recrea el flujo acortado de la ceremonia, desde las primeras oraciones y bailes (pistas 1. y 2.), hasta el clímax (10-12) hasta la tranquilidad final (14). Al mismo tiempo, el álbum es una invitación a imaginar la forma de una actuación musical completamente diferente a cualquier concierto moderno, pero aún más interesante.





Una joya invaluable entre tanta mierda posmodernilla de la manada. Ve por tu música proto espiritual hacia un zeitgeist que aún grita y sacude nuestros cuerpos para recordarnos que finalmente somos polvo de estrellas y también la comida de los gusanos. Free your soul!!!

miércoles, 24 de junio de 2020

Compilado Superspace # 101 en el día del campesino y 10 discos que influenciaron al sello nor-limeño



Aviso a todos los otros niños arruinados de este mundo:
Hoy fue el día del campesino/Inti Raymi y lancé el compilado conmemorando 100 discos publicados en Superspace Records. El 101 compi titula: "When the music is hotter than girls I am the kosmos".
Está filete con varios proyectos peruanos, incluso Cocó Silvania como ANTÁRTIKA con su re-versión en clave minimal de Pale Blue Eyes de la Velvet, y actos de otras latitudes que han dejado su semilla en la escudería súper espacial.
¡Vivir solo para la música no estuvo nada mal!






Aprovechamos este acontecimiento súper spacey para enlistar algunos de los discos que han influenciado al sello y mi particular cosmovisión. Cortesía de la invitación a jugar que me hiciera mi cumpa Wix. ¡Provecho!




#1_Al Wilder de 10-11 años le rompió el oído estas melodías y atmósferas. Fue mi portal -y el de miles- hacia la música independiente y el sonido como arte. De ley Robert Smith fue mi primer maestro (metamusical). Alguna vez sacamos un cover de Cure incluso con Katarsis/Hipnoascensión, lo hacían por darme por mi lado lo sé... cuando les dije para sacar otro cover pero de Xymox, en one me cancelaron: "no pasa nada nosotros somos psicodélicos".
Recuerdo que en el Salesiano Aldo tenía un broder de su cuadra que cantaba igualito a Robert Smith. Qué hermosas épocas. Cuando me conseguí el Disintegration cortesía de Paolo Goya en 4to de media, fue ya otro level o mejor dicho otras honduras. Cómo olvidar tmb al hermano del vocalista de Azules Moros, quien me ayudó a completar mi colección de Cure incluso con el disco láser del Orange... pfffffff....
((((((((((Larga vida a la Cura por siempre escucharán)))))))))







#2_Tenía ya 18 años cuando me pedí esta colección de singles de Spacemen 3. Un grupo súper difícil de hallar en Lima x esos años. La gente "enterada" andaba embobada (y hasta alienada) con MBV, Slowdive, Ride y todo el shoegaze + 4AD que el espacio para la neo-psicodelia blues de Rugby era cero. En la Colmena x ej cayeron las primeras copias de The Darkside, Spiritualized y Spectrum en 1992 antes que en las tiendas de Los Pinos o Benavides.
Ante dicho panorama no me quedaba más q ponerme las pilas y juntar para conseguir el Spacemen are go! y este Translucent Flashbacks. Desde el título uno podía sentir que era otra onda. Lo escuchábamos en mi pieza tirados en el suelo a alto volumen , en lateos x las zonas industriales del cono norte y al ir a buscar a los compinches. Ese sonido guitarrorista ácido drone nos marcó.
Ecstasy Symphony, sin palabras, la primera pieza de metamúsica que escuché. My Bloody Valentine sonaba a añejo rock and roll a su lado. Una seducción nada sutil para seguir todo lo prohibido por los biempensantes. Mi camino hacia E.A.R. y el post-rock estaba ya trazado.
Transparent Radiation, Feel So Good, enervantes y deliciosas. Soul 1 y That's Just Fine: verdes atardeceres flotando en hamacas mentales.
La escena avantgarde peruana de los 90 le debe mucho a Spacemen 3. Varios conocimos el cielo en la tierra y nada volvió a ser igual.




