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domingo, 28 de febrero de 2021

UNA CONVERSACIÓN CON DAVID STUBBS :. Las artes se están convirtiendo en el juguete de los ricos



David Stubbs (1962) pertenece a la promoción de críticos que analizaron y terminaron dando forma a algunas de las escenas más rupturistas de las últimas músicas desde sendos espacios en la prensa independiente británica de fines del siglo XX.. Sus inicios se remontan al magazine de cultura pop "Monitor", fundado junto a Simon Reynolds y otros inconformes de la Universidad de Oxford en 1984. Stubbs integró el staff permanente del Melody Maker donde desarrolló la columna de surrealismo sardónico "Talk Talk Talk" dando vida a “Mr. Agreeable”, un suculento alias con el que se despachaba en medio de insultos de todo tipo con el mundo del rock y sus protagonistas. Ha escrito para New Musical Express, The Guardian y The Wire et al. y su pluma es culpable de insondables documentos como "Future Days - Krautrock y la construcción de la Alemania moderna" (Caja Negra, 2015) y "Sonidos de Marte - Una historia de la música electrónica" (Caja Negra, 2019) amén de "Fear of Music - Why people get Rothko but don't get Stockhausen" (Zero Books, 2009). Mr. David Stubbs conversa hoy con da blog para el embeleso de sus fans y los melómanos más acérrimos de este planetita. 


¿Cómo sientes que el panorama de la prensa y el consumo de música (melomanía) ha cambiado a lo largo de los años desde los tiempos en que una banda podía hacer una estrategia, como Throbbing Gristle, de poner un título no acorde con la música del LP, CD o álbum y esperar tener éxito de alguna manera? ¿Qué te puso en la dirección de ser crítico musical por primera vez?

Ha cambiado mucho: cuando Throbbing Gristle lanzó una "edición limitada", era de 1500 copias. Sin embargo, fueron pioneros. Hoy en día una gran cantidad de artistas han seguido sus pasos, artistas de calidad, todos obligados a tomar una porción menor de la cuota de mercado: sus ediciones limitadas serán de solo 50 copias. No creo que nadie tenga la culpa de esto, no la industria en este caso; en un mundo verdaderamente justo, ¡todos los músicos que lo merezcan solo podrían recibir 1000 £ cada uno!

Me convertí en periodista musical porque estaba fascinado por el periodismo musical cuando descubrí NME / Melody Maker por primera vez, a los 15 años. Me fascinó que existiera la oportunidad de desarrollar una voz crítica, que fuera mordaz sobre lo mediocre, celebradora sobre lo excelente, y que la lucha por hacer buena música en un mundo comercial tenía un contexto más amplio, contracultural e incluso político. Esto fue alrededor de 1978. Más tarde me di cuenta de que la relación entre la música y lo comercial / político / contracultural era un poco más complicada, pero eso solo hacía que el arte y la práctica de la crítica musical fueran mucho más interesantes.

En tu libro sobre Krautrock, entrevistas a varios de los músicos involucrados y algunos de ellos te dicen que estaban avergonzados de su sociedad nazi, que incluso los nazis todavía vivían a su alrededor, etc. Me pregunto cómo reaccionaron los jóvenes británicos ante algún flirteo nazi que bandas como Joy Division, Siouxsie and the Banshees o Death In June -¡dicen que incluso el primer Bowie! - mostraban en sus apariciones. ¿No fue duro con respecto al hecho de que solo habían pasado unas pocas décadas desde la Segunda Guerra Mundial, etc.?

El punk temprano presentaba mucho la esvástica, no porque los punks fueran neonazis (o en su mayoría no), sino porque querían molestar a sus padres, que estaban empapados de películas de guerra triunfantes en las que los británicos eran los héroes y los alemanes los malos. Sin embargo, no pasó mucho tiempo con la formación de Rock Against Racism para contrarrestar el ascenso de fascistas británicos como el Frente Nacional que la esvástica desapareció en su mayoría del punk como un ícono. El punk tenía un aspecto multicultural, su solidaridad con el reggae del Reino Unido, por ejemplo, y para 1978 a cualquiera que coqueteara con la derecha se le habrían hecho preguntas muy severas y habría aprendido a no repetir sus primeros errores (Siouxsie). Joy Division son un caso extraño porque, aparte del nombre de su banda, no estaban preocupados musicalmente por el fascismo y, como experiencia auditiva, no están contaminados por eso.

La fascinación de David Bowie por el fascismo / Hitler coincidió con su "fase de Berlín", irónicamente una de las fases más progresistas de su carrera creativa. Dijo e hizo cosas tontas, pero a diferencia de Eric Clapton, se arregló con su postura antirracista explícita en los años 80, incluso criticando a MTV por no presentar suficiente música negra.

Death In June son imperdonables. Los derechos del artista no te dan derecho a flirtear con la mala política.

Le hice esta misma pregunta a tu colega Simon Reynolds. Me gustaría saber qué responde: ¿Pink Floyd o Silver Apples?

Me gusta mucho Silver Apples, pero mi respuesta es: Pink Floyd. Hasta Dark Side Of The Moon al menos. Me encanta la era Barrett, pero en realidad mi trabajo favorito es el disco en vivo de 1969  Ummagumma, la inauguración del rock espacial.





¿Qué efecto en la cultura y la música crees que tendrá todo el proceso de gentrificación que estamos viviendo desde hace mucho tiempo? Todo parece bastardizado / pasteurizado aquí y allá que encontrar una banda haciendo música desde el alma es como buscar agua en un desierto.

Como he dicho antes, creo que se está haciendo una cantidad asombrosa de buena música en este momento, una actividad creciente. Sin embargo, es tan marginal, tan carente de perspectivas comerciales que no se ve afectado por la máquina del negocio de la música.

Creo que hay un problema de “gentrificación” de oportunidades: es más difícil para los jóvenes dedicarse a la música de la forma en que The Clash pudo, viviendo del paro, encontrar un espacio para ensayar. Existe la sensación en todas las artes de que se están convirtiendo en el juguete de los ricos.

Sugeriría que la gente ignore el espectáculo del star system, los denominadores comunes, explore Bandcamp, intercambie enlaces, sugerencias... si es posible, pague al artista unos dólares en línea en lugar de descargarlo gratis.

Recientemente Sophie murió en un accidente, lo que me lleva a la pregunta de por qué ese sonido de música de computadora + IDM sigue siendo tan vanguardista hoy como 25 años después de que fuera concebido por gente como Autechre, Editions Mego o AFX.

La razón de su calidad de vanguardia es su liquidez, su maleabilidad, su capacidad para asumir nuevos estados y formas. Creo que la importancia de Sophie estaba relacionada con su condición de transgénero: la forma en que ajustaba y jugaba con autotune, la forma elástica en la que jugaba con el pop sugirió que la música puede expresar el proceso de "convertirse", en lugar de simplemente establecer, formas fijas de ser.

¿Cómo estás pasando tu tiempo estos extraños días de pandemia?

No lo estoy haciendo tan mal, ¡gracias! Actualmente, divido mi tiempo entre escribir (acabo de terminar un tercer libro para Faber, una historia de la comedia británica), cuidar de mi hijo de cinco años y hacer ejercicio para tratar de perder los kilos de COVID. Tengo la suerte de que trabajo desde casa de todos modos y no me he visto gravemente afectado en el trabajo, económicamente y he mantenido mi salud física y mental. Otros, por supuesto, no han tenido tanta suerte y anhelo por el bien de todos que esta miserable pandemia termine. Espero que también hayas logrado mantenerte bien.

Estoy a punto de terminar tu libro centrado en la música electrónica, "Sounds from Mars". Me impresionó el capítulo en el que escribes sobre la música de William Basinski, John Foxx y Philip Jeck y descubres cuánta conceptualización pusieron en la realización de sus discos. También me recordó a Brian Eno hablando de cómo él “inventó” la música ambiental estando enfermo en el hospital. Hablando desde la distancia, ¿crees que el sonido necesita alguna justificación?

Gracias. ¡Mi respuesta es "sí"! Creo que especialmente en el caso del tipo de música ambiental / abstracta a la que te refieres, es trabajo tanto del artista como de los críticos explicar cuál es la naturaleza y el resultado de su esfuerzo musical, que no se trata solo de campanillas de viento o ruido accidental, o la belleza casual de las nubes: que están haciendo lo que hacen por una razón y, si tienen éxito, crean una resonancia que es tanto conceptual como material; lo mismo que con el arte visual abstracto.

¿Qué música más allá del mundo angloeuropeo coleccionas?

Mis gustos varían del clásico al jazz, antiguo y nuevo; También me gusta la música rock expansiva. Acabo de entrevistar a Dinosaur Jr. Mi hija me toca cosas como Kevin Abstract y lo disfruto. Me gusta la música en una variedad de géneros, pero en general me inclino hacia sus manifestaciones más formalmente radicales y de vanguardia. Me aburro de los ortodoxos.

¿Cuáles son sus planes futuros, Sr. Stubbs?

Estoy a punto de reiniciar mi sitio web: quiero presentar mis cosas favoritas de mi legado, intentar escribir cosas en mis propios términos que es poco probable que se encarguen, reflexiones, tal vez sobre la naturaleza de la crítica musical. Probablemente tendré que hacer algo de publicidad sobre mi reciente libro de comedia. No sé si me queda otro libro sobre música de vanguardia, habiendo escrito tres sobre el tema. ¡Pero ciertamente escribiré más sobre ese tópico!



