Vanguardia Peruana & Sonidos Contemporáneos: Discos que prendieron fuego al mundo mientras nadie escuchaba (Parte 3)

lunes, 22 de febrero de 2021

Discos que prendieron fuego al mundo mientras nadie escuchaba (Parte 3)

De "100 discos que prendieron fuego al mundo (while noone was listening)" por THE WIRE mag. (1998)

¿Cansado de que otras revistas te recuerden que los mejores álbumes del mundo fueron hechos por The Beatles, Beach Boys y Rolling Stones? También nosotros. En las próximas 18 páginas encuestamos a nuestros escritores para encontrar una guía de 100 discos que deberían haber encendido la imaginación del mundo, excepto que todos los demás estaban escuchando ...

Faust - The Faust Tapes

(Virgin 1973)

"Hicimos toneladas y kilómetros de cintas y The Faust Tapes es sólo lo mejor", es como Jean-Herve Peron del grupo evaluó este álbum trascendental. Cuando el grupo produjo el material musical en bruto, se refugiaron en una escuela reformada cerca de Wumme en Alemania, cultivando su propia droga y tomates y viviendo desnudos. Ensamblada por su productor Uwe Nettlebeck, esta obra de 26 partes muestra el arte del collage sónico en su máxima expresión. La edición forma una estructura narrativa brillante, desgarrando al oyente a través de la psicodelia, el motorik, el pop peculiar y la música concreta. En un momento en que la etiqueta 'Krautrock' a menudo se aplica erróneamente a cualquier riff-spliff que dura más de lo debido, The Faust Tapes recuerda cómo en sus manos significaba todo el mundo en sonido, abarcando toda la música, desde los más loco hasta lo más feroz. MB

Blue Cheer - Vincebus Eruptum

(Philips 1968)

El nombre de una marca particularmente potente de ácido callejero, Blue Cheer fueron los progenitores del Heavy Metal en los 60. Un grupo que tocó tan duro y fuerte que, según persiste el rumor, sin querer provocaron la muerte prematura de un perro que se extravió en el escenario mientras improvisaban. Vincebus Eruptum, su debut seminal, gruñó rabiosamente ante la inocencia hippie y pronto se convirtió en una aplanadora de fiesta de los Hell's Angels. 30 años después, el disco inspiraría a una horda de tríos de ruido japoneses adecuadamente impresionados para rendir un homenaje mutado al grupo.

Es posible que Vincebus Eruptum no haya logrado impresionar a la generación de Woodstock con su ataque de rock sónico completo y su funda plateada texturizada, pero sin su poder en bruto tanto High Rise como Musica Transonic habrían permanecido meros destellos en los ojos de Nanjo Asahito. EP

Tony Conrad - Four Violins

(Table of the Elements 1997)

Totalmente descuidada por todas las historias disponibles de la música minimalista, la contribución de Conrad a esa estética solo ha ganado un reconocimiento generalizado recientemente. Gran parte de la responsabilidad de este vacío histórico recae en La Monte Young, quien ha suprimido activamente cintas de Dream Music que grabó con Conrad y otros a principios de los 60. La música de Conrad también se ha visto ensombrecida por el minimalismo rítmico más agradable de Steve Reich, Philip Glass y Terry Reilly. Por el contrario, los drones densos y abrasivos de Conrad y su compromiso con la interpretación de larga duración y sin puntaje permanecieron en desacuerdo con el establecimiento de la New Music. Los 23 años que separaron su grabación en 1964 y su lanzamiento el año pasado han hecho poco para disminuir la fuerza de Four Violins, la única grabación de la primera música en solitario de Conrad. Sobre y entre las capas de sus violines sobregrabados, Conrad inventa un nuevo lenguaje musical de zumbidos, asperezas y aleteo, acumulando un todo que es, por turnos, insoportablemente intenso y gloriosamente extático. CC

Bernhard Günter - Un Peu De Neige Salie

(Selektion 1993, Reissued Table Of The Elements 1997)

El álbum debut de Gunter es una obra maestra de moderación radical. Es un disco compacto con hasta el último rastro de la música aparentemente extirpado quirúrgicamente, y todo lo que queda son los diminutos glitches de los procesos de grabación, mezcla y masterización. Estallidos y zumbidos microscópicos parpadean a través de la superficie de tonos de alta frecuencia casi imperceptibles; a menos que los escuche en un espacio silencioso o con auriculares, al principio puede parecer completamente silencioso, y la planta de prensado de CD al principio devolvió la cinta maestra a Gunter como 'defectuoso'. Su humildad es cautivadora: una vez que se sintoniza con su universo subatómico, los sonidos se vuelven extrañamente convincentes. El disco aumenta la conciencia de su entorno inmediato y del potencial pleno del tímpano humano que rara vez se aprovecha. BD

