feed

SSR

sábado, 21 de mayo de 2022

MICHEL LEROY AKA THANATOLOOP / UN FESTÍN SAGITAL INTERVIÚ :. El sonido Thanatoloop me sale natural, suena especial sin "estar a la moda" o pretenderse gran vanguardia


Por todo Latinoamérica germinan artistas, algunos más proyectados que otros, que se dedican con pasión a lo suyo. Poco importa si el sistema los acoge o da cabida en sus órganos. Uno de esos solitarios es Michel Leroy quien ostenta una carrera que se extiende hasta los años 90. Ha participado en formaciones en las que ha desarrollado estilos como el free jazz, hardcore doom, indie rock y post rock. Los proyectos por los que le conocemos en da blog son Un Festín Sagital y Thanatoloop. Su carácter polifacético perturbará a más de uno. Leroy aplica melómana erudición en la prosecución de instantes de locura y lucidez revestidos de sonido: canciones que te interpelan profundamente, que no pasan desapercibidas para nada, a no ser que seas un lobotomizado más. Acaba de publicar "Vértigo", vía su propio label y el sello gringo Witch Cat Records, una obra destinada a perdurar largo entre lo mejor que ha producido la escena sudamericana. Ideal para fans de Einsterzünde Neubaten, Héroes del Silencio, Stanley Kubrick y Sajjra/Swans. Lo que sigue es la conversa respectiva con el autor en Perú Avantgarde, en la avanzada desde siempre.


Háblanos de tu background, ¿en qué bandas o proyectos has incursionado, cómo te encontraste con la música alterna allá en tu ciudad, etc?

Hola, tengo un background variado, mi primera banda estaba influenciada por Cramps, Pánico y Dead Kennedys, se llamaba La Mujer Pala, luego se puso más oscura y se llamó Las Tentaciones (hay un demo), era un sonido bastante adelantado a la época, un cruce entre post punk oscuro y post hardcore, medio black metal noise rock. Luego amigos más viejos me mostraron el free jazz, la electrónica experimental y la dodecafonía (vi a Fred Frith y Chris Cutler en vivo), con estos mismos amigos armamos La Orquesta Solar, que como es obvio es un tributo a Sun Ra, y practicábamos la improvisación libre, también muy avanzados en relación a lo que ocurría en Chile, hablamos de la segunda mitad de los noventa. Luego toque en la banda death doom Poema Arcanus donde se unió su estilo pesado y progresivo con elementos de rock in opposition o psicodelia... estos mismos estilos son la base de Un Festin Sagital, banda que ha derivado libre en formas pero siempre con un carácter salvaje... actualmente toco en Ascendente (postpunk/postrock) y De-solación (death doom).

Notamos, vía Thanatoloop, que eres polifacético, lo mismo te interesan los drones hipnotizantes, que el aura siniestra de cierto post-punk y más. ¿Qué grupos o discos dirías que te partieron el cerebro?

Sin pensarla:

*Legendary Pink Dots  – Nine Lives to Wonder

*The Cure – Pornography

*Einsturzende Neubauten – 1/2 Mensch

*John Coltrane – Interstellar Space

*Luciano Berio  – Laberintus 2

*Klaus Schulze  – Irrlicht

Esos discos me marcaron cuando adolescente.  También siento mucha cercanía y admiración por lo creado por Aidan Baker, Current 93, Sand, Comus, Edward Ka-Spel y un largo etc la verdad. 

¿Con qué otros actos de tu país o escena sientes una sintonía especial o podrías decir que comparten los mismos motivos?

En general  la música de Thanatoloop es difícil compararla específicamente con algún solista o banda, si conoces alguno me dices. Mas que una plena cercanía de sonido, siento complicidad en la actitud que se tiene al momento de hacer música con: Kalasasaya, Mube, Prójimo Bil, Everum, iha, Estriba (como solista), Tobias Alcayota, Alvaro Peña, Banco Mundial y Las 3 Marías, entre varias otrxs... me limite a lo actual, en cuanto cosas más antiguas también podría nombrar varios nombres pero nose, tengo un impulso medio "periodista", me gusta conocer música más allá de solo tocar música. De hecho me dediqué un tiempo a las reseñas y análisis de discos.

¿Qué rescatas de todos estos años siendo parte del underground chileno?

He sido muy desagradable y agobiante expresando mi malestar con el poco apañe y atención mutua en lo que es música no comercial acá en Chile. Durante la pandemia llegué a niveles de insoportable obsesividad y hasta de sutil agresividad en cómo me expresaba virtualmente al respecto. Al verme con cierta popularidad y llegada, decidí a modo de revolucionario mesiánico expresarme ácidamente frente la falta de asombro y apañe de música "alternativa" no europea o no norteamericana, o que simplemente no tiene una producción espectacular o un renombre "periodístico". Espante a mucha audiencia, fue un kamikaze y un síntoma de un estado insano personal, el fascismo capitalista y la pandemia a vari@s nos enfermó.

Pero a la vez que critico, puedo expresar sinceramente que de las experiencias donde la amistad, la generosidad, la resistencia común y la apertura se me han presentado con mayor belleza, han sido muchas veces instancias musicales que surgen fuera de la "gran industria". 

Me comentabas que tu último álbum tardó 3 años en completarse, y debe ser porque luce lleno de detalles y excelentemente esculpido/producido. Coméntanos sobre tu proceso para componer, tu equipamiento, y las expectativas que albergas para con este nuevo documento.

Me transgredo, estoy en un vaivén entre una obsesiva atención a los detalles y una ansiosa urgencia improvisatoria. En particular "Vértigo" se nutre de ambos impulsos. Acá utilicé un micrófono de estudio y trabajé hasta lograr un sonido cuidado hasta en lo más minúsculo... creo que más allá de ser mi mejor disco o no, por lo menos es el con un sonido más accesible sin dejar de ser áspero cuando es "necesario".

Traté de lograr una electrónica lejos del patrón actual, con mucho proceso análogo y sin usar software salvo en la edición. Escuché mucho material electrónico semi industrial noventero, Skinny Puppy, el "Outside" de Bowie/Eno, Future sound of london, lo primero y lo último de Electrodomésticos, harto Gary Numan... ese disco industrial de Rob Halford, Two. Es un sonido que me atrae de adolescente, me sale natural y creo que en el revoltijo de influencias de Thanatoloop suena especial sin "estar a la moda" o pretenderse gran vanguardia

¿Cómo es un día en la vida de Michel Leroy?

Vivo en una pequeña casa en La Serena (norte de Chile), convivo con alguien que quiero mucho, en un sector semi rural, tranquilo, con luz solar y agua de pozo, no me quejo. Tengo varios oficios y evito los horarios rutinarios, soy niñero, entrego paquetes, tengo un sencillo pero efectivo estudio donde grabo música propia y de otrxs, y manejo un sello internacional humilde y extraño pero que "funciona" (Templo Sagital)... fumamos harta mota pero no somos autodestructivos al momento de pasarla bien, y muchas veces prefiero la naturaleza a un bar.

Tus impresiones del gobierno de izquierdas de Mr. Boric.

En Chile pesan más las balas que la democracia, y el poder de fuego está coptado por el empresariado capitalista. Este gobierno es un espectáculo de símbolos hasta el momento, pues aún el fascismo sigue operando impune, y ya hay víctimas fatales a manos de la alianza narco policial que existe en Chile desde la dictadura.

¿Como terminó afectándote la temporada Covid19?

Como te decía, ha sido difícil, como muchxs me enfermé emocionalmente, tuve amigos que murieron sin yo poder despedirlos en su funeral y por meses no pude ver a mi hija... eso me dejo en un estado de malestar que derivó en una megalomanía mesiánica política anticapitalista de la cual me arrepiento, no en su fondo sino en su expresión. 

Planes futuros y palabras finales.

