UNA CONVERSA CON SUSAN ALCORN :. Componer música es como dar a luz, hay algo de dolor involucrado

Susan Alcorn Lobato es una artista que ha explorado las posibilidades de la guitarra pedal steel fajándose en formaciones de free jazz como de neo folk, habiendo iniciado ruta en bandas de country y western. Reside en Baltimore, en el Atlántico Medio de Estados Unidos, y ha estado viajando a Chile para concretar su último opus "Canto" (Relative Pitch Records), a publicarse el próximo 10 de noviembre.

Plasmado en conjunción con el Septeto del Sur, informado por Luis "Totó" Alvarez (guitarra), la bajista Amanda Irarrazabal y los hermanos Claudio "Pájaro" Araya y Francisco "Pancho" Araya, "Canto" se levanta como su obra más lograda y sentida. Confluyen en ella experimentaciones en sintonía con Sun Ra y la música concreta así como vibraciones de protesta y folk tradicional intervenidos por estéticas experimentales. Un delicatessen que sabrán apreciar no solo los seguidores del arte sonoro sino, por sobre todo, aquellos tocados por gente como Víctor Jara, Mercedes Sosa, Violeta Parra, et al. Algarabía y utopías confluyen en CANTO, una declaración de avant folk para el mundo de hoy, ahíto de injusticias, mentiras y vejaciones milenarias.

¿Qué significa para ti crear y hacer música o, en otras palabras, por qué haces música hoy? 

Para mí, y quizás para la mayoría de los músicos, hacer música es respirar, es sangre que fluye por las arterias, un corazón que late, y eso es lo que soy, para bien o para mal. La música es una forma de comunicar verdades profundas, y esto es algo que el mundo necesita hoy en día.

Cuéntanos brevemente tu trayectoria musical, qué estudios has realizado, desde cuándo empezaste en el mundo sonoro, ¿cómo descubriste a los compositores experimentales/free jazz, etc.?

A mis padres les encantaba la música clásica y de big band, y tenían muchos discos, así que estuve expuesto a eso cuando era niña. En cuanto a los estudios, inicialmente toqué la trompeta, pero mi educación musical formal llegó a su fin cuando tenía 14 años y me expulsaron de la banda de la escuela (sin ninguna buena razón, debería decir). Después de eso, dejé de tocar la trompeta y comencé a tocar la guitarra. Me encantaba la música pop de la época (mediados de los años 60) y el blues. Dos cosas: a altas horas de la noche escuché “Invocation to Om” de John Coltrane en una estación de radio clandestina. Además, el álbum de Frank Zappa “Freak Out” me presentó la música de Edgar Varèse. Todo eso finalmente llevó a Ornette Coleman, Sun Ra y Olivier Messiaen, entre otros.

Cuéntanos sobre tus raíces o ¿cómo es tu relación con Chile y su gente? 

Creo que mi primera impresión de Chile, como alguien que vivía lejos, fue en septiembre de 1973. Yo era una activista de izquierda en la universidad y me horroricé por lo que vi en la televisión. A lo largo de los años aprendí sobre las luchas por la justicia social en toda América Latina. En 2003 volé a Chile para mejorar mi español y aprender todo lo que pudiera de su música folclórica en el espacio de un mes. Mientras estuve allí conocí a exiliados retornados, ex presos políticos y personas que habían perdido a familiares a causa de la dictadura de Pinochet. También descubrí la música de Víctor Jara y Violeta Parra, así como grupos como Illapu, Inti Illimani y Los Jaivas. Desde entonces soñaba con algún día viajar a Chile y grabar.

Además de Chile, ¿qué otras regiones o países has visitado?  

He viajado bastante en mi vida musical (no gano suficiente dinero para tomar vacaciones). He estado en más de una docena de países europeos, Canadá, Nueva Zelanda, México, Argentina y Uruguay.

¿Cómo ha sido el proceso de creación de vuestro nuevo disco, CANTO? ¿Qué tan fácil o difícil es trabajar colectivamente? Imaginamos que las ideas fluirán mucho más rápido que componiendo en modo solista. 

