Puestos a consideración los trabajos de post rock nacional, no deja de ser un tanto inexplicable que las principales influencias revisitadas sean mayoritariamente inglesas. No es que tenga algo en contra de Moonshake, Disco Inferno o Pram -todos grupazos. Pero, ¿y Slint? ¿Y Labradford? ¿En qué parte del escalafón de nuestros créditos figuran Main o Gastr Del Sol? Misterio sin resolver hasta ahora. Porque lo de Pez Plátano, si cabe, es una excepción que confirma la regla –no obstante su epónimo debut, descontando algunos experimentos aislados, prácticamente apertura una tradición local ansiosa de cultivarse en los principales logros de la escuela post americana. El tótem que entroniza el proyecto instrumental de Kike Fuentes es el de mayor renombre “mediático” dentro del género: Tortoise. Pero no es la única cita. Aunque, de hecho, su desempeño trata de sortear por todos los medios el encasillamiento consustancial a la etiqueta post, queda claro que no puede prescindir de la bomba que irriga sendas mitades en Pez Plátano: John Mc Entire. Lo decimos porque el otro 50% cualitativo del disco palpita al son del indie surreal y vaporoso de The Sea And Cake (donde también participa Mc Entire). Más preciso, quizás, sea ubicar este espécimen entre los dos extremos –nada que ver con Trans Am, por favor-. La técnica improvisacional del jazz, la introvertida ambientación de un mundo mecido al ritmo de los vientos vivificantes de una postmodernidad sin fronteras, el metodismo polaroid en la construcción de las sosegadas viñetas. PP navega en una acuosa ionosfera jazzera al glasé (“Yamirha” -quijada de burro incluida-, “Maga Luna”): ése es su hábitat natural, si bien no se priva de nadar en otras aguas. Puede teñirse de folk (“Tull”), o desbocarse sutilmente hacia el caos (“Cuko Tripi”). Puede sonar kitsch cuando coincide en la síncopa juguetona y los nerviosos desvaríos del teclado (“Como Las Tres X ’ ’ ç No?¿...”), o bien progre cuando la guitarra asume un rol estelar (“Burbuja Cyan”, “Yhira-Afa”). Lo primordial, empero, es la recontextualización de las colisiones armónicas del free jazz para su faceta post, inspiración ratificada hasta por el track semi-oculto en plan de joda. Algo que ya se evidenciaba en su primer tema publicado, “Paya-Ciklo” (cedido al Entresemana, el compilado que acompañaba nuestra edición de diciembre pasado). Notoriamente, a Pez Plátano le queda un largo trecho que recorrer si su meta es parangonarse al genio estadounidense. Quien mucho abarca, poco aprieta: todavía no suena macizo, faltando una mayor cohesión entre las distintas instrumentaciones que componen el álbum, pero los planteamientos permiten vislumbrar que anda por el camino correcto. Será cosa de constancia y perfeccionamiento de su inventiva el que nos depare mayores sorpresas en el futuro. (CONTACTOS: pezplatano@amarengo.com) Hákim de Merv
Este enunciado resume lo esencial: en el mundo de la técnica, es decir, hoy en día en el mundo entero, dado que la técnica se ha convertido en un fenómeno planetario sin límites, ya no se trata de dominar a la naturaleza o a las sociedades para ser más libres y más felices, sino del dominio por el dominio mismo. ¿Para qué? Para nada, o, mejor dicho, porque es sencillamente imposible hacer otra cosa cuando la naturaleza de las sociedades está ligada a la competencia, debido a la obligación absoluta de «progresar o morir». Ahora podrás entender por qué Heidegger denomina «mundo de la técnica» al universo que habitamos hoy. Lo único que, tienes que hacer es pensar, por un instante, en el significado que ha adoptado la palabra técnica en el lenguaje corriente. Por lo general suele designar el conjunto de medios del que hay que disponer para alcanzar un objetivo determinado. Este es el sentido que damos a la palabra cuando decimos de un pintor o de un pianista que posee una «técnica sólida», queriendo expresar que domina su arte y que puede pintar o tocar aquello que desee. En primer lugar y ante todo, debes ser consciente de que la técnica se refiere a los medios y no a los fines. Me refiero a que se trata de un tipo de instrumento que se puede poner al servicio de objetivos diversos, pero que no se elige por sí mismo. La técnica sirve básicamente para que un pianista toque igual de bien música clásica que jazz, música antigua o moderna, pero la cuestión de qué obras elegirá interpretar no tiene nada que ver con su competencia técnica. Esto es lo que calificamos como «racionalidad instrumental», precisamente porque nos dice cómo alcanzar mejor un objetivo, pero ese objetivo nunca lo fija por sí misma. Se mueve siempre en el ámbito del «si... entonces»: «si tú quieres eso, tendrás que hacer esto otro», nos dice. Jamás determina por sí misma qué es lo que se debe elegir como fin. Un buen médico, entendido como un buen técnico de la medicina, puede tanto matar a su paciente como curarle, incluso puede que más fácilmente lo primero que lo segundo. Pero el que decida curar o asesinar es algo totalmente indiferente a la lógica técnica en sí. Del mismo modo, el universo de la competencia globalizada es, en sentido amplio, un universo «técnico», pues en su seno el progreso científico ha dejado de complementarse con fines exteriores y superiores a él mismo para acabar convirtiéndose en una especie de fin en sí —como si el incremento de los medios, del poder o del nivel de dominio de los hombres sobre el universo se hubiera convertido en su objetivo esencial—. Esta es exactamente la «tecnificación del mundo» que surge, según Heidegger, en la historia del pensamiento tras la formulación de esa doctrina nietzscheana de la voluntad de poder que deconstruye y llega incluso a destruir todos los ídolos, todo ideal superior. En la realidad (ya no sólo en el ámbito de la historia de las ideas) la mutación culmina con el surgimiento de un mundo en el que el «progreso» (ahora se imponen las comillas) se ha convertido en un proceso automático y desprovisto de finalidad alguna, una especie de mecánica autosuficiente en cuyo seno los seres humanos están totalmente desposeídos. Y es precisamente esta desaparición de los fines en beneficio de la lógica de los medios la que constituye la victoria de la técnica como tal. Esta es la diferencia última que nos separa de la Ilustración, que enfrenta el mundo contemporáneo con el universo de los modernos: ya nadie puede tener la convicción razonable de que estas bulliciosas y desordenadas evoluciones, estos movimientos incesantes que no descansan sobre ningún tipo de proyecto común, nos conduzcan infaliblemente hacia algo mejor. Los ecologistas lo dudan mucho, los críticos de la globalización también, pero asimismo los republicanos y los liberales que, aunque se supone que van contracorriente, miran con nostalgia hacia un pasado aún reciente, pero que al parecer ha quedado irremediablemente atrás. De ahí que también se haya sembrado la duda entre los ciudadanos, incluso entre aquellos que menos interés muestran por la historia de las ideas. Por primera vez en la historia de la vida, una especie viva tiene la capacidad de destruir el planeta entero,¡ y esa especie no tiene ni idea de adonde va! Sus poderes de transformación y, llegado el caso, de destrucción del mundo son enormes. Pero como si se tratara de un gigante que tuviera el cerebro de un niño de pecho, esas capacidades están totalmente desvinculadas de cualquier tipo de reflexión en torno a la sabiduría. Incluso la filosofía misma se aleja a grandes pasos de esta reflexión, pues también ella se ha visto atrapada por la pasión técnica. Nadie puede hoy garantizar seriamente la supervivencia de la especie, por mucho que nos inquiete y, por lo tanto, nadie sabe cómo «retomar las riendas». A pesar del Protocolo de Kioto o de las cumbres sobre ecología, los jefes de Estado asisten prácticamente impotentes a la evolución del mundo, esbozando un discurso moralizador, lleno de buenas intenciones, pero sin efectos reales sobre las situaciones problemáticas, ni siquiera sobre aquéllas más evidentemente catastróficas en potencia. Aún no ha ocurrido lo peor y no olvidemos que nada nos impide conservar el optimismo. Pero hay que reconocer que este optimismo descansa más sobre la fe que sobre una convicción fundamentada en la razón. El ideal de la Ilustración ha dejado paso a una inquietud difusa y multiforme, siempre a punto de cristalizar en una forma u otra de amenaza concreta, de manera que el miedo tiende a convertirse en la pasión democrática por excelencia. ¿Qué lección podemos extraer de este análisis? En primer lugar, que la actitud genealogista y la técnica no son dos caras de la misma moneda, como piensa Heidegger. La primera es el ideal filosófico de la segunda, que no pasa de ser su equivalente social, económico y político. Bien entendida esta afirmación constituye una paradoja. Aparentemente no puede haber nada más alejado del mundo de la técnica con su aspecto democrático, tranquilo y gregario, en las antípodas del «gran estilo», que el pensamiento aristocrático y poético de Nietzsche. Por lo tanto, al romper todos los ídolos con la ayuda de su martillo, al entregarnos atados de pies y manos a lo real tal como es (aunque sea pintándolo con los colores de la lucidez), su pensamiento ha servido, sin que él lo deseara, para promover el movimiento incesante del capitalismo moderno. Desde este punto de vista Heidegger tiene razón. Nietzsche es el «pensador sobre la técnica» por excelencia, aquel que, como ningún otro, propugna el desencantamiento del mundo, el eclipse del sentido, la desaparición de los ideales superiores en beneficio único y exclusivo de la lógica concomitante a la voluntad de poder. Que, en el ámbito de la filosofía francesa de los años sesenta, se haya podido ver en el pensamiento de Nietzsche algo parecido a una filosofía de utopías radicales se considerará, sin duda, una de las mayores meteduras de pata de la historia de las interpretaciones. Es verdad que Nietzsche es un vanguardista, pero en ningún caso es un teórico de las utopías. Todo lo contrario, es el que más ardiente y eficazmente las desprecia. Existe por tanto el riesgo —y en este punto me alejo del pensamiento de Heidegger v retomo nuestras propias reflexiones— de que una aplicación indefinida e incansable de la deconstrucción acabe echando abajo una puerta que lleva abierta demasiado üempo. Desgraciadamente, el problema ya no estriba en romperles los «pies de barro» a unos malvados ideales que ya nadie percibe, dado lo frágiles e inciertos que se han vuelto. Lo que urge ya no es hacerse con más «poderes», poderes que no se sabe dónde buscar en la medida en que el curso de la historia se ha convertido en algo mecánico y anónimo. Todo lo contrario, hay que hacer surgir ideas nuevas, pensar en nuevos ideales con el fin de poder readquirir un mínimo control sobre el curso del mundo. Porque hoy el verdadero problema ya no es que algunos «poderosos» guíen secretamente el devenir del mundo, sino que, por el contrario, su control se nos escapa a todos, poderosos incluidos. El malestar no lo crea tanto el poder como la ausencia de poder, de manera que empeñarse en seguir deconstruvendo ídolos, intentar derribar el «Poder» con mayúsculas por enésima vez, no contribuye tanto a la emancipación de los hombres como a convertirnos a todos en cómplices involuntarios de una globalización ciega e insensible. Por tanto —ésta es la tercera lección y la más importante—, no cabe duda de que en la situación en la que nos encontramos, nuestra máxima prioridad debería ser «retomar las riendas», intentar, a ser posible, «dominar el dominio». El mismo Heidegger apenas veía esta necesidad o, para ser más exactos, dudaba de que la democracia estuviera a la altura de un desafío tal, y ésta es, sin duda, una de las razones que le lanzaron en brazos del peor régimen autoritario que la humanidad ha conocido jamás. En efecto, pensaba que las democracias suscribían fatalmente la estructura del mundo de la técnica. En el ámbito económico, porque están íntimamente ligadas al sistema liberal de competencia entre las empresas. Y, como hemos comprobado, este sistema induce necesariamente a la progresión ilimitada v mecánica de las fuerzas productivas. También en el plano político, en el que las elecciones adoptan la forma de una competición organizada que, insensiblemente, tiende a derivar hacia una lógica cuya estructura más íntima es, en el fondo, la de la demagogia y el imperio sin rival, la de los sondeos de opinión. Todo ello refleja la esencia misma de la técnica, encarnada en una sociedad competitiva y globalizada. Nos sentimos consternados ante el hecho de que Heidegger se vinculara al nazismo, sin duda convencido de que sólo un régimen autoritario sería capaz de estar a la altura de los desafíos lanzados a la humanidad por el mundo de la técnica. Más tarde, en la última parte de su obra, se aleja de todo voluntarismo, de toda tentación de transformar el mundo, y opta por una especie de «retiro» como la única posibilidad de alcanzar cierto grado de serenidad? Aunque pueden ser comprensibles, ambas actitudes resultan imperdonables, por no decir absurdas, lo que demuestra que uno puede ser genial en el ámbito del análisis y trágico cuando se trata de extraer las conclusionesjustas. Por ello, gran parte de la obra de Heidegger resulta decepcionante, y puede que hasta insoportable, si bien el núcleo de su concepto de técnica es verdaderamente clarificador. Y, en efecto, lo es...