Básicamente seguir entregando registros sonoros, actos en vivo y tal vez un librito. 


miércoles, 18 de mayo de 2022

Lisa Gerrard, Martha Peirano, Cono Norte 3 y +

La legendaria vocalista de Dead Can Dance LISA GERRARD y ganadora del Globo de Oro por 'Gladiator' une esfuerzos con MARCELLO DE FRANCISCI, colaborador desde hace mucho tiempo y compositor galardonado, para el álbum 'Exaudia', que saldrá el 26 de agosto a través de Atlantic Curve.

Foto cortesía de Vaughan Stedman y M. De Francisci

Atlantic Curve, una filial discográfica con sede en Londres de Schubert Music Europe Group, se complace en anunciar el fichaje de la artista de renombre mundial Lisa Gerrard, compositora/cantante de Dead Can Dance y ganadora del Globo de Oro por la banda sonora de 'Gladiator', en conjunto con el compositor y productor discográfico de Los Ángeles Marcello De Francisci, para el lanzamiento de su segundo y muy esperado álbum 'Exaudia'.

La Sra. Gerrard y el Sr. De Francisci se conocieron hace muchos años mientras trabajaban en la banda sonora de 'Kings', lo que inició una multitud de esfuerzos de colaboración, como las partituras de la banda sonora y su primer álbum 'Departum'. El primer sencillo de Exaudia, 'Until We Meet Again', se lanzará el 17 de junio de 2022, la misma fecha en que el álbum estará disponible para pre-pedido.

Atlantic Curve se formó como parte de una nueva estructura internacional con diez sellos discográficos establecidos por Schubert Music Europe GmbH en 2020, que son distribuidos internacionalmente por The Orchard, el distribuidor independiente más grande del mundo. En un comienzo impresionante, el sello ya ha lanzado el álbum Top 40 UK Alternative Chart 'KOMPROMAT' de I LIKE TRAINS, el álbum aclamado por la crítica 'Live at Rockpalast' de la querida underground alemana Laura Carbone, y el innovador álbum 'Burn' de Lisa Gerrard y su compañero de banda de Dead Can Dance, Jules Maxwell.


Lisa Gerrard: “Conocí a Marcello mientras componía para una película llamada Kings, tenía maravillosas habilidades de ingeniería y me gustaba como persona. Después de un tiempo, decidimos intentar componer juntos y pasamos a componer algunas bandas sonoras para películas. Me encanta el hecho de que Atlantic Curve haga vinilos y también estaba muy interesado en seguir el lado artístico de los videos que lo acompañan. Hicieron un trabajo maravilloso promocionando mi último álbum 'Burn' usando plataformas de redes sociales y medios de Internet”.

Marcello De Francisci: "Ha sido un regalo absoluto trabajar junto a Lisa una vez más en este trabajo, que escribimos con la intención de inspirar a su base de fans tanto en el aspecto auditivo como cinematográfico"

Daryl Bamonte (Atlantic Curve, Label Head / Schubert Music Publishing UK, Director general): “Después del gran éxito que disfrutamos con el álbum ‘Burn’, me sentí honrado cuando Lisa se puso en contacto para proponerme lanzar ‘Exaudia’ en Atlantic Curve. Este álbum muestra la inmensa variedad de talentos de Lisa y Marcello”

Thomas Thyssen (Schubert Music Europe, Director General / Jefe de Música Grabada): “Es un placer y un privilegio trabajar con Lisa una vez más en su próximo lanzamiento junto a Marcello. ¡Y qué álbum es! ¡Los fanáticos de Lisa Gerrard y Dead Can Dance definitivamente están de enhorabuena!

Schubert Music Europe GmbH es una editorial de música, compañía discográfica, centro de licencias y sociedad de cartera para todas las compañías y sellos discográficos de Schubert, en particular, todas las sucursales de Schubert Music Publishing en Europa y EE. UU., así como Celsius Management, Hardbeat Promotion y Schubert Music Live (SML).




"La franquicia se manifiesta a través de la hegemonía de los cuatro discursos en todos los países, donde los operadores intercambian material, retórica y canales, en un esfuerzo coordinado por ejecutar el mismo algoritmo optimizado para una viralidad inmediata. Traducen hasta los nombres: «Brasil Primeiro», «España, lo primero» y la «France first» de Marion Maréchal-Le Pen, todas versiones del «America First» de Trump, que a su vez lo había copiado de un comité aislacionista y antisemita estadounidense de 1940, llamado America First Committee. El lenguaje natural para la destrucción del Estado de derecho es el meme, porque permite testar y naturalizar conceptos que habían sido rechazados —como el machismo o la xenofobia— en un contexto sin consecuencias, porque es una broma. Y los que denuncian o rechazan la broma quedan neutralizados con un calificativo que parece diseñado a propósito para este contexto: snowflakes.

En realidad es una cita de El club de la lucha, la novela de Chuck Palahniuk, que también aparece en la fabulosa adaptación cinematográfica de David Fincher en 1999. En un momento dado, el nihilista Tyler Durden le dice al protagonista lloroso: «No eres especial. No eres un precioso y único copito de nieve». Desde entonces, el término ha sido utilizado de manera coloquial para referirse a la generación emo de niños sobreprotegidos y blanditos, destruidos por la ausencia de retos y educados en la corrección política, el languipop de guitarras y Amelie. De izquierdas o de derechas, lloricas de cualquier edad. Todo cambió en 2016 con la campaña de Trump. De hecho, su evolución refleja con bastante rigor las fases que ha atravesado la franquicia desde entonces. En 2008, el snowflake era «una persona que se cree OHDIOSMIOTANESPECIAL pero que, de hecho, es igual que todo el mundo». En mayo de 2016, la definición cambió a «persona excesivamente sensible, incapaz de soportar cualquier opinión que difiera de la suya. Esas personas se pueden ver congregadas en “zonas seguras” de los campus universitarios». En 2018 cambió de nuevo: «Un milenial con ínfulas, retrasado de la justicia social que huye a su “espacio seguro” para jugar con sus juguetes antiestrés y sus cuadernos de colorear cuando es “provocado” por cualquier “microagresión” inofensiva». Durante la campaña, snowflake era cualquiera que dijera que Trump era racista por decir que los mexicanos eran violadores y asesinos, o que era sexista por decir que a las mujeres hay que agarrarlas by the pussy. Cualquier manifestación en contra del supremacismo blanco, la violencia de género, la homofobia, la transfobia y la misoginia era típica de un snowflake. El Guardian la declaró palabra del año en 2016. Como todo el léxico hegemónico de la franquicia, ha sido traducido a todos los países donde opera. España tiene una de las traducciones más logradas: ofendiditos. Quedó retratada para siempre en el anuncio de Navidad de Campofrío de 2018, titulado «La tienda LOL»."

MARTHA PEIRANO.
El enemigo conoce el sistema




TEST CARD - Patterns

Test Card es el proyecto en solitario de Lee Nicholson, con sede en Vancouver, Canadá. Nicholson fue miembro de Preston's Formula One a fines de la década de 1990 y de Brighton's Domestic4 a principios de la década de 2000, y lanzó álbumes, sencillos y EP en varios sellos independientes como Kooky, Fierce Panda, Liquefaction Empire, Shifty Disco, Invicta Hi-Fi, Vaclav, y Star Harbour.

Patterns es el cuarto álbum de larga duración de Test Card que lanzó su álbum debut en Symbolic Interaction (2016), seguido de dos álbumes en Sound In Silence (2017 y 2020), así como un lanzamiento de EP en The Slow Music Movement (2018). Patterns consta de diez pistas instrumentales con una duración total de 45 minutos que combinan ritmos retro relajados, patrones de guitarra cambiantes, ambiente melódico, riffs de piano sutiles y sintetizadores analógicos. Imagínese si Hood se reuniera con July Skies en una barbacoa de otoño organizada por Durutti Column con Labradford volteando las hamburguesas y Epic45 preparando el vino caliente.


