UNA CONVERSACIÓN CON TOM LUGO (STELLARSCOPE/PANOPHONIC/HELIOCENTRIC OVERDRIVE/MAYU/CIELO OCEANO) :. Para mí no hay nada como la emoción de tocar en vivo. Me enorgullezco de poner el 100 % ya sea que toque para miles de personas o solo para el cantinero, el técnico de sonido y el portero

La movida latinoamerica del shoegaze dream pop tiene en personajes como Tom Lugo (Stellarscope/Panophonic/Heliocentric Overdrive/MAYU/ Cielo Oceano/Patetico Recordings/Popnoise Festival) precursores que han estado ahí desde el inicio, en lugares tan impensables para la escena global como Perú o, como es el caso de Tom, Puerto Rico. Le recuerdo de los días del myspace cuando movía Panophonic y Stellarscope o cuando participaba en los compilados y tributos del legendario blog brasileño Shoegazer Alive. Su versión de "Primal" (Slowdive) de la mano de Panophonic es un hito. Empezó con Stellarscope hacia fines de los 90. Desde entonces ha conocido alturas y simas, ha producido discos en onda post-punk y shoegazer electrosónico además de haber compartido escenario con estrellas del porte de A Place To Bury Strangers, Ceremony, The Veldt y Airiel. Lo que se dice un artista vital para la tribu shoegazera latinoamericana. Hoy en Perú Avantgarde conversamos con Tom Lugo sobre su carrera y vida.

¿Qué fue primero Panophonic o Stellarscope?

Primero fue Stellarscope. El baterista Bob Forman y yo comenzamos la banda en 1998, bajo el nombre de "The Flow". Tuvimos la oportunidad de presentarnos en algunos lugares legendarios como CBGBs, Brownies (NYC), The Khyber Pass, etc. Cambiamos nuestro nombre a Stellarscope en el año 2000 y el estilo de música a un sonido más post punk, rock alternativo pero con las guitarras sónicas de nuestra epoca de shoegaze.

Empecé Panophonic en 2002 para producir más música electrónica orientada al shoegaze, dreampop y al indie rock.

De tu amplia carrera, ¿cuál (o cuáles) es/son los discos que recuerdas con mayor cariño y aprecio al día de hoy?

Intentaré ser breve, ya que hay una discografía tan extensa que abarca más de 20 años que es difícil elegir solo una. "Right Here", porque fue la primera grabación de Stellarscope como banda. "Fingerpaint the color of sound" de 2003, llegó a la escena underground y nos abrió las puertas de la oportunidad. 2017, "Standing In The Shadow Of Your Ghost", fue oscuro, transitorio y emotivo a nivel personal. "From The Ashes" - 2022, una compilación de canciones que estábamos trabajando antes de que un incendio catastrófico quemara nuestro estudio de grabación en 2020 durante la pandemia.

Con Panophonic diría, que Crónicas Del Silencio - 2004 porque fue un experimento expansivo en sonido para mí como productor. Después De La Tormenta Electrica - 2006, otra época de cambios transforman la música. One Full Manic Episode - 2007, sonido de post punk de los 80s pero mucha agresividad. Endlessly - 2018, otra época de cambios en vida me traen a mis raíces sónicas. Awakening - 2021, porque el sonido es más maduro y con más espacio. 

¿Cómo es la escena indie en Puerto Rico?

La escena de Puerto Rico siempre ha sido una de colaboración y apoyo mutuo. 

Aunque hay divisiones en cualquier escena, la gran mayoría de las bandas tienden a ayudarse mutuamente. Los espectáculos son eclécticos, brindan una experiencia diversa a la audiencia y brindan a los fanáticos la oportunidad de aprender sobre otras bandas. 

Sin embargo, después de que 3 huracanes hayan devastado la isla, un terremoto que debilitó la infraestructura, y la pandemia, la escena ha estado luchando para levantarse. Muy similar a lo que está pasando con las escenas independientes de todo el mundo. Una cosa que tengo que decir sobre las escenas DIY/Indie es que siempre hemos encontrado formas de recuperarnos y hacer lo que disfrutamos, que es tocar en vivo, la solidaridad y hacer música.

Coméntanos de tus conciertos, ¿cómo les ha recibido el público, con qué otros grupos han compartido escenario, en qué escena se mueven?

Para mí no hay nada como la emoción de tocar música en vivo, sentir la energía del público en respuesta al asalto audiovisual. Me enorgullezco de poner el 100 por ciento en cada presentación, ya sea que toque para miles de personas o solo para el cantinero, el técnico de sonido y el portero (muchos saben de lo que estoy hablando. Jajaja). Quiero que mis presentaciones sean recordadas por la energía, la pasión y la entrega en el escenario. 

Como soy curador de shows, giras y festivales, bajo el nombre de Popnoise Festival, he tenido la oportunidad de trabajar con muchas bandas talentosas en muchos géneros pero mi red está en el post punk, shoegaze, dreampop, indie rock, mundo pop independiente. He tenido la oportunidad de presentar y compartir escenario con bandas como A Place To Bury Strangers, Ceremony, The Veldt, Airiel, Un.Real, Dead Leaf Echo, Soundpool, Suzy Blu, Resplandor, Malory, Brasilia, Lockgroove, Sciflyer, Highspire, Sueño con belugas y más. Junto a DJs como DJ Scary Lady Sarah, Philly Peroxide, Ryan Skyward (Project Skyward) y DJ Echo.

Notamos harta filiación post-punk en Stellarscope, y más shoegaze y electrónica por el lado de Panophonic. ¿Qué discos y artistas te han influenciado?

En los primeros años, Stellarscope se inclinó más hacia el shoegaze y el brit-pop, pero con un tinte grunge. A medida que crecimos como banda, nuestro sonido progresó hasta convertirse en una especie de mezcla de post punk, rock clásico y alternativa de los 90 con un enfoque moderno.

La idea detrás de Panophonic siempre ha sido la fusión de guitarras trascendentes con un sonido dreampop, ambient y shoegaze que se mezcla con composición de canciones pop, sonidos electrónicos y ritmos de batería que van desde el hip hop hasta el drum n bass. Intento fusionar elementos del tipo de música que me gusta escuchar, que cubre un amplio espectro de géneros globales.

¿Cómo es la vida de un ciudadano puertoriqueño en Norteamérica? Además de la música, ¿qué otras actividades concitan tu interés?

Mi experiencia personal viviendo en los Estados Unidos, como puertorriqueño y latinoamericano, puede no reflejar la experiencia de otras personas y nuestra cultura en este país. A pesar de que existen oportunidades para los latinoamericanos en los Estados Unidos, todavía hay discriminación, racismo y prejuicios que combatir y vivir. La vida es muy dura para muchos que viven esa experiencia mientras mantienen sus esperanzas y trabajan por una vida mejor para ellos y sus seres queridos.

Yo he sido afortunado en poder tener éxitos en una variedad de aspectos de la vida aprovechando las oportunidades disponibles para mí. Soy un profesional exitoso que trabaja en el mundo corporativo, todo mientras dirijo un sello discográfico, toco en vivo en bandas, creo y colaboro musicalmente con varios músicos a través del mundo, comisario de espectáculos, etc. Además de ser un artista marcial de renombre mundial que enseña en un centro comunitario varios días a la semana. En cuanto a otras pasiones, soy un ávido entusiasta de la bicicleta de montaña cuesta abajo y en invierno me encontrarás practicando snowboard en las montañas. Todo esto mientras paso tiempo con las personas que amo y son importantes en mi vida.

¿Por dónde crees que se definirá el futuro de la música en términos generales?

Siempre se hará música que sea homogénea a un género o estilo, pero si los últimos 20-30 años son indicativos de lo que depara el futuro, diría que es fusión.

Hay tantos géneros diferentes que se mezclan en este momento. Agregue a esto la aparición de la inteligencia artificial en la creación de música, y se allanará el camino para que todo suene igual. Pero siempre habrá renegados que quieran romper las reglas y darnos algo diferente en cuanto a música y sonido. Algunos pueden no serlo, pero estoy emocionado de ver lo que depara el futuro.

Planes futuros.

Recientemente formé una nueva banda bajo el nombre de Heliocentric Overdrive. Estamos trabajando en nueva música en la vena indiepop pero con guitarras sónicas masivas. También comenzaremos a reservar shows en vivo y presentaciones para este año. Estoy muy emocionada con este nuevo capítulo como artista, no veo la hora de poder interpretar esta música en vivo para las masas.

También se lanzarán algunos sencillos nuevos con MAYU, un proyecto de colaboración con los puertoriqueños Gardy Pérez de Un.Real y Héctor Caolo de Sueño con Belugas. También se lanzará nueva música con Cielo Océano, una colaboración con el puertoriqueño Andrés Lugo (Los dientes hundidos en la garganta).