Publicado originalmente en la revista "Freak Out!" #9 - año 2006
El último trabajo de los consagrados The Telescopes nos presenta un universo de sonoridades que vienen a demostrar a todo el mundo el por qué de su larga fama como pioneros del post rock, el shoegazing y demás hierbas. Y es que este “#4” respira atmósferas verdaderamente extrañas, por ahí escuchamos algún saxofón mezclado con un viejo sintetizador análogo -el EDP wasp- y abrumado también por guitarras súper estratosféricas. Si pensabas que lo máximo en sonidos guitarreros eran los trabajos de Robert Hampson a.k.a. Main, pues debes conseguir este disco como sea, amigo. Es de admirar en este plástico la manera en que el grupo de Stephen Lawrie y Jo Doran ha originado atmósferas enrarecidas e, incluso,etéreas, ahí tenemos de palpable muestra a canciones como “All the Leaves”, “A Measure of Imbalance” o “It Bleeds” piezas todas en donde el susurrar de la voz de Stephen es un acompañamiento “natural” –¿que tiene de natural tanto artificio? te preguntarás, pues, creo yo, que lo natural y esencial de artefactos como los que la vanguardia hoy en día fabrica es la inventiva humana- a las delicadas atmósferas casi inasibles de las guitarras trastocadas por mixturas de efectos.
Insisto, si escuchas “#4” y si estás medianamente informado, la primera influencia que uno puede encontrarle a tal álbum es, sin duda, el “Motion Pool” de Main: para mí la obra que superó al “Loveless” de My Bloody Valentine en lo referente a la súper explotación de las guitarras- y, claro, la consagrada serie “Firmament”; pero los Telescopes se las han ingeniado para someter su influencia a una suerte de aleación sedante que viene a diferenciarla por mucho de lo que Mr. Hampson ya logró, inclusive se puede uno topar con una suerte de jazz soñador cuando aparecen los saxos cual cobras hipnotizadas y adictivas. ¡Cuánto ha avanzado la psicodelia desde, por ejemplo, aquellos días en que el “Playing with Fire” era el último grito del avantgarde! Pues, estas 10 nuevas piezas ofrecen según la revista inglesa especializada Poptones: “una escucha maravillosa... una marcha lenta.... el más pesado abatimiento”. Por cierto Stephen y compañía se asociaron con Tony (de Los Planetos del Agua) (sic) y Randall (de Füxa) para crear esta impresionante obra de calmados océanos que se dirigen sólo a tus neuronas para fulminarlas con sus ambientes novedosos y seductores. Hey man, ¿acaso no está bien satisfacer a tu corteza cerebral de tanto en tanto? Pues, aquí tienes la medicación que los telescopios prescriben para esta mitad de década. ¡Aleluya, dichosos los que prueban tu sangre pues de ellos es el cosmos infinito, Lord!
I Could Live In Hope es casi un demoledor manifiesto del trío de Duluth. Recordemos que allá por 1994 reinaba en el mercado el horrible grunge, era la época de adefesios tipo Pearl Jam, Stone Temple Pilots, etc; en ese contexto es que surge este hermoso álbum. El debut de Low destila belleza como pocas veces he oído, y lo mejor es que el trío se las arregla para no volverse empalagoso. “Words” es, sin duda, el tema más radiable del plástico y su apertura: a lo largo de 57 minutos, los Low te llevan por paisajes fantasmales, oscuros y depresivos. ¿Quieres tener una idea? Pues imagínate a unos Cure –era Faith- covereando canciones de Labradford. El tratamiento de la música es minimal pero a la vez exuberante, ya que logran sacar el máximo provecho a los austeros sonidos mostrados insistentemente durante todo el disco -ya sabes, minimalismo convertido en maximalismo. Sobresalen también “Lazy”, “Cut” y “Lullaby”: una nana para niños de almas viejas. Al final (“Sunshine”, cover de una olvidad canción de Joni Mitchell), llega la redención, la felicidad instantánea que surge tras comprobar que has sido capturado por esta especie de tristeza lacerante que tú también atesoras en esencia. (WGA) Al igual que muchos de sus contemporáneos, a Low se les agrupan repetidamente en numerosos encabezamientos derivados y no descifrados destinados a abarcar música de ritmo lento e instrumentada que mantiene una estética indie. En pocas palabras, ninguna categoría puede realmente revelar la belleza y la gloria del disco debut de Low "I could live in hope". Sad core? ¡Ni siquiera cerca! I Could Live in Hope es un increíblemente alegre viaje de espíritu y sensibilidad de composición. El disco sigue siendo paciente y ralo en todo (solo guitarra, bajo, high hat y tambor y angélicas voces por el equipo de marido y mujer de Alan Sparhawk y Mimi Parker), pero tiene éxito. Low realmente observa el don de la subestimación. Trabajando con el productor de largo tiempo y el pilar del Nueva York subterráneo Kramer, Low examina sus propios miedos y experiencias inquietantes, ocasionalmente vinculándolos con referencias bíblicas, mientras consola a los oyentes con cálidas capas de voces etéreas y olas de reverberación en la guitarra. Las pistas son simples títulos de una palabra, pero eso es todo lo que requieren - demasiada información estropearía la elegancia del disco. Y es probablemente por eso que abren el disco con "Words", una canción sobre el uso excesivo y el uso indebido del lenguaje, que marca el tono de todo el álbum, hasta su cover lamentable y apasionado de "You Are My Sunshine". Cada pequeño matiz de la producción es evidente - los dedos de Sparhawk no se conectan en un cambio de acorde o se deslizan sobre el traste haciendo eco infinitamente - conviertiendo I Could Live in Hope en un verdadero testimonio tanto de la afición de Low como de Kramer por captar lo más exuberante de los paisajes sonoros. (Ken Taylor) ¿Sabeis como suena el sonido de las entrañas del corazón? ¿Os habeis preguntado alguna vez sobre el peso total de un suspiro? ¿Alguien puede dibujar la desolación sin morir en el intento? La música de los mormones Low es eso y más,porque lo suyo es adentrarse en nuestra alma para erizarnos nuestro destino... El disco empieza con "Words", y si es la primera vez que te topas con ellos, con este tema te tendrán hipnotizado de por vida. Instrumentación cansina, lenta, mientras Allen se deja la voz en una cueva de tristeza con las paredes decoradas de las fotos de los niños que ya han echado el vuelo, mariposas por un dia, por siempre eternidad. (Carlos, Discos Pensados)
El hombre: un planeta en el Universo. Cada hombre y cada alma pueden compararse con un planeta, ambos trazan sus órbitas, tanto el hombre como también el alma, conforme a la característica de su ser y cualidades. La ley de gravitación en lo material, la atracción de las masas, significa en el Espíritu del Eterno que igual atrae a igual. A través de esta ley espiritual de la comunicación, el hombre, el alma encarnada, el planeta traza su órbita correspondiente◙Escuela de Enseñanza Cósmica de Vida Universal, cada domingo desde las 10:30 de la mañana en Camilo Carrillo 153 en Jesús María. Todo ese conocimiento y sabiduría que estuvo encapsulado x varios siglos, se descubre y desvela allí. Ingreso libre y obsequio de libros para iluminar tu mente y cuerpo◙
Galaxias de satélites sónicos más allá de lo limitado de las ondas hertzianas y objetos voladores identificados en tiempo real y surcando a la velocidad de tu memoria atemporal sólo x esta columna transportándote vía rayos deutrónicos x toda la esfera indie y aún mucho más allá. Me encanta que LALI PUNA, abra el silencio del espacio sideral en vértigo cósmico con toda su luminiscencia y continuo fulgor. Este combo con base en Alemania, tendrá a la venta su o.v.i en álbum Two Windows para setiembre 2017 y bajo el sello Morr Music. A este grupo se escuchó x primera vez en Lima vía 2001_MILAÑOSDESPUÉS! de RADIO MIRAFLORES AM/FM y fue anecdótico: conocí a una chica alemana y a su grupo de amigos que vivían en un depa muy cerca de la radio y ella había estudiado en la misma universidad con Valerie Trebeljahr, la vocalista quien utilizó además su tesis de graduación para darle el nombre a su primer álbum... el resto es historia y los alemanes en conjunto se tornaron seguidores del programa x mucho tiempo. A estas alturas te imaginarás las reuniones que teníamos escuchando a las neo sagas de música durante los 2000´s◙Una gran alternativa en comida nutritiva y saludable de lunes a sábado desde las 11:00 de la mañana hasta las 5:30 de la tarde en el Restaurant El Vegetariano Sayel en Cantuarias 285 Miraflores. DELIVERY x zonas cercanas al fono:4456503, visita su página www.elvegetarianosayel.com◙
Mathias Pageau alias DYLARAMA es el avatar dorado que ha sido fichado bajo Lisbon Lux Records y su primer single Saison Estivale es una pieza bien conceptuada con atmósfera de sintes lo-fi y con palabras que evocan una historia de amor efímera pero con ciertos voltios de polaridad positiva. El vídeo ha sido realizado en afinidad con los electrones de una antigua cámara VHS x Arizona O´Neill◙
Descargas de la corona solar en el pelo de la protagonista de este clip, ciertamente otro de esos austeros clips del año-aunque también un cambio orbital de neutrones y rotaciones físicas de las moléculas, células de emisión de rayos gama de ciertas partes de su cuerpo vía la danza hawaiana que cree consolidar. La sonoridad es retro y el objetivo es sensual. La neo-chanson francesa de SOLEIL BLEU con su Petite Femelle, es una composición de de Lou Lesage y Arthur Jacquin y posiblemente quieran evocar la vaporosa época de BRIGITTE BARDOT o a una DEBBIE HARRY◙
Es muy mínima la cantidad de grupos extranjeros que han visitado Lima, que no hayan ido al Boulevard Quilca a comprar discos o libros. MORRISSEY es uno de los pocos que caminó x las calles de MIRAFLORES y entró a la Librería IBERO, aunque no compró ni un libro. La gente de SONIC YOUTH sí paseó x allí, como otros under de verdad que se precien. LEE RANALDO de SONIC YOUTH tiene planeado la salida de su o.v.i en álbum Electric Trim para el 15 de Setiembre. Promociona su neo single y clip New Thing y pienso que a LOU REED le va a encantar desde el más allá. A LR se le aprecia en este clip caminando x las calles de New York, con un ordenador de los 70´s JVC 3100R que compró vía EBay. Una especie de metáfora para dejar en claro esa obsesión que tienen muchos x los smartphones, la mencionada nomofobia, a las pantallas pequeñas y tablets táctiles. Es una canción acerca de toda esa gente que vive pendiente x obtener un like en sus cuentas. ADVERTENCIA: esa relación simbiótica va a procurar decenas de enfermedades en el cerebro con insomnio incluido como un plus. Citen guerra tecnológica en Internet, lo leí en los 90´s. Si no te has enterado aún del porqué explosionan los smartphones es que no has leído el artículo que escribí para DOSIS sobre todo el macabro proyecto, le llaman Nuevo Orden Mundial. X el único like que nos debemos preocupar es x el del Eterno◙
MEMORIA INMEDIATA. En mi época previa a la radio hice producciones de TV para PETER SCHNEIDER (junto al CHAPU), KIKE CANO ALVA, CHACHI BEINGOLEA... como también los doblajes para MTV AWARDS y otros programas de cine. El programa de clips de 2001, se programó x canal 33 UHF, como que he puesto la música para un programa de deportes de aventura. Trabajé además en producción textual para el programa CLIPS de DONALD WILSON, quien me permitió entonces ingresar a SÚPER FM e hice producciones textuales para el programa RADIO CLASH de OSCAR GUERRA y para otros programas, llevando además música en pre-estreno. Toda esa historia es para remarcar que fue en esa emisora en donde escuché x primera vez a este combo THE PSYCHEDELIC FURS y su Love My Way. El grupo nos visita este 7 de agosto con sus visiones de ternura y luminiscentes glorias◙ En esta época de cruentas tensiones emocionales, el estímulo ultra sensorial te la damos aquí. Son emisiones térmicas las que produce esta presentación destacada de SUFJAN STEVENS no hace mucho en Late Show del humorista STEPHEN COLBERT en la cadena americana CBS, al lado de Bryce Dessner guitarrista de THE NATIONAL y a otros interpretando Neptune, uno de los títulos del LP Planetarium. Se viene además un mixtape para el 20 de Octubre, búscalo como The Greatest Gift Mixtape-Outtakes, Remixes And Demos de CONNIE AND LOWELL◙
CASSIUS construye y lubrica una generación espontánea de impulsos y campos eléctricos artificialmente creados con su single Ibifornia-Myd Remix. El realizador del vídeo es Simon Bournel-Bosson, realmente un mini-film de 3 minutos: dibujos animados en aventuras tropicales ultra cool◙MOHICAN SUN quiere que retorne la onda tribal y el drum ´n ´bass a como dé lugar. Su EP Fixation contiene 4 opus en vena máquina bioquímica para el baile con sus rayos alfa y beta◙
Más puntos brillante en los aros de Mercurio tras la llegada del neo single de este acto indie EDISSON EFFECT, combo holandés que anuncia su LP para el 19 de setiembre, el single que lleva el mismo título del álbum viene en onda de sintes análogos y profundidad en la textura con apoyo de guitarras y percusión que fija la atención auditiva: Last Goodbye. Sí, aman la escena de los 80´s◙ Que este grupo no me venga con que nunca han escuchado a COCTEAU TWINS o a MY BLOODY VALENTINE, RIDE, U2 o a ECHO AND THE BUNNYMEN, como alguna vez me dijo GUSTAVO CERATI, muy fresco él cuando le dije de por qué se copiaba de ellos. En cada una de sus venidas a Lima, nos hemos encontrado siempre y hasta programas grabados de 2001 se llevó el GUS con sarta de neo grupos que le encantaron, además. Buen letrista sí ha sido y sigo considerando a SILVANIA como el más grande grupo de Sudamérica. Hay que torcer la geometría para poder trabajar con la luz porque la luz puede crear una distorsión de las realidades y, a estas alturas, el quinteto inglés FLASHES, debe de tenerlo bien en claro. Ellos han titulado su EP digital Rzhev. Escuchen todos sus cristales◙
Existen tanto planetas en el universo pero tantos... por lo que no te vayas a sorprender si uno de esos planetas lleva tu nombre, vamos creando planetas con el solo pensar y x lo mismo crea planetas de luz y ultra saludables, sin gobiernos corruptos ni fanáticos de personas que creen ser gobernables◙La revista inglesa WIRE siempre está en contacto conmigo, como otras del resto de continentes, sellos, eventos... lo cual comparto todo contigo. CIRCLE en la portada y artículo central de WIRE de setiembre 2017◙
ELIXIR MENTAL SAGA DE LOS ´80´S
VIXOR DE MEMORIA SAGA DE LOS 9O´S
POWER POINT SAGA DE LOS 2000´S
RENZO PALMA quiso comprar el nombre VIXOR DE MEMORIA para un programa suyo que no pudo salir al aire, JOSÉ alias GALAX TRAX, también lo quiso tener, pero aquí está para todos, mientras que un diario local sólo se atrevió a editar su VIXOR◙STOP!