Para mí componer música es como dar a luz. Hay algo de dolor involucrado, pero amo cada pieza como si fuera mi propio hijo. Escribí y arreglé todas las piezas antes de irme a Chile. Los músicos tuvieron mucho tiempo de antemano para aprender sus partes, por lo que los ensayos transcurrieron bien y fueron un proceso de sentir colectivamente nuestro camino a través de la música. Había entusiasmo y un sentimiento de camaradería porque todos sentíamos que esto era, para bien o para mal, algo nuevo.

Además de la música, ¿qué otras actividades realizas o la música folk free jazz paga las cuentas? 

Durante los últimos años, he sobrevivido gracias a la música que hago, complementada con una pequeña pensión de mis años como maestro de escuela y de la seguridad social. Nunca podría haber viajado a Chile sin algún tipo de asistencia financiera.

¿Qué álbumes tienes en tu escritorio o estás escuchando recientemente? ¿Podrías recomendarlos a los lectores del blog? 

Soy una gran admiradora de Illapu, son músicos que, como decimos en inglés, “Walk the walk”, es decir, se mantienen fieles a sus ideales. He estado escuchando “30 años del Regreso” de Illapu. También Silvio Rodríguez y Manuel García. También he estado escuchando el álbum más antiguo de Sun Ra, “Angels and Demons at Play” y “More Touch”, un álbum reciente de la brillante vibrafonista de free jazz Patricia Brennan.

De todo tu catálogo, aparte de CANTO, ¿qué otro disco nos recomiendas para introducir tu música y visión? 

Aparte de CANTO, probablemente recomendaría el disco anterior, “Pedernal”, grabado con músicos de free jazz en Nueva York. El otro sería “Soledad”, un álbum solista de interpretaciones e improvisaciones sobre la música de Astor Piazzolla.

Planes de futuro y palabras finales. 

El futuro nunca es seguro para nada, pero me gustaría hacer algo más con la música de este álbum y Septeto del Sur, con suerte hacer una gira por Sudamérica y Estados Unidos. Como la mayoría de los músicos, intento ampliar mis horizontes. Actualmente estoy trabajando en un álbum solista de música de Olivier Messiaen.

Muchas gracias por la entrevista Susan, saludos desde el cono norte de Lima. 

Y para Usted. Saludos desde Baltimore en el Atlántico Medio de Estados Unidos hasta el cono norte de Lima. Algún día, tal vez las estrellas se alineen y visitaré Lima.

A CHAT WITH SUSAN ALCORN :. Composing music is like giving birth, there is some pain involved

Susan Alcorn Lobato is an artist who has explored the possibilities of the pedal steel guitar, performing in free jazz and neo-folk groups, having started out in country and western bands. She resides in Baltimore, in the Mid-Atlantic United States, and has been traveling to Chile to produce her latest opus "Canto" (Relative Pitch Records), to be published on November 10.

Captured in conjunction with Septeto del Sur, informed by Luis "Totó" Alvarez (guitar), bassist Amanda Irarrazabal and brothers Claudio "Pájaro" Araya and Francisco "Pancho" Araya, "Canto" stands as her most accomplished and felt work. Experimentations in tune with Sun Ra and concrete music come together, as well as vibrations of protest and traditional folk influenced by experimental aesthetics. A delicatessen that not only followers of sound art will appreciate but, above all, those touched by people like Víctor Jara, Mercedes Sosa, Violeta Parra, et al. Hullabaloo and utopias come together in CANTO, an avant-folk declaration for today's world, full of injustices, lies and millennial humiliations.

What does it mean to you to create and make music or, in other words, why do you make music today? 

For me, and perhaps most musicians, making music is breathing, it is blood flowing through arteries, a beating heart, and it’s who I am for better or worse. Music is a way to communicate deep truths, and this is something the world needs thee days.

Tell us briefly about your musical background, what studies you have undertaken, since when did you startIn the sonic world, how did you discover experimental/free jazz composers, etc.? 

My parents loved classical and big band music, and they had a lot of records, so I was exposed to that as a child. As for studies, I initially played the trumpet, but my formal music education came to an end when I was 14 years old and kicked out of the school band (for no good reason, I should say). After that, I stopped playing trumpet and started playing guitar. I loved the pop music f the day (mid-1960s), and blues. Two things: late at night, I heard John Coltrane’s “Invocation to Om” from an underground radio station. Also, the Frank Zappa album “Freak Out” introduced me to the music of Edgar Varèse. All of that eventually led to Ornette Coleman, Sun Ra, and Olivier Messiaen among others.