Pere Ubu - 30 Seconds Over Tokyo

(Hearthan 1975)

De todas las emociones humanas, el miedo es el más difícil de capturar musicalmente, pero este primer sencillo de Pere Ubu simplemente se derrite con un pavor terrible. Angular, intransigente e impactante, su punto de referencia exterior es el bombardeo estadounidense de Japón, pero su movimiento real es hacia adentro, tratando tanto de sondear las mentes de aquellos que cometerían tal acto como de reconocer el terror, sentido por millones subsiguientes, que fácilmente podría volver a suceder. No es un disco de fiesta, entonces, sino uno histórico: creó un mundo sonoro completamente nuevo de dolor industrial sombrío, tomando algunas señales musicales de Beefheart pero sustituyendo un presentimiento demacrado por su loco optimismo orgánico. Escuchando atentamente en Manchester estaban los que se convirtieron en Joy Division; su sensibilidad proviene de este disco, pero nunca se equiparó ni remotamente con su evocación del apocalipsis. AM

Lou Reed - Metal Machine Music

(RCA 1975, Reissued Greatest Expectations 1991)

Q Magazine incluyó a Metal Machine Music en sus 50 peores discos de todos los tiempos, describiéndolo como "retroalimentación sádica que raspa la pizarra". ¿Qué recomendación más alta podrías necesitar? El propio Reed informó: "Lo encuentro muy relajante, no es una broma". La máquina de metal involucró a dos guitarras eléctricas retroalimentadas a través de unidades de trémolo que no coinciden. Se aceleran, ralentizan, se graban al revés y se colocan en capas repetidamente. El resultado es a la vez el disco de ruido desquiciado preeminente, un chillido increíblemente cacofónico de tormento eléctrico, y también un clásico del minimalismo; algunas de las armonías más enigmáticas y exquisitas jamás documentadas. Es una pena que las reediciones del CD no puedan soportar los ritmos bloqueados del doble LP original, pero incluso si no dura para siempre, la música es infinitamente complicada. Todavía está a la espera de una evaluación crítica adecuada, incluso el alegremente entusiasta Lester Bangs no "entendió" completamente Metal Machine Music. BD

RECORDS THAT SET THE WORLD ON FIRE (while noone was listening) - Chapter 3

From "100 records that set the world on fire (while noone was listening)" by THE WIRE mag. (1998)

Tired of being reminded by other magazines that the best albums in the world were made by The Beatles, Beach Boys and Rolling Stones? So are we. Over the next 18 pages we poll our writers to come up with a guide to 100 records that should have ignited the world's imagination, except that everyone else was fidding...

Faust - The Faust Tapes

(Virgin 1973)

"We made tons and kilometres of tapes and The Faust Tapes is only the best," is how the group's Jean-Herve Peron assessed this epochal album. When the group produced the raw musical material, they were holed up in a converted schoolhouse near Wumme in Germany, growing their own dope and tomatoes and living naked. Assembled by their producer Uwe Nettlebeck, this 26 part opus showcases the art of sonic collage at its best. The editing forms a brilliant narrative structure, wrenching the listener through psychedelia, motorik, quirky pop and musique concrete. At a time when the label 'Krautrock' is often erroneously applied to any spliff-riffing that goes on for longer than it should, The Faust Tapes reminds how in their hands it meant the whole world in sound, encompassing all music from the daftest to the fiercest. MB

Blue Cheer - Vincebus Eruptum
(Philips 1968)

Named after a particularly potent brand of street acid, Blue Cheer were the 60s progenitors of Heavy Metal. A group who played so hard and loud that, so rumour persists, they inadvertently caused the early demise of a dog which strayed on stage while they were improvising. Vincebus Eruptum, their seminal debut, snarled rabidly in the face of hippy innocence and soon became a Hell's Angels party stomper. 30 years later, the record would inspire a horde of suitably impressed Japanese noise trios to pay mutated homage to the group.