“Hz” fue una caja de seis eps que publicó en 1996 el grupo inglés de post-rock Main. La música que contenía dicho box-set había sido construida a base de guitarras y efectos mil. Aquellas guitarras, como era típico en el post-rock de la época, no sonaban a guitarras sino a rayos láser, zumbidos estratosféricos y ecos de un futuro muy lejano. El sonido de Main era tan frío e inhumano y al mismo tiempo tan atractivo, extasiante y hermoso que era natural querer estar en esas vibraciones siempre. Main me enseñó a transgredir la música hasta volverla caduca y, de paso, hacer lo mismo con quien la creó: el antiguo ser humano. (WGA)
Según Robert Hampson, "mi vida en Loop era como leer una novela de Bukowski: uno ya sabe lo que va a venir tras cada página". Así que los disolvió, entregándose junto a Scott Dowson (también guitarrista de Loop) a una aventura que se ha descrito con las metáforas tantas veces repetidas de paisajes lunares, frialdad ártica, desolación, abatimiento... Su arisco mundo ha quedado retratado en los LPs "Hydra Calm" (1992) y "Motion Pool" (1994) -monolíticos, estructurados- y los maxis "Dry Stone Feed" (1993) y "Ligature" (1994), este último de remezclas, o en atrevidas excursiones por el campo del ambient, la música concreta y la improvisación, como las dos entregas "Firmament" (1993) y "Firmament II" (1994), y el reciente recopilatorio "Hz" (1996), que contiene los últimos seis EPs del grupo (incluidos los magníficos "Corona" y "Kaon"). Curiosamente, todos estos trabajos han sido publicados por una de las más prósperas indies del Reino Unido, Beggars Banquet. Si Main nacieron con la idea de fabricar "atmósferas de sonido totalmente intrincado" -en una canción llegaron a superponer hasta cuarenta y ocho guitarras-, poco a poco se han ido volviendo más crípticos, hasta casi basarse solamente en las texturas: como si quisieran mostrar el interior desnudo de una guitarra. Robert Hampson ha publicado además un CD titulado "Whelm" (Touch, 1995) junto a Jim O'Rourke bajo el nombre de Indicate. (Revista FACTORY, 1996)
Originalmente publicado en 1995 como una serie de seis EPs mensuales, la compilación de dos discos resultante "Hz" es la obra maestra de Main, una exploración de puro sonido cósmico tan profundo y tan vasto que parece resonar en el infinito. Incluso en comparación con los paisajes sonoros de la serie "Firmament", los ruidos y texturas de las seis suites de Hz son sorprendentemente evocadores. Dedicando "Corona" al editor de sonido Alan Splet y "Kaon" al sesionista de Sun Ra John Gilmore, Main conjura a los espíritus de ambos mundos, reuniendo documentos sombríos hipnóticos, inquietantemente vívidos de lo que las notas del CD llaman ominosamente "evolución estelar". Es música que parece existir en un vacío, y sus texturas zumbantes, retumbantes y drónicas capturan y tuercen la imaginación en maneras que la música convencional nunca podrá. (Jason Ankeny)
El Hombre Misterioso es a no dudar uno los combos más atípicos y llamativos de la escena peruana. Su música bebe por igual de sonidos alternativos de bandas como Velvet Underground o Pavement pero también del rock argentino y la omnipresente, diríase, música caribeña. Tienen 3 álbumes y algunos eps en su haber siendo quizás el más atractivo el EP "Ausencia", publicado por Descabellado Records, donde podemos intuir la influencia de John Cale en las atmósferas minimales que rodean ese documento del 2013. Todo matizado con el background personal de los músicos que conforman EHM: rock gaucho, jazz, indie pop, arte contemporáneo... La alucinada revista "Freak Out!", de la que formé parte desde el primer número, entrevistó alla por el 2005 a Santiago Pillado, quien además de batero cumple el rol de vocalista en El Hombre Misterioso amén de dirigir el sello y festival Descabellado. Pasen y deléitense.
Extraído de la revista peruana "Freak Out!" Breve conversación con Santiago Pillado, baterista y líder de la inclasificable banda que debutara el año pasado con el disco Pez Raro. Hablamos con él sobre éste y otros proyectos en la siguiente nota. Entrevista: Sergio Laredo FO!: ¿Cómo nace El Hombre Misterioso? Santiago Pillado: EHM era un sonido que yo tenía adentro mucho tiempo y no me atrevía a mostrarlo, porque a veces los bateristas no son bien considerados como compositores. Fue a Rodrigo (Ráez) a la primera persona a la que me atreví a mostrarle algunas cosas que podía tocar con un dedo en mi tecladito, que eran líneas de bajo, por ejemplo de “Your Body Can’t Dance In A Ghetto” y a él le gusto, empezamos a ensayar, algunas cosas de él, otras mías. De ahí, yo tenía bien claro que Fernando tenía que ser el percusionista, por su manera de tocar, él es un músico de free jazz por naturaleza, a nosotros nos conviene tener un tipo así en la banda, al final sale una cosa que es como un loop, que se repite, pero por encima pasan un culo de huevadas. FO!: Como una sucesión de ideas incompletas. SP: Una sucesión que es tan compleja que parece que está destinada a autodestruirse, y que vengan unos huevones de Nueva York o de Madrid y digan “la música peruana de los 60s es la mejor que se ha hecho nunca”. Es la tentación del fracaso, pero del fracaso como un logro caleta. FO!: ¿Te animarías a ubicar a El Hombre Misterioso dentro de alguna corriente o tipo de música? SP: Siempre me ha gustado la música con una voz que hable encima, desde las primeras veces que escuché a gente que hacía eso. Mi otro interés es la percusión. Entonces, son temas que parten del ritmo. A grandes rasgos, la pauta fue fusionar la esquizofrenia sonora de Velvet Underground, que podía ser dulce, tierna y a la vez muy fuerte, y que también te podía hacer crónicas de x cosas, con un sonido de percusión más tirado a la salsa o al drum’n bass, cosas que sean más loopeadas. Entonces allí nuestro instrumento protagónico es la percusión. Los temas del compilado tenían una falla, nosotros no habíamos terminada la mezcla, hay detalles que ahora en el disco están mucho mejor trabajados, los elementos están más integrados. Fernando, el percusionista, siempre tuvo la misión de tocar los tambores imaginándose que tenía un saxo. Siempre trabajamos superposiciones, la guitarra hace la función de bajo, la batería de piano, etc. Siempre tratamos de trabajar bajo esa consigna. FO!: ¿Eres un fanático de la salsa y ritmos afines? SP: Yo viví en Cuba de 1996 a 1998, y allí estuve estudiando un poco de percusión y redescubrí mi gusto por la salsa, por el latin-jazz. A pesar de que los músicos latinos son bien parametrados, es difícil que le digas a un pata que hace guaguancó que toque sobre una base, no sé, hip hop. Además hay algunas otras limitaciones que hacen que todos los musicazos que tienen estén como haciendo cola esperando que los llame el grupo famoso cuyo baterista ya se quedó en Francia. No hay mucha novedad en la propuesta.
Caudillismo Y Pedigrí FO!: Estuve escuchando Caudillismo Y Pedigrí y aún es un enigma en mi cabeza, ¿lo podrías descifrar? SP: A mí se me ocurrió esa idea para hacerla con EHM, pero la banda me mandó a la mierda (risas). Después de que habíamos hecho una chambaza con Goster (José Antonio Mesones, el artista visual), nos fuimos a buscar las láminas “Huascarán” y a la gente no le interesó. Entonces a Goster lo invitan a hacer una exposición en este bar, El Tayta, y me dice para hacer Caudillismo Y Pedigrí, una exposición con música, con afiches y un video, y el catálogo que sea un disco, quisimos que el disco fuera con más hojas pero ya no nos alcanzó el billete, nos faltó pedigrí (risas). FO!: ¿La música y el arte de Caudillismo Y Pedigrí nacieron como elementos complementarios? SP: El concepto yo ya lo tenía como rollo un montón de tiempo, y con Goster sintonizamos muy bien en eso, se iba a realizar con el disco de EHM, ese fue el leit motiv. EHM puso el chimpún en alto, entonces se quedó en el aire. Cuando sale la muestra, Goster se pone a rediseñar cosas y de hecho que no se parece a lo que iba a ser el disco de EHM, yo hago las canciones específicamente para la muestra, deliberadamente se hizo un pop bien pastelero, es un poco una visión tierna de un tema áspero. FO!: ¿Y cuál es ese tema? SP: A mi modo de ver es el linaje, el pedigrí y el tema aristocrático que ha estado en el Perú desde que era un imperio, pasando por los españoles y hasta ahora. Creo que el apellido y esas huevadas son muy importantes acá, demasiado importantes. Hay algo sobre la conquista que fue muy traumático para la gente oriunda, ellos eran unos huevones con un pedigrí del más alto nivel y los pulverizaron, no eran una tribu sino que tenían una jerarquía del carajo. Eso por un lado, y por otro el tema de los caudillos, que hacen que seamos una sociedad que nunca reme en conjunto. FO!: Y una sociedad eternamente dependiente. SP: Los caudillos han podido llenarse los bolsillos pero también tener un pueblo o una sociedad con una calidad de vida mucho mejor, pero la han cagado con el inmediatismo. Por eso tratamos de esa forma el tema con Goster, es como una ironía, tiene humor pero a la vez buscando equipararlo con sutileza. Tú me decías si “Mi Perro Poodle Tiene Pulgas Negras” era sobre el racismo: de todas maneras, porque el racismo también está vinculado a ese tema, la gente se apodera de algún status imitando el modelo del blanco acá, pero el blanco ni siquiera ha hecho su fortuna sino que la ha heredado. Eso es bien loco, porque la aristocracia limeña y peruana enseña a sus hijos y su entorno a no vincularse, a vivir una fantasía, lo cool es vivir una realidad paralela, es subirse a una camioneta con lunas polarizadas, subirlas hasta arriba, poner música, pasar por toda la mierda y contigo no es. Descabellado Records FO!: ¿Cuál es el motivo principal que te animó a crear una disquera? SP: Acá no existe el legado, que es una cosa muy importante en cualquier disciplina, el hecho de que haya una escuela que acá no hay. O sea, hay un conservatorio de música clásica, pero no hay una escuela de música popular. Para un músico, me parece que lo más importante son los discos que se han hecho en tu país, y para eso están las disqueras, no todos tienen tiempo ni plata para estar yendo a conciertos, es difícil que se cuente con los equipos para apreciar a una banda en conciertos como la aprecias en un disco. FO!: ¿Cómo califican este primer año de Descabellado Records? SP: Hay cosas obvias que no puedes pretender, pero todo lo que tiene que ver con lo que te interesa, que es la música, se puede manejar. Antes era imposible imaginar grabar un disco si no tenías plata para pagarle al dueño del estudio, ahora grabas un disco en tu sala. Siento que hay un grado de espontaneidad, Hendrix mismo hacía dos tomas de una canción y siempre se quedaba con la primera, que tenía más errores, pero tenía mayor carga, más feeling, algo que es impagable, eso no te lo da nada. FO!: Claro, la gente debería identificarse con lo que el músico considere lo mejor que le ha salido, no necesariamente con lo más pulido. SP: Ése es el problema del estándar, que se calculan las cosas para siempre. En la espontaneidad encuentras el espíritu que hay detrás, la razón por la que lo has hecho.
