“Achtung Baby” es el disco que, aparentemente, y por un tiempo limitado, cambió la percepción que se tenía sobre la música de U2. Recuperamos la crítica que escribió David S. Mordoh en Rockdelux cuando se publicó el álbum en 1991. En 2011 se reeditó el disco coincidiendo con su veinte aniversario.
POR DAVID S. MORDOH Extraído de ROCKDELUX 82 (Enero de 1992)
Bingo. Se me ocurrió, antes de emprenderla con el nuevo artefacto de U2, subir el volumen del amplificador. Y allí me quedé, pegado al sillón como si la fuerza de la gravedad quintuplicase su atracción, perplejo, durante el primer minuto de “Achtung Baby”. Esos sesenta segundos, y la presencia en la contraportada de los nombres de Brian Eno y Daniel Lanois, bastaron: sabía que esta vez habían acertado.
No entraremos ahora en si es mejor “The Unforgettable Fire” (1984) y “The Joshua Tree” (1987); solo asegurar que queda borrado el mal sabor de “Rattle And Hum” (1988). Y es que “Achtung Baby”, aun mirando atrás, es tremendamente vigente. Las pedradas brutales con que arrancan “Zoo Station” y “The Fly” son solo la punta del iceberg. Eno y Lanois nos introducen lentamente en un mundo sonoro fascinante, saturado de ingenio y buen gusto, siempre con la perspectiva de lo que significa el nombre de U2 en el mercado. Son efectos tan espectaculares como subliminales, que relegan a los músicos a simples peones de una construcción sonora con aspiraciones de superar el huracán del presente y perdurar. Lógicamente, se han respetado los pilares marca de la casa, lo esencial: el riff siempre envenenado de The Edge, el bajo voluptuoso o el dramatismo vocal de Bono. Las características, bien manipuladas, se tornan cualidades. Pero también queda reflejado el ahora, combinando sixties (solo de “Until The End Of The World”) y rap (el retumbar percusivo de “So Cruel” y “Mysterious Ways”, incluso un esbozo de parrafada en “Trying To Throw Your Arms Around The World”), que no mira atrás a B.B. King o a Sun intentando codearse con lo inimitable, que no vomita nombres a base de proclamas políticas fáciles (Amnesty y Greenpeace ocupan un lugar sensato en los créditos, y se menciona sin alardes a Lou Reed, Wenders y Dalí).
Tan emblemáticos para los noventa como Piaf para la chanson, U2 –y sobre todo Eno y Lanois– retornan, triunfos en mano, para recordarnos que debemos seguir contando con ellos. Nunca es tarde.
CONSTELACIONES ULTRA SÓNICAS Y MÁS ALLA DEL ÁTOMO. LA PROPULSIÓN ES IÓNICA DESDE ESTA NAVE MATRIZ. ÓRBITAS ETÉREAS EN UNA GRAN TRANSMISIÓN DIRECTA DE CÓDIGOS DE LUZ Y DE SONIDOS QUE ELEVAN LAS CONSCIENCIAS HACIA OTRAS REALIDADES. ¡HEY YOU! LA MUSICA NO ES SÓLO LOS SONIDOS QUE ESCUCHAS ES UNA ALTA VIBRACIÓN QUE SIENTES A TRAVÉS DE TU SER. LOS PORTALES DE TRASPASE A OTRAS MEGA SUPRA INCONMESURABLES DIMENSIONES SÓLO REACTIVALOS CON TU MENTE: MENTAL-MENTE. ¡SOMOS CREADORES!🔷
MAX COOPER ha titulado 'Motif' a su neo EP editado bajo su propio sello: Mesh. ’With Me' - es su actual tema en promoción y en el cual figura la cantautora KATHRIN deBOER, nacida en Australia. El vídeo ha sido dirigido x el inspirado y reconocido MICHAEL McAFEE. El orbe 'With Me' muestra en su concepto visual, esa característica compleja e impredecible como la mayoría de vídeos realizados para los temas de MAX COOPER. Este es todo un retrato surrealista que sumerge al oyente en un inesperado viaje visual interdimensional alrededor de paisajes en Nueva Zelanda como fuera del espacio tiempo. Otros temas incluidos en este EP: 'Swapped', 'Stereoscopic Dive', 'Vertebrae' como 'Forgotten Places'. El EP, disponible desde el 29 de Octubre, mientras que desde el 6 de octubre, va a circular 'Forgotten Places' (Mesh) como single en el cual figura igualmente KATHRIN deBOER y, como sabemos bien, cada uno de los proyectos de MC, es un viaje en donde la IA abstracta trasciende en su propio e identificado lenguaje. El respectivo video para 'Forgotten Places' ha sido dirigido x Jonx, Xander Steenbrügge y Nick Motion, en éste, destaca el fulgor de la naturaleza viva en si. En suma, es un esférico íntimo y dedicado que muestra a un MC, enriquecido en puro arte. Él, tiene todo el resto del año 2023 copado en futuras presentaciones x Europa🔷
Desde Pennsylvania (USA) retorna a la escena la multi-instrumentista, vocalista, compositora y productora:EARTHEATER, con orígen soviético x parte del padre y británico x el lado de la madre. EARTHEATER es Alexandra Drewchin quien actualmente reside en Queens/New York -donde sus padres se conocieron. Ella ha estado actuando desde 2009, también es conocida como TRINITY VIGORSKY y ha estado exponiendo su arte desde entonces en una variedad de estilos en su repertorio como: psych, experimental, art- pop, electronic, nu folk, avant-garde, industrial... toca piano, guitarra y los sintetizadores... pero también, rompe cristales al darle cierta frecuencia a su vox. Memorias de Saturno de repente (!)🔷
*Estoy tratando de hacer una película, pero todo lo que logre es sonido y letras - ha declarado Eartheater.
Fue en 2015 que para el sello Hausu Mountain, ella tuvo lanzado 'Metalepsis' como 'RIP Chrysalis' - para el mismo sello. En 2018 hizo lo propio con 'Irisiri' (Pan Records), 'Upon My Skin' (Pan) en 2020, 'Powders' en el año 2023 para Chemical X Recordd -y para 2024, su otro opus a circular titula 'Aftermath'. Sin dejar de mencionar que en 2019 tuvo editado 'Trinity' -Mixtape para el sello Chemical X, 'Phoenix: La Petit Mort Edition' (Pan) album remix (2021), y ha colaborado en 'Angel Lust' (Pan 2015), de efecto etéreo con LEYA. Ha tocado la guitarra en el single 'Ocean Of Tears' de CAROLINE POLACHEK, si recuerdas a CHAIRLIFT, (acto que tanto difunfi x las ondas hertzianas) e igualmente ha sido parte de SHOW ME THE BODY como de MOOR MOTHER-entre otros. Los vídeos de sus temas son de una gama excéntrica y, diría también hasta: altamente bizarros, dadaístas, como estrambóticos - pero eso sí, con un sello de permanente creatividad para tu deleite visual y dejando en cierta obsolescencia el pasado🔷
Para todos hay en cuanto a música para los habitantes de este planeta sublunar 🔷FORM es un combo con base en París, cuyo single en promoción el cual han titulado 'Blackout' cuenta con su respectivo video producido x la compañía Say Goodnight Films y dirigido y filmado x quien es 'Polocho' - como que también está Milo Max Burgess en producción. Es el sello Nowdays Records que los tiene bajo contrato y muy próximo a editar el primer álbum debut del trío. X lo pronto, ya tienen fecha fijada de celebración en 'La Boule Noir' de París, el 29 de noviembre próximo🔷
El acto peruano A.CHAL para esta vez, se sumerge dentro de sus raíces psych en su neo entrega en single 'Saico'. Nació en Trujillo/Perú y creció en Queens/NY (USA), su música es una mezcla de influencias x su diversa educación. Tiene previos álbumes grabados con una distinta magma de saberes a lo que graba hoy en día. Debutó dentro de la industria de la música a sus tempranos 20's. Como un tipo que ha crecido y evolucionado, se enfoca ahora en crear música que se percibe y resuena auténticamente. Su actual single: 'Saico', como el respectivo video fue filmado en el rancho de su padre en Perú, cuya letra muestra sentimientos cruzados existenciales, el vídeo en sus diferentes escenas proveen un raro sentido de facilidad🔷
*Esta canción 'Saico' y mi próximo álbum son muy diferentes a todo lo que grabé antes. He hecho lo que quería escuchar, ha declarado A.chal.