#3_En 1994 estábamos todos zambullidos en el shoegaze, el "Souvlaki" fluía en nuestros corazones y sin saberlo asistíamos a un nuevo amanecer. Algunos mutaban su discurso hacia sonidos electrónicos. Lo hicieron Chapterhouse, Swallow y los mismos Slowdive. Fue en ese momento que debo haber leído con inusitada frecuencia la palabra "ambient" asociada a una corriente que hacía furor entre los más inquietos. Ya había escuchado Seefeel y Spectrum así que alguna idea tenía.
Al ir a la casa de los hermanos Llanos a realizar un pedido quise arriesgarme e ir por un compilado ambiental del catálogo que manejaban. Entre los varios que vi me decidí por el de un sello llamado Astralwerks: Excursions in Ambience: el capítulo 3 que acababa de salir y se listaba como novedad. No sabía lo que me esperaba. Pasaron los días/semanas hasta que por fin el pedido llegó. No sé qué habrán pensado los otros clientes indies que iban a su casa, devotos de Felt, Echo & The Bunnymen o MBV al ver la música que me llegaba.
Ese casette destruyó mi cuerpo y alma. Lo escuchaba boca abajo cubierto la cabeza de almohadas. El cuerpo en la tierra pero el espíritu lejos en campos de agua y éter, estrellas y colores. Poderosa sinestesia adolescente. Qué pueril me pareció todo después. Por esos días justo terminé con mi enamorada dark wave. Existiendo algo tan magnífico y puro no iba a perder un puto segundo de mi existencia en cojudeces. Pienso igual hasta hoy. Muerte al ego de mxxrda.
SPACETIME CONTINUUM con "Floatilla" te capturaba desde el primer remezón y te abría las puertas del paraíso para las subsecuentes apariciones de Pete Namlook como AIR, SEEFEEL con una versión alterna de "Charlotte's Mouth", Bill Laswell como DIVINATION y FSOL con su volcánico "Deep into your subconscious I slide". Excursions in Ambience 3 también incluía a SPECTRUM y fue la primera vez que escuché al locaso de RICHARD D JAMES y vaya qué me cagó el alma, que no solo el cerebro.
Qué fuerte fue esto. ¿Cambia la vida? Si eres un chibolo sediento de música seguramente sí, si eres un webón más en construcción de tu way-of-life de seguro que no.
El Excursions in Ambience a los 17 años fue lo mejor que me pasó en millones de años. Presenciar lo hyperreal florecer más allá de la mediocridad humanoide. "MUSIC TO LIVE BY".