Tell us about your roots or how is your relationship with Chile and its folk?

I think my first impression of Chile, as someone who lived far away, was in September of 1973. I was a left wing activist in university, and was horrified by what I saw on TV. Over the years I learned about the struggles for social justice throughout Latin America. In 2003 I flew to Chile to improve my Spanish and to learn as much of their folkloric music as I could in the space of one month. While there I met returned exiles, former political prisoners, and people who had lost family members to the Pinochet dictatorship. I also discovered the music of Victor Jara and Violeta Parra as well as groups like Illapu, Inti Illimani, and Los Jaivas. Since then I had dreamed about someday traveling to Chile and recording.

Besides Chile, what other regions or countries have you visited? 

I’ve travelled quite a bit in my musical life (I don’t make enough money to take vacations). I’ve been to over a dozen European countries, Canada, New Zealand, Mexico, Argentina, and Uruguay.

How has the creation process of your new album, CANTO, been? How easy or difficult is it to work collectively? We imagine that the ideas will flow much faster than composing in solo mode.

To me, composing music is like giving birth. There is some pain involved, but I love each piece like its my own child. I wrote and arranged all the pieces before went to Chile; the musicians had plenty of time before hand to learn their parts, so rehearsals went well and were a process of collectively feeling our way through the music. There was an enthusiasm and a sense of comradery because we all felt that this was, for better or worse, something new.

Besides music, what other activities do you do or does free jazz folk music pay the bills

For the past several years, I have survived on the music I make supplemented by a small pension from my years as a school teacher and from social security. I could never have travelled to Chile without some form of financial assistance.

What albums are on your desktop or are you listening to recently and could you recommend to blog readers? 

I’m a big fan of Illapu - they are musicians who, as we say in English, “Walk the walk”, in other words, staying true to their ideals. I’ve been listening to “30 años del Regreso” by Illapu. Also Silvio Rodriguez and Manuel Garcia. I’ve also been listening to the older Sun Ra album “Angels and Demons at Play” and “More Touch”, a recent album by the brilliant free jazz vibist Patricia Brennan.

Of your entire catalog, apart from CANTO, what other album do you recommend to us to enter your music and vision? 

Aside from CANTO, I would probably recommend the album that came before it, “Pedernal”, recorded with free jazz musicians in New York. The other would be “Soledad”, a solo album of renditions and improvisations on the music of Astor Piazzolla.

Future plans and final words. 

The future is never certain for anything, but I would like to do some more with the music on this album and Septeto del Sur, hopefully tour in South America and the United States. Like most musicians, I try to broaden my horizons. I am currently working on a solo album of music by Olivier Messiaen.

Thank you very much for the interview Susan, greetings from the northern cone of Lima. 

Thank you too, and greetings from Baltimore in the US Mid-Atlantic to the northern cone of Lima. Someday, perhaps the stars will align and I will visit Lima.

SHOCK 💠 MUSIQUE NON STOP lll

🧿MUSIQUE NON STOP III. REALINEACIÓN CÓSMICA EN EL PLANETA TIERRA. VIBRAS MAGNÉTICAS DE ALTA FRECUENCIA EN TODO SU FULGOR HACIA LA HUMANIDAD DE TODO EL ORBE EN UNIÓN HACIA LAS SUPRA GALAXIAS INTERESTELARES: TODOS SOMOS UNO🔷

X:HELENE RAMOS

MEGAMIX EN NOTICIAS DE ESTELARES ENERGÍAS CINÉTICAS🔷AMF, festival de música electrónica en Ámsterdam, que en un inicio se había cancelado, sí pudo realizarse el 21 de octubre y configuró un cartel de primer nivel tras superar una década de existencia. Importante evento en donde brindan sus magnas dj sessions los más renombrados del mundo. X lo mismo, este año contó con artistas de primer nivel y con nuevos nombres  incorporados de DJs los cuales dieron muchísimo de que hablar durante este año 2023, que termina🔷