A CONVERSATION WITH DAVID STUBBS :. The arts are becoming the plaything of the well-to-do




David Stubbs (1962) belongs to the promotion of critics who analyzed and ended up shaping some of the most disruptive scenes of the latest music from their spaces in the British independent press of the late XX century. His beginnings go back to the magazine of pop culture "Monitor", founded with Simon Reynolds and other Oxford University nonconformists in 1984. Stubbs joined the permanent staff of the Melody Maker where he developed the sardonic surrealism column "Talk Talk Talk" giving life to "Mr. Agreeable ", a succulent alias with which he dispatched amid insults of all kinds with the world of rock and its protagonists. He has written for New Musical Express, The Guardian, and The Wire et al. and his pen is guilty of bottomless documents such as "Future Days - Krautrock and the construction of modern Germany" (Caja Negra, 2015) and "Sounds of Mars - A history of electronic music" (Caja Negra, 2019) as well as "Fear of Music - Why people get Rothko but don't get Stockhausen"(Zero Books, 2009). Mr. David Stubbs talks today with da blog for the enchantment of his fans and the most ardent music lovers of this tiny planet.


How do you feel the landscape of music press and consumption (melomania) have changed over the years from the times when a band could make an strategy, like Throbbing Gristle, of putting a title not according to the music the LP, CD or album contained and expect to succeed in any way? What put you in the direction of being a music critic in the first time?

It has changed a great deal - when Throbbing Gristle put out a “limited edition”, it was of 1500 copies. They were pioneers, however. Today a great many artists have followed in their footsteps, quality artists, all forced to take a smaller slice of the market share - their limited editions will be of just 50 copies. I don’t think anyone is to blame for this, not the industry in this case; in a truly just world, all deserving musicians might only be awarded £1000 each!

I became a music journalist because I was fascinated by other music journalism when I first discovered NME/Melody Maker, aged 15. It fascinated me that there was the opportunity to develop a critical voice, that was scathing about the mediocre, celebratory about the excellent, and that the struggle to make great music in a commercial world had a broader, countercultural, even political context. This was around 1978. I later realised that the relationship between music and the commercial/political/countercultural was a little bit more complicated but that only made the art and practise of music criticism that much more interesting.

In your book about Krautrock you interview several of the musicians involved and some of them tell you they were ashamed of their nazi society, that even nazis were still living around them, etc. I wonder how brittish youth reacted to some nazi flirtation that bands like Joy Division, Siouxsie and the Banshees or Death In June -they say even early Bowie!- showed in their appearances. Wasn’t it rough regarding the fact it was only a few decades since WWII etc?

Early punk featured the swastika a great deal, not because punks were neo-Nazis (or mostly not) but because they wanted to annoy their parents who were steeped in triumphant war films in which the British were the heroes and the Germans the bad guys. It wasn’t long, however, with the formation of Rock Against Racism to counter the rise of British fascists like the National Front that the swastika mostly disappeared from punk as an icon. Punk had a multicultural aspect - its solidarity with UK reggae, for example - and by 1978 anyone flirting with the right would have been asked very stern questions indeed and learned not to repeat their early mistakes (Siouxsie). Joy Division are a strange case because, the name of their band apart, were not preoccupied musically with fascism and as a listening experience are untainted by that.

David Bowie’s fascination with fascism/Hitler coincided with his “Berlin phase”, ironically one of the most progressive phases of his creative career. He said and did silly things but unlike Eric Clapton, made amends with his explicit anti-racist stance in the 80s, including taking MTV to task for not featuring enough black music. 

Death In June are inexcusable the rights of the artist do not entitle you to flirt with bad politics. 

I made this same question to your colleague Simon Reynolds. I d like to know what you reply: Pink Floyd or Silver Apples?

I like Silver Apples a lot but my answer is - Pink Floyd. Up until Dark Side Of The Moon at least. I love the Barrett era but actually my favourite work of theirs is the live disc of 1969’s Ummagumma - the inauguration of space rock.





What effect in culture and music do you think the whole process of gentrification that we are experiencing since a long time will have? Everything seems bastardized/pasteurized here and there that find a band making music from the soul is like looking for water in a desert. 

As I have said before, I think there is a staggering amount of great music being made right now, a mushrooming of activity. However, it is so marginal,  so lacking in commercial prospects that it is unaffected by the music business machine. 

I think there is a problem of “gentrification” of opportunity - it is harder for young people to dedicate themselves to music the way The Clash could, living on the dole, able to find space to rehearse. There is a feeling across the arts that they are becoming the plaything of the well-to-do. 

I would suggest people ignore the spectacle of the star system, the common denominators, explore Bandcamp, exchange links, suggestions . .. if possible pay the artist a few dollars on line rather than download for free. 

Recently Sophie died in an accident, which guide me to the question of why that IDM + computer music sound is still so avantgarde today like 25 years after it was conceived by the likes of Autechre, Editions Mego or AFX?

The reason for its avant garde quality is its liquidity, its malleability, its ability to assume new shapes and forms. I think the importance of Sophie was connected to her being transgender - the way she tweaked and played with autotune, the elastic way she messed with pop suggested that music can express the process of “becoming”, rather than just set, fixed ways of being.  

How are you spending your time these strange pandemic days?

I am not doing so badly, thanks! I divide my time currently between writing (I have just completed a third book for Faber, a history of British comedy), looking after my five year old boy and exercising to try and keep off the COVID pounds! I am lucky in that I work from home anyway and have not been badly affected work-wise, financially and have maintained my physical and mental health. Others, of course, have not been so lucky and I yearn for all our sakes for this wretched pandemic to be over. I hope you have managed to keep well too...

I’m about to end your book focused on electronic music, Sounds from Mars. It impressed me the chapter where you write about music by William Basinski, John Foxx and Philip Jeck and discover how much conceptualisation they put on the making of their discs. It also reminded me Brian Eno talking about how he “invented” ambient music being sick at the hospital. Speaking from a distance, do you think sound needs any justification?

Thank you. My answer is “yes”! I think especially in the case of the sort of ambient/abstract music you refer to, it is the job of both artist and critics to explain what the nature and outcome of their musical endeavour is, that it is not just windchimes or accidental noise, or the chance beauty of clouds   - that they are doing what they do for a reason, and, if successful, create a resonance that is conceptual as well as just material; the same as with abstract visual art. 

What music beyond anglo-euro world do you collect?

My tastes vary from classic to jazz, old and new; I also like expansive rock music - I just interviewed Dinosaur Jr. My daughter plays me things like Kevin Abstract and I enjoy that. I like music across a range of genres but generally incline towards their more formally radical, avant garde manifestations. I get bored of the orthodox.

What are your future plans Mr. Stubbs?

I am about to reboot my website - I want to feature my favourite stuff from my legacy, try to write things on my own terms that are unlikely to be commissioned, reflections, perhaps on the nature of music criticism. I will probably have to do some publicity around my recent comedy book. I am not sure if I have another book on avant-garde music left in my, having written three on the subject. But I will certainly write more on that topic!

sábado, 27 de febrero de 2021

UNA CONVERSACIÓN CON NICK EDWARDS A.K.A. EKOPLEKZ :. No ha habido peor momento para ser artista en el Reino Unido que ahora





Mejor conocido como Ekoplekz, Nick Edwards (1969) es un creador que desde el año 2010 ha elaborado una generosa discografía de exploración electrónica y ritmos intransigentes para sellos como Planet Mu, Seagrave y Mordant Music. Creció bajo el parteaguas del post punk y los efluvios de la neo psicodelia y las raves y en su música refleja su filiación hacia bandas del porte de Cabaret Voltaire, E.A.R. y toda la escena IDM. Hace no muchas lunas canceló Ekoplekz para dar salida a una seguidilla de releases bajo su nombre civil en Bandcamp. Mantiene además otros proyectos como eMMplekz (con Baron Mordant), Ekoclef (con Bassclef), Ensemble Skalectrik, PLKZFX, etc.
 Nos conectamos hasta Bristol (UK) para charlar un poco con él y ver qué fluye de uno de los cerebros más lokos del momento.


¿Por qué sigues haciendo música experimental en este mundo jodido donde las artes y la cultura son menos importantes?

Pregunta interesante. No creo que el arte y la cultura sean menos importantes ahora, pero es cada vez más difícil concentrarse en lo que es importante en una era de sobrecarga de información. Intento ser fiel a mis creencias y mantener un nivel personal de gusto que me ayude a navegar a través de toda la escoria. Y siempre seguiré trabajando. No porque sea importante para el arte o el comercio, sino porque me impulsa la necesidad de crear. Seguiría haciéndolo incluso sin audiencia.

Cuando eras adolescente, ¿qué músicos o discos captaron tu atención?

Mi adolescencia fue la década de 1980. Había mucha música que odiar, pero también mucho que amar. Al principio estuve en Ultravox y The Human League, luego descubrí Kraftwerk, Cabaret Voltaire y New Order. También el electro y el hip hop eran géneros nuevos que me intrigaban, especialmente Mantronix. Luego vino el acid house, pero también el rock experimental de Spacemen 3, The Young Gods y AR Kane.

Pero probablemente el disco que tuvo el mayor impacto fue una reedición del álbum debut de Suicide de la década anterior que salió en 1986. Eso realmente me llevó a la idea de que la música electrónica podía sonar realmente cruda y sucia.

Tienes una larga carrera como Ekoplekz. ¿Qué álbum te hace sentir más orgulloso que los demás? ¿Por qué decidiste cerrarlo y empezar de nuevo esta vez con tu nombre real?