A.CHAL agregó además: 'El vídeo para 'Saico', ha sido filmado en una octava de milímetro en vez de tener un gran equipo de producción y ha logrado que tenga una especie de sentimiento muy orgánico, lo cual me recuerda a mis años de infancia. Ichal, era el nombre que se suponía que sería su nombre e ideado x su padre. No se dio pero el recurrió a ese recuerdo, al momento en optar x un nombre que, fonéticamente (al leerlo en inglés), coincide con el nombre artístico que usa hoy en día. Ichal es el nombre de una montaña cerca adonde su padre vivió. Xavier Scott Marshall ha sido quien filmó el vídeo creando una atmósfera de vivir en las montañas o cerca de ellas. Cada pulso musical responde siempre a un estímulo inesperado, fusión del latido de los corazones, de las tantas emociones, de cultivos distantes musicales como de geografías sonoras🔷
El acto DERROCK proviene de Santiago/Chile y en su actual single y respectivo video - ha dejado atrás en este, la selva de cemento y enaltece a la naturaleza. El sello Quinto Fuego lanzará el tercer álbum de este acto para antes que finalice el año 2023. Grabado en Pucón/Chile este tema en vena organic house, andean y si quieres: tribal. Música como un evento de punto cero hacia una mega escala cósmica🔷GENTLE ORGANISMS que x estos días promociona su single 'Vibe', tendrá su álbum 'I Wish You Could See Yourself Right Now', para enero 2024. Un acto que transmite paz, brisa marina además de contar con una apacible voz que te puede capturar🔷En mi RAdaR x estos días: NECTAX con 'Downtime', BIG ANIMAL THEORY - 'Because' - ambos Self-Released. También ATMOS BLOOM - 'Sea Legs'. JAGUAR SUN - 'I Feel it' (a DAVID BYRNE, mi alien favorito ¡le va a encantar! - como a todos los TALKING HEADS integrantes)🔷
*Hablando de ellos, Talking Heads se reunió tras 21 años para una serie de preguntas como para la proyección de 'Stop Making Sense' en su 40 aniversario desde su estreno (Festival Internacional de Cine en Toronto).
A YANN TIERSEN no lo puedo dejar atrás, pues tiene un new brand boxset de 4 CD's: 'Kerber', 'Kerber 11 51825 18', 'Kerber Remixes' y si a esto agrego: 'Kerber Solo Piano', lo convierte en una supra boxset de luxe. Lo de él es arquitectura sónica en piano fusionada en alta y estelar gama fluorescente con ampliación a suites.🔷OCEAN FROM THE BLUE, el acto de Corea del Sur, estuvo presentándose @ Tolhuistuin de Ámsterdam el 19 de septiembre último, continuando con su gira Way Yo Blue 2023 soporte a su álbum autotitulado. Ha ido evolucionando en ampliar su estilo y he percibido un cierto tinte jazzístico en sus temas que orbitan cada vez más higher: 'Sherlock', 'Feel Me', 'Icy Girl', 'Past Life', 'Come Back Home', 'Necessary Girl' -entre otros, muy celebrados en todas sus presentaciones... De muy ampliada discografía desde que debutó en 2018 con su 'Luv-fi' EP🔷
*A OCEAN FROM THE BLUE, le ha encantado las líneas que le he dedicado a su trabajo.
El equinoccio 22/23 de septiembre te anima a tener más equilibrio en ti mismo y contigo ¡hacia el planeta! A elevar tu frecuencia en estos tiempos de cambios a nivel no sólo terráqueo... sino universal🔷NECTAX - 'Downtime' está en mi total RAdaR x estos bellos días e igualmente, GENTLE ORGANISMS que tendrá disponible su álbum 'I Wish You Could See Yourself Right Now' desde el 26 de enero 2024. Un mosaico de temas que transmiten paz, brisa marina y si agrego además, con una tersa vocalización que de inmediato: ¡te atrapa!🔷El acto MANASY tiene en 'In Deep Tongues' incluído en su 'Zero Plague' EP, para Specimen_ Records su opus aleatorio. Francesca Bonci, es la responsable del concepto visual en el respectivo clip. Ella celebra igualmente, las líneas que le dediqué a su trabajo, sin olvidar a A.CHAL, FORM, DORREK... en fin. A todos, les agradezco ad Infinitum. En realidad, como saben bien, interactúo con todos a quiénes cito en mis columnas o con la mayoría de ellos para una mejor data y, desde siempre. A cada uno de ustedes, los lectores, mi agradecimiento es igual de interminable🔷
APOLLO SUNS formado x Ed Durocher, un colectivo instrumental de Winnipeg/Manitoba (Canadá) con 9 integrantes, es otra de esas bandas que fascina x su música en vena plagada de estilos e influenciados x jazz, rock y psicodelia, creando un propio sonido orientado a aquella saga de la década de 1970. Con 3 EP's en sus espaldas, han obtenido el premio en la categoría a 'Instrumental Artist Of the Year' - en el Western Canadian Music Awards: años 2018/2020. En 2022, se reunieron con BEN KAPLAN, ganador del Juno Awards y grabaron 'Departures' - álbum que incluye: 'Pluto', 'Fonzy', 'Midnight In Winter', 'Through The Woods', 'Cry Baby' -entre otros. Una gema termitente como una banda que hay que verla en vivo. La portada vintage del álbum, atrajo mi atención he hizo que deseara verlos en vivo🔷
Otros orbes lumínicos en mi RAdaR: Godkidvik - 'Jimmy Neutron'. METTE - 'Acid Rain' y todo su álbum 'Mettenarrative' en vena art-pop. OTIS - 'Electronic Paradise'. Igualmente la performance en mi retina y mente de FRED AGAIN en Le Zénith de París, estadio cubierto en el Parque La Villette (20/9)🔷 Seamos puro amor y alta frecuencia vibratoria cosmica. El amor traspasa tiempo y espacio y se mueve en la eternidad🔷STOP!
Un disco que define personalidades. Un único día que parecerá eterno.
El primer álbum de Slowdive es un primor donde encontramos la esencia de su sonido etéreo. Entre simas depresivas y vuelos angelicales, plasman el fulgor adolescente que todo shoegazer noventero vivió con la nueva música que se fraguaba. Algunos dicen que Slowdive y su música cargan filias góticas, que Rachel Goswell era admiradora de Siouxsie, etcétera. Probablemente es así pero uno que lo escuchó en tiempo real, en los 90, pues no me dejarán mentir ustedes shoegazers de esos divinales días que los gothic heads hacían burlas de estos sonidos naive celestiales. Neil Halstead ha confesado, además, su admiración por Spacemen 3 a quienes vieron en su ciudad natal, Reading. En todo caso Slowdive serían tan oscurones como lo podría ser Brian Eno.
Emparentados también con entes del tipo Durutti Column y Cocteau Twins, en "Just for a day" quizás la producción no sea grandilocuente o perfeccionista como su contemporáneo Loveless (MBV), pero su cualidad reside en el privilegio de ser una muestra de la adolescencia shoegazer, del despertar y descubrimiento, de poesía y romanticismos transformados en paredes de ruido, susurros y texturas ambient. “Catch the breeze” es el inigualable himno de este documento, de esas canciones que pasen los años que pasen, erizan el corazón al volver a ellas. Plena de capas y efectos a discreción, cumple demasiado bien el encargo de borrar tu mente y ego de la normativa societal. Un ventarrón de noise para tu alma en modo sinestésico. "Erik's Song" y sus momentos oníricos cercanos a la new age. "Ballad of Sister Sue" y "Brighter" donde la voz de Rachel extrae los más hermosos sentimientos que anidan en la primera juventud.
Mucha de esta música de los años 90 es expresión de los alucinógenos que consumíamos. Ya sea en Lima o Londres. Nosotros, inclusive, portamos pequeñas cantidades de DMT en la corteza cerebral, por lo que el más ligero activador puede despertarte a maravillas. Yo te lo prometo.
Más allá de las líricas amorosas, las voces de Rachel y Neil, en sincronía y por separado, prodigan dulzura apelando a melodías preciosistas en contrapunto con las omnipresentes y lacerantes atmósferas. El grupo al completo se aplica a la construcción de fluidos sónicos y destellos aurales, fusiones de ecos y reverberos que horadarán la psique de quienes tengan por suerte adentrarse en los horizontes de "Just for a day". El primero de Slowdive, una utopía metamusical destinada a siempre perder. Y tú con ellos.
La incandescencia de My Bloody Valentine y su shoegazing vanguardista tuvieron su nuevo momento de gloria con las reediciones de sus dos álbumes, “Isn't Anything” (1988) y “Loveless” (1991), en 2012. Largamente anunciadas, por fin se materializaron, y pusieron de actualidad el legado de unos pioneros con una obra visionaria. Fueron escogidas las mejores de ese año en el Rockdelux 313. Nando Cruz las comentó unos meses antes, junto a un recopilatorio de los reputados singles del cuarteto comandado por Kevin Shields entre 1988 y 1991.
POR NANDO CRUZ Extraído de RDL 309 (Septiembre 2012)
El culto a la visionaria obra de Kevin Shields no ha dejado de crecer. Sobre todo en la última década, cuando la vuelta a la actividad de My Bloody Valentine ha disparado los rumores de nuevo disco. Por ahora, lo único que ha llegado es la remasterización de “Loveless” (1991): cuatro años tarde y por duplicado. Según Shields, una procede del máster y elimina la compresión digital, de modo que oímos un “Loveless” algo más expandido y con puntuales saturaciones; la otra toma como base la cinta previa a la digitalización y ahí Shields ha eliminado defectos y resaltado virtudes de la mezcla original. La diferencia más comentada es ese pellizco erróneo en uno de los CDs (durante “What You Want”) que indica que el perfeccionismo de Shields no ha sido tanto.
