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lunes, 29 de noviembre de 2021

The Failed NASA Experiment - Down the River I'll Make My Home (from "Fir...

Nueve consejos para músicos según LaMonte Young




1. NUNCA TE  CONVIERTAS EN MÚSICO PORQUE QUIERAS GANAR DINERO

En los años 50, [Billy Higgins] era mi baterista. Y es el mejor baterista que he escuchado. Solíamos tocar en un lugar llamado Opus One Way en el centro. Y nos ofrecieron un dólar la noche y toda la cerveza que pudiéramos beber. Así que bebíamos cerveza constantemente y nunca obtuvimos el dólar. Esta es la vida de un músico.

Una vez fuimos a buscar a John Cotton, que era un guitarrista de blues increíble, después de tocar en un club, y él se sentó en el bar y dijo: "No me iré hasta que me des mi dinero". Y el tipo detrás de la caja registradora decía: "Oh, no puedo abrir la caja registradora cuando el jefe no está aquí". John dijo: "No voy a ir a ningún lado". Esto continuó por un tiempo, y finalmente el tipo abrió el dinero y le dio sus cincuenta dólares. Cincuenta dólares no es nada, pero los músicos tienen que tocar por nada para poder siquiera ganarse la vida. Es una vida dura, pero es una vida de belleza porque los músicos están totalmente involucrados con la música y esperan ganar un poco de dinero para comprar un sándwich.

2. RECONOCE QUE LO MÁS SIMPLE A MENUDO ES LO MEJOR

Sabes, hay una historia sobre un hombre blanco que fue a la India en los inicios, y escuchó a un tipo sentado allí y tocando una nota. Él dijo: "¿Cómo es que tocas una nota todo el tiempo?" El tipo dijo: "Saben, ustedes, los occidentales, siempre están buscando sus notas. Yo encontré las mías". Y creo que es este sentido de que no tienes que ir a ningún lado, no tienes que impresionar a nadie, pero te involucras con las frecuencias y se convierte en un vehículo para la mediación.

3. ENCUENTRA UN HORARIO QUE SE ADAPTE A TI

La mayoría de la gente está preocupada por el tiempo: tengo que llegar aquí, tengo que llegar allí, tengo que hacer una cita, tengo que estar en la escuela, tengo que salir de la escuela. Bueno, el tiempo es mi medio. Hice un trabajo de posgrado en Berkeley, gané algunas becas y dejé la escuela después de dos años en Berkeley. Llegué a Nueva York en 1960, nunca volví a la escuela y, de repente, comencé a vivir en mi propio tiempo. Y descubrí que trabajaba más y dormía más. Esto se acumuló durante mucho tiempo hasta que tal vez estuvimos despiertos durante veintiocho, veintinueve, treinta y un horas, y estuvimos durmiendo ... bueno, ahora mismo, dormimos día por medio, todo el día. Y trabajamos mucho tiempo el día que estamos despiertos.

Pero cuando conocimos a nuestro gurú, Pandit Pran Nath, en 1970, no permitió nada de eso. Teníamos que vivir según su horario. Entonces, cuando vivíamos con Pandit Pran Nath, tenía que levantarme todos los días a las 3 de la mañana, hacer té, darme una ducha, sintonizar la tambura y sentarme frente a él antes de las 7 de la mañana, o no me enseñaba, decía, ¿quién es el próximo estudiante? Era la disciplina lo que estaba tratando de enseñarme. Realmente, la primera parte de mi vida la pasé tratando de ganar tiempo. Algunas personas quieren comprar automóviles, algunas personas quieren comprar drogas, algunas personas quieren comprar equipo y algunas personas quieren ganar tiempo. Quizás soy el único que alguna vez quiso comprar tiempo, pero hay otras personas que quieren comprar tiempo: quieren tomarse unas vacaciones, ese es el momento.

4. NO TE MEZCLES EN DROGAS

Terry Jennings fue un fenómeno del jazz. Es alguien que descubrí en 1960: fue a la misma escuela secundaria que yo. En décimo grado, ya sonaba como Ornette Coleman: había estado tocando toda su vida, y cuando hablé con su madre y su padre, dijeron, ya sabes, Jerry estaba sacando sus propios discos de la colección cuando tenía dos años, estaba tocando las Cuatro Manos de Beethoven con nosotros cuando tenía cuatro años. Sacó las Sonatas e interludios para piano preparado de John Cage de la biblioteca cuando tenía doce años, y cuando tenía trece o catorce, estaba escribiendo sus propios arreglos para la orquesta de la escuela secundaria.

Fue uno de los músicos más asombrosos que jamás haya escuchado, un músico increíble. Pero, lamentablemente, su vida fue una tragedia. Se mezcló en drogas demasiado pronto y terminó boca abajo en un charco de barro en los años 80. Y fue realmente una gran pérdida. Fue una gran pérdida para mí porque fue uno de mis descubrimientos más importantes, y lo presenté en Nueva York en el loft de Yoko. ¿Cuántas personas han oído hablar de Terry Jennings? Oh, una persona levantó la mano. Increíble. Quiero decirles que es uno de los mejores músicos con los que he tocado, incluidos Billy Higgins y Don Cherry. Recomiendo no consumir drogas, sin importar las historias que haya escuchado.

5. ENCUENTRA UN LUGAR PARA PRACTICAR

Los músicos siempre buscan un lugar para practicar. The Dream House es el lugar que Billy Higgins y yo siempre estábamos buscando. Una vez que tienes un lugar que es permanente, puedes hacer un trabajo muy, muy creativo. Le dije a uno de mis estudiantes, cuando comencé el acuerdo [para Church Street Dream House], le dije, ya sabes, puedo hacer lo que quiera aquí. Puedo cambiarlo en un año si quiero. Dijo: "¿Cambiarlo? Eso es lo que hace todo el mundo". Ya sabes, la gente busca variación, variabilidad - muy pocas personas entienden que si te adentras en algo en profundidad, tienes que ceñirte a él. Para mí, eso es una función del tiempo. Si puedes ajustar los intervalos para que sean cada vez más perfectos durante años, décadas, siglos, etc., entonces comenzarás a construir un mundo diferente. Y siempre he buscado un mundo diferente.

6. NO TENGAS MIEDO DE CONFUNDIR A LA GENTE

¿Cuántas personas han visto mis composiciones de 1960? En estas composiciones, escribí narrativas muy conceptuales; por ejemplo, en una composición, encendimos una fogata frente a la audiencia y dejamos que la audiencia la mire y la escuche. Y en otra composición, soltamos un grupo de mariposas en el público. Posteriormente, un grupo de intérpretes lo grabó con micrófonos, grabó las alas de las mariposas. [...] En 1960 # 6, invité a la audiencia a subir al escenario, y dejé que los artistas entraran a la audiencia y observaran a la audiencia.

7. PRACTICA, PRACTICA, PRACTICA

¿Cuánta gente conoce la historia de la primera vez que Charlie Parker fue a una jam session? Esta es una historia muy esclarecedora. Fue a una sesión de improvisación y era solo un chico joven. Se rieron de él desde el estrado y lo golpearon con el platillo, le arrojaron el platillo. Se fue a casa y lloró. Practicó durante un año. Regresó y fue el gran Charlie Parker. Sabes, había pasado por alto algo. Y fuera lo que fuera, había que remediar algo, y tenía que cuidarlo, y tenía que hacer la práctica. La disciplina conduce a la libertad.