Probablemente el álbum del que estoy más orgulloso es Intrusive Incidentalz Vol.1 de 2011. Porque era totalmente intransigente pero parecía tocar la fibra sensible de mucha gente. Recibió muy buenas críticas y, a juzgar por algunos comentarios que recibí, fue bastante inspirador para algunos otros artistas electrónicos que buscaban romper con géneros restrictivos.

Dejé el nombre de Ekoplekz porque sentí que había agotado ese sonido por el que era conocido después de 10 años. También mi casetera de cuatro pistas estaba rota y decidí no reemplazarlo. Ahora grabo digitalmente, por lo que el sonido es más limpio. Ya no es Ekoplekz, pero está bien. Hice más que suficiente bajo ese nombre

A veces, tener artefactos más baratos te hace cavar más tu cerebro. Cuéntanos acerca de tu equipo cuando comenzó Ekoplekz y el material que usas ahora en 2021.

Siempre he trabajado con material bastante barato. Comencé con un viejo órgano de transistores que compré de segunda mano, agregando pedales de guitarra y efectos y fue creciendo a partir de ahí. Pero ahora uso deliberadamente equipo más moderno, en lugar de material antiguo o sintetizadores que emulan sonidos "clásicos". Quiero trabajar con nuevos diseños y ver a dónde me llevan. Mis favoritos en este momento son Arturia Microfreak y Dreadbox Typhon.




¿Te gustan las raves o la música electrónica para ellas?

Me gustaba la música rave cuando era más joven, a principios de los noventa. Luego, más tarde, entré en la escena del dubstep temprano. Pero no tengo ningún interés en la música rave / dance actual. Ahora tengo casi 52 años, así que supongo que me estoy volviendo un poco mayor para esas cosas.

¿Qué haces para pagar las facturas? ¿Qué pasa con la situación en el Reino Unido bajo el corona?

Nunca he dependido de la música para mi principal ingreso y puedo trabajar desde casa, por lo que no me está afectando económicamente, pero tanto COVID como Brexit han destruido los medios de vida de tantos involucrados en la escena musical aquí en el Reino Unido. Nunca ha habido un peor momento para ser artista aquí. Va a ser muy difícil durante algún tiempo. Incluso cuando se alivien las restricciones de COVID, este gobierno hará las cosas muy difíciles, y estoy bastante seguro de que es un ataque deliberado a las artes, a pesar de que la industria de la música es una gran parte de nuestra economía. Pero quieren que todos los músicos se vuelvan a capacitar. ¿Cómo qué? ¿Qué otros trabajos quedan ahora? Es una locura.

¿Cómo ha cambiado Bristol desde los días de Massive Attack, Tricky y Flying Saucer Attack hasta hoy?

Realmente no sigo muy de cerca la escena musical de Bristol en estos días. Pero lo que he notado es que muchos de los artistas más nuevos que están surgiendo son mucho más experimentales y están menos preocupados por encajar en los viejos estereotipos del género. Es posible que haya tenido alguna influencia en eso. Cuando comencé, Ekoplekz era muy diferente a la cultura de clubes que prevalecía en la ciudad. Introduje la idea de la electrónica de hardware improvisada en vivo en un momento en que la mayoría tocaba y producía música de baile formulada en computadoras portátiles. Pero también creo que la gente está ahora más expuesta a influencias más amplias en Internet. Y los sintetizadores de hardware han tenido un gran regreso. El equipo modular asequible tiende a fomentar una mentalidad más experimental. Las cosas son más abiertas en general, menos tribales.

¡Tus planes futuros!

Mis planes actuales son seguir trabajando sin sentir ninguna necesidad de liberar nada a toda prisa. Actualmente no estoy involucrado con ningún sello discográfico, por lo que este año mi única salida para grabaciones de estudio en solitario es una presentación mensual en la estación de radio por Internet The Neon Hospice. La radio me parece un medio nuevo en este momento y se adapta más al ritmo de mi trabajo que el antiguo modelo de "un álbum al año", que todavía está muy arraigado en el antiguo sistema de la industria musical.

También espero volver a tocar en vivo nuevamente cuando las restricciones de COVID lo permitan, particularmente en un entorno de improvisación con otros artistas, en lugar de solo un show individual. Nunca me ha interesado realmente simplemente entretener a la gente. Tocar en vivo debe ser una aventura creativa que otros puedan optar por observar. Pero volviendo a lo que dije antes, será casi imposible tocar en el extranjero ahora debido a los problemas con el permiso de trabajo de Visa después del acuerdo del Brexit. Es una vergüenza para mí, ya que siempre disfruté tocar para el público europeo, pero para otros significará una gran pérdida de ingresos.

Las oportunidades para la música experimental en vivo nunca fueron tan buenas en el Reino Unido, la cultura predominante es muy convencional y conservadora, así que no soy tan optimista, pero espero que todavía haya algunos lugares interesantes para tocar aquí.

ESCUCHA/CHEKA EL PROGRAMA DE RADIO DE NICK EDWARDS ACÁ!!





A CONVERSATION WITH NICK EDWARDS A.K.A. EKOPLEKZ:. There has been no worse time to be an artist in the UK than now



Better known as Ekoplekz, Nick Edwards (1969) is a creator who since 2010 has produced a generous discography of electronic exploration and uncompromising rhythms for labels such as Planet Mu, Seagrave and Mordant Music. He grew up under the watershed of post punk and the effluvia of neo psychedelia and raves and in his music reflects his affiliation with bands such as Cabaret Voltaire, E.A.R. and the entire IDM scene. Not many moons ago he canceled Ekoplekz to launch a series of releases under his civil name on Bandcamp. He also maintains other projects like eMMplekz (with Baron Mordant), Ekoclef (with Bassclef), Ensemble Skalectrik, PLKZFX, etc. We connected to Bristol (UK) to chat a bit with him and see what flows from one of the craziest brains of the moment.


Why do you continue making experimental music in this fucked up world where arts and culture is the less important?

Interesting question. I don’t think that art and culture are less important now, but it’s increasingly hard to maintain some focus on what’s important in an age of information overload. I try to stay true to my beliefs, and maintain a personal level of taste that helps me navigate through all the dross. And I will always continue working. Not because it’s important for art or commerce but because i am driven by the need to create. I would still be doing it even without any audience. 

As a teen what musicians or discs captured your attention?

My teens were the 1980s. There was a lot of music to hate, but a lot to love as well. Early on I was into Ultravox and The Human League,  then discovered Kraftwerk, Cabaret Voltaire and New Order. Also electro and hip hop were new genres that intrigued me, especially Mantronix. Then came acid house, but also experimental rock from Spacemen 3, the Young Gods and AR Kane

But probably the record that had the biggest impact was a reissue of Suicide’s debut album from the previous decade that came out in 1986. That really got me into the idea that electronic music could be really raw and dirty sounding. 

You have a long career as Ekoplekz. What album makes you feel more proud than the others? Why did you decide to close it and to start again this time under your real name? 

Probably the album I am most proud of is Intrusive Incidentalz Vol.1 from 2011. Because it was totally uncompromising yet seemed to strike a chord with a lot of people. It got some really good reviews and judging from some comments I received, it was quite inspirational to a few other electronic artists looking to break out of restrictive genres. 

I dropped the Ekoplekz name because I felt I had exhausted that sound I was known for after 10 years. Also my cassette four track was broken and I decided not to replace it. Now I record digitally, so the sound is cleaner. It’s not Ekoplekz anymore, but that’s okay. I did more than enough under that name.

Sometimes having cheaper artifacts make you dig your brain more. Tell us about your equipment when you started Ekoplekz and the stuff you use now 2021.

I have always worked with fairly cheap gear. I started with an old transistor organ I bought second hand, adding guitar and fx pedals and it grew from there. But now I deliberately use more modern gear, rather than old stuff or synths that emulate ‘classic’ sounds. I want to work with new designs and see where they take me. My favourites at the moment are the Arturia Microfreak and Dreadbox Typhon.



Do you like raves or electronic music for them?

I was into rave music when I was younger, in the early nineties. Then later I got into the early dubstep scene. But I don’t have any interest in current rave/dance music. I’m nearly 52 year old now, so getting a little old for that stuff I guess.

What do you do for paying the bills? What about the situation in UK under corona?

I have never relied on music for my main income and am able to work from home so it’s not effecting me financially, but both COVID and Brexit have destroyed the livelihoods of so many involved in the music scene here in U.K. There has never been a worse time to be an artist here. It’s going to be very difficult for some time to come. Even when COVID restrictions are eased this Government is going to make things very tough, and I’m pretty sure it’s a deliberate attack on the arts, even though the music industry is a huge part of our economy. But they want all the musicians to retrain. As what? What other jobs are there left now? It’s insane.

How Bristol has changed since the days of Massive Attack, Tricky and Flying Saucer Attack till today?

I don’t really follow the Bristol music scene too closely these days. But what I have noticed is that many of the newer artists coming up are a lot more experimental and less concerned with fitting into the old genre stereotypes. It’s possible I had some influence on that. When I first started, Ekoplekz was very different to the prevailing club culture in the city. I introduced the idea of live improvised hardware electronics at a time when most were deejaying and producing formulaic dance music on laptops. But also I think people are more exposed to wider influences on the internet now. And hardware synths have made a big comeback. Affordable modular gear tends to encourage a more experimental mindset. Things are more open-ended in general, less tribal. 

Your future plans!