Meléndez: A ver, Fernando, ¿qué te parece así? "Rumores antifujimoristas Caviares hipócritas. Ustedes son antifujimoristas por racistas y clasistas. Los conozco muy bien. No aguantan que el fujimorismo sea popular y llegue a los sectores que ustedes ni conocen. Acá el verdadero chiquillo de Zárate, el cholo de la PUCP, el del pueblo, que la manya, que la ve, soy yo. Ustedes no llegan a Barrios Altos ni con GPS, nunca le han dado ni la mano a una quechuahablante salvo a su empleada. En cambio yo sí me meto en las zonas bravas que ustedes no pisan. Hasta me han apuñalado por estar ahí. [Se saca la camisa, se voltea y muestra su cicatriz en la espalda. Fernando Berckemeyer lo mira boquiabierto, sin saber que en realidad lo apuñalaron saliendo de la discoteca Vocé por Risso. "Ya vístete", le dice mientras piensa: "que así te pareces a los indios de la hacienda de mi abuelo"]. Ustedes desprecian racialmente a gente del pueblo como el congresista Becerril, un hombre que viene de abajo como yo, un humilde empleado del grupo Gloria en las azucareras norteñas. Desprecian a la congresista Luz Salgado, una trabajadora de la Universidad Agraria que de secretaria del rector Fujimori ha llegado a presidir el congreso dos veces. Les causa tirria gente como el congresista Tubino, un entrañable militar en permanente contacto con los microempresarios amazónicos. Rechazan a la congresista Letona, una verdadera mujer profesional, articulada y empoderada. Les produce urticaria cuando habla el congresista Bienvenido Ramírez otro hombre de base como yo. Los fujimoristas sí se atreven a hacer política "abajo", como antes hicieron los apristas a quienes también despreciaban social y racialmente. Ya déjense de chismoserías y rumores antifujimoristas que el indulto a Fujimori es inevitable, con renuncias de ministros más. Todo eso es un mito urbano, Kuzcynski ya lo desmintió. No hay indulto. Eso es una patraña antifujimorista." Berckemeyer: ¡Telúrico, Mel! ¡Telúrico! Está regio, sobre todo la idea que los caviares pata al suelo son los racistas y clasistas de la éliite limeña y no nosotros. Si en este país va haber resentimiento, mejor que vaya contra los caviares. Pero todavía tienes que voltearlo y hacerlo más como para El Comercio. El título está perfecto, pero tienes que pulir el contenido. Muy bilioso, al estilo de tu blog. Pero está mucho mejor que antes. Meléndez: Entendido, Fernando. Ahorita mismo lo volteo otra vez. _____ Rumores antifujimoristas, por Carlos Meléndez "Quien hoy muestra sensibilidad por las mujeres esterilizadas contra su voluntad quizás nunca le dio la mano a un quechuahablante. Quien hoy acusa memoria histórica de los asesinatos de Barrios Altos no llega a Jr. Áncash ni con GPS y no sabe qué es organizar una pollada para sobrevivir. Quien condena los abusos de militares montesinistas en los Andes pertenece a la argolla de escritores criollos. En su rechazo al fujimorismo, deslizan su desprecio racial y clasista, entreverando una falaz superioridad moral." "Lo indignante es que las élites limeñas, discriminadoras e insensibles con “los de abajo”, impostan una falsa solidaridad con las víctimas del fujimorismo en la procura de lavarse la cara a través de la “defensa de los valores republicanos”. (...). Porque nunca les interesaron las víctimas de la guerra (con Belaunde callan), sino el prestigio personal y el desquite con quienes se atreven a hacer política “abajo”; antes el Apra, hoy el fujimorismo." http://elcomercio.pe/opinion/rincon-del-autor/rumores-antifujimoristas-carlos-melendez-440647
El espíritu y el entendimiento no han venido x primera vez a este mundo y con esta humanidad. Somos la décimo-novena generación habitando este planeta. Hace mucho tiempo ya existió el perseguir una meta y la adaptación, aprender y probar, la idea creativa al igual que la memoria y la fantasía todo eso lo hubo ya miles de años atrás, antes de que hubieran cerebros. Tenemos que aprender de nuevo. La inteligencia no existe porque la naturaleza consiguiera desarrollar cerebros que al final de una larga serie de desarrollos habrían posibilitado x fin el fenómeno inteligente. Alma y hombre son un ser cósmico, x tanto, unido a los universos del cosmos material, de los planos de purificación y de la existencia eterna◙ Escuela de Enseñanza Cósmica de Vida Universal cada domingo desde las 10:30 de la mañana en Camilo Carrillo 153 en Jesús María,altura 9 de Arenales. Los programas de radio de esta entidad retornarán pronto x una nueva emisora◙
La música experimental de CAN ha estado siempre adelantada a su tiempo. Su satélite sónico Vitamin C es un claro ejemplo y figura sideral e incluido en su compilación The Singles y bajo el dominio atemporal de los sellos Mute y Spoon Records. Pioneros del krautrock desde 1965 y presentados en un gran dossier x primera vez en Lima en los folios de BRITANIA FANZINE, que los seguidores no cesan de solicitar a menudo. La perla está incluida en su o.v.i en álbum de 1972, el titulado Ege Bamyasi y es un track en vena fusionada de jazz-funk-tango. Sobresale la batería, vox y línea de bajo in crescendo. Un acto que siempre me encantó presentar en 2001 además◙
Ubicada plenamente en el momentum que vive el planeta azul y en el loto de los mil pétalos dentro de un cálculo astronómico, ilustro. Perú, en sánscrito significa: primacía, primer lugar, mando, dirección - por si las dudas. Perú x estos días está en la cresta de la ola porque una nave piloteada que partió de Nazca (no se sabe cuando), se estrelló en Roswell en el siglo xx y nadie se había dado cuenta hasta ahora. En fin, el resto continúa siendo historia. ¡Aha!◙Encuéntrame el pulso del universo clama LAETITIA SADIER, con sonrisa irónica al final del clip... sonríe también. El momento ha llegado◙
Seguimos en el hilo orbital planetario. El eje sensitivo de máxima conductividad dentro de la música nos lleva a las capas de la ionosfera y al universo de GABY HERNANDEZ, cuya base es la California galaxial 2017 y, fichada x el sello Mr.Bongo. Su música es de belleza hipnótica que edulcora erotismo cósmico y jazz-electrónico asomándose además al nu-lounge con este su actual single Super Nova Lovers + respetivo clip. La pieza está incluida en su placa Spirit Reflection e incluye otras odas que me han fascinado escuchar: Messy Love, Baobab y I Will Keep You◙
Tras esa supernova iridiscente y amebas psych erotizadas para las frecuencias del hipotálamo de 7.8 hertz, esas fuerzas cosmogónicas que mueven el universo. Nos transportamos ahora a los circuitos fotónicos integrados de ARCADE FIRE. El combo de Montreal, promociona su neo single Signs Of Life, además de un clip que junta a un par de aventureros amorosos en busca de vida extraterrestre. El 28 de julio sale a la venta su o.v.i en álbum: Everything Now y ciertamente es una fisión nuclear el tema en mención en el uranio de unos PET SHOP BOYS. ¡Ah! Esas esencias de chips de silicio.¿Perú está de moda o es pura coincidencia? Las coincidencias no existen ¡ETERNAUTA!◙ Los Expedientes Secretos X urgen un neo capítulo en su historia◙
Este acto francés JACQUES retoma su éxito de no hace mucho Dans la Radio en idioma inglés, árabe, chino, español y ruso... hasta esperanto he captado. Sí, es un tema con respectivo clip reciente y está ultra loquix: ciudades-satélite, cosmos, psych, humanidades... Él no hace mucho tuvo su álbum debut A Lot Of Jacques grabado en vivo en un estudio de New York. El tema actual está dentro de su neo EP◙ Les paso el dato de que BIRCHER BENNER, el Restaurant Lacto-Ovo-Vegetariano, atiende ahora en su neo y amplio local en Petit Thouars 1524 en Lince. Atienden de lunes a sábado de 9 de la mañana a 5 de la tarde. DELIVERY CORPORATIVO al 3189939◙
Zguy In The Silk Road es un single + clip de este combo llamado FANTASTIC MR.ZGUY, integrado x 5 asteroides y con base en París. Un tema para la época estival europea activada x la dupla tándem del grupo: Zguy que es el vocalista y Roland, el bajista. Busca su segundo EP Oh Me, Oh My, producido x Guillaume Jaoul (TAHITI BOY, ROVER, FOREVER PIVOT)◙
Los franceses HER celebran el verano europeo con 2 de sus piezas expuestas al aire libre Swim y Union en Palais Royal en París◙ X su parte CARLOS HERNÁN GONZÁLES, pianista peruano, toca a cielo abierto una improvisación de Versailles en Jardin des Plantes. Un regalo para los que lo hemos visto en sus diferentes conciertos en Lima y para sus neo seguidores. Óptimo◙
Siempre hubo un continuo ir y venir de seres de otros mundos hacia el planeta azul, para que se estableciera una élite y representación individual de cada galaxia en el planeta Tierra. Su linaje genético y código siempre quisieron establecer en este planeta, dejar huellas◙
El neo single de MAUD GEFFRAY es una historia de amor en un caos de abstracción y de melancolía, con respectivo clip de paisajes desérticos y otras odas◙ Si hay una canción de RADIOHEAD dentro de un festival que fascina, ese es Creep en Primavera Sound 2016. En 2017 es Karma Police en Glastonbury Fest, pero más x los coros de un público magnífico y cuando el grupo ya se había retirado del escenario◙
La cantante Annie Clark que actúa bajo el alias de ST. VINCENT retorna después de 3 años con un tema que cita a un amor perdido que pudiera reflejar su propia experiencia. Se presenta en Japón y Alemania en los próximos días con su tour Fear The Future◙
Existen civilizaciones enterradas bajo el hielo de la Antártida y bajo el desierto Gobi en Mongolia y, x supuesto, este es otro dato para el productor de The X Files. Así, mientras que pocos, muy pocos están dispuestos a indagar en lo desconocido y prefieren ser apóstatas porque ser cómodos los identifica mejor◙ El sonido infeccioso de la guitarra y profundidad del bajo envuelven a este combo HOW WE GOT GIRAFFES y a su actual single Honeypot, el mismo que ya tiene un clip no tan infeccioso◙MOUNIKA es Jules Verschueren, un beatmaker originario de Poitiers y quien ama el cine y su música se orienta a ello y tiene 23 años. Su o.v.i en álbum: How Are You? que incluye el single: Love You Sweet It´s What I Do◙ ELIXIR MENTAL SAGA DE LOS ´80´S
VIXOR DE MEMORIA SAGA DE LOS 90´S
POWER POINT SAGA DE LOS 2000´S
La mejor época de STEREOLAB la recordamos con aprecio. Es parte del soundtrack de nuestras vidas, pero también hay un plus ultra, lo recuerdo cerca y firmando mi columna en DOSIS al Robert.◙ STOP!
Esta nueva edición de ESPECTROS se da gracias al trabajo en conjunto realizado con La Trenza Sonora y sirve como un cierre del festival en donde compartirán escenario diversas formas, sentimientos y métodos de percibir la música:
* Mauricio Proaño (ECU) * Felipe Medina (CHI) * Wilder Gonzáles * Paruro * Virgen Sideral * Taneli Lucis * Spatial Moods * Ensamble por Giancarlo Rebagliati + Franz Núñez + Abel Castro + Arturo Quispe
Además, este concierto también tiene un especial motivo, y es presentar uno de nuestros últimos lanzamientos, nos referimos el primer álbum deVirgen Sideral en más de 27 años! Lugar: CASA BAGRE (jr. moquegua 112, int 110, Centro de Lima) Hora: 9:30pm Entrada: s/. 10
Habla MANUEL PRADO ALARCÓN, toda una leyenda de la música andina.
Extraído de "Hildebrandt en sus 13" Escribe AILEN PÉREZ El músico Manuelcha Prado Alarcón (Lima, 59) nunca aprendió a leer partituras. Elegante y vestido de negro de los pieas a la cabeza, baja las escaleras de su casa en San Juan de Lurigancho sin decir una sola palabra. Se acomoda en un sillón que tiene cerca un retrato de su esposa Josefina, que murió hace dos años, y dice: "Era una mujer de una inteligencia natural extraordinaria. Ella me enseñó a tocar tierra firme las veces que se me subieron los humos. Estuvimos casados treinta años". Manuelcha nació en Lima por pura casualidad. Su madre, Melania Alarcón, se dirigía desde el norte del país a Puquio, Ayacucho, cuando al pasar por Lima, empezaron los dolores del parto. "Mi mamá me tuvo en el hospital Hogar de la Madre, pero de inmediato me llevó a vivir a Puquio. Yo soy un producto ayacuchano. Pero también me siento hijo del cemento", dice Manuelcha. El músico reconoce, sin embargo, que cuando llegó a Lima, hace 40 años, el cambio fue chocante. También a su hermano menor, Percy (57). "Siempre habíamos tenido la ilusión de conocer Lima, y mi madre nos mandó para acá para terminar la secundaria. Cuando llegamos, yo de dieciocho y mi hermano de dieciséis, nos encontramos con una ciudad bulliciosa, prejuiciosa, racista", cuenta. Tenían expectativa por conocer la modernidad, descubrir las salas de cine y ver pasar los automóviles. Lima, en cambió, resultó hostil. "Fue doloroso. No faltaba un patán que te serraneaba, pero yo jamás me sentí menos: lo resolvía a puños", dice. Los hermanos se mudaron a la cuadra 2 de la avenida Colonial. "La música fue el canal que utilizamos para ser aceptados y así logramos un respeto y un cariño incluso de parte de los músicos criollos. Fue difícil, pero lo logramos. Cogimos la guitarra eléctrica, los timbales y el bajo electrónico. Para adaptarnos teníamos que tocar algo que sonara limeño y criollo, por eso, junto a mi hermano y tres músicos andinos, creé el conjunto tropical Tempestad Cinco en la década del setenta. Igual, en el fondo del alma siempre llevábamos la música andina", dice. De los Andes heredó la fuerza del silencio y el carácter. De la urbe asimiló la exigencia, la perseverancia, la necesidad de estar siempre alerta. LA GUITARRA, EL DESCUBRIMIENTO Manuelcha creció en una casa en Pichccachuri, Puquio, con su hermano menor, dos tíos, su tía abuela y su abuela materna. Desde pequeño todaba quena, correteaba a los danzantes de tijeras y se pasaba horas tirado en el campo mirando las nubes, los árboles y los abejorros. "Jugaba fútbol con mis amigos y hacíamos los arcos con troncos de eucaliptos y las pelotas con trapos. También nos pasábamos las tardes bañándonos en la laguna Qoriqocha y, como éramos buenos nadadores, hacíamos competencias", recuerda. Hasta los ocho años no supo leer ni escribir. Su madre, que trabajaba como maestra en un colegio lejos de Pichccachuri, se lo llevó un año y medio para enseñarle ella misma. "El camino duró cinco días, dos en ómnibus interprovincial -mitad camión, mitad bus-, y tres días a caballo. Ella me enseñó y a cocachos aprendí", dice con una sonrisa apenas asomada detrás del largo bigote blanco.