Este año han participado en AMF, el festival de música electrónica que tiene lugar en el Johan Cruijff Arena -entre otros: AFROJACK, ARMIN van BUUREN, DIMITRI VEGAS & LIKE MIKE. Igualmente neo revelaciones como JAMES HYPE y MEDUZA, pero también VINI VICI, PURPLE DISCO MACHINE, con sus vislumbrantes dj sessions como la de HEADHUNTERZ siendo parte del cartel. La magnate belga del techno CHARLOTTE DE WITTE, quien lanzó su 'Power Of Thought' EP (KNTXT), dio también un celebrado set como invitada sorpresa. ARMIN van BUUREN fue quien estuvo en el inicio del evento de forma magistral que invita a revivirla🔷

Una de las más preciadas y favoritas escenas de los grandes festivales de la música electrónica dance/raves son las decoraciones capaces de transportarte a algún otro lugar de magia y ensueño como x ejemplo lo logra 'Tomorrowland' -y otros. Todo excelsamente  planificado y es algo de lo que hace a un festival muy memorable. Los ravers ponen igualmente una tónica especial con la diversidad de sus outfits o atuendos - momentos extra como para graficarlos en un libro. Pero también, el estar atentos contando matemáticamente cada minuto para captar esos efectos en luces tan mega maravillosos que suman mucho en estos eventos. Efectos en luces que han evolucionado eones, a cuando se iniciaron este tipo de magnánimas y tan inolvidables raves. Los raveographers, todo ello lo sabemos muy bien y para luego poder graficarlos en los artículos referentes a ese tipo de eventos que tanto fascinan🔷

*Los ravers con sus outfits/atuendos son cada vez mucho mejor diseñados a la época inicial de las raves.

CHARLOTTE DE WITTE, se presenta en Lima el 31 de Octubre junto a Enrico San Giuliano -ambos lanzaron su 'Reflection' EP en marzo de este año. El evento se realizará en Lima Polo Club/Lurín,  también participan DJ NICOLÁS TABOADA  (Argentina) y DJ ANDREA ZAPATA (Tacna/Perú)🔷

Antes, para este sábado 28 de octubre, Néstor Guerrero (DJ NHESTOR) como parte primordial dentro de la producción del evento anual 'Trancehelloween' me ha hecho llegar el flyer de forma virtual, el mismo que comparto. Igualmente, una de sus  dj sessions reciente para ti. Haz click🔷https://on.soundcloud.com/g7s5v

ARTBAT, dupla magnética y dinámica integrada x Artur y Batish desde la escena en Kiev/Ucrania de donde provienen, han alimentado con su pura pasión x la música elevándola a ser reconocida en el mundo. Lo de ellos es trance-tech-house melódico, potente y danzante. En 2019, fueron denominados x la revista MixMag como "Stars Of The Year", de igual forma: 'Artistas Innovadores del Año' en los Ibiza DJ Award. Destacando siempre su dedicación a la escena que prodigan con un sonido intelectual profundo y progresivo. Recuerdo aún su presentación en uno de los programas de PETE TONG (BBC), aún en mi colección 🔷

X otro lado, 'Weightless' marca el estelar retorno de GOLD LAKE en su forma más exquisita y en un gran mosaico de emociones tal cual lo lograron con su placa 'Years' de sus inicios. Respaldados en la parte de producción x Aaron Dessnerd (THE NATIONAL) y x Chris Taylor (GRIZZLY BEAR). El acto ha pasado x una serie de eventos no felices y ambos: Lua Ríos y Carlos Del Amo -se han felizmente recuperado. El resultado es el álbum en mención, álbum que contiene esta magnífica pieza: 'Weightless Arrows' de extremada belleza vocal como respuesta a iluminar y a envolver todo el planeta. Ambos son de Madrid y se mudaron a Brooklyn/NY. En un inicio ellos fueron parte de la banda WE ARE BALBOA. Advertencia: te van a supra encantar y mucho más de lo que esperabas. Ellos alistan sus presentaciones próximas -y quiero estar allí ¡sin duda alguna!🔷

THE UMBRELLAS, combo de Bay Area de San Fco., han retornado con un buen álbum 'Fairweather Friend' y disponible desde el 26 de enero 2024  vía los sellos Slumberland Records/Tough Love Records (UK/USA). Sus influencias van desde THE PASTELS, ORANGE JUICE, COMET GAIN, NED'S ATOMIC DUSTBIN y AISLERS SET. Aunque noto cierta similitud  en cuanto a las inflexiones vocales de Matt Ferrera de THE UMBRELLAS con las de Paul Simpson de THE WILD SWANS/THE TEARDROP EXPLODES, sobre todo en este su actual single: 'Three Cheers'🔷

*Brian Eno en actual gira x ciudades europeas que le permitió recibir el premio 'Leone D'Oro' en Venecia.