Nada de ello resta altura a una obra que mantiene su incandescente resplandor. Un disco que redefine el concepto wall of sound sin renunciar al formato monoaural, que confunde al oyente respecto a las fuentes reales de las que surge cada sonido, con samples que no lo parecen y efectos reverb en reverso. Poco cabe añadir a lo que escribió Guillermo Z. del Águila en RDL 259. Únicamente incidir en su condición de disco climático (pues genera una sensación de sofoco solo mediante sonido), apuntar que la tórrida y borrosa “To Here Knows When” fascinaría por igual a Daniel Lanois que a David Lynch y sugerir que el experimento dance “Soon” empieza a envejecer.
“Isn't Anything” (1988) es menos mítico, pero más influyente. Es el demarraje del pelotón shoegazing, la ascensión a la cima tras la cual llega el descenso por el barranco que nadie podrá seguir; ni siquiera su banda, pues Shields grabó casi solo. Pero en “Isn’t Anything” ya se detecta la intención de utilizar el sonido como arma de distorsión sensorial. “Soft As Warm (But Warm Inside)” es la caja de herramientas con las piezas separadas (batería, bajo hidráulico y melodía), las guitarras de “Several Girls Galore” avanzan en dirección contraria, “Feed Me With Your Kiss” es lo más cerca que estarían shoegazing y hardcore, “All I Need” adelanta a The Jesus And Mary Chain conjugando lo industrial con lo etéreo y “Sueisfine” obliga a recordar que la enajenada batería de Colm Ó Cíosóig fue clave.
“EP's 1988-1991” (2012) reúne “You Made Me Realise” (1988), “Feed Me With Your Kiss” (1988), “Glider” (1990) y “Tremolo” (1991), eludiendo toda referencia a su primera etapa. Reescuchando sus caras B intuimos que la melodía que raja “Thorn” de arriba abajo debió estar inspirada en una motosierra, que “I Believe” tiene un punto “Bonnie And Clyde” y que “Moon Song” es lo más cerca que estuvieron de los Beach Boys. Ni las letras ni las voces garantizan el mito. Es la incandescencia del sonido lo que motiva tan ultravívida experiencia. Hay cosas menores (“Off Your Face”, “Emptyness Inside”) y fallidas (“Swallow” y sus percusiones), pero al frente de todas ondea “You Made Me Realise”, un venenoso ciclón sónico.
Entre las curiosidades de este volumen se encuentran dos cortes instrumentales (uno es casi grunge y el otro samplea una base de Public Enemy), una toma de diez minutos de “Glider” (donde el efecto de estirar la melodía como un chicle de cuchillas es más hiriente y mareante), la rareza “Sugar” y tres temas razonablemente inéditos que abundan en ese shoegazing inquieto que buscaba texturas más metálicas y musculadas desde el fondo de la fragua sónica.
Declaración de principios inscrita en la carpeta original y tema introductorio de “Frequencies” (1991): “¿Qué es house? Technotronic, KLF o algo donde vives. Para mí, house es Phuture, Pierre, Fingers, Adonis, etc. Los Pioneros del groove hipnótico, Brian Eno, Tangerine Dream, Kraftwerk, Depeche Mode y la Yellow Magic Orchestra. Este álbum os lo dedico”. El 22 de julio de 2011 se cumplieron veinte años desde la publicación de una de las piedras angulares de aquella nueva música de baile para escuchar, octavo trabajo de la era dorada (1985-2005) de la electrónica moderna según publicó Dancedelux en su número póstumo. Una obra para la que sus progenitores, los inquietos Mark Bell y Gez Varley, consiguieron sintetizar tradición y osadía seduciendo de paso a un público mayormente británico con eterna morriña por el verano del amor.
Pero “Frequencies” no fue un disco hedonista (sí juguetón), sino un trabajo inspirado que reinventó géneros y abrió camino a otros, uno de los pocos álbumes de entonces que todavía conservan intacta casi toda su frescura. Para celebrarlo, Warp Records (sello donde todavía se deja querer Mark Bell; Varley abandonó en 1996 tras el psicodélico “Advance”) reedita el primer álbum de LFO en doble vinilo de alta calidad, espaciando los temas originales y sus concisas frecuencias y oscilaciones en cuatro caras para mayor gloria auditiva, a los que se añaden “Groovy Distortion” y “Track 4”, temas incluidos en el disco compacto original, así como un útil código de descarga. En tanto que Bell, que acaba de reactivar a LFO para el directo, decide dar continuación a “Sheath” (2003), tercer y último trabajo largo de las siglas hasta el momento, nunca estará de más volver a unos temas hipnóticos (con “Simon From Sydney” a la cabeza), singularmente percusivos y vocacionalmente bailables como los reunidos en “Frequencies”. Clásicos instantáneos, hoy igualmente fascinantes, que marcaron a toda una generación.
THE DELAY IN THE UNIVERSAL LOOP: LA DANZA FLOR ELECTRA EXTRATOSFÉRICA CREADA VÍA IA.
X:HELENE RAMOS
En la espera de la salida de 'Ninne Nanne' del acto THE DELAY IN THE UNIVERSAL LOOP, con base en San Nazzaro/Campania, un pequeño municipio en Benevento, Italia retorna con su actual vídeo titulado 'Eternanne' - el mismo que ha sido realizado gracias a la Inteligencia Artificial.
Desde el 15 de septiembre circula 'Nine Nanne', el álbum realizado x Dylan Iuliano que es conocido x su óptimo opus: 'Inner Capitalism'. El álbum 'Holy Circuitry' y el otro alter ego experimental 'Xenboi'. El título es un homenaje al músico inventor Raymond Scott y a su maravillosa trilogía 'Soothing Sounds For Baby'.
Trás el primer vídeo titulado 'Everything Is Stuck In Time' que es la apertura del disco, llegan otras dos. El reciente es uno de la cuarta serie, en que ha estado desde entonces experimentando con la IA.
El tema 'Eternanne' es el que cierra el álbum en colaboración con MUSKY, que desde hace un tanto de tiempo ella no ha estado grabando. MUSKY es el proyecto solista de Valentina Fanigliulio, quien compone música desde 2003, y ha contribuido a plasmar la escena llamada coldwave contemporánea con discos de culto como 'Faded Heart' y 'Breathless' para Mannequin Records, su búsqueda musical la ha llevado tras los años a experimentar entre galaxias sonoras diversas que van desde el kraut-rock al jazz experimental como pasando x otras vías más esotéricas del ambient.
Su otro proyecto paralelo PHANTOM LOVE es sólo un ejemplo de todo ello.
Nos reencontramos como cada semana con avalancha de actos que se desarrollan desde los 5 continentes y de otros venidos de hiper galaxias de cristal🔷STOP!
Una población mayoritariamente blanca, cristiana evangélica y con pocos estudios, animada por el descontento, la rabia o la herida, o una combinación de los tres, llevó a Donald Trump al poder. Sí, también consiguió el apoyo de algunas personas blancas con estudios, algunas minorías raciales, los súper ricos, el sionismo fundamentalista y la ultraderecha. Pero su base electoral estuvo y sigue estando compuesta por el electorado estadounidense blanco sin títulos universitarios, que, en su mayoría, reconocía con sinceridad que Trump no estaba preparado para ser presidente. No solo movilizó el resentimiento de clase, sino el rencor blanco, en particular, el rencor masculino blanco, por el orgullo de un lugar perdido (social, económico, cultural y político) en el contexto de cuatro décadas de neoliberalismo y globalización.
A decir verdad, el neoliberalismo, y el postfordismo antes de aquel, han resultado mucho más devastadores para la clase obrera estadounidense negra. En 1970, más de dos tercios de las personas trabajadoras negras de las ciudades tenían puestos de trabajo en la industria y en la construcción. En 1987, la cifra había caído a un 28 %. Además del aumento del desempleo y del subempleo, los barrios negros de clase obrera y pobre se vieron duramente afectados por los recortes neoliberales de la escuela pública, los servicios públicos y las prestaciones sociales y por la imposición de duras sentencias por delitos sin violencia.
La combinación de todo ello se tradujo en una economía de narcotráfico y bandas, una tasa de encarcelamiento negro catastrófica y un abismo creciente entre las posibilidades de una pequeña clase media negra y el abandono social, económico y político del resto de la población afroamericana. Esta devastación constituye el pasto de las promesas rotas, no el del rencor nostálgico por la supremacía o los derechos perdidos, o el de imagos políticos y sociales aplastados del yo, de la raza y la nación.