Su madre sólo los visitaba en temporada de vacaciones. Él la recuerda como una mujer racional, preocupada más por el futuro de sus hijos que por los abrazos que podía darles. "Me costó estar lejos de ella, pero me adapté a mi abuela desde muy chico. Todo el cariño de madre lo encontré en ella. Mi mamá era cariñosa a su manera, siempre se preocupó por nosotros y nos apapachaba de vez en cuando", señala. Su crianza, entonces, estuvo a cargo de su tía abuela Patricia y de su abuela Bárbara. "Patricia era severa, castigadora. Me acuerdo que solía guardar detrás de la casa orín en botellas para usarlo como remedio. Los tenía clasificados y recuerdo que cuando estaba mal del estómago me frotaba la panza con pichi parta que se me pasara el dolor", dice. Y añade: "Ella era mi tía castiza. Me enseño a hablar español y todos los refranes que sé". Bárbara era su abuela quechua, cariñosa y llena de una ternura, la que atenuaba la severidad de la tía. "Era tan cariñosa que me encantaba dormir a sus pies. Como a ella le gustaba dormir al ras del suelo, tendía pellejos de carnero o de alpaca y nos tapábamos con frazadas. Ella me enseñó a respetar a los demás y a hablar quechua", dice. Se encontraban con Percy, su padre, en el pueblo de vez en cuando. "El zamarro de mi padre tuvo dos hijos con mi madre y se comprometió con otra señora. Eso le amargó la vida a mi mamá. Yo a veces lo buscaba en las comunidades donde sabía que estaba. Lo encontraba bien emponchado, fumando cigarro Inca y chacchando coca. Aunque estábamos alejados, yo sentía su afecto cuando lo veía. Compartíamos el amor por la música. Él tocaba un poco la guitarra y era un gran cantante", dice. Desde chico pegaba su oreja a la radio para escuchar música criolla y baladas por la emisora "La voz de Lucanas". Tocaba quena en el colegio y tenía un ligero acercamiento a la guitarra, pero disfrutaba tocar para él solo o para amigos. Nunca pensó en ser músico. "Yo quería ser maestro como mis padres, o escritor. De hecho, escribía poemas de amor", cuenta. Un día, en la casa de un tío suyo, encontró una guitarra vieja y abandonada en un rincón y le pidió que se la regalase. "No tenía cuerdas ni clavija y estaba un poco rota, pero la mandé a arreglar donde un maestro e iba todos los días a ver si ya estaba lista", recuerda. La espera duró tres meses, pero valió la pena. Con tan solo doce años, empezó a frecuentar las "chinganas" del pueblo para escuchar al huamanguino Arturo Prado. "Nos empezamos a hacer amigos, pero jamás me prestó su guitarra ni me enseñó un solo acorde, más bien me dijo que si quería aprender a tocar debía primero saber escuchar y entender el valor que tiene el silencio en la música. Lo empecé a admirar. Nunca pensé que con una guitarra podría expresarse todo un sentimiento. Aprendí sobre el espíritu de la música, que antes de saber notas y escalas debía descubrir el alma de la música, la fuerza de la tradición", dice. Los años fueron corriendo. Y un día pasó de colarse en las chinganas a dar serenatas con sus amigos a las chicas que les gustaban. "Me acuerdo que nos parábamos a las doce de la noche debajo de las ventanas de las chicas, pero a una distancia prudente para que los padres no nos botaran", recuerda. Eran noches silenciosas en las que las guitarras se escuchaban a dos cuadras de distancia y la única luz que los alumbraba era la de la luna. Manuelcha coge la guitarra que tiene al costado, la afina con paciencia y empieza a tocar unos acordes. "Tocábamos yaravíes y alguna vez un padre molesto nos botó tirándonos pichi desde el balcón. Pero a mí me cayeron sólo unas gotas", cuenta riéndose. "TOCARÉ HASTA DONDE DÉ LA CUERDA" Su primer concierto importante fue en el Teatro Segura en el año 82. "Mi primer concierto en un teatro lo di sin saber leer ni escribir música. No podía creer el hecho de estar llevando la música andina a un teatro, y con una sola guitarra. Otro concierto que significó mucho para mí fue uno en el Lincoln Center, en Estados Unidos. Sentí la vibración de la gente que hasta ese entonces yo consideraba extraña. El aplauso me sacudió", dice. "Antes buscaba el aprecio externo, pero me di cuenta con los años que ese aprecio, primero, tiene que nacer de uno mismo. En mis inicios sentía que la gente no me apreciaba mucho. La sociedad puede ser un poco cruel a veces con los músicos. Yo nunca dudé de mi talento como artista, pero sí de la posibilidad de encontrar trabajo y de que la sociedad me aceptara. Ahora pienso que si no tuviera para comer, me comería los codos, y que el mundo se vaya al carajo", añade con firmeza y cierta dulzura. Como músico autodidacto, siente que le hubiera gustado estudiar música alguna vez. "Mi pobreza no me lo permitía, era impensable. Pero la vida ha sido mi universidad", dice. Hoy dirige un centro cultural en el Centro de Lima que lleva su nombre y en el que se dictan cursos de guitarra, quechua, canto, violín y vientos. Planea seguir tocando "hasta donde dé la cuerda". "Ya pasó la época de hurgar para ser más virtuoso, eso ya no me interesa. Ahora me interesa la pureza. Antes me preocupaba mucho equivocarme, pero ahora me equivoco con cariño. Siento que he tocado el corazón de la gente y que un maestro, para seguir evolucionando, debe equivocarse. La música siempre ha sido y será mi terapia", señala. ¿Y algún día se cortará el pelo?, le preguntamos. "No, es mi libertad", dice.
Seefeel fue una de las primeras bandas de post-rock que llegaron a mis oídos allá por 1994 cuando cifraba solo 17 años. Recuerdo que el gran Correbala de Colmena me grabó en casette el "Quique" y Eduardo Lenti completó mi colección por aquel entonces con el "Polyfusia" -el recopilatorio de eps para el mercado americano. Lo de Seefeel ciertamente era algo novedoso y hasta radical. Pocos melómanos de la época, entusiasmados sí con Slowdive o My Bloody Valentine lograban compenetrarse con el sonido de Mark Clifford y cía. Sin embargo habíamos quienes, como Correbala, Lenti o quien escribe, alucinábamos harto con sus atmósferas cargadas de loops y sentimientos etéreos aislacionistas y dub. Vaya que nos proveyeron de hermosos vuelos por aquellos años en donde el grueso de melómanos ya ni siquiera prestaba oídos a My Bloody Valentine o Chapterhouse sino que se encontraban estancados en el más enfermo amor por lo refrito, el dark gothic, los dinosaurios tipo Pink Floyd o Bob Dylan, etc. Como algunos sabrán hace una década aprox. existió en Lima una inquieta revista en papel llamada Freak Out! en donde tirios y troyanos se juntaron para aportar con lo suyo al avance de la escena. La revista dejó de existir allá por el 2009 dejando tras de sí varios números en sus 5 años de existencia. Una lástima que actualmente no exista en nuestra escena un medio que funja las veces de órgano difusor no sólo de las estrellas del sistema pero también de las propuestas más arriesgadas e innovadoras, aquellas a los que algunos solitarios recalcitrantes siempre apuntan. ¿Hay algún medio en nuestro país que pueda acercarse a equiparar en valor y dinámicas con una Mojo, una Rolling Stone, una Rock de Lux, una Wire o, mejor aún y sin ir muy lejos, una Super45 (Chile)? ¿Cuántas décadas tiene ya el rock patrio y aún no tiene un medio de comunicación -uno solamente- que le haga honor al rock alternativo y mainstream made in Perú? ¿La música finalmente importa o es solo un montón de archivos y carpetas guardadas en tu laptop que ni siquiera escuchas, una excusa para comprar qué lucir en la universidad o academia y para divertirte en fiestas o discotecass cool? ¿Conoces ese pokemon, viva Le Tongue, harto Siouxsie y Joy? A seguir compartimos con los más inquietos y rajados la entrevista y dossier realizado por parte del stuff de la revista Freak Out! allá por el 2004 al genial Mark Clifford (Seefeel, Disjecta). Algunos han nacido póstumamente...
Gracias a su propuesta rompedora in extremis, Seefeel fue una de esas bandas sin las que el devenir del rock y la electrónica durante los 90s no hubieran sido lo mismo. Tras el póstumo Ch-Vox (1996), sus miembros dieron origen a una saga que, por méritos propios, merece ser tomada en cuenta (Disjecta, Scala, Sneakster, January). Recientemente, pudimos contactar vía e-mail –para alegría de todos los que hacemos esta revista- con el ex líder de la agrupación, el prolífico Mark Clifford. Aprovechando el nuevo impulso que ha tomado el sello Polyfusia Records (propiedad de Clifford), decidimos entrevistarlo y, de paso, conocer más de cerca la génesis de su actividad musical y los avatares de su consagración como soundwriter. Entrevista: Jaime Alfaro, Wilder Gonzales Agreda y Hákim de Merv Lost In Translation: Antonio De Saavedra FO!: ¿Qué estuviste haciendo antes de Seefeel? ¿Hubieron otros grupos previos? Hago música desde que tengo 14 o 15 años, mayormente en malos grupos, con compañeros de escuela. La primera experiencia con la que me sentí feliz se da a los 17 o 18. Estuve en una banda con Mark Van Hoen, quien luego grabaría como Locust. Estábamos muy influenciados por las máquinas de ritmos al estilo de Cocteau Twins, guitarras moduladas y cosas así. Fue bueno. FO!: ¿Y existen grabaciones de ese período? Algunos sellos discográficos se interesaron en nosotros, pero antes de concretar algo, ingresé a la universidad y eso como que lo ensombreció. FO!: ¿Cómo contactaste a los otros miembros de Seefeel? Fue a través de avisos en la prensa musical. Tenía demos de algo de mi música y así encontré gente que parecía interesarles, les mandé algunas cosas y esperé a escuchar sus comentarios. Sarah especialmente parecía impresionada por los demos que le envié, inicialmente ella ingresó como bajista. Daren fue el último en incorporarse. Cuando decidimos que Sarah debería cantar, tuvimos que buscar otro bajista, lo que resultó trabajoso. De hecho, nos tomó mucho tiempo antes de que Seefeel fuera una unidad completa. Es fácil en el Reino Unido encontrar gente que quiera tocar en bandas, pero yo estaba buscando individuos muy específicos. No estaba interesado en gente que pudiera tocar bien su instrumento, era más sobre sus actitudes. FO!: ¿Tenías más o menos claro lo que buscabas con Seefeel o el concepto fue creado conjuntamente con los otros? Creo que tenía una idea clara de lo que NO quería que sea Seefeel, pero lejos de como suene, fue realmente el hecho de lanzar un montón de ideas dentro de una piscina y mezclarlas hasta que escuchara algo interesante. Una vez que decidí qué elementos no me gustaban, fue mucho más fácil hacer cosas juntos. FO!: ¿Compartían un mismo gusto musical o las preferencias de cada quien eran muy diferentes? Todos teníamos puntos comunes de referencia. A todos nos gusta la corriente de bandas de “ruido de textura”, como Sonic Youth y My Bloody Valentine, pero también teníamos preferencias que eran diferentes. Justin estaba muy metido en el blues, Sarah en la música indie británica, y Daren gustaba mucho de la música alemana de los 70’s. En el tiempo en que concebimos a Seefeel, yo estaba muy adentrado en la música dub y en algo de música contemporánea sampleada. FO!: ¿Por qué razón se desmembró Seefeel? Fueron varias razones realmente. Por ejemplo, hacer varias giras creó demasiado stress dentro de la banda. Realmente no disfruté mucho hacer giras. Es decir, me gustaba estar en el escenario porque creo que sonábamos bien en vivo, pero los otros aspectos, como viajar de un lugar a otro y la presión antes de los conciertos y las incontables entrevistas fueron apremiantes. Además, yo estaba muy metido al mando de Seefeel y creo que los otros miembros querían expresarse por sí mismos, entonces fueron e hicieron Scala y nunca nos recuperamos de eso. Nosotros no nos hemos separado, en realidad. Sólo paramos de grabar. FO!: ¿Obedeció a la disolución de Seefeel la salida “póstuma” del Ch-Vox? Richard (D. James, Aphex Twin) y Grant en Rephlex nos pidieron hacer un disco para ellos un tiempo antes de que firmáramos por Warp. Convenimos en un trato por 5 álbumes con Warp, pero aún queríamos hacer el disco para Rephlex, entonces pensé que sería interesante tratar algo un poco diferente, un poco menos completo. Quique y Succour son álbumes en base a una banda. Así yo haya hecho mucho del trabajo musical, ambos tienen los elementos de una banda: guitarra, vocales, bajo, batería, etc. Ch-Vox parecía una buena oportunidad para dejar de lado el formato de grupo-para-un-álbum y hacer algo más esquelético. Nunca fue grabado como un álbum final, aunque históricamente como que eso parece. FO!: ¿Te mantienes al habla con tus “ex” compañeros? Ocasionalmente hablo con Daren. No he visto mucho a Sarah o Justin. FO!: ¿Qué opiniones te merecen Scala y January? Scala estuvo bien. Es difícil para mí hacer mayores comentarios, porque, después de todo, no estuve envuelto en esos discos, conocía a la gente bastante bien y escuché cosas antes de que fueran lanzadas. January no era realmente de mi gusto. Como dije antes, Sarah siempre fue más que nada una chica indie pop. Pienso que ella está en su elemento con January.