Charlie Parker fue tan genial que todos tocaron como él. Y finalmente llegó Lee Konitz y no tocó como él, y Charlie Parker le dio las gracias y dijo: "Gracias por no tocar como yo toco". Y Charlie Parker era tan genial que la gente pensó que tenía que tomar las drogas que él tomaba, pensaban que tenían que beber el alcohol que bebía, pensaban que necesitaban llevar el estilo de vida que él llevaba. Todo estaba mal. Lo cierto era que Charlie Parker era un genio y practicaba mucho, y eso era lo que tenían que hacer para tocar como Charlie Parker.

8. CREA TUS PROPIAS REGLAS

[John] Cage fue un gran pensador. Fue un gran escritor. Fue un gran orador. Y tenía talento musical [...] Pero, ya sabes, está bien, podrías ir por la vida diciendo: "Okay, los sonidos de la calle son la música que quiero escuchar". No hay problema. Pero estos sonidos no son la música que quiero escuchar. Quiero escuchar los sonidos que creo. [...] Tengo derecho a crear mi propio sistema, y ​​escribir y crear mi propia música.

Tienes que salir de la ortodoxia de la sociedad. Sabes, la academia te va a atar. Van a decir: "Tienes que escribir esta armonía, y este tipo de acorde, y el otro". Pero una vez que sepa lo que está haciendo, debe hacer lo que sabe. Y no intentes quedarte ahí, con lo que la sociedad te ofrece. Primero debes aprender lo que la sociedad te ofrece por dentro y por fuera. Debes convertirte en un maestro de lo que la sociedad te ofrece y luego podrás saltar.

En la música clásica india, tienen una terminología sobre cómo improvisas. Hay tres tipos de improvisación. La introducción de los tonos, uno. Dos: permutación de combinación. Tres: nadando como un pez y volando como un pájaro.

9. Y RECUERDA, NO HAY TAL COMO SER DEMASIADO MAYOR PARA SER MÚSICO

Espero morir en el escenario, en lugar de en una cama de hospital esperando a que alguien venga a visitarme que nunca viene. Creo que es la historia de mi vida simplemente estar en el escenario y morir allí, con suerte en un estado de éxtasis, en lugar de, "Oh, me hice viejo, soy demasiado viejo para subir al escenario de nuevo, tengo que estar tumbado la casa."






viernes, 26 de noviembre de 2021

H R 3 0 0 1

 X: HELENE RAMOS



LA MÚSICA ESTÁ LITERALMENTE SALVANDO EL PLANETA. Este planeta azul se mantiene unido a través de la vibración y la frecuencia del sonido. El "ruido" negativo son esos patrones de pensamientos destructores o creencias que han desestabilizado la Tierra. El  planeta ya no produce un sonido propio que sea su gran fuerza estabilizadora. Los músicos y la música han sido y siguen siendo la malla o red estabilizadora que está ayudando a mantener la frecuencia y, en último instante, el sonido que produce la Tierra. Odas a todos los músicos del planeta que no se amilanaron y siguieron creando gemas sónicas lumínicas: 2020/2021 ◻





E V A L U A C I Ó N   A N U A L  2 0 2 1

                                              EPISODIO 2


ÁLBUMES/EXPERIMENTAL


◽BLACK MIDI              CAVALCADE

◽BLACK DICE              MOD PROG SIC

◽TROPICAL FUCK STORM   DEEP STATES

◽SAJJRA                    UCHURACCAY

◽SQUID                        BRIGHT GREEN FIELD  

◽ALE-HOP                   THE LIFE OF INSECTS       

◽LOW                            HEY WHAT

◽IOSONOUNCANE      IRA                 

◽WILDER GONZALES AGREDA  ROJO     

◽KRAUS                  VIEW NO COUNTRY  

◽GONEMAGE         SUDDEN DELUGE 

◽LICE                       WASTELAND:WHAT EILS OUR PEOPLE IS CLEAR   

◽XIU XIU                  OH NO

◽TROPHY SCARS   ASTRAL PARIAH 

◽ALEXIS MARSHALL    HOUSE OF LULL, HOUSE OF WHEN

                                                 




ARTISTA PERUANA EXPERIMENTAL DE MAYOR ACTIVIDAD  Y PRENSA INTERNACIONAL  2021


             🌠ALE-HOP



El sistema auditivo humano es un sistema complejo que permite crear imágenes mentales a través del sonido; y el cual, se conecta con áreas cerebrales relacionadas con la generación de procesos cognitivos como las emociones, la memoria. La memoria pura es atemporal y sin cuerpo. La melodía y el ritmo son dos aspectos de la música que alternan la experiencia en los planos físico y etérico. La relación entre dos frecuencias es una constante adimensional. Es independiente del tiempo, el espacio, la dimensión y escala. No importando si las frecuencias son bajas o altas, si la vibración lleva a efectuar en el aire, éter o agua. Incluso sobre la superficie de un agujero negro donde el espacio se contrae a cero y el tiempo hasta el infinito, la relación se mantiene intacta. La armonía ofrece la corriente interna de la conciencia, la melodía el guión gráfico visual. Tanto: ALE-HOP como WGA y CHRISTIAN  GALARRETA están ya aptos para dar el súper-ultra-gran-mega: LIVE STREAMING INTERESTELAR DEL SIGLO a toda la humanidad. Sí, ellos y  auspiciados x el Ministerio de Cultura del Perú, posiblemente en Machu Picchu o desde Ñaupa Huaca mismo, cerca del tan explícitamente visitado Valle Sagrado/Ollantaytambo. Las medidas del portal principal de Ñaupa Huaca no son aleatorias y se ajustan a anotación musical. Sería un hito en la historia de los actos peruanos que necesitan ser mejor reconocidos en su propio país. Es sólo una sugerencia para evitar esa continua fuga de grandes talentos. Este año tuvo más exposición la escena experimental a nivel global como tales monumentos sónicos de esa escena en Perú. Celebro y aprecio esa supra-magna evolución ◽ 


MENCIÓN XPEXIAL A ACTOS PERUANOS ACTUANDO EN EL EXTRANJERO


🌠PAUCHI SASAKI

🌠SOFIA KOURTESIS

🌠FRAU DIAMANDA

🌠CARLOS HERNÁN GONZÁLEZ

🌠SAJJRA

🌠RESPLANDOR

🌠CHARLIE PARRA DEL RIEGO

🌠DENGUE DENGUE DENGUE

🌠ALE-HOP

🌠PHOENICIA / RÓMULO DEL CASTILLO 

🌠NOVALIMA...