Mil gracias por la entrevista Tom. Saludos etéreos desde el cono norte de Lima.

De nada, pero el placer es todo mío. Has apoyado mi arte durante muchos años y, aunque nunca hemos tenido la oportunidad de conocerte en persona, te considero parte del círculo de amigos de la escena global. Deseándote nada más que lo mejor siempre mi amigo. Abrazos.

A quienes se han tomado el tiempo de leer esta entrevista, deseo que la luz de la música ilumine su mente y eleve su estado de conciencia. ¡Muchas bendiciones y éxitos para todos!

S H O C K💠 ALEMANIA PUNKERIZADA

 🧿ALEMANIA EN SU PUNKERIZADA ÓRBITA DURANTE LA DÉCADA DE 1980.

LA GRAN REVOLUCIÓN Y EXPLOSIÓN PUNK DE FINALES DE LA DÉCADA DE 1970 CON THE RAMONES (USA), SEX  PISTOLS Y THE CLASH (UK), CAMBIÓ TODO ESE ESTADO ESTÁTICO DEL ROCK, COMO DESPUÉS PASARÍA EN OTROS PAÍSES DENTRO DE SUS GRANDES Y PEQUEÑAS URBES EN EL PLANETA. ESTE ES UN REPASO A LO QUE SE VIVIÓ EN ALEMANIA DESDE SUS INICIOS Y ES OTRA CÁPSULA EN EL TIEMPO.

             

                                                          X:HELENE RAMOS

En la Alemania de finales de la década de 1970, las grabaciones de bandas como THE RAMONES, THE SEX PISTOLS,THE CLASH... se distribuían en secreto vía cassettes entre amigos que viajaban e iban y venían con muchas de las novedades -y desde el Reino Unido sobre todo. 

Especialmente en la RDA era difícil conseguir el punk rock rebelde en cassettes grabados, después de todo, el país mismo estaba en una crisis política y social. Debido a la división de la República Federal en RFA y RDA, el país alcanzó ribetes de odio para muchos jóvenes en el país de la noche a la mañana. 

Tanto en EE.UU, y en  el Reino Unido, los jóvenes buscaban muchas salidas como soluciones para enfrentarse al Establishment. Fue así como el floreciente movimiento punk que llegaba al país desde el extranjero y del Reino Unido apareció en el momento preciso. Todas las bandas de punk alemanas que aparecieron desde finales de la década de 1970 sonaban como sus modelos a seguir: THE SEX PISTOLS.

Sólo unos pocos grupos lograron consolidarse y polarizarse a la vez. Probablemente la figura más conocida de la escena punk alemana es NINA HAGEN (actuando hasta el presente), alcanzó la atención internacional antes del lanzamiento de su álbum debut como THE NINA HAGEN BAND. Su biografía data que grabó junto a otras bandas previamente: FRITZENS DAMPFER BAND y AUTOMOBIL. Su mayor valor fue mezclar genialmente, el DIY del punk con el virtuosismo de su voz (soprano), y la estética hortera con una capacidad de alto alcance e inigualable.

*Aún en mi memoria la magnífica presentación de Nina Hagen en Rock🎸 in Rio '85, como también cada emisión de su música x la mítica Súper FM.

Al igual como sucedió en el Reino Unido, Alemania superó rápidamente al punk y se multiplicó en creaciones del género cada vez más nuevos. Si bien muchas bandas de punk dimitieron, la escena de la música electrónica alemana creció de manera constante.

En esa época, el estilo techno sentó sus bases en lo que llegó a poder consolidarse en la década de 1990, especialmente en los eventos anuales del "Love Parade".

X otro lado, iba tomando vida la Neue Deutsche Welle. Bandas de habla alemana como TRIO, FEHLFAREN e IDEAL estaban influenciadas x el punk, pero eran más compatibles con las masas y, x lo tanto, muchísimo más exitosas. El acto TRIO se escuchó en más de una emisora en Lima/Perú lo que puede resultar extraño. Igualmente NENA (que en Alemania lo pronuncian Nina).

*TRIO sonó insospechadanente  x varias emisoras de Lima/Perú.

A pesar de todo el éxito de la NDW, el indie rock y el punk de muchos combos alemanes estaban lejos de estar desfallecidos, sino que sólo dormían muy plácidamente en un segundo plano, esperando una segunda oportunidad. Alrededor de la época en que la banda  NENA era probablemente la más exitosa en el mercado mundial, se fueron formando las bandas ZK y SOILEN GRÜN, bandas precursoras de los actos conocidos después como DIE TOTEN HOSEN (los entrevisté para medios escritos y para radio) y DIE ÄRZTE.

*NENA - sigue activa esta banda con Gabriele Susanne Kerner aún al frente y que inicia gira europea en mayo 2023.

*DIE TOTEN HOSEN- entrevisté a la banda y persiste inolvidable aún en mi mente esa entrevista x la simplicidad de todos los integrantes.

*DIE ÄRZTE - Continuos artículos con esta banda aparecían siempre en la revista BRAVO.

🧿1990: INDIE ROCK EN ALEMANIA

Con la reunificación alemana, las bandas de la Alemania Oriental en particular lograron trabajar en su popularidad. Después de todo, era difícil para los actos de habla alemana de la RDA llegar a una audiencia mayor de la que les habían permitido sus fronteras nacionales e incluso si tenían textos en idioma inglés en su repertorio. Sin embargo, con la caída del Muro de Berlín, esto llegó a su fin.

En el transcurso de la década de 1990, las antiguas bandas punk celebraron un auténtico renacimiento. Neo bandas como WIZO, TERROR GRUPPE o DIE KASSIERER... encontraron también su lugar dentro de la escena punk. Algunas otras bandas que también circularon: MUFF POTTER, SEROTT BORDER, TOCOTRONIC, DIE STERNE y GOLDENEN LEMONS, SOHLENT GRÜN... han sido de igual forma parte de la historia. En estas compilaciones hallarán también a otras bandas las cuales se pueden dar una idea más amplia del movimiento que se creó:

VA 80'S GERMAN PUNK VOLUME 1/ VOLUME 2. A darle play

🧿INDIE ROCK GÉNEROS Y SUBGÉNEROS 

El deseo de individualidad y asociación está profundamente asociado en cada ser humano. Muchos quieren sentir que pertenecen, algunos otros o muchos quieren ser parte de algo. No interesa cuán grande o pequeña sea esta parte. Sucedía ya con la música de la saga de 1960 y más aún con el movimiento punk de finales de la década de 1970 e inicios de la década ochentera. Con el sold-out del punk- rock, cada artista interpretó lo que entendió x rock independiente. Algunos se concentraron en el post-punk, mientras que otros se asentaron en el garage-rock. El rock alternativo se mantiene como término genérico para el indie-rock (aunque hoy en día avasallando espacios hacia el nuevo mainstream): resume mucho mejor lo que la música trata de expresar, una alternativa a la corriente principal. Como resultado, hay una poderosa avalancha de diferentes subgéneros de indie rock. En la actualidad existen cientos de géneros y subgéneros tal cual los presenté y explique al aire x radio y medios escritos desde la asonada punk hasta lo actual vía mis columnas x este blog◾STOP!

💠Fotos: Neon Post-Art

© Helene Ramos.

Situsampling y guerrilla electrónica

La música es un acto de resistencia. "Acto de resistencia ¿contra  qué? No es el acto de resistencia abstracto, es acto de resistencia y de lucha activa contra la repartición de lo sagrado y lo profano. Y este acto de resistencia en la música culmina con un grito".

¿Qué es hoy este grito? Parece perdido en el latido de las máquinas asépticas y en el espacio demasiado liso de los agenciamientos digitales. ¿Podría ser el incidente a través del cual Oval nos dice que lo humano se hace oír en y a pesar del programa de la máquina? ¿Sería el click & cut un ying dentro del yang? "El click es onomatopéyico y por tanto transportable a través de los lenguajes; es una metáfora y una metonimia al mismo tiempo, una aproximación tomada de un no sonido que habita en algo mayor. Unid los puntos, ¿y qué obtenéis? Un nuevo puntillismo, una red internacional, un vínculo que se extiende entre los artistas, todos a la caza de distintos objetivos, distintas intenciones y distintas finalidades. El click es eI concentrador [hub] en el centro de estos distintos nodos (aunque sea artificial, el click como afecto). El propio click -como este click de click- es un accidente, una colisión accidental de estilos y de intenciones, el ruido atraído por el ruido y lo estático persiguiendo a lo estático». El click como incidente-segmento, el click como síntoma de la má-quina, el click clínico plástico (Carsten Nicolai/alva noto), el click rítmico (Pan sonic), el click metadub (Frank Bretschneider/Komet), el click reportero (Random Inc)..., el click es un «balbuceo» que impide girar a la máquina y convierte sus patologías en una sintaxis.