My current plans are to keep working without feeling any need to release anything in a hurry. I am not currently involved with any record labels, so this year my only outlet for solo studio recordings is a monthly showcase on the internet radio station The Neon Hospice. Radio feels like a fresh medium to me right now and suits the pace of my work more than the old ‘one album a year’ model, which is still very rooted in the old music industry system. 

I also hope to get back into playing live again when COVID restrictions permit, particularly in an improvisation setting with other artists, rather than just a solo show. I’ve never really been interested in simply entertaining people. Playing live should be a creative adventure that others may choose to observe. But coming back to what I said earlier, it will be almost impossible to play abroad now due to the Visa work permit issues following the Brexit deal. This is a shame for me as I always enjoyed playing for European audiences, but for others it will mean a major loss of earnings. 

Opportunities for live experimental music were never that great in the U.K., the prevailing culture is very mainstream and conservative, so I am not that optimistic but hopefully there will still be a few interesting venues for me play here.


LISTEN/CHECK OUT NICK EDWARD'S RADIO SHOW HERE!


MUSIC TO LIVE :. GOLDEN TEACHER - First 3 eps (2015)




Golden Teacher destila los mejores rasgos de Liquid Liquid, Fela Kuti, Lee Perry y Arthur Russell para satisfacer las exigentes demandas de la legendaria escena de fiestas de Glasgow.


Uno de los mejores fenómenos surgidos del underground de Glasgow en los últimos años, Golden Teacher ha construido un mito que evoluciona constantemente. Habiendo construido una reputación de espectáculos en vivo alegres e impredecibles centrados en niveles bacanal de baile y éxtasis, las primeras 12 "s que emitió el grupo, en Optimo Music, se agotaron de inmediato. Conteniendo las misivas de un grupo que aún encuentra los pies de su colectivo, explorando en varias direcciones a la vez, pero siempre con la mente puesta en el braindance, el primer disco grabado de Golden Teacher plantea la pregunta: "¿cómo podrían superar esto?". Presenta los primeros clásicos Party People y Love y sus incursiones en territorios más experimentales - mira el deformado Sweat Bath with Saturn - "First 3 EPs" sirve como una introducción a las formas del Profe pero también presenta un álbum esencial propio, independientemente de su origen como compilación. A dónde Golden Teacher irá ahora es una incógnita, la constante evolución de la banda hacia el cosmos es una de sus mejores características, pero como documento de tiempo y espacio, esta colección es atemporal. Además, la primera vez que Golden Teacher delira en disco compacto. ¡Alégrate! (BOOMKAT)




viernes, 26 de febrero de 2021

Kaoru Abe & Masayuki Takayanagi - Mass Projection

PIETER NOOTEN INTERVIÚ :. Buscando el paraíso



Pieter Nooten (1961) es un verdadero héroe del post punk/dark wave de los 80. Formó parte de los más históricos Clan Of Xymox y durante esa década se dio maña para edificar, junto a Michael Brook, el alucinante oasis de ambient sinfónico "Sleeps With The Fishes". Una real perla por donde se le mire. Dejó a los Xymox (Rony Moorings y Anka Wolbert) por diferencias musicales y desde entonces ha continuado su labor en modo solista. Nooten sigue recetando medicinas ideales para alejarte de la rutina y sin sabor diarios a través de sellos como I-Rain Records o Rocket Girl; lo encontramos escaso de tiempo en este planetita pandémico que no sabe lo que tiene. Alto honor.


¿Cómo era la escena post punk en Oss, Holanda, cuando empezaste? ¿Qué grupos recuerdas haber visto y experimentando?

La ciudad donde nací y crecí no tenía una cultura alternativa juvenil, pero había algunas bandas de punk. Sin lugares para tocar, era difícil verlos. Como adolescente visitaba con frecuencia ciudades más grandes de la zona para ver bandas. Recuerdo estar muy impresionado con bandas como Tuxedo Moon, The Cure, Joy Division, Siouxsie And The Banshees y New Order.

Después de tantos años, ¿qué recuerdos de Clan de Xymox atesoras y qué errores o pasos en falso crees que cometiste si acaso?

Disfruté viajar porque me permitió visitar países y ciudades. Siempre intentaba visitar un museo en cualquier lugar al que fuéramos y eso ha creado buenos recuerdos, hasta el día de hoy. Me arrepiento de no haber podido venderme mejor en la industria de la música. Escribí muchas canciones para Clan Of Xymox pero firmé malos acuerdos cuando dejé la banda, dejándome sin un centavo y sin más endeudamientos dentro de la industria. Tuve que empezar desde cero.

Cuéntanos sobre tu álbum con Michael Brook, Sleep with the Fishes, un hito de la música ambiental de los ochenta. ¿Qué los inspiro? ¿Qué sintetizadores y herramientas usaron?¿Cómo fue el proceso de composición? ¿Hiciste una gira por ese álbum?

Con Sleeps With The Fishes, Michael Brook y yo estuvimos de acuerdo en una cosa y sólo una cosa: no intentaríamos hacer un álbum 'de moda'. Queríamos crear algo auténtico que dure. La inspiración vino solo de esa idea. Nosotros usaríamos cualquier instrumentación digital o acústica moderna disponible para nosotros en eso y experimentamos con samples, loops de cinta, secuenciadores, ritmos y sintetizadores (como el DX7). Nunca fuimos de gira y ¡lo lamento mucho!




¿Cómo fue su inclusión en 4AD el sello del momento en ese entonces y por qué se fueron de ahí?

Me encantaba estar con 4AD pero Ronny Moerings (líder de la banda) quería una dirección más comercial y decidió darse una vuelta por un sello más grande. Nunca me gustó estar lejos de 4AD después de aventurarnos a los territorios más comerciales de la industria de la música. Me aburrí de las nuevas melodías que publicamos, mi influencia se desvaneció y simplemente me sentí cada vez menos y menos motivado. La experimentación se había ido y el enfoque era: convertirse exitoso por el comercialismo, que no me importaba en lo más mínimo.

Menciónanos por favor los discos que te rompieron el cerebro o te influenciaron de una manera sublime.

Siempre he estado más influenciado por la música clásica que la música popular. También me encanta la música de cine (Morricone, John Barry, Johann Johannsson) y minimalistas modernos como Philip Glass y Arvo Pärt). También soy un gran fan de Bach y adoro todos sus trabajos vocales.

¿Velvet Underground o Suicide?

Velvet Underground.

Tus últimas producciones en Rocket Girl están llenas de orquestaciones ambientales que respiran belleza y delicadeza a través de todos los poros. ¿Cómo se consiguen estos oasis sónicos en un mundo convulsionado por el aumento de idiotas de derecha y los neonazis de siempre?

Bueno, gracias por los cumplidos. En resumen, escribo música para aliviar las dificultades de la vida, tanto para mí como para cualquiera que disfrute mi música. Estoy de acuerdo en que el mundo está lleno de sociópatas, egoístas y comportamiento violento y no quiero ser parte de eso. Preferí tratar e intentar convertirlo en "un lugar mejor", incluso si es solo una gota casi insignificante, calmante y refrescante en una extremadamente caliente placa de combustión. Es la idea que me mantiene en marcha y una fuente de inspiración sin fin.










PIETER NOOTEN INTERVIÚ :. Searching for paradise



Pieter Nooten (1961) is a true hero of the 80's post punk / dark wave. He was part of the most historical Clan Of Xymox and during that decade he managed to build, together with Michael Brook, the amazing oasis of symphonic ambient "Sleeps With The Fishes". A real pearl wherever you look at it. He left Xymox (Rony Moorings and Anka Wolbert) due to musical differences and has since continued his work in solo mode. Nooten continues to prescribe ideal medicines to get you away from the routine and daily tasteless through labels such as I-Rain Records or Rocket Girl; we find him short of time on this pandemic planet that doesn't know what it's got. High honor.


What was the post punk scene like in Oss, Holland, when you started? What groups do you remember seeing and experiencing at the time?

The city where I was born and raised did not have an alternative youth culture, but there were some punk bands. With no venues to play, it was hard to ever see them play. As adolescents we would frequently visit bigger cities in the area to see bands. I remember being very impressed with bands like Tuxedo Moon, The Cure, Joy Division, Siouxsie And The Banshees and New Order.

After so many years, what memories of Clan of Xymox do you treasure and what mistakes or missteps do you think you made just in case?

I enjoyed touring for it allowed me to visit countries and cities. I would always try and visit a museum anywhere we went and that has created fond memories, up to this day. I regret not having been able to sell myself better in the music industry. I wrote many songs for Clan Of Xymox but I signed the wrongagreements when I left the band, leaving me penniless and without further endeouvers within the industry. I had to start from scratch.

Tell us about your album with Michael Brook, Sleep with the Fishes, a milestone of the ambient music of the eighties. What was it inspired by? What synthesizers and tools did you use? How was the composition process? Did you tour that album?

With Sleeps With The Fishes Michael Brook and I agreed about one thing and one thing only: we would not try to make a ‘trendy’ album. We wanted to create something authentic that would last. Inspiration came from that idea alone. We would use any modern digital as well as acoustic instrumentation available to us at that time and experimented with samples, tape loops, timing, sequencers and synths (like the DX7). We never went on tour and I regret that a lot!





How was your inclusion in 4AD the label of the moment at that time and why was your departure from it?

