Hipnoascensión: desde la primigenia Katarsis

“La música es la voluptuosidad de la imaginación”--- Delacroix.

por REVORDRIFT

Los noventas en el Perú estuvieron marcados por la dictadura  fujimorista avalada entre otras cosas por un crecimiento económico global además de la versión oficial sobre el auge y caída del terrorismo. Fue una década que sirvió para demostrar hasta qué punto la clase dominante peruana podía dejarse manipular …

En Europa y Estados Unidos surgían escenas musicales como la del shoegaze, el acid house en UK y el post rock y el ambient tanto en UK como en EEUU. Estos nuevos géneros bebían tanto del noise rock, del krautrock, de la música electrónica, como de la tradición psicodélica. Comienzan a germinar en Lima así propuestas musicales independientes que hasta cierto punto emulaban estas movidas, distintas a las comerciales y renegando de las propias modas que el mainstream imponía en el país, tanto desde la metrópoli septentrional como de los ajenos ritmos tropical-latinos tan populares en países periféricos como Perú.

“La música es para el alma lo que la gimnasia es para el cuerpo”----Platón

Lima era una ciudad convulsa en esos años. El auge del terrorismo maoísta se cebaba del empobrecimiento material de la población producto de la fuerte crisis económica que atosigaba al país esos últimos años de la década de los ochenta y en principios de los 90. Musicalmente este periodo albergó a la escena propiciada por el rock subterráneo el cual gozó de un carácter abiertamente contestatario y crítico frente a los valores convencionales que pretendía imponer la sociedad a través de sus clases dominantes y dirigenciales. El  primer gobierno de García (1985-1990) y el primero de Fujimori (1990-1995) constituyen una etapa histórica de profundos cambios en el Perú y este lapso de tiempo calaría hondo en la memoria colectiva de los jóvenes contemporáneos.

Es a principios de los 90 que surge el tándem fundacional (Juan Roldan - Hugo Medina) de la banda limeña HIPNOASCENSION, propulsados por su experiencia previa como KATARSIS, donde el dueto ya demostraba influencias reminiscentes del garaje sesentero (The Seeds, Thirteen Floor Elevators, Syd Barret, The Sonics) y de la escena inglesa en especial de Manchester de los 90 (Northside, Stone Roses, etc). 

Con KATARSIS realizaron algunas presentaciones que fueron registradas como la del festival musical Condor Rock (año?? 1989-? -¿?); además de coexistir temporal y situacionalmente con la escena subterránea limeña del segundo lustro de los 80. Ésta movida cunde  como referente sustancial y caldo de cultivo del espíritu con el que se formó la agrupación.

La recordada performance en la discoteca Versage (en 1994) de la avenida Arequipa, donde el baterista alterno Julio Incrédulo satirizó a la casta de bohemios articulturosos que existía en la época.  

Ya como HIPNOASCENSION el núcleo duro de la banda ha sido apoyado por diversos integrantes. Lucho Tello (bajista) quien se unió a la banda posteriormente a la ignición de Katarsis. Luego Danny Caballero y Patty Elias se agregarían al trío formulando las bases de la primera maqueta del grupo en 1999. Neto Pérez y Carlos Mariño,  colaboraron con HIPNOASCENSION en las siguientes producciones como Mixtura o UL SEC, perviviendo ante los avatares propios del paso del tiempo y manteniéndose vivo hasta hoy.

HIPNOASCENSION, cuenta con una ideología detrás. Se trata de una banda contestataria, inconformista con la realidad sistémica que enajena a las gentes promoviendo el borreguismo social.

Las actuaciones en vivo de la banda tienen como objeto la utilización interdisciplinaria de las diversas artes en escena. Así la música se combina con la poesía, la pintura y el teatro durante la performance de la banda como se pudo apreciar en las noches psicodélicas de La Noche de Lima de 2003.

“El que escucha música siente que su soledad, de repente, se puebla.”--- R. Browning.

H R 3 0 0 1

X: HELENE RAMOS

ESTALLIDOS SÓNICOS ESTELARES ENTRE LOS FILAMENTOS CÓSMICOS Y LOS GRANDES GIROS DE LAS GALAXIAS UNIDAS A LA MÚSICA◻️La magna dupla: PANDA BEAR (Noah Lennox) y SONIC BOOM (Peter Kember) publicaron en 2022 su colaborativo debut 'Reset'. Para este año 2023, los temas del álbum son revisitados en versión dub. ADRIAN SHERWOOD, una real institución en tal sentido está en el gran comando. X su parte, el notable y productor ha contribuido a las versiones nuevas de ambos: DOUGH WIMBISH como de SKIP McDONALD de la fama SUGARHILL BAND y GRAND MASTER FLASH & THE FURIOUS FIVE, pero también de PRISONER, ALEX WHITE, HORSEMAN... entre otros. X lo pronto, la dupla actuará en  Ypsigrock 2023. Aún en mi Vixor de Memoria, la reunión de recepción que ofreció dentro de sus salones el Consulado Británico  tanto a ADRIAN SHERWOOD y a SKIP McDONALD, cuando visitaron Perú. Ambos dentro de las primeras entrevistas de mi historial publicada en los medios escritos. El álbum 'Reset In Dub' (Domino Recording Co), disponible desde el 18 de agosto. Más adelante el supra bien logrado vídeo. Enjoy!◻️

*El mensaje es amor. Ponlo dentro de una bendecida acción. Suelta el dinero y ayuda al amigo... la gente no tendría que trabajar, y sobrevivirían a la vida. La gente se amaría y habría una atmósfera de verdad, tu podrías abrir esa puerta y permitir que la gente entre y se abraze. (SINEAD O'Connor)

SINEAD O'CONNOR en sí, arriesgó toda su carrera x una declaración que el mundo aún no estaba preparado para escuchar, o simplemente: ¡no lo quería escuchar! Una humanidad que en recientes años lo ha podido fehacientemente comprobar. Aunque  todo ello hoy en día: es lo que la sitúa en el lado correcto de la historia. SINEAD estuvo en Lima/Perú, en el aeropuerto Jorge Chávez debido a una imprevista escala x problemas del avión. Fue invitada a ir a un hotel esos de lujo, pero prefirió dormir en la sección Duty Free y sobre una manta en el piso de esa sección◻️

*En este refugio veo los extremos de la riqueza y de la pobreza, cosas que jamás vi en Londres o en Dublín. Declaró alguna vez  SINEAD O'CONNOR.

Era entonces 1991, cuando el periodista Óscar Vargas Romero del diario 'La República' fue el que me pasó el dato - y a la vez, que llevara material y fotos de la cantante irlandesa a la redacción. Eran mis primeros meses con mis columnas sobre música indie, arte y cine en el diario. Para entonces, tenía la edición del NME con SINEAD  en la portada, que comparto con uds. A la fecha, ya perdí la cuenta de las veces que escribí y hablé sobre ella en los diferentes medios escritos y radiales. Tengo aquí dos citas acerca de ella: Fue capaz de provocar un silencio absoluto en el Estadio Nacional de Chile en donde asistieron 80,000 personas para reivindicar a los asesinados x los militares genocidas. X otro lado, tuvo la sensibilidad de recibir en su camerino a 14 madres de los chilenos desaparecidos antes de subir al escenario para luego orar y llorar con ellas en escenas que registraron infinidad de canales de TV de todo el mundo◻️Ella vino a este planeta a decir muchas verdades, cumplió su misión y ha partido dejando un gran legado, que hoy en día lo han reproducido inmensa cantidad de medios de todo el mundo. SINEAD sigue viva puesto que el núcleo divino dentro de su alma es eterno. 'Mandinka' es uno de sus temas que órbita ahora mismo en mi mente y Vixor de Memoria. ¡Cumpliste SINEAD! ◻️

MAX COOPER, tras tener  'Vertebrae/Forgotten Places' (feat. Katrin deBoe) en circulación, promociona 'Swapped' que tiene un magnífico vídeo realizado x DIMITRI THOUZERI que es de real impacto, tal cual sus predecesores◻️El actual EP 'On' de APHEX TWIN está dividido en dos secciones, siendo la primera ya conocida. La segunda contiene 2 remixes x RELODD y π-Ziq, con 2 tracks originales, 'On D-Scape Mix' (que no se relaciona con la versión original) y 'On (28 Mix)'. Link https://yuoutube.com/v=9cvUwGXUeo&feature=share◻️