SINGLE PROYECTADO DEL AÑO

🌠EMILIA F    TODO EL TIEMPO




ADVERTENCIA: cada acto/artista en : LA LISTA ANUAL MÁS LIBRE DE TODO EL PLANETA, es tope de la misma. No existen números ni ídolos de barro desde el principio ◻


DESTELLOS HIPNÓTICOS Y SÚPER MAGNAS LUCES ESTROBOSCÓPICAS 


La escena psicodélica y sus variantes ha mantenido su estatus en todo este vislumbrante 2021◽ 





ÁLBUMES / POST-PSICODELIA 


◽DISPIRITED SPIRITS    FRAGMENTS OF A DYING STAR

◽ST. VINCENT           DADDY'S HOME

◽SWEET TRIP            A TINY HOUSE, IN SECRET SPEECHES, POLAR EQUALS

◽MDOU MOCTAR    AFRIQUE VICTIME

◽W.H. LUNG          VANITIES

◽THE CORAL     CORAL ISLAND

◽POND               9

◽HERE LIES MAN  RITUAL DIVINATION

◽MATT BERRY       SUMMER SUN

◽LIL UGLY MANE  VOLCANIC BIRD ENEMY AND THE VOICED CONCERN

◽DARKSIDE             SPIRAL

◽CLINIC                 FANTASY ISLAND

◽PARIS TEXAS      BOY ANONYMUS

◽LUMP                      ANIMAL

◽CORY HANSON    PALE HORSE RIDER






RETORNO INESPERADO DEL AÑO


                    🌠LOOP


31 años después de su último álbum de estudio, A Gilded Eternity (1990), el histórico combo psicodélico londinense anuncia su neo álbum 'Sonancy' que se lanzará el 11 de mayo 2022 (Cooking Vinyl). Primer extracto en single: Halo.





TRIPPY VISUALS / ARTE CALEIDOSCÓPICO 2021


🌠THE EMERALD ISLE    CRAIGWRONG

🌠VINYL WILLIAMS    EXOPALACE

🌠VINYL WILLIAMS    PRECIOUS STAR

   


                 COVERS 

◽EMILIA F       FRENCH DISKO

◽BODY/NEGATIVE      SONG TO THE SIREN (feat. LIONEL WILLIAMS)



2021: un año excelente en música a escalas gigantescas. Denle unos clicks: https://youtu.be/PQOAJ3ZhjW0https://youtu.be/PidE_SC5bU4Qhttps://youtu.be/8X8MFAYWAelhttps://youtu.be/L-8QHZKTxdk◽El futuro del pasado es: ¡AHORA!◽Insisto. STOP!

miércoles, 24 de noviembre de 2021

25 AÑOS DEL "ENDTRODUCING....." DE DJ SHADOW :. ¿La música de un mundo perfecto?




Shadow creó el álbum entero a partir de samples, casi todos extraídos de vinilos oscuros y olvidados, y el efecto es el de un sueño confuso y medio familiar: partes del disco suenan familiares, pero está claro que solo sugiere la música que has escuchado antes, y que los samples y géneros de múltiples capas crean algo nuevo. Y esa es una de las claves del éxito de Endtroducing .....: es innovador, pero se edifica en un cimiento histórico sólido, lo que le da un sonido rico y multifacético. No solo es un gran avance para el hip-hop y la electrónica, sino también para la música pop. (ALLMUSIC)





Hay discos que tras una primera escucha producen tal subyugación que es necesario dejar pasar un preceptivo período de tiempo antes de llegar a calificarlos como obra maestra; posteriormente se vuelven a escuchar y el veredicto queda reafirmado, descubriendo incluso nuevos matices. Es entonces cuando se advierte la grandeza de esos discos. Eso es lo que ocurre tras la audición del debut largo de Josh Davis, un trabajo que ha significado un punto y aparte en el mundo del hip hop y en el subgénero electrónico del recorta y pega. El de San Francisco, con un sampler como pincel, incontables discos de funk y rare grooves como paleta cromática y el arte del cut n' paste como técnica pictórica, se ha ganado un cachito de cielo por conseguir dotar de solemnidad y profundidad a un género que parecía supeditado al dictado del MC. Y es que Davis consiguió emancipar el hip hop y mostrar su fuerte carga narrativa y emotiva "emigrando" editorialmente hacia un Reino Unido que entonces (vía Mo' Wax y la fiebre del trip hop) era más receptivo para este tipo de propuestas que Estados Unidos.

"Endtroducing...", como toda buena obra conceptual, no es un disco de digestión fácil e inmediata, pero DJ Shadow previamente ya había dado muestras de su querencia por lo ampuloso y sinfónico a través del pequeño formato con "Influx" (1993) o las cuatro partes (publicadas en un EP en 1995) de "What Does Your Soul Look Like". Armándose con breaks reales de batería, misteriosas líneas de piano, sonidos de cuerda temperadas, añejos órganos ("Organ Donor", todo un clásico), bajos acústicos e incluso arpas, Davis factura temas de hip hop tenebroso y cinemático que tan pronto pueden empezar remitiendo al score de una película de terror como pasar al blaxploitation (gloriosa "Building Steam With A Grain Of Salt") o crear pequeñas sinfonías donde los ritmos hardcore se dan la mano con arreglos de cuerda ("Stem/Long Stem"). Inmenso.

FEDE GUERRERO.
Rock de Lux - Especial 200




...Pero esto no era un truco. Todo desde el corazón, construido a partir de la pasión de Josh por la cultura hip-hop y todo tipo de música, influenciado por los productores que llevan la cultura de cortar y pegar del sampling hasta sus límites: todos, desde Steinski y Kurtis Mantronix hasta Prince Paul y los Dust Brothers, que hizo ritmos para los Beastie Boys, entre otros, Endtroducing, llevó la plantilla del hip-hop a una dimensión diferente. Instrumental, contemplativa, emocional, temperamental, a menudo hermosa, la música de este disco de alguna manera logró reanimar discos fantasmales y olvidados del pasado y refundirlos en formas dinámicas y cruciales.

Endtroducing sigue siendo su mayor logro, un gran éxito entre el público y la crítica. Elevando el sampleo a una forma artística virtuosa, donde en el pasado los productores de hip hop habían combinado líneas de bajo, loops y ritmos de fuentes a menudo reconocibles, Shadow adoptó un enfoque puntillista, cortando micro segmentos de diferentes melodías y tejiendo el conjunto en algo irreconocible y fresco como el hielo.

Es la oscuridad y la extrañeza de sus fuentes lo que le da a su música una cualidad enigmática. Aunque puede hacer una búsqueda en Google hoy y olfatear cuáles son muchas de esas muestras, la mente todavía se sorprende de cómo las reunió de una manera tan inteligente y poderosa.


Entrevistado por Eliot Wilder, hablando sobre los orígenes de su nombre, Shadow reflexionó: “Muchos productores, como Herbie Lovebug y Marley Marl, empezaron a publicar discos en los que intentaban situarse al frente. Y por alguna razón, sentí que no se entendía cuál debería ser el papel de un productor. Así que Shadow representó el hecho de que pensé que los productores deberían quedarse en un segundo plano.

Aún así, en su entretejido de diferentes sonidos, la elección de los discos utilizados para crear sus hipnóticos retazos de ritmos y piezas, se canalizan las emociones y el alma de cientos de otros artistas polvorientos olvidados. El pasado se transfigura en una nueva forma que lleva las emociones del productor que los ha unido a todos. Mirando hacia atrás en la realización de Endtroducing, Josh recuerda que su filosofía era transformar su entorno en una expresión que fuera completamente suya. "La forma en que hago música", dijo Shadow, "es tomar lo que te rodea y subvertirlo en algo que eres 100% tú, pero que también tiene una conexión cultural pues ha sido hecho antes".

En su ingeniosa mezcla, la nostalgia y la reminiscencia embriagadora están unidas por ritmos atronadores, pero en última instancia se evocan los altibajos embriagadores de la memoria y todas las cosas agridulces que conlleva. Quizás la verdadera razón por la que todos podemos identificarnos con Endtroducing‚ es que no hay letras, salvo alguna que otra voz sampleada, de la que hablar. En las atmósferas cinematográficas que crea Josh, podemos refugiarnos en nuestros propios recuerdos y perdernos en los paisajes que él crea.