I loved being with 4AD but Ronny Moerings (band leader) wanted a more commercial direction and decided to shop around for a bigger label. I never liked being away from 4AD after we ventured out into the more commercial territories of the music industry. I got bored by the new tunes we put out at that time, my influence faded and I simply became less and less motivated. The experimentation was gone and the focus was: becoming successful by commercialism, which I did not care about one bit.

Mention us please the discs that broke your brain or influenced you in a sublime way.

I have always been more influenced by classical music than popular music. I also love film music (Morricone, John Barry, Johann Johannsson) and modern minimalists like Philip Glass and Arvo Pärt. I am also a big Bach fan and adore all his vocal works.

Velvet Underground or Suicide?

Velvet Underground.

Your latest productions in Rocket Girl are full of ambient orchestrations that breathe beauty and delicacy through all pores. How do you get these sonic oases in a world convulsed by the increase of the right wing wankers and neo-Nazis of always?

Well, thank you for the compliments! In short, I write music to ease the hardships of life, for myself as well as anyone enjoying my music. I agree the world is full of sociopathic, selfish and violent behavior and I do not want to be part of that. I’d rather choose to try and make it “a better place”, even if it is just a tiny, almost insignificant, soothing and cooling drop on an extremely hot burning plate. It is the idea that keeps me going and a source of endless inspiration.





jueves, 25 de febrero de 2021

FLASHBACK :. Mira una grabación en estudio de EXPERIMENTAL AUDIO RESEARCH el proyecto de Sonic Boom (Spacemen 3, Spectrum)



Hace tiempo que la raza humana ha alcanzado y colonizado otros mundos y este VHS lo testifica.


Una grabación en video comercializada hacia 1998 por el sello Atavistic cubriendo sesiones de la grabación del álbum Millenium Music (1997) de E.A.R. el cual estuvo corriendo en circuitos restringidos del planeta avantgarde se ha liberado. En aquel momento, fines de los 90, visionar este documento era prohibitivo, como conseguir el santo grial. Muchos solo nos conformamos con la audición de bootlegs o, evidentemente, con el contacto y fundición con el propio álbum "Millenium Music". Un disco exagerado acorde con lo más arisco e hidropónico de los 90 como no podía ser de otra forma si consideramos que el line-up lo conformaron Sonic Boom, Pete Bain (The Darkside, Spacemen 3, Alphastone) y el mítico Eddie Prevost de AMM. Hoy compartimos con los fans de da blog esta cumbre de la Música de nuestros días. 


INFO:

El material de este video está diseñado como un paisaje sonoro que refleja el tiempo desde la historia y la era de los dinosaurios hasta la comunicación digital moderna y los viajes del siglo XX con sonidos influenciados por, y a veces emulando, computadoras, dinosaurios, flujos de información digital, patrones de habla sintéticos, insectos, varios animales salvajes y domésticos, sonidos musicales y los ruidos del transporte moderno como jets, camiones, motocicletas, tranvías, trolebuses y trenes.

Estos sonidos, aunque a veces son reconocibles, a menudo se amplían y manipulan en una nueva forma. Todos fueron creados a partir de una mezcla de orígenes acústicos, generados por computadora, sintetizados y electroacústicos.

Más específicamente, esta paleta incluye percusión manipulada, viola tratada, sintetizadores de voz de animales e insectos personalizados, sintetizadores de voz humana modificados, sintetizadores de música electrónica modulares, bajo y theremin, que juntos brindan un rango tímbrico muy amplio desde el cual esculpir y formar la música.

Estas piezas personifican el trabajo más interesante de EAR en la improvisación y el sonido generado y se encuentran entre las obras más complejas publicadas por ellos, en particular, en contraste con su trabajo más hiper-mínimo como el "The Köner Experiment", que muestra otro lado de su visión. Los músicos involucrados abarcan todo el espectro musical, con el trabajo de Eddie Prevost en AMM y los campos de la improvisación de vanguardia y jazz. El trabajo clásico de Tom Prentice y el trabajo de Sonic Boom en rock electrónico y underground con Spacemen 3 y Spectrum.

Este, el primer vídeo de E.A.R. fue filmado y grabado en un estudio de 24 pistas y representa las únicas grabaciones en vivo de E.A.R. lanzado hasta la fecha.


1. Delysid (19.42)

2. Digitana (18.16)


Track 1: Kember/Prevost/Prentice/Bain.

Track 2: Kember/Prevost/Prentice.


Heavy Truth Music Publishing 1997.

© & ℗ 1997 Atavistic


E.A.R. Experimental Audio Research - Millennium Music from rubyrecluse on Vimeo.

UNA CONVERSA CON YERKO ZLATAR (PUNA/CRETÁSICO) :. Music has the right to children!


Foto por César Vallejos Cheng


Los años 90 transgredieron todo y mucha gente se vio afectada queriendo o no por ella. Aquí y acullá los jóvenes de esos años casi no pudieron escapar a su influjo innovador y etéreo. En Lima, Buenos Aires o Berlín se escuchaban los discos de My Bloody Valentine, Porter Ricks o Aphex Twin y se producían irreparables cambios en las sinapsis y el aura de miles. 

Yerko Zlatar fue uno de los bendecidos por esos años. Descubrió el IDM y el shoegaze casi al final de la década y desde entonces ha llevado una vida dedicada al arte y la música de vanguardia. Dirige PUNA, una marca de diseño con un local situado en Barranco y al mismo tiempo ostenta un abanico de proyectos que lo convierte en un artista de inquietos horizontes. Su trabajo puede ser apreciado en las portadas de reediciones de música folklórica como también en discos de sellos especializados como Buh Records o Superspace. Yerko fundó además el programa Cretásico que vía Radio Filarmonía FM decoró las noches limeñas con braindance e intelligent techno subliminales circa 2004. Ha hecho un alto a sus labores y responde la interviú para Perú Avantgarde. 


¿Qué recuerdos de los años 90, la música electrónica, el shoegaze, la vanguardia, Lima en esos años, las drogas, la escena, etc?

A finales de los 90s ya había terminado el colegio y estaba estudiando en una escuela de arte. En esa época no tenía computadora ni internet así que nos juntábamos entre un grupo de amigos  a escuchar música intercambiar discos o casettes, era la única manera de descubrir música nueva. Salíamos un montón a tocadas en  el circuito de Barranco Miraflores y bastante al centro de Lima, mi background musical era mas de Metal/Trash/Hardcore y siempre era como quién saca el disco más fuerte o más rápido pero al mismo tiempo recuerdo que le empezaba a entrar a bandas como Cocteau Twins y Cranes y a toda esa onda de Matador Records y cosas como Yo la tengo o Mazzy Star pero cuando llegó a mis manos por pimera vez el Loveless de My Bloody Valentine me quemó el cerebro era algo que nunca antes había escuchado ese sonido como  texturas generadas por capas y capas de guitarras con efectos y la voz de ensueño como susurros de Belinda Butcher automáticamente me llevaba a cerrar los ojos solo sentir la música y empezar un viaje interior sin rumbo, ese disco marcó un antes y un después en mi gusto musical y me amplió el panorama. Luego llegaron otras bandas como Slowdive, Spacemen 3, Seefeel, Silvania, Love Lies Crushing, etc

Un  amigo de la escuela de arte que había vivido en USA, Renzo Signori, fue el primero que llevó a mi casa un cd de Autechre. En un viaje a Miami había conocido a Rómulo del Castillo (Schematic records/Phoenecia/Takeshi Muto/Soul Oddity) y vino con música nueva, ya escuhábamos algo de electrónica tipo jungle, drum and bass, electro, techno pero cuando llegó con el Tri Repetae de Autechre también fue un disco que me marcó no solo por la música si no por todo el arte de The Designers Republic y su trabajo para gente de Warp Records y Schematic que de hecho marcaron también una gran influencia en mi trabajo gráfico de esa época.

Antes de eso no conocía muchos proyectos de electrónica experimental en Lima y muchos de mi grupo de amigos empezaron a crear sus propios proyectos. Por mi lado me dedicaba mas a la parte gráfica y a experimentar con video arte y collage digital, Johan Merel (terokal) amigo mío empezó a producir pequeñas tocadas en el circuito de huecos que habían en Barranco y Miraflores que se llamaron Laguna Mental con su sello Menthal y empezó a generar una pequeña movida local, luego con Renzo hicieron Electro Cut Arte un festival de arte electrónico que incluía más invitados no solo de la pequeña escena de Miraflores - Barranco si no de todo Lima. Ahí descubrí un abanico más grande de gente que estaba metida en la misma movida como Colores en Espiral, Jardin, Evamuss, entre otros

Cuéntanos de tu experiencia en Cretásico vía Filarmonia FM

Cretásico nació de una conversación entre un amigo mío y yo, él era coleccionista de arte y su esposa escultora, nos juntábamos bastante a conversar y escuchar discos de lo más vanguardista en electrónica que había en ese entonces. En esa época yo estaba viviendo en Londres haciendo un posgrado en artes plásticas y cada que ellos venían a Londres los llevaba a ver un poco de la movida underground electrónica que había por allá.

En pequeños venues o wahrehouses como Elektrowerks donde hacían casi todas los fiestas de Warp records, Replex, Skam Records, o a centros culturales como el Barbican o el ICA o donde podías ver a Tortoise tocar en vivo seguido de Coldcut y Plaid o a Aphex Twin tocando con The London Sinfonietta.

Este amigo era uno de los auspiciadores de Radio Filarmonía que se dedicaba enteramente a la música clásica en ese entonces y me propuso armar un programa exclusivamente de electrónica experimental y todas sus ramificaciones. Me pareció una oportunidad increíble pero nunca había hecho un programa de radio así que le pase la voz a mis amigos músicos, la mayoría ya estaban emprendiendo sus propios proyectos musicales influidos por toda esta movida.