ANIMAL COLLECTIVE, tiene ya fijada la fecha para su neo álbum 'Isn't It Now? (Domino), que circulará desde el 29 de septiembre. El mismo que incluye además: 'Defeat', el tema de 22 minutos de duración que sale editado además en 12 pulgadas con 'The Challenger' en el lado B, para agosto. El álbum dura 64 minutos e incluye así mismo los temas  'Gem & I', 'Broke Zodiac', 'Genie's Open', 'Kings Walk' - entre otros como 'Soul Capturer' su actual single. Audio: https://youtube.com/watch?v=hEVMxqnVmrE&feature&share◻️Desde los 13 años de edad, LIGAYA ESCUETA con base en Manila/Filipinas grabó su primer tema: 'The End'. Ella cuenta hoy en día con 16 años, siendo su gran pasión la música. Sus influencias se orientan hacia VERUCA SALT, VELOCITY GIRL y JULIANA HATFIELD. Su apariencia se acerca más hacia lo gótico como se aprecia en su actual neo clip: 'She'. 'Laughing In Milk' es el título de su álbum lanzado en 2022, que incluye temas como 'She', '1965', ' Living In a Dying Art'... editado x el sello Tenzi Records dirigido x Niko Matti muy devoto él, a propalar a los neo actos del lugar◻️

SUBSONIC EYE, acto con base en Singapur ha titulado su neo álbum 'All Around You' (Topshelf Records), disponible desde el 13 de septiembre próximo y, mientras circula en avance: 'Yearning'. El quinteto mixto prepara a la vez, próximo concierto x Michigan USA el 20 de octubre en el local Sanctuary Detroit. Link  https://youtube.com/watch?v=YTsd7us2OTE&feature=share◻️No uno, sino 2 temas promueve WOODS: 'Another Side' y 'Weep' que están incluidos en su álbum 'Perennial'. Link  https://youtube.com/watch?v=b6GK12dYaBw&feature=share◻️MITSKI anuncia su neo álbum, 'The Land Is Inhospitable And So Are We'. X lo pronto, gira su single 'Bug Like An Angel' ◻️ LUSH tiene reeditado sus discos 'Spooky', 'Split' y 'Lovelife' - en LP tras no haber sido publicados en ningún otro formato desde 1990◻️La co-fundadora de LUSH, Emma Anderson tiene en circulación 'Bend The Round', primer extracto en single incluido en su álbum debut 'Pearlies' (Rough Trade). Edición limitada en tono azul perlado. El clip ha sido dirigido x Kieran Evans◻️

SATIN JACKETS o Tim Bernhardt, se renueva para esta lúcida colaboración junto a TENSNAKE y a KIMCHII dándole vida a 'Last Dance'. Los tres con sus mentes musical y simétricamente alineadas con el énfasis de KIMCHII/Kim Söderlund en voz y, cautivan con un toque de bliss irresistible◻️ SOFIA KOURTESIS, peruana con base en Berlín, tendrá su álbum 'Madres' disponible desde el 27 de octubre, en circulación el single 'Si Te Portas Bonito' que está muy bien conceptuado de inicio a fin y listo para las pistas de baile. Pistas de baile en las que ella, no cesa de brindar sus tan aclamados DJ sets y, sobre todo x Europa, como que sus remixes destacan en su propio halo lumínico.  https://youtube.com/watchv=Uj1m7s6TRNk&feature=sharee◻️

Con un single de doble lado A: 'New York' y 'LA Hex' el dúo THE KILLS, retornan a la escena y esos son precisamente los lugares donde están pronto a presentarse◻️En mi Radar x estos días: KING KRULE y ésta su  espléndida performance  https://youtube.com/watch?v=HXd-sqds_mY&feature=share◻️ Igualmente a SCULPTURE CLUB - 'Curse Or Hexed'◻️A STRANGE RANGER, PIP BLOM, LATHE OF HEAVEN, GLAZYHAZE, GRRRL GANG...◻️La Tierra como planeta hay que sólo considerarla como una estación o hábitat de tránsito temporal◻️OLIVIA DEAN, en entrevista para el NME, opina sobre el momento en que se entera de haber sido seleccionada en el Mercury Prize's shortlisted 2023. Opina también, sobre la acogida que ha obtenido su álbum 'Messy'. Además, sobre su participación para 'Call Me A Lioness' / Women's Team'sWorld Cup Anthem, Feat. MEL C, SELF ESTEEM y otros. Dale play al link https://youtube.com/watch?v=UF9AFPTjYEA&◻️STOP!

Nada que celebrar: ¿¡Feliz 28!?

 

Foto: Aldair Mejía

¶República “aristocrática”: una hacienda llamada Perú

El resultado de la guerra con Chile no fue solo la pérdida de Arica y Tarapacá. La London Pacific ya estaba ubicada en La Brea y Pariñas, la Cerro de Pasco en las minas del centro, la Grace era dueña de puertos, ferrocarriles y tierras de la selva, la Casa Ricketts subordinaba a los indios alpaqueros y laneros en el sur, la casa Arana mandaba en la selva amazónica. Los hijos y nietos de los consignatarios y consolidados administraban desde Lima el poder político de esas empresas inglesas y norteamericanas. Lo hacían para ellas, no para el Perú. 

La guerra había sido solo un accidente en esta historia de dominación. Piérola, el hombre de Dreyfus. activo 

causante de sucesivas derrotas ante el enemigo externo, fue bastante hábil en los conflictos internos para capturar de nuevo el poder por las armas y se convirtió en el restaurador del poder oligárquico después de la guerra con Chile; y el fundador de lo que Jorge Basadre llamó piadosamente “la república aristocrática”. El término es excesivo porque aristocracia viene de aristos, lo excelente, lo mejor y estos, de mejores tenían poco. En realidad, el Perú seguía siendo la república de los guaneros, ahora adornada con un poco más de educación e ilustración a la francesa de la elite excluyente, dictadura de mediocres hijos de ricos sobre un mundo de siervos y esclavos. 

Fueron apenas quince años en que las familias racistas se alternaron en la presidencia, mientras en el Perú profundo continuaba el reino intocado de los terratenientes y sus indios semiesclavos. Las industrias de lanas, textiles y bebidas, obligaron a la formación de un pequeño proletariado y empezaron a llegar tardíamente, las ideas anarquistas y socialistas. La mal llamada república aristocrática empezó con Piérola pero no pudo soportar a Billinghurst. La farsa acabó brutalmente con el golpe de Benavides, el general que dominó la política peruana durante la primera mitad del siglo XX.

HÉCTOR BÉJAR.

FIESTA DE ESCUCHA FRACTAL - Lunes 31, 7 pm @ bandcamp

LUNES 31 7 P.M.

FRACTAL LISTENING PARTY 

https://superspacerecords.bandcamp.com/live/fractal-listening-party

ESTAREMOS ESCUCHANDO EL DISCO AL COMPLETO Y EN EL CHAT EN VIVO CONTARÉ ALGUNOS SECRETOS DE LA ESCENA AVANT POST SHOEGAZE DE LOS 90. LOS VEO ALLÍ.

Contra todo y contra todos. A poco de la aparición de Compilación I (1997), la semilla plantada por Crisálida Sónica empezó a manifestarse a través de brotes de lo más disímiles y heterodoxos, siendo el riesgo y una francotiradora vocación experimental las únicas características que tenían éstos en común. Correspondientes a cada pedazo en que se fragmentó el núcleo original del colectivo, uno de los frutos más insulares de esta producción fue la maqueta epónima de Fractal -que en este 2023 cumple sus bodas de plata.

Tras veinticinco años de evolución y muchas arduas batallas al interior de una escena independiente cada vez más diversificada y generosa, si bien igual de marginada por los medios masivos, Fractal sigue sonando tan inasible/tan reacio a las clasificaciones taxonómicas como en sus días de estreno. Intermitentes pulsiones filo-industriales, desnudo/descarnado reprocesamiento de elementos expropiados de la musique concrète, cacofonismo galopante a prueba de parámetros convencionales, estética a lo lado B del post rock anglosajón... Un ejemplo palmario de nueva psicodelia minimal que se mira en el rock opiáceo de Spacemen 3, en el áspero noise-ambient hipotéticamente AM de Experimental Audio Research, en el indeterminado a-modelismo refulgente del kraut rock a lo Faust, y en la improvisación tímbrica de los Einstürzende Neubauten más inspirados.

La innata ascendencia cósmica de Fractal se pone en evidencia casi a cada minuto en que su track list original es reproducido. La transformación constante que atestiguan las composiciones que le integran orna ese sesgo de sidéreos espacios abiertos hacia los que dueto y obra se precipitan, ese imaginario de vacíos interestelares que los psiconautas Wilmer Ruiz y Wilder Gonzáles trazan en silencio detrás de la música -y que inspiró frases como “dark cosmogónico”, “misticismo de lo industrial/espacial” o la propia “dinámica del caos”. Genialidad que sigue abriéndose solitario camino en los anales del pop peruano off-mainstream, todavía un cuarto de siglo después.

- Hákim de Merv

Reseña: CHINO BURGA - Landing (Echodelick/WeHereandNow/Worst Bassist/Ramble Records, 2023)

Tus sueños o ellos.

Lo nuevo del Chino Burga llega desde las alturas del Valle Sagrado, Cusco, en forma de nebulosos acoples, misticismo y space rock,  orbitando entre apus y estrellas, recordándonos que los 90 fueron insuperables y, de paso, a maestros del porte de FSA, Windy & Carl - Antarctica -, Seefeel y hasta Telefunken.

