Noticias Mayo 2023 por Wil Volador

Novedades y saludos desde el cono norte milenario de Wilder Gonzales Agreda.

No se olviden que todos aquell@s que deseen colaborar escribiendo sobre música y/o contracultura en el blog son más que bienvenidos.

Con todo lokes.

SHOCK ⚡ ANDY ROURKE EN RM - AM/FM PERÚ

🔷A N D Y    R O U R K E

  1964-2023

ÉL ERA EL BAJISTA, EL ENTE QUE RESTITUYÓ EL BAJO EN SU MAGNO ESTATUS PRIMORDIAL PARA SER RECONOCIDO A NIVEL GLOBAL.

EN ENERO 2008, ANDY ROURKE VISITÓ RADIO MIRAFLORES AM/FM EN LIMA/PERÚ -Y CAUSÓ CIERTA TENSIÓN QUE FELIZMENTE SE RESOLVIÓ.

ESTA ES LA HISTORIA, MUY REFLEJADA AÚN EN MI VIXOR DE MEMORIA◻️

 X: HELENE RAMOS

Para empezar, recordemos siempre a ANDY ROURKE, con su sonrisa infalible que él derramaba x doquier. Además, la muerte no es un exterminio sino una transformación. ANDY ha iniciado su viaje del alma hacia otro plano, hacia otra dimensión. Ha traspasado el portal hacia otro ámbito de existencia y continuarla.

Tras las coordinadas con la empresa que trajo a Lima, a ANDY ROURKE: Automatic Entertainment, habíamos concretado una entrevista con ANDY, para antes de su DJ set  del 31 de enero 2008, en la Discoteca Vocé. Todo perfecto. Llegué antes de la hora fijada al local de la estación radial para coordinar en la sala de grabación, el staff allí no cabía en sí x la emoción de conocer a uno de los SMITHS, tan cerca -y me agradecieron x la gran oportunidad, tal cual lo hicieron algunos de mis amigos fans de THE SMITHS quienes pudieron obtener su autógrafo.

De aquél grandioso día, aún fulgurante en mi retina, esta escena permanece: ANDY ROURKE, ingresa tras el umbral de la puerta de la emisora hacia mí, que lo esperaba y ambos nos entrelazamos en un gran y fraternal abrazo. Él estaba sonriente y feliz (tal cual lo describen todos quiénes alguna vez lo llegamos a conocer). Él, caminando con un cigarrillo en mano, mientras yo le mostraba el local y cada espacio. Lo llevé a la oficina central, y desde allí -que es un espacio con amplias ventanas-, el buen ANDY se acerca y tira el pitillo del cigarrillo x la ventana, éste cae justo muy cerca a uno de los cables de la antena aérea de la emisora, estando encendido aún. Ahora sonrío, pero en esos álgidos momentos vividos causaron alguna tensión hasta en el propio bajista. Así que a calmar los ánimos... llamé x ayuda, sin revolotear para nada el ambiente... hasta que llegó un asistente de la radio para salir x la ventana, pisar el diminuto piso a una altura de 5 pisos de altura, y al final pudo apagarlo. Todos nos regocijamos tras el incidente resuelto que no llegó a mayores. X supuesto, que el gerente ni sospechaba lo que aconteció en tal fecha..

Mientras estábamos allí, le hice muchas preguntas que él me respondió atentamente -las cuales se quedan conmigo, pues no salieron al aire. Tras esos instantes, nos dirigimos hacia la sala de grabación, ambos ingresamos y lo primero que hace ANDY es: mirar la guitarra acústica colgada en la pared, cerca donde estábamos para grabar la entrevista. Realmente la miraba mucho, es entonces que en mi mente circula esta frase, que se la digo: 

¿Tocarías un tema de THE SMITHS? Tienes allí, la guitarra... él me dice para entonces: 'Déjame probar si está bien'. Le entregué la guitarra, la prueba... '¡Está bien!'... responde.

Inicio la grabación con sus respuestas, las mismas que salieron al aire vía 2001_MILAÑOSDESPUES! con la valiosa sorpresa de que ANDY ROURKE, ofrecía su sesión de radio, tocando en versión instrumental acústica: 'Please, Please, Please Let Me Get What I Want'. Con lágrimas ocultas aplaudo (¡esa es la canción de THE SMITHS que más amo!) junto a todos quienes estuvimos allí. Tarde macro estelar que se expande hasta un segundo encuentro con él en el backstage del Vocé.

Continúa mi conversa con él mientras el trío argentino ALTOCAMET, abría la noche del evento. Luego sube ANDY al escenario ante aplausos en abrumadora bienvenida. Expuso su set maravillosamente, estuve cerca al escenario dándole muchas vivas y diciéndole lo que significaba cada una de ellas para los chicos de Perú, lo que significaba para ellos cada uno de los temas. Inolvidable recuerdo que comparto para ustedes, para que tengan una idea de tan gran tipo que él ha sido: sencillo y afable a la vez.

"He'd ve remembered as a kind and a beautiful soul by everyone who knew him''

         JOHNNY MARR

Las líneas tocadas del bajo propulsor de ANDY ROURKE,  trabajaron en perfecto conjunto con las partes de guitarra de JOHNNY MARR para crear el sonido singular de THE SMITHS. 

 "He will never die as long as his music is heard"

          MORRISSEY

"I had the privilege of playing together with him.

A boy so friendly and so enjoyable. I already miss

him. Always at my heart, pal"

             MIKE JOYCE

Los 4 integrantes: ROURKE, MARR, MORRISSEY, JOYCE,  contribuyeron a los 4 álbumes de estudio de la banda de Manchester: 

THE SMITHS (1984)

MEAT IS MURDER (1985)

THE QUEEN IS DEAD (1986)

STRANGEWAYS, HERE WE COME (1987)

Cuatro esplendorosos álbumes con remarcable lírica, los cuales no me hicieron dudar cuando decidí -años más tarde- invitar a literatos peruanos y a varios estudiantes universitarios de San Marcos, como también a poetas, para  un especial de 4 horas en radio, muy celebrado x la gran audiencia. THE SMITHS, una importante fuerza en lo que significa y dignifica la década de 1980 en el indieground. Escucho a cualquier banda en un punto del planeta, y de inmediato puedo percibir aquella base rítmica creada x esta banda sin par: THE SMITHS◻️STOP!

#DESCARGA | V/A - EXCURSIONS IN AMBIENCE 3: The Third Dimension (Astralwerks, 1994)

En 1994 estábamos todos zambullidos en el shoegaze, el "Souvlaki" fluía en nuestros corazones y sin saberlo asistíamos a un nuevo amanecer. Algunos mutaban su discurso hacia sonidos electrónicos. Lo hicieron Chapterhouse, Swallow y los mismos Slowdive. Fue en ese momento que debo haber leído con inusitada frecuencia la palabra "ambient" asociada a una corriente que hacía furor entre los más inquietos. Ya había escuchado Seefeel y Spectrum así que alguna idea tenía. 

Al ir a la casa de los hermanos Llanos a realizar un pedido quise arriesgarme e ir por un compilado ambiental del catálogo que manejaban. Entre los varios que vi me decidí por el de un sello llamado Astralwerks: Excursions in Ambience: el capítulo 3 que acababa de salir y se listaba como novedad. No sabía lo que me esperaba. Pasaron los días/semanas hasta que por fin el pedido llegó. No sé qué habrán pensado los otros clientes indies que iban a su casa, devotos de Felt, Echo & The Bunnymen o MBV al ver la música que me llegaba.

Ese casette destruyó mi cuerpo y alma. Lo escuchaba boca abajo cubierto la cabeza de almohadas. El cuerpo en la tierra pero el espíritu lejos en campos de agua y éter, estrellas y colores. Poderosa sinestesia adolescente. Qué pueril me pareció todo después. Por esos días justo terminé con mi enamorada dark wave. Existiendo algo tan magnífico y puro no iba a perder un puto segundo de mi existencia en cojudeces. Pienso igual hasta hoy. Muerte al ego de mxxrda.