FO!: ¿Cómo ocurrió el contacto con Cocteau Twins para hacer las remezclas del Otherness EP? Siempre fui un gran admirador de Cocteau Twins, y cuando grabamos como Seefeel y lanzamos nuestro primer EP en Too Pure (More Like Space), envié una copia a Elizabeth, sólo para decir gracias por toda la música que hicieron y que fue toda una inspiración. No esperé ninguna respuesta, era sólo un gesto. Pero recibí una carta de Robin (Guthrie) diciendo que le había gustado el EP y nos invitaba a encontrarnos para tomar una taza de café. Todo empezó de allí. Él me preguntó si deseaba hacer alguna trabajo de remezcla para ellos, y básicamente me llevó a un cuarto lleno con todas las cintas de estudio de Cocteau Twins y me permitió escoger cualquier canción que deseaba. Me sentí como un niño de 6 años al que le permiten tomar cuantos caramelos que se le antojen de la dulcería. Hacer esas remezclas fue un trabajo de amor para mí y todavía los considero como algo del mejor trabajo musical que he realizado. FO!: Fue una sorpresa total encontrar algo tuyo en Delay Tambor, la colección de remixes de Silvania, encargándote de “Trilce (3Lc)”. ¿Has continuado la carrera de Silvania después de eso? Para ser honesto, nunca había escuchado a Silvania hasta que recibí un CD a través del correo, preguntando si podría hacer una remezcla. No puedo recordar mucho de eso porque ocurrió en un tiempo de mi vida cuando todo era un poco borroso. Ocasionalmente escuché algo de ellos después y siempre sonaron bien, aunque sentí que ellos nunca llevaron las cosas hasta el límite. Pero esa es sólo mi opinión, y conozco un montón de gente como Silvania, lo que está bien. FO!: Sabemos que tuviste contacto con Christian Galarreta de Evamuss hace años. ¿Has escuchado algún otro acto peruano aparte de Evamuss y Silvania? No, conozco muy poco sobre Perú o su música. Estoy seguro que hay mucha música interesante en Perú. Es que el mundo es tan grande, hay tanta música que es inevitable perderse muchas cosas buenas. Pero si me dan alguna recomendación desearía conoce más. Me gustaría tocar en Perú, así podría conocer un poco más de su país. FO!: ¿A qué inquietudes respondió el nacimiento de Disjecta? Bueno, Disjecta comenzó en realidad por accidente. Mucho del material tempranamente compuesto para Warp eran sólo pistas que escribí cuando tenía algunas horas libres de Seefeel o cosas que hice tratando de usar el equipo de estudio. Nunca consideré eso como un disco, pero Steve en Warp escuchó algunas de esas pistas; y quiso lanzarlas y estuve de acuerdo. Fueron realmente un par de discos muy directos. No regreso a ellos mucho. Prefiero la música que estoy haciendo bajo el nombre Disjecta actualmente. Es más fuerte, con guitarras. Como hace mucho no las cogía, me siento satisfecho, feliz de volver a usarlas. FO!: Un crítico de por aquí (Eduardo Lecca se llama el pájaro) definió el Clean Pit And Lid Pit como un Filigree & Shadow (del colectivo etéreo This Mortal Coil) orquestado por Bruce Gilbert y Graham Lewis de Wire. Esa es una buena definición. Me gusta mucho lo que hizo Wire, en especial lo de Gilbert y Lewis, como banda y como proyectos en solitario. Ellos tienen una buena mezcla de experimentación con entramado musical. FO!: ¿Cómo definirías Sneakster en relación con Disjecta? Bueno, Sneakster fuimos realmente yo con mi amiga Sophie trabajando un álbum. Le soy indiferente. Está bien. Creo que me desconcierta porque me divertí al hacerlo, y devino en esta extraña cosa pop y no estuve muy cómodo con eso. Tiene carencia de espacio y ambiente, es completamente no-sónico. Pero sé que mucha gente lo disfruta. FO!: ¿Qué clase de material ha sido editado por Polyfusia Records? La razón por la que quise hacer mi propio sello era lanzar discos ocasionales sin la presión de tener que vender un cierto número de unidades. Todavía me siento parte de la familia Warp, pero hay mucha de mi música que ellos no lanzarían porque nos separamos musicalmente. Por ese motivo, no estuve lanzando nada de música durante algún tiempo. Entonces decidí crear un sello. FO!: ¿Es cierto que vas a lanzar un trabajo acreditado a Seefeel junto a Aphex Twins que se mantuvo inédito? Tengo toda clase de remezclas, versiones alternas de canciones, tomas en vivo y cosas por el estilo que Seefeel hizo, harto material inédito. Un número de sellos discográficos han pedido hacer una antología de algún modo, pero estoy bien ocupado con mi propia música por ahora. De repente algún día todo eso pueda ser lanzado, pero por ahora veo más que nada al futuro que al pasado. FO!: ¿Cómo describirías los 3 discos que hiciste con Seefeel (sin contar con el tempranero recopilatorio Polyfusia)? Quique llamó mucho la atención tanto de fans como de prensa. Hubo mucha expectativa con nuestro segundo álbum, y yo no quería hacer un Quique 2. Fue importante hacer algo diferente, entonces Succour surgió como el oscurísimo hermano o hermana de Quique. Además, fue grabado en un tiempo en que me sentía personalmente muy saturado por todo y creo que eso influenció en el sonido. Es un disco muy pesado comparado con Quique. Y Ch-Vox, como ya expliqué antes, es más que nada un desviación del formato de banda de nuestros dos primeros discos, pero también es un disco más confidente porque tuvo menos presión. Pienso que Ch-Vox es más cercano a Quique en ese aspecto, es menos complicado.
Seefeel -photo by Maciek Photography
ME ESCUCHÉ A MÍ MISMO EN TI SEEFEEL Ve y siente. De nombre inspirado en el tema “See Me Feel” del grupo Charlottes, este cuarteto inglés aperturó para la electrónica y el post rock nuevos mundos subacuáticos. Lo logró explotando esos detalles ornamentales que en los discos de la etapa clásica de la 4AD duraban segundos, convirtiéndolos en extensas jornadas a través de susurrantes elongaciones, de omnipresentes atmósferas compuestas de capas sobre capas de sonidos etéreos (herencia de los gemelos Cocteau) y técnicas de estudio (herencia de My Bloody Valentine). “El sonido de Cocteau Twins para el siglo XXI”, decía la Factory en 1996. Nunca más de acuerdo. Integrantes: Mark Clifford, Sarah Peacock, Justin Fletcher y Daren Seymour. DISJECTA Programaciones sobresaturadas, mistérica observancia electrónica, autismo dance. Invocando a Scorn y a Bowery Electric, pero también al omnipresente Aphex Twin, Mark Clifford se distiende con estos ejercicios de destemplada raigambre digital. Sea conectando referencias afines (el Aphex, Oval), sea edificando piezas de una intrigante, desapacible belleza hipnótica, Disjecta le ha quitado solemnidad a la dialéctica del avant garde, y ensanchado el horizonte para la llegada del discurso del Error, aunque no participe del festín. Único integrante conocido: Mark Clifford. SCALA Dulces sueños de sofocante paranoia. El lado más duro (léase industrial) del trip hop fue la herramienta de la que se valió Scala para verbalizar sus enrevesadas excursiones en el inconsciente, sus visiones como mínimo distópicas del futuro de la raza humana. Un viaje opresivamente irreal: dañino para nuestra salud mental en eso que llamamos vigilia, pero redentor para el perverso doppelganger que se agita mientras dormimos. Integrantes: Daren Seymour, Justin Fletcher, Sarah Peacock y Mark Van Hoen. SNEAKSTER Seefeel goes pop. Trippy, baggy/bliss pop, ambient minimal, son alguno de los aspectos que esta nueva incursión de Clifford, al costado de Sophie Hinkley, recombinara desde un formato netamente pop. Algunas de ellas siguen a Mark desde Seefeel, mientras que otras conforman el background de la señorita Hinkley. Sneakster ha pasado a mejor vida, pero ahí está el testimonio de sus discos: ideal para aquellos que gustan de nuevos sonidos, pero cuya voracidad está condicionada por el espíritu pop. Integrantes: Mark Clifford y Sophie Hinkley. JANUARY Sarah Peacock goes pop. Operando desde las coordenadas del pop artesanal, January puede ser considerado un grupo menor frente a los antecedentes de la Peacock, pero con momentos francamente mágicos. Adiós a la experimentación, a las marcianas voces suspendidas y/o sugeridas, a los oscuros paisajes artificiales. Bienvenidas la melancolía, los aires road pop, las canciones intimistas, las letras confesionales... Integrantes: Jonny Wood, Nick Robbins, Sarah Peacock y Simon Mc Lean.