Offshore - Una serie musical de Marcello Capozzi

"OFFSHORE" es el álbum de Marcello Capozzi, una obra unitaria que tiene un solo personaje para toda la narrativa, entre Italia, Inglaterra y otras dimensiones. La narración a lo largo del álbum avanza hacia una expansión ambiental gradual, desde la miseria inicial hasta el entusiasmo por nuevos escenarios y la reconstrucción relacional, hasta una especie de "punto de inflexión ontológico" que ocurre en medio de la lista de canciones (cruce desafortunado con el terrorismo internacional). También hay una transición gradual del italiano al inglés como lengua extranjera del personaje principal. El álbum tiene una estructura en serie dividida en 3 temporadas (como una serie de televisión): 3 ciclos de 3 episodios, como lo subrayan varias grabaciones de campo y cambios de sonido. Temporada I lanzada digitalmente el 21 de septiembre de 2021; Temporada II publicada el 23 de noviembre de 2021; La temporada III se lanza el 21 de enero de 2022, junto con el álbum completo en CD.




De la de Lima son Beto Ortiz y Milagros Laive.




El dúo electrónico de Austin PANJOMA presenta 'Bleeding Sun' del EP 'Sun and Moon', primer lanzamiento en 8 años

Los inconformistas de la música con sede en Austin, Panjoma, presentan su nuevo sencillo 'Bleeding Sun', una maravillosa porción de bondad electrónica de su último EP 'Sun and Moon'. Marcando el regreso de la banda a la escena musical después de una pausa de ocho años, están de vuelta con lo que sienten que es su mejor trabajo. También recientemente hicieron una vista previa de los sencillos 'Sun and Moon' y 'Free'.

Formados en 2006, los miembros principales Mary Panjoma (voz, teclados, producción) y Patrik Nilsson (bajo, cajas de ritmos, samplers, producción) rápidamente se llevaron bien al conocerse, lo que resultó en un matrimonio y el nacimiento de Panjoma. A pesar de su posterior divorcio, Pat y Mary siguen comprometidos con su búsqueda musical compartida.

El EP 'Sun and Moon' sigue al álbum 'Personacide' de 2014 y al álbum 'Panjoma' de 2012 en 2012. Estos fueron precedidos por los sencillos 'Death Mantra' y 'Transmit Invocation', ambos con videos creados por el dos veces ganador del Premio Grammy Latino. Paul Beck, conocido por su trabajo con David Byrne, The Calm Blue Sea y los largometrajes 'Waking Life' y 'A Scanner Darkly'.

Una banda vanguardista de darkwave electro femme-pop DMT-jazz con un toque funky, el sonido de Panjoma es tan ecléctico como sus influencias, que van desde Bjork, Aphex Twin, Orbital y Squarepusher hasta Thundercat, Nine Inch Nails, Primus, Daft Chic, Mr. Fingers, Jazzanova y Depeche Mode.

"Nuestras influencias detrás del EP 'Sun and Moon' son el amor, la filosofía y la psicodelia. El sencillo 'Sun and Moon', que impulsa el ambiente de ensueño detrás de todo el EP, trata sobre cómo el Sol y la Luna se siguen para siempre. siempre anhelando estar uno al lado del otro, pero siempre sin poder estar juntos. El tema pasa a los sueños, donde todo es posible", dice Mary Panjoma.
 






"Lo que ocurre es que cuando aparece una nueva tecnología, al principio es tan cara que solo los músicos y los productores establecidos y ricos tienen acceso a ella, y la utilizan para hacer cosas que están pasadas de moda, en consonancia con la música que los hizo ricos al principio. Luego ese equipamiento baja de precio de manera espectacular y todo el mundo tiene acceso a él, y en esas circunstancias suelen ser tipos perspicaces desde el punto de vista cultural, que no son músicos, (algunos del estilo de Eno, otros adolescentes espabilados) los que encuentran todas las aplicaciones imprevistas de la nueva maquinaria. Se producen unas
cuantas innovaciones sorprendentes, y luego las cosas se estabilizan otra vez cuando todo el mundo asimila la nueva tecnología y las viejas jerarquías del talento por encima de la no musicalidad vuelven a reafirmarse. Como veterano del postpunk, tiendo a valorar los momentos de avalancha, cuando los agudos bárbaros de la autoproducción se apoderan de las nuevas herramientas o idean formas de modificar herramientas existentes, por ejemplo el hardcore, con los breakbeats acelerados, las líneas de bajo de ondas sinusoidales y las voces chillonas. Me encantan esos momentos en que la gente que rompe las reglas porque no las conoce toma la iniciativa, y aparece música que suena interesantemente mal de todas clases, fusiones integradas de manera incorrecta. Cuando vuelve la "musicalidad", como inevitablemente sucede, es menos interesante... porque la "música" ya se ha hecho, ¿no? ¡Ya hay muchísimo material musical bueno en el planeta!"

SIMON REYNOLDS
Energy Flash. Un viaje a través de la música rave y la cultura de baile.



Absent Without Leave is, of course, the man behind this label, called George Mastrokostas who hails from a coastal suburb of Athens (roughly 10km south of the Acropolis as the crow flies) called Elliniko in Greece.
Cono Norte 3 are four musicians based in Lima in Peru, South America. The metropolitan city of Lima is divided into six areas, one of which is named "Cono Norte". The band members are John S. who plays Bass, Sonic L. who provides the drones, Wilder G. who provides the 'sweet oscillations' and Juan R. who plays 'roller guitar'.
This untitled EP contains one track from each artist. The first track "Never Trust an Angel" was self recorded by George in "My Bedroom" studio in July 2005 and is a brooding song that lasts just over 6½ mins long. The Cono Norte 3 track "Everything Deserves to Die" is more sinister, definitely more glitchy and revolves around a seven note bass riff that menaces your brain for almost 11 minutes. The tracks certainly compliment each other well and leave you wanting more from each band - easy in the case of Absent Without Leave, but sadly (almost) impossible for Cono Norte 3, because try as I might, I can't find anything else from or about them. - RYM

33



33. Sonidos para calmar la mente. Y aventurarse tras el sin-sentido de todo. ¿Validando la vida?  


Por Mucsinauta

Todavía nos persigue la luna llena de sangre, tenemos a mercurio retrógrado encima y vivimos los daños colaterales de la pandemia y aún ni siquiera lo sabemos a bien.




Hace uno o dos años, una parte de nosotros moría en algún lugar del mundo junto a la figura de un ser querido, en un contexto inédito para nosotros los contemporáneos; había que velar por ellos a la distancia, desde dentro y en silencio, si eso podíamos concebir, claro.



Algo que aprendí y continúo en proceso de, es a mantener la calma, a serenarme; la mente más que nunca clama quietud, y para aprovechar este viaje, quiero compartirles la playlist que hice con 33 rolas que me han acompañado en los recientes tiempos de crisis.



Un dato curioso de esta playlist es que, la hice sin pensar en el número de canciones que iba a incluir o, mucho menos, pensando en la duración del mismo, sin embargo, cuando decidí que era suficiente habían surgido una cantidad de números "3" por doquier sin darme cuenta, lo descubrí días después, mas quise compartirles la 'magia' del momento porque además hoy es mi cumpleaños número 33 y me gusta celebrar escribiendo.


"33. Sonidos para calmar la mente"


domingo, 15 de mayo de 2022

Proletariado Psicodélico




De una entrevista a SIMON REYNOLDS al final de "Energy Flash" edición española.

Sin embargo tu lealtad al 'hardcore' no es solo sonora, sino que tiene una dimensión de clase, ¿no? El intelectual burgués atraído por la energía lumpen de la cultura dance. ¿No es eso una especie de visita a los barrios bajos?