SPACETIME CONTINUUM con "Floatilla" te capturaba desde el primer remezón y te abría las puertas del paraíso para las subsecuentes apariciones de Pete Namlook como AIR, SEEFEEL con una versión alterna de "Charlotte's Mouth", Bill Laswell como DIVINATION y FSOL con su volcánico "Deep into your subconscious I slide". Excursions in Ambience 3 también incluía a SPECTRUM y fue la primera vez que escuché al locaso de RICHARD D JAMES y vaya qué me cagó el alma, que no solo el cerebro. 

Qué fuerte fue esto. ¿Cambia la vida? Si eres un chibolo sediento de música seguramente sí, si eres un webón más en construcción de tu way-of-life de seguro que no.

El Excursions in Ambience a los 17 años fue lo mejor que me pasó en millones de años. Presenciar lo hyperreal florecer más allá de la mediocridad humanoide. "MUSIC TO LIVE BY".

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El sonido del futuro: una plática con Simeon Coxe de Silver Apples

POR LUIS CLÉRIGA
publicado originalmente en VICE.

Entrevistamos a una de las figuras más importantes en la historia de la música contemporánea.

Simeon Coxe II es un hombre del futuro. Un buen acompañante y un detenimiento por la creación de sintetizadores propios fueron suficiente para demostrarlo en 1968; año en el que editó sus primeros discos desde la escena subterránea neoyorquina. Al lado del baterista Danny Taylor y con osciladores hechos bajo su propia mano, pudo esculpir espontáneamente un sonido muy adelantado a su época. Algo que se traduce en una cualidad seminal.

El desempeño de Silver Apples en ese lejano Nueva York de los '60 tardíos fue también suficiente para dejar en claro que fueron una de las bandas más infravaloradas de su generación. Mientras que ellos portaban un sonido envidiable y un acto en vivo innovador, hicieron electrónica 10 años antes que Kraftwerk, rock disonante 25 años antes que Joy Division; un discurso visceral y estética esquizo al menos unos 35 años antes de que Portishead les rindiera un homenaje con su tercer disco. Nunca capitalizaron en realidad este éxito creativo.

Como prueba, basta con desempolvar sus clásicos de electrónica en vivo, llenos de detalles de psicodelia clásica y a la vez la disonancia y síncopas anticipadas a mucha de la música que vendría décadas más tarde. Descubrir a Silver Apples es como entender que alguien se atrevió a hacerlo todo antes, sin que nadie se enterara. Verlos en vivo es una experiencia que no tiene una gran comparación.

Pero no todo es tan fácil para llegar a esta cúspide creativa. En el camino, Coxe perdió a Taylor por una enfermedad; estuvo al menos un par de décadas totalmente fuera de la mira y radar; y a la vez, resurgió de estas cenizas con un acto en vivo que se ha vuelto de culto entre los amantes de la música electrónica desde hace una década. Fue hasta el año pasado que pude conocer a este hombre. Me acerqué a él como un auténtico fan después de una sobrecogedora colaboración con los Acid Mothers Temple en un festival de locura— Y me encontré, no sólo con el hombre del futuro que quería conocer, sino también con un alma simpática de semblante sencillo.

Un personaje lúcido que sigue componiendo música, que conserva el gusto por recorrer su país en una camioneta pick-up, que no se atiene a grandes itinerarios y que puede dar algunos consejos básicos de como mantenerse vital a sus 75 años de edad. Con una sonrisa, me dio una plática y me regaló un vinil con una colaboración que tuvo con Jimi Hendrix. Me contó como fue que revitalizó su carrera y me dejó claro por qué es una de las más grandes leyendas de la electrónica contemporánea. Una persona educada que mantiene ese semblante futurista que caracteriza gran parte de su obra.

Esta es una plática con el mítico Simeon Coxe de Silver Apples:

Biz: Eres un pionero y una gran inspiración para la música. Cuando empezaste, las cosas parecieron pasar un poco rápido. Hiciste algo interesante pero la música se disipó por un tiempo largo, y de pronto pareciera que revivió. ¿Qué nos puedes contar de este periodo de silencio y de ese regreso?

Simeon Coxe II: No tengo idea por que murió de esa forma. La música tiene diferentes caminos y adornos; nosotros tratamos en los '60 y las cosas realmente no hicieron click. Teníamos una buena banda, teníamos discos, teníamos una compañía disquera y éramos exitosos desde el juicio de bastantes personas, pero… No sé, después del desmadre de Panam, nuestra disquera fue demandada por la contraportada que teníamos y eso nos metió en problemas con el sello. A la vez, otras compañías discográficas no querían tocarnos porque teníamos una mala reputación. No había nada de malo con nosotros musicalmente, pero las cosas no funcionaron como banda. Y si no podíamos ser Silver Apples, no queríamos ser ninguna otra banda. Así que simplemente nos fuimos por nuestros propios caminos. Él tenía un trabajo, yo tenía un trabajo, e hicimos cosas por diferentes lados de la música.

Pero en los '90, cuando un sello alemán sacó un bootleg de nuestra música, de alguna forma despertó a toda una comunidad respecto a nuestra música y… bueno, aunque fuera un disco ilegal, estoy un poco feliz de que lo hayan hecho. De alguna forma echó a andar mi carrera de nuevo. No veo que sea una cosa increíblemente famosa ni que haya vendido miles de discos pero… ¡Estoy tocando en el Pysch Fest gracias a eso! [Risas]

Biz: En esta disipación y regreso, tu sonido en vivo parece estar actualizado y un tanto renovado… Pero no totalmente. Pareciera no estar por completo en el calor análogo de los '60, pero tampoco tanto en los estándares de hoy en día. Como si fuera un punto medio.

Simeon: No puedo evitar estar un poco influenciado por los tiempos. Normalmente traía todo el equipo análogo del mundo, en un camión completo y era una cosa sumamente impráctica, además de muy frágil. Cuando pude digitalizarme, lo hice. Ahora uso un sampler de Akai en dónde pongo secuencias de muchos de los osciladores, así puedo tener las cosas en un portafolio en vez de un autobús entero; y es lo más práctico para poder irme de gira en estos días. Aún uso algunos de los osciladores clásicos, de hecho traigo tres en vivo y los toco igual que en los viejos tiempos. El resto de los osciladores son sampleados, al igual que los tracks percusivos de Danny [Taylor, el baterista]. Y siempre uso sus baterías originales, las toco como si fuera él, entonces es como si aún estuviera conmigo.

Biz: ¿Es cierto que Danny tocaba con Jimi Hendrix?

Simeon: Sí. Jimi Hendrix tenía una banda llamada Jimi James & The Blue Flames, una pequeña banda de blues en algún lugar de Nueva York. Tenía muchos músicos y muchas veces, cuando Jimi necesitaba un baterista frecuentemente le hablaba a Danny. Se animaban y tocaban juntos seguido. De hecho, cuando The Animals se llevó a Jimi al Reino Unido para tratar de lanzarlo como una estrella, Jimi le pidió a Danny que fuera con él. Danny dijo que no y que prefería quedarse en Nueva York. Afortunadamente para mi, pues pude mantenerlo en la banda.

Biz: Hendrix hizo un montón de cosas innovadoras en la guitarra y fue un parteaguas. ¿Consideras que lo que tú hiciste fue un equivalente pero en el sintetizador?

Simeon: Sí, algo así. La verdad es que intercambiábamos ideas seguido, Jimi venía seguido al estudio a sesiones con nosotros y casi siempre que tenía una nueva idea o un nuevo pedal le daban ganas de venir con y probarlos con nosotros o ponerlos a través de los osciladores. Él y Danny eran muy buenos amigos y yo lo conocí por eso. Intercambiábamos seguido y era entretenido aventurarnos en un trip juntos. Así fue como acabamos grabando una vez el himno nacional en el que yo incidentalmente grabé el bajo.