ME ESCUCHÉ A MÍ MISMO EN TI HISTORIAS DESDE LOS OCÉANOS TOPOGRÁFICOS Discografía De Seefeel Polyfusia (Too Pure, 1993/Astralwerks, 1994) Disco de adquisición obligada, la mejor manera de empezar a familiarizarse con la obra de uno de los grupos más rompedores de la década pasada. Un tanto difícil de conseguir a estas alturas, pero vale lo que se dice su peso en oro, no lo pienses dos veces... Ah, ¿todavía estás leyendo? Bueno, entonces te cuento por qué. Polyfusia recopila los seminales –y hoy inhallables- maxis que facturó el cuarteto desde sus inicios hasta la publicación de su primer larga duración en sentido estricto, el tremendo Quique. La recopilación demuestra fehacientemente que fueron los dirigidos por Mark Clifford los primeros en hibridar de forma natural –desprejuiciada sensibilidad oceánico-empática mediante- el post rock, el dub, el ambient y la electrónica... ¡cuando la mayoría de estos géneros estaba todavía en ebullición! Quedan para el recuerdo el ímpetu bailable de “Come Alive”, las ondulantes guitarras arrastrándose sobre bases electro en “Moodswing”, el bravazo crossover estilístico de “More Like Space” y el notable ejercicio dancístico de “Plainsong” (correspondido, en onda que a la larga adoptaría digamos “Purple” de Gus Gus, por “Plainsong (Sine Bubble Embossed Dub)”). Párrafo aparte para los remixes del ubicuo Aphex Twin. La melodía misteriosamente seductora de “Time To Find Me” (¡grande, Sarah Peacock!) es retransmitida desde las coordenadas ambientales de un entonces debutante Mr James: primero (AFX Fast Mix) escudada en el input del Selected Ambient Works 85-92 (1993) –que acercó los descubrimiento de Brian Eno a las discotecas-, y luego (AFX Slow Mix) bajo la mirada extraterrestre del Selected Ambient Works Volume 2 -editado en 1994, la música del big bang; pensemos en “(Cliffs)” o en “(Grass)”-. En ambos casos, no se pierde el nervio noir del original. ¡Score! (Hákim de Merv) Quique (Too Pure, 1993) “La vanguardia de hoy será el pop del mañana” reza un viejo y conocido proverbio que hay en la música. Han pasado más de diez años desde que Seefeel lanzara Quique y, como desafiando al tiempo y a cualquier dicho, este disco sigue sonando tan avant-garde como aquel entonces. Adelantadazo. Pero, ¿qué hace tan maravillosa a esta genialidad, que la mantiene tan vigente y fresca, como recién salida del estudio en pleno siglo XXI? Mark Clifford es un visionario, alguien que gusta de experimentar mucho con sonidos sin dejar de lado lo armónico (no abusa del ruidismo), siempre buscando en el resultado final la belleza musical a través de su bienamado dub. Esos efectos guitarreros teniendo por base una electrónica llena de ritmos repetitivos que suben y bajan como las olas del mar, hacen de Quique un disco que puedes escuchar miles de veces y al que, sin embargo, siempre le encontrarás un nuevo sonido, una vía distinta por donde deslizar tus sentidos. Canciones como “Climatic Phase 3”, que funciona como un rompecabezas que se va armando conforme avanza la canción y termina por desarmarse casi en el ending de la misma; “Charlotte’s Mouth”, un viaje interminable al borde del cielo que tiene como guía la celestial voz de Sarah Peacock; “Plainsong”, que fácilmente pudo haber sido un paradigma dance de los 90s, como lo fue “Blue Monday” en los 80s, guardando las distancias por supuesto. Una invitación total al baile. Es cierto, la música, sobre todo la electrónica, ha evolucionado mucho en estos últimos diez años. Quizás ahora se puedan hacer diez discos parecidos a éste, pero ojo, parecidos nomás. Porque igual al Quique… ¡jamás! (Jaime Alfaro) Live In Brussels (Bootleg, 1994) Certero registro en vivo de Seefeel, que circula desde hace ya algún tiempo entre alguna gente en Lima, perteneciente al tour promocional de su brillante Quique. Asistimos a un recital en el que el grupo plasma, tal cual son en estudio, los temas más representativos de aquel disco del 93. El concierto empieza con una hipnótica “Climatic Phase 3”, tocan también “Charlotte’s Mouth” y, claro, el single “Plainsong”. Si bien calculamos que hay sólo unas 70 personas entre el público, puede notarse que todos ellos están entregados al éxtasis de la música de Seefeel. Para finalizar el recital, tocan un tema del -por entonces inédito- Succour, seguramente como “encore”. Bien por los belgas, que pudieron disfrutar en su momento la genial música de este vanguardista line up inglés, y, bueno, bienaventurados los pocos peruanos que pueden, todavía, mantener una mente alejada, o elevada, gracias a ellos. (Wilder Gonzales Agreda) Starethrough EP (Warp, 1994) Starethrough EP es uno de los dos eslabones (el otro es Fracture/Tied) que median entre el Quique y el Succour (1995). Está hecho con percusiones electrónicas, sí, pero no se pierde la presencia de las guitarras en ninguno de los 4 tracks de esta pequeña obra maestra. Los cortes más sobresalientes, por su extraña aura pop, son “Starethrough”, un canto de hembras alienígenas invadido por percusiones minimales, y “Spangle” que semeja un llamado para asistir a catedrales en otro planeta. Los otros dos temas, “Air-Eyes” y “Lux 1”, son más calmados y aislacionistas, con ritmos sutiles y ausencia de cualquier modalidad melódica. Toda una joyita de EP, que bien merece ser reeditada, o incluida en una posible antología de estos genios. (Wilder Gonzales Agreda) Fracture/Tied (Warp, 1994) 12’’ que le sirve al cuarteto para relajarse en comunión con un feeling percusivo-industrial, esta vez sí despojado de sus incandescentes guitarras (de las que, si acaso, sólo quedan atisbos). Es, por el contrario, un dub fantasmal el que reboza/retoza tanto en “Fracture” -incluida tal cual a posteriori en Succour- como en “Tied”. La brevedad de este artefacto no nos da mucha tela por cortar, así que sólo apuntaremos dos cosas. Primero, que, en retrospectiva, es válido reconceptuar a este 12’’ como un campo de pruebas para lo que sería el tremendo debut de Disjecta un año después (ver reseña respectiva). Y segundo, que “Fracture” es quizás lo más tonero que alguna vez haya hecho Seefeel. Sus connotaciones apolíneas contrastan con la ominosa fisonomía dionisiaco-onírica de “Tied”. Algo así como las dos caras de una misma moneda. (Hákim de Merv) Succour (Warp, 1995) Tan sólo 2 años después del genial Quique, Mark Clifford y compañía crean un disco tan trasgresor e hipnotizante como aquel que los convirtió en grupo de culto en ciertos círculos. Este Succour iguala la hazaña desde el saque con una excelente pieza netamente aislacionista, “Meol”. Luego, el disco se va tornando más percusivo con la exageradamente minimal –y por ello encantadora- “Extract”. Recuerdo haberle comentado a algún amigo, cuando recién escuché esta gema, que al oírlo se me hacía inevitable imaginar a seres de otro mundo llamándome insistentemente desde algún lejano mundo, utilizando su propio lenguaje –novedoso para mí-, mientras yo me encontraba perdido en el espacio. Sin duda, este disco es una experiencia fuerte y reveladora. A lo largo del Succour, la voz de la marciana Sarah Peacock está tratada, pero el preternatural efecto logrado se debe, en mucho, a su extrañísima vocalización. Así lo podemos comprobar en temas clásicos de la vanguardia noventera como la enervante y repetitiva “Fracture”, “Gatha” o la expresiva “When Face Was Face”. Las atmósferas neo-tribales que imperan en Succour, debido a lo minimalista de las múltiples percusiones, se ven complementadas con las pinceladas trazadas por la guitarra de Mark Clifford, quien explora al máximo las texturas, los timbres y las tonalidades de su instrumento, como sólo un post-rocker sabe hacerlo. Succour es, pues, otra de las valiosas lecciones que estos ingleses tuvieron a bien impartir en el clímax de su alucinado esplendor. (Wilder Gonzales Agreda) Ch-Vox (Rephlex, 1996) Como parece sugerir su portada, Ch-Vox puede asimilarse como un viaje de exploración sonora hacia parajes inmateriales, oscuros y misteriosos. Un tema como “E-Hix” ilustrará dicha idea mejor que estas palabras. El último disco de Seefeel quizás sea el más difícil, el más minimalista. No lo sé. Lo cierto es que sí es el más breve (33 minutos), y que –también- resulta subyugante. Loops de interminable repetición, rítmicos a veces (“Hive”), inquietantemente apacibles en otras (“Utreat (Complete)”), actúan como soporte de las divagaciones instrumentales de Mark Clifford y sus guitarras (“Ch-Vox”), pianos y sabe Dios qué otros instrumentos. Es que casi todo, incluso las contadísimas participaciones vocales (no cantadas, ojo), ha sido objeto de procesamiento y conversión. Ch-Vox puede catalogarse como un disco de ambient, pero, teniendo en cuenta el cliché que ello representa, no sería justo someterlo a semejante encasillamiento. A diferencia de otros paradigmas del subgénero, muestra un uso funcional y no absolutista de la electrónica. Además, posee sets completos de despliegue creativo, cuya complejidad y nervio (“Net”) evidencian la presencia de manos e inteligencias musicalmente superiores a las de cualquier máquina. (Fidel M. Gutiérrez) PESADILLAS EN SUSPENSIÓN ANIMADA Discografía De Scala Lips & Heaven EP (Too Pure, 1996) Unos Laika narcotizados. Unos Cranes afanosamente fagocitado por la electrónica. Space Age Bachelor Pad Music en ácido. Sencillamente genial este as bajo la manga de Justin Fletcher, Sarah Peacock, Daren Seymour y un ilustre invitado. Cuando empezábamos a prenderle velas a Seefeel, tres de sus cuartas partes editan, en complicidad con otro Mark (Van Hoen, de Locust), este extended que funde las resonancias factoriales de inspiración industrial-futurista, la oscura cadencia orgásmica del mejor trip hop (Massive Attack y Portishead, por supuesto), y las soñolientas texturas del exótico sonido lounge marca 50s-60s. El corto viaje empieza con “VDT”, de explícita direccionalidad trippy. “Pain And Pleasure” evoca esas fases de nocturna somnolencia en las que sabes que estás soñando vívidas fantasías y/o tortuosas alucinaciones, y no quieres despertar (los arreglos nos recuerdan un poco al maestro Juan García Esquivel). La pesadillesca “Tears” es un claro antecedente de lo que lograría Scala en Beauty Nowhere (¿cuánto le debe este excitante rollo nightmare-cool a la increíble “Enjoy” de nuestra adorada Björk?). Y “Trptych” nos regresa al estado de vigilia, en lo más rítmicamente pop ofrecido por este notable EP. Lo que se dice un auténtico crisol. (Hákim de Merv) Beauty Nowhere (Touch, 1997) ¿Y cómo sonaría finalmente Seefeel sin Clifford? Había mucha expectativa por escuchar el primer LP de los ex integrantes de Seefeel, que junto con el prestigioso músico electrónico Mark Van Hoen (Locust) daban pie a este proyecto llamado Scala. Y la verdad que el resultado sorprende gratamente. Beauty Nowhere es un debut más que prometedor, con una leve resaca del sonido Seefeel; pero dejando la sensación, luego de poco más de 40 minutos de oír el disco, que esta música va en busca de su propia identidad, algo que de lejos logran conseguir. Aquí como en Seefeel, la voz de la Peacock sobresale en melodías de todo calibre (“Naked”, “Torn”, “Think In Japanese”, “Heart Of Glass”), y esto se debe básicamente a que su presencia en las composiciones cobra mayor protagonismo (aparece acreditada en todos los temas). Asimismo, Fletcher y Seymour se lucen en la percusión y bajo, respectivamente, demostrando aquella creatividad que permaneció eclipsada parcialmente en sus tiempos con Clifford. Y claro, no podíamos olvidar al reconocido Van Hoen, que funge de productor y a la vez se encarga de la construcción de los diversos sonidos electrónicos. Cabe destacar que el disco completo fue elaborado con la participación total de los cuatro integrantes (excelente trabajo grupal), incluso si se trata de material ajeno: me refiero a “Heart Of Glass”, original de Blondie, y que Scala transforma eficazmente para las pistas de baile actuales (aunque acá en Lima, como era de esperarse, pasó desapercibida). ¿Todavía se preguntan cómo suena Seefeel sin Clifford? Por supuesto que 100% a Scala. (Jaime Alfaro) To You In Alpha (Too Pure/Tokuma, 1998) Único disco grabado para Too Pure Records (sin contar el Lips & Heaven EP, tampoco el Slide EP -totalmente recopilado aquí-), To You In Alpha arroja como resultado poco más de 45 minutos con temas de una atmósfera bien elaborada, y con un sonido más maduro por parte de los ex Seefeel+Mark Van Hoen. “Slide”, la primera canción, es la perfecta introducción al input de Scala, en el que mucho tiene que ver la magnífica voz de Sarah Peacock, quien muestra una mayor evolución interpretativa que en Beauty Nowhere. La música continúa con “Remember How To Breath”, que nos remite al sonido de los primeros Curve o a la propia Björk. “17765744G (Excerpt)” es el primero de los tres temas instrumentales del To You… (poco más de un minuto), siendo un pequeño respiro para todo lo que el plástico nos tiene reservado. Precisamente en “Colt”, aparece el duro sonido de las guitarras bajo un efecto distorsionador proveniente de la voz de Peacock. En “Wires”, la música se apacigua, con la lenta percusión de Fletcher y una vez más la encantadora vocalización de Sarah. “Blank Narrow Shut” nos termina de convencer: estamos ante un gran trabajo. No puede ser de otro modo con ese mágico secuenciador, la perturbadora distorsión de la guitarra, y un clima atmosférico producto de los más que patentes efectos electrónicos. A partir de “Eyes Alpha”, el disco entra en un clima melancólico, calmado, lleno de lúdicas melodías y sonidos, que continúan hasta “Palace”, penúltima canción. Esta parte nos muestra pasajes de suma belleza, sobretodo con “Be Together” tal vez el mejor tema de este disco. Para finalizar, nos encontramos con un instrumental de dos minutos, en el que Fletcher nos regala un solo de percusión que es acompañado únicamente por una fuerte guitarra. Memorable. (Jaime Alfaro). Compass Heart (Touch Tone, 1998) El gemelo freak del To You In Alpha (de hecho, ambos se lanzaron en simultáneo). Scala ahonda considerablemente su faceta experimental usando la guitarra tratada con un efecto que remite al material más tempranero de Seefeel, si bien la producción de Van Hoen es diametralmente opuesta (el electro más conspicuo inunda nuestros tímpanos desde “Honey Like”). Concedo que las vocales de la Peacock no andan revestidas