Detecto también mucho de lo ejecutado en jornadas como el Electr-Om de Espira, esas reverberaciones y sublimaciones de corte kraut dictadas por Tangerine Dream y Ash Ra Tempel, todo filtrado por el tamiz que Miguel Ángel Burga manipula con exquisito manierismo. Orfebrería sónica que habla no solo del talento y la amplitud de miras del responsable de actos fundamentales de la escena perucha, v.g. La Ira de Dios y Espira, pero sobre todo de discursos que al día de hoy se lucen frescos e inamovibles como antaño: el renacimiento espiritual y la odisea andina. 

Valgan estos apuntes para catalogar a "Landing" (2023) de Burga como uno de sus más altos hitos. Se trata de canciones aislacionistas flirteando con el pop de ensueño y el aislacionismo guitarrorista a partes iguales y el resultado es adictivo y divino. Ya lo expresó Rocky Ericson y cía: "mirarás el mundo con nuevos ojos y nadie jamás podrá arruinar la visión". Un primor de disco.

Wilder Gonzales Agreda

UNA CONVERSA CON LORELLE MEETS THE OBSOLETE :. Algunas partes de esta escena se han actualizado con el paso del tiempo, descolonizándose e integrando contextos. Otras, siguen repitiendo formatos

Foto por Fernando A. de la Rosa

LORELLE MEETS THE OBSOLETE es de las formaciones más potentes y aventajadas de la movida space-rocker latinoamericana, al lado de gente como Bosques de Argentina o nuestros compatriotas Hipnoascensión. Lorena Quintanilla y Alberto González igniciaron el 2010 y desde entonces todo ha ido en elevación para ellos, llegando a formar parte del roster de Sonic Cathedral, sello con base en Londres. A su catálogo radiante de misticismo, guitarrorismo y confusión rural extraterrestre, donde sobresalen "De-Facto" (2019) y Chambers (2014) acaban de agregar, este 16 de Junio, "Datura" (Sonic Cathedral, 2023). Sobre la vida de una pareja space post mexicana hablamos con Lorelle y The Obsolete, el resultado a seguir.  

¿Cuándo empezó vuestro proyecto, de dónde se conocen, cuál es vuestro background?

Alberto: Empezó en la primera parte del 2010 cuando Lorena tenía algunas canciones que quería grabar. Eran canciones con guitarra y voz y me invitó a agregar otros instrumentos. Así nació “On Welfare” nuestro primer disco. Fue un proyecto solista de Lorena que mutó en un dúo. Nos conocimos por un conocido mutuo en la universidad jaja. Cada quien tocaba en sus respectivas bandas y después comenzamos a hacer música juntxs. Somos pareja desde el 2005 y hemos colaborado desde entonces.

¿Qué nos pueden comentar de la escena psicodélica shoegazer en Guadalajara y en México a grandes rasgos?

Lorena: Hace más de diez años que no vivimos en Guadalajara, por lo que no me atrevería a comentar al respecto pero en mi opinión, en general cualquier escena musical en México es inspiradora. Siempre es como una carrera de obstáculos para todxs lxs involucradxs: promotorxs, músicxs, festivales, etc. Pero siempre hay efervescencia. La escena psicodélica se adhiere a esto que menciono, además es una escena que se remonta a mucho tiempo atrás, en aquellos tiempos donde era atravesada por lo político, cuando era reaccionaria. Algunas partes de esta escena se han actualizado con el paso del tiempo, descolonizándose e integrando contextos. Otras, siguen repitiendo formatos.

¿Cómo es vuestro proceso para componer y de qué tratan vuestras líricas?

Lorena: Cada álbum ha sido compuesto de forma distinta, siempre buscamos variar las técnicas. A veces componemos por separado, a veces hacemos cada quién versiones diferentes de las canciones, etc. Para el “Datura” seleccionamos algunos trazos musicales que cada quien compuso individualmente durante la pandemia. Y después estuvimos “jammeando” esas ideas juntxs y construyendo las canciones.

Las letras son de temas diversos. En general un análisis de experiencias personales, experiencias siendo músicxs, recuerdos. Siempre trato de ampliar un poco hacia lo político/social y ser abstracta para dejar espacio a la interpretación.

Además del avant rock a qué otras expresiones o actividades están dedicados.

Lorena: La música de momento y por varios años ha sido un trabajo de tiempo completo para mí. Hace poco comenzamos un sello dirigido a bandas independientes mexicanas.

Alberto: Diseño gráfico relacionado a la música. Sobre todo portadas de discos, pósters para giras y shows. También hago registro y mezcla de audio para otras bandas y proyectos.

¿Qué discos les rompieron el cerebro de una forma sublime?

Lorena: El álbum de la banda regiomontana Los Llamarada llamado Gone Gone Cold.

Alberto: En estos días, Travel de The Necks, In the Kingdom of Dub de Scientist y el Jitwam de Jitwam.

¿Cómo es un concierto de LORELLE MEETS THE OBSOLETE, la reacción del público melómano, alguna anécdota quizás para compartir?

Lorena: Siempre hay ruido, algo de improvisación, mucha repetición y mucho amor y trabajo detrás. Debido a que cada show es único e irrepetible, las reacciones son siempre diferentes. A veces conectamos, a veces no. A veces hay mucha energía y euforia, a veces la audiencia es más contemplativa.

Alberto: El acto en vivo es el momento que hace que todo valga la pena y una de las principales razones por las que hacemos música. En general creo que hemos tenido muy buenas experiencias. Otras muy singulares. Hace muchos años, en nuestro primer o segundo show en Berlín la audiencia estaba completamente estática y silenciosa. Entre canciones realmente no había aplausos y el silencio llegó a ser incómodo. Al terminar nuestro set empezaron a pedir más canciones jajaja. Fue una reacción muy confusa.

¿A qué alude o qué significado carga el nombre de vuestro proyecto?

Alberto: Es una tontería. Lorelle viene de Rochelle, Rochelle una película ficticia que mencionan en Seinfeld y The Obsolete viene del capítulo The Obsolete Man de The Twilight Zone. Queríamos que el nombre reflejara la interacción entre dos entidades. Que quedara claro que somos un dúo. El “meets” lo tomamos prestado de este disco de Spectrum con Captain Memphis “Indian Giver”. A la colaboración le llamaron “Spectrum Meets Captain Memphis”. Nos gustó esa forma de unir dos nombres.

Siempre tuvimos la inquietud de conocer bandas shoegazers espaciales de los años 90 provenientes de vuestro país, Mexico. ¿Podrías recomendarnos alguna(s)?

Alberto: En México es difícil seguirle la pista a muchos proyectos y bandas que existieron en la era pre-internet. Si no fuera por la labor inmensa que muchxs melómanxs realizan para compartir y recopilar, mucha música subterránea quedaría en la obscuridad. Hace poco, en la Ciudad de México, platicando con Frida de Fryturama, me recomendó a Nona Delichas de Tijuana. También muchxs amigxs nos han platicado de Sonios en Ensenada.

¿Bardo Pond o Amp?

Lorena: Bardo Pond.  

Alberto: Bardo Pond

Planes futuros y palabras finales.

Alberto: Tenemos shows por Inglaterra y Estados Unidos en septiembre y octubre. Posiblemente en México por noviembre. También estamos preparando un lanzamiento que nos emociona muchísimo y que acompañará a nuestro último álbum “Datura”. Pronto más noticias. Muchísimas gracias por la entrevista. ¡Nos morimos por tocar en Perú!

Lorena: Muchas gracias por la entrevista y todo nuestro amor para sus lectores.

SHOCK ⚡ FRACTAL

🔷FRACTAL EL ACTO PERUANO CELEBRA EL 25 ANIVERSARIO DE SU ORBITADA EDICIÓN DE 1998: 'FRACTAL' (SUPERSPACE RECORDS) VÍA UN NEO CD EN ALEATORIA CÓSMICA PULSACIÓN CON MUKI RECORDS.

      

     X: HELENE RAMOS

FRACTAL, acto integrado x Wilder Gonzales Agreda y Wilmer Ruiz se desarrolló paralelamente a otras bandas del orbe planetario que dedicaban su arte abocados al space-rock, avant-garde, experimental y/o post rock. Eran los tiempos finales del siglo XX e inicios del siglo XXl, en una estelar total conjunción cósmica, y que lo vivimos con gran frenesí. Los jóvenes de muchos de los países hablando el mismo idioma: la música de esa época que se mantiene aún vigente, muy vigente.

EL FUTURO ES EL PASADO

Eran los tiempos de la nueva estética musical en medio planeta, el alba de todo lo que vendría después, y con FRACTAL en el tope de lista de Perú en cuanto a ese preciso tiempo, a ese espacio -la marca del inicio.