Biz: Lamentablemente, tanto Jimi como Danny ya nos dejaron.

Simeon: Sí… Y Danny vivió hasta los 55 años, que la verdad no es mucho tampoco. Pero era una persona muy poco saludable y creo que murió de un infarto. Manteníamos contacto pero ya no podíamos tocar música juntos pues, estaba tan enfermo, que estaba en una silla de ruedas. Se había puesto más y más débil hasta que su cuerpo no resistió la vida asistida que llevaba. Pero su música vive y eso es lo único que le importaba a él. Así que es como si siquiera vivo. Es más, creo que está en esa nube de ahí muy feliz.

Biz: Muchos pensamos que tu música estuvo anticipada por treinta años. A la vez, hay grupos como Portishead que no sólo fueron influídos por ti, sino que te rindieron un homenaje. Creo que hay un factor inconsciente en esto, pues ni Portishead ni tú podrían haberse anticipado décadas a un sonido si lo hubieran planeado.

Simeon: Así es. Como artista, no puedes realmente pensar tanto en el futuro y una parte de ti desea ser parte de su tiempo. Pero a veces, simplemente no lo eres, aunque lo intentes. Cuando eres sincero contigo mismo, sin tratar de doblar o manipular tu camino artístico para empatar con un público, sólo eres tú. Y si eso se percibe como algo adelantado a su época, entonces ahí es a dónde llegó. No es algo que uno realmente se puede imaginar, yo sólo he tratado de divertirme.

Biz: Una de las primeras veces que descubrí tu música, vi un flyer chino muy interesante que te difundía como el padre del noise rock. ¿Cómo es tu relación con el público chino?

Simeon: Es maravillosa. El público es muy bueno y además hay música realmente interesante por allá. Lo que sucede es que hay una escena oculta de música y arte ilícito, no aprobado por el gobierno. Esta movida es realmente grande en China y los artistas operan de una manera muy cercana en un network underground en el que se enorgullecen de ser parte de esta red clandestina. Tienen un par de clubs en los que hacen fiestas que abren muy tarde fuera de los márgenes de las autoridades, algo cercano a los raves. La escena no recibe ningún tipo de apoyo del gobierno a diferencia de muchos otros artistas, pero hacen cosas súper interesantes. Buscan formas de conectarse por internacionalmente sin ser rastreados por el gobierno, y encuentran maneras de llevar equipo especial comprado en eBay, como una especie de mercado negro.

Consiguen sintetizadores que ni nosotros tenemos! Pero ellos lo logran por sus conexiones underground en Tailandia o cosas así. Es algo excepcional, de mucha rebelión y muy divertido.

Biz: ¿Te interesas en la música actual?

Simeon: Trato, pero no me clavo. Todo el tiempo la gente me entrega sus discos, o acaban regalándome algo en los festivales, pero no he encontrado algo que me mueva o impresione particularmente. Aunque confieso que me gusta muchísimo lo que hace Portishead, que como dices están unos diez años adelantados y sé que ahorita están a la mitad de algunas grabaciones, así que seguramente tendrán algo nuevo pronto. He tocado con ellos. Geoff es increíble, Adrian también. Son grandes personas y la verdad es que no podría tener un mejor grupo de gente como aliados. Estoy muy orgulloso de lo que han hecho por mi… "We Carry On", como dice su canción. Es hermoso, un trabajo de amor puro.

Biz: Te vi tocar y me gustó el repertorio variado, con algunos clásicos… ¡Pero no esperaba que tocaras canciones nuevas!

Simeon: Sí. Tengo algunas nuevas cosas. Estoy construyendo un nuevo álbum muy lentamente, una canción a la vez… Pero es verdad. Ahí voy, sin prisa. Un día de estos va a haber un nuevo álbum de Silver Apples: con algunas de las nuevas canciones que escuchaste y otras cosas más nuevas que no he tocado aún. Tengo un montón de nuevas cosas.. de hecho, estuve haciendo una ópera un tiempo. Pasé cinco años haciendo un drama que cuenta una historia de un montón de gente del underground, pero musicalmente dejé de disfrutarlo. Mucho trabajo. Aunque puede que lo retome eventualmente.

Biz: Sé que tienes por ahí una grabación con Kawabata Makoto, que aún no ha salido. ¿Fue en vivo?

Simeon: Más bien fue en un estudio. Él tiene un sello, yo he tenido algunos a la mano pero esto era para que él lo hiciera. Parece que quiere terminar la producción y sacarlo en Japón, la intención es que una vez que esté allá afuera me invite y yo vaya a tocar con él. Lo cuál me gustaría más que tenerlo acá, pues quiero ir a Japón, me encanta allá. Va a pasar, ahora que recuperó las cintas. Las puso en una camioneta y se las llevó anoche, así que sucederá.

Biz: Además de estas colaboraciones con Portishead o Kawabata de Acid Mothers, ¿has pensado en integrar alguien a Silver Apples?

Simeon: No… Me divierto demasiado tocando en solo. Es muy libre ser una persona. Puedo cambiar las canciones, acelerarlas o alentarlas sin preocuparme de que un baterista se me vaya a perder en el camino. Creo que he encontrado mi lugar y me gusta hacerlo así. Pero en todo caso, lo que sí me gusta es colaborar con la banda de alguien más, yo seguirlos a ellos. Anoche, por ejemplo, que Kawabata me pidió que empezara al tocar con Acid Mothers Temple, estaba como en estado de shock. No sabía que hacer. Nunca había escuchado la canción que quería que tocáramos, me dijo el nombre pero eso no significa nada. No tenía idea.

Biz: Se notó un poco pero aún así fue un mind fuck.

Simeon: Sí, una vez que empezamos, todo estuvo muy bien. Pero tener que empezar era confuso, no sabía que era lo que querían. No tenía ni un tempo, ni una nota, ni absolutamente nada. Sólo empecé a tocar los osciladores, a hacer cosas con ellos y de pronto el baterista ya estaba conmigo. Sobre la marcha, estuvo bien. Pero fue interesante que me pidiera a mi empezar. Tienen una energía muy loca en la que nunca sabes qué va a pasar y tocan extremadamente alto.

Biz: Hay canciones tuyas que son muy conmovedoras. Como "Program" o "I Have Known Love", ¿qué nos puedes decir de esas hermosas letras?

Simeon: "I Have Known Love" fue escrita por mi novia en ese tiempo, Aylene. Ella ha seguido otra vida, se casó y se fue a vivir a Washington DC. Pero mantenemos contacto y de vez en cuando nos escribimos. Pero "Misty Mountain" y "I Have Known Love" son sus canciones. Ella era muy romántica, muy trippy o psicodélica, no sé… Auténticamente influída por las artes. Cuando tenía como 15 años empezó a escribir poesía y yo la conocí cuando tenía 20. Tenía muchos poemas y amé esa parte romántica. La mezcla de una letra romántica con lo árido de los osciladores, simplemente amo esa combinación.

Biz: ¿Tienes alguna postura respecto a la psicodelia o las drogas?

Simeon: No realmente. No tomo alcohol, no consumo drogas. Como muy saludablemente, jamás chatarra. Tengo 75 años y no me siento un día más viejo de como si tuviera 25 [Risas]. Pero hay algo ahí. Tiene que ver con una vida sana, y es algo en lo que todo mundo debería de concentrarse. Pues la verdad es que cuando comemos, no sólo lo hacemos por disfrutarlo, sino para sobrevivir. Considero que comer apropiadamente es muy probablemente lo más importante que hacemos en nuestras vidas. Comer lo adecuado es lo que más me importa en la vida, hay mucho ahí.

Biz: ¿Has visto gente perderse?