La gran ceremonia de entrega del 'Leone D'Oro' a BRIAN ENO no ha sido sólo un evento de magnitud histórico, artístico y cultural sino también la ocasión para poder confrontar con la ironía, el espíritu crítico y el pensamiento político de una de las más iluminadas mentes de nuestro tiempo. Una inteligencia vívida, que ha reordenado en luces la importancia de la figura del artista. 'Un artista no se hace realmente solo, sino x personas, estudio y x  la cultura que lo circunda' -lo mencionado x el siempre bien admirado BRIAN ENO🔷En mi RAdaR x estos días: MILDRED - 'Lullaby', CBARRGS - 'Forever', CUNK - 'Sleeper', HURON JOHN - '3D Pictures', GIRL RAY - 'Hurt So Bad', WINGS OF DESIRE - 'I Will Try My Best'... como el proyecto 'Ships' de BRIAN ENO, respuesta metafórica a estos tiempos que se viven en el planeta. A emitir altas frecuencias 🔷Todo el infinito es emitir y recibir, comunicación. A todos os agradezco ad Infinitum x las frases  que me dicen tanto  personalmente como de forma virtual🔷STOP!

EXTRA:

HESSIEN INTERVIÚ :. La industria parece un francotirador tratando de disparar el producto directamente en la cabeza de la gente desde una gran distancia con precisión aterradora. Los más jóvenes ni siquiera se dan cuenta de que les están disparando.

Hessien es el dúo de ambient guitarrero de Tim Martin (Maps and Diagrams, Atlantis, Karst, Bluhm, Black Elk, Ouvala) y Charles Sage (y0t0, The Rothko Chapel). Ambos con grandes trabajos y un alucinante catálogo en sus respectivas escenas, Reino Unido y Australia, han logrado dotar de vida a uno de los entes más introspectivos y paradisíacos del presente siglo. Este día Perú Avantgarde te lo presenta en exclusiva.

Hessien fue prolífico en la primera mitad de la década pasada, lanzando trabajos en Fluid Audio, Sound In Silence, Beko DSL, Long Story y Audio Gourmet. Tras una pausa prolongada, regresan con "The Alchemist", vía el sello de George Mastrokostas (Absent Without Leave) sound in silence. Un trabajo complementario de "Home Is Where the Ghost Is" de 2010, una navegación ineludible para todo el que valore las ensoñaciones etéreas, la escultura de sonido y la poesía postmusical a base de guitarras que suenan a sintetizadores y acuarelas. 

Con uds. la conversa respectiva con Hessien. 

¿Cómo se produce la interacción entre un artista australiano, Charles Sage, y otro del Reino Unido, Tim Martin para dar como resultado el sonido que obtienen? ¿Cuál es su configuración o equipamiento?

CHARLES: Tim y yo hemos trabajado juntos durante varios años, por lo que tenemos un proceso de trabajo bien organizado y  estructurado que a menudo olvido por completo. Intercambiamos archivos hasta que tampoco estén demasiado crudos o  completamente sobrecargados de trabajo. Tim es un completo mago y puede hacer algunas partes de guitarra entrelazadas sonar como una orquesta submarina.

Grabo la guitarra en Logic, en una Mac. Hice todo The Alchemist en una antigua guitarra eléctrica aleatoria de 12 cuerdas, la guitarra que mi hermano había rescatado de la trastienda de una tienda de música en Australia Occidental; un bendito artefacto místico sin providencia conocida, que siempre permanece en perfecta sintonía, y suena como un cuarteto de cuerdas cuando está en tono bajo. Es posible que haya grabado alguna textura de un Korg N5 igualmente antiguo, pero no estoy seguro de dónde terminó en el disco.