En el álbum de FRACTAL, no sólo encuentro la base predecesora de los actos alimentadores de toda esa saga -sino también presagios de toda la evolución e innovación musical hasta el día de hoy. En otras palabras: vigencia inamovible tanto como imperecedera. 'Fractal'  (Superspace Records/Muki Records) -edición que en su momento fue editado en demo-tapes, lo escucho nuevamente en este 2023 y lo aprecio explícitamente: en total vigencia tras los 25 años de su edición original (3 diciembre 1998) -como si no hubiesen pasado todos esos años.

Los actos creativos son como cumbres de un sistema montañoso formado x el ambiente cultural de su tiempo. Cuanto más elevado pueda ser el sistema, tanto más altas pueden ser sus crestas y, que conste aquí, que no sólo me refiero a los punkers en el mundo.

Wilder Gonzáles Agreda tiene la habilidad de transportar a la materia el sonido abstracto, cósmico y la eterealidad, como compositor -pero también: experimental, minimalismo, post-rock como lo avant-garde y space-rock. Ha sembrado además, los gérmenes que luego rebosarían en el futuro cuando para más adelante, surgieron otros actos no sólo en Lima, sino también en las provincias de Perú. Catalogado como músico - pero también es astrónomo en cuanto a todos esos sonidos espaciales que toma desde las esferas. Pionero en Lima (en el argot de la música), en cuanto a su generación. 

Las artes se adelantan a las revoluciones, como a todos los cambios fundamentales, en captar la idea renovadora; aunque se retrasen lógicamente -a veces mucho- en encontrar y afirmar el neo estilo que corresponda a aquel cambio. Así, durante la década de 1990, un muy  inusitado brote de bandas acaparó un espacio para demostrar que existían otros ritmos, otros sonidos, otras músicas, brotó esa semilla estelar como los que expone FRACTAL, hoy hace 25 años de todo ello - aunque suene tan actual. Ramificándose con todo brío el espíritu renovador.

La edición original demo-tape/cassette de 'Fractal' tuvo su pre-estreno en el programa radial 2001 de Radio Miraflores AM/FM. Lo he vuelto a escuchar y lo aprecio en tiempo presente, sin tiempo. Me conecto al track 'Ilumíname' -que es realmente un mantra muy bien conceptuado. Otro de los temas es el titulado: 'Colisión Matriz', el mismo que percibo cinemático como el soundtrack de un film, mientras que 'Fixin' To Die' es para bailarlo, armar una 'rave' sobre el cráter de un volcán como pista de baile. 'Soy tuyo Señor' es todo un trance hipnótico y minimalista. 'Lekta' es aeronáutico, como que demuestra que los sonidos del agua no se repiten a sí mismos, que cada gota tiene algo o mucho que decir -si es que existiese un decodificador de esos sonidos que emite. 

'Traslación' va en una onda aeroespacial, elaborada x este  cosmonauta acto libre de la matrix, x allá muy lejos, lejísimos de esta encerrada cápsula de nombre Gaia/Tierra. El tema '¿c'o?' me permite captar todo ese gran avant-garde noise de las abejas cósmicas cuando abducen a las flores en gran jolgorio estelar. 'Te amo (A la Luna y las Estrellas)' es una oda a la cápsula llamada Luna y a las estrellas -las cuales muchas de ellas son realmente, naves vigías espaciales estacionarias camufladas como tales y, para que no se vuelva a repetir un neo episodio de Hiroshima. (Créelo o no. ¡Igual me da!). 'Las Olas de Marte' - este tema es toda una escalada a la cima del monte Himalaya, sí... para poder traspasar la puerta dimensional hacia las olas de Marte, que x supuesto las llegas a encontrar. Balance extratosférico: realmente, esta edición es diamante puro en cuanto a todos los sonidos elaborados que sienta un antes y un después dentro de la escena en Perú. Altamente recomendado y es x ello que lo piratearon tanto.

FRACTAL, acto integrado x su par de píxeles: Wilder Gonzáles Agreda/Wilmer Ruiz Perea (Juan Roldán Javier toca el bajo en 'Colision Matriz') -ambos con una gran cosmovisión en cuanto a la elaboración de los temas incluidos y disponible en CD. La re- edición incluye 2 bonos tracks en formato digital y otros dos diferentes bonos para la edición física. Producido x Jaime Alfaro y Luis Espinoza de Muki Records. Los demo-tapes remasterizados para esta edición en Compact Disc x el 25 aniversario de su edición: Jorge González (Ensamble)◻️STOP!

ALEJANDRO ELIZONDO (LOS MUNDOS/PLANTAMOS) INTERVIÚ :. Músicos súper locos es que lo que se ocupa para hacer cosas interesantes

Alejandro Elizondo es un músico con algunos años al frente de proyectos dedicados a cavar krautrock y psicodelia setentera como ambient y electrónica de dormitorio. Integra la banda LOS MUNDOS y, junto a Bianca Villarreal, el proyecto psych folk, PLANTAMOS. Recientemente, y de la mano de la disquera de culto At At Records, ha firmado 3 rodajas virtuales, en modo solista, donde destellan genio y pulcritud en la construcción de oníricas armonías, delicadezas ambientales y kraut que tiene en gente como Harmonia y Cluster su leit motiv. Motivados por estas últimas producciones avant garde de ensueño, le alcanzamos algunas preguntas al artista con sede en Monterrey, Mexico. Pasen y deléitense.  

¿Qué nos puedes comentar de la escena electrónica y experimental en Monterrey o en México en general?

En Monterrey realmente hay poco, sé que ha estado creciendo pero para mí es un poco difícil intentar pertenecer a algún tipo de estas escenas, me la paso en mi estudio (Las Dunas Studio) grabando y produciendo bandas, al igual trabajando con mi proyecto Los Mundos y en proyectos personales. Sé que en CDMX y Guadalajara hay más este tipo de eventos, en general hay más cultura, más museos, más lugares donde tocar, medios de comunicación y cosas relacionadas con el arte en general. Monterrey es una ciudad industrial difícil de entender pero inconscientemente tengo esperanzas de que las cosas vayan a mejorar.  

Háblanos de tu background o historial previo.

Comencé muy chico tocando batería, inicié tocando en bandas de punk y hardcore a muy temprana edad. Luego comencé a abrirme un poco más musicalmente y de misma manera comencé a involucrarme con todo lo relacionado a grabación y producción. Toque un rato en varios proyectos ya sea batería, guitarra, bajo, synths o el instrumento que me pidieran. En esos momentos comencé Los Mundos junto a Luis Ángel Martinez la cual ha sido mi banda con la que más discos y más trayectoria tengo. Se podría decir que es mi proyecto principal, ahora junto a Ricardo Antúnez y Raúl Gonzalez nos vemos todas las semanas ya sea a componer o ensayar para presentaciones.

Los sintetizadores fue algo que me llamo mucho la atención de pequeño, desde que escuchaba bandas como add N to (X), the locust, entre otras que son bandas relacionadas con la música que escuchaba en esos tiempos. De ahí comencé a escuchar otros proyectos clásicos como Kraftwerk, Tangerine Dream y algunos otros de los pioneros de los sintetizadores, mas todo lo veía como un mundo muy lejano ya que es algo costoso y lleva mucho tiempo y paciencia aprender a usar estos aparatos. Poco a poco fui haciéndome de equipo que me permitiera hacer música electrónica, nunca fui fan de la computadora, hice bastantes maquetas en ella, mas siempre la usé como instrumento de trabajo o simplemente para capturar audio.  

En tu reciente opus para At At Records, "Axis" (2023), notamos ciertas atmósferas ala Cluster de los discos Sowiesoso y Zuckerzeit. Coméntanos sobre tu último disco, qué sintetizadores has usado, cómo ha sido el proceso de su creación y concreción, y qué planes tienes para él, ¿ir de tour quizás?

Para este disco compuse como 20 o 23 temas, estos los separe en 3 EPs (uno que todavía no sale) y el disco “Axis” el cual significa “ejes” que para mí significa los polos opuestos en la música. El proyecto lo comencé con temas como “Algunos Momentos Duran Para Siempre”, “Fantasmas en mi Vida” y “El Centro”. En ese momento estaba leyendo un libro sobre la música clásica minimalista donde comentan la vida de artistas como Steve Reich, La Monte Young, Philip Glass, Terry Riley entre otros lo cual me sirvió como inspiración. Y por otro lado siempre me ha gustado el krautrock en general, toda la música electrónica progresiva que hicieron en Alemania en los 70s y de manera inconsciente hubo influencia de todo eso, a fin de cuentas son los papás de los sintetizadores. También soy muy fan del sello Warp, siempre estoy al pendiente de cualquier proyecto nuevo que anuncian.