Confortante en algunos lugares, triste en otros, incluso redentor, Endtroducing..... puede marcar un momento en el tiempo, pero existe fuera de él. De hecho, es atemporal.

BEN MURPHY.


sábado, 20 de noviembre de 2021

Reseña: Domingæ ‎– Æ (Sacred Bones Records, 2021)



Hace poco fue lanzado en Yankeelandia y vía el sello Sacred Bones Records lo nuevo de Dominga Huidobro aka Domingae. La miembro de Föllakzoid entrega en este su primer EP 31 minutos de mutaciones industriales, colindantes con las visiones de Coil, Suicide y Techno Animal. 5 pistas que descubren la afición de la chilena por iconoclastas de la electrónica. Notable si tomamos en cuenta la vibra kraut rockeril de su ex banda. 

Nada que ver con el estrambótico pop de Arca o Sophie, lo que Domingae plasma en AE son membranas sintéticas que supuran intentando ganar tierra cual replicantes de un Armagedón perenne, el subconsciente de un curandero atrapado en sus propios conjuros. Metáforas que permiten capturar la magia oscura en la electronalidad de Huidobro.

AE se realizó en Japón, a donde la también directora de cine viajó para una residencia, y México. Apuntan los del sello: "la vibra espiritual retro-futurista que resonaba desde la tierra despertó ciertos softwares no utilizados en Domingæ." De tal color que es de colegir que a medida que la sudamericana se familiarice con su nuevo entorno de trabajo electrosónico, el resultado mutara acorde.

Ideal para fans de Blanck Mass, Current 93 y Scorn.


Wilder Gonzales Agreda.


Capitalismo Creativo

...El arte sostiene Negri, es intrínsecamente rebelde y subversivo. Aunque el propio Negri reconozca los peligros de obtener demasiado consuelo en el arte, termina manteniendo su fe en él. Escribe Negri: "Cuando yo mismo sufría la derrota política de los años setenta y en la desesperación más profunda pedía al arte que me ayudara a soportarla y me explicara cuáles eran las vías individuales de resistencia y de redención sobrevaloraba las posibilidades del arte". Sin embargo, en seguida postula que el arte "es la perenne demostración de la irreductibilidad de la libertad, de la acción subversiva, del amor por la transformación radical".

Desde su punto de vista, no hay contradicción entre estas dos afirmaciones. Lo que él afirma es que un individuo nunca podrá encontrar la salida del abatimiento solo a través del arte; más bien, solo a través de nuevas formas de solidaridad que necesariamente tienen que involucrar al arte, ese escape será posible. Si el punto sobre la colectividad nunca ha sido más urgente, la alabanza de Negri al arte parece extrañamente nostálgica, ya que la era del realismo capitalista también ha experimentado todo tipo de sinergias entre el arte y los negocios, nunca mejor plasmadas en el concepto de "industrias creativas".

Por supuesto es posible argumentar que el arte que ha dominado en el realismo capitalista, con su valor artístico y comercial enormemente inflado, es un arte falso, una traición y una disolución de la militancia inherente a él. Pero ¿por qué no seguir a fondo la lógica de la negatividad de Negri y sostener que no existe una energía utópica ya existente, ready-made; que no hay algo que, por su propia naturaleza, resista incorporarse al capital? De este modo, no sería, entonces, un problema de creatividad versus capitalismo, o de que el capitalismo captura la creatividad de la multitud. En cambio, el enemigo podría ahora ser llamado más adecuadamente capitalismo creativo, y para vencerlo no se necesitarán nuevos modos de positivismo, sino nuevos modos de negatividad.

MARK FISHER
K-Punk 2

2020

martes, 16 de noviembre de 2021

El crimen formó a España y Abya Yala fue una de sus víctimas / España no conquistó América

POR HÉCTOR BÉJAR


España no existía aún ni como nación ni como identidad nacional en el siglo XVI y los pueblos de la península ibérica (tierra de los hebreos) solo se habían conglomerado forzadamente bajo la hegemonía guerrera castellana y aragonesa, cuando conquistó América. Construyó su identidad nacional a lo largo de un período muy largo de conflictos, intrigas, guerras, persecuciones, despojos, conversiones y reconversiones religiosas. Se sucedieron las utopías – proyectos de los reyes católicos para unificar el país y el proyecto – utopía de Carlos V de integrarla a un imperio cristiano universal. Nada de eso fue logrado completamente. Todo se hizo al costo de sepultar en el subconsciente colectivo sus componentes árabes, judíos y africanos. Para ser una personalidad cultural, España negaba su origen árabe, el aporte judío y la presencia mudéjar; y los americanos heredamos los genes culturales y psicológicos de esa autonegación y discriminación incorporándolos a nuestra manera de ser nacional. 

Aun así, apenas terminado el despojo de musulmanes de origen árabe y bereber (llamaban así al origen “bárbaro” no identificado), judíos, comunidades libres y disidentes, acalladas las protestas en nombre de la unificación cristiana, los peninsulares tuvieron que aceptar, luego de ser aplastadas en sangre sus protestas, a otro grupo dominante: la Casa de Austria. Su economía quedó subordinada a Flandes, su política a Viena y su religión a Roma. No fuimos explotados por un imperio sino por la provincia de un imperio. 

La potencia dominante no fue España sino la Austria de los  Habsburgo y los aprovechadores finales fueron sus banqueros. Otra ironía de la historia: en gran parte judíos. Los feroces saqueadores que vinieron a estas tierras no fueron españoles sino castellanos y extremeños pobres, africanos traídos a la fuerza, moriscos, todos excluidos en su país de origen que pronto tuvieron que ceder el paso a burocracias subordinadas a Valladolid y Viena. Apenas ellos pusieron el pie en América, sus señores hicieron a un lado en el uso del botín americano a sus aliados aragoneses y catalanes, comerciantes y cultos.

No somos, en consecuencia, hijos de España sino de un problema que los pueblos de la península ibérica lograron resolver solo en parte por medio de la violencia, la represión y la autorepresión, cientos de años después del saqueo de América; este problema se mantuvo latente en el paso de los Austrias a los Borbones, la invasión napoleónica, las cortes de Cádiz y la guerra civil entre republicanos y falangistas. Somos hijos de un problema cultural, étnico e histórico, no de una identidad. 

Los tres siglos de Virreinato reflejaron las tensiones entre las tribus dominantes de la pequeña Europa en medio de los cuales la Casa de Austria debía mantener sus áreas de influencia. Allí no hubo guerras entre países sino entre clanes cuyos jefes justificaban sus intereses detrás de coartadas religiosas. La gloria guerrera y palaciega fue la cobertura de la traición y el crimen.

Pero aquellos conflictos no se trasladaron aquí en forma de otros conflictos similares; sino como una cultura encarcelada y reprimida respecto de los competidores comerciales ingleses y de los enemigos religiosos protestantes, masones y librepensadores. Se creó así una cultura de hipocresía y media voz que persiste hasta hoy en nuestros países. 