Johann Merel (Terokal/Thekla), Juan Barreto (Rapapay/Federer), Johnny Collantes (kollantes), Giorgio Ardito (therumo), Jaime Sibila, Isabel Elias y Pati Camet. Cada uno tenía un día particular para hacer su programa y cada uno lo hacia a su estilo.

Lo más alucinante de todo esto fue que no solo lo oía la gente que le gustaba la electrónica si no gente que  no tenia nada que ver con esa movida, esperaban a las 12 am todos los días para sintonizar Cretásico, este programa de música rara que ni entendían pero que lo disfrutaban.

El programa no duró mucho por falta de auspicios. Nadie ganaba nada. Lo hacíamos por amor a al arte. Luego vino una segunda etapa con otra gente y algunos de los de la primera etapa, eso terminó siendo el Colectivo Auxiliar.

¿Qué conciertos te marcaron a fuego?

Más que un concierto fue un festival el All Tomorrow’s Parties curado por Autechre en Camber Sands UK, un lugar como una especie de villa para familiares de verano en la costa de Inglaterra. Fueron 3 dias imparables, Aphex Twin, LFO, Jim O´Rourke, Coil, Venetian Snares, Soviet France, Bernard Parmegiani, Public Enemy, A Guy Called Gerald, Sun O))), The Magic Band y un espacio que le decian el Skam room con gente de Skam Records la disquera de Autechre y amigos, Bola, Push Buttom Objetcs etc.

El set the Aphex Twin fue uno de los más increíbles. Empezó tranquilo medio ambient y terminó con el drum and bass más hardcore que había escuchado hasta ese entonces, la gente estaba loca. Recuerdo  que parte de ese set lo pude grabar con una camarita mini dv. El segundo acto que más me impresionó fue Coil con John Balance y Peter Christopherson, la puesta en escena alucinante super simple, ellos vestidos con mamelucos blancos con proyecciones sobre ellos, la música alucinante.

Era normal encontrarse con artistas más mainstream dentro del público como si fueran cualquier mortal viendo el show, por ahí estaba Björk y Johnn Frusciante pegadaso viendo a Coil.






Háblanos de Puna, la tienda de diseño que manejas junto con tu pareja. ¿Cómo has sobrellevado el resistir en esta pandemia con la tienda y todo?

Puna es mi proyecto personal comercial, es un estudio de diseño que se dedica al branding, diseño grafico e interiorismo al mismo tiempo una marca de productos de diseño.

Por un lado diseñamos portadas de discos, publicaciones o el diseño interior de algún restaurante y por otro lado diseñamos piezas utilitarias que trabajamos de la mano de maestros artesanos en distintas comunidades de diferentes partes del Perú. Textiles con tejedores de San Pedro de Cajas, lámparas tejidas en tamshi y junco con comunidades Bora de la selva de Loreto y ceramistas de la costa de Lima. Mucho de nuestro público es turista y al cerrar las fronteras todo eso se vino abajo y nos hemos limitado al público local, felizmente teníamos nuestra página web armada y eso nos ha permitido poder gestionar ventas desde nuestra casa.

Hemos tenido que encontrar nuevas maneras de llegar a nuestros clientes y estamos proyectándonos a exportar nuestras piezas y participar en diferentes ferias virtuales para llegar a mercado internacionales.

¿Autechre o Aphex Twin?

Difícil pregunta. Son dos de mis tops, cada uno tiene lo suyo. Autechre me parecen más vanguardistas, mas técnicos, más ingeniería, más racional, siempre están un paso más allá, aunque los últimos discos se me han hecho un poco más de lo mismo.

Aphex Twin es un genio, un artista que no tiene comparación, podrían decir que son como el hemisferio derecho y el hemisferio izquierdo del cerebro. Aphex Twin sería el derecho que es el intuitivo, el artístico y de la improvisacion y Autechre el izquierdo, el racional lógico y matemático.

¿Cuáles son tus planes futuros?

En mis planes futuros están dedicarme más de lleno a mi trabajo artístico personal.

Hace un par de años vengo trabajando en mi taller piezas experimentando con diferentes materiales y técnicas desde grabado, dibujos hasta tejidos, influenciado bastante por el arte de vanguardia de los años 50s-70s, la Bauhaus, artistas como Josef Albers, el arte geométrico, la arquitectura brutalista, el arte precolombino, siempre buscando en la experimentación con los materiales y en la improvisación encontrar un camino sin ningún tipo de pretensión comercial o pensar en vender mi trabajo.

¿Qué droga es la más potente que has probado y recomendarías?

No recomendaría ninguna droga a nadie, aunque creo que fue muy importante la experimentación con psicodélicos en mis 20s para poder entender muchas cosas, no creo que sea buena idea recomendar drogas ya que cada mente es un mundo distinto y lo que pudo haber sido bueno para mi podría ser malo para otra persona. Conozco gente que ha terminado mal por el uso excesivo de las drogas y gente que por un par de veces termino mal, también gente que las sigue consumiendo y lleva una vida normal.

Actualmente no consumo ningún tipo de droga. Siento que en esta etapa de mi vida ya no necesito ver más de lo que ya vi y tomarlas sería una pérdida de tiempo y de energía.

Definitivamente lo más potente que probé fue ayahuasca. La habré probado unas 5 o 6 veces, la primera vez a los 21 y fue una experiencia hermosa pero la segunda que fue a los 32 y ya venía con una carga fuerte en mi vida fue casi como un castigo, fue una de las experiencias más aterradoras que haya tenido, tuve que tomar una segunda dosis para seguir purgando y poder eliminar todos los demonios con los que venía cargado. Luego de esas dos, un año más tarde volví a tomar y fueron experiencias de mucho aprendizaje la última habrá sido en el 2012 y desde ahí no he sentido la necesidad de volverlo a hacer.

Tu lista de discos para llevar a una isla desierta:

Aphex Twin - Selected Ambient Works 85-92

The Genius of  Ravi Shankar

Gurdjieff/De Hartmann - Alain Kremski piano

Pauline Oliveros - Accordion & Voice

Boards of Canada - Music has the right to children

Cocteau Twins - Garlands

Autechre - Amber

Silvania - En cielo de oceano

Can - Tago Mago

Scientist - Introducing the scientist

Alice Coltrane – Astral meditations

Ana Roxanne - ~~~




miércoles, 24 de febrero de 2021

MUSIC TO LIVE BY :. DISCO INFERNO - D.I. Go Pop (1994)



Escuchar el D.I. Go Pop de Disco Inferno en tiempo real en Latinoamérica fue desorbitante. Tratar y hacer música influenciada por él imposible. O casi. Cuando el disco cayó a Lima, los aromas del shoegaze/dream pop estaban empezando a desvanecerse y a ceder paso a sonidos más arriesgados. A la par de Disco Inferno, asaltaban los corazones más inquietos documentos de gente como Labradford, Main, Scorn o E.A.R. (Fuck indie rock!!) Terremotos de transgresión y pasión sónica que solo podían producir -o eso creímos- amor genuino por la experimentación metamusical y la contracultura. Como lo entendíamos por ese entonces, mucho antes de la aparición de las marionetas prostituidas al marketing y a los medios atonta niños. 

D.I. Go Pop tenía una vibración herrumbrosa y gris. Parecía hecho para una Lima del año 3 mil. Cada surco se sentía bien tóxico como realizado para latear por la Av. Abancay o la Av. Perú a horas puntas. Y al mismo tiempo tenía esa calidad futurista que lo hacía sonar como hecho por una banda de guitarras del planeta de los simios. Unos monos parapetrados de guitarras MIDI y polos de Joy Division y Loop. D.I. Go Pop es el sonido de una montaña rusa de explosiones yendo por la Panamericana Norte o Evitamiento a la casa del Chino, al mar de Ancón y a las alturas de Tawa a encontrarse con los iguales. Lejos de la hueca vulgaridad de los noventas grunge y pandillas futbolísticas. Más cerca de Silver Apples y Amon Düül que a Nirvana, Oasis o Pavement

La enigmática portada y artwork del disco nos volaba la mente siempre en camino hacia la abstracción. Era momento de empezar a poner los pies en la tierra y tomarte un emoliente de experimentación terrorista. Las horas de los ruidos hermosos y sus Alisons de aureolas prístinas habían pasado. Acá estábamos los nietos de Stockhausen para revolucionarlo todo. ¿Pero nadie para escucharnos?

Así las cosas, vino el ninguneo de los medios británicos y peruanos para toda la generación post-rock shoegazer experimental. El bing bang había destrozado todo a su paso, nuestros sentidos y nervios con él. Dejó un puñado de joyas que como D.I. Go Pop, la maqueta de Crisálida Sónica, el Motion Pool, el Electr-Om, el primero de Girálea o el Clearskin de Insides, son testamentos de una cultura que tomó por asalto las mentes más aventajadas de su época y lo transgredió todo, incluso a sí misma. 

Viendo en retrospectiva y ante el panorama gentrificador/bastardizador mundial solo parece que el futuro será peor ahora. New clothes for the new world!

Wilder Gonzales Agreda.