Y en cuanto a planes para este disco, llevo tiempo preparando un set en vivo. Realmente no es ningún tema del disco ni de los EPs es algo nuevo. No quiero involucrar la computadora para un show así que todo lo estoy haciendo con mi sistema modular, el portabella de pin electronics y el lemon drop. Espero pronto poder anunciar algunas fechas aunque a veces se me dificulta por fechas con Los Mundos, compromisos de la vida y el trabajo en general.

Además de la música experimental y la creación sonora, ¿a qué otras actividades te dedicas? ¿Cómo es un día en la vida de Alejandro Elizondo?

Tengo un estudio de grabación Las Dunas Studio donde por lo general siempre estoy trabajando con algún proyecto fuera de los personales y de misma manera estamos a punto de abrir Las Dunas Records junto a mi esposa Bianca Villarreal (quien toca violín en “AMDPS y “Fantasmas en mi vida”) y unos amigos el cual será una tienda discos y café. También tengo mi trabajo de día que es el que me ayuda a sustentarme y poder llevar una vida ya que tengo dos hijos Alex y Mia los cuales antes que la música y cualquier otra cosa son mi prioridad.

¿Qué proyectos mexicanos o de otras latitudes te animarías a recomendar a los lectores del blog?

Definitivo Ford Proco, Murcof, Daniel Nuñez y ya más relacionadas con música fuera de electrónica ahorita me encuentro grabando a Juventud Latinoamericana, una banda muy loca que seguro va a dar bastante de que hablar, músicos super locos que es lo que se ocupa para hacer cosas interesantes.

¿Cuál es el sinte más alucinante con el que te has topado? Tu opinión sobre la moda de los moduladores y los sintetizadores clonados de hoy en día.

Uff, ahora sí que cada sintetizador es un mundo. De los que tengo El prophet – 6, seguro es uno de los principales y de los que use bastante en este disco. También el moog one, es un monstruo de máquina, te vuelves loco con ese sintetizador. La manera en como utilizo mis instrumentos es que a la par que los estoy conociendo también estoy componiendo música nueva así que esto se termina convirtiendo en una relación a largo plazo, los instrumentos todavía tienen tanta vida dentro de ellos y demasiados sonidos que aún no he explorado. Lo único que ocupan es tiempo para ser descubiertos y llegar a convertirse en música nueva.

El sistema modular también es otro mundo, tú vas creando tu propio sonido y tu propia manera de comunicarte con él. Me recuerda un poco al video juego “Minecraft” el cual mi hijo está ahorita obsesionado con él y tiene un soundtrack increíble (ghostly saco esos discos), lo recomiendo totalmente. Pero bueno es un juego en el cual vas construyendo tu propia ciudad a tu gusto y con las cosas que más te gustan. Ahora todo este rollo del eurorack es una onda parecida, todos los fabricantes y las opciones de módulos que hay y que tienes de donde escoger. Una vez que entras a este mundo es como entrar al abismo. Muchas veces se me van las horas, de repente veo el reloj y me doy cuenta que llevo 3 horas haciendo lo mismo.

Y en cuanto a los fabricantes de clones como behringer y todos estos que simulan instrumentos viejos se me hace muy bien. La verdad es que el mercado de instrumentos vintage es una locura. Por ahí tengo guitarras y pianos que me costaron 5,000 pesos que ahora valen más de 5 veces su valor. Y pasa lo mismo con todos los instrumentos clásicos. Está bien que estén al alcance de todo mundo a fin de cuentas el instrumento no es el que hace la música. Por ahí tengo la rd-8 de behringer y el vc340 que ni loco hubiera pagado lo que cuesta uno original de la época.

Junto a Luz y Pulso, Axis conforma una trilogía editada en el lapso de unos meses que habla del momento de furor creativo por el que transitas. ¿Cuáles son los siguientes pasos? ¿Qué te inspira a crear sonidos/música?

Tengo un EP mas que no he sacado el cual es un poco más orgánico, tiene temas con batería otro con guitarra, obvio procesada por efectos y otro tema más inspirado en la concrete music. De la misma manera estoy preparando un set en vivo que me gustaría lanzarlo como otro tema ya que es algo muy diferente a los discos que he hecho.  

Y en cuanto a lo que me inspira a crear música es todo lo que tenemos alrededor, siempre cargo conmigo una libreta y en ella anoto todas las ideas que se me vienen a la mente, desde letras, estructuras, sonidos, y composiciones de una manera escrita y conceptual ya que no se leer muy bien música. Entonces cuando es hora de componer algo nuevo, solo busco ideas en la libreta y me agarro de una que resuene conmigo en ese momento.

¿Robert Fripp o Cluster?

Esta difícil pero me iré por Fripp. Me identifico más con Fripp.  Aparte King Crimson y todo su lado experimental... Creo que es más completo y todo lo que hizo con la guitarra es otro rollo. 

Reseña: ALMAREAS - Sumergible EP (Atlan Records, 2023)

Un disco ideal no solo para los fans del shoegaze sino también para afines a bandas como Screaming Trees, Slint o Nirvana.

Honestamente es un alivio que a pesar de que vivimos en pleno 2023 y el shoegaze/dream-pop ha sido totalmente carcomido por la industria y mandamases de la cultura, tercamente surjan almas que se permitan sortear encorsetamientos y argollas. Uno de ellos es el nuevo proyecto de noise pop, ALMAREAS. Natales de Argentina, acaban de publicar "Sumergible", un EP de 19 minutos, en Atlan Records.

Hablamos del cuarteto integrado por Joe Dixecxion (guitarra/voz), Adrián Bau (guitarra) amén de Gastón Luna y Pecho Milenik en el bajo y la teba respectivamente. Realizados durante el último verano, la música que discurre en cada uno de los seis tracks bebe de sus compatriotas Juana La Loca y Estupendo como también de gente alineada al shoegaze internacional v.g. Catherine Wheel y Swervedriver. Las impetuosas guitarras son decoradas con energía post juvenil: uno puede sentir las cuerdas vocales del bardo -notable "Toma La Ruta"- así como los ojos volteados de pasión de los soldados músicos al performar sus bombas. 

El palpitar indie yankee flamea a todo momento en este hito de la escena sudaka fraguado por ALMAREAS. Un vahído destinado a formar el soundtrack de nuestras vidas.

Wilder Gonzales Agreda

UNA CONVERSACIÓN CON AUDREY GOLDEN :. Estaba pensando en las formas en que las voces de las mujeres son marginadas de las narraciones históricas, considerando también que las historias no son singulares

Audrey Golden es una escritora de arte y cultura con un enfoque en música, cine y política. Administra la web Louder Than War, donde es presentadora DJ semanal. Melómana desde el útero materno ha tomado por asalto la cofradía alternativa y new wave global con su reciente opus, I THOUGH I HEARD YOU SPEAK: Women at Factory Records (White Rabbit, 2023). El texto es, ante todo, una historia oral que revela el alcance cultural del sello y su poder de permanencia en el siglo veintiuno destacando el trabajo silenciado de las mujeres en casi todos los aspectos: grabar música, tocar en vivo, dirigir el sello entre bastidores, administrar y promocionar bandas, diseñar carátulas de discos, hacer películas y videos musicales, ser pioneras en tecnología de sonido, ser DJs, y dirigiendo uno de los clubes más caóticos del planeta, La Haçienda.

Por donde se le examine se trata de un libro imprescindible para las nuevas generaciones como para los que disfrutaron la adolescencia y juventud embrujados por las maravillas de gente como Durutti Column, Joy Division, New Order, Happy Mondays, et al. Hoy en da blog tuvimos la dicha de cruzar unas palabras con la pensadora norteamericana y esto es lo que nos legó.

Gracias por concedernos la entrevista, por favor dinos tu edad, lugar de origen y lo que haces para ganarte la vida.

Soy de los EE. UU. y resido en Nueva York. Trabajo como editor para ganarme la vida. (después de pasar varios años en la academia, hice la muy saludable decisión de salir!), pero el trabajo que es más importante para mí es la escritura que hago, junto con la gestión de Louder Than War Radio, donde también presento un show. Primero me considero autor y DJ. Estoy tratando de alejarme de la idea de que nuestros trabajos diarios dan forma a nuestras personalidades o nos definen en maneras clave, y creo que ha sido un cambio de mentalidad realmente saludable para mí.

Leí un artículo en el New York Times sobre el comienzo de la pandemia, creo, eso que sugirió una de las formas en que el capitalismo nos daña desde la infancia en adelante es que aprendemos a enmarcar nuestras concepciones de uno mismo en base a esta pregunta en relación con una profesión jornalera remunerada: “¿Qué quieres ser cuando crezcas?" Viniendo de una familia de clase trabajadora, siempre supe que tendría que trabajar para ganar dinero para poder hacer las cosas que me trajeron alegría y una sensación de plenitud, pero creo que, después de cuatro décadas en la tierra: finalmente he aprendido a decir que soy escritor y DJ, y también soy una músico, y trabajo como editor a sueldo. Ha sido un cambio milagroso en estado de ánimo para mí, y ¡espero poder convencer a algunos otros artistas y pensadores a hacer lo mismo!