CADA IDENTIDAD EUROPEA FUE LA PROYECCIÓN DE UN CLAN porque cada Estado en formación era propiedad de una familia. La pregunta es: si esto era así ¿qué hizo considerar bárbaros a los africanos y americanos que practicaban las mismas costumbres aunque en dimensión menor a los europeos? Hay dos respuestas. En primer lugar está el discurso de los vencedores que siempre oculta o distorsiona el de los vencidos. En segundo lugar, el poder del lenguaje escrito y del arte que ayudaron a llenar de solemnidad las  peores historias de sangre santificándolas e inyectándoles gloria. Si bien las vidas de Enrique VIII, Alejandro VI, Juana la Loca y otros pErsonajes fueeron tragedias humanas, Shakespeare, Velásquez y otros artistas los rodearon de colores, formas y poesía. Lo mismo había hecho antes Virgilio con los césares. ¿Por qué existieron estos artistas en Europa y no en otras partes del mundo? En Europa fue un arte de representación financiado por los grupos dominantes para su solaz pero también para su afirmación ante el resto de la sociedad. ¿Cómo imaginarse a Velásquez sin la corte de Carlos V, a Miguel Ángel sin los Medici? La combinación de una necesidad de legitimación, ciertos avances técnicos como el óleo y el fresco y el financiamiento de reyes y banqueros produjeron el Renacimiento, tanto como el mercado burgués produjo el arte del siglo XX. Estos factores no existían en otras partes del mundo, existían otros que dieron lugar a otras expresiones artísticas que no se universalizaron  como la cultura europea porque no hubo barcos asiáticos dando vueltas por el mundo.

LA UNIDAD HISPANA NO EXISTIÓ, FUE LA DOMINACIÓN DE LOS CASTELLANOS SOBRE LOS PUEBLOS DE LA PENÍNSULA IBÉRICA. El milagro de unidad hispana al que alude Víctor Andrés Belaunde en su ya citada «Peruanidad», no existió porque tenía que excluir a los árabes, los judíos, los bereberes a causa del factor religioso; y porque debía rivalizar con los otros clanes y las otras tribus europeas. Y mantener reprimidas a sus propias nacionalidades vascas, gallegas, catalanas, andaluzas. No  hubo unidad sino exclusión.


HÉCTOR BÉJAR
Historia del Perú para descontentos
2020

lunes, 15 de noviembre de 2021

IRRADIADOR: oscuro technodrome mexicano

El compi IRRADIADOR reúne grupos de techno synth pop y sonido industrial + EBM desde diferentes células mexicanas (Tijuana, Guadalajara, DF). Una muestra fehaciente de lo mucho que pegó (y continúa) la escena darkwave no solo en el país azteca pero en Latam en general. Escuchamos también sinuoso post punk ala Virgin Prunes en María Bonita y su escatológico "Rezo el rosario" así como vibras ala Nitzer Ebb + Front 242 v.g. "Visión Oculta" por Vortex. Flechazos de unos Mysterious Art nos asaltan con LLT y su "Ficción". Notables si consideramos que hablamos de material firmado entre 1982 y 1993. Cuando acá en la escena subte, la mayoría aporreaba guitarras y visionarios como Cocó Silvania recibían escupitajos, ninguneos e insultos del grueso de la escena. 

Nos informan por ahí que están al caer sendos compilados de bandas techno industriales peruanas, ¿o deberíamos mejor decir limeñas?, que serían la respuesta nacional a lo hecho por los mexicanos. Si te fascinó este sampler no puedes dejar de visitar su primer capítulo, editado en 2005 bajo el nombre de BackUp: Expediente Tecno Pop. So(do)ma para los oscuros.


16 años después de Backup: Expediente Tecno Pop, se vuelven a encender las cajas de ritmos y sintetizadores de canciones de esos años lejanos. El sello tijuanense At-At records continua la labor comenzada en 2005 presentando IRRADIADOR Expediente Post-Industrial, que retoma el nombre de la legendaria publicación Estridentista, esos cosmopolitas mexicanos que irrumpieron con manifiestos y poemas a la tecnología. Con una atinada arqueología musical, At-At demuestra que lo más interesante nunca es la punta del iceberg, sino lo que se esconde bajo de la superficie.

- Juan Antonio Vargas (PRIMERO FUE EL SONIDO)




El salto de Tiempo entre la década de los ochentas a los noventas del siglo pasado fue revulsivo; tuvimos entonces la caída del muro de Berlín, la glásnost, La Guerra del Golfo. A nivel tecnología se insertaba la personal computer, la telefonía móvil y el internet de uso académico.

Mientras tanto, en México, eran tiempos intrincados con "El Chupacabras", el crecimiento del narcotráfico, la restauración del vínculo Iglesia‐Estado, el hipócrita Programa Nacional de Solidaridad, la crisis económica en crecimiento y el veto post Avándaro.

En la música, los charts incluían una lista con el título de Alternativo (Synth Pop, Reggae, Grunge, Shoegaze, etc.), claro, sin olvidar la campaña "Rock en tu Idioma". El New Wave y el Post punk desleían mientras el Synth pop se asimilaba y el Industrial permutaba para dar paso a nuevos estilos: Electronic Body Music, New Beat, Aggrepo o CyberPunk, lo que resultó en ritmos bailables con más fuerza, velocidad y voces cargadas de efectos. Una plataforma de sellos como Wax Trax, Nettwerk, Play it Again Sam, 4AD ó Zoth Ommog marcaba la ruta a seguir.

Este álbum recopila música sintética producida en México el crossfade del Tecno Pop al Post‐Industrial (1982‐1993).

Precursores de nuevos sonidos que en ese período, además del sintetizador se apoyaban de samplers, work stations o del ordenador, inclusive y nutridos por la cultura de shock, teorías de información, de historias de mundos distópicos, de la informática y los hackers.

Sus ciudades en movimiento: como el entonces Distrito Federal, Tijuana, Guadalajara y Ciudad Victoria, forjaron redes replicantes de revistas y fanzines para enterarse de lo que estaba sucediendo (El Centro de la Rabia, Taladro, La Pus Moderna, La Regla Rota), y también programas de Radio (Éxtasis 1‐01, Nexus 6, La Fábrica X, Sintonía Pop, El Arca de Neón, Noarte), así como Clubs para el baile y cotilleo de eso que estaba sucediendo (Bar 9, TuM FruM, Roxy, Koko Loco, Dread Night o Last Temptation), y también había sellos independientes “Grabaciones Lejos del paraíso”, “Nuclear”, “Opción Sónica”, “Genital Productions”.

Si bien estos proyectos aquí incluidos trabajaban para granjearse un sitio en el mundillo de la música electrónica, la sacudida que dio el House en el verano del 88 advertía cambios y el umbral de un rizoma sónico.

La Belleza del electrón y el baudio.

viernes, 12 de noviembre de 2021

Valentine Daze, la reseña al "Loveless" escrita por Simon Reynolds en 1991

Siempre iba a ser uno de los récords más trascendentales y esperados del año. Donde sus compañeros de 1988 se han agotado (S. Youth, Buttholes, Loop) o han entrado en una hibernación inexplicable (AR Kane, Young Gods), solo My Bloody Valentine ha subido las apuestas con cada uno de sus lanzamientos esporádicos. La esperanza era que la secuela de "Isn't Anything", cuando se dignara aparecer, desplegaría una nueva frontera.