Claramente, la reacción blanca contra el destronamiento socioeconómico a causa de la política económica neoliberal y de lo que la propia Marine Le Pen denominó la «globalización salvaje» está descontrolada en toda la región euroatlántica, donde los habitantes blancos de clase obrera y de clase media que se enfrentan a una reducción de su acceso a ingresos, vivienda, colegios, pensiones y futuros decentes se han levantado en rebelión política contra los oscuros usurpadores imaginados y también contra los cosmopolitas y las élites a quienes consideran responsables de abrir de par en par las puertas de sus naciones y tirarles por la borda. Hasta aquí lo que sabemos. Pero, ¿cuál es la forma política de esta ira y de su movilización? Los viejos términos que se suelen difundir para describirla (populismo, autoritarismo, fascismo) no captan adecuadamente la extraña mezcla de belicosidad, desinhibición y una combinación antidemocrática de desenfreno y apoyo del estatalismo en las formaciones políticas y sociales actuales. Tampoco identifican los elementos específicos de la razón neoliberal (un alcance extendido de lo privado, una desconfianza en lo político y una desautorización de lo social, que en su conjunto normalizan la desigualdad y destripan la democracia) que configuran y legitiman estas pasiones políticas blancas e iracundas de derechas. Y no captan el nihilismo profundo que convierte los valores en juguetes, resta toda importancia a la verdad y hace del futuro una cuestión de indiferencia o, peor, un objeto inconsciente de destrucción.
En lo que sigue, exploraré esta coyuntura desde un solo punto de vista: ¿qué genera las dimensiones antipolíticas, libertarias y autoritarias de la reacción popular de derechas de la actualidad? ¿Qué nuevas iteraciones y expresiones de libertad se han forjado a partir de la combinación de la razón neoliberal, el agraviado poder masculino blanco, el nacionalismo y el nihilismo declarado? ¿Cómo se ha convertido la libertad en la carta de presentación y la energía de una formación tan manifiestamente antiemancipatoria que, de hecho, suele caracterizarse por pregonar la «democracia iliberal» en sus ataques contra la igualdad de derechos, las libertades civiles, el constitucionalismo y las normas básicas de la tolerancia y la inclusión, en sus afirmaciones del nacionalismo blanco, el estatalismo fuerte y los líderes autoritarios? ¿Cómo y por qué se han fusionado en nuestro tiempo la libertad y el iliberalismo, la libertad y el autoritarismo, la libertad, la exclusión social y la violencia social legitimadas? ¿Cómo ha desarrollado esta fusión un atractivo y una cierta legitimidad en antiguas naciones liberal-democráticas? Este ensayo no ofrece la genealogía que respondería íntegramente a estas preguntas, pero presenta una primera incursión. Sigue varios afluentes históricos y se basa en el improbable trío teórico de Friedrich Hayek, Friedrich Nietzsche y Herbert Marcuse: Hayek para dar cuenta de la racionalidad política de nuestra época, Nietzsche y Marcuse para entender la agresividad rencorosa, desinhibida, antisocial y nihilista que está estallando en su seno.
WENDY BROWN El Frankenstein del neoliberalismo. Libertad autoritaria en las «democracias» del siglo XXI
Hecker refleja el detritus sonoro en que se ha convertido la música en la era digital.
Extraído de ROCK DE LUX 297 (Julio-Agosto 2011)
POR JUAN MONGE
El ambient (ruidoso o no) del canadiense Tim Hecker transita entre la belleza y la desolación, entre la épica y la angustia. Acostumbrado a dar una excusa conceptual para cada uno de sus discos, Hecker exploró la degradación del sonido en la era mp3 en “Ravedeath, 1972” (2011). Grabado junto a Ben Frost en una iglesia de Reikiavik en tan solo un día y procesado durante meses en su estudio, es su disco más violento e intenso. En él transformó las notas de un órgano y sus resonancias en un alud de sonido abstracto. Esa tensión entre lo analógico y lo digital está en el centro de una música que parece no tener límites imaginables. Juan Monge intercambió correos con él.
Roger Shepard, un científico cognitivo californiano, descubrió hace décadas un tono compuesto con ondas separadas por octavas que al ser escuchado repetidamente se percibía como una subida constante en ese tono que no tenía final, cuando, en realidad, se trataba simplemente del mismo sonido, repetido una y otra vez. Era la ilusión de una escala musical infinita, un efecto auditivo utilizado por Queen, Pink Floyd o los diseñadores de Super Mario 64; el equivalente en sonido a una escalera de Escher. Puede que la música de Tim Hecker no tenga mucho que ver con algo así, pero sí con la marca que deja sobre el oyente. Sus discos son piezas con recorridos trazados, con una narrativa construida con variaciones de esos recorridos, con principios y finales. Sin embargo, algo en su sonido se estira hacia lo infinito. Y no es la escala musical, sino el impacto emocional, que crece y crece sobre la escucha, que Hecker ha urdido y multiplicado en cada uno de sus discos, y del que “Ravedeath, 1972” (Kranky, 2011) supone su versión más devastadora.
Desde que abandonó Jetone, un proyecto de techno frío y minimalista (con el que llegó a ver editados dos discos), para abordar una música abstracta, de formas difíciles de distinguir, con su nombre real en “Haunt Me, Haunt Me Do It Again” (Substractif, 2001), Hecker hizo de la transformación del sonido la base de su trabajo. Con los años, dejó de depender únicamente de las muestras que tomaba como fuente de sonido y aprendió a confiar en su habilidad para generar música con los instrumentos que tenía a mano: empezó a sabotear guitarras, pianos y teclados, grabando el resultado y utilizándolo como el origen de sus piezas. Fue un paso que marcó la división entre las grabaciones anteriores a su disco más oscuro y eléctrico, “Mirages” (Alien8, 2004), basadas en samples y trozos de música encontrados –como los temas de Van Halen que deshizo en el EP “My Love Is Rotten To The Core” (Substractif, 2002)– y lo que vino inmediatamente después.
Para Hecker, que responde a mis preguntas por correo electrónico, “el origen de los sonidos no es tan importante como el proceso que hay entre esos sonidos y las piezas finales”. Sin embargo, las fuentes del sonido han obsesionado a Hecker durante mucho tiempo, tanto como para pasar años terminando un doctorado sobre ruido urbano. “Más bien, lo que hago es estudiar la historia cultural de los sonidos más fuertes. En mi música trabajo sonidos muy saturados y simplemente me interesa saber cómo han evolucionado. Hace cuatro siglos ese tipo de sonidos se reducía al que salía de los órganos de las iglesias, y luego, con el tiempo, se fue transformando y proliferando. Fue una forma de comunicación náutica que ayudaba a los barcos a navegar entre las rocas, la niebla... Y hoy es arte”.
Para él, el universo de los sonidos utilitarios ha acabado filtrándose en la música actual. “Muchas de las formas que la gente tenía de experimentar esa clase de sonidos en la vida cotidiana, a principios del siglo XX, se han incorporado al lenguaje musical y son experiencias que perviven y que se manifiestan de distintas formas. Piensa en el noise o en los ‘soundsystems’ enormes que hay en muchos conciertos”. Es cierto que esos dos casos no están tan lejos de lo que la gente vivió hace setenta años, cuando fallaba la señal de la radio, devorada por las interferencias, o los dictadores daban mítines delante de ciudades enteras.
Pero lo que verdaderamente preocupa a Hecker es rastrear el alma del sonido, no sus formas o su evolución. Por eso suele cruzar ideas, nombres y fechas en los títulos de sus piezas y las portadas de sus discos. La de “Ravedeath, 1972” enseña una fotografía en la que unos alumnos del Instituto Tecnológico de Massachusetts lanzan un piano desde la azotea de un edificio en un ritual estudiantil que surgió durante los años setenta. Hecker la encontró por casualidad en internet cuando buscaba datos sobre la degradación de la música en la era digital. “Son nociones abstractas que me interesan en el momento en que estoy grabando un disco y que, de alguna manera, se cuelan en su sonido, aunque no con un nexo claro. No puedo decir que esta música trata sobre lanzar un piano al vacío desde lo alto de un edificio porque no es verdad, pero hay una conexión vaga con eso, que está ahí y que me resulta muy difícil explicar”.
Le ocurre algo parecido con la relación entre la idea de la que partió al empezar a componer los primeros esbozos de este disco, la desaparición de los matices en la música y la compresión de los formatos, y el acabado de estas piezas, al insistir en que “no son un trabajo de representación ni una analogía”. Más que eso, “Ravedeath, 1972” podría ser una respuesta: por la opresión del sonido, la fricción entre los elementos vivos, grabados en directo, y los experimentos de estudio; la violencia que escapa de las melodías y las distorsiones, de las notas y los efectos; la tensión entre lo analógico y lo digital.
“Empecé a trabajar en el álbum durante el invierno pasado en Banff, en Canadá, grabando algunos bocetos y trabajando en improvisaciones. El primer contacto con un disco es un proceso muy largo para mí, lleno de vías muertas, de caminos que no llevan a ninguna parte. Meses después, viajé a Islandia, en verano”. Allí se encontró con Ben Frost, culpable de “By The Throat” (Bedroom Community, 2009), uno de los discos más desasosegantes de los últimos años, y amigo suyo. “A Ben se le ocurrió que podíamos alquilar una iglesia de Reikiavik durante un día para dedicarnos a grabar. Me lo dijo cuando todavía estaba en Canadá, así que llevé las piezas en las que había estado trabajando durante el invierno. Lo que hicimos fue improvisar sobre algunas de esas melodías y movimientos, transformándolo todo”.