¿Cómo fueron tus primeros encuentros con la música alternativa y con el sello Factory en particular? ¿Qué música escuchabas en casa, en la escuela, etc.?

La música ha sido parte de mi vida desde que tengo memoria. Mi papá amaba el rock'n'roll, y tengo que imaginar que estaba tocando Bob Dylan mientras yo ¡aún era un feto en el útero! Ciertamente, escuché mucho de Bob Dylan, Lou Reed, Elton John y más cuando era una bebé y comencé a tomar lecciones de piano cuando tenía 3 años Poco tiempo después, comencé a tomar clases de violín y tuve  formación clásica en piano y violín. He amado a Bob Dylan desde mi temprana infancia, junto con The Beatles en particular (Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band era mi disco favorito de los Beatles). A medida que fui un poco mayor, empecé a descubrir más música para mí y me enamoré de la música riot grrrl, y tantas bandas grunge (Nirvana, Soundgarden, Hole, Screaming Trees). De hecho, descubrí Joy Division desde la banda sonora de la película The Crow/El cuervo, lo que me parece realmente loco ahora. Escuché el cover de NIN “Dead Souls” y comencé a investigar. Compré Unknown Pleasures en cinta de casete, y luego encontré New Order. Tanto Joy Division como New Order se convirtieron, para mí, en la música que definió mi adolescencia junto con una de esas otras bandas que mencioné— me sentí rebelde y triste, y esa música me hizo sentir que no estaba sola.

¿Cuáles dirías que son los discos que rompieron tu cerebro de manera sublime?

¡Hay tantos que voy a tener problemas para enumerar TODO! Pero  absolutamente puedo hablarte de algunos de ellos. Ya que estamos hablando de discos de Factory, absolutamente 100 por ciento del Power, corruption and lies de New Order. Ese disco me enseñó que se puede hacer música triste e introspectiva ¡que también puedes bailar! ¡Qué revelación! La cantidad de baile que hice sola en mi recámara con ese disco de adolescente... qué álbum. En términos del disco que me enseñó que podías liberarte de los confines de la música clásica y que había una gran alegría en la rebelión, es el álbum en vivo de The Raincoats, "The Kitchen Tapes". Descubrí este casete gracias a las notas de Kurt Cobain en la compilación Incesticide de Nirvana (me encantó Nirvana tan intensamente también). Estaba tan frustrada con la cantidad de tiempo que tuve que pasar tocando música clásica y practicando estudios en el violín,  y The Raincoats no solo me enseñaron que hay más de una forma de  tocar un violín, pero también me dejaron escuchar cómo las mujeres pueden ser experimentales, punks rebeldes.

¿Cuánto tiempo tienes? (ja ja)

In Utero de Nirvana. Este es mi álbum favorito de Nirvana, debido en gran parte a lo que creo que es la genialidad absoluta de canción “Pennyroyal Tea”. Esa linea, “Dame un más allá de Leonard Cohen / Para que pueda suspirar eternamente”. Oh mi corazón. Sangre de Bob Dylan en los tracks. ¿Hay un álbum mejor sobre desamor que llegue al fondo de la tristeza, la sensación de pérdida, la ira, el resentimiento, la belleza y, en última instancia, la nostalgia de ello?

Eso es cuatro. Les voy a dar un quinto, un rompe cerebros mucho más reciente para mí, que creo que es totalmente inesperado, y no  habría adivinado que iba a ser un álbum alucinante si me lo hubieras dicho sobre eso. Pero es Dark Mark Does Christmas 2020. Hablo en serio. Es el disco de Navidad que Mark Lanegan grabó para Rough Trade que se suma a un disco de Dark Mark Does Christmas 2012 que hizo y que vendió en giras en 2013, creo. El original también es genial, con algunas canciones originales de Lanegan. Pero para mí es la adición de su versión de “In the Bleak Midwinter” lo que une todo. Es un desgarrador, solo álbum absolutamente hermoso. Pedí esa edición Rough Trade 2020 durante el primer invierno de la pandemia cuando todo parece desesperanzado. Fue lo primero en lo que volví a encontrar una gran belleza, y todavía siento todas esas canciones en mis huesos cuando las escucho. No es solo un Disco de Navidad, por cierto. Es un disco para escuchar en cualquier punto del año, y especialmente durante las estaciones tristes.

Cuéntanos sobre la escena post-punk en Nueva York, la ciudad donde vives.

No estoy seguro de describir la escena musical actual o nueva en Nueva York como post-punk, pero todavía hay tantos shows increíbles aquí de algunos de los artistas post-punk y no wave como Bush Tetras, Pere Ubu y más (un saludo aquí al lugar Le Poisson Rouge en el Village, que continuamente tiene conciertos fabulosos). En cuanto a las bandas que se han formado más recientemente, ¡me encantaría que algunas de las bandas punk del Reino Unido y Australia hicieran su camino a Nueva York para conciertos! Te estoy mirando especialmente, Amyl and the Sniffers!

Creo que todavía hay un sentido de la historia musical del centro de Nueva York aquí, pero muchos de los lugares que hicieron la escena post-punk y new wave de Nueva York lo que fue ya no están aquí (por ejemplo, Nivel 3, Hurra, Danceteria).

Esos solo existen en la memoria.

Escribir I THOUGHT I HEARD YOU SPEAK, un libro sobre la contribución de mujeres a la industria de la música a través del sello Factory, debe haber requerido mucho tiempo y mano de obra. Cuéntanos sobre el proceso, cuando la idea surgió, el trato con las editoriales, ofertas ofrecidas y rechazadas, tu método de trabajo, etc.

Intentaré hacer un resumen aquí porque, de lo contrario, esta respuesta tomaría muchas páginas! El libro tomó mucho de mi tiempo y trabajo, pero para mí, sentí que creó una especie de parentesco entre las docenas y yo (y ¡docenas!) de mujeres en el libro cuyo trabajo en gran parte había sido no reconocido en las historias existentes de Factory hasta la fecha. Así que era hora y trabajo ¡increíblemente bien gastado para mí! La idea realmente llegó a buen término - como que empecé a pensar en ello como un posible proyecto de libro - alrededor de 2018/2019. Hice una entrevista con Chris Mathan, ex socio de Peter Saville Associates, e hice algunas entrevistas con Tracey Donnelly, una empleada de Factory extraordinaria de Manchester. Tracey de verdad me animó a pensar en escribir un libro, y ella me ayudó a hacer conexiones con probablemente dos docenas de mujeres que entrevisté para el libro. A partir de ahí, seguí escuchando más y más nombres de mujeres que hicieron un trabajo realmente esencial directamente para o alrededor de Factory en el Reino Unido y en otro lugar (de otras mujeres que estaba entrevistando), y comencé a rastrearlas lo mejor que pude. Realmente se convirtió en un trabajo de detective para mí — mirar a través de viejos sitios de Internet, periódicos, registros de bienes raíces y más. Parte de ese trabajo finalmente no arrojó resultados, pero en algunos casos, ¡lo hizo!

Supe casi desde el principio que quería armar el libro como una  historia oral narrativa para que las voces de las mujeres —que no habían sido escuchadas en el pasado, pudieran ser las que cuenten las historias y realmente brillar. También creo que las historias orales narrativas son inherentemente democráticas en el sentido de que no privilegian a un solo narrador o contador de historias sobre otro. Resaltan las formas en que múltiples voces pueden unirse para contar una historia, y las formas en que las historias se pueden contar de manera diferente en función de la personalidad de una persona,  experiencias y recuerdos. Hay validez en el conocimiento experiencial.

Tuve mucha, mucha suerte, completa y absoluta, de que Martine McDonagh, que es una de las mujeres increíbles en mi libro, me pusiera en contacto con Lee Brackstone en White Rabbit. Martine conoció a Lee a través de su amigo Lenny Kaye, que recientemente había escrito un libro con Lee. Así es como I THOUGHT I HEARD YOU SPEAK terminó en White Rabbit, y no podía sentirme más afortunada por eso.

Recordamos el nombre de Victoria Segal como una de las mujeres del periodismo musical, pero no muchos más. ¿Qué periodistas y críticos han sido o son tu fuente de inspiración?

¡VIVIEN GOLDMAN! Una rebelde y modelo a seguir para todas las escritoras musicales.

¿Cómo surge el título del libro o a qué alude: I THOUGHT I HEARD YOU SPEAK/“PENSÉ QUE TE ESCUCHÉ HABLAR”?

El título proviene de la canción de New Order “Blue Monday”, pero también es un doble sentido, por supuesto, aludiendo a las formas en que las voces de las mujeres muchas veces no se escuchan, se omiten, se marginan, se excluyen.

En estos días, el fascismo de derechas está en aumento y se ha infiltrado en la escena musical underground con ejemplos como Death In June o incluso ex-rebeldes como John Lydon animando a Donald Trump o a la difunta Reina del Reino Unido: Nick Cave; me gustaría saber cómo abordaste este tema en tu libro o qué posición tiene en el sitio web Louder Than War.