SIMON REYNOLDS: Un poquito, puede ser. Por otro lado, todo el paisaje de la cultura popular está atravesado por relaciones de deseo, fantasía, proyección. La clásica es la de los blancos que quieren ser más como los negros, y otra es la de los británicos que quieren convertirse en norteamericanos (y a veces al revés). Nadie quiere ser lo que es o estar donde está. Creo que la esencia del pop -quizá de la música- es «sé realista, pide lo imposible». De forma que la cultura pop está llena de estos intentos de curar las heridas causadas por la
clase y la raza, esfuerzos de la fantasía condenados al fracaso por lograr la plenitud.
Desde luego, hay cierta idealización del lumpen en mi obsesión por el hardcore, pero no está basada en un deseo de vivir esa vida en toda su desesperación, por más que me impresione el ansia de los proletarios por disfrutar. Es como la letra de aquella canción de Pulp, «Common People», «arden con tanta fuerza y tú solo puedes preguntarte por qué», Pero saber que muchos arden con fuerza y luego se apagan es aleccionador.
Siempre había desconfiado de las composiciones de rock que idealizaban a los nobles trabajadores como si fueran la sal de la tierra. En parte porque la música que me encantaba y que apoyaba como crítico hasta entonces había sido más el arte en el pop que la calle en el pop: psicodelia, postpunk, indie rock. El auténtico cambio fue encontrar, en el rave, una cultura de la clase trabajadora que era vanguardista y bohemia en su exagerado hedonismo: un proletariado psicodélico. Así que en realidad solo me enamoré de esta música de la clase trabajadora cuando cruzó a «mi» terreno. No es como el turismo de clase, viajar a algún sitio exótico, diferente. «Ellos» se habían acercado a mi. Pero aquello ocurrió gracias a la dinámica alimentada por la droga del rave, más que por intentos conscientes de tener veleidades artísticas o vanguardistas. De repente, aquella música, que en 1989 había parecido algo ligera, con todos aquellos tracks de italo house con vamps de piano, se volvió «pesada». Fue como una explosión repentina de lo dionisíaco en la música pop, y como tal en la misma longitud de onda que el rock de finales de los ochenta que yo había alabado en Blissed Out.
Pero había sin lugar a dudas cierta fascinación y una especie de extraña admiración por la mentalidad testaruda del pastillero... Aquel vocabulario de adicto al éxtasis se me quedó grabado. Casi se convirtió en un culto personal estilo «New Lad». La forma de hablar de las drogas del hardcore era mucho más atractiva que toda aquella cháchara transcendentalista y techno-pagana que uno encontraba en otros sectores de la cultura rave. El argot del hardcore, que giraba en torno a subidones y colocones, lo hacía mucho menos altivo. No se trataba de cambiar el mundo, como en las escenas bohemias más altruistas, sino de alterar la energía en un sitio, aquí y ahora. Era juvenil y en tiempo presente, una visión de lo intensamente que se podía vivir la vida que a lo mejor te inspiraba en otros contextos, pero que no estaba demasiado cargada de significado político o filosófico.
La crítica de la «visita a los barrios bajos»... La idea de que debería «quedarme con los míos» es contraria al espíritu de cruce de fronteras, de energía mutagénica que es la esencia de esta música. La energía no se puede contener, contagia a personas para las que no estaba pensada. Pongamos el jungle en 1994. Sigo sin entender como alguien podía oír aquella música y no responder a ella como si fuera una señal de energía, un llamamiento, por así decir. Así que en vez de una visita a los barrios bajos, yo lo presentaría de una manera más favorable: como un rechazo al destino de clase. Pero, en última instancia, es algo puramente egoísta: yo relaciono ambientes mejores y noches mejores con los clubs de hardcore. Mientras que las escenas llenas de personas como yo, como aquellas fiestas chill-out de principios de los noventa o los eventos de «eclectronica»/illbient posteriores... No tienen chispa, no hay energía en el ambiente. De manera que lo importante es en qué sitio quieres estar.


De "Energy Flash"



viernes, 13 de mayo de 2022

H R 3 0 0 1

 x HELENE RAMOS


2022 SE ESTABLECE CON UNA ULTRA TECNOLOGÍA SÓNICA DE PROPULSIÓN DE INMERSIÓN ELECTROMAGNÉTICA TOROIDAL Y EN GRAN ROTACIÓN PIRAMIDAL◻Liberadas más de 6000 patentes tecnológicas en servicio a la humanidad, los video-clips tampoco pueden quedarse atrás. El auge de la 5D se manifiesta en todo su gran fulgor y esplendor que hasta los vinilos verán durante este año su gran evolución◻



THE UTOPIA STRONG es un trío semi-modular, entregando un grado de música sanadora y como puntal de la música visionaria que se aprecie. Formado en 2018 tras sólo una improvisación reveladora propiciada x sus tres integrantes ingleses: Kavus Torabi (GONG, CARDIACS, KNIFE WORLD, GUAPO), Michael J. York (COIL,  TELEPLASMISTE, GUAPO) y Steve Davis quien es también DJ, tanto como leyenda reconocida del snooker (billar). Su macroesfera sónica "International Treasure" (Rocket Recordings) estará disponible desde el próximo 10 de junio. Su primera microesfera extraída en circulacion titula "Shepherdess" cuyo respectivo clip lo aprecio como una miríada de partículas atómicas y subatómicas, nodos en ondas de la magnitud de PLANCK. Realmente, es un gran avance en concepción de vídeos musicales e inspirador gracias a SHOP. Intenso y evolucionado superando cualquier adormecimiento radiofónico impuesto a las masas adictas, a cualquier pasión temporal y pasajera. Es explícitamente obligada para meditaciones extrapoladas o susurros oníricos dentro de atmósferas mitológicas e intrépidas. Destaco la supersimetría en toda su gran dimensión expandida de este vídeo que ha impactado en mi, como la resonancia Schumann en su más alto nivel. Su reciente satélite sonoro itinerante titula "Castalia" -cuyo clip es igualmente digno de destacar◻



Sonidos en colores caleidoscópicos se cristalizan y forman neo movimientos una y otra vez en "Castalia" - vídeo creado x Mike Bourne◻ Me ha encantado siempre, difundir x las ondas hertzianas de Lima/Perú a GONG, CARDIACS y a COIL en toda su biofluorescencia. Celebro hasta donde han llegado en recientes años, algunos de sus integrantes◻X otro lado, COIL acaba de tener editado "Musick To Play In The Dark" Vol.2 (Dais Records)◻La nueva edad de la Tierra se reafirma mientras la música no sabe de crisis. MAX COOPER, nuevamente en esta columna con reciente y lumínico opus en single: "Symphony In Acid" + ultra  respectivo clip de Ksawery Komputery. MAX COOPER, súper conocido x su experimentación con la música dance y las artes visuales, se ha asociado con el programador Ksawery Kirklewski en un neo sitio web interactivo. La plataforma presenta fragmentos del filósofo LUDWIG WITTGENSTEIN que se trasladan a "Symphony In Acid" - tema incluido en el álbum "Unspoken Words" de MAX. La relación entre la música y las palabras es palpable mientras la rítmica juega con la combinación de una síntesis de tipo 303 que involucra al estilo acid house. Aprecia todo el trabajo implicado a continuación◻




El tema "Where Is It Going"/ORBITAL protagonizado x STEPHEN HAWKING, es una nueva mezcla de la colaboración de la dupla con el ya desaparecido físico y autor intelectual. La pieza es parte del álbum doble: "30 Something" (Orbital Recordings) disponible desde el próximo 18 de julio. Los hermanos Paul y Phil Hartnoll indican que está editado como CD doble, una caja de LP's cuádruple y en forma digital. Incluye remixes, remakes, revisiones y nuevas interpretaciones de su conocida saga◻




SUAVE PUNK es el alias con el que se identifica artísticamente el cineasta Justin J. Kim. Establecido en Estados Unidos y de ascendencia coreana, él  ha sabido adornar algunos de los macro momentos shoegaze más intenso de los recientes meses. "Heaven Is A Night Drive", que en 2021 fue su EP debut, con atmósfera lo-fi le fue abriendo el camino. Su neo single "Petals" viene con un aura mejorada y con órbita expandida con ciertos tintes nu grunge, shoegaze y post-punk adheridos a su actual estatus sonoro. Agregando además, introspección emocional agridulce en sus composiciones. Él no duda en citar como  sus mayores influencias a COCTEAU TWINS y a MY BLOODY VALENTINE -siendo sus dos grandes inspiraciones en la música◻





PRIMAVERA SOUND, inicialmente un festival originado en España, se expande ahora extradimensionado hacia California y Sudamérica (los países Brasil, Argentina y Chile involucrados). La lista de actos incluidos en sus diferentes fechas es extra-exponencial: BAUHAUS, TAME IMPALA, DISCLOSURE,  PAVEMENT, IDLES, AUTECHRE, HELADO NEGRO, BOY HARSHER, BLACK MIDI, DINOSAUR JR., KING KRULE, JORJA SMITH, THE STROKES, BEACH HOUSE, SLOWDIVE, MOGWAI, THE MAGNETIC FIELDS, THE JESUS & MARY CHAIN, CARIBOU, ICEAGE... o el trailer del mega evento podría darte más data ¡sin duda! En Barcelona las fechas estipuladas van  del 9 al 11 de junio◻ 

Trailer PS:



THE MAGNETIC FIELDS en Primavera Sound 2022.