Simeon: Sí. Pueden hacer lo que quieran y no sé por qué alguien desearía perderse en drogas, pero lo he visto. No promuevo las drogas en mi música pero confieso que "Sea Green Serenades" del primer disco es una canción de amor hacia la marihuana. A todos nos encantaba y creo que siempre ha sido algo normal, desde los días de las cuevas … Pero era una canción de amor. Si la dedicara de un vaso de vino, sería parecido. No significa que lo promueva, sino más como un mensaje de amor. Nunca he estado muy a favor de las drogas ni entiendo porque alguien los promovería.

Biz: ¿Te quedarás a ver a Sonic Boom más tarde hoy?

Simeon: Sí, me gustaría. Aunque si toca muy tarde será complicado. Tengo una producción de video que atender mañana temprano y vivo en Alabama. Aunque en mi casa tengo un pequeño velero y uno de estos días voy a navegar a México. Me encantaría tocar en México, nunca lo he hecho aunque he ido varias veces. Una vez iba a ir a una galería de arte, pero finalmente no se concreto y sigo sin tocar ahí. Espero que un día pronto alguien me lleve.

Tierra Mágica, un mixtape de amor a la naturaleza

por Mucsi Nauta.

Pretendía lanzar este bonito mixtape en el día de mi cumpleaños, pero tuve algunas dificultades técnicas y hasta ayer lo pude concluir oficialmente. Espero puedan darse la oportunidad de escucharlo y agradecería mucho también que lo pudieran compartir 🙏🏼

Tierra Mágica surge como manifiesto musical del amor intrínseco a la naturaleza, la magia que habita en ella y en nosotros mismos.

De la experiencia de viajes a lugares dentro de México; Centro y Suramérica, teniendo mi primer acercamiento a tierras andinas a través de la Cordillera Oriental de los Andes Colombianos, apenas a 3,300m de altitud, en Sesquilé, Cundinamarca.

El arte de la portada fue en primera instancia, una fotografía mía sobre el Cerro de las Tres Viejas en Colombia, sin embargo, Diego Madero Islas, gran amigo y extraordinario creativo, reinterpretó la foto a través de AI y logró ese maravilloso resultado.

Los sonidos de este mixtape buscan materializar los sentidos detrás de mis experiencias viajando, donde por primera vez logro que el dancefloor se traduzca en montañas, bosques, mares y ríos; un baile a través del campo, su gente, su flora y su fauna, y que además funge como soundtrack de un proyecto de fotografía que comienzo a partir de ahora.

Aquí pueden escucharlo: 

Y aquí pueden descargarlo: https://bit.ly/magicmucsi

H R 3 0 0 1

X: HELENE RAMOS

NEW MUSICALE EXCESS! ES ESTA COLUMNA CON SUS MEGA ULTRA PERCEPCIONES SENSORIALES DE LA ESCENA COMO MEDICINA ESPACIAL PARA MEJORAR LA SALUD HUMANA EN LA TIERRA. CONECTIVIDAD UBICUA EN INFORMACIÓN DE TOTAL VALOR DESDE DIVERSAS ÓRBITAS  A GRAN Y TOTAL ESCALA ◻️

El acto londinense DEARY desde que lanzó su EP "Fairground"(Demo) goza de un reconocimiento inmediato e inesperado. La pieza titulada igual se convirtió en un atrapa oídos ¡sensacional! Todo un lullaby etéreo sobre una vocalización ídem y un lánguido breakbeat, muy cercano en el inicio al tema 'Soon' de MY BLOODY VALENTINE, alcanzando el universo sonoro de SAINT ETIENNE, PORTISHEAD y GOLDFRAPP. Dottie es la cantante y guitarrista, junto a Ben quien es la otra parte de la dupla, además de ser multi-instrumentista, los dos comparten su gran admiración hacia Liz Fraser/COCTEAU TWINS. Ha sido Simon Scott/SLOWDIVE quien ha masterizado 'Fairground' y producido x la dupla misma. El tema combina trip-hop como altos momentos auditivos brillantes. 'Only Need' se inclina hacia 'Heaven Or Las Vegas' como que las influencias de COCTEAU TWINS perseveran a cada instante en este disco. DEARY x estos días está promocionando 'Beauty In All Blue Satin' (sello Sonic Cathedral) tema que es la canción favorita que ambos aman ejecutar en vivo. Lo de DEARY es dream-pop experimental etéreo y muy cercano al soundtrack de nuestras vidas saga de la década de 1990◻️

A abrirse de oídos ante LALA SALAMA, neo acto y fichaje del sello All that Plazz. Este combo está integrado x Roosa Silaste, Aliisa Keranen y Santeri Hytonen -con base en Finlandia. Tras un satélite en single anterior y un EP, ellos comparten su tema 'Summer Love' que navega entre shoegaze y avant-garde noise. Dale play  https://youtu.be/N4PjZmDcFiE◻️ANIMAL COLLECTIVE comparte la reedición de su primer LP 'Spirit They're Gone, Spirit They've Vanished' (2009) vía Domino Recordings. Además de las pistas remasterizadas del álbum, este incluye el EP 'A Night At Mr. Raindrop's Holistic Supermarket' con 5 pistas inéditas. Entre ellas su versión para 'Dreams' de FLEETWOOD MAC, grabada durante el mismo período de su álbum debut y mezclado x Deakin. FM no lo podría reconocer de inmediato, como otros muchos a excepción de quienes sabemos x donde van las órbitas de ANIMAL COLLECTIVE. Dale play https://youtu.be/H2MWRHdHevE◻️

HEAVENLY, formado de las cenizas de TALULAH GOSH/Oxford en 1989 que ha lanzado 4 álbumes de estudio, estos serán todos reeditados x Skep Wax Records para el deleite de los devotos del twee-pop. El primero se lanzó en 2022  'Le Jardin de Heavenly', lanzado originalmente en 1992, es el segundo álbum que se relanza este año como celebración de la reunión de la banda que se junta nuevamente para tocar en este mes de mayo en Bush Hall de Londres. El álbum 'Le Jardin de Heavenly' publicado x K Records y Sarah Records es un clásico de la banda. La reedición incluye además el sencillo de HEAVENLY para Sarah Records titulado: 'So Little Reserve'/'I'm Not Scared Of You' como otro satélite en single lanzado x K Records: 'She says'/'Escort Crash on Marston Street'◻️ El sello Elefant Records/España me envió los singles de HEAVENLY, que ellos reeditaron también ◻️

HEAVENLY retorna a los escenarios tras 28 años de ausencia: Rob, Pete, Cathy y Amelia reunidos junto a Ian Button en la batería. Como sabemos, el acto tuvo un final trágico cuando el baterista original de la banda Mathew Fletcher se quitó la vida en 1996. Tras un año de pausa, la banda se reformó como MARINE RESEARCH durando x un tiempo muy corto. Amelia Fletcher (hermana de Mathew) y Rob Pursey tocan actualmente en CATENARY WIRES y en SWANSEA SOUND, Peter Momtchiloff toca en WOULD-BE-GOODS como en TUFTHUNTER. La época luminosa de Sarah Records se reactiva y, recuerdo muy bien cuando difundía a todas esas bandas de dicho sello x las ondas hertzianas en Lima/Perú para una audiencia que denomino como la generación de generaciones. Todas estas y más:  ST. CHRISTOPHER, THE ORCHIDS, THE WAKE, BOYRACER, BRIGHTER, THE FIELD MICE, EVEN AS WE SPEAK, ANOTHER SUNNY DAY, SEA URCHINS, SECRET SHINE, BLUEBOY, THE SPRINGFIELDS... https://youtube.com/watch?v=PA0lMN ... bandas inmersas en fuzz de ensueño -en algunas de ellas-, suaves, sensibles, supra adorables y bellas con el espíritu DIY (Do It Yourself). Sonido original de nuestras bellas vidas. Recomiendo este buen libro 'These Things Happen: The Sarah Records Story' publicado x la editorial Tangent Books◻️

Cuando Amelia Fletcher y Rob Pursey fundaron Skep Wax Records  es cierto que fueron altamente muy influenciados x los sellos indie y sobre todo x Sarah Records. X otro lado, recuerdo igualmente en mi VIXOR DE MEMORIA, haber llegado una bella mañana soleada de domingo con toda mi amada colección de Sarah Records a Radio Miraflores AM/FM, para presentar un Especial del sello al aire, y x cierto muy celebrado x los oyentes del programa matinal EQUINOCCIO. El sello indie estuvo activo desde noviembre 1987 hasta agosto 1995, siendo formado en Bristol x Clare Wadd y Matt Haynes. Editando además sus fanzines con flexi-discs incluidos: 'Are You Scared To Be Happy' y 'Kvatch'. Era entonces la época jangly indie-pop influenciada x la cultura de los fanzines de aquellos años lumínicos◻️

* El libro 'These Things Happen -A Story' of Sarah Records, publicado Mayo/Junio 2023 x Tangent Books e incluye 120 entrevistas y destinado a ser el Libro del Año.