El olor de D.I. Go Pop era el estiércol fétido de Gran Bretaña. Lo que inspiró a Crause fue el retroceso de la sólida clase trabajadora a una clase baja estigmatizada, la violencia latente de las calles (sub) urbanas y la sensación profética de que, aún así, las cosas encontrarían una manera de empeorar. Crause siente que D.I. Go Pop fue cuando comenzó a desviar sus preocupaciones líricas hacia afuera y "lejos de mi ombligo. También hay un nivel de ironía allí, porque supongo que era joven y pensaba que era mucho más inteligente de lo que realmente era. Así que tiendes a tratar las emociones fuertes irónicamente, algo que usar el sample facilitó pues creaba y fracturaba el color posmodernista del sonido ".

El álbum emite un aire de fin de la historia del pop, donde "ir al pop" es un oxímoron, dejando un rastro sampleado de God, U2 y Miles Davis mientras se quema sin ningún lugar adonde ir.

El sonido rasguñante no denota una caótica pérdida de orden, sino una estricta organización del ruido en mini-narrativas, sonidos que se retuercen alrededor de la voz baja mezclada y sombría de Crause. "Descubrí que [el sampling] me quitó algo de tensión al tener que tratar de transmitir todo el significado a través de las palabras", dice. "Desde el principio, intenté fusionar la letra y el sonido lo máximo posible".

El sonido descentrado de Disco Inferno también parecía reflejar un proceso de pensamiento distorsionado por la interrupción constante y la duda. Crause describió su intención en ese momento como "música ambiental en la que tienes una instantánea de un entorno, luego partes del entorno cobran vida y comienzan a tocar melodías. Así que tienes a un hombre caminando por la calle y un autobús yendo pasar ... pero en 3D, como algo real en tu cabeza ".

"Para ser honesto, estaba devastado por el bombardeo de D.I. Go Pop y no llegar a ninguna parte", dice. Como Hex, como Euphoria, como The Sound Your Eyes Can Follow, D.I. Go Pop hizo muy poco en cuanto a ventas. "Todos esperaban que DI Go Pop fuera un éxito de crítica y nos consiguiera una audiencia, cosa que no sucedió, así que Geoff [Travis] (de Rough Trade) sugirió posponer el próximo álbum y hacer más singles durante un año más o menos. A partir de entonces, realmente, eran solo canciones en pequeños lotes ".


JEANETTE LEECH
Fearless. The making of Post-Rock
2017





The smell of D.I. Go Pop was the fetid dung of Britain. Inspiring Crause was the retrogression of the solid working class into a stigmatised underclass, the simmering violence of (sub)urban streets, and prescient sense that -still- things will find a way to get worse. Crause feels that D.I. Go Pop was when he began to turn his lyrical concerns outward and "away from my navel. There's also a level of irony there, because I guess I was young and thought I was a lot cleverer than I really was. So you tend to treat heavy emotions ironically, something using the sampling made easier as it created and fractured , postmodernist colour to the sound."

The album gives off and end-of-pop-history air, where "going pop" is an oxymoron, leaving a sampled trail of God, U2, and Miles Davis as it burns out with nowhere to go.

The scrabbled sound did not denote a chaotic loss of order, but a stringent organisation of noise into mini-narratives, sounds twisting around Crause's low-mixed, shady vocals. "I found that [sampling] took some strain off my having to try to convey all the meaning through the words", he says. "From the beginning, I tried to fuse the lyric and sound as much as possible".

Disco Inferno's decentred sound also seemed reflective of a thought process distorted by constant interruption and self-doubt. Crause described his intent at the time as "ambient music where you've got a snapshot of an environment, then bits of the environment come to life and start playing tunes. So you've got a man walking down the street and a bus going past... but in 3D, like a real thing in your head."

"To be honest, I was devastated by D.I. Go Pop bombing and getting absolutely nowhere," he says. Like Hex, like Euphoria, like The Sound Your Eyes Can Follow, D.I. Go Pop did very little, sales-wise. "Everyone expected D.I. Go Pop to be a critical hit and get us an audience, which it didn't, so Geoff [Travis] (from Rough Trade) suggested holding off on the next album and making more singles for a year or so. From then on, really, it was just songs in smallish batches."

JEANETTE LEECH
Fearless. The making of Post-Rock
2017


lunes, 22 de febrero de 2021

Discos que prendieron fuego al mundo mientras nadie escuchaba (Parte 3)



De "100 discos que prendieron fuego al mundo (while noone was listening)" por THE WIRE mag. (1998)

¿Cansado de que otras revistas te recuerden que los mejores álbumes del mundo fueron hechos por The Beatles, Beach Boys y Rolling Stones? También nosotros. En las próximas 18 páginas encuestamos a nuestros escritores para encontrar una guía de 100 discos que deberían haber encendido la imaginación del mundo, excepto que todos los demás estaban escuchando ...


Faust - The Faust Tapes

(Virgin 1973)

"Hicimos toneladas y kilómetros de cintas y The Faust Tapes es sólo lo mejor", es como Jean-Herve Peron del grupo evaluó este álbum trascendental. Cuando el grupo produjo el material musical en bruto, se refugiaron en una escuela reformada cerca de Wumme en Alemania, cultivando su propia droga y tomates y viviendo desnudos. Ensamblada por su productor Uwe Nettlebeck, esta obra de 26 partes muestra el arte del collage sónico en su máxima expresión. La edición forma una estructura narrativa brillante, desgarrando al oyente a través de la psicodelia, el motorik, el pop peculiar y la música concreta. En un momento en que la etiqueta 'Krautrock' a menudo se aplica erróneamente a cualquier riff-spliff que dura más de lo debido, The Faust Tapes recuerda cómo en sus manos significaba todo el mundo en sonido, abarcando toda la música, desde los más loco hasta lo más feroz. MB




Blue Cheer - Vincebus Eruptum 

(Philips 1968)

El nombre de una marca particularmente potente de ácido callejero, Blue Cheer fueron los progenitores del Heavy Metal en los 60. Un grupo que tocó tan duro y fuerte que, según persiste el rumor, sin querer provocaron la muerte prematura de un perro que se extravió en el escenario mientras improvisaban. Vincebus Eruptum, su debut seminal, gruñó rabiosamente ante la inocencia hippie y pronto se convirtió en una aplanadora de fiesta de los Hell's Angels. 30 años después, el disco inspiraría a una horda de tríos de ruido japoneses adecuadamente impresionados para rendir un homenaje mutado al grupo.

Es posible que Vincebus Eruptum no haya logrado impresionar a la generación de Woodstock con su ataque de rock sónico completo y su funda plateada texturizada, pero sin su poder en bruto tanto High Rise como Musica Transonic habrían permanecido meros destellos en los ojos de Nanjo Asahito. EP




Tony Conrad - Four Violins

(Table of the Elements 1997)

Totalmente descuidada por todas las historias disponibles de la música minimalista, la contribución de Conrad a esa estética solo ha ganado un reconocimiento generalizado recientemente. Gran parte de la responsabilidad de este vacío histórico recae en La Monte Young, quien ha suprimido activamente cintas de Dream Music que grabó con Conrad y otros a principios de los 60. La música de Conrad también se ha visto ensombrecida por el minimalismo rítmico más agradable de Steve Reich, Philip Glass y Terry Reilly. Por el contrario, los drones densos y abrasivos de Conrad y su compromiso con la interpretación de larga duración y sin puntaje permanecieron en desacuerdo con el establecimiento de la New Music. Los 23 años que separaron su grabación en 1964 y su lanzamiento el año pasado han hecho poco para disminuir la fuerza de Four Violins, la única grabación de la primera música en solitario de Conrad. Sobre y entre las capas de sus violines sobregrabados, Conrad inventa un nuevo lenguaje musical de zumbidos, asperezas y aleteo, acumulando un todo que es, por turnos, insoportablemente intenso y gloriosamente extático. CC




Bernhard Günter - Un Peu De Neige Salie

(Selektion 1993, Reissued Table Of The Elements 1997)

El álbum debut de Gunter es una obra maestra de moderación radical. Es un disco compacto con hasta el último rastro de la música aparentemente extirpado quirúrgicamente, y todo lo que queda son los diminutos glitches de los procesos de grabación, mezcla y masterización. Estallidos y zumbidos microscópicos parpadean a través de la superficie de tonos de alta frecuencia casi imperceptibles; a menos que los escuche en un espacio silencioso o con auriculares, al principio puede parecer completamente silencioso, y la planta de prensado de CD al principio devolvió la cinta maestra a Gunter como 'defectuoso'. Su humildad es cautivadora: una vez que se sintoniza con su universo subatómico, los sonidos se vuelven extrañamente convincentes. El disco aumenta la conciencia de su entorno inmediato y del potencial pleno del tímpano humano que rara vez se aprovecha. BD




Pere Ubu - 30 Seconds Over Tokyo

(Hearthan 1975)

De todas las emociones humanas, el miedo es el más difícil de capturar musicalmente, pero este primer sencillo de Pere Ubu simplemente se derrite con un pavor terrible. Angular, intransigente e impactante, su punto de referencia exterior es el bombardeo estadounidense de Japón, pero su movimiento real es hacia adentro, tratando tanto de sondear las mentes de aquellos que cometerían tal acto como de reconocer el terror, sentido por millones subsiguientes, que fácilmente podría volver a suceder. No es un disco de fiesta, entonces, sino uno histórico: creó un mundo sonoro completamente nuevo de dolor industrial sombrío, tomando algunas señales musicales de Beefheart pero sustituyendo un presentimiento demacrado por su loco optimismo orgánico. Escuchando atentamente en Manchester estaban los que se convirtieron en Joy Division; su sensibilidad proviene de este disco, pero nunca se equiparó ni remotamente con su evocación del apocalipsis. AM