Post-arte © Helene Ramos





Este combo de Vancouver denominado ACTORS, se toma bien su papel si observas la tónica del reciente clip a su single: "Killing Time" e incluído en su álbum: "Acts Of Worship"◻VOXTROX, banda con base en Austin/Texas dedicada a explorar los sonidos impuestos x THE SMITHS, ORANGE JUICE y BELLE & SEBASTIAN que se separó en 2010, decidió volver a juntarse. Ramesh Srivastava píxel de la banda quien había lanzado su álbum en solitario "The King" en 2014, dio la buena nueva. VOXTROX ha anunciado 2 sendas compilaciones que incluyen  sus primeros lanzamientos y rarezas, como una gira a iniciarse en Nueva York. Títulos: "Early Music" es la primera compilación y la segunda "Cut From The Stone: Rarities & B-Sides". Su actual clip promocional: "The Start Of Something". 

https://youtu.be/wVrSXeRXSWE

La música en todas sus épocas ha logrado que la humanidad haya sido más apegada a la vida de lo que sería sin ella◻STOP!

🌠N O V A    U L T R A    E X P R E S S

El universo responde siempre a la vibración creada x el ser humano. Lo que se envía al universo, retorna al emisor en forma de eco. Esta es sólo una cita palpable de cómo ha sido reconocido todo el trabajo dedicado para dar forma a CRISÁLIDA  SÓNICA 1, en diferentes medios x un grupo de chicos peruanos muy dedicados y viviendo la época mundial de la música, en su tiempo exacto. Han pasado 25 años de todo ello y los invito a conectarse a los siguientes links:




CS 1 EN BANDCAMP

All Roads in Peruvian Shoegaze and Post-Rock Lead To “Crisálida Sónica” | Bandcamp Daily

CS 1 EN LA MULA

Noticia: 25 años del manifiesto vanguardista de CRISÁLIDA SÓNICA (lamula.pe)

CS 1 EN MUSEXPLAT 

Reseña de Crisálida Sónica – Compilación I: Varios Artistas – Música Experimental Latinoamericana (musexplat.com)

CS EN APOSTILLAS DESDE LA DISIDENCIA

Apostillas Desde La Disidencia: Recuerdos Del Futuro: Crisálida Sónica y Compilación I, 25 Años Después

CS POR ARTURO CALDERÓN

Vanguardia Peruana & Sonidos Contemporáneos: CRISÁLIDA SÓNICA: 25 años de sonidos etéreos y ruidos mutantes (peruavantgarde.blogspot.com)

CS 1 EN CONCIERTOS PERU

» Crisálida Sónica: el compilatorio pionero del post-rock y shoegaze en Perú cumple 24 años (conciertosperu.com.pe)

CS 1 EN DEPÓSITO SONORO


CRISÁLIDA SÓNICA EN VICE


CS EN EL HEXÁGONO CARMESÍ 


CS 1 EN DENSIDAD2025


CS 1 POR HELENE RAMOS

lunes, 9 de mayo de 2022

Reseña: POLYPORES - Hyperincandescent (DiN, 2022)



JUGANDO CON FUEGO.


Los políporos son una especie de hongo milenario que se ha usado tanto como encendedor o mechero como en aspectos más relativos a la salud. Al día de hoy se está revalorando su rol como fortalecedor en los tratamientos de recuperación del cáncer, por lo que se le ve ofertado en las tiendas eco-naturistas. Polypores es también el nick con el que trabaja el explorador inglés Stephen James Buckley. Portador de una descollante discografía en sendos sellos de renombre -Polytechnic Youth, Castles in Space, Behind the Sky- y presentaciones en festivales tales como Subliminal Impulse de Manchester y Future Yard en Liverpool, su sonido captura la magia de los clásicos atizándolo con sintetizadores modulares de 'moderna' factura.

"Hyperincandescent" es su reciente opus. Publicado por el sello especializado en ambient DiN, se trata de 2 viajes de 21 minutos en los que Buckley fragua con su Eurorack Modular paisajes propios de una civilización del futuro remoto o, concédase la dicha, de almas deseantes. Sublime y lúdico a partes iguales, cual discurso que conducirá tus latidos por manantiales que creías perdidos en el vacío del sinsentido y la rutina hipercultural.

Afectos a los delirios de magos del porte de Morton Subotnick, E.A.R. y Suzanne Cianni, Polypores será la prescripción para impulsar sus ansias de romperlo todo y exhalar el paraíso otra vez. 

Too real to feel.


Wilder Gonzales Agreda.



sábado, 7 de mayo de 2022

Novedades, activismo y +



Halleluwah, broders. Ayer salió mi disco "Contracultura (No al arte falso)" en formato físico CD y virtual en el sello inglés Wormhole Sound Records. ¡Y lo pueden pedir desde ya! Mi último álbum, por su parte, se encuentra ya en todas las plataformas de moda, spotify, itunes, tidal, etc. 





From writing about the internet with Timothy Leary to releasing music under the techno-rock moniker “Mondo Vanili”, R.U. Sirius has shaped digital culture since its inception. He dishes to Lydia Sviatoslavsky about (what’s left of) cyberpunk, stoner-inflected French theory, and the drab cruelty of American politics.

LINK: This Interview is a Mistake | Spike Art Magazine


"Bismarck, en el nuevo Imperio alemán que terminó de construir en 1871, decidió así mismo manipular un electorado amplio en sus batallas contra los liberales. Sería absurdo llamar a estos autoritarios «fascistas», pero eran claramente los primeros que se adentraban en un territorio que los fascistas dominarían más tarde. Al decidirse por manipular a un electorado de masas en vez de restringir el derecho de voto, se apartaron tanto de los conservadores como de los liberales y de la política tal como se practicaba entonces, como un debate ilustrado entre notables elegidos por un público respetuoso para que gobernaran en su nombre.

Los fascistas, a diferencia de los conservadores y de los liberales cautos, nunca quisieron mantener a las masas fuera de la política. Ellos querían reclutarlas, disciplinarlas e insuflarles energía. Al final de la Primera Guerra Mundial, no había ya, de todos modos, posibilidad de volver a un derecho de sufragio limitado. Los jóvenes habían sido reclutados casi en todas partes para morir por su país, y difícilmente se podía negar a ninguno de ellos los plenos derechos de ciudadanía. También a las mujeres, cuyo papel económico y social se había ampliado enormemente con la guerra, se les otorgó el derecho al voto en muchos países del norte de Europa —aunque todavía no en Francia, Italia, España o Suiza—. Aunque los fascistas pretendían restaurar el patriarcado en la familia y en el lugar de trabajo, prefirieron movilizar a las mujeres favorables a ellos en vez de privarlas del derecho devoto, al menos hasta que pudieron abolir por completo las votaciones.

Para que pudiera llegar a ser posible el fascismo tuvo que cambiar también la cultura política europea. La derecha tuvo que reconocer que no podía evitar ya participar en la política de masas.