El "noise" sería otro tipo de grito, a la vez cercano a la fundación (el caos) y al fin (el vacío que es también una matriz de la que puede emerger otro grito). Tras el ruido blanco, el punto de no retorno para la escucha (y por tanto la libertad de selección) definitivamente aniquilada. El punto álgido de un concierto de Merzbow ya no es la superposición de estratos abrasivos, de frecuencias penetrantes y de decibelios cada vez más altos, sino el silencio salvador. ¡Habría pues que dejarse romper el oído para tener derecho a oír el vacío! El enfoque de Merzbow y de sus vanguardias ruidistas usa esta paradoja con toda honestidad, puesto que el oyente sabe lo que le espera y continúa pidiéndolo masoquistamente.

"Naturalmente" integrado en el proceso de la composición musical, el sampling ha perdido hoy su efecto de sorpresa inicial; se disuelve en el tejido sonoro en el que ya no distinguimos la aportación potencialmente metamorfoseable de un original que a su vez bebe de la historia de los sonidos (como los nuevos teclados que restituyen el sonido de los viejos sintetizadores analógicos a la vez que los hacen modificables por medio de softwares). Pero sigue habiendo un metaagenciamiento en el que cabe tanto un enfoque cinematográfico como una visión cultural, arquitectónica o materialista. puede ser también una forma de desviación postsituacionista que, si bien su uso se ha banalizado en los últimos años, se revela, en agenciamientos voluntariamente más explícitos (y, paradójicamánte, aún más "descaradamente" irrespetuosos de los derechos de la fuente), como un instrumento todavía eficaz contra la sociedad de control. El sampling juega con el tiempo, el del "nacimiento", de la fuente original que reintroduce en otro, el de la composición. El sampling es un «repliegue» de la memoria, un arte de la memoria aislada y luego desterritorializada, reterritorializada y reinventada. "La tecnología es al mismo tiempo el lugar y la metamorfosis de la composición. El trabajo existe a la vez en el interior de 1os datos y en la materia externa, por las referencias, intencionadas o accidentales, a las intenciones y a las grabaciones originales. La interacción de las texturas, del carácter del sonido, del timbre, así como su historia, su vida interna, su modo de creación y la manera en que se vinculan a nuestro condicionamiento, crean la obra como una relación siempre cambiante entre el creador y el oyenter". El "sampling composer" es el que agencia estos parámetros, de manera cinemática (se habla de "cine para los oídos") y los transforma partiendo de su posición de oyente selectivo y de su conciencia audio. "Para mí, el sampling está menos relacionado con la recopilación de e1ementos y la elaboración de un collage. Tiene que ver más con el pasaje tamizado [...] es un procedimiento de toma de conciencia -como si el sampler ideal fuese un estado de ánimo, más allá de los botones 'guardar' y 'modificar'" ¿O sería, en el caso de otros piratas electrónicos, la conciencia que utilizaría iconos músico-históricos para denunciar mejor e1 sistema que los ha difundido? Predicando el "fair use copyrighf" los activistas californianos de Negativland produjeron en 1991 un disco titulado U2 en el que aparecen 35 segundos de I still haven't found what I'm loohing for, lo que les conllevó demandas judiciales por parte de la discográfica del grupo Island. El compositor canadiense Bob Ostertag hace cohabitar en sus "Plunderphonics", breves fragmentos de la historia del pop rock (de Chuck convertido en «Buck» Berry a Jim Morrisson rebautizado "Jim Moron", pasando por Dolly Parton o "Dally Proton").

Entre estos dos enfoques de reapropiaciones descaradas, ha habido, más allá de diferencias de objetivos y de ideologías, cierta puesta en escena que apuesta por el distanciamiento del pirateo-collage para denunciar la industrialización de la música y sus modos de producción, de difusión y de recepción. Revelando claramente su víctima, en este caso el grupo Van Halen, cuyas  entrevistas y actuaciones en directo son las fuentes principales del disco My love is rotten to the core, Tim Hecker enturbia sutilmente las pistas dejando emerger las fuentes originales solo fugitivamente reconocibles en largos fondos lisos ambientales.

A partir de reportajes implicados en la causa de los desamparados y de las minorías a quienes dan voz, el combo radio-perfo-político Ultra-Red sondea el espacio acústico-urbano y revela las fracturas socioeconómicas de la era global producto de sus "ajustes estructurales", las "imágenes" puras luego recicladas se pierden en un halo electrónico como para desembocar definitivamente en el olvido. Otra singularidad de la multitud de músicos nómadas que destacó por el discurso referente a sus performances y sus grabaciones es Terre Thaemlitz, que lanzó la serie Queer_Media con Mille Plateaux. En uno de los volúmenes, I NT ERST I CES, Terre Thaemlitz se insinúa entre las melodías de los géneros populares de la cultura de masas. Estos "frames" son además pasajes entre los "files" del reagenciador, en los que el oyente puede experimentar simultáneamente la espera y el movimiento (varias piezas se titulan "entre la acción y el duelo"). A menudo estamos cerca de una forma de "muzak" (Thaemlitz habla de "posmúsica") fragmentada, des- y re-territorialízada -un territorio urbano, funcional, que podría encontrarse fisicamente en todas partes y en ninguna pero que sin embargo se graba en un lugar de nuestra memoria en movimiento. En sus notas, el artista precisa: "Mi atracción por el proceso intersticial va de la mano de mi insatisfacción y mi recelo hacia conclusiones que serían algo más que momentos de demarcación; la mejor manera de tratar la identidad es considerarla como una estrategia de transformación, más que como un punto de llegada de las verdades esenciales". Del mismo modo, para el autor de Couture_Cosmétique (Caipirinha, 1997) y de Second Nature (Mille  Plateaux, 1999), el transgénero es una forma de "reapropiación y de recontextualización culturales". El sampling, práctica sonora transgénero. Es aquí, en las extensiones, los intersticios y la libertad de re-agenciamiento donde se revela la fuerza de resistencia de estos piratas nómadas contra la "forma-Estado" de las músicas del control.

PHILIPPE FRANCK
"Deleuze Rhyzomix 95-05"
Extraído de MIL MESETAS (2022)

UNA CONVERSACIÓN CON KYLERAN/SUBTONIQ :. El inicio y fin de la cultura electrónica en Lima fue el 2000-2001, todo lo que se hizo antes se ignoró y vinieron algunos oportunistas y mercaderes de fiestas que solo estafaban gente.

Javier Fernández aka Kyleran aka Subtoniq es un músico de culto en la escena avantgarde. Empezó en los 90 haciendo trip hop, break beat, detroit techno. Todo a contracorriente de una movida donde los electrónicos locales andaban engolosinados con refritos tipo Depeche u OMD. Lo recuerdo en la Universidad llegando desde su facultad para compartir sobre discos y descubrimientos. Hacia fines de milenio publicó un espectacular demo tape "Habitat" (NDR Reproducciones, 1999), rompedor por donde se le mire, además de participar en los compilatorios "Electroshock" organizados por el recordado Leo Bacteria. Intermitentemente ha estado activo desde entonces. Hace varias lunas publicó "Amarillo EP" (Superspace Records, 2016), un capítulo de techno celeste en clave trip-hop que te dejará ansiando por más. De su historia y lo que se fragua en la mente de uno de los innovadores salidos de estas tierras, habla el propio Kyleran aka Subtoniq aka Javier Fernández. ¡Larga vida a los 90 por siempre escucharán!

Cuéntanos plis cómo fueron tus inicios en la música alterna, ¿qué escuchabas en casa o en el cole?

El primer LP que tengo memoria haber recibido de regalo fue el Standing on a Beach de The Cure, luego de un año de ese regalo salía el doble LP Kiss me kiss me kiss me, la new wave y la psicodelia llegaba por ahí. Unos  años más adelante ya salido del colegio llegaban las revistas Future Music con CDs de tracks experimentales, techno y drum n bass, y con ello todo el tema de 'Hazlo Tu mismo' junto con el inicio del boom de la internet, los samples, y el universo de los trackers.

Al principio era algo distinto tuve que hacer todo por mí mismo. En un momento estuve trabajando para una empresa que tenía unas impresoras de color muy grandes, entonces llevé mis diseños para hacer la escenografía de la tocada que íbamos a hacer en el más allá luego. Entre otras cosas no sé cómo hice para imprimir esas tremendas gigantografías bueno parece que al menos pasaron así que solamente los enrolle y los llevé también había preparado mi computadora desde entonces que era una 486 y una tarjeta de sonido y le había puesto todos mis tracks eh para tocar en vivo creo que era la primera persona que usaba una computadora para picar música digital de hecho en ese evento nos fue muy bien y fue un evento creo que marcó un hito o una tracción delante, de un control la cultura y música electrónica. La gente comenzó a bailar disfrutaron rayarse realmente y creo que varias personas que asistieron a ese evento luego comenzaron a hacer música electrónica también por sí mismos.