Vincebus Eruptum may have failed to impress the Woodstock generation with its full on sonic rock attack and textured silver sleeve, but without its raw power both High Rise and Musica Transonic would have remained mere twinkles in Nanjo Asahito's eye. EP

Tony Conrad - Four Violins

(Table of the Elements 1997)

Utterly neglected by all available histories of Minimalist music, Conrad's contribution to that aesthetic has only recently gained widespread acknowledgment. Much of the responsibility for this historical void lies with La Monte Young, who has actively suppressed tapes of the Dream Music he recorded with Conrad and others in the early 60s. Conrad's music has also been overshadowed by the more agreeable, rhythmic Minimalism of Steve Reich, Philip Glass, and Terry Reilly. In contrast, Conrad's dense, abrasive drones, and his commitment to unscored, long-duration playing remained at odds with the New Music establishment. The 23 years separating its recording in 1964 and its release last year have done little to diminish the force of Four Violins, the only recording of Conrad's early solo music. On and between the layers of his overdubbed violins, Conrad invents a new musical language of buzzes, rasps, and flutters, amassing a whole that is, by turns, unbearably intense and gloriously ecstatic. CC

Bernhard Günter - Un Peu De Neige Salie

(Selektion 1993, Reissued Table Of The Elements 1997)

Gunter's debut album is a masterpiece of radical restraint. It's a compact disc with every last trace of the music seemingly surgically excised, and all that remains are the minute glitches of the recording, mixing and mastering processes. Microscopic pops and buzzes flicker across the surface of nearly imperceptible high frequency tones - unless you listen to it in a quiet space or on headphones, it may seem at first to be completely silent, and the CD pressing plant at first returned the master tape to Gunter as 'faulty'. Its humility is beguiling - once attuned to their subatomic universe, the sounds become strangely compelling. The disc heightens awareness of your immediate surroundings and the rarely tapped full potential of the human eardrum. BD

Pere Ubu - 30 Seconds Over Tokyo

(Hearthan 1975)

Of all human emotions, fear is the hardest to capture musically, but this early single from Pere Ubu simply melts with fearful dread. Angular, uncompromised and shocking, its exterior reference point is the American bombing of Japan, but its real movement is inward, trying both to fathom the minds of those who would commit such an act and to acknowledge the terror, felt by subsequent millions, that it could easily happen again. Not a party record, then, but a landmark one - it created a whole new soundworld of shadowed, industrial grief, taking some musical cues from Beefheart but substituting a gaunt foreboding for his crazy organic optimism. Listening hard in Manchester were those who became Joy Division; their sensibility stems from this record, but never remotely matched its evocation of apocalypse. AM

Lou Reed - Metal Machine Music

(RCA 1975, Reissued Greatest Expectations 1991)

Q Magazine featured Metal Machine Music in its 50 Worst Records of All Time, describing it as "sadistic, blackboard-scraping feedback". What higher recommendation could you possibly need? Reed himself reported: "I find it very relaxing - it's not done as a joke." The metal machine involved two electric guitars feeding back through mismatched tremolo units. They're speeded up, slowed down, recorded backwards and layered repeatedly. What results is at once the pre-eminent deranged noise record, an impossibly cacophonous screech of electric torment, and also a classic of Minimalism; some of the most enigmatic, exquisite harmonies ever documented. It's a pity the CD reissues can't handle the original double LP's locked grooves, but even if it doesn't last forever, the music is infinitely convoluted. It still awaits a proper critical appraisal -even the gleefully enthusiastic Lester Bangs didn't fully 'get' Metal Machine Music. BD

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barbarismos

El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.

es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo

En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez. «Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.

MARK FISHER.

perú post indie

Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños.
Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo...
Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?

FRED ROHNER
Historia Secreta del Perú 2

RETROMANÍA

"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia."