Facilitó esta transición el que un número creciente de ciudadanos de clase media se incorporase a las filas conservadoras, una vez satisfechas sus limitadas demandas políticas y al concretarse nuevas  demandas amenazadoras de los socialistas. En 1917 —tal vez antes—, el proyecto revolucionario era algo lo suficientemente inmediato como para alejar a gran parte de la clase media de la fidelidad a la izquierda de sus abuelos demócratas de 1848. Los conservadores pudieron empezar a soñar con el control de mayorías electorales.

Las izquierdas democráticas y socialistas, aún unidas en 1848, tuvieron que escindirse para que pudiera llegar a ser posible el fascismo. La izquierda tuvo que perder también su posición como recurso automático de todos los partidarios del cambio: los soñadores y los descontentos, tanto entre la clase media como en la clase obrera. Así pues, el fascismo es inconcebible sin la presencia de una izquierda socialista madura y en expansión. De hecho los fascistas solo pueden hallar su espacio después de que el socialismo ha llegado a hacerse lo bastante poderoso como para haber tenido cierta participación en el Gobierno y haber desilusionado así a una parte de su clientela intelectual y obrera tradicional. Así que podemos situar el fascismo en el tiempo no solo después del  asentamiento irreversible de la política de masas, sino en realidad en un periodo tardío de ese proceso, en el que los socialistas han llegado al punto de participar en el Gobierno… y de estar comprometidos por ello.

El umbral se franqueó en septiembre de 1899, cuando el primer socialista europeo aceptó un cargo en un gabinete burgués, para ayudar a la democracia francesa que estaba siendo atacada durante el affaire Dreyfus, ganándose así la hostilidad de algunos de los puristas morales de su movimiento.

En 1914 parte de los seguidores tradicionales de la izquierda se habían desilusionado por lo que consideraban los compromisos de los socialistas parlamentarios moderados. Después de la guerra,  buscando algo más intransigentemente revolucionario, se pasaron al bolchevismo o, como hemos visto, a través del nacional-sindicalismo, al fascismo."

ROBERT O. PAXTON
"Anatomía del Fascismo"
2019


Hace un par de semanas tmb los de El Paradero organizaron una tocada al aire libre que fue locasa. Acá un par de videos que grabé de Gabriel Castillo ruideando superb y Oscar Recarte en plan ATOM TM. 





REPORTE MATUTINO: Si quieren disfrutar de lo que hacen, llámese profesión u oficio, no escuchen lo que los demás dicen de ustedes. Los otros, aunque con ventajas y privilegios, no tendrán jamás lo que ustedes han logrado con esfuerzo, tiempo y terquead. Por mucho que esa gente trate de imitarlos, jamás se les parecerá ni un ápice. Cada ser humano es único. (INGRID VALENCIA)

"Creo que incluso en el ámbito cultural, más allá de compadrismos y amiguismos, hay una miopía a lo que se hizo de los 90s en adelante (y eso, siendo buena gente)" ARTURO CALDERÓN.
- Prueba de ello es la escasa repercusión en nuestro propio Perú de los 25 años de Crisálida Sónica, Compilación I, tienen q ser desde afuera que hagan textos y entrevistas. Obviando los contactos de mi blog. A SEGUIR.

A propósito del Encuentro de Redes Sono-Sororas Latinoamericanas, esta semana les compartimos la entrevista que tuvimos con Alma Laprida, artista sonora argentina, con quien reflexionamos acerca de los archivos musicales con perspectiva de género. Una nota de nuestro colaborador Charlestone Nava. 💜💚🔊



Joseph Beuys y Conrad Schnitzler (TANGERINE DREAM, KLUSTER) en un restaurante parisino.





Sin embargo, la hibridez está, a causa de su historia conceptual, demasiado vinculada al complejo racista y colonialista de poder, dominio, opresión y resistencia, a la geometría del centro y de los márgenes o de arriba y abajo.

De esta forma, no comprende lo lúdico, que justamente no carga con ese complejo, que abandona así por completo el espacio entre-medio dialéctico del amo y esclavo. La hipercultura no es un espacio libre de poder. No obstante, lo especial del mundo elaborado hiperculturalmente es el incremento del número de espacios que no serían accesibles desde el poder ola economía, sino desde la estética. Estos espacios participarían en el reino del juego y de la apariencia, aquel al que Schiller opone al reino de las fuerzas y de las leyes:

<<En medio del temible reino de las fuerzas naturales, y en medio también del sagrado reino de las leyes, el impulso estético de formación va construyendo, inadvertidamente, un tercer reino feliz, el reino del juego y de la apariencia, en el cual libera al hombre de las cadenas de toda circunstancia y lo exime de toda coacción, tanto física como moral.>>

Este reino del juego y de la apariencia, que también se diferencia del reino del poder, promete más libertad. Su principio fundamental es, de acuerdo con Schiller, dar libertad por medio de la libertad. Este reino será poblado pues por los homines liberi et hilari.

HAN BYUNG CHUL
"Hiperculturalidad"


Larga vida a la meritocracia y la mermelada dices?!?
por cierto, mi próximo álbum sale el 1 de julio!!
koool.

miércoles, 4 de mayo de 2022

Scott Monteith - Qawwali Quatsch (Full Album) [Field Records]




Canadian producer Scott Monteith aka Deadbeat touches on the traditional music of qawwali on this experimental mini-album. Featuring a mere eight tracks, Qawwali Quatsch features transcendental sounds combined with hypnotic violins and voices by long-time friend and collaborator Sophie Trudeau of the acclaimed band Godspeed You Black Emperor!

This absorbing concept came about after Monteith - best known for his dub techno escapades - attended a festival that featured music from both the coastal and land locked regions of India and Pakistan. One performer was Asif Ali Kahn and his qawwali party, as qawwali bands are appropriately known, and his show really struck a chord.

The resulting music - which the artist admits is just a humble experiment galaxies away from the real power of the source material that inspired it - makes up this first album under his own name. The end result is a sympathetically infused album that ably captures the spirit of the revelatory, life changing music that is qawwali, and an entry quite unlike any other in his now vast catalog.

released November 7, 2016

lunes, 2 de mayo de 2022

UNA CONVERSACIÓN CON h a b ø :. "Las contraculturas, lo que se puede ver en las calles físicas o virtuales, son respuestas naturales a la gentrificación, es combatir la sobresaturación de información con conocimiento"



Alberto Carbajal se escuda en el alias de h a b ø para alucinar a la cofradía space-postrocker perucha con discursos donde se congregan Cluster, The Monks, Loop y Suicide, entre otros ilustres de la vanguardia planetaria. Su ruta solista ignició en Setiembre 2019 con un EP, "Habó-A", que obtuvo la atención del reducido grupo de melómanos y conoisseurs del pastel colorista. Algunos años han pasado, encierro y cuarentena incluídos, y encontramos a h a b ø estrenando "[elsilencioeselgrito] (Independiente, 2022)", un registro donde deja palpar el sonido espacial tóxico que le es conocido, sus conflictos y derivas. Con ustedes, fans de Perú Avantgarde, la conversación respectiva con uno de los neo-cadetes del cono norte milenario.


Cuéntanos tus inicios en la música alterna y experimental. ¿Qué discos o bandas te rompieron o abrieron el cerebro?

Comencé a experimentar más cuando me aburrí un poco del clásico formato de banda, ya había tenido experiencia haciendo música en grupo, experimentando en grupo, conflictuándome en grupo; de manera gradual mis ideas de sonido y música fueron cambiando y quería romper un poco con el canon “grupo”, de eso me di cuenta que lo más valioso era la idea del viaje sónico, creo que las personas que me acompañaron en éste proceso pasaron por lo mismo, hicieron sus propios proyectos y evocaron su alma sonora a su propia manera y por sus propios medios. A mediados del 2016 solía juntarme con un amigo guionista en su cuarto al cual nunca llegaba la luz natural, su única ventana estaba taponeada con cartones y maderas, nos juntábamos por horas a lanzar hierba, ver cortos y hacer algo de sonidos; en esa cueva nunca parecía que pasase el tiempo, ni un segundo.