Y esa nueva frontera es muy necesaria. Si bien MBV ha estado semi-ausente, también ha sido omnipresente, como una influencia abusada y casi agotada. Si bien hay una pizca de verdad en la afirmación de que las bandas de "la escena" no suenan tanto como los Valentines, no es por falta de intentos. Todas las bandas de "la escena" se ajustan al modelo vago que acuñó MBV: desenfoque de guitarra aturdido y confuso, voces desvanecidas, letras sobre el caos del deseo, etc. Pero es igualmente cierto que ninguno se ha acercado al sonido de MBV, esa confusión sensual que parece hervir y arder bajo tu piel. En cambio (exceptuando sólo el 50 por ciento de Slowdive y Moose) los grupos de "la escena" hacen que la felicidad sea insípida, ofrecen éxtasis de memoria. Aquellos de nosotros que somos un poco más difíciles de complacer, esperábamos que este LP avergonzara a los impostores y los volviera al olvido.

"Loveless" no es, del todo, el disco para hacer eso. Pero sí reafirma lo únicos e incomparables que son. En "Loveless", My Bloody Valentine son los mismos que antes, solo que más: más brillantes, lánguidos, incipientes, fantasmales. Cualquier cordón umbilical que todavía los ataba al linaje Velvets / Mary Chain o al continuo Byrds / Hüsker Du / Dinosaur ahora ha sido completamente cortado. Donde sus atracciones y salas capitulares son fáciles de desmontar en sus partes constituyentes, MBV son una amalgama, un brebaje alquímico, un alambique hirviendo de sonido completamente nuevo. Nunca han sido más ellos.

 A lo largo de "Loveless", MBV suena preñado, como si su música estuviera a punto de metamorfosearse a un estado superior que ellos mismos no pueden concebir, al igual que un líquido no sabe lo que le espera cuando está a punto de convertirse en gas. "Loomer" no es tanto "rock" como magma, un plasma de sonido que apenas se ajusta a los contornos del riff o powerchord. "To Here Knows When", también, difícilmente califica como rock: la sección rítmica es un retumbar tenue y reprimido; no hay riff o secuencia de acordes, solo parábolas ondulantes de sonido desenfocado (retroalimentación sampleada, en realidad) y una melodía tentadora de Erik Satie que se desvanece dentro y fuera del alcance del oído; la voz de Bilinda Butcher está en su palimpsesto más pálido y eclipsada. "To Here" sigue siendo la canción más suicida de MBV, comercialmente, obviamente, pero también en el sentido de que el grupo como entidades humanas se disipa, se disuelve, se ahoga.

La frase "to here know when"/"hasta aquí sabe cuándo" suena un poco a "koan", esas paradojas en las que los budistas meditan durante décadas hasta que llega la iluminación. Siguiendo la analogía Zen, diría que MBV toca mantras tántricos. Un mantra es 'una canción sin autor': en "Loveless", la presencia física de MBV como intérpretes está aún más ausente que en "Isn't Anything", el grupo es solo la membrana más débil, una pluma en el aliento de Dios. Tántrico se refiere a una disciplina sexual Zen, en la que las relaciones sexuales se mantienen indefinidamente al borde del orgasmo, lo que conduce a una experiencia trascendental fuera del cuerpo. En "Isn't Anything" y los EP anteriores, MBV fue más allá del empuje y el moler del rock fálico, para alcanzar un estado polimorfo de sensualidad omnidireccional: un estado que se ha llamado tener "un cuerpo sin órganos".

Todo "Loveless" está impregnado de un brillo apocalíptico y preorgásmico, el sonido de una intimidad aniquiladora. La música de MBV es un crisol de amor fundido y derretido en el que se suprimen todos los límites y fronteras (dentro / fuera, tú / yo, amante / amado). En lugar de la perspectiva normal de la producción de rock (bajo aquí, guitarra allá, voz allá, con el oyente dominando el campo de la audición), MBV está aquí en todas partes; te impregnan, irradian, subsumen y consumen.

"When You Sleep" es un pop somnoliento, adormilado y con aroma al cielo que parece estar sobre el amado, mareado por la vulnerabilidad del recién nacido. "I Only Said" es un caldero de dulzura hirviente, girando en un motivo exquisitamente estremecedor (retroalimentación sampleado de nuevo). En "Come In Alone", un motivo similar es el único elemento focal distintivo en un baño de felicidad asfixiante y encantador; los ritmos lentos sucumben como miembros en un lodazal viscoso; en general, el efecto es como ahogarse en miel. "Sometimes" es una balada secuela, la voz de Kevin Shields se acurruca desesperada en un cráter ensombrecido por un precipicio de grunge que se avecina. "Blown A Wish" es otra glorieta llena de éxtasis, lo suficientemente enfermiza y empalagosa como para causar dolor de muelas incluso a Liz Frazer, mientras que los 'oooh's y' aaaah's hiperventilados de Bilinda suenan como si tuviera colibríes en el estómago. Es embelesante, pero al final, es demasiado: como mirar fijamente a los ojos de un amante cuyas pupilas están tan dilatadas que son como agujeros negros que te llevan a la perdición. "What You Want "es otra vorágine sinfónica, que termina como un refugio New Age de sonidos de flauta lírica en bucle, como el oro al final del arco iris.

A pesar de su título, "Loveless" es muy eufórico, muy feliz, aparentemente desprovisto de un lado oscuro; los bordes irregulares ala Sonic Youth que antes insinuaban el vudú, las energías identificables se han sofocado en un miasma de enfoque suave. Y sin embargo, y sin embargo, la dicha llega a ser aterradora, sofocante, y esa es la fascinación, el límite. MBV ofrece un nirvana espantoso; estás subsumido en un "nosotros" primordial, un abrumador aquí y ahora, que te hace jadear por aire, anhelando un espacio abierto. Después de todo este amorfo bochornoso, es una especie de alivio escuchar el golpe y la claridad (relativa) del cierre de "Soon". El bateo subsónico del bajo y la batería localiza un ritmo funk primitivo a medio camino entre el rock y el house; la malla vidriada de guitarras y voces como emanaciones espectrales, son implacables e impenetrables, incluso cuando te penetran, atraviesan tu cuerpo como un fantasma.

Si hay margen para la crítica aquí, es que mientras My Bloody Valentine ha amplificado y refinado lo que ya eran, no han podido mutar o saltar a ningún tipo de más allá. "Soon" y "To Here Knows When" son los momentos más radicales del álbum, y siguen siendo señales hacia el futuro: el primero plantea una avenida poco explorada de fusión de funk / ruido, el segundo propone huir del ritmo a la deriva ambient. A lo largo de "Loveless", MBV se tambalea al borde del más allá. Se puede sentir un infra-rock apenas imaginable que llega a través de sus canciones como una llama que arde a través de una hoja de papel. Puedes escuchar este futuro explícitamente en los garabatos entre canciones y en una pista llamada "Touched": tentadores destellos de dónde podría estar MBV ya. El prólogo de "When You Sleep" es un inquietante mosaico de drones superpuestos que suenan como un cerebro en efervescencia por una sobredosis de éxtasis. "Touched" suena como el muzak de las esferas: una ballena que canta el blues del Delta se entremezcla con lo que suena como Radio 2 escuchado de una radio en el fondo de una piscina. Estoy un poco melancólico de que MBV no dedicó todo un lado a una hechicería de estudio tan desconcertante.

Pero no se preocupe, My Bloody Valentine ha cumplido. Dejando a un lado las objeciones, este es el mutha-lode*: junto con Mercury Rev, "Loveless" es el disco de rock más externo, interno y extremo de 1991. Todo lo que necesitas.

*en el idioma inglés mother-lode significa: "veta madre".