SIMON REYNOLDS 
Retromanía

Joe says

"En un principio los "rockeros" ,no eran funcionales a los gobiernos de turno.., de echo el rock se caracterizo por ser una contracultura a todo eso, sin importar kien fuese el ladron en el sillón .., pero con el pasar de los tiempos y el amiguismo a cambio de favores, la bancada de viajes a festivales al exterior ,los hospedajes gratuitos en hoteles y miles de mierdas mas a cambio de no hablar mal del k este de turno, es lo k hizo k hoy en dia el político y el rockero se peinen juntos para la foto.
Los k estámos afuera de eso, somos "odiadores o envidiosos" , según el criterio de muchos (publico) k SI hablan x hablar y defienden a kienes ni saben pk están en donde están.
Vuelan ,giran , comen y beben gracias a los impuestos ke les pagan odiadores como yo 😁
Siempre voy a elegir no cerrar mi maldita boca y solo conseguir con esto k se me cierren mil puertas y ke me odien y me corten la cara mil veces más , prefiero eso a ser un careta.
Hablando d esto ..¿vieron el documental de NICHETO??) ..,estaba esperando k alguien la tire, pero ya fue .., yo ya me prendí fuego 🔥 hace rato .., así k la tiro yo , total una mancha más al tigre k le hace?..
me importa un huevo lo k piensen de mi y k me desfenestren ,como se k lo van a hacer después de este posteo 🙂.., me kedo con la primer época aquella en la k no se compartía la foto..
INDIE fuertes , indie esto , indie otro blsbla ,ESO NO ES INDIPENDENCIA , eso es amiguismo puro y propaganda pagada x mi bolsillo y x el de muchos miles de otros ke muchas veces e irónicamente ,no tienen un mango ni para cargar la sube para ir a tocar, o ni pueden cambiar su encordado x uno nuevo k no les corte los dedos, etc)
Vengan de a uno o d a miles.. me chupa un huevo - repito.
También espero ver kien respalda lo k digo , pk según tengo entendido serian muchos.
NO SEAN CARETONES!! 👊
Los tiempos cambiaron, es hora de empezar a hablar con la verdad y decir las cosas como son.
Y sino de ultima k la guita de cultura se reparta para todos los miles de trabajadores de la música y no solo para los amigos de los de turno no?..
A todo esto, x otro lado ¿cuando NICHETO fue aguante del under o lo k mierda sea ke intentan mentir en este documental de 
juguetería????"

- JOE DIXEXION
2020

PERÚ AVANTGARDE - El despertar de la vanguardia musical - PEDIDOS: POLYLUNA@GMAIL.COM

📌 El blog Perú Avantgarde de Wilder Gonzales cumple 20 años de existencia. Su aparición representa a una generación de músicos y melómanos que tuvieron el deseo de explorar y conocer nuevos estilos musicales. Quizá hastiados de seguir escuchando el new wave y el punk, que habían tenido auge en la década de los 80. Como se puede evidenciar en este libro, los estilos que cobraron visibilidad fueron el shoegaze, el post-rock, el IDM, el ambient y otros afines, que formaron parte de la evolución de la música hacia lo que conocemos hoy como «arte sonoro». Este blog es significativo porque fue una de las primeras plataformas virtuales dedicadas a la música de vanguardia en nuestro país. (Joel Rojas)

Enseñar pensamiento crítico

Hoy en día hasta el más miserable escuálido e ignorante se alucina algo o es UN ALUCINADO. Es lo q han conseguido los medios y el sistema capitalista de tener/aparentar, "emprendedores" y arribismo. ¿Hermandad, empatía, sinceridad, humildad? Cojudece$. 
No hay escapatoria ni futuro así. ¿Recuerdan a los que pensaban al inicio que la pandemia traería una suerte de renacimiento? XD 
La disolución del ego -vía experiencias místicas visionarias- en desventaja completamente si es q alguna vez se creyó tener la solución ahí. 
Queda resistir a través de expresiones culturales/artísticas y colonizar mentes/seres de esta guisa y, sobre todo, no dejarse engullir atrapar ensuciar. Y después ¿qué? 

I AM NOT AFRAID OF DEATH BECAUSE I'M DYING EVERYDAY.

Wil Volador
2024

LA REVOLUCIÓN DE MIL SONIDOS

Q loko lo que indican en "MIL SONIDOS" acerca de cómo a partir de los 80/90 la vanguardia experimental institucional perdió el MONOPOLIO sobre la música experimental. Antes eran los IRCAM, los estudios de Colonia, las Universidades de Estados Unidos etc. Desde los 80/90, cuando los sintetizadores y las computadoras se vuelven más asequibles, explorar/experimentar con sonido no es reducto solo de unos cuantos. Y digo qué loko que lo mencionen de esa forma, como "MONOPOLIO", ya que usualmente los críticos lo describen como algo natural sin darle sentido ni carácter avant ni revolucionario. Hoy y a juzgar por la proliferación de universidades de música dando cabida a lo experimental electrónico arte sonoro y demás aquellos ex monopolios pretenden recuperar el terreno perdido.... o ganar incautos x sus rediles.