#4_Pedro un ex subte de Lince, ya ido, llegó una tarde a la tienda de Lenti en Los Pinos con el "Miel Nube Hiel" bajo el brazo. Nos explicó que se trataba de un grupo peruano en onda shoegazer: My Bloody Valentine, Slowdive, Chapterhouse. Paré la antena en one y le saqué el fono para hacerme con una copia del "En cielo de océano", que el man tenía grabado en cinta.
Escuchamos el EP y efectivamente era full shoegaze ethereal noise. La gente de la escena se emocionó ricko y todos alucinábamos con la dedicatoria a Támira en el vinilo y luego incluso a Daniel F y Kilowatt en el CD. Cuando llegó el "Paisaje III" el chato Juan -de la Facultad- en un momento de rotunda lucidez clamó: "Silvania hace siempre lo que hace Slowdive pero mejor". Sí, ya habíamos gozado del "5EP" y parecía curioso que la dupla nacional tomara la misma ruta hacia el tekno ambiental.
Las semanas pasaban y a Lima siempre llegaban revistas españolas como Spiral, Factory y RockdeLux donde le rendían pleitesía a Silvania. Nunca olvidaré esa etiqueta que tan bien los describía: ELITISMO CARIÑOSO.
No recuerdo cómo o cuándo fue la primera vez que escuchamos el "Delay Tambor" simplemente un día ya varios lo teníamos y nos lo pasábamos entre nosotros. Para mí es la cumbre de Silvania si bien es principalmente un disco de remixes con 3 temas nuevos, Eesal, Bengala y Archeopteryx, que abren un nuevo mundo para la música peruana. Nadie había hecho algo así acá antes. Claro no estaban en Perú sino en Europa. Pero casi es lo mismo con los peruanos de los sesenta experimentales alumnos de los alumnos de Cage y Stockhausen.
El que proyectos que en ese momento eran el non plus ultra de la avanzada mundial pusieran manos a la obra en los sonidos de dos peruanos, eso es algo que marca una época y adelante. Todo puede ser ahora. Algo así como si Iannis Xenakis hubiera hecho un disco con César Bolaños o Popol Vuh con Manongo Mujica.
Y nótese que no hablamos de sonidos refritos o pasteurizados x la cultura glocal: v.g. cumbia dub, chicha hipster, etc. No, esto es avanzada sónica experimental. La nueva atlántida. No una re-interpretación del folklore digitada por las think tanks del neo liberalismo.
Locust y su remix de "Oval" en plan pista de baile en Saturno aprovecha la voz de Cocó Revilla para insuflar las estrellas de poesía acuática. Mick Harris aka Scorn destruye "Raymi I" y nos lleva a a escalar las más abruptas cordilleras industribales. Autechre se lucen con su remezcla para "Un bosque en la memoria", ninguneada por las mentes shoegazers de la época. Santa simplicidad para con el braindance a la vena. La re-versión de Trilce x Seefeel resulta tan extraña y única como si Vallejo redactara una reseña del Succour para Amauta. Sub bajos dub, IDM y melodías diagonales.
"Delay Tambor" sigue siendo un disco nuevo y fresco aún hoy 2020. No podía ser de otra forma pues vivimos en tiempos de retromanía y adoración de lo impostado y refritero. Es un documento imperdible que nos recuerda cuando los peruanos conquistamos el súperespacio.
Mi favorita x siempre: EESAL.





#5_Cuando audicioné el Further de FLYING SAUCER ATTACK aún no tenía ni 20 años. Como varios ya había escuchado Slowdive, My Bloody Valentine y toda la onda shoegazer de la época. En una me capturaron sus ambientes esotéricos y bucólicos, su sentimiento místico.
Helene Ramos me había grabado el primer álbum, del 93, bastante ácido, espacial y sucio pero este Further me llegó primero a mi gracias a un tape trade con un compadre de Brasil. ¡Brincando de Deus! Se lo hice escuchar a Fernando de Avalonia y ambos lo amamos. La presencia de la viola acústica y el vuelo prescindiendo de baterísta y bajo nos caía mejor que pedido. Cf. Avalonia EP (1996)
El discurso de psicodelia rural que exhalaba Dave Pearce generó natural empatía en mí. El hecho que, luego nos enteramos, solo usaran 2 delays + un distorsionador en contraposición a los cuchumil efectos con los que se atiborraban los shoegazers nos parecía formidable. Eran de los nuestros. Romanticismo, saturación y capas y capas y más capas... Todo en 4 canales: "home taping is reinventing music". Los lugares a los que me llevó, los océanos en los que me perdí, la inigualable belleza que me mostró. Anidaron en mi.
Further, una tormenta sublime que vino y cerró mis ojos... (por algún tiempo).