Hicimos un proyecto que duró solo unos meses al cual llamamos Lima 3, básicamente juntamos nuestras inquietudes y compusimos propuestas audiovisuales, nuestras materias primas eran la imagen y el sonido, andábamos demasiado dopados, él portaba una handycam y yo usaba una tarka, a veces una radio y otras veces una guitarra, luego intercambiábamos instrumentos y seguíamos lanzando mientras bombardeábamos nuestro cerebro con imágenes y música, además de que él siempre estaba en la laptop y junto tenía un televisor de 21” que nunca se apagaba sin importar que canal fuese,  quedaron muchas ideas en el aire pero eso me hizo dar cuenta de las capacidades que cada persona tiene desde las ideas y de las alternativas que los diferentes medios nos dan para abrir cada vez más los ojos y la mente; luego de ello armé algunos otros proyectos  más estructurados para ir desestructurándome ya que las personas con las que compartía tenían ideas e iniciativas muy pajas con el sonido, o el video, o el espacio y la ciudad. No creo que lo alternativo o experimental sea algo nuevo, creo que es revelador para quien lo experimenta, podemos aprender del trabajo de gente que ha tomado el mismo camino hace cien años, de hecho nada de lo que hago actualmente pretende ser innovador, solo quiero que salga se arme y se exprese, de alguna forma la música y/o las propuestas sonoras terminan estando por sobre las personas ya que naturalmente son “la cosa”, todo lo demás termina siendo floro.

Podría mencionar a bandas como Les Rallizes Denudes, Suicide, Spacemen 3, jardin, o proyectos sonoros más experimentales como La Monte Young, Minoy, Xenakis entre otros, pero la verdad es que aún sigo descubriendo propuestas bacanes que logran explotar algo en mi mente. Tal vez sería más bacán recomendar algunos buenos álbumes que considero estén en esa categoría de rompementes.

chumlum – Ron Rice & Angus Maclise

journey in satchidananda – Alice Coltrane

cholo – el Polen

featuring the human host and the heavy metal kids – hapshash and the coloured cout

white light, white head – the velvet undergroud

the stooges ’69 – the stooges

playing with fire – spacemen 3

maqui de hierro – jardin

suicide – suicide

exotic – stratis

soul kiss (glide divine) // forever alien – spectrum

prince spagetthi day – Roy G Biv


¿Cuándo decidiste dar el paso de melómano a creador de tu propio universo musical?

Desde muy chico he escuchado mucha música por influencia familiar, había (y hay) lo que te llegaba desde los medios masivos de difusión y lo que te llega por recomendación, recuerdo que en mi casa había un cassette muy viejo de Del Pueblo Del Barrio que me  parecía algo tremendamente loquísimo y distinto a todo lo que se escuchaba a diario, la calidad del sonido de ese cassette era hasta la mierda pero la música era una buena mierda que valía la pena conservar, absorbí mucho esa influencia de mi entorno más cercano que en un inicio estuvo bueno pero luego había que romperse y encontrar más lo mío pero eso dependía de traer abajo barreras e ir matándome a mí mismo, aún creo que lo sigo haciendo, me sigo frustrando, me sigo cuestionando, me doy cuenta que la comodidad es muy boicoteable y condescendiente y que al final termina por perderse en el vacío; ya cuando comencé hacer música en un inicio tocaba la batería pero sin embargo solía componer temas con melodías y letras, porque en mi casa solo tenía una guitarra que es de mi viejo y era lo único que tenía para tocar, a fin de cuentas no me importaba el instrumento que yo tocase solo quería que se haga la música y que al final todos aportasen. Luego de haber pasado por proyectos sonoros en los que pasé de la batería a experimentar con varios instrumentos distintos de los cuales no sabía tocar ninguno, yo ya andaba cansado de depender de la disponibilidad y carácter de las demás personas, así a inicios del 2019 empiezo por aprender a grabar y mezclar en solitario, junté los instrumentos que tenía a la mano entre ellos un teclado casio, mi guitarra y algunas apps me puse a componer y jugar con lo que tenía en la cabeza que no solo era música que me destapaba los sesos hasta ese entonces, sino un poco de todo, algo de la influencia del cine, de la literatura y de las fatalidades de la existencia junto al caos, ese año me fue hasta la mierda, me alejé de muchas personas y me dediqué a absorber y componer, es así como surge mi primer EP con el que inicia h a b ø, un poco de soltar miedos, penas, furias y algo de ternura, cada persona es una mezcla de todo eso en algunos momentos, poco a poco he ido descubriendo que cada instrumento es un universo que de alguna forma revela algo en ti, como si tradujese parte de tu ser en el lenguaje sónico distinto al habla y que de otra manera ni sabrías que está en ti.



En la UNI, donde estudiaste, ¿existían otros melómanos con similares inquietudes?

De hecho sí. Como en muchos otros lugares, te topas con gente muy interesante que parece ni siquiera saber qué hace allí pero de alguna manera reconoces en ellos muchas cualidades muy valiosas, las cuales te influyen para hacer nuevas cosas. En la facultad de  Arquitectura he conocido gente valiosa como también gente de mierda, con algunas de estas personas que he valorado hicimos cosas muy bacanes como algunos eventos contraculturales paralelos a los eventos formales que se hacía en la universidad, con dos amigos de la facultad, hicimos un proyecto sonoro que se llamó cabrosskul, yo sentía que era un desfogue de todo el jodido estrés de ser estudiante, tomábamos espacios de la facu luego de las clases y nos poníamos a sonar con la laptop, las emisoras de radios evangélicas y los gemidos reverberados de mi locazo amigo Franco, a algunos les jodía a otros no les importaba en lo más mínimo, pero eso es irrelevante ya que aprendí mucho en ese tiempo; gracias a un buen amigo, Coco Mori, conocí la capacidad de los celulares como nuevo medio de hacer música experimental, mucho más accesible, fácil y por lo tanto con nuevas posibilidades de experimentar, con ese proyecto aún a veces nos juntamos y a veces salen algunas presentaciones, siempre le andamos cambiando el nombre y nunca sonamos igual, es una propuesta ahí muy amorfa.

¿Cuál es tu equipamiento/set up actual?

Actualmente uso un set up un tanto híbrido, tengo unos teclados electrónicos analógicos como el Casiotone Mt400v, un Yamaha ps30 (que por ahí he visto que lo ha usado Stereolab) y un reciente Casio VL-tone, una maquinita muy simpática; uso unos korg volcas (keys, bass, beat) los cuales voy rotando en cada presentación o producción, una behringer rd6, un arturia microbrute que puede dar sonidos tan suaves y mágicos como tal vez tangerine dream y a la vez sucios y distorsionados como suicide, uso algunas apps de sintes y osciladores desde mi celular, y en el tema de los sampleos lo hago a base de tape loops desde un walkman medio jodido, audios desde el cel y una grabadora digital desde la cual grabo sonidos ambientales como también le agrego sonidos modificados desde la computadora, y todo ello se mezcla en una behringer xenix, solía grabar a través de una deck Akai pero desde hace un año que estoy usando una Tascam multitrack que me parece graba mucho mejor y se puede controlar de manera más detallada lo que hace que pueda experimentar con lo que ya he grabado, de esa forma me separo de la PC o la laptop al momento de hacer música y me concentro en las máquinas como una extensión de mi cuerpo-mente. De lejos veo un algoritmo vivo que casi puede respirar y termina por verme con todas esas luces encendidas y parpadeantes.

¿Cómo procedes para componer tus tracks?¿Cuándo decides si un tema está terminado o no?