No quiero hablar por todos los editores de Louder Than War, pero creo puedes deducir del material en el sitio y los programas en la radio estación (para la cual soy gerente de la estación), por supuesto, hay una clara oposición al fascismo. Ciertamente puedo hablar por mí mismo al decir que hay una clara necesidad, en palabras del difunto representante John Lewis, para hacer “problemas buenos, problemas necesarios” cuando se trata de oponerse al fascismo, la violencia de derecha, la discriminación y los prejuicios. Estoy increíblemente enojado (y vocal) sobre el fallo de la Corte Suprema de los Estados Unidos en Dobbs que anuló Roe v. Wade y ha permitido que los estados despojen horriblemente a la mujer del derecho a autonomía corporal. La presidencia de Trump envalentonó a tantas personas y grupos cuyas acciones se basan en el odio, y creo que es realmente crítico encontrar maneras de resistir activamente.

Al armar I THOUGHT I HEARD YOU SPEAK/Pensé que te escuché hablar, estaba, por supuesto, pensando sobre las diversas formas en que las voces de las mujeres son marginadas y omitidas de las narraciones históricas. Como tal, estaba pensando cuidadosamente en cómo volver a centrar esas voces y esas experiencias. Al hacerlo, estaba considerando también la importancia de entender que las historias no son singulares, y que no hay una sola posición desde la cual aprender una  narrativa histórica o para enmarcar una historia. Todos tenemos que pensar en qué voces se han omitido de las historias hasta la fecha y cómo podemos enseñarnos a pensar desde los márgenes para contar nuevas historias que centren esas voces y experiencias liminales.

¿Qué discos/bandas hay en tu mesa o has estado escuchando esta  semana?

He estado escuchando el nuevo álbum de Morgan and the Organ Donors, M.O.D.s a bunch (¡qué gran disco!), Le Tigre (anticipándome a verlos en finales de julio), The Raincoats (para un nuevo proyecto de libro en el que estoy trabajando), y el nuevo disco de Mudhoney "Plastic Eternity".

Tus comentarios sobre los conceptos de retromanía y gentrificación cultural.

Veo estos dos conceptos bastante distintos entre sí, así que ¿puedo decir una un poco más por separado?

En términos de retromanía, estoy increíblemente fascinada por el interés en constante construcción por el pasado cultural y la nostalgia cultural. Ha habido un montón de ensayos y libros escritos sobre esto, así que dudo que esté diciendo algo nuevo aquí, pero mucho de eso se resume para mí en el uso de filtros de Instagram y aplicaciones que permiten a un usuario crear fotos o hacer películas en un formato aparentemente de medios analógicos (por ejemplo, una aplicación de cámara de película Super 8, una cámara pinhole o una aplicación de cámara tipo de hojalata) Creo que hay varias razones diferentes para este tipo de retromanía analógica/digital: algunas buenas, otras tal vez no tan buenas.

Obviamente, hay algo que decir sobre la relevancia continua del  ensayo de Walter Benjamin “La obra de arte en la era de la reproducción mecánica” (1935), ¡ahora con casi 100 años! Entonces, en ese sentido, algunas de las formas de retromanía no son tan recientes. Cuando se trata del marco de retromanía que discute Simon Reynolds, en realidad creo que las reediciones, las re-formaciones de banda, etc. ¡son geniales cuando introducen nuevos oyentes a las bandas y artistas! Por si sirve de algo, no creo que los libros o películas sobre bandas del pasado, o bandas que se han reformado o hecho reediciones, deben ser parte de cualquier discusión peyorativa de retromanía. Creo que es muy importante para excavar historias sónicas que no han sido completamente cubiertas, o que han sido marginadas en las historias más grandes de la música, ¡y lo mantengo con mucha firmeza!

En términos de gentrificación cultural y desplazamiento cultural, no me siento como una experta aquí (y quiero asegurarme de que mi voz no desplace aquellos con experiencia), pero puedo hablar de mis observaciones personales y algunos de los pensamientos que he hecho: está sucediendo (y ha sucedido) sorprendentemente rápido en partes de Nueva York y muchas comunidades culturales y las personas de color han sido desplazadas por completo debido al rápido aumento de los costos de vivir por la afluencia de gente con mucho dinero para gastar, y la vigilancia y violencia contra las personas de color. Creo que hay realmente esfuerzos críticos en algunos de esos lugares para mantener las historias culturales y  participar en modos significativos de resistencia, pero no sé cuáles son las respuestas o soluciones en última instancia que incluyen. Creo que es importante pensar cuidadosamente y dar espacio a las voces de los afectados. Hay diferentes tipos de experiencia: debemos asegurarnos de resaltar el conocimiento experiencial y experiencia (es decir, el conocimiento de aquellos afectados por la gentrificación, el desplazamiento y la violencia), así como aquellos con formas intelectuales y afines de conocimiento (por ejemplo, organizadores de la comunidad, urbanistas, legisladores, etc.) Y para ser absolutamente clara, ¡hay personas con ambas formas de conocimiento! Los dos no necesitan ser mutuamente excluyentes.

A CONVERSATION WITH AUDREY GOLDEN :. I was thinking about the ways in which women's voices are marginalized from historical narratives, also considering that the stories are not singular.

Audrey Golden is an arts and culture writer with a focus on music, film, and politics. She manages the website Louder Than War, where she is a weekly DJ host. A music lover from the womb, she has taken the global alternative and new wave brotherhood by storm with her recent opus, I THOUGH I HEARD YOU SPEAK: Women at Factory Records (White Rabbit, 2023). The text is first and foremost an oral history that reveals the label's cultural reach and its staying power in the 21st century by highlighting the unspoken work of women in almost every aspect: recording music, performing live, running the label among behind the scenes, managing and promoting bands, designing record covers, making movies and music videos, pioneering sound technology, DJing, and running one of the most chaotic clubs on the planet, La Haçienda.

Wherever it is examined, it's an essential book for new generations as well as for those who enjoyed teenage and youth bewitched by the wonders of people like Durutti Column, Joy Division, New Order, Happy Mondays, et al. Today on da blog we had the joy of having a few words with the North American thinker and this is what she left us.

Thank you for granting us the interview, please tell us your age, place of origin and what you do for a living.

I’m from the US, and I’m based in New York. I work as an editor for a living (after spending a number of years in academia, I made the very healthy decision to exit!), but the work that’s most important to me is the writing I do, along with managing Louder Than War Radio, where I also present a show. I think of myself as an author and DJ first. I’m trying to move away from the idea that our day jobs shape our personalities or define us in key ways, and I think it has been a really healthy shift in frame of mind for me!

I read an article in the New York Times around the start of the pandemic, I think, that suggested one of the ways capitalism harms us from childhood onward is that we learn to frame our conceptions of self based on this question in relation to a paid day-job profession: “What do you want to be when you grow up?” Coming from a working-class family, I always knew I’d have to work to earn money in order to do the things that brought me joy and a sense of wholeness, but I think—after four decades on earth—I’ve finally learned to say that I’m a writer and DJ, and I’m also a musician, and I work as an editor for pay. It ahs been a miraculous shift in frame-of-mind for me, and I hope I can convince some other artists and  thinkers to do the same!

How were your first encounters with alternative music and with the  Factory label in particular? What music did you listen to at home, at  school, etc?

Music has been part of my life for as long as I can remember. My dad loved rock’n’roll, and I have to imagine he was playing Bob Dylan while I was still a fetus in the womb! Certainly, I heard a lot of Bob Dylan, Lou Reed, Elton John and more as a baby and started taking piano lessons when I was 3 years old. Soon after, I started taking violin lessons and was classically trained on piano and violin. I’ve loved Bob Dylan since early childhood, along with The Beatles in particular (Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band was my favorite Beatles record). As I got a little bit older, I started discovering more music for myself and fell in love with riot grrrl  music, and so many grunge bands (Nirvana, Soundgarden, Hole, Screaming Trees). I actually discovered Joy Division from the soundtrack to the film The Crow, which seems really bonkers to me now. I heard the NIN cover of “Dead Souls” and started investigating. I bought Unknown Pleasures on cassette tape, and then found New Order. Both Joy Division and New Order became, for me, music that defined my teenage years along with a number of those other bands I mentioned—I felt rebellious and sad, and that music made me feel like I wasn’t alone.

What would you say are the records that broke your brain in a sublime way?