#6_El tercer álbum de Richard D James como Aphex Twin fue el primero que audicioné completo y en tiempo real. En mi ingenuidad jamás pensé que aquel rostro en la portada todo deformado y satírico sería el del mismo autor regocijándose de su propio influjo planetario. En 1995 el grunge y brit pop dominaban la escena alterna seguidos de lejos por el trip hop bristoliano. En Lima Fujimori alias Chinochet empezaba su segundo mandato y pasarían unos años más para que las raves llegaran. Por esos años algunos colegas de la Facultad me pedían info sobre qué discos mandarse traer. Y así aterrizó el "I Care Because You Do" a la escena shoegazer de ese entonces como un virus que lo corroe todo y todo lo que toca jamás vuelve a ser igual. La música electrónica aún era rechazada por el grueso de melómanos y calificada de insubstancial y facilista por los rockerillos de siempre. I care because you do influenció a todos los que lo escucharon. Músicos y melómanos. Cambió perspectivas, quebró reglas y, por sobre todo, moldeó nuestras mentes y temperamentos juveniles.
Cuando llevé el CD a mi compadre new waver Julio "Caradebuke" (de Galerías), para que lo volcara a cinta de metal, me espetó sonriendo: "Oye, ¿qué es esa marxianada tío?". Le había fascinado. Kraftwerk y todo el synthpop eran pre-historia ya. Auténtico IDM de avanzada hijo de una época en la que todo parecía llevarse a unos extremos del que nunca volveríamos, donde la electrónica descifraría el futuro y los sonidos serían una religión. Fundación y ocaso de la música clásica por venir. Y así la chirriante "Ventolin" resuena profundo en Lekta de Fractal (1998) y las percusiones intelligent mesmerizantes en Evamuss. Contemporáneos como Kollantes, Terumo, Rapapay y toda la cofradía Cretásico empiezan acá. Sin saberlo estuvimos todos conectados. Y vaya gracias a quién (o qué).
AFX decaería en inventiva y en este siglo nos ha concedido solo ráfagas de lo que antes daba a mares. Esculpir sensaciones transhumanas como Acrid Avid Jam Shred, Start As You Mean To Go On o la post sinfónica Alberto Balsalm no es cosa de todos los días. Habría que estar muy kemado para ello e, igualmente, para dártelo tan seguido.
Sea como fuere me siento más que agradecido por haberme encontrado a Aphex Twin y la onda post rocker experimental al inicio de todo que con hipsters de la marca Björk, Sonic Youth, u, obvio, Nine Inch Nails. Me importa y mucho.





#7_Creo que mi rendición a los sonidos etéreos, poéticos y demasiado hermosos tipo Enya, Swallow e incluso Anything Box son parte de mi repulsa hacia la música facha, oscurona y siniestra de gente tipo Christian Death, Swans, Death in June y tantos otros malotes de la escena alterna. Sabes bien kienes son... los que admiran asesinos y machirulos tipo Charles Manson y tildan de policías de la moral a los que pasamos de esa bosta.
Enya escuchábamos algunos en el Salesiano y fue ahí donde un compañero de clase me jugó el casette yankee de Watermark. A los 13, 14 años de ley que me impresionó como pocas cosas a esa edad. Sí, por mucho tiempo he sido bastante naif y hasta los 20 o 30 años he parecido tener 10 años menos. Vivir en mi mundo.
Escuchar las suites al piano sin percusión ni bajo de este documento ochentero fue la preparación/escuela ideal para años después entrar sin problemas al mundo de Brian Eno, Harold Budd, This Mortal Coil o E.A.R.
Para algunos Enya es el epítome de la huachafada new age por sus giros vocales y ambientes beatíficos. Un discurso que, bien se ve, les parece risible. Prefiero millón de veces solo oír en la vida el canto de Enya Patricia Brennan que las impostaciones de Björk o de tanta imitadora suya por todos lados. Y ni qué decir del resto de la música que se cocina en la escena.
En un Perú saturado de terrorismo ochentero, corrupción transnacional y de pura putrefacción la música de Enya -Watermark, The Celts, Shepherd Moons- fue la lluvia que predijo Crisálida Sónica imho.
"Sin música algunos de nosotros moriríamos" (Butes).