Lou Reed - Metal Machine Music

(RCA 1975, Reissued Greatest Expectations 1991)

Q Magazine incluyó a Metal Machine Music en sus 50 peores discos de todos los tiempos, describiéndolo como "retroalimentación sádica que raspa la pizarra". ¿Qué recomendación más alta podrías necesitar? El propio Reed informó: "Lo encuentro muy relajante, no es una broma". La máquina de metal involucró a dos guitarras eléctricas retroalimentadas a través de unidades de trémolo que no coinciden. Se aceleran, ralentizan, se graban al revés y se colocan en capas repetidamente. El resultado es a la vez el disco de ruido desquiciado preeminente, un chillido increíblemente cacofónico de tormento eléctrico, y también un clásico del minimalismo; algunas de las armonías más enigmáticas y exquisitas jamás documentadas. Es una pena que las reediciones del CD no puedan soportar los ritmos bloqueados del doble LP original, pero incluso si no dura para siempre, la música es infinitamente complicada. Todavía está a la espera de una evaluación crítica adecuada, incluso el alegremente entusiasta Lester Bangs no "entendió" completamente Metal Machine Music. BD






RECORDS THAT SET THE WORLD ON FIRE (while noone was listening) - Chapter 3

From "100 records that set the world on fire (while noone was listening)" by THE WIRE mag. (1998)

Tired of being reminded by other magazines that the best albums in the world were made by The Beatles, Beach Boys and Rolling Stones? So are we. Over the next 18 pages we poll our writers to  come up with a guide to 100 records that should have ignited the world's imagination, except that everyone else was fidding...


Faust - The Faust Tapes

(Virgin 1973)

"We made tons and kilometres of tapes and The Faust Tapes is only the best," is how the group's Jean-Herve Peron assessed this epochal album. When the group produced the raw musical material, they were holed up in a converted schoolhouse near Wumme in Germany, growing their own dope and tomatoes and living naked. Assembled by their producer Uwe Nettlebeck, this 26 part opus showcases the art of sonic collage at its best. The editing forms a brilliant narrative structure, wrenching the listener through psychedelia, motorik, quirky pop and musique concrete. At a time when the label 'Krautrock' is often erroneously applied to any spliff-riffing that goes on for longer than it should, The Faust Tapes reminds how in their hands it meant the whole world in sound, encompassing all music from the daftest to the fiercest. MB 




Blue Cheer - Vincebus Eruptum
(Philips 1968)

Named after a particularly potent brand of street acid, Blue Cheer were the 60s progenitors of Heavy Metal. A group who played so hard and loud that, so rumour persists, they inadvertently caused the early demise of a dog which strayed on stage while they were improvising. Vincebus Eruptum, their seminal debut, snarled rabidly in the face of hippy innocence and soon became a Hell's Angels party stomper. 30 years later, the record would inspire a horde of suitably impressed Japanese noise trios to pay mutated homage to the group. 

Vincebus Eruptum may have failed to impress the Woodstock generation with its full on sonic rock attack and textured silver sleeve, but without its raw power both High Rise and Musica Transonic would have remained mere twinkles in Nanjo Asahito's eye. EP





Tony Conrad
- Four Violins


(Table of the Elements 1997)

Utterly neglected by all available histories of Minimalist music, Conrad's contribution to that aesthetic has only recently gained widespread acknowledgment. Much of the responsibility for this historical void lies with La Monte Young, who has actively suppressed tapes of the Dream Music he recorded with Conrad and others in the early 60s. Conrad's music has also been overshadowed by the more agreeable, rhythmic Minimalism of Steve Reich, Philip Glass, and Terry Reilly. In contrast, Conrad's dense, abrasive drones, and his commitment to unscored, long-duration playing remained at odds with the New Music establishment. The 23 years separating its recording in 1964 and its release last year have done little to diminish the force of Four Violins, the only recording of Conrad's early solo music. On and between the layers of his overdubbed violins, Conrad invents a new musical language of buzzes, rasps, and flutters, amassing a whole that is, by turns, unbearably intense and gloriously ecstatic. CC 




Bernhard Günter - Un Peu De Neige Salie

(Selektion 1993, Reissued Table Of The Elements 1997)

Gunter's debut album is a masterpiece of radical restraint. It's a compact disc with every last trace of the music seemingly surgically excised, and all that remains are the minute glitches of the recording, mixing and mastering processes. Microscopic pops and buzzes flicker across the surface of nearly imperceptible high frequency tones - unless you listen to it in a quiet space or on headphones, it may seem at first to be completely silent, and the CD pressing plant at first returned the master tape to Gunter as 'faulty'. Its humility is beguiling - once attuned to their subatomic universe, the sounds become strangely compelling. The disc heightens awareness of your immediate surroundings and the rarely tapped full potential of the human eardrum. BD 




Pere Ubu - 30 Seconds Over Tokyo

(Hearthan 1975)

Of all human emotions, fear is the hardest to capture musically, but this early single from Pere Ubu simply melts with fearful dread. Angular, uncompromised and shocking, its exterior reference point is the American bombing of Japan, but its real movement is inward, trying both to fathom the minds of those who would commit such an act and to acknowledge the terror, felt by subsequent millions, that it could easily happen again. Not a party record, then, but a landmark one - it created a whole new soundworld of shadowed, industrial grief, taking some musical cues from Beefheart but substituting a gaunt foreboding for his crazy organic optimism. Listening hard in Manchester were those who became Joy Division; their sensibility stems from this record, but never remotely matched its evocation of apocalypse. AM 




Lou Reed - Metal Machine Music

(RCA 1975, Reissued Greatest Expectations 1991)

Q Magazine featured Metal Machine Music in its 50 Worst Records of All Time, describing it as "sadistic, blackboard-scraping feedback". What higher recommendation could you possibly need? Reed himself reported: "I find it very relaxing - it's not done as a joke." The metal machine involved two electric guitars feeding back through mismatched tremolo units. They're speeded up, slowed down, recorded backwards and layered repeatedly. What results is at once the pre-eminent deranged noise record, an impossibly cacophonous screech of electric torment, and also a classic of Minimalism; some of the most enigmatic, exquisite harmonies ever documented. It's a pity the CD reissues can't handle the original double LP's locked grooves, but even if it doesn't last forever, the music is infinitely convoluted. It still awaits a proper critical appraisal -even the gleefully enthusiastic Lester Bangs didn't fully 'get' Metal Machine Music. BD 


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perú post indie

Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños.
Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo...
Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?


FRED ROHNER
Historia Secreta del Perú 2

as it is when it was

sonido es sonido

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lefty

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¡Feliz Año Nuevo 2022!, les desean Slavoj Zizek y el lumpemproletariado de San Marcos. 😃 ¡POR EL REGRESO DE LA FILOSOFÍA A LOS COLEGIOS!

nogzales der wil

EL LENGUAJE: UN DISCURSO SIN CANCIÓN.

No queremos sus diccionarios, o su dicción, llenos de palabras que oprimen, que humillan y controlan. Ellos usan esas palabras para proteger a los suyos, siendo su jerga un código morse secreto cuyo objetivo es conservar su privilegio y poder social. De modo que para poder comprender la sociedad, debemos comprender sus ingredientes, las habilidades y los métodos de las personas que se comunican mediante el lenguaje tan solo para controlar y confundir. Para ser incluso capaces de soñar con cambiar la sociedad y el tenaz agarre de estas personas, debemos cambiar el lenguaje, sus formas y patrones. Quiébralo, mézclalo, ve qué es lo que realmente hace, lo que realmente dice, exponlo, revela su fortaleza, su debilidad. Las personas no pueden vivir con un lenguaje de lo correcto y lo incorrecto, lo negro y lo blanco, o esto o lo otro. No refleja la realidad, o la vida,o cómo cada uno de nosotros realmente siente y piensa día a día. Hoy en día el lenguaje está diseñado para acabar en conflicto, y en este momento aquellos que controlan el lenguaje intervienen como expertos y nos controlan. El lenguaje tiene que ser común a todos y para ello este lenguaje debe ser replanteado. La cultura tiene que mostrarles técnicas a las personas para derrumbar la lógica aparente del lenguaje que sigue una línea hacia una conclusión, y desarrollar formas que reflejen las infinitas respuestas y posibilidades paralelas, un caleidoscopio sin conclusiones ni puntos fijos que, por lo tanto, describa con mucha mayor precisión cómo se siente la vida y cuán incierto puede sentirse cada momento de la vida, cuán poco realmente se puede planificar, o con cuán poco se puede contar. Luchamos unos contra otros con intensidad paranoica en lugar de estar haciéndolo contra los despreciables señores feudales que se reúnen, petulantes, en ese edificio junto al agua. No es de extrañar que piensen que somos escoria patética, peleando contra lo que es más fácil y está más cerca de nosotros, contra nosotros en lugar de contra ellos. El edificio que ocupan para simbolizar su libertad podría fácilmente convertirse en su prisión. La mejor arma, la mejor defensa es aquella que toma la propia energía de tus atacantes y la vuelve contra ellos. El lenguaje puede volver a ser ensamblado todos los días de una manera diferente para ayudar a liberarnos. Nuestras pequeñas jaulas concretas pueden ser nuestros palacios, y sus palacios pueden ser sus jaulas. KALI 5 Y GENESIS BREYER P-ORRIDGE, LONDRES, 23 DE SEPTIEMBRE, 1987