BAR ITALIA, trío post-punk londinense lanza su neo álbum: 'Tracey Denim' vía Matador Records, el primero de la banda para el icónico sello. El combo ha compartido su single 'Changer'  https://youtu.be/vk7xLJlehUo como que han anunciado su gira x USA, UK + Unión Europea durante los meses de octubre y noviembre. Acto integrado x Nina Cristanti, Jezmi Tarik Fehmi y Sam Fenton. Tienen lanzados 2 álbumes previamente, como un EP y varios satélites en singles vía el sello World Music de Dean Blunt◻️El acto: bdrmm, promueve su single 'Pulling Stitches' tercer extracto de su álbum 'I Don't Know' disponible desde el 30 de junio vía Rock Action. La misma fecha que estará disponible 'Messy'/OLIVIA DEAN. Un álbum en vena ecléctica plagado en singles A1, que va a desesperar a quienes disponen de los Awards de fin de año. Tendrá varias de las nominaciones, que x  cierto está columna lo ubica como: Highly Recommended. Desde ya... 'Dive' https://youtu.be/YYlSa4M2zzM a la fecha, es el single del día, mes, ¡Año! en su género. Colegas y amigos del NME, a rectificar sus líneas. Fe de erratas que le llaman...◻️X su parte, desde Hull, bdrmm son los paladines que brillan dentro de su explícita circunferencia magnética shoegaze◻️Desde Rusia, el combo tantas veces de visita en Perú: MOTORAMA, comparte 'Sleep, And I Will Sing' su neo álbum tan altamente recomendable para los nostálgicos y, con 8 gemas sónicas que traerán a tu mente cierta base rítmica de unos THE SMITHS, mientras que el tema 'Twilight Song' te llevará al universo central de JOY DIVISION e Ian Curtis, tan recordado x las tribus indies y  sumamente apreciado x siempre◻️

LILI son LILIES ON MARS, dúo de Sardegna/Italia con sede ahora en Londres integrado x Elisabetta Maria y Marina Cristofalo, entonces activas desde finales de la década del 2000 al 2015 con el álbum '∆GO'. Si la última fase de la anterior encarnación resumida en 'After The Vacuum' - recopilatorio-, descansaba sobre un fino dance-pop apoyado con sintes e imbuido de atmósferas etéreas, bien... ambas mantienen aún su carácter sintético como también reconfigurando sus sinapsis sobre una propuesta rítmica, entre sintes, electro y house. Su macroesfera 'Spaziotempo' incluye el primer single extraído 'Un Altro Tempo'◻️BLONDSHELL - 'Salad' con Sabrina Teitelbaum al frente, está dando de qué hablar. Ella nació en Nueva York y radica ahora en Los Ángeles/California. Tras una carrera bajo el alias de BAUM, debutó como BLONDSHELL -en junio 2022 con el single titulado 'Olympus'. PJ HARVEY, COURTNEY LOVE, HAIM... entre sus actos favoritos. Su reciente opus satélite en single 'Salad' disponible. Link: https://youtu.be/m-AolGenrfg

FLIPTURN, banda proveniente de Fernandini Beach/Florida  expande su música de tal modo que si se convirtiera en colores, serían acuarelas vibrantes sin contornos oscuros como opinan otros. Particularmente, ellos mesmerizan mis días ¡cada vez mas! Su sonido cinemático seduce, su inspiración se basa en la escucha de variedad de bandas sonoras de muchas películas clásicas que han vertido en su estilo. 'Space Cowboy' fue lanzado antes de su álbum 'Shadowglow' vía Dualtone Records y lo tocaban en vivo desde 2021. El respectivo y tan celebrado vídeo, acompaña una experiencia visual muy impresionante que recuerda a MOEBIUS y al estilo de animación de aquel Fantastic Planet... ¿Y? ¡Experimenta y recibe tu abrazo cósmico y galaxial!◻️El prisma del orbe: THE ORB, imbuido en todo un espacio de voces y sonidos galácticos nos conecta a su álbum 'Prism' de resultado espléndido y nos permite revivir su época de gloria y de festivales ídem. Tanto que su 'Living in Recycled Times Feat. Rachel D'arcy' (incluído) me trasladó a la época sin tiempo del drum 'n bass de GOLDIE. ¡Sí! https://youtu.be/zdllv-0vvwYcsP◻️LADIES AND GENTLEMEN WE ARE FLOATING IN SPACE: la tal cuarentena global ha tornado a gran parte de la humanidad en cósmico-mega-espaciales... si es que aún no se han dado cuenta. Me, yo, myself? ¡Para nada!... ya lo era, (!mucho más hoy, sí!) como PINK FLOYD, THE ORB, WGA, SPIRITUALIZED, FÜXA, ORBITAL, SPECTRUM, SEAYA/STEREOLAB, GONG, SPACEMEN 3, MOGWAI, UFO, GROBSCHNITT... entre otros muchos más eternautas◻️ X estos días en mi radar: el combo polly con su tema MORNINGRISE, así escriben su nombre en minúsculas, al revés de lo común◻️A los NATION OF LANGUAGE con 'Stumbling Still' del álbum 'Strange Disciple' https://youtu.be/KUSlGnObhuU  también SOLENOIDE - 'Centinela' -combo peruano: https://youtu.be/VKGDSdR1ppU◻️No se trata del ocaso del universo x estos  tiempos en el planeta, sino de una grande purificación cósmica◻️STOP!

EXTRA PLUS!!!

TÚPAC AMARU II :. En Perú siempre es 1780

18 DE MAYO DE 1781.

ES EJECUTADO TUPAC AMARU:

18 de mayo de 1781 se cometió uno de los más atroces genocidios de la historia de la humanidad, en el cuzco, los conquistadores españoles estrangularon a Micaela Bastidas Puyacahua, esposa del cacique José Gabriel Condorcanqui, Tupac Amaru II quien fue descuartizado tirado por cuatro caballos y decapitado luego de presenciar el exterminio de su familia.

Ilustre cacique de Pampamarca, Tungasuca y Surimana, José Gabriel Condorcanqui Noguera Túpac Amaru, más conocido como Túpac Amaru II, nació el 19 de marzo de 1738 en el pueblo de Tinta (Cusco).

Ante los constantes abusos a los que los indios eran sometidos (el pago de tributo, el trabajo forzado en las minas – “mita” -), en la morian por millones de las galerías de las minas. Túpac Amaru buscó en primera instancia negociar y conciliar con las autoridades españolas. En 1776 presenta una petición formal para liberar a los indios del trabajo obligatorio en las minas, la cual es negada desde Lima. Contando con el apoyo de la población indígena, inicia su revolución hacia la segunda mitad del siglo XVIII. El 4 de noviembre de 1780, y debido a los abusos a los que sometía a los indios, apresa al corregidor de Tinta, Don Antonio de Arriaga, a quien ajusticia seis días después.