Aquella iglesia no solo les brindó una acústica imposible en otro lugar, igual que una campana de piedra y madera, sino también otra de las claves del sonido de este álbum: el órgano. “He estado bastante obsesionado con ese instrumento durante los últimos años, leyendo mucho sobre órganos gigantes que se construyeron en Estados Unidos a principios del siglo XX. Empecé a interesarme cuando vi un ejemplar de uno de esos órganos en Atlantic City hace diez años. La forma en que colocamos los micrófonos dentro de las cámaras del órgano dio un sonido muy rico y robusto y a la vez muy íntimo que procesamos allí mismo, en la iglesia, con un ordenador. Una vez tratados, enviamos esos sonidos a unos amplificadores de guitarra, haciéndolos sonar, también dentro de la iglesia y mientras seguíamos tocando el órgano. Aquello se convirtió en una especie de ‘feedback’ entre el sonido tratado del órgano que salía de los amplificadores y el sonido natural del instrumento, además del sonido del espacio, de cómo lo hacía rebotar todo”.
Hecker acabó enterrando esa sesión en cientos de efectos al trabajar el sonido en su estudio de Montreal meses después, pero la densidad y las dinámicas del órgano siguen vivas en estas piezas, transformadas en otra cosa. “Usamos un equipo fantástico de micrófonos y preamplificadores que nos dio un sonido riquísimo, muy estable, que me ha permitido malearlo tanto como he querido en el estudio sin acabar destruyéndolo”. Ahogado o amplificado, el sonido del órgano es irreconocible, pero su forma permanece en la mezcla final, como si Hecker la hubiera moldeado con la técnica de la cera perdida. “Lo que más me atraía de usar un órgano así era utilizar las notas más graves y la vibración del sistema de compresión del aire, y eso ha permanecido”.
Tim Heckertoca, graba, procesa y vuelve a grabar sonidos como si buscara algo que todavía no existe, siguiendo pistas pequeñas, tratando de guiarse. “A veces tiro del hilo de una melodía, otras veces sigo texturas o ambientes. Pero siempre acabo sorprendiéndome cuando las piezas se materializan. No soy la clase de genio que puede convertir sus visiones en piezas de música idénticas a las que había imaginado. Parto de ideas impresionistas, de pinceladas, que se disuelven por completo”. Y ese proceso es a la vez igual y distinto en cada uno de sus discos. “Trabajo con un puñado de modalidades armónicas y suelo volver a las mismas estructuras clave. No sabría decir si la diferencia entre cada uno de mis discos es muy pequeña o, por el contrario, inabarcable. Más bien creo que mi música es como un arco que se ha ido alargando con el tiempo”.
Qué tal droners, les cuento que en unas semanas empezaré a dar un curso sobre los documentos y proyectos que forjaron la vanguardia de los años 90. Todo con un enfoque contracultural. Serán 4 clases de 50 minutos vía Zoom.
Espero verlos x ahí.
LA AVANZADA METAMUSICAL DE LOS 90
Un curso en torno a los discos y formaciones que esculpieron la transgresión sonora de la década de los noventa, un decenio cuyos adelantos musicales se ven insuperables al día de hoy.
1. INTRODUCCIÓN
- Dejando/Saliendo de los 80
- El shoegaze
UK: My Bloody Valentine, Slowdive, Chapterhouse, Pale Saints. Catherine Wheel.
LAS SESIONES SERÁN LOS DÍAS 23 de Setiembre, 30 de Setiembre, 7 de Octubre y 14 de Octubre. Hora: 5:30 a 7 pm. por la plataforma ZOOM.
WILDER GONZALES AGREDA (1977 - )
Licenciado en Comunicaciones por la Universidad de Lima. Participó en la escena de post-rock y música etérea Crisálida Sónica con sus bandas Avalonia y Fractal. Fundó el sello Superspace Records el 2003 desde donde difunde sonidos post psicodélicos, electrónicos y minimales del Perú y el resto del mundo. Con su blog Perú Avantgarde ha logrado alcance planetario llegando a entrevistar a luminarias del calibre de Simon Reynolds, David Stubbs, Ian Masters (Pale Saints, Spoonfed Hybrid), Dave Callahan (Moonshake), Randall Nieman (Füxa), Otto Von Schirach, Simeon Coxe (Silver Apples), Simon Scott (Slowdive), Sarah Peacock (Seefeel), etc.
SONIDOS DE NEÓN EN RELACIÓN DIRECTA A LA MAGNITUD DEL CAMPO MAGNÉTICO DE TODO EL PLANETA. LA TIERRA SE TRANSFORMA A LA GRAN ESTREPITOSA SÓNICA EN AVALANCHA DE FUZZ. UN SOLO CHIP AJUSTA EL GRAN RITMO DE LOS LATIDOS MAGNIFICANDO LA LUZ DE LAS GALAXIAS DE LA MÚSICA. NENES, NENAS... EL PLANETA QUE CONOCIMOS EN MÚSICA... VA QUEDANDO ATRAS Y, ASÍ VA DANDO PASO A OTRAS INSPIRACIONES COMO FUSIONES PARA SU DIFUSIÓN. ME PASA SIEMPRE ESTO, CUANDO RECIBO LOS DISCOS CON UNA ATMÓSFERA GLOBAL EN SUPRA SONIDOS, ESO SIGNIFICA QUE VAN CAMBIANDO LAS COSAS HACIA UNA ESPECÍFICA ORBE EN MÚSICA (¿O NOISE?), PERO TAMBIÉN VAN CAMBIANDO LAS PERSONAS, LOS SELLOS... TÚ!🔷
Estelares puntos supra-astro-mega cuánticos en alineación cósmica con todos tus sentidos, vibras y emociones con: HALLUCINOGENIC BULB, que tendrá su álbum disponible 'The Endless Staircase' (Mechanical Presence Records), para el 20 de septiembre. Recibí también 'Broadcast Zero' para mí antesala de supervisión, me advierten 🔷 Ellos son: DAIISTAR, acto encargado también para la actual procesión axial de este planeta azul que está en la lista, así que inspírate con cada una de las simetrías que presento aquí, sólo en los recientes 3 días he recibido decenas de decenas de esféricos en diversidad de estilos con los cuales fácilmente armaría otras decenas de programas para las ondas hertzianas. DAIISTAR, alimenta un tipo de avant-garde noise pop narcótico (!). Combo con base en Austin/Texas que tienen disponible su o.v.i en álbum 'Good Time'. Su actual microesfera circundante titula, 'Parallel'. ¡Hey you! Disfruta, comparte🔷
El combo SPRAIN puede que te saque de tu órbita. Detente unos minutos en darles una mirada y oído: el vídeo en vivo que circula x las redes bajo el título de 'New Song' y, es sólo un aperitivo que me ha conectado a otro de sus vídeos en vivo: 18 Minutes of Sprain - Live @ The Moroccan Lounge. Así que, ¡advertido (a) estás!🔷 El acto EarRape, con su tema 'Feathers And Knees' incluído en su segundo EP 'Moth Trademark Premium' circula desde este 8 de septiembre, muy activo en mi RAdaR ahora mismo🔷
La dupla SPECIAL FRIEND con base en París, comparte su neo vídeo 'Fault Lines' (Skep Wax Records). Continúan alimentando su galaxia en cuanto a diseminar su avant-garde noise ¡sí ellos también!🔷CATATONIC SUNS llega con su álbum autotitulado dentro de unas atmósferas blissed-shoegaze al puro estilo de RIDE como de SLOWDIVE. Reciclan también cierta melódica grungy power de varias de las bandas pioneras de la década de 1990. El vinilo está presentado en un bello tono azul con funda en gama plateada bajo el sello Agitated Records, sale el 6 de octubre. 'Be As One' es su single en promoción actual🔷 El acto llamado HOOVERlll, explorador de los estilos psych-kraut retorna con un expansivo y pastoral álbum: 'Pointe'. La química es proteica🔷
TRANS EUROPE EXCESS!