Muchos de los últimos tracks que he publicado han sido verdaderas espontaneidades del momento, se grabaron en una sola toma y así quedaron, nunca más las he vuelto a repetir, en otros casos he ido construyendo desde un sonido muy primitivo, luego al volverlo  escuchar o tocar se me ocurren ideas nuevas y van tomando forma, creo que es un proceso muy orgánico, es como esculpir con el sonido, el silencio y el tiempo, eso último depende mucho de mis estados de ánimo y del espacio donde este; también que la creación sonora representa un momento en tu vida por lo que te vas haciendo a ti mismo y de igual forma te vas dejando, como esa idea de que al ver las estrellas estás viendo el pasado.

¿Por qué h a b ø?

Resultó de no complicarme tanto con los significados y pensar un poco más en la fonética, solo pensé en como sonaba y me agradaba, era la manera de armar la máscara sónica de quien controla los medios sonoros, algunas personas me han contado sus teorías y  suposiciones de lo que pensaban, pero nada más que el forma antes que el fondo.

¿Cómo conoces a gente de la zona como Drixner o Walter de Les Replicants?

Desde adolescente he conocido gente que se ha involucrado en la música, a Walter lo conozco de esa época, tiempo después, cuando habíamos entrado cada uno a sus respectivas universidades, después de recluirnos cual ratas de biblioteca, formamos una banda de psicodelia que duró alrededor de 3 años, luego de ello cada uno siguió su camino y sus proyectos, durante ese lapso de tiempo también conocí a DRX por intermedio de otro locazo amigo músico Xavier alias Los Incaroca; maso menos todos teníamos inquietudes muy similares, hacer y deshacer con la música pero creo que la  música fue la que nos hizo y deshizo.

¿Qué opinión o reacción te merece el proceso de gentrificación de la cultura y la música que se vive desde un buen tiempo ha?

Creo que es parte de este gran apetito que tiene el sistema por mantenerse vivo dentro de nuestros modos de vida y de nuestra memoria colectiva, una forma más de maquillar un poco la miseria y dejar atrás lo que verdaderamente es urgente y necesario valorar y  recuperar de las expresiones culturales de un lugar, de una movida, de una corriente; la gentrificación es básicamente una bandera política de compra y venta de lo que puede verse “cool”, es el consumismo de la cultura desde esta perspectiva elitizada del arte, la  música o la arquitectura, lo que te vende es un posicionamiento intelectual de gustos y un confort falso a través de este turismo de “experiencia cultural”, pero no es más que un sedante, un soma extraído de algo más profundo y real que a su vez pretende ser  desplazado e invisibilizado, lo podemos ver en nuestras políticas de turismo, en algunos festivales de música o varios de estos lugares con marca Perú. Desde el campo de la arquitectura, la gentrificación es muy criticada pero casi nada contrarrestada, de hecho en la práctica es muy incentivada porque el oficio termina por limitarse a ejecutar políticas privadas de consumo y no en ser parte de la gesta cultural, o a su vez se ejecuta desde una etiqueta de profesionalismo un tanto mezquino que trata de llegar con colonialismo intelectual a diferentes espacios y comunidades para que de esa manera se imponga dentro de la cultura normalizada, pero ¿a costa de qué? Creo que las contraculturas son respuestas naturales a ésta bandera política, lo que se puede ver en las calles tanto físicas como virtuales, son estas iniciativas propias y rupturistas que de cierta manera son heredadas de corrientes pasadas, al final es un poco de combatir la sobresaturación de la información con conocimiento, la información es, en nuestros días, la principal materia prima de toda la máquina.

¿Spacemen 3 o Loop?

Las dos bandas me vacilan harto, de hecho el fade out de loop es un discazo, tremendo tripsazo psicodélico; con los discos de los spacemen he ido mutando en la escucha y es que desde el sound of confusion al dreamweapon hay todo un proceso de cambios en su  manera de hacer música y de sonar, en general me han ayudado a explotar pequeños sentidos sónicos-cósmicos en mi mente. Ambas bandas son influencia en ésta búsqueda de sonidos desde ese lado más salvaje e hipnotizante.

Además de la música, ¿qué otras actividades realizas?

Estudié Arquitectura en la universidad, me dedico al diseño y estudio de espacios arquitectónicos que son básicamente otra manera de extender nuestro cuerpo y mente, además hago algo de diseño gráfico e intentos de videoarte, quisiera tener más tiempo para explorar más esos campos de la mente y desarrollar un poco más la técnica pero la verdad es que a veces ando medio volado y distraído con nimiedades. Tmr.

Planes futuros y palabras finales.

Seguir tocando, seguir produciendo y seguir viviendo hasta donde tenga que llegar, que los proyectos sigan surgiendo y que éstos medios que registran y difunden como tu plataforma sigan apostando por andar en pie y jugársela por que se siga haciendo esto por éstos lares. Gracias Wilder.





Formulario de contacto

Nombre

Correo electrónico *

Mensaje *

SUPPORT PERU AVANTGARDE////APOYA LA AVANZADA PERUVIANA

barbarismos

ANTHOLOGY OF EXPERIMENTAL MUSIC FROM PERU

rojo 2

SUPERSPACE RECORDS RADIO 24/7 >>> CLICK ON THE LOGO

perú post indie

Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños.
Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo...
Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?


FRED ROHNER
Historia Secreta del Perú 2

as it is when it was

sonido es sonido

sonido es sonido

)))))))))))))))))))))))))))))))

lefty

lefty
¡Feliz Año Nuevo 2022!, les desean Slavoj Zizek y el lumpemproletariado de San Marcos. 😃 ¡POR EL REGRESO DE LA FILOSOFÍA A LOS COLEGIOS!

nogzales der wil

EL LENGUAJE: UN DISCURSO SIN CANCIÓN.

No queremos sus diccionarios, o su dicción, llenos de palabras que oprimen, que humillan y controlan. Ellos usan esas palabras para proteger a los suyos, siendo su jerga un código morse secreto cuyo objetivo es conservar su privilegio y poder social. De modo que para poder comprender la sociedad, debemos comprender sus ingredientes, las habilidades y los métodos de las personas que se comunican mediante el lenguaje tan solo para controlar y confundir. Para ser incluso capaces de soñar con cambiar la sociedad y el tenaz agarre de estas personas, debemos cambiar el lenguaje, sus formas y patrones. Quiébralo, mézclalo, ve qué es lo que realmente hace, lo que realmente dice, exponlo, revela su fortaleza, su debilidad. Las personas no pueden vivir con un lenguaje de lo correcto y lo incorrecto, lo negro y lo blanco, o esto o lo otro. No refleja la realidad, o la vida,o cómo cada uno de nosotros realmente siente y piensa día a día. Hoy en día el lenguaje está diseñado para acabar en conflicto, y en este momento aquellos que controlan el lenguaje intervienen como expertos y nos controlan. El lenguaje tiene que ser común a todos y para ello este lenguaje debe ser replanteado. La cultura tiene que mostrarles técnicas a las personas para derrumbar la lógica aparente del lenguaje que sigue una línea hacia una conclusión, y desarrollar formas que reflejen las infinitas respuestas y posibilidades paralelas, un caleidoscopio sin conclusiones ni puntos fijos que, por lo tanto, describa con mucha mayor precisión cómo se siente la vida y cuán incierto puede sentirse cada momento de la vida, cuán poco realmente se puede planificar, o con cuán poco se puede contar. Luchamos unos contra otros con intensidad paranoica en lugar de estar haciéndolo contra los despreciables señores feudales que se reúnen, petulantes, en ese edificio junto al agua. No es de extrañar que piensen que somos escoria patética, peleando contra lo que es más fácil y está más cerca de nosotros, contra nosotros en lugar de contra ellos. El edificio que ocupan para simbolizar su libertad podría fácilmente convertirse en su prisión. La mejor arma, la mejor defensa es aquella que toma la propia energía de tus atacantes y la vuelve contra ellos. El lenguaje puede volver a ser ensamblado todos los días de una manera diferente para ayudar a liberarnos. Nuestras pequeñas jaulas concretas pueden ser nuestros palacios, y sus palacios pueden ser sus jaulas. KALI 5 Y GENESIS BREYER P-ORRIDGE, LONDRES, 23 DE SEPTIEMBRE, 1987