TIM: Tenemos una charla antes de empezar cada proyecto, lo cual es un buen punto de partida, normalmente enviamos uno a otro bocetos de sonido al principio para que las ideas fluyan, las ideas se intercambian un poco, luego empezamos a trabajar en las pistas, formando poco a poco ritmos melódicos y rotos hasta tener algo con lo que ambos estamos contentos. He estado usando el Moog Mother 32 y el semi O-Coast, sintetizadores modulares por un tiempo, pero usamos una variación de sonidos, resampleo, ediciones y procesos para nuestro trabajo como Hessien.

¿En qué basan su inspiración? ¿Tienen puntos que quieran comunicar al oyente?

CHARLES: Intento transmitir una emoción o sentimiento. Le proporciono algo en bruto y Tim lo vuelve a desarrollar, o Tim me dará una expresión y trabajaré en ella. En el nuevo disco, sentí que "Two Wolves" y "Remember Danny Torrance" explican cómo nos sentíamos ambos en el momento en que trabajamos en ellos. Sucedieron cosas complicadas en nuestras vidas y esos tracks llegaron al por qué de ellos, creo.

TIM: La inspiración sucede, luego no, cuando sucede, puede convertirse en momentos de estar perdido en el sonido, cuando no sucede, tiendo a hacer otra cosa, como collages de obras de arte o escuchar música, los puntos planos son comunes en la producción musical, por lo que es normal sentirse desconectado y regresar  cuando tengo ganas de darle otra oportunidad.

Cuéntennos cuáles fueron sus influencias para este álbum.

CHARLES: Hablamos sobre a lo que queríamos aspirar mientras trabajábamos. Ambos miramos hacia atrás sobre lo que lanzamos antes y sentimos que Home Is Where The Ghost Is fue donde dijimos algo auténtico y original, por lo que The Alchemist fue diseñado como pieza complementaria. Teníamos motivos para volver y revisar nuestro trabajo, ya que nos habían contactado de la nada sobre un sample de 2010 y cómo había sido utilizado por otro artista, por lo que fue interesante ver cómo habíamos ambos cambiado en una década: cómo nuestra música encajaba más en nuestra familia, nuestras vidas y el mundo generalmente.

TIM: Para mí la influencia viene de todas partes, muy a menudo se me ocurre una idea cuando menos lo espero. Hacer una nota física es una buena idea si estoy fuera del estudio. También queríamos hacer nueva música juntos después de tanto tiempo, por lo que fue un enfoque proactivo con el nuevo álbum.

¿Cuál es su opinión sobre el futuro de la música y la industria musical?

CHARLES: Bueno, la gente todavía está haciendo cosas interesantes y está surgiendo música nueva y genial todo el tiempo, pero la forma en que se entrega y consume es tan diferente a mi experiencia anterior que me siento muy separado de ello. He empezado a volver a ver música en vivo recientemente y es interesante ver cómo las personas ahora se conectan físicamente con algo real, después de que les hayan dicho que no es seguro para ellos varios años. La industria ahora parece ser como un francotirador, tratando de disparar directamente el producto comercialmente en la cabeza de la gente desde una gran distancia con una precisión aterradora. Las personas más jóvenes tienen esta increíble y arraigada habilidad de agacharse sin siquiera darse cuenta de que les están disparando. Es fascinante.

TIM: La industria musical está objetivamente saturada, en todos los sentidos el streaming nos permite explorar más que nunca, es genial tener esta vía para escuchar música, pero nada se compara con los ítems de música reales y físicos, en cualquier formato.

¿Cuáles son sus planes de futuro para Hessien y sus otros proyectos?

CHARLES: Me gustaría seguir trabajando con Tim para siempre. Es infinitamente interesante ver lo que se viene. Trabajamos en producción musical recientemente y me gustó trabajar dentro de un límite fijo.

Hessien no tiene reglas, lo cual es igualmente divertido.

TIM: Sabremos cuándo es el momento adecuado para empezar nueva música, es como un llamado natural para nosotros. Cuando llegue el momento, empezaremos a planificar cosas nuevas juntos, lo que siempre son momentos emocionantes y divertidos.

HESSIEN INTERVIÚ :. Industry seems to be like a sniper now, trying to shoot product directly into people’s heads from a vast distance with horrifying precision. Younger doesn't even realise they’re being fired at

Hessien is the guitar-driven ambient duo