Los siempre en la mira y con alta expectativa: sí, KRAFTWERK más que alguna otra banda son necesarios en la historia. Ellos siguen con su gira x Australia y Nueva Zelanda en noviembre y diciembre. Si estilos como house, trance, techno, electro,synth-pop... pudieran hablar, no los desestimarían🔷X otro lado, Michael Rother, figura fundamental del kraut-rock (co-fundador de NEU!), ha cumplido sus 73 años. En 1971 fue parte del acto KRAFTWERK x un breve tiempo. Una figura pivotal absolutamente en cuanto al desarrollo de la música alemana de vanguardia🔷Más data: la foto de la portada del single 'Das Model' de KRAFTWERK fue tomada en Schauinsland, situado muy cerca de Freiburg en Breisgau/Alemania. X su parte, Ralf Hütter ha cumplido recientemente sus 77 años y sigue en los grandes escenarios 🔷
RALF HÜTTER
ETERNAL LACERATION ha terminado de grabar lo que es su próximo álbum 'It Was In The Dark' en los Estudios DuFour Dakota. En su single en promoción, 'Buried But Breathing', canta Coty García de WRETCHED TONGUES🔷'Vajkoczy' - tema incluido en el álbum 'Madres' de SOFÍA KOURTESIS (Ninja Tune), en circulación desde el 27 de octubre, cita al neurocirujano Peter Vajkoczy quien fue quien salvó la vida de su madre, como ella misma lo ha mencionado. Su próxima presentación es en el icónico festival de música electrónica 'Tomorrowland/Brasil' con fechas del 12 al 14 de octubre 2023, siendo la primera vez que un acto de Perú se presenta en el magno evento. SOFÍA ha ofrecido sus estelares performances antes en: Glastonbury Fest (UK), al igual que en PRIMAVERA SOUND (España), BOILER ROOM (Estocolmo) con sus supra dj sessions como también para BBC Radio 1. Alternando ella siempre en otros mega eventos muy reconocidos a nivel internacional. Peruana con base en Berlín y de origen griego. Esperen x mucho más de ella🔷
Agotadas desde marzo 2023, las entradas para Tomorrowland/Brasil. En cuanto al cartel, volverá a ser el más completo de su historia, cerca a los 700 artistas y formaciones. El evento se da en el municipio de Itu, a unos 120 kilómetros del Aeropuerto Internacional de Guarulhos, la mágica infraestructura en cuanto a los diferentes escenarios ya se está dando ravers del mundo. X otro lado, Tomorrowland presenta CORE 2024, en Tulum/ México, en estas fechas:13 enero/ 20 enero. CORE es su neo escenario que formará y será parte posteriormente en el vigésimo aniversario del festival a darse en Bélgica. A este SÍ hay que ir igual🔷
OUR BROKEN GARDEN tienen ya su haz de iones enfocados en su próximo álbum 'Blind'. Este incluye su actual single 'Rain' en el cual figura John Grant, compañero del sello -y ambos figuran en el vídeo 🔷MARSEILLE es un acto que fusiona variedad de estilos de sus influencias: Manchester de la década de 1990, Merseyside de la década de 1960 como del movimiento psych original. El combo se formó en Derby en 2021, habiendo firmado recientemente para Bubblebrain Records. Su single actual: 'This Dream Of Mine'🔷
VINCE CLARKE bajo una biotecnología de cristales sónicos, anuncia su álbum como solista: 'Songs Of Silence' para el 17 de noviembre. Un álbum instrumental en vena ambient de incatalogable belleza. Su single en adelanto: 'Lamentations Of Jeremiah' muy progressive como étnico a momentos logrado x esta leyenda viva que tantísimo he amado haberlo entrevistado🔷La dupla de Perú, THIS TOPIC integrada x Gonzalo Messa y Josué Vásquez anuncia su primer álbum, 'Version 1.0' el cual es una recopilación de sus singles que lanzaron antes además de temas instrumentales en vena ambient, pop experimental, indietronica, shoegaze. Participa Natalí Jiménez en 'The Breeze', remezclado x Juancho Esquivel quien trabajó con la banda CATERVAS🔷
EZRA COLLECTIVE obtuvo el MERCURY PRIZE 2023, en un evento que destacó a todas luces y con magnas presentaciones de análisis cualitativo premium. Muy altamente buenos actos en este año con su presencia estelar: OLIVIA DEAN, JOCKSTRAP, JESSIE WARE, LOYLE CARNER, YOUNG FATHERS, LANKUM, EZRA COLLECTIVE, RAYE... que la entidad que organiza va a tener que expandir a futuro sus categorías para un debido y supremo justo equilibrio. EC, el combo de Londres, un quinteto de jazz, aterrizó en esta esfera sublunar con esta misión: desintelectualizar en sí, el género del jazz. Los puristas ya han ido dejando el espacio poco a poco. Estos son otros tiempos, los voltajes de oscilación sonoras como sabemos se retroalimentan🔷
* Aquí están... ellos son los que alborotaron la noche.
Este es un tiempo en que x ejemplo, no puedes catalogar a OLIVIA DEAN, como un acto R&B, cuando la banda que la acompaña es tan versátil como ella misma y cuyos temas fusionan variedad en estilos o pueden tornar un tema en diferentes estillos: nu jazz, nu bossa nova wave, nu world music, chamber pop, reggae, nu soul, drum & bass, ethereal, art-pop, spoken word, chill... además de darle a algunos de ellos un toque vintage y hasta latinizados. He captado además, ciertas esencias en vinculación estelar con el Calypso - ('Carmen'), aquel género creado en las islas de Trinidad y Tobago que llegó a Costa Rica con los muchos inmigrantes jamaiquinos a finales del siglo XIX. O remítanse a LORD KITCHENER para su verificación en el estilo. Al final, la audiencia ha sido la gran ganadora al tener a tantos talentos en una sola mega noche...¡Sí, nosotros todos!🔷El que bien te observa sabe bien quién eres, el que sólo te ve, no te reconoce🔷X lo pronto, MUSIQUE NON...🔷STOP!
Desde Glasgow, Escocia llega Michael Kasparis y su proyecto de electrónica indie Apostille. El 22 de setiembre editará "Prisoners of love and hate" (Night School, 2023), "un tratado de 9 canciones sobre la música pop, el trauma, el éxtasis y las mundanidades entre los extremos". Una delicia que mixtura el techno house, la new wave y hasta el pop mainstream. Escuchamos influencias que van desde Aphex Twin hasta Bruce Springteen pasando por el punk rockeril. En suma, nos gustó más que The Postal Service. No lo parece pero Kasparis cuenta ya con 42 años y dirige Night School donde ha difundido artistas del porte de Molly Nilsson, Liberez y The Space Lady. De esto y más nos habla en exclusiva.
Gracias por concedernos la entrevista Michael. Cuéntanos tu edad y a qué te dedicas.
¡Gracias por las preguntas divertidas! Tengo 42 años, lo cual me sorprende para ser honesto, y llevo el sello Night School y también trabajo en una tienda de discos en Glasgow llamada Monorail Music. como mucha gente, no me queda nada a fin de mes pero no quisiera hacer nada más.
¿Cómo empezó tu interés por la música alternativa, qué escuchabas en el colegio y cuando eras adolescente?
Como la mayoría de la gente de mi generación, ¿pienso que con Nirvana? Me encantaba la música cuando era niño: crecí en Chipre y toda la música se compraba en casetes piratas baratos: se importaban discos y eran muy caros, así que compraba cosas como Iron Maiden y Guns N' Roses en estos cassettes descoloridos y con sonido de mierda. Cuando me mudé a Escocia, hice un amigo en la escuela al que le gustaban más las cosas alternativas, quien me presentó tantas cosas. Eran finales de los 90, así que todo el rock alternativo estadounidense; Smashing Pumpkins, Alice In Chains, pero luego cosas como Mogwai y Arab Strap, grupos británicos como Placebo, Suede... Siempre me sentí atraído por las cosas que eran “oscuras” o extrañas de alguna manera. Sin embargo, nunca hice una gran distinción entre “alternativo” y pop. Siempre me encantó Madonna, pop de los 80, música de las listas de los 90, nunca pensé que todo estuviera separado. Hacia el final de mi adolescencia, me estaba metiendo en cosas más clandestinas, supongo. Metal extremo, free jazz, psicodélico de los 60, 90, música electrónica como Warp y AFX, cualquier cosa que me hiciera sentir algo.
¿Cómo es la escena en Glasgow, qué grupos has podido ver en concierto, qué otros proyectos nos recomendarías?
Cambia mucho, casi de mes a mes. Siento que la pandemia fue muy disruptiva, mucho de las bandas se separaron, hubo una ola de gente de la escena a la que llamaron por cosas y creo que banda/punk/rock como quieras llamarlo todavía está un poco por detrás de lo que era. Hay una escena electrónica fascinante y floreciente con muchos géneros y personalidades diferentes. Hay una artista llamada Helena Celle, que siempre es tan interesante que es difícil seguirle el ritmo. Free Love son la más grande banda de fiesta en el Reino Unido en mi opinión. Hay una estación de radio local aquí llamada Clyde Built Radio. Puedes escucharlo en línea y tiene una descripción general amplia y divertida de lo que sucede aquí. Hay un grupo también aquí se llama L, el líder es un mago entrenado y su música es como Dada Doom con palabras habladas, interludios de palabras, sketches cómicos, ruido extremo, realmente impredecible y genial.
Estás a punto de lanzar un nuevo álbum con tu proyecto solista, APOSTILLE. Lo escuchamos y nos gusta más que Postal Service incluso. Cuéntanos tus expectativas con este álbum, cómo fue su proceso de creación y el detrás de escena que lo rodea.
¡Ja, gracias! Intento no tener expectativas si puedo. Sólo conducen a la decepción, así que estoy tratando de concentrarme en hacer algo de lo que estoy orgulloso y ver qué sucede. Es muy diverso y por todos lados y si alguien conecta con eso, me hace muy feliz, porque no es fácil. Normalmente escribo todo y hago un demo en casa en el lado sur de Glasgow y llevo las demos a Lewis Cook (del grupo Free Love) que le da forma al álbum conmigo. Este álbum fue muy divertido de hacer, siempre lo es. Pedíamos el tiempo o había cosas que sugería que eran ridículas y Lewis me animaba a hacerlos. La música siempre ha sido pura emoción y alegría al hacerlo, nunca he tenido un proceso de grabación que se haya sentido particularmente difícil.