de la fuerza de la que hicieran gala en el To You... o en Beauty Nowhere. Pero conforme avanza el láser, se tornan extrañamente conmovedoras, proveyendo a este Compass Heart de un contrapunto vívido para los muchos números verdaderamente siniestros que tiene el disco: la dilatada “Rid On”, una inquietante “Broken Down Beauty”, “Mahatma” y “Spread Your Wings And Fly”. A la altura del Beauty Nowhere (pero sin el gancho de aquel, claro). (Hákim de Merv) RUIDO Y COLORISMO Discografía De Disjecta Disjecta 1.0: Looking For Snags Here (Warp, 1995) Mientras los desolados planos sonoros de ambient pop que dibujó Seefeel en Quique y Succour transformaban definitivamente la electrónica de los 90s (junto a otros nombres, claro está: el Gemelo, Autechre, Third Eye Foundation y un largo etcétera), y con el grupo madre iniciando su prolongada hibernación, Mark Clifford se da un tiempo para editar este impecable debut de su primer alias solista. Si nos atenemos a las declaraciones del propio autor sobre estas nuevas correrías, referidas a temas sin acabar y básicamente impulsadas por la entusiasta gente de Warp, habrá que sorprenderse en extremo ante esta nueva genialidad de la saga Clifford. Aunque algo desgarbado, el sonido del plástico es un acercamiento al ambient electrónico nacido en la intersección del aislacionismo y el industrial menos evidente. Un imaginario dominado por el misterio es el catalizador para que este demoledor Disjecta 1.0: Looking For Snags Here se deshaga en climas persecutorios (“Here”, que samplea la voz de Elizabeth Frazer -alargando la conexión con Cocteau Twins surgida después del Otherness EP-), imponentes zarabandas rítmicas de ultrajante diapasón (“Looking For Snags Here”, “K-Bop”, “Skeeze”), cinemáticas vibraciones explosivas de un solo acorde (TODO EL DISCO). Estilísticamente, Disjecta 1.0... concilia los descubrimientos de los dos volúmenes Selected Ambient Works del Twin, y precede por meses a las florituras erróneo-combinatorias de Oval (“Dormin”, “Focemaker”, “Alum Chine”). Ahora que voy escuchándolo por quinta vez seguida, los cuestionamientos no dejan de hacer presa en mí. ¿Por qué “#$%&/@ dejé que el polvo se acumulara sobre él, literalmente durante años? (Hákim de Merv) Clean Pit And Lid Pit (Warp, 1996) Este segundo álbum de Disjecta es la prueba palmaria de los logros alcanzados por los post rockers en la pasada década. El primer track, “Gammi”, con sus percusiones y sus ambientes electrónicos es, qué duda cabe, una bella pieza hipnótica y hasta podría decirse ideológica; “Conviction Hic” repite el esquema pero con un aura diferente, aquí los sonidos son más intrigantes o enigmáticos. El disco nos muestra también una oda a Brian Eno titulada “Are You An Echo?”, además de otro tema que la haría linda en cualquier rave limeña como es “Kracht”. “Sudden Squeeze” también está hecha para bailar, pero su elaboración ha sido más original, con detalles que la emparentan con otros actos del sello Warp, como Autechre, Mira Calix, etc. Finalmente, hallamos fuerte influencia del Sleep With The Fishes (4AD, 1988) de Michael Brook y Pieter Nooten en un tema como “Is That Really It?”. Clean Pit And Lid Pit es, pues, reflejo del furor extraterrestre que asaltó a la música más innovadora de los 90s, ya sea en la hecha a base de guitarras o, como en este caso, a la realizada a partir de aparatos electrónicos. (Wilder Gonzales Agreda) True Love By Normal EP (Polyfusia Records, 2003) El último CD de Disjecta, editado por el sello del propio Mark Clifford, persiste en lograr, en mi opinión aún más que antes, el objetivo que viene persiguiendo desde la década anterior con su proyecto personal: a saber, la consecución de un sonido avezadamente vanguardista. Estos cuatro tracks que conforman True Love By Normal EP carecen de percusión, toda una novedad en la carrera del inglés. Son procesos digitales que crean atmósferas, francamente, de otro mundo. Si quieres una pista, podría decirse que True Love… EP está influenciado por los trabajos de los alemanes Microstoria, pero también encuentro en este Disjecta versión 2003 ecos super metamorfoseados del tema que abría el fundamental Quique de Seefeel –ya sabes, harto delay y repeticiones minimales-, lo cual lo hace fiel reflejo del cerebro de Mr. Clifford. Podría decirse además, como en el track final, “Feeding Buzz”, que este extended es un pequeño catálogo de sensaciones que, en el lejano futuro, los humanos encontraremos en la vida diaria, al lado de nueva tecnología y, claro, nuevos acompañantes. Todavía Mark Clifford está destinado a realizar grandes hazañas, puesto que, como vemos, talento le sobra. (Wilder Gonzales Agreda) JUST SHOOT ME Discografía de January I Heard Myself In You (Poptones, 2001) El debut en 33 rpm de January, producido por Mads Bjerke (quien hiciera en paralelo lo propio, junto a Jason Pierce, para el Let It Come Down de Spiritualized), refuerza la impresión que nos dejara “All Time/I Heard Myself In You”, su single de 1999. January es una banda situada en la primera línea del pop artesanal, al lado de gente como los Arrogants o Pinkie, pero también involucrándose con grupos más de perfil bajo (como Silent Kids y Desolation Angels). Está bien, los muchachos no serán unos Belle & Sebastian o unos The Soundtrack Of Our Lives, ni tendrían por qué intentarlo: su indie pop ligerito es efectivo, no esconde mayores pretensiones, y tiene una melodía que, cuando realmente se inspira, mata sin compasión. Despuntes: “Through Your Skies”, la inmensa “I Heard Myself In You Part 2”, la extensa “Falling In” (cuya guitarra recuerda un poco al Pink Floyd de Gilmour), “Fused”. Asegura Clifford que Sarah Peacock está aquí en su elemento natural. Si es así, no se nota mucho, ya que quien lleva la voz cantante en I Heard Myself In You es Simon McLean, fluctuando entre Gerard Love (Teenage Fan Club) y el improbable registro de un Nick Drake barítono. ¿Se animarán a seguirla? (Hákim de Merv) ASTILLADOS EN DULCES MELODÍAS ¿Y Sneakster? Con Disjecta desactivado durante el período post Clean Pit And Lid Pit, y tras su efímero experimento Woodenspoon, estaba Mark Clifford ganoso de regresar al formato de banda, cuando la casualidad acudió en su ayuda de forma bastante curiosa. Una noche de 1999, en el Milk Bar de Londres, el artista conoció a Sophie Hinkley, vocalista de formación jazzera y timbre exquisito, en medio de una velada que sería a la larga beneficiosa para los dos. La química fluyó tan naturalmente entre ellos que, luego de esa noche, ambos músicos empezaron a escribir juntos el material para este nuevo proyecto. Sneakster debuta ese mismo año en Bella Union (casa discográfica de los ex Cocteau Twins Robin Guthrie y nuestra bienamada Liz Frazer) con el EP Splinters. Apenas 20 días después, se publica su puesta de largo, Pseudo-Nouveau, que cocina en clave popera, y bajo parámetros a la medida de la frágil voz de la Hinkley (entre seductora y resignada), las mismas influencias manejadas por Clifford desde los días de Seefeel: dream pop, ambient minimalista, techno experimental. Ah, y una escurridiza dotación de trip-hop. La edición americana (Pseudo-Nouveau/Fifty-Fifty), lanzada un año más tarde, incluiría íntegramente el 50/50 EP, breve camping de remezclas que la dupla trabajara al alimón con Robin Guthrie (y que trae un tema nuevo, “Kinda Blue”). Lamentablemente, ha sido el propio Clifford quien manifestó, en calidad de primicia exclusiva para esta revista, que el dúo ya fue. “¿Sneakster pertenece aún al catálogo de Bella Union o ahora es parte de Polyfusia Records?”. “Es parte de Bella Union. No haré nunca más otro disco de Sneakster”. (Hákim de Merv)
EL OTRO YO COCTEAU TWINS Otherness EP (Capitol, 1995) No recuerdo exactamente cuándo fue que esto de los remixes perdió el sentido original de su ser. Quiero decir, se supone que, en un principio, de lo que se trataba era de poner al agasajado patas arriba (head over heels, ja, ja), no de borrarlo. Si el cambio de status fue para bien o para mal, eso ya depende de cada uno. Yo pienso que fue para bien: el acto de remezclar a tu artista favorito se convierte en una excusa para desplegar un batallón de delirios electrónicos, rescatando del material original elementos tan pero tan pequeños, que el producto final es definitivamente otro tema. En Otherness EP, Clifford recibe el encargo de viabilizar un efectivo contrapeso vanguardista para el hermosísimo acústico Twinlight EP (invitación con la que nuestro héroe se sintió muy honrado). Si exceptuamos el respetuoso mixing de “Cherry Coloured Funk” (del Heaven Or Las Vegas; el único detalle es que ha sido privada de toda percusión), veremos que el trabajo del ex Seefeel se basó más en una suplantación que en una reconstrucción. Tanto en “Feet-Like Fines” (del Victorialand) como en “Violaine” y “Seekers Who Are Lovers” (editadas un año más tarde en el testamental Milk & Kisses), las esquirlas repescadas de las tomas originales sólo cumplen un simbólico papel de tapizado dentro del contexto de los remixes. La sensibilidad oceánica del Mark devora los componentes primarios, y regurgita tres números rebosantes de ambient onomatopéyico que, curiosamente, no están reñidos con el clásico sonido Cocteau. Un pequeño fetiche para todos los públicos. (Hákim de Merv) BONUS: SEEFEEL- SEEFEEL (2011) 15 años después de su anterior álbum, (Ch-Vox), y Seefeel hacen un regreso sorprendente; No sólo con un álbum que reviva la shoetronica retrocediendo a su apogeo de mediados de los años noventa, pero con algo completamente nuevo y refrescante; en la opinión de este escucha su mejor álbum hasta la fecha! 'Seefeel' suena como el siguiente paso lógico en una estética que Succour estaba insinuando; (Ch-Vox) era más de una línea lateral dark ambient. Lo que siempre me ha gustado de Succour, especialmente en comparación con los discos de Too Pure, es que la belleza ostensible, que consistía predominantemente en la voz de Sarah, siempre fue compensada por un tono oscuro o presentimiento, impidiendo que las cosas se endulzaran o se tornaran solemnes... 'Seefeel', aunque en última instancia no tan siniestro como Succour, utiliza esta idea de una manera muy eficaz. El estilo en el que Seefeel ha evadido varios arquetipos de género como drones de acordes de guitarra y los reemplazó con brillantes explosiones de estática es una proeza atrevida e impresionante; es similar a la minería de los materiales para hacer melodías de fuentes menos obvias. Debe haber sido mucho más difícil de hacer, pero en última instancia, mucho más gratificante. La verdadera originalidad es un producto escaso en la música en estos días; encontrar algo que suene rudimentariamente como cualquier cosa en su periferia musical es algo muy raro y precioso. El nuevo LP homónimo de Seefeel hace eso y no puedo recomendarlo lo suficiente! (Vephtode)
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PROMO DEL CD DE FRACTAL
barbarismos
El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.
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realismo capitalista peruano, ¡ja, ja!
rojo 2
es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo
En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez.
«Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.
MARK FISHER.
perú post indie
Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños. Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo... Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?
FRED ROHNER Historia Secreta del Perú 2
as it is when it was
sonido es sonido
pura miel
nogzales der wil
RETROMANÍA
"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia."
SIMON REYNOLDS
Retromanía
jugando con fuego
"Lo único que tenemos en común en esta banda es que nunca hemos sentido realmente que este es nuestro tipo de planeta."
kpunk
No olvidar qué somos.
Llegó Julio, mes patrio. Y con él, vuelven las viejas preguntas de cuándo se jodió el país. Carátula del tratado anónimo atribuido a Mariano Machado de Chaves, "Estado político del reino del Perú”, de 1747 (citado por Alfonso Quiroz en "Historia de la corrupción en el Perú", 2013).
las cosas como son
Joe says
"En un principio los "rockeros" ,no eran funcionales a los gobiernos de turno.., de echo el rock se caracterizo por ser una contracultura a todo eso, sin importar kien fuese el ladron en el sillón .., pero con el pasar de los tiempos y el amiguismo a cambio de favores, la bancada de viajes a festivales al exterior ,los hospedajes gratuitos en hoteles y miles de mierdas mas a cambio de no hablar mal del k este de turno, es lo k hizo k hoy en dia el político y el rockero se peinen juntos para la foto.
Los k estámos afuera de eso, somos "odiadores o envidiosos" , según el criterio de muchos (publico) k SI hablan x hablar y defienden a kienes ni saben pk están en donde están.
Vuelan ,giran , comen y beben gracias a los impuestos ke les pagan odiadores como yo 😁
Siempre voy a elegir no cerrar mi maldita boca y solo conseguir con esto k se me cierren mil puertas y ke me odien y me corten la cara mil veces más , prefiero eso a ser un careta.
Hablando d esto ..¿vieron el documental de NICHETO??) ..,estaba esperando k alguien la tire, pero ya fue .., yo ya me prendí fuego 🔥 hace rato .., así k la tiro yo , total una mancha más al tigre k le hace?..
me importa un huevo lo k piensen de mi y k me desfenestren ,como se k lo van a hacer después de este posteo 🙂.., me kedo con la primer época aquella en la k no se compartía la foto..
INDIE fuertes , indie esto , indie otro blsbla ,ESO NO ES INDIPENDENCIA , eso es amiguismo puro y propaganda pagada x mi bolsillo y x el de muchos miles de otros ke muchas veces e irónicamente ,no tienen un mango ni para cargar la sube para ir a tocar, o ni pueden cambiar su encordado x uno nuevo k no les corte los dedos, etc)
Vengan de a uno o d a miles.. me chupa un huevo - repito.
También espero ver kien respalda lo k digo , pk según tengo entendido serian muchos.
NO SEAN CARETONES!! 👊
Los tiempos cambiaron, es hora de empezar a hablar con la verdad y decir las cosas como son.
Y sino de ultima k la guita de cultura se reparta para todos los miles de trabajadores de la música y no solo para los amigos de los de turno no?..
A todo esto, x otro lado ¿cuando NICHETO fue aguante del under o lo k mierda sea ke intentan mentir en este documental de
juguetería????"
- JOE DIXEXION
2020