H R 3 0 0 1

2021/BEST YEAR IN MUSIC

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🌠UN TSUNAMI DE ESTELARES ONDAS SONORAS GRAVITACIONALES DESDE TODO EL ORBE PLANETARIO.

                         


     
X:HELENE RAMOS 


La cosecha compositiva de lo sembrado en 2020 x infinidad de actos en todo el planeta, se ha apreciado durante todo el año 2021. Los eternos indienautas de todo el mundo hemos detectado la mayor colección de esas ondas gravitacionales sonoras jamás registrada, descubrimiento que arroja luz y destreza en evolución. Estelas de neutrones que la hicieron en 2021 a continuación◻Esta es la lista más libre de todo el planeta sin números ni ídolos de barro: todo en su perfecto y grandioso equilibrio◻


EVALUACION ANUAL ESCENA INDIE / EVENTO CÓSMICO 2021 - EPISODIO 1


El estilo shoegaze durante la saga 2021, devino en shoegaze 3.0 con bandas que alimentaron la raíz y su futuro en gran proyección. Convertido en el género estelar del año encarnando y encajando perfectamente el espíritu y la total necesidad del escapismo y de la distracción. Ciertas bandas/actos han cambiado el estilo standard del  shoegaze, aunque no el efecto de la misma. El shoegaze no es ya más acerca de tocar canciones de ensueño. Tukukuy. Finito. Kaputt. Fini!◻


BANDA SHOEGAZE 3.O /AÑO 2021

FAX GANG 

  



FAX GANG con su álbum Aethernet es un ejemplo de shoegaze 3.0 que destella y altera a la vez el estado de la mente. Un esférico de gran proyección cinética para oídos supra audaces. Un combo con radiación espacial sobre sus células con cientos, miles de voltios de polaridad positiva, como complejos y sinergéticos desafíos para el futuro. Quinteto con base en Manila y con integrantes provenientes de Noruega, Inglaterra, Estados Unidos y Australia. Instigador principal: PK Shellboy. Iniciados dentro del cloud rap, bitcrush, J-Pop, outsider house y uk garage, han expandido su órbita hacia otros géneros. Ellos han logrado un cambio orbital de neutrones y ultra  rotaciones nuevas a lo que se puede ya denominar shoegaze 3.0◻Un maridaje sonoro de shoegaze + grunge lo hallamos en el combo SLOW CRUSH. Intensidad y heavy sounds post hardcore (si quieres) fusionados con paisajes de ensueño◻FLORAL TATTOO ha condimentado emo + shoegaze. Sus letras abogan x la justicia social y contribuyen a los cambios de la vida real en el mundo◻HARU NEMURI ha logrado fusionar el estilo J-Pop con hip-hop y shoegaze◻FRITZ lubrica el pastel shoegaze con energía punky y dosis reverb. Las atmósferas LUSH son más que efervescentes en la mayoría de  sus piezas◻CATHEDRAL BELLS opta en  demostrar que el shoegaze más ensoñador no está reñido con capas de ritmos  acelerados y teclados etéreos◻FAWNING con limitadas variantes  del shoegaze standard beben del elixir de unos COCTEAU TWINS como de SLOWDIVEFLYYING COLOURS mantiene el aura viva de RIDE sin obviar esencias SLOWDIVE para el deleite de los puristas◻Inesperada fusión del género en mención: nacido en Limamanta Pacha/Perú, y actualmente avecinado en Nueva York: Kam Tambini ha logrado fusionar sonidos electrónicos allegados al shoegaze con influencias latinas. Cumbia para empezar... (¡sí,  suspira!) con percusiones dembow, post-punk y mucho más. Link Tambino EP: https://youtu.be/PCajGwN5Kdw

El shoegaze vino para quedarse y nunca desapareció◻


🌠ACTOS/ RETORNOS DEL AÑO

No necesariamente con neo grabaciones sino con reediciones y performances en vivo.


▫BLACK DICE

▫SPIRITUALIZED

▫BEACH HOUSE

▫THE VERVE

▫ST. VINCENT

▫ANIMAL COLLECTIVE

▫ELIZABETH FRASER

▫ALE HOP

▫FOR TRACY HYDE

▫ESP SUMMER (IAN MASTERS & WARREN  DEFEVER)

▫PIA FRAUS

▫RESPLANDOR

▫THE SPIRIT OF THE BEEHIVE

▫DABDA

▫LAETITIA SADIER

▫CHRISTIAN GALARRETA

▫AVEY TARE

▫BJÖRK 

▫THE TELESCOPES

▫ROBIN GUTHRIE

▫KINGS OF DISTINCTION

▫MOGWAI

▫THE WEDDING PRESENT

▫CABARET VOLTAIRE

▫LISA GERRARD

▫NEW ORDER 

▫WILDER GONZALES AGREDA

▫IDLES

▫INYECTORES

▫MORRISSEY

▫METZ

▫NINE INCH NAILS

▫SOFT CELL

▫RICHARD ASHCROFT

▫SMASHING PUMPKINS

▫PLACEBO

▫VINYL WILLIAMS

▫THEREMYN_4

▫JOHNNY MARR

▫SUBJAN STEVENS

▫LOW

▫DAMON ALBARN

▫PANDA BEAR

▫BAND OF HORSES

▫LIBERATO KANI

▫NICK CAVE

▫TAME IMPALA

▫VOZ PROPIA...

La  lista continúa con infinidad de actos dando señales de sobrevivencia y gran resistencia. Se celebra esa constancia◻



Nick Cave apareció literalmente cada semana en las redes durante todo el año 2021. El ente más promocionado de la escena.


2021: EL MEJOR AÑO EN MÚSICA. Esa es la frase audaz con la cual he empezado todos mis reviews para decenas de páginas en la web. Muchos actos nos han hecho vibrar realmente durante todo el año: álbumes, versiones, remezclas, reediciones, temas, covers, retornos, conciertos y continuos live streamings y disforia binocular en videos. Lo advertí vía esta columna a finales del año 2020 ◻SPIRITUALIZED estelariza su retorno con el single: Always Together With You. La pieza es un remake originalmente grabado  en una versión demo - styled en 2014. Su noveno álbum Everything Was Beautiful programado para 2022, contiene piezas compuestas durante el confinamiento cuando muchos sintieron la soledad, pero Jason Pierce celebró el aislamiento, viéndolo como una 'soledad hermosa' y declaró: "Me siento como que he estado en entrenamiento para esto toda mi vida". Jason toca 16 diferentes instrumentos en temas de su álbum, el cual fue grabado en su propio estudio como en otros 11 estudios más. Unos 30 músicos y cantantes incluyendo a su hija Poppy, participaron en esta su nueva odisea como su eterno colaborador John Coxon◽ 





Once Twice Melody es el primer álbum (doble) producido integramente x BEACH HOUSE y fue grabado en Pachyderm Studios en Cannon Falls, United Studios en Los Angeles y en Apple Studios en Baltimore. X primera vez utilizó un conjunto de cuerdas arreglado x David Campbell. Mezclado casi en su totalidad x Alan Moulder con otros extra invitados. Disponible en 4 capítulos siendo el primero con el contenido de estos títulos: Once Twice Melody, Superstar, Pink Funeral y Through Me. Todos altamente destacados y cuyas letras reflejan ciertos estados emocionales de la saga 20/21. Through Me es el que más me ha impactado x sus coros impredecibles. El 8 de diciembre disponible el capítulo 2 con otros cuatro temas. Fluorescencia en el ultravioleta y joyas sónicas ¡sin duda!◽Me ha encantado igual su respuesta inmediata al review que hice al álbum. Otro de esos actos que presenté con gran fruición en radio y medios escritos◽