There are so many that I’m going to have trouble listing EVERYTHING! But I can absolutely tell you about a few of them. Since we’re talking about Factory Records, absolutely 100 percent New Order’s Power, Corruption and Lies. That album taught me that you can make sad and introspective music that you can also dance to! What a revelation! The amount of dancing I did alone in my bedroom to that record as a teenager… what an album. In terms of the record that taught me you could break free from the confines of classical music and that there was great joy in rebellion, it’s The Raincoats’s live album The Kitchen Tapes. I discovered this cassette thanks to Kurt Cobain’s liner notes in the Nirvana comp Incesticide (I loved  Nirvana so intensely, too). I was so frustrated with the amount of time I had to spend playing classical music and practicing etudes on the violin, and The Raincoats not only taught me that there’s more than one way to play a violin, but they also let me hear how women can be experimental, rebellious punks.

How much time do you have? (haha)

Nirvana’s In Utero. This is my favorite Nirvana album, due in large part to what I think is the absolute genius of the song “Pennyroyal Tea.” That line, “give me a Leonard Cohen afterworld/ So I can sigh eternally.” Oh, my heart. Bob Dylan’s Blood On the Tracks. Is there a better album about heartbreak that gets to the depths of the sadness, the sense of loss, the anger, the resentment, the beauty, and ultimately the nostalgia of it?

That’s four. I’m going to give you a fifth one — a much more recent brain-breaking record for me — that I think is totally unexpected, and I wouldn’t have guessed it was going to be a mindblowing album if you’d just told me about it. But it’s Dark Mark Does Christmas 2020. I’m being serious. It’s the Christmas record that Mark Lanegan recorded for Rough Trade that adds to a Dark Mark Does Christmas 2012 record he made that he sold on tours in 2013, I think. The original one is great, too, with some original songs by Lanegan. But for me it’s addition of his cover of “In the Bleak Midwinter” that ties the entire thing together. It is a heartbreaking, just absolutely beautiful album. I ordered that 2020 Rough Trade edition during the first winter of the pandemic when everything seems to hopeless. It was the first thing that I found a great beauty in again, and I still feel all of those songs in my bones when I listen to it. It’s not just a  Christmas record, by the way. It’s an album to listen to at any point of the year, and especially through dreary seasons.

Tell us about the post-punk scene in New York, the city where you live.

I’m not sure I’d describe the present or new music scene in New York as post-punk anymore, but there are still so many amazing shows here from some of the post-punk and no wave artists like Bush Tetras, Pere Ubu, and more (a shoutout here to the venue Le Poisson Rouge in the Village, which continually has fab gigs). In terms of bands that have formed more recently, I’d love it if some of the UK and Australia punk bands made their way over to New York for gigs! I’m looking at you especially, Amyl and the Sniffers!

I do think there’s still a sense of downtown New York music history here, but a lot of the venues that made New York’s post-punk and new wave scene what it was aren’t here anymore (e.g., Tier 3, Hurrah, Danceteria).

Those only exist in memory.

Writing I THOUGHT I HEARD YOU SPEAK, a book about the contribution of women to the music industry through the Factory label, must have required a lot of time and labor. Tell us about the process, when the idea arose, the deal with the publishers, offers offered and rejected, your work method, etc.

I’ll try to do some summing up here because otherwise this response  would take many pages! The book took a lot of my time and labor, but for me, I felt like it created a kind of kinship between me and the dozens (and dozens!) of women in the book whose labor largely had gone unrecognized in the existing Factory histories to date. So it was time and labor incredibly well-spent for me! The idea really came to firm fruition — as in I started to think of it as a possible book project — around 2018/2019. I did an interview with Chris Mathan, a former partner at Peter Saville Associates, and did a few interviews with Tracey Donnelly, a Factory employee extraordinaire from Manchester. Tracey really encouraged me to think about writing a book, and she helepd to make connections to probably two dozen women who I interviewed for the book. From there, I kept hearing more and more names of women who did really essential work directly for or around Factory in the UK and elsewhere (from other women I was interviewing), and I began tracking them down as well as I could. It really became like detective work for me — looking through old internet sites, newspapers, real estate records, and more. Some of that work ultimately didn’t yield results, but in some cases,  it did!

I knew nearly from the start that I wanted to put the book together as a narrative oral history so that the women’s voices — which hadn’t been heard in the past — could be the ones to tell the stories and to really shine. I also think narrative oral histories are inherently democratic in that they don’t privilege a single narrator or storyteller over another. They highlight the ways that multiple voices can come together to tell a story, and the ways that histories can be told different based on a person’s experiences and memories. There’s validity in experiential knowledge.

I got really, really lucky —complete and utter kismet — that Martine  McDonagh, who is one of the amazing women in my book, put me in touch with Lee Brackstone at White Rabbit. Martine met Lee through her friend Lenny Kaye, who’d recently done a book with Lee. So that’s how I Thought I Heard You Speak ended up on White Rabbit, and I couldn’t feel more fortunate for that.

We remember the name of Victoria Segal as one of the women in music journalism, but not many more. What journalists and critics have been or are your source of inspiration?

VIVIEN GOLDMAN! A rebel and role model for all women music writers.

How did the title of the book come about or what does it allude to: “I THOUGHT I HEARD YOU SPEAK”?

The title comes from the New Order song “Blue Monday,” but it’s also a double entrendre, of course, alluding to the ways in which women’s voices often are not heard, are omitted, are marginalized, are excluded.

These days right-wing fascism is on the rise and has infiltrated the  underground music scene with examples such as Death In June or even ex-rebels like John Lydon cheering for Donald Trump or the late UK Queen: Nick Cave; I would like to know how you approached this topic in your book or what position you have on the Louder Than War website.

I don’t want to speak for all the editors at Louder Than War, but I think you can glean from the material on the site, and the shows on the radio station (for which I’m station manager), there’s of course a clear opposition to fascism. I can certainly speak for myself in saying that there’s a clear need, in the words of the late Rep. John Lewis, to make “good trouble, necessary trouble” when it comes to opposing fascism, right-wing violence, discrimination, and prejudice. I’m incredibly angry and vocal about the U.S. Supreme Court ruling in Dobbs that overturned Roe v. Wade and has allowed states to horrifically strip away a woman’s right to bodily autonomy. Trump’s presidency emboldened so many people and groups whose actions are based in hate, and I think it’s really critical to find ways to actively resist.

In putting together I Thought I Heard You Speak, I was, of course, thinking about the varied ways in which women’s voices get marginalized and omitted from historical narratives. As such, I was thinking carefully about how to recenter those voices and those experiences. In so doing, I was also considering the importance of understanding that histories are not singular, and that there’s not just one position from which to learn a historical narrative or to frame a history. We all need to think about whose voices have been omitted from histories to date and how we can train ourself to think from the margins in order to tell new histories that center those liminal voices and experiences.

What records/bands are on your table or have you been listening to this week?

I’ve been listening to Morgan and the Organ Donors’ new album M.O.D.s a bunch (such a great record!), Le Tigre (in anticipation of seeing them at the end of July), The Raincoats (for a new book project I’m working on), and the new Mudhoney record Plastic Eternity.

Your comments on the concepts of retromania and cultural  gentrification.

I see these two concepts as pretty distinct from one another, so I can say a bit more separately?

In terms of retromania, I’m incredibly fascinated by the ever-building interest in the cultural past and cultural nostalgia. There have been a lot of essays and books written on this, so I doubt I’m saying anything new here, but a lot of it gets summed up for me in the use of Instagram filters and apps that allow a user to create photos or make films in seemingly analog mediums (e.g., a Super 8 film camera app, or a pinhole camera or tintype camera app). I think there are a number of different reasons for this type of analog/digital retromania — some good, some perhaps not so good.

There’s obviously something to be said for the continued relevance of Walter Benjamin’s essay “The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction” (1935), now almost 100 years old! So in that sense, some forms of retromania are not so recent. When it comes to the retromania framework that Simon Reynolds discusses, I actually think reissues, band re-formations, etc. are great when they introduce new listeners to bands and artists! For what it’s worth, I don’t think books or films about bands of the past, or bands that have reformed or done reissues, should be part of any pejorative discussions of retromania. I think it’s really important to excavate sonic histories that haven’t been fully covered, or that have been  marginalized in larger histories of music, and I hold to that really firmly!

In terms of cultural gentrification, and cultural displacement, I don’t feel like an expert here (and want to make sure my voice doesn’t crowd out those with expertise), but I can speak to my personal observations and some of the thinking I’ve done: It’s happening (and has happened) shockingly quickly in parts of New York, and a lot of cultural communities and people of color have been entirely displaced due to rapidly rising costs of living from the influx of people with a lot of money to spend, and the policing of and violence against people of color. I think there are really critical efforts in some of those places to maintain cultural histories and to engage in meaningful modes of resistance, but I don’t know what the answers or solutions ultimately include. I think it’s important to think  carefully and to give space to the voices of those affected. There are  different kinds of expertise: we need to make sure to highlight  experiential knowledge and expertise (i.e., the knowledge of those  impacted by gentrification, displacement, and violence), as well as those with intellectual and related forms of knowledge (e.g., community organizers, urban planners, lawmakers, etc.) And to be absolutely clear, there are people with both forms of knowledge! The two need not be mutually exclusive.