¿Por qué o a qué aludes con APOSTILLE?
Es una especie de broma interna. El verdadero segundo nombre de mi padre es Apostolos pero lo cambió cuando fue adoptado. Entonces, mi “nombre de sangre” es Michael Apostolos pero no quería cambiarlo por respeto a mi papá, pero siempre quise reconocer a mi abuelo a quien nunca conocí. Una Apostilla en realidad es un proceso legal muy aburrido de verificar documentos legales en un país diferente, pero luego me gustó la idea de utilizar un término que simbolice el control sistemático de las personas, sobre cómo navegar fronteras y burocracia. Para ser honesto, me sentí más relevante cuando comencé el proyecto. Quería algo que distinguiera la música de “mí” como persona, pero ahora no me importa jaja.
Cuéntanos sobre tu sello Night School: ¿cuándo empezó, cuántos lanzamientos tienes, compilaciones, qué bandas o álbumes destacarías, qué pasa con los comentarios de la prensa y los melómanos?
Bueno, ¡ya son casi 15 años! Siempre ha existido como fuera del mainstream y también fuera del underground también, ¿de una manera extraña? Como si algunos de los lanzamientos definitivamente encajaran en las expectativas de la gente que gusta de la música experimental o lo que sea, pero luego saco un disco pop que mucho de este tipo de personas no saben qué hacer con él. Comenzó en 2011, en Londres, cuando vivía allí. Tengo hasta 88 ediciones, lo cual es una locura. Sólo he hecho dos recopilaciones: una en ayuda de los japoneses por el terremoto en 2011 y uno para regalar gratis en un evento de todo el día que organicé en 2015. ¿Qué destaco? Es realmente difícil mirar hacia atrás. Los grandes avances del sello fueron Molly Nilsson, The Space Lady, tal vez Cucina Povera, pero realmente me encanta este disco que saqué por Liberez, o este extraño disco surrealista de folk inglés/minimalista de un grupo llamado Charcoal Owls.
Acabo de publicar un disco de un nuevo dúo llamado Marina Zispin con el que estoy obsesionado. Por puro genio pop, creo que los discos de Patience son increíbles, si te gusta el synth pop clásico. Hay mucho.
Prensa... ¿viene y va? Tampoco estoy tan ocupado como debería con el sello porque también tengo un trabajo y mi propia música y hasta una vida personal jaja.
El mundo está girando, por no decir retrocediendo, hacia la derecha y el fascismo avanza. Por favor cuéntanos, ¿cómo es el entorno social y político en tu país, Escocia? ¿Cómo afecta esto al desarrollo de la cultura y la música y tu evolución o desarrollo en particular?
Sí, totalmente. Escocia siempre se ha sentido muy privilegiada en cierto modo... Yo diría que hay un consenso e inclinación hacia la izquierda aquí, la socialdemocracia, pero eso es en el tipo de juventud y comunidades centradas en el arte. Hemos tenido un gobierno de izquierda (o de izquierda en el papel) desde los años 50 pero, por supuesto, no somos un país independiente, estamos gobernados por un parlamento que es más a menudo derecha que no. También es fácil para mí caer en el estereotipo anterior: mucha gente en nuestra escena piensa así, que Escocia es más de izquierdas, pero también tenemos un problema con la transfobia, los efectos del pensamiento neoliberal se sienten en los partidos tradicionales de “izquierda”. Casi lo diría que este entorno nos hace menos radicales que sociedades que tienen una tendencia más derechista, un régimen autoritario, pero luego en Glasgow durante el encierro hubo una protesta masiva en un forzado desalojo cuando algunos inmigrantes debían ser desalojados por la fuerza por la policía. Básicamente, todo nuestra calle salió y se puso frente a la camioneta de la policía, así que tal vez podamos ser radicales cuando queramos ser. Glasgow tiene esta dualidad de ser famosa por su música bastante “cursi” (Belle & Sebastian, Teenage Fanclub, etc.) pero además teniendo una reputación muy dura. También hay una fuerte afición a las discotecas y a cultura de las drogas aquí, aunque en mi opinión nada de eso es abiertamente político. Probablemente esto sería diferente si viviera, por ejemplo, en ¿Egipto?
"Prisoners of love and hate" está lleno de canciones de pista de baile y me temo que muchas hablan de pasatiempos y subidas y bajones de la primera juventud. ¿Cómo son los fines de semana de Michael Kasparis y las fiestas a las que suele asistir? ¿Qué drogas y brebajes son preferidos por la hermandad escocesa de vanguardia? ¿Qué puedes decirnos sobre la gentrificación cultural/musical palpable en todo el mundo?
Ja, sí. Gran parte del disco fue escrito justo antes o durante el encierro mientras tenía momentos comunitarios de alegría o éxtasis, en conciertos o fiestas O cuando extrañaba esas cosas, estancado en mi casa. Creo que en muchas de esas experiencias puede haber un lado negativo que es oscuro o melancolía y definitivamente trato de capturar eso en mi música. Estos días ya no salgo de fiesta como lo hacía hace 10, 15 años. Tal vez una o dos veces al año saldré y me quedaré fuera, ja. La verdad es que a medida que fui creciendo me interesé más en sentirme bien todo el tiempo de forma sostenible, en lugar de unas horas seguidas en un club, aunque creo que esas experiencias son realmente importantes y vitales, o lo fueron para mí. Entonces, estos días me gusta ir a conciertos, hacer largas caminatas o correr, y mis fiestas de dos días una o dos veces al año jajaja. ¿La hermandad escocesa de vanguardia? Bueno, si algún día los encuentro, les preguntaré por ti.
Podría seguir hablando de gentrificación para siempre. Todos lo sabemos, todos lo vemos y hasta cierto punto somos todos responsables. Creo que es inevitable si queremos difundir nuestra cultura y nuestros valores. La rectitud ética de hacerlo es otra cuestión, por supuesto. No creo que quiera difundir mis valores o lo que sea, pero luego te encuentras en esta situación en la que eres el controlador de cómo la información y la cultura se difunde, o eso crees. Recuerdo haber ido a Turquía quizás en 2009 y los lugareños habían comenzado a darse cuenta de que la escena psicodélica turca de los años 60 y 70 es súper coleccionable y comenzaron a vender esos discos por un poco de dinero, muchos buscadores de discos occidentales estaban enojados. Como si quisieran que esas personas permanecieran en la ignorancia sobre el valor económico de su cultura para poder conservar un poco de influencia o poder vender esos discos por más dinero. O cuando hay gente occidental (a falta de una palabra mejor) quejándose de la falta de pureza en alguna cultura u otra. Como gente quejándose del autotune en la música tradicional Rai, lo que sea. Como por un lado, quieres vivir en un mundo tecnológicamente aumentado y lleno de privilegios, y quieres consumir la cultura de las personas en regiones económicamente más pobres en un retiro, como todo el gusto musical de algunas personas gente se basa en la “otredad” de algo y en fetichizarlo. A la mierda eso. Tienes que abordar cualquier música o cultura en sus propios términos y mostrar algo de respeto. En términos culturales más amplios, es bastante delicado. ¿Estoy personalmente de acuerdo con cómo algunos sectores de la sociedad son tratados en algunos países? Por supuesto que no. Pero simplemente no voy a viajar a otra parte del mundo y decirle a la gente cómo vivir sus vidas. Eso es simplemente imperialismo disfrazado de falsa preocupación. No estoy seguro de tener un punto de coherencia aquí, tómalo todo como quieras.
Planes futuros.
Estaré de gira por el Reino Unido a finales de septiembre y octubre y luego por Estados Unidos en primavera, con Molly Nilson. Tengo una nueva banda de death metal que me entusiasma mucho y se supone que voy a empezar un grupo más industrial, pero eso ha estado en la fase de conversación durante al menos un año jajaja. Aparte de eso, seguiré haciendo exactamente lo que estoy haciendo hasta que ya no pueda hacerlo más. Creo.
Palabras finales.
Cuídense a sí mismos... y a los demás.
A CONVERSATION WITH MICHAEL KASPARIS AKA APOSTILLE :. There are people complaining about autotune but they want to live in a technologically augmented and privileged world. They base their taste in music on the "otherness" of something and fetishize it, fuck that.
APOSTILLE photo by Holly Allan
From Glasgow, Scotland comes Michael Kasparis and his indie electronic project Apostille. On September 22 he will release "Prisoners of love and hate" (Night School, 2023), "a 9-song treatise on pop music, trauma, ecstasy, and the mundanities between extremes." A delight that mixes techno house, new wave and even mainstream pop. We hear influences ranging from Aphex Twin to Bruce Springteen through punk rock. In short, we liked it better than The Postal Service. It doesn't seem like it, but Kasparis is already 42 years old and runs Night School where he has promoted artists such as Molly Nilsson, Liberez and The Space Lady. He talks to us exclusively about this and more.