#8_Hacia inicios de los 90, 1993, 1994 empecé a coleccionar mis primeros cds y tapes de música avantgarde, postrock y psicodelia. Mi adolescencia la pasé feliz rodeado de joyas como el "Sound of Confusion" de Spacemen 3, el "High, lows and heavenly blows" de Spectrum, el "Selected Ambient Works II" de Aphex Twin, el "Iron Lung EP" de Pram et al. Una de esas bandas que me abrió la mente y de las primeras que amé, allá por el 94/95, fue SPACETIME CONTINUUM, el proyecto de Jonah Sharp proveniente de la escudería Astralwerks. Había quedado prendado de su música cuando le oí por primera vez en el Excursions in Ambience 3 y decidí arriesgarme y pedirme el tape álbum completo por catálogo. Lo llegué a pedir 2 veces pues de tanto usar/escuchar la cinta terminó rompiéndose en mi toca casettes. JA!
Fui, una vez más vaya vaya, el primero en Perú -y quizás en la región- en escuchar este proyecto ya que ni en las tiendas de Los Pinos sabían de él mucho menos en Galerías Brasil o Galerías Benavides. Lo de Spacetime era electrónica harto novedosa para mis sentidos de 17 años. Ambient re psicotrópico devoto de artistas como Tangerine Dream o Popol Vuh pero debido al arsenal de máquinas que empleaba Mr. Sharp su sonido estaba a años luz de aquellos entes setenteros. No tenía atisbo tampoco de sonoridades acústicas ni tribales como Popol Vuh o alguna New Age ala Kitaro, Vangelis. Esto era droga para tu cerebro. Los títulos de los tracks de Spacetime eran bastante sugerentes: "Voice of the Earth", "A low frequency inversion field", "Floatilla". El nombre del álbum, "Bizcocho marino", incrementaba el halo enigmático alrededor de este proyecto. Inmediatamente se lo pasé a todos los colegas y amigos de la época y bueno... el resto es historia. Fue un sacudón baste decir.
Cuántas caminatas, paseos en bus por la ciudad, perdidas en Ancón de verano/invierno aferrados al sonido de Spacetime Continuum. Por esto sin duda valió la pena ofrendar la vida. En estas temporadas en que la música está al alcance de todos sin pagar casi nada espero que tremenda gema encuentre nuevos jóvenes a la altura de su utopía/enajenación/inocencia. ¡"Arrogancia" mis pelotas!







#9+10_SILVER APPLES y SUICIDE serán x siempre la prueba de que se paga caro el estar demasiado avanzado para tus contemporáneos. No importa si estás instalado en New York (USA) o Lima. La marranada marketera siempre se encargará de alguna forma u otra de robarse todo el rédito.
Ejemplos sobran. Portishead, Soft Cell, Sisters of Mercy, Spiritualized...
Se atrevieron a dejar mal parado al rock. A hacer/crear-el post-rock cuando sus pares todavía iban embobados por las melenas y la pose machirula rockista. Osaron dejar de lado la técnica del progresivo que aún enamora a miles, ¿qué es sino el math-rock?, y prefirieron el camino hacia el minimalismo. Peor aún renegaron de las guitarras y eso les valió ser vilipendiados y perseguidos x navajas y hasta machetes en sus conciertos. 23 minutos sobre Bruselas!!
Cósmicos, hermosos y ácidos y por sobre todo creadores de himnos que si bien no serán nombrados cuando se hable de su generación, son documentos destinados a las almas marcadas a fuego x el desprecio de y a la masa normalita desde siempre.
¿Nadie sabie para quien trabaja? Ja, ja. El futuro es de uds. reyes del pop hiperreal. Lo sé desde hace mucho....

domingo, 21 de junio de 2020

MUSIC TO LIVE BY .: APPLESCAL regresa con nuevo opus, "Diamond Skies"



El sexto álbum de APPLESCAL es un trip para los orejas más lujuriosas del globo. 


Pascal Terstappen también conocido como Applescal ha lanzado su nuevo álbum de artista, "Diamond Skies" en Atomnation. El nueve-tracker es una colección de house melódico instrumental, producido por expertos, con paisajes sonoros exuberantes y ambientales y un guiño a los sonidos analógicos de los 90. El álbum ha recibido un gran apoyo de los nombres clave de la comunidad de música electrónica underground y es el sexto álbum de estudio de Applescal hasta la fecha.

"Diamond Skies" ejemplifica el sonido vibrante del sello Atomnation, un álbum exuberante y colorido que viaja a través de la melodía, el ambiente y la emoción al tiempo que ofrece una sorpresa ocasional a los sentidos. El álbum fue escrito y producido hasta 2019 y se completó en los primeros días de marzo de 2020 cuando se avecinaban cielos oscuros.

La variedad de melodías, paisajes sonoros y emoción claramente deja suficiente espacio en el mundo de los sueños de la música de Applescal. El álbum suena libre y trae de vuelta un cierto misterio a la música de baile, que en el mundo de hoy a veces puede parecer gris y diseñado para su utilidad en salas grandes. Applescal muestra todo lo contrario en Diamond Skies y ejemplifica el sonido vibrante e introspectivo de Atomnation.



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