la república "aristocrática" de los ex-guaneros

¶República “aristocrática”: una hacienda llamada Perú¶¶ El resultado de la guerra con Chile no fue solo la pérdida de Arica y Tarapacá. La London Pacific ya estaba ubicada en La Brea y Pariñas, la Cerro de Pasco en las minas del centro, la Grace era dueña de puertos, ferrocarriles y tierras de la selva, la Casa Ricketts subordinaba a los indios alpaqueros y laneros en el sur, la casa Arana mandaba en la selva amazónica. Los hijos y nietos de los consignatarios y consolidados administraban desde Lima el poder político de esas empresas inglesas y norteamericanas. Lo hacían para ellas, no para el Perú. La guerra había sido solo un accidente en esta historia de dominación. Piérola, el hombre de Dreyfus. activo causante de sucesivas derrotas ante el enemigo externo, fue bastante hábil en los conflictos internos para capturar de nuevo el poder por las armas y se convirtió en el restaurador del poder oligárquico después de la guerra con Chile; y el fundador de lo que Jorge Basadre llamó piadosamente “la república aristocrática”. El término es excesivo porque aristocracia viene de aristos, lo excelente, lo mejor y estos, de mejores tenían poco. En realidad, el Perú seguía siendo la república de los guaneros, ahora adornada con un poco más de educación e ilustración a la francesa de la elite excluyente, dictadura de mediocres hijos de ricos sobre un mundo de siervos y esclavos. Fueron apenas quince años en que las familias racistas se alternaron en la presidencia, mientras en el Perú profundo continuaba el reino intocado de los terratenientes y sus indios semiesclavos. Las industrias de lanas, textiles y bebidas, obligaron a la formación de un pequeño proletariado y empezaron a llegar tardíamente, las ideas anarquistas y socialistas. La mal llamada república aristocrática empezó con Piérola pero no pudo soportar a Billinghurst. La farsa acabó brutalmente con el golpe de Benavides, el general que dominó la política peruana durante la primera mitad del siglo XX. "

HÉCTOR BÉJAR.

de animales a dioses

La cultura tiende a aducir que solo prohíbe lo que es antinatural. Pero, desde una perspectiva biológica, nada es antinatural. Un comportamiento verdaderamente antinatural, que vaya contra las leyes de la naturaleza, simplemente no puede existir, de modo que no necesitaría prohibición. Ninguna cultura se ha preocupado nunca de prohibir que los hombres fotosinteticen, que las mujeres corran más de prisa que la velocidad de la luz o que los electrones, que tienen carga negativa, se atraigan mutuamente. En realidad, nuestros conceptos de "natural" y "antinatural" no se han tomado de la biología, sino de la teología cristiana. El significado teológico de "natural" es "de acuerdo con las intenciones del Dios que creó la naturaleza"... Sin embargo, la evolución no tiene propósito. Los órganos no han evolucionado con una finalidad, y la manera como son usados está en constante cambio. No hay un sólo órgano en el cuerpo humano que realice únicamente la tarea que realizaba su prototipo cuando apareció por primera vez hace cientos de millones de años. Los órganos evolucionan para ejecutar una función concreta, pero una vez que existen, pueden adaptarse asimismo para otros usos. La boca, por ejemplo, apareció porque los primitivos organismos pluricelulares necesitaban una manera de incorporar nutrientes a su cuerpo. Todavía usamos la boca para este propósito, pero también la empleamos para besar, hablar y, si somos Rambo, para extraer la anilla de las granadas de mano. ¿Acaso algunos de estos usos es antinatural simplemente porque nuestros antepasados vermiformes de hace 600 millones de años no hacían estas cosas con su boca?

YUVAL NOAH HARARI "Sapiens - De animales a Dioses. Una breve historia de la humanidad"

Crisálida Sónica 1997

Por estas fechas, hace 25 años el Futuro nos alcanzó, emergiendo desde los ignotos abismos del pop independiente peruano. Hace veinte años, se plantó la semilla que luego germinase, y cuyos frutos son hoy parte integral/consustancial de nuestro legado como escena de vanguardia a nivel latinoamericano. Hace veinte años, un virus se enquistó en el ADN de nuestros músicos más avezados y produjo mutaciones insospechadas, contribuyendo al fortalecimiento del circuito ajeno al mainstream y al desarrollo de propuestas de avanzada con sabor nacional.
Hace veinte años, por estas fechas, se puso a la venta la fundacional maqueta de Crisálida Sónica, Compilación I.

- Hákim de Merv