Thanks for giving us the interview Michael. Tell us your age and what you do for a living.
Thanks for the fun questions! I’m 42, which I am surprised about to be honest, and I run the record label Night School and also work in a record store in Glasgow called Monorail Music. Like a lot of people, I have nothing left at the end of the month but wouldn’t want to do anything else.
How did your interest in alternative music begin, what did you listen to at school and as a teenager?
Like most people of my generation, I think with Nirvana? I loved music as a kid: I grew up in Cyprus and all music was bought on cheap pirate cassettes: records were imported and just too expensive, so I was buying stuff like Iron Maiden and Guns N’ Roses on these faded, crap-sounding cassettes. When I moved to Scotland, I made a friend in school who was into more alternative stuff who introduced me to so much. It was the late 90s so all the American alt rock; Smashing Pumpkins, Alice In Chains, but then stuff like Mogwai and Arab Strap, British groups like Placebo, Suede... I always gravitated towards things that were “dark” or queer in some way. I never made much of a distinction between “alternative” and pop, though. I always loved Madonna, 80s pop music, 90s chart music, I never really thought of it all as separate. Towards the end of my teens, I was getting into more underground stuff, I guess. Extreme metal, free jazz, 60s psychedelic, 90s electronic music like Warp and AFX, just anything that made me feel something.
What is the scene like in Glasgow, what groups have you been able to see in concert, what other projects would you recommend to us.
It changes so much, almost from month to month. I feel like the pandemic was so disruptive, a lot of bands broke up, there was a wave of scene people who got called out for stuff and I think band / punk / rock whatever you wanna call it is still a little behind what it was. There’s a thrilling and thriving electronic music scene with loads of different genres and personalities. There’s an artist called Helena Celle who is always so interesting it’s hard to keep up. Free Love are the biggest party band in the UK in my opinion. There’s a local radio station here called Clyde Built Radio you can listen to online which has a broad, fun overview of stuff going on here. There’s a group also here called L, the front person is a trained magician, and their music is like Dada doom with spoken word interludes, comedy sketches, extreme noise, just really unpredictable and so great.
You are about to release a new album with your solo project, APOSTILLE. We listen to it and we like it better than The Postal Service even. Tell us about your expectations with this album, how was its creation process and the behind the scenes around it.
Ha, thank you! I try not to have any expectations if I can. They only lead to disappointment, so I’m trying to focus on making something I’m proud of and seeing what happens. It’s very diverse and all over the place and if someone connects with it, it makes me really happy, because it’s not easy. I usually write everything and demo it at home in the Southside of Glasgow and I take the demos to Lewis Cook (of the group Free Love) who knocks the album into shape with me. This album was a lot of fun to make, it always is. We would mess about or there would be things I would suggest that were ridiculous and Lewis would encourage me to do them. Music has always been about pure excitement and joy while making it, I’ve never had a recording process that has felt particularly difficult.
Why or what do you allude to with APOSTILLE?
It’s a kind of in-joke. My father’s real second name is Apostolos but he changed it when he was adopted. So, my “blood name” is Michael Apostolos but I didn’t want to change it out of respect for my dad, but I always wanted to acknowledge my grandfather who I never met or knew. An Apostille is actually a very boring legal process of verifying legal documents in a different country but then I liked the idea of using a term that is symbolic of systematic control of people, about navigating borders and bureaucracy. It felt more relevant when I started the project to be honest with you. I wanted something that distinguished the music from “me” as a person, but now I don’t care haha.
Tell us about your Night School label: when did it start, how many releases do you have, compilations, which bands or albums would you highlight, what about feedback from the press and melomaniacs?
Well, it’s almost 15 years old now! It’s always existed kind of outside the mainstream and also outside the underground too, in a weird way? Like some of the releases definitely fit into people’s expectations of experimental music or whatever but then I’ll put out a pop record that a lot of those kind of people don’t know what to do with. It started in 2011, in London when I was living there. I’m up to 88 releases now, which is crazy. I’ve only done two compilations: one in aid of the Japanese Earthquake appeal in 2011 and one to give away for free at an all-dayer I put on in 2015. What would I highlight? It’s really hard to look backwards. The big breakthroughs of the label were Molly Nilsson, The Space Lady, maybe Cucina Povera, but then I really love this record I put out by Liberez, or this strange surreal English folk / minimalist record by a group called Charcoal Owls.
I’ve just released a record by a new duo called Marina Zispin which I’m obsessed with. For pure pop genius I think the Patience records are amazing, if you like classic synth pop. There’s A LOT.
Press...it comes and goes? I’m also not as busy as I should be with the label because I also have a job and my own music and even a personal life haha.
The world is turning, not to say regressing, to the right and fascism is on the advance. Please tell us, how is the social and political environment in your country Scotland? How does this affect the development of culture and music and your evolution or development in particular?
Yes, totally. Scotland has always felt very privileged in a way...I’d say there’s a very loose consensus and leaning towards the left here, social democracy, but that’s in the kind of youthful, art-focused communities. We’ve had a left-wing (or left-wing on paper) government since the 50s but of course we’re not an independent country, we’re governed by a parliament that is more often right wing than not. It’s also easy for me to fall into the stereotype above: a lot of people in our scene think like this, that Scotland is more left, but we also have a problem with transphobia, the effects of neo-liberal thinking being felt in traditional “leftwing” traditional parties. I would almost say that this environment makes us less radical than in societies which have a more right-wing, authoritarian regime but then in Glasgow during lockdown there was a mass protest at a forced eviction when some migrants were meant to be forcibly evicted by the police. Basically, our whole street came out and lay down in front of the police van, so maybe we can be radical when we want to be. Glasgow has this duality of being famous for quite “twee” music (Belle & Sebastian, Teenage Fanclub etc.) but then having a very hard reputation. There’s also a very strong clubbing and drug culture here, though to my ears none of it is overtly political. This would probably be different if we lived in, for example, Egypt?
"Prisoners of love and hate" is packed with dance floor songs and I'm afraid a lot of it talks about hobbies, ups and downs of early youth. What are Michael Kasparis's weekends and the parties he attends usually like? What drugs and concoctions are preferred by the avant scottish brotherhood? What can you tell us about the cultural/musical gentrification palpable worldwide?
Ha yeah. A lot of the record was written just before or during lockdown while I was having communal moments of joy or ecstasy, at gigs or parties OR when I was missing those things, stuck in my house. I think with a lot of those experiences there can be a flip side which is dark or melancholy and I definitely try to capture that in my music. These days I don’t party like I did 10, 15 years ago. Maybe like, once or twice a year I’ll go out and stay out, ha. The truth is as I got older I got more interested in feeling good all the time in a sustainable way, rather than for a few hours in a club, though I think those experiences are really important and vital, or they were for me. So, these days I like going to gigs, going on long hikes or runs, and my once or twice yearly two day parties hahaha. The Avant Scottish brotherhood? Well, if I ever meet them, I will ask them for you.
I could go on about gentrification forever. We all know it, we all see it and to some degree we are all responsible. I think it’s unavoidable if we want to spread our culture and our values. The ethical rectitude of doing that is another matter, of course. I don’t think I want to spread my values or whatever, but then you get into this situation where you’re the controller of how information and culture is spread, or you think you are. Like, I remember going to Turkey in maybe 2009 and the locals had started realising that their 60s and 70s Turkish psyche scene is super collectible and they started selling those records for a bit of money, a lot of Western record diggers were pissed off. Like, they wanted those people to remain in the dark about the economic value of their culture so they could hold on to a bit of clout or be able to sell those records on for more money. Or when you get Western (for want of a better word) people complaining about the lack of purity in some culture or another. Like people complaining about autotune on traditional Rai music, whatever. Like on the one hand you want to live in a technologically augmented world full of privilege and you want to consume the culture of people in more economically poorer regions at a remove, like some people’s whole music taste is based on “othering” something and fetishising it. Fuck that. I think you have to approach any music or culture on its own terms and show some respect. In broader cultural terms, it’s just quite delicate. Like, do I personally agree with how some sections of society are treated in some countries? Of course not. But I’m just not going to travel to another part of the world and tell people how to live their lives. That’s just imperialism dressed up in fake concern. I’m not sure I have a cohesive point here, take all of this as you will.
Future plans.
I’m touring the UK at the end of September and October and then USA in the spring, with Molly Nilsson. I have a new death metal band that I’m really excited about, and I’m meant to be starting a more industrial group, but that’s been in the talking about phase for at least a year hahaha. Other than that, I’ll keep doing exactly what I’m doing until I can’t do it anymore. I think.
SUPPORT PERU AVANTGARDE////APOYA LA AVANZADA PERUVIANA
PROMO DEL CD DE FRACTAL
barbarismos
El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.
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realismo capitalista peruano, ¡ja, ja!
rojo 2
es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo
En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez.
«Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.
MARK FISHER.
perú post indie
Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños. Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo... Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?
FRED ROHNER Historia Secreta del Perú 2
as it is when it was
sonido es sonido
pura miel
nogzales der wil
RETROMANÍA
"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia."
SIMON REYNOLDS
Retromanía
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