Junto a su esposa Micaela Bastidas y con ayuda de ésta, reclutó adeptos a su causa, venciendo al ejército realista en la batalla de Sangarará, tras lo cual repliega sus tropas en la ciudad de Tungasuca, esperando poder negociar con las autoridades españolas. El 8 de enero de 1781 se enfrenta, sin éxito, al ejército enviado por el Virrey Jáuregui y Aldecoa, siendo perseguido y hecho prisionero por el General Ventura Landa.

El Visitador José Antonio Areche, enviado para investigar los abusos contra los indígenas, condena a Túpac Amaru a presenciar la muerte de los miembros de su familia y luego a morir descuartizado. Su muerte no fue en vano, ya que las causas que motivaron su revolución fueron consideradas para efectuar cambios en el sistema político-administrativo, traduciéndose en la supresión de los corregidores, instaurándose el régimen de las intendencias. Además, se creó la Audiencia del Cusco, donde se ventilaban casos de abusos en contra de los indígenas.

- RUNA CHAY.

Jimmy Dorothy presenta EP con concierto en Barrancore

JimmyDorothy, una de las bandas pioneras del indie peruano y el lo-fi, presentará su segundo material discográfico titulado “Triste, Romántico y Sabroso”. 

El EP se compone de tres canciones que expresan diferentes estados emocionales: la tristeza y la soledad juvenil en una canción rockera; la nostalgia y el romanticismo en una canción pop; y el sarcasmo y las pasiones en una cumbia sabrosa.

La música de JimmyDorothy se ha caracterizado por su diversidad en los estilos musicales y la particularidad de la interpretación vocal. Ritmos tropicales, guitarras psicodélicas y voces armoniosas, se juntan para consolidar el estilo dorothiano.

La presentación del EP contará con un show presencial a realizarse en el Bar 4 Compadres en el Centro de Lima, el día 27 de mayo del 2023. Las entradas en preventa pueden adquirirlas al celular 994616959.

JimmyDorothy, una banda del distrito de Los Olivos, Lima Norte, con 11 años de trayectoria musical. Ha compartido escenario con músicos de la escena latina como Mon Laferte, Manu Da Banda y Bestia Bebé, entre otros.

Conoce más de su música aquí: https://www.instagram.com/jimmydorothy/

Un nuevo libro comparte las perspectivas de las mujeres en Factory Records

Factory Records se ha convertido en material de leyenda. Las historias del sello se han contado desde muchas perspectivas, desde catálogos visuales y memorias hasta exposiciones. Sin embargo, nunca se ha contado una historia profunda desde la perspectiva de las mujeres que fueron parte integral del significado cultural de Factory.

La historia no contada de Factory Records es el trabajo de mujeres en casi todos los aspectos: grabar música, tocar en vivo, dirigir el sello entre bastidores, administrar y promocionar bandas, diseñar carátulas de discos, hacer películas y videos musicales, ser pioneras en tecnología de sonido, ser DJs, y dirigiendo uno de los clubes más caóticos del planeta, La Haçienda.

Contada íntegramente con sus voces y con contribuciones de Gillian Gilbert, Gina Birch, Cath Carroll, Penny Henry y más de cincuenta entrevistadas más, I THOUGHT I HEARD YOU SPEAK (TR: PENSÉ QUE TE ESCUCHÉ HABLAR) es una historia oral que revela el verdadero alcance cultural del sello y su poder de permanencia en el siglo veintiuno.

PUEDES ADQUIRIRLO ACÁ.

carol morely

El libro que he estado esperando durante toda mi vida adulta. Un recuento maravilloso y fresco de un tiempo y un lugar que nunca se ha visto ni escuchado de manera significativa desde la perspectiva de las mujeres. Estos fascinantes, perspicaces y divertidos testimonios de lo que era estar conectada a Factory, que se desarrollan como una historia de detectives que presenta toda la evidencia compleja, están bellamente entretejidos. El alcance y la potencia de las voces individuales desatadas adquiere una fuerza colectiva, convirtiéndose en un rugido fantástico: estuvimos allí todo el tiempo y no seremos olvidadas.

DJ Paulette

I Thought I Heard You Speak no es simplemente una adición esencial al archivo de libros, películas y exhibiciones de Factory Records, es una lectura recomendada. Punto.

Rebecca Boulton, Manager de New Order

Me complació mucho hablar con Audrey sobre mis recuerdos de trabajar con New Order y Factory Records. Creo que es muy importante que la historia de Factory Records incluya y reconozca la contribución de varias mujeres desde el principio al legado que continúa hasta el día de hoy.

Sinéad Gleeson

Un libro importante sobre las mujeres que giran en torno a la escena Factory/Manchester.

Shirley Manson

En una industria que principalmente descarta u olvida convenientemente las vastas contribuciones de las mujeres, estoy encantada de que este libro exista. Bravo Audrey Golden. Gracias por dar testimonio.

Crisálida Sónica: La escena peruana del shoegaze que se adelantó al mañana

Plenitud y una experimentación que los emparenta con jornadas como las del krautrock alemán y el postrock de sus contemporáneos.

por WIL VOLADOR
publicado originalmente en NOISEY/VICE

Hacia mediados de los 90 Perú era una sociedad libre del terrorismo senderista pero gobernada por la corrupta dictadura de Alberto Fujimori, el Pinochet peruano alias “Chinochet”. Mientras iniciaba el reino del neoliberalismo y de la llamada “República empresarial” unos cuantos jóvenes inquietos encontraron en los sonidos su principal vía de escape: a pesar de la apabullante presencia de géneros como el hardcore punk, el dark wave o el grunge para no hablar del folklore y las cadencias afrocaribeñas existió un puñado de creadores que apostó por cultivar músicas frescas y transgresoras en un medio que decididamente no estaba preparado para ello.

Marzo de 1997. Crisálida Sónica fue el título del cassette que reunió a algunos de los implicados en dicha escena: Catervas, Espira, Fractal e Hipnoascensión. Shoegaze, post-rock, ambient y neo psicodelia son los géneros a los que nos remite esta maqueta hoy considerada de culto en la escena peruana. Una hora de un tremendo trip por las alturas y simas del sonido, la plenitud etérea y una experimentación que los emparenta con jornadas como las del krautrock alemán y el postrock de sus contemporáneos. Mucho antes de la aparición de actos como Mogwai o Explosions in the Sky.

El vuelo ignicia con “b.2ble.p” por Catervas o Robin Guthrie y Brian Eno jugando en el jardín de niños. Ideal para tus vuelos astrales o para soñar que el mundo puede ser un lugar mejor a pesar de la insulsa realidad. Ya en la cara B “A caminar” denota la filiación new waver de la banda de los hermanos Reyes. Mención aparte para la exquisita contribución en el sintetizador de Wilmer Ruiz (miembro de Fractal y Resplandor). Espira –integrado por el Chino Burga, Renzo Lari, Aldo Castillejos y Raúl Ochoa- decora tu mente con las sensaciones naif y celestiales de “Cielo de azul ensueño” y “Espiral mi alma”. Miguel Ángel Burga canta cual shoegazer noventero mientras el grupo continúa las enseñanzas de Kevin Shields y cofradía. Notable por donde se le mire. La música se torna experimental y electrónica cuando Fractal y su admiración por Spacemen 3 y Main aparecen. En ese momento uno puede sentir que esto va en serio, que quizás para algunos no hay medias tintas. Hipnoascensión cierra ambas caras del tape con “Alma de neón” y “Mística Creación”, ejercicios musicales ideados en el cono norte limeño entre canutos de marihuana, “mixtos” y encerronas escuchando discos de scally, baggy y neo psicodelia. Hacia el final de ambos lados se incluyen fragmentos de ensayos, sesiones de radio y live takes que extienden aún más el horizonte metamusical del colectivo.