Un psicoanálisis a las letras y títulos de los álbumes durante 2021, me tomé también el tiempo de observar. El de THE SPIRIT OF THE BEEHIVE titula: Entertainment, Death... y es sólo un ejemplo. A continuación, lista de álbumes destacados de la escena shoegaze para tu heat de colección saga 2021. (Ciertamente, no cito toda la gran avalancha de todos los meteoritos en sonidos) ◻





🌠ÁLBUMES  DESTACADOS/ SHOEGAZE


DEAFHEAVEN   INFINITE GRANITE

PARANNOUL     TO SEE THE NEXT 

                                  PART OF THE DREAM

WEDNESDAY     TWIN PLAGUES

THE EXIT BAGS TOWER OF QUIET

SUBMOTILE        SONIC DAY CODAS

MOL                     DIORAMA

BATHE ALONE    LAST LOOKS

RUBY HAUNT      WATCHING THE GRASS GROW    

LOST HORIZONS QUIET MOMENTS

THE TELESCOPES SONGS OF LOVE AND REVOLUTION

PIA FRAUS           NOW YOU KNOW, IT STILL FEELS THE SAME (Rerecorded tracks)

FOR TRACY HYDE  ETHERNITY

HAMMOCK              ELSEWHERE

MIDWIFE                 LUMINOL

CURSETHEKNIFE   THANK YOU FOR BEING HERE

LIGHTNING BUG    A COLOR OF THE SKY

SLOW CRUSH         HUSH

SWEET TRIP            A TINY HOUSE, IN SECRET SPEECHES, POLAR EQUALS

ENCARTA 98           LO QUE EXTRAÑAS YA NO EXISTE

FLYYING COLOURS    FANTASY COUNTRY


Advertencia: no esperen purismo del género en los tracks incluidos en ciertos álbumes◻¿Y los 2 álbumes prometidos x Kevin Shields?... Mientras tanto, Loveless/MY BLOODY VALENTINE ha celebrado sus 30 años de estelar edición el 4 de noviembre. ¿Los tendrá realmente? No se puede deducir edades cuando el día gira sólo en unas 13:45 horas diarias desde tiempo atrás. Su legado sí es inamovible ¡En fin!◻2021 ha  compensado con creces en música, lo que 2020 nos negó con alevosía y tan  acaloradamente... ¡Hum!◻STOP!


EXTRA PLUS ! 

martes, 9 de noviembre de 2021

Martes 9 y Miércoles 10 de Noviembre: OVERVIEW - Performance Audiovisual de Ana Compagnie en la ALIANZA FRANCESA



OVERVIEW es una interpretación audiovisual que mezcla música electrónica y video de audio 3D sensible.

Una odisea, la energía perturba nuestra percepción del espacio. Música e imágenes en sinergia desarrollan una fuerza a veces hipnótica, a veces caótica, que nos lleva a cruzar un muro de sonido. El efecto Overview (que se puede traducir como el efecto de visión general) es un shock cognitivo que algunos astronautas experimentan durante un vuelo espacial. La artista francesa Annabelle Playe, interpreta música desde un dispositivo de instrumentos electrónicos. La música oscila entre electrónica, drone, ruido y electroacústica. Las masas sonoras, caóticas o pulsantes, con timbres envolventes están vinculadas a una superficie de audio 3D reactiva, creada por Hugo Arcier. Esta se anima según los parámetros musicales. Algunos sonidos distorsionan la superficie, otros generan colores que se difunden sobre esta.

#NOVTEC en su quinta edición, trae una interpretación audiovisual que mezcla música electrónica y video de audio 3D sensible en nuestro Teatro AF🏛🎧🔊🇫

Una presentación #presencial a cargo de AnA Compagnie, desde Francia🇫🇷


ÚNICAS DOS FECHAS DE PRESENTACIÓN, este martes 9 y miércoles 10, a las 7 p.m.
¡Pasa la voz! Aforo reducido📢📢


➡Entradas: https://bit.ly/3pEmWbD 🎟🏃‍♀️🏃





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perú post indie

Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños.
Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo...
Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?


FRED ROHNER
Historia Secreta del Perú 2

as it is when it was

sonido es sonido

sonido es sonido

)))))))))))))))))))))))))))))))

lefty

lefty
¡Feliz Año Nuevo 2022!, les desean Slavoj Zizek y el lumpemproletariado de San Marcos. 😃 ¡POR EL REGRESO DE LA FILOSOFÍA A LOS COLEGIOS!

nogzales der wil

EL LENGUAJE: UN DISCURSO SIN CANCIÓN.

No queremos sus diccionarios, o su dicción, llenos de palabras que oprimen, que humillan y controlan. Ellos usan esas palabras para proteger a los suyos, siendo su jerga un código morse secreto cuyo objetivo es conservar su privilegio y poder social. De modo que para poder comprender la sociedad, debemos comprender sus ingredientes, las habilidades y los métodos de las personas que se comunican mediante el lenguaje tan solo para controlar y confundir. Para ser incluso capaces de soñar con cambiar la sociedad y el tenaz agarre de estas personas, debemos cambiar el lenguaje, sus formas y patrones. Quiébralo, mézclalo, ve qué es lo que realmente hace, lo que realmente dice, exponlo, revela su fortaleza, su debilidad. Las personas no pueden vivir con un lenguaje de lo correcto y lo incorrecto, lo negro y lo blanco, o esto o lo otro. No refleja la realidad, o la vida,o cómo cada uno de nosotros realmente siente y piensa día a día. Hoy en día el lenguaje está diseñado para acabar en conflicto, y en este momento aquellos que controlan el lenguaje intervienen como expertos y nos controlan. El lenguaje tiene que ser común a todos y para ello este lenguaje debe ser replanteado. La cultura tiene que mostrarles técnicas a las personas para derrumbar la lógica aparente del lenguaje que sigue una línea hacia una conclusión, y desarrollar formas que reflejen las infinitas respuestas y posibilidades paralelas, un caleidoscopio sin conclusiones ni puntos fijos que, por lo tanto, describa con mucha mayor precisión cómo se siente la vida y cuán incierto puede sentirse cada momento de la vida, cuán poco realmente se puede planificar, o con cuán poco se puede contar. Luchamos unos contra otros con intensidad paranoica en lugar de estar haciéndolo contra los despreciables señores feudales que se reúnen, petulantes, en ese edificio junto al agua. No es de extrañar que piensen que somos escoria patética, peleando contra lo que es más fácil y está más cerca de nosotros, contra nosotros en lugar de contra ellos. El edificio que ocupan para simbolizar su libertad podría fácilmente convertirse en su prisión. La mejor arma, la mejor defensa es aquella que toma la propia energía de tus atacantes y la vuelve contra ellos. El lenguaje puede volver a ser ensamblado todos los días de una manera diferente para ayudar a liberarnos. Nuestras pequeñas jaulas concretas pueden ser nuestros palacios, y sus palacios pueden ser sus jaulas. KALI 5 Y GENESIS BREYER P-ORRIDGE, LONDRES, 23 DE SEPTIEMBRE, 1987