¿Cuál fue el disco de música electrónica que te voló el cerebro? O quizás fueron varios.

Tengo un gusto particular por el álbum City Delirious de Lionrock, Surrender de Chemical Brothers y Beaucoup Fish y más albums de Underworld y luego está el Pro-Gen y Boss Drum de The Shamen y N-joi. Electronic de Sumner y Marr, Technique de New Order,  The White Room de KLF y también por el lado industrial de antaño That Total Age de Nitzer Ebb, Front Line Assembly y Official Versión de Front 242. Del lado synth pop melódico todos los Cause & Effect, PSB y VHRR de hoy. Drum n bass, muchos, Chase & Status, Apollo440, Adam F, Dj Stanza. Techno: El disco Advance de Stryke con Adam Beyer, Chris Liebling entre otros. Por último soy fan de the Charlatans y de las mezclas que hicieron con los Chemical Brothers.

Eres de los primeros en hacer techno real, no synth pop, en Perú ya en los 90. Háblanos de tus jornadas y vivencias esos años. 

Yo veía y escuchaba que lo que se hacía en Lima obedecía a una lírica y tema muy ligada a los que era lo que hacían los Depeche Mode. No soy fan de DM, los escucho, me entretenian y hasta bailaba pero llegó a ser mucho refrito. Cuando empecé en serio a componer me colgaba de lo que venía por internet, de los trackers y cómo tú podías ver, e interpretar como está construido un tema. Era revolucionario. No solamente eras un ente receptor sino que también podías construir tu propio camino y universo musical. En esa época (1997) le puse una tarjeta de sonido a mi PC y cambió todo. El audio, las ondas, los LFO, la jerga musical, era aprender un lenguaje nuevo. Por supuesto tenía que hacer algo nuevo, uno de mis temas en la maqueta 'Habitat' se preguntaba: 'Donde hay un dj', en Lima pasó de largo todo lo que se tocaba hasta que recién despertó la cultura electrónica en el 2000-2001. Para mí eso fue como el inicio y el fin, por un lado se hacía presente y la cultura iba creciendo pero por otro lado habían algunos oportunistas y mercaderes de fiestas que solo estafaban a la gente.

Esporádicamente vas soltando tracks y eps en bandcamp o en otros sellos. Después de ese hito que fue "Habitat", tu cassette de 1999, ¿dirías que no has sentido la urgencia de construir una discografía como lo haría cualquier proyecto o banda?

Tengo un disco 'Geometric' que lo colgué hace mucho tiempo en la red en LiveFM music pero desapareció. Cuando quise hacer unas copias en CD de este le di la plata a Leo Bacteria pero se la chupó. Ahora me río, pero junto con esta entrevista estoy reeditando online luego de 20 años el Geometric' y la verdad que no le ha pasado mucho el tiempo. 

¿Qué estás escuchando por estos días?

En estos días estoy escuchando producciones un poco más pop, uno de los temas que me gustaron en el 2022 fue 'You' de Dj Regard. Es una canción pop perfecta, con interpretación, letra sonido y dramatización que transmite una construcción de una emoción intencional muy actual y vigente. 'Bitterness and frustration' como diria Bernard Sumner sobre sus canciones.

Vives en Canadá desde hace varios años. ¿Cómo es la escena que has podido conocer por allá?

Vivo en Canadá desde el 2017, y en realidad mi vida musical corre paralela a mi vida profesional como programador técnico de sistemas de inteligencia de negocios. Manejo cubos de información con dimensiones, cuentas y jerarquías de productos. Esto último es lo que gracias a Dios provee de varias oportunidades a mí y a mi familia, incluyendo la de emigrar. Nada es fácil porsiaca, tuve que pulir el inglés y sacar mil certificaciones para especializarme. Pero lo real es que la tecnología es similar en cuanto uno y otro. La música también es tecnología y también tiene su matemática y sistema. Subconscientemente una habilidad sostiene la otra y viceversa.

En cuanto a la escena hay una reunión mensual que se llama Loop sessions en esta reunión nos juntamos varios compositores y productores para en un corto tiempo armar un track a raíz de unos samples que solamente se comparten durante las reuniones al final de este tiempo presentamos cada uno su track y es en ese entonces que vemos la cantidad de distintas interpretaciones y distintos universos que hay entre cada uno de los participantes.

Además de la música, ¿qué otras expresiones concitan tu interés o pasión?

Recién tuve un hijo y conscientemente quiero criar a un humano de un humor sano, con capacidad de curiosidad, funcional, y sostenible. Solo el tiempo dirá si lo hice bien.

¿Qué les dirías a los neo jóvenes que empiezan a escuchar o realizar música electrónica en Perú?

Que no copien. Y si copian que re-interpreten. La vida es muy corta para andar haciendo música que no es tuya. Busca una conexión en tu interior, hay un ente colectivo que en la música va más allá del tiempo y memoria, el ritmo o la falta de él pueden ser útiles e inmediatos. Lo genial del audio es que es capaz de cambiar tu estado presente por uno alterno que puede ayudarte a crecer a conspirar para que salgas adelante sin miedos y con harta capacidad de visión. Todo a su momento.

Si hablamos de Perú, no pasa mucho, no te dejes aplastar por lo repetitivo de la radio y el subconsciente retrógrada y cotidiano de los que conducen con luces altas o los que quieren cagar a todo el mundo solo para robar. Ten calma y sé integro y sobre todo civil. ¿Lo más importante? Paz contigo mismo, con lo que aprendas y con tu familia y tu obra o no obra. 

Planes futuros y palabras finales. Y eternas gracias por la entrevista, hermano. Larga vida a los 90.

Larga vida si porque una piedra que se tira a un lago hace onda y hasta puede rebotar dos o tres veces. Que sigamos haciendo ondas y sigamos tallando música. Hagan garabatos, sampleen, usen lo que sea, si les gusta el hardware también vale, no hay vacas sagradas. La harmonia de tu sentidos con el estado de flujo al producir y componer serán una herramienta válida para todo el futuro. Hasta que el futuro nos alcance, hasta que dejemos de existir, la música existirá.

CRISÁLIDA SÓNICA GRATIS - CONTRA LOS FACHAS

Como dije en las redes se puede sentir la misma fachería de toda la vida atropellando otra vez. Esto es la noche de cristales rotos a la peruana. En Superspace Records no podemos ser inmunes a tanto hedor y, con la esperanza de tiempos mejores, decidimos poner en modo de descarga libre/name your price el compilado de CRISÁLIDA SÓNICA de 1997. 

Compilación I | CRISÁLIDA SÓNICA | Superspace Records (bandcamp.com)

Crisálida Sónica hizo carne la utopía en aquellos años 90 y los registros firmados por las bandas en cuestión así lo explicitan. Ahora toca a los nuevos continuar el legado y volver realidad sus sueños.

PD: en el bandcamp alterno, el de Wil Volador, estamos poniendo en descarga gratuita/name your price el LIMA NORTE METAMÚSICA tmb.

https://wildergonzalesagreda.bandcamp.com/album/lima-norte-metam-sica

Corran la voz, que está pauteado solo por 7 días.

Esta es la imagen que refleja el Perú en estos momentos, una mujer campesina viniendo a reclamar no por políticos, ni izquierdas, ni narcoterroristas, sino por el olvido sistemático de  sus derechos, por la muerte de más de 50 personas.  Enmarrocada en el piso, humillada, agredida por la Policía Nacional del Perú, por su propio estado. Esto es el Perú desde hace 500 años. - CARLOS QUISPE ATUNCAR.

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X: HELENE RAMOS

COSMO AUDICIÓN + REFLEXIONES E INFORME YODA. EL VIAJE HACIA EL CENTRO DE TU MENTE COMO UN  ESCAPE A OTRAS MEGA Y ULTRA  SUPRA  DIMENSIONES... DE LA MÚSICA💠X EL GRAN  CAMBIO DE LOS CAMPOS MAGNÉTICOS, DE LOS ELEMENTOS Y ÁTOMOS MATERIALES, LOS PLANETAS ALIMENTADORES YA NO PUEDEN TRANSMITIR COMO ANTES Y LEGÍTIMAMENTE SUS FUERZAS ENERGÉTICAS AL PLANETA TIERRA. PARA CAPTAR ESTAS FUERZAS PLANETARIAS, EL PLANETA TENDRÍA QUE TRAZAR MUY BIEN Y TRANQUILAMENTE SU ÓRBITA Y TENDRÍA QUE ESTAR, IGUAL QUE UN TELESCOPIO, DIRIGIDO HACIA EL SISTEMA PLANETARIO, PARA QUE PUDIESE SER ALIMENTADO DE ACUERDO CON LA LEY GALAXICA. HASTA AQUÍ EL INFORME YODA💠

Desde Toronto/Ontario (Canadá) deja su huella el acto: freddyboy que no es otro que Freddy Kwon. Él empezó su proyecto en 2018 con una serie de ideas propias experimentales grabadas en su equipo de cintas de segunda mano. Sus temas han estado siempre  identificados dentro del bedroom-pop y lo-fi e inspirados a base de sintes de ensueño filtrados en fuzz, brillantes riffs de guitarra y vocalización pastel o muy suave. Percibo en la base rítmica de "Fool4U" cierta esencia de unos THE SUNDAYS en fórmula subliminal. Lo que él narra en sus líricas son siempre inspirados en su vida cotidiana💠

El dream-pop del hipnotizante grupo londinense DAUGHTER retorna en este 2023. Siete años después de su esférico en álbum "Not To Dissapear", el trío conocido x su música a la vez melancólica y sombría entrega para el próximo 7 de abril su tercer opus en larga duración "Stereo Mind Game". Como aperitivo dan un adelanto de título: "Be On Your Way". Esta vez la lírica es con palabras de esperanza y más optimista que sus predecesores temas. Los textos de DAUGHTER han representado a menudo la frialdad, la tristeza, la melancolía, el desamor y el abandono. Tópicos que en este nuevo mundo ya no los necesitamos más💠 El décimo cuarto álbum del cuarteto inglés TEMPLES titula "Exótico" y está previsto para el 14 de abril. Primer extracto en single "Gamma Rays" ubicado dentro del estilo psicodélico, este explora la relación entre el mundo natural y el paisaje urbano: Dale play al clip: https://youtu.be/Z0PrB0mvOGU

GNOOMES es un combo ruso que se orienta hacia el kraut-rock, kosmische, techno, nu psych y en sus propias formas únicas. Su macroesfera titula "AX OC" y es un álbum trascendente de ritmos motorik inspirado en el actual conflicto de su país de origen. Dicha situación los obligó a abandonar el lugar y en búsqueda de neo horizontes para calibrar su música 💠Siempre en contacto con AVEY TARE (ANIMAL COLLECTIVE) quien me comunica su neo álbum "7s" disponible desde el 17 de febrero vía Domino Recording Co. X lo pronto promociona ya los neo tracks y entre ellos este opus sónico: "Hey Bog": https://youtu.be/2PCsy7lzdb8💠Muy bien conceptuado está "Anyma Unreleased Tracks Compilation" (Zamna Tulum 2023) como sus mega eventos en sendos festivales y no sólo auditivamente sino también de forma visual: liga a ese plus universo techno https://youtu.be/VXOfz07B71o💠

*JOHN CALE

A sus 80 años bien vividos, JOHN CALE (THE VELVET UNDERGROUND) entrega un álbum de marca mayor titulado "Mercy". Una insolente plus obra de modernidad en donde se cruzan partículas de WEYES BLOOD y ANIMAL COLLECTIVE x decir lo menos... o lo más. El primer extracto en promoción es una obra visual maestra para ser apreciada en su máximo esplendor y en continuas repetidas veces💠BRAINIAC defensores de una peculiar mezcla de noise rock, garage y synth-punk que transmitía el ya  desaparecido Tim Taylor en la formación original fue una de las realidades más interesantes como también desafortunadas de la década de 1990 siglo XX. La tan prematura desaparición del frontman, fallecido en 1997 a la edad de 28 años tras un infeliz accidente automovilístico, fue lo que interrumpió abruptamente su carrera justo cuando estuvo a punto de firmar para el sello Interscope. Tras el confinamiento, la decisión del original guitarrista John Schmersal de desenpolvar los archivos en audio de la banda, seleccionar algunos demos y grabar "The Predator Nominate" EP, que, sigue en la dirección de electro rock dictada x "Electro Shock For President " ha permitido en gran forma la reagrupación del combo y tener el disco distribuido desde el 20 de enero vía Touch And Go. La banda reformada apoya x estos días a MOGWAI con Schmersal en el papel vocal y en 🎸. X su parte, todos los miembros de la banda sobrevivientes  afirman que Tim sigue siendo absolutamente: un súper frontman insustituible. "Vincent Come On Down" es el tema que amé presentar siempre al aire x su estelar vibra: https://youtu.be/ZVzAJJk2xws💠Tu vida terrenal es el reflejo de tu alma y éter fluyente en el transcurso de eras💠

THE NATIONAL retorna con su noveno álbum en prisma de belleza pura "First Two Pages Of Frankestein" (4AD) que estará disponible desde el 8 de abril. Este opus cuenta con colaboraciones de PHOEBE BRIDGERS, SUFJAN STEVENS y TAYLOR SWIFT. Títulos incluídos "New Order T-Shirt", "Alien", "Eucalyptus" como "Tropic Morning News" que cruza lumínicas estelas de unos apreciados JOY DIVISION/NEW ORDER💠 Habíamos escuchado a LADYTRON en 2019, con un trabajo imponente y celebrativo, desde el mismo nombre impresionando positivamente x su capacidad de abrazar imaginarios diferentes en un puzzle de sugerencias capaz de oscilar desde el pop más culto hasta la vocación de la pista de baile: todo en absoluta coherencia con la trayectoria de una banda que confirmó su magnetismo y carisma. Su neo álbum "Time's Arrow" (Cooking Vinyl) cobija sonidos que ligan con lo que ofrecieron en sus tan recordados inicios. Play: https://youtu.be/69QEFWkS94k💠

*SUFJAN STEVENS

PHANTOM YOUTH, acto de Bruselas pasa x estilos como lo-fi y jangle pop con influencias muy cercanas a SEA LEMON, VHS SPORTS y HOUSEWIFE. X estos días su satélite / single en promoción titula: "Country Roads", un tema preciso para escucharlo en cualquier carretera del planeta. Dale play: https://youtu.be/N758nh1DJ4g💠Lumberton Trading Company lanza 5 canciones del veterano de la música experimental Edward Ka-Spel, co-fundador de THE LEGENDARY PINK DOTS, bajo el título de "Permission To Leave The Temple". Grabado en 2020 y lanzado físicamente tras un tiempo de retraso debido desde entonces a la situación global. Este caldero de efervescencia psych electrónica, como de  sonidos post-industriales es un sello ideal a la estela de EK-S💠

*EDWARD KA-SPEL / THE LEGENDARY PINK DOTS

EVERYTHING BUT THE GIRL optó x reunirse de nuevo y circula en vídeo su "Nothing Left To Lose", aunque me quedo con el remix de DAYBEAT. Play: https://youtu.be/FktPXZoDvo4💠VV (o VILLE) como se hace llamar, está que impacta con sus performances en vivo y vía su actual single: "Neon Noir". https://youtu.be/kSk4FzX2yfo💠En mi radar diario y periferia de electrones audio sónicos está: veronicavon - good girl https://youtu.be/cqWW3ER_8Jw💠 Me fascinan igualmente FLYYING COLOURS - "Goodbye To Music". Su álbum "You Never Knew" estará ya disponible desde el 17 de marzo vía Poison City Records & Club AC30. Su onda va en vena shoegaze + grunge y para seguidores de los siempre estimados RIDE y MY BLOODY  VALENTINE https://youtu.be/2-lS67DQc7o💠

*MY BLOODY VALENTINE

Quien solamente aborda la superficie de la vida, el reflejo, x ejemplo deseando la paz a su prójimo, y no tiene paz él mismo, aborda en su prójimo sólo la falta de paz, porque él mismo no tiene ninguna comunicación con la paz💠 Algún día la humanidad entenderá que la TV sólo les ha causado enfermedad, cita que tantas veces dije en radio como esta otra ya más cósmica: comunicadores intergalácticos de la raza futura! Las fotos en neón post arte x ©Helene Ramos 💠STOP!

MIKA MARTINI INTERVIÚ :. El problema es que pocos quieren ser parte de un "pueblo" y muchos quieren ser solo lo "nuevo"

Mika Martini (Photo by Juan Valdivieso / Southplug)

Bajo los nicks de MIKA MARTINI y FRANK BENKHO se sitúa el músico y activista chileno Hugo Espinosa Chellew (1967). Lleva una carrera que lo relaciona con la electrónica de su país rastreable hasta fines de los años 90 cuando participa del proyecto Usted No! junto a Claudio Pérez y al DJ Ismael Martínez. Mika es director del net-label Pueblo Nuevo, que fundó junto a Daniel Jeffs allá por el lejano 2005. Desde entonces tanto su música como la labor que lleva con su sello no ha hecho sino crecer a pesar de los escollos, desilusiones y batallas que le ha tocado librar. Lluvia Ácida, Lars from Mars, Metástasis, Luis Marte, El Sueño de la Casa Propia y Pablo Reche sin contar con el propio Mika Martini son algunos de los nombres que han publicado experimentos en el net-label chileno. Sí siempre net-label = todo para descarga gratuita. Siendo tal el orden de cosas, e invadidos como estamos de metal heads y fans de Fito/Charly/Dolores expeliendo sus discursos desde la movida hipster neo liberal, era cuestión de tiempo que las visiones y palabras de Hugo Espinosa recalaran en da blog. Disfrootad.

Coméntanos de los inicios del sello allá por el 2005. ¿Cómo era la escena electrónica experimental santiaguina por aquel entonces, qué retos se plantearon, que los ha motivado a seguir activos casi 20 años después?

Tengo recuerdos de que la escena experimental estaba muy boyante por aquella mitad del segundo milenio, la experimental y la electrónica de baile sin duda, a manera de ejemplo puedo citar la realización del Festival Mutek en Chile como amalgama de ambos mundos sonoros, pero existían variadas micro escenas y tribus muy activas por esos años. Pueblo Nuevo Netlabel surgió en realidad de la constatación de la crisis que vivió la industria discográfica, tanto internacional como nacionalmente, crisis que afectó drásticamente las posibilidades de editar discos a los músicos chilenos. Mientras por otro lado, las posibilidades que comenzó a dar Internet como nuevo y potente medio de difusión para la cultura, brindó el marco adecuado para que decidiéramos unir fuerzas y conocimientos para crear un espacio que nos permitiera mostrar y editar nuestra música de manera directa. ¿Porque netlabel y no un sello clásico? Porque la idea fue utilizar la filosofía y herramientas gratuitas propiciadas por el movimiento de la “Cultura Libre” y no dejar que la relaciones económicas fueran las que nos rigieran como colectivo. La verdad es que nunca quisimos crear un negocio en torno a la música sino más bien una especie de comunidad donde todos nos apoyáramos, y creo que eso, en mayor o menor medida, con pausas, con desencuentros, con desilusiones y con grandes satisfacciones también, es lo que nos ha permitido seguir hasta el día de hoy.

¿Por qué el nombre “Pueblo Nuevo”? ¿A qué alude? 

En algún momento de iluminación creativa tratamos de reflejar el leitmotiv del netlabel uniendo dos conceptos musicales: el título de la canción de Quilapayún y Sergio Ortega "El Pueblo Unido (jamás será vencido)" y el movimiento artístico chileno de mediados de los 70 denominado "Canto Nuevo". Un ejercicio de apropiacionismo y sampleo visual, pero no sin un real sentido de crear nuestro colectivo y de hacer las cosas de otra manera y fuera de la industria. Una farsa, como alguna vez me lo dijeron, tal vez... un gran engaño, quizás... pero de que fue bonito pensar en que podíamos crear un movimiento horizontal, donde fuera el arte musical el que convocara y nos aglutinara no deja de ser hermoso. Al día de hoy, creo que la realidad nos ha demostrado que separados nos aplastan. El problema es que pocos quieren ser parte de un "pueblo" y muchos quieren ser solo lo "nuevo". 

En la primera década de este siglo se vivía el furor por los laptopistas y la computer music, hoy hemos vuelto a los sintes de museo y fetichismos. ¿Cómo ha cambiado tu proceso de producción en todo este tiempo?

En esa constatación temporal se podría inferir que existe un poder económico y/o adquisitivo que permitiría al artista o músico contar con una u otra de las herramientas, ya sea un laptop (el de la manzanita preferentemente) o con instrumentos reales, vintage o no. En mi caso particular, me declaro hijo de las circunstancias... Empecé a hacer música con un teclado Casio (CTK-750 en 1996) y termine haciendo música con otro teclado Casio (Casiotone MT-65, 2021). Mi tiempo es tan escaso para producir que sigo usando el mismo software Ableton Live versión 5.0 que fue con el que aprendí a producir, grabar y mezclar y con el que hice mi primer disco como Mika Martini el 2007 a puro PC, un controlador midi y sampleos. Luego sí, culpable, cuando tuve cierta holgura económica me puse a comprar sintes raros por ebay, pero el dólar estaba barato en Chile y las máquinas, si tenías suerte, te las traía el cartero directo a tu casa, sin pagar impuestos, así me hice de muchos pedales de efectos, algún sinte vintage, un modular Serge, y otros artefactos. Pero más bien los procesos de producción que adopto se basan en el tipo de música que tengo ganas de hacer, dependiendo de eso tomo algunos de los instrumentos y grabo improvisaciones o hago todo en el computador con softwares y plugines varios.

Si tuvieras que escoger uno o dos de tus releases por el que se te recuerde, ¿cuál sería? 

Creo que cerraría el circulo, tal vez por coincidencia o quizás porque como nos dijo alguna vez el Dr. Rodrigo Sigal, "uno hace la música que es capaz de hacer y nada más", en ese sentido mi primer disco "Mestizo" contiene sonoridades que pueden ser agradables aún para algún oyente distraído que lo descubra por ahí... y mi último trabajo "Frank Benkho Plays the Casiotone", el cual recoge melodías que vienen de esos años y más atrás, pero con toda la experiencia recogida en tantos años de trabajo, se constituye en una pieza redonda en lo sonoro, estético y conceptual, la cual muchos han valorado y disfrutado, tanto como yo al hacerlo y al tocarlo en vivo.

Además de hacer música y dirigir el sello Pueblo Nuevo, ¿qué otras actividades atraen tu interés? 

Naturalmente mi profesión de diseñador especializado en la web y marketing digital, me ocupa gran parte de mi tiempo, pero sin duda me sigue entreteniendo mucho lo audiovisual, la creación de videoclips o graficas animadas, pero nada muy high-tech, más bien siguiendo con la idea de usar lo mínimo posible o tecnologías obsoletas. Lo otro es ir a recitales, lo más que se pueda, ir a apoyar en la medida en que el cansancio o, cada vez más, la agenda lo permita, y no lo digo por mi agenda sino que post pandemia en Santiago ya hay tal cantidad de música que ver y oír, que hay que elegir...

¿Cuáles son para ti los discos chilenos de música electrónica más importantes o rompedores al día de hoy? 

Uf, difícil evaluar con esos conceptos, tal vez un tanto no apropiados para definir música nueva o que se está haciendo hoy, en el sentido que en general esos títulos los da el tiempo, obviamente no estamos hablando de lo "de moda". Ahora, si hablamos en términos históricos y muy resumidamente, la obra del pionero de la electrónica / electroacústica chilena José Vicente Asuar es recomendable 100% para descubrir o redescubrir, el disco "Obra electroacústica" (con obras de 1959 a 1989) está disponible en Pueblo Nuevo para ello. Por el lado más reciente, "¡Viva Chile!" (1986), el primer disco de "Los Electrodomésticos" también sería un punto relevante. Agregaría "Gonzalo Martínez y sus congas pensantes" (1997), una de las encarnaciones electrónicas del insigne Jorge González, y luego ya recomendaría seguir el trabajo de sellos actuales que editan permanentemente nuevo material, como te digo no sé si "importantes" o "rompedores" pero sí interesantes para ser sometidos a la amable escucha de los oyentes y que sean ellos los que juzguen. Como ejemplo el trabajo del sello TransAmericas (@transamericas), los (net)labels amigos de Epasonidos (@epasonidos.cl), Modismo (@modismo_label), 001records (@001recordscl) y Tensa (@tensarecords). Por supuesto que el catálogo de Pueblo Nuevo (@pueblonuevonetlabel) es fuente constante de sorpresas sonoras...

¿Cómo percibes la diferencia entre el público y las escenas europeas con las de Latinoamérica? 

Hace mucho tiempo que no voy a Europa, creo que en 5 años el mundo cambió tanto que puede que no tenga la referencia actual para determinar esto, pero de lo que recuerdo y que más me llamó la atención de los países del otro lado del charco fue un concepto: respeto... respeto hacia el artista, hacia el trabajo artístico, además percibí un genuino interés en escuchar cosas nuevas, propuestas nuevas, pero no por el hype, sino porque es lo natural estar atento a lo que pasa, al desarrollo de lo que te gusta. Si te gusta la música pues que mejor que escuchar nuevas propuestas en vez de escuchar una y otra vez los mismos grupos de los 70, 80, 90... Jajá. La diferencia es que acá en Latinoamérica, supuestamente, somos más acogedores... pero generalmente con "el amigo cuando es extranjero" como dice la tonada. Ahora, si hablamos de fiesta o de pasarlo bien, sin duda que acá no nos quedamos e incluso somos de temer.

¿Cuál podría ser el futuro de la música, en general? 

Si hablamos de industria musical o música mainstream debería llegar a un punto de no retorno donde la AI deje obsoletos a cada uno de los involucrados en ella... vendrá el gran algoritmo que creará una única canción, con una única letra y una única voz, que será tarareada por millones de zombis conectados a una única red social.

Por el lado de la música como manifestación de una pulsión interior humana e inevitable, pues nada, seguirá sobreviviendo de la mano de una ínfima minoría, cada vez más aislada, esperando a ese salvador que nunca llegará, y que tal vez ya no sea necesario que llegue... porque en verdad ¿a quién le importa la música cuando nada importa en realidad?

¿John Cage o Stockhausen? 

Grandes maestros ambos, es como elegir entre el tío simpático, bonachón, vividor y el tío antipático, exigente, neurótico... tal vez los dos eran insoportables, jajá, pero personalmente me inclinaría por Cage y toda la liberación o ilusión de libertad creativa que propuso, cuántos de nosotros que nos auto-nombramos alguna vez como "experimentales" no somos sino hijos o nietos de Cage, la mayor de las veces sin siquiera conocer ni un mínimo porcentaje de su legado. Sin duda que escuchar obras de cualquiera de ambos grandes compositores es una experiencia insustituible y necesaria, aprender de ellos en la medida que se pueda no puede sino traer riqueza a tu experiencia sonora.

Mil gracias por la entrevista Mika. Saludos desde Lima Norte. 

Gracias a ti por el interés y bueno, resistir y permanecer.

LINK: Mestizo – Pueblo Nuevo Netlabel

UNA CONVERSA CON MARCELLUS LEWIS (COLORTONE LIBRARY/MICROHOLIDAY/NITEWIFE) :. Nobleza de Música

Marcellus Lewis (46) es un portento usamericano dedicado a construir canciones de electrónica avantgarde para embellecer la mente. Adicto al post rock y shoegaze de siempre, en su sonido podemos detectar influencias del lustre de Flowchart, Lali Puna o Transient Waves. Así de perfecto y hermoso. Le conocí circa 2005, en los años del myspace, cuando le propuse formar parte del compilado "Caminando Sobre Nubes" (Superspace Records, 2006) que publicáramos con la revista Freak Out! Su música me parecía tan cara que puse a Colortone Library abriendo el disco con "happenchance", y vaya que la competencia fue rigurosa. El CD incluye tracks de Brian Jonestown Massacre -contacté con el grupo a través del manager-, lovesliescrushing, Tica, Duelectrum, et al.

Cancelada (o quizás no, todo es posible) la faceta Colortone Library -cuyo único álbum conservo cual joya-, Marcellus se dedicaría a regalar florituras a través de su proyecto solista Microholiday. Recomiendo mucho insuflar el aura con "Slanted Sun Through Greenhouse Moments" (Yellow Fantastic Recordings, 2010) -algo así como "Sol rasante a través de momentos invernadero"- al menos una vez en esta vida. De sus proyectos, inicios en la música y más nos habla este maestro etéreo ad portas de lanzar una nave más como dejando constancia de su presencia en la Tierra.

¿Con qué música/sonidos creciste y cómo descubriste el mundo del post rock, la música etérea y la electrónica?

Creo que mi verdadera experiencia formativa en la música comenzó con algunas de las cosas deprimidas, en su mayoría británicas, que mi hermana mayor escuchaba en los años 80: Depeche Mode, The Cure, New Order, etc. Me gustaba mucho The Cure en la escuela secundaria y preparatoria y ese tipo de sonido fue fundamental para mí; posteriormente me atrajo otra música gótica/darkwave como Siouxsie & the Banshees, Cranes, algunos de los actos del sello Projekt (Black Tape for a Blue Girl, lovesliescrushing, Lycia, Love Spirals Downwards), etc. A mediados y finales de los 90 descubrí el shoegaze, el rock espacial y similares gracias a un programa llamado Postscript en WRAS, la estación de radio de la Universidad Estatal de Georgia (y otro programa llamado Psych Out en WREK, la estación de Georgia Tech). Un programa de radio de California llamado Hearts of Space me puso en contacto con música más puramente ambiental y "espacial". Durante ese mismo tiempo me estaba enamorando de Stereolab, Cocteau Twins, Slowdive, My Bloody Valentine, Broadcast, Aphex Twin y Dead Can Dance. Algunos favoritos más oscuros incluyeron Füxa, Bowery Electric, Mahogany, Auburn Lull, Flying Saucer Attack, Amp, Windy and Carl y Azusa Plane. Hay muchos más que podría enumerar... Boards of Canada, Pia Fraus, Lali Puna, Arovane, Neu!, Kraftwerk, The American Analog Set, minimal wave de principios de los 80 (por ejemplo, Deux)... Un recuerdo particular que tengo es escuchar Slowdive por primera vez en la radio en un auto, y pensé que algo andaba mal con la radio. Nunca había escuchado algo tan difuminado, y me afectó profundamente.

Has pasado por proyectos underground con buena música, como Colortone Library y Microholiday, cuéntanos cómo fueron estas experiencias.

Colortone Library fue/es un esfuerzo conjunto entre Michael Wellman y yo. Siempre hemos tenido gustos musicales similares y hemos sido amigos cercanos desde la escuela secundaria. Habíamos estado juntos en una banda de grunge, pero teníamos gustos comunes en lo etéreo, ambiental, IDM, etc., así que decidimos tratar de sacar algo juntos alrededor de 2006 (a pesar de que ya me había mudado a Denver en ese momento). Enviamos material de un lado a otro y de alguna manera logramos completar un álbum entero. Me doy cuenta de que han pasado 15 años, pero no descarto otro lanzamiento, todo es posible. Microholiday fue solo un proyecto paralelo en solitario que creé mientras vivía en Praga, donde exploré la calidad y el tono de la producción más que cualquier tipo de tema o mensaje, pero supongo que la música se consideraría de naturaleza electrónica/synth pop experimental. Luego está Nitewife, otro proyecto del que formo parte con Jason Iselin, una especie de sonido de onda oscura/onda mínima que se encuentra con el kraut.

¿Cuál es tu equipo actual? Sintetizadores, software, etc.

A pesar de tener acceso a una gran cantidad de parches de software, tiendo a preferir usar dispositivos físicos para la mayoría de los sonidos. Mis dos fuentes de sonido principales son un sintetizador de modelado analógico (Korg MS2000), así como un sintetizador analógico verdadero (Dave Smith MoPho), y también uso bastante un Yamaha VSS-30 para samplear ruido, ritmos y sonidos de sintetizador lo-fi, ya que crea algunos tonos hermosos. Para los ritmos y algunos otros sonidos electrónicos suelo usar Reason. Ocasionalmente también pruebo guitarra acústica y bajo eléctrico.

Además de crear música, ¿a qué te dedicas?

En este momento estoy viviendo en el país de Georgia, pero planeo mudarme pronto a los EE. UU. o Europa. Mi trayectoria profesional está en la educación, así como en la escritura/edición en varios contextos. He estado en la fotografía de vez en cuando desde los años 90, y estoy muy interesado en la nutrición/alimentos como medicina.

¿Qué otros proyectos o grupos recomendarías a los lectores del blog?

Seguramente dejaré algunos, pero aquí hay algunos que me vienen a la mente. Boards of Canada es bastante conocido, pero sigo inspirándome en la calidad tonal de su música. En general, me encantan sus composiciones, pero en mi opinión, su capacidad para crear una textura única que combina a la perfección elementos de baja fidelidad y alta fidelidad es inigualable. Algunos otros que me han atraído últimamente: Hologram Teen; Daniel Avery (específicamente el LP Illusion of Time - una exploración experimental, atmosférica y meditativa). Cavern of Anti-Matter; Mint Julep; Black Marble; Emily A. Sprague; Bitchin Bajas; Sinoia Caves (más allá de la banda sonora de Black Rainbow); Sophie & Peter Johnston (la canción de los 80 “Sold on You” - Me encanta esta canción y su calidad de producción); You’ll Never Get to Heaven; Conciertos para clavecín de Bach.

Acabas de lanzar un sencillo electro etéreo en bandcamp y nos dices que estás a punto de lanzar un nuevo álbum. Por favor, detalla este asunto. ¿Cuántos temas, títulos, colaboradores, sello, etc.?

Bueno, el álbum tiene casi una hora de duración con ocho pistas. Sin duda, es la música ambiental más downtempo que he creado hasta ahora. Creo que algo de eso funcionaría bastante bien para bandas sonoras o material underscore para películas/documentales, por lo que existe la posibilidad de que renuncie a un lanzamiento tradicional si encuentro una oportunidad para ello en películas/videos. El álbum es el cuarto lanzamiento bajo mi propio nombre. Como con la mayoría de mis proyectos, está en mi sello casero Yellow Fantastic Recordings. Ha sido un esfuerzo completamente en solitario, producido principalmente en el país de Georgia, pero algunas de las pistas se iniciaron hace casi 20 años.

Siendo ciudadano estadounidense, estamos más que seguros de que ha disfrutado de conciertos memorables. ¿Cuáles dirías que son los recitales que golpearon tu alma o tu mente y que atesoras hasta el día de hoy?

En efecto. He tenido la suerte de ver algunos de mis favoritos...

Atlanta, Georgia a principios de los 90: Man or Astroman?; Floraline; Swans; The Cure; The Gloria Record; Underwater

Atlanta, Georgia a finales de los 90: The Mercury Program, Tortoise, Bowery Electric, Dead Can Dance, Built to Spill, Tristeza, Windy and Carl, Stereolab, Sonic Youth, Japancakes; God Speed You Black Emperor; Low.

Chapel Hill, Carolina del Norte a finales de los 90: Stereolab

Denver, Colorado en la década de 2000: The American Analog Set; Tamarin; The Flaming Lips.

Praga, CZ en 2008: Telefon Tel Aviv; Casiotone for the Painfully Alone.

Los mejores de los mejores fueron Bowery Electric, Built to Spill, Dead Can Dance, Windy and Carl, Stereolab y Tristeza. Todos eran mágicos y surrealistas por varias razones.

Ah, y también vi Massive Attack en vivo, pero, por desgracia, solo fue en un sueño que tuve.

A CHAT WITH MARCELLUS LEWIS (COLORTONE LIBRARY/MICROHOLIDAY/NITEWIFE) :. Nobility of Music

Marcellus Lewis (46) is an American wonder dedicated to building avantgarde electronic songs to beautify the mind. Addicted to the usual post rock and shoegaze, in his sound we can detect influences like Flowchart, Lali Puna or Transient Waves. So perfect and beautiful. I met him around 2005, in the myspace years, when I asked him to be part of the compilation "Caminando Sobre Nubes" (Superspace Records, 2006) that we released with Freak Out! magazine. His music seemed so valuable to me that I put Colortone Library opening the album with "happenchance", and boy was the competition rigorous. The CD includes tracks by Brian Jonestown Massacre -I contacted the group through the manager-, lovesliescrushing, Tica, Duelectrum, et al.

Canceled the Colortone Library facet (or maybe not, everything is possible) -whose only album I keep as a jewel-, Marcellus would dedicate himself to giving flourishes through his solo project Microholiday. I highly recommend infusing the aura with "Slanted Sun Through Greenhouse Moments" (Yellow Fantastic Records, 2010) at least once in this lifetime. About his projects, beginnings in music and more speaks to us this ethereal maestro on the verge of launching one more ship as leaving evidence of his presence on Earth.

What music/sounds did you grow up with and how did you discover the world of post rock, ethereal music and electronica?

I think my truly formative experience in music started with some of the moody, mostly British stuff my older sister was listening to in the 80s - Depeche Mode, The Cure, New Order, etc. I was really into The Cure in middle school and high school, and that sort of sound was foundational for me; I was subsequently drawn to other goth/darkwave music like Siouxsie & the Banshees, Cranes, some of the acts on the Projekt label (Black Tape for a Blue Girl, loveliescrushing, Lycia, Love Spirals Downwards), and so on. In the mid- to late-90s I discovered shoegaze, space rock, and the like thanks to a show called Postscript on WRAS, Georgia State University's radio station (and another show called Psych Out on WREK, Georgia Tech’s station). A radio show out of California called Hearts of Space turned me on to some more purely ambient and ‘space’ music. During that same time I was falling in love with Stereolab, Cocteau Twins, Slowdive, My Bloody Valentine, Broadcast, Aphex Twin, and Dead Can Dance. Some more obscure favorites included Füxa, Bowery Electric, Mahogany, Auburn Lull, Flying Saucer Attack, Amp, Windy and Carl, and Azusa Plane. There are so many more I could list… Boards of Canada, Pia Fraus, Lali Puna, Arovane, Neu, Kraftwerk, The American Analog Set, early 80s minimal wave (e.g. Deux)… A particular memory I have is hearing Slowdive for the first time on the radio in a car, and I thought something was wrong with the radio. I’d never heard anything so washed out, and it deeply affected me.

You have gone through underground projects with great music, like Colortone Library and Microholiday, please tell us about what these experiences were like.

Colortone Library was/is a joint effort between Michael Wellman and myself. We’ve always had similar tastes in music and have been close friends since high school. We’d been in a grunge band together but had mutual tastes in ethereal, ambient, IDM, etc., so we decided to try to put something out together around 2006 (despite my already having moved to Denver by that time). We sent material back and forth and somehow managed to complete a full album. I’m realizing it’s been 15 years, but I won’t rule out another release—anything’s possible. Microholiday was just a solo side project I created while I was living in Prague where I explored production quality and tone more than any sort of theme or message, but I suppose the music would be considered experimental electronic/synth pop in nature. Then there’s Nitewife - another project I’m part of with Jason Iselin - A sort of darkwave/minimal wave-meets-kraut sort of sound.

What is your current equipment? Synths, software, etc.

Despite having access to a plethora of software patches, I tend to prefer using physical devices for most sounds. My main two sound sources are from an analog modeling synth (Korg MS2000) as well as a true analog synth (Dave Smith MoPho), and I also use a Yamaha VSS-30 quite a bit for sampling for noise, beats, and lo-fi synth sounds as it creates some beautiful tones. For beats and some other electronic sounds I usually use Reason. I also occasionally sample acoustic guitar and electric bass.

Besides creating music, what do you do?

Right now I’m living in the country of Georgia but plan to relocate soon either back to the US or Europe. My professional path is in education, as well as writing/editing in various contexts. I’ve been into photography off and on since the 90s, and I’m very interested in nutrition/food as medicine.

What other projects or groups would you recommend to blog readers?

Surely I’ll leave out quite a few, but here are some that come to mind. Boards of Canada is fairly well-known, but I continue to be inspired by the tonal quality of their music. I generally love their compositions, but their ability to create a unique texture that beautifully combines both lo-fi and hi-fi elements is unmatched in my opinion. A few others that I’ve been drawn to lately: Hologram Teen; Daniel Avery (specifically the Illusion of Time LP - an experimental, atmospheric, meditative exploration). Cavern of Anti-Matter; Mint Julep; Black Marble; Emily A. Sprague; Bitchin Bajas; Sinoia Caves (Beyond the Black Rainbow soundtrack); Sophie & Peter Johnston (the 80s track “Sold on You” - I love this song and its production quality); You’ll Never Get to Heaven; Bach’s Harpsichord Concertos.

You just released an electro ethereal single on bandcamp and you tell us you're about to release a new album. Please elaborate on this matter. How many themes, titles, collaborators, label, etc?

Well, the album is nearly an hour in length with eight tracks. It’s certainly the most downtempo, ambient music I’ve created so far. I think some of it would work quite well for soundtrack or underscore material for film/documentaries, so there’s a chance I will forgo a traditional release if I find an opportunity for it in film/video. The album is the fourth release-to-be under my own name. As with most of my projects, it’s on my homemade label Yellow Fantastic Recordings. It’s been entirely a solo effort, mostly produced in the country of Georgia, but a few of the tracks were started nearly 20 years ago.

Being an American citizen we are more than sure that you have enjoyed memorable concerts. What would you say are the recitals that struck down your soul or mind and that you treasure to this day?

Indeed. I’ve been fortunate to see some of my favorites…

Atlanta, Georgia in the early 90s: Man or Astroman?; Floraline; Swans; The Cure; The Gloria Record; Underwater

Atlanta, Georgia in the late 90s: The Mercury Program, Tortoise, Bowery Electric, Dead Can Dance, Built to Spill, Tristeza, Windy and Carl, Stereolab, Sonic Youth, Japancakes; God Speed You Black Emperor; Low

Chapel Hill, North Carolina in the late 90s: Stereolab

Denver, Colorado in the 2000s: The American Analog Set; Tamaryn; The Flaming Lips

Prague, CZ in 2008: Telefon Tel Aviv; Casiotone for the Painfully Alone

The best of the best were Bowery Electric, Built to Spill, Dead Can Dance, Windy and Carl, Stereolab, and Tristeza. They were all magical and surreal for various reasons.

Oh, and I also saw Massive Attack live, but alas, it was only in a dream I had.