Crisálida Sónica fue más que el cassette que le dio nombre. No podemos dejar de mencionar actos como DiosMeHaViolado/Evamuss de Christian Galarreta, un acérrimo del sonido Seefeel y de My Bloody Valentine devenido en noiser laptopista al día de hoy activo e instalado en Rotterdam (Holanda); Labioxina, el proyecto de Fernando Ponce (ex Avalonia) quien en su debut se dejó llevar por los devaneos del techno ambient de la época y Girálea, el proyecto de Carlos Mariño (ex Resplandor y Espira) al amparo de gente como Low, Slowdive y Loop.

El público de Crisálida Sónica fue ínfimo. Frecuentemente los conciertos –vibrantes desde luego- lucían vacíos. La desintegración hacia fin de milenio era inevitable. Aunque los miembros del colectivo no han parado de producir el reconocimiento a su labor pionera les ha sido esquivo en su país de origen hogar de una escena cada vez más pasteurizada y estandarizada que coquetea con el lavado de narco dinero. Lo sabemos bien: “sin música la vida sería un error”.

Ser mujer y, además, pensar

Huelga decir que, en las diversas épocas de las que nos ocuparemos, los procedimientos de trabajo y de producción de obras filosóficas fueron radicalmente diferentes tanto para varones como para mujeres. Sin embargo, debemos señalar las mayores restricciones que padecieron las mujeres en el acceso a la educación en general. Por un lado, al igual que sucedió a los varones, históricamente solo algunos grupos estamentales más acomodados pudieron brindar una educación sistemática a sus hijos,  preocupación que queda claramente plasmada en, por ejemplo, la República de Platón. En esos casos, el objetivo era producir  “kaloskagathos”, un concepto que significa aproximadamente formar “hombres buenos y nobles”, donde “hombres” es sinónimo de “varones”. ¿Por qué? Pues porque hay un fuerte presupuesto, parcialmente desafiado por el propio  Platón, que en épocas recientes se ha denominado “sesgo sexista”.

Pongamos un ejemplo: Aristóteles se ocupa de los llamados nacimientos monstruosos (terata) y reconoce diversos modos de monstruosidad: 

1. Ser mujer y no varón, porque la mujer es un varón incompleto, una réplica imperfecta del eidos, cuya forma perfecta es el varón. 

2. Parecerse a la madre y no al padre, ya que siempre es preferible  parecerse al padre como garantía de paternidad legítima. 

Si además este ser monstruoso es inteligente, resulta “contra-natura” (arrenopoi) porque desafía las leyes de la naturaleza. No es la única concepción de mujer que ofrece la Antigüedad, pero sí la que se proyectó con más intensidad sobre Occidente.

La tradición judeo-cristiana, por su parte, no ofreció mayores ventajas a las mujeres. Más allá de las controversias actuales sobre la autenticidad de los textos, las dificultades que ofrece su interpretación y sus contradicciones internas, la lectura de pasajes como, por ejemplo, los de Pablo a los Corintios (11, 3), expresa: “Pues bien: quiero que sepáis que la cabeza de todo varón es Cristo, y la cabeza de la mujer [es] el varón, y la cabeza de Cristo [es] Dios”, y no deja dudas sobre un orden jerárquico que  subordina a las mujeres a los varones. Afirmaciones como “Y toda mujer que ora o profetiza descubierta la cabeza, deshonra su cabeza; es como si se rapara” (Corintios 11, 6) o “Si una mujer no se cubre, que se rape” y “Si es indecoroso para una mujer cortarse el pelo o raparse, que se vele” (Corintios 11, 7) seguidas de “El varón no debe cubrirse la cabeza, porque es imagen y gloria de Dios; mas la mujer es gloria del varón, pues no procede el varón de la mujer sino la mujer del varón; no fue creado el varón para la mujer sino la mujer para el varón” (Corintios 11, 7-9), refuerzan el orden jerárquico y no dejan dudas sobre la dependencia de las mujeres respecto de los varones.

La subordinación y dependencia, fundada en la teología o en la  naturaleza, fue también jurídica y social, y puede constatarse hasta bien avanzado el siglo XX sin, salvo excepciones, demasiadas distinciones entre científicos, ideólogos o políticos, como lo denunció Simone de Beauvoir en 1949. Tomemos dos ejemplos, ambos de 1801, del ala progresista del bonapartismo. Por un lado, la afirmación del médico-científico Pierre-Jean-Georges Cabanis:

“La materia del cuerpo femenino se caracteriza por la blandura de la  carne, la debilidad de las fibras musculares, la ausencia de densidad tanto en los huesos como en la carne, la extrema sensibilidad nerviosa y una gran movilidad de la actividad cerebral /…/ producida por la presencia del útero y los ovarios /…/”. 

Por otro lado, la del ideólogo reformista Sylvien Maréchal que, en forma de versos, sentencia:

“A las mujeres: Si os está prohibido el árbol de la ciencia / Conservad sin lamentos vuestra dulce ignorancia / Guardianas de vuestras virtudes y madres de los placeres / A los juegos inocentes, consagraos y recreaos”. 

Las afirmaciones precedentes, repetidas durante los siglos de modo más o menos reelaborado, dejan a las mujeres en un terreno poco fértil para construir autoestima y confianza en sus capacidades intelectuales. Por supuesto, muchas mujeres desafiaron los lugares de inferioridad a los que estaban destinadas. No obstante, como muy bien lo señala Waithe, “los monstruos siguen sin integrar el canon”; y ella misma tuvo que buscar en archivos poco frecuentados para encontrar tanto su producción filosófica cuanto literaria.

Mujeres filósofas

Es difícil evaluar la calidad de la producción de las mujeres. En  principio, contamos con textos fragmentados, que responden a diferentes épocas, y que no siempre es posible adscribir genealógicamente –en términos foucaultianos– a una determinada escuela. A pesar de ello, un dato interesante es que, desde la Antigüedad, hubo mujeres dedicadas a la filosofía: los pitagóricos incluyeron muchas mujeres entre sus miembros y otro tanto sucedió con los neoplatónicos; el Siglo de las Luces francés contó con numerosas intelectuales, mientras que el Romanticismo, de la mano de las enseñanzas de Jean Jacques Rousseau, las apartó nuevamente  al papel de frágiles musas de las obras de poetas, artistas plásticos y  filósofos.

¿Hicieron aportes las mujeres? ¿Cuáles? En primer término, desafiaron la condición de “inferiores”, “incapaces” o “dependientes” a que las destinaba su esencia femenina. A iguales posibilidades educativas por pertenencia de clase, estamento social u oportunidad educativa, y disponibilidad de tiempo propio muchas eligieron la literatura, la ciencia y la filosofía. Tal como afirma la filósofa contemporánea Martha Nussbaun, para la mayoría de ellas, la forma literaria no era separable del contenido filosófico; es más, formaba parte del contenido; una parte integral de la búsqueda y del establecimiento de la verdad. En consecuencia, literatura y filosofía fueron modos que les permitieron constituirse en un “sujeto intelectual mujer” y, con ello, contribuir a la construcción no solo del conocimiento sino también de una conciencia positiva respecto de sus capacidades, apartándose de definiciones peyorativas, descalificaciones  “edificantes” e inferiorizaciones “científicas”. Incluso, en los períodos más adversos debido a la censura pública, muchas de ellas teorizaron en diarios íntimos o epístolas como el espacio que les permitía construir un yo narrativo y posicionarse críticamente ante su situación y ante sí mismas.

Otras, como Christine de Pizán (siglo XV), proyectaron un futuro utópico en el que la libertad y la equidad primara sobre el supuesto destino que la sociedad patriarcal les prescribía inexorablemente. En los casos en que pudieron entrar a universidades o escuelas  superiores, produjeron obra en la que disputaron los problemas teóricos de sus respectivos contextos histórico-filosóficos, entablando debate con sus colegas varones. Así lo hicieron, por ejemplo, Hipatia de Alejandría (siglo V), de la academia platónica, Anne de Conway (siglo XVII), quien discutió la teoría de los cuerpos de Thomas Hobbes o Mary Astell (siglos XVII-XVIII) quien señaló el hiato teórico en que incurrió el mismo filósofo en el Leviathan respecto del lugar de las mujeres en la sociedad civil; que retomaría a finales del siglo XX por la politóloga Carole Pateman (siglo XX). 

Muchas veces se les prohibió el uso de la palabra y de la pluma, como a Christine de Pizán o a Sor Juana, o simplemente fueron asesinadas como Hipatia, por proseguir sus investigaciones “paganas” sobre astronomía.

También a muchos varones se les prohibió la libertad de expresión, como al Marqués de Sade, el libertino (1791), o fueron quemados como el astrónomo y teólogo Giordano Bruno (1600), pero por algún motivo, a pesar de que su obra se prohibiera o se quemara en acto público, subsistió alcanzando amplia difusión y prestigio. No sucedió lo mismo con las obras de las mujeres. La respuesta más habitual apunta a la calidad de sus contribuciones, lo que es altamente debatible, pero excede las posibilidades de esta introducción.

Lo cierto es que la mayoría de las filósofas tuvo que esperar hasta el siglo XX para que sus obras fueran rescatadas del anonimato. Por un lado, durante largos períodos de la historia, no les fue permitido firmar con nombre propio sus textos, bajo el precepto de que haciéndolo deshonraban a sus familias; figurando en consecuencia la mayoría de sus textos como de “autor anónimo”, ocultando como lo señalara alguna vez Virginia Woolf, a una mujer. Por otro lado, superada la etapa de anonimato forzado, la mayoría de las mujeres firmaba con su inicial y su apellido paterno o marital, o un pseudónimo masculino, desdibujándose su autoría. Pensemos en George Sand. Incluso hoy se debate, con buenos argumentos, si La  sujeción de la mujer (1869) de John Stuart Mill la escribió efectivamente el filósofo utilitarista inglés, su esposa Harriet Taylor, o si fue una contribución entre ambos aunque sólo Mill la hubiera firmado. 

Las mujeres llevaron a cabo un debate interesante respecto de la no-sexuación del alma. Se trata de un argumento esgrimido de modo directo o indirecto por todas las filósofas, no materialistas. Desde la  Antigüedad, la mayoría de los filósofos varones sostuvieron una concepción dualista del ser humano. Esto es, caracterizaron a los seres humanos en términos de la unión del cuerpo y el alma; o el cuerpo y el alma racional o mente. Entendieron ambas entidades como separadas o separables, aunque unidas de algún modo durante la vida. Fueron defensores del dualismo, Platón y Aristóteles en la Antigüedad, los filósofo-teólogos medievales, relevantes filósofos modernos como Descartes o Leibniz, y contemporáneos como Soren Kierkegaard o Gabriel Marcel. 

Desde la Antigüedad clásica algunos filósofos y científicos sostenían que la carne (la materialidad del cuerpo) limitaba el alma (la razón), pues los cuerpos de las mujeres sufren procesos que no controlan –menstruación, embarazo, lactancia– lo que muestra que no alcanzan la perfección del eidos, como vimos en los argumentos de Aristóteles o de Cabanis, haciéndolas más débiles, fofas y frágiles.

Las mujeres, sin embargo, siempre entendieron al “alma” (psyché) o “razón” (nous) como a-sexuada y al “cuerpo” (soma) como portador de las marcas del sexo, de la raza u otras. Es decir, en principio, un mismo argumento les valió para desmontar la jerarquización de los sexos y de las razas. A modo de ejemplo, contra la advertencia de Fray Luis de León de que la naturaleza no hizo a la mujer buena para las ciencias ni para los negocios sino solo para el “oficio doméstico”, María de Zayas (siglo XVII) responde en uno de sus textos “las almas ni son hombres ni son mujeres, ¿qué razón hay para que ellos sean sabios y presuman que nosotras no podemos serlo?”. Deducción implacable del concepto de “alma” como entidad neutra.

Los filósofos materialistas, por lo general contrarios a aceptar entidades no materiales o de tipo espiritual, dejaron a las mujeres más frecuentemente atadas a los límites de su materia imperfecta, hasta tiempos muy recientes.

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Pero el eje de la controversia se halla en si se agrega una historia de las filósofas en “paralelo” y de carácter autónomo, a la manera en que lo hace Mary Waithe, o si se entreteje una nueva forma de transmitir la historia de la filosofía incorporando al debate filosófico de cada época la voz de las mujeres. No es este un problema menor, aunque no podamos darle solución ahora. Por nuestra parte, y dado que la obra de la mayoría de las filósofas es aún desconocida, aunque aspiremos a la segunda opción, nos limitaremos a ofrecer un panorama incompleto de algunas filósofas que por su importancia consideramos imprescindibles para cualquier historia de la filosofía que quiera construirse sobre bases no sexo-sesgadas.

En La raison en procés (1986), un libro poco difundido en nuestro país, Louise Marcil-Lacoste apunta al modo en que la incorporación de los textos de las mujeres habría incidido en los nuevos postulados de racionalidad, sus criterios y sus vinculaciones. La filósofa propone tres preguntas fundamentales de tipo epistemológico: si los estudios de la mujer producen sistema; si constituyen un nuevo modelo y, por último, si conforman un nuevo paradigma. A todas esas posibilidades, retóricamente planteadas, responde negativamente. En principio, porque consideraba que, los estudios de la mujer son fundamentalmente sintomáticos.

Marcil-Lacoste retoma una herramienta conceptual de Althusser, para quien, como se sabe, leer ya es un problema. En principio, porque no existe lectura inocente y porque, sea cual fuere esa lectura, somos culpables y responsables de ella. Para Marcil-Lacoste, confesar esta falta inevitable, esta culpa necesaria, implica abandonar la ilusión de la lectura inocente, objetiva y neutra, como la que históricamente ha asumido el paradigma patriarcal, instituyéndose en parte y todo. La lectura implica, por el contrario, una responsabilidad intelectual que no podemos dejar de asumir y la denuncia del sesgo excluyente de la “objetividad tradicional” implica la apropiación de una “lectura sintomática”, que denuncia y rompe con las “junturas” naturales de la complicidad que “olvida” la producción filosófica de las mujeres. 

Por eso, el feminismo filosófico y la teoría de género rompieron la  complicidad entre la realidad y sus definiciones hegemónicas para  implementar una mirada desde los márgenes y, desde ahí, examinar los modos en que el discurso dice y no dice, advierte y no advierte, de manera ambigua e imprecisa, el lugar de las mujeres y de las minorías excluidas.

Ese discurso exige una hermenéutica; el feminismo filosófico y la teoría de género vienen contribuyendo a superar la continuidad entre el texto y la realidad, iluminando otras relaciones no inmediatamente visibles, no obvias, no naturalizadas. Ante todo, porque se ha irracionalizado la visión hegemónica y establecida de la realidad, llevándonos a ver cosas, situaciones e inequidades que, sin las nuevas categorías comprensivas no podríamos ver. Como advierte Marcil-Lacoste, los escritos de las filósofas son relevantes en número, especialmente críticos y miran/leen desde un  lugar descentrado, marginal, que ilumina las condiciones de apreciación de una realidad otra que exige una nueva forma de escritura. Estas miradas desde los márgenes invitan, como lo advirtió Sandra Harding, a la deconstrucción de la mirada/lectura hegemónica, favoreciendo la instalación de la duda sobre el “significado único de un texto”, definido siempre unívocamente desde el centro. Por eso, mirar y escribir desde los márgenes supuso para las filósofas prestar atención a su propio margen y a sus características, habitualmente consideradas poco relevantes. Observaron y vieron atentamente todo aquello que quedaba fuera del  núcleo central e intentaron hacer visible lo que, de otro modo, hubiera quedado oculto, sin subvertir el margen por el centro para repetir la secuencia, porque el centro y el margen se manifiestan siempre juntos, en un espacio único de significados compartidos y vinculados que se niegan y se confirman mutuamente.

MARÍA LUISA FEMENÍAS
Ellas lo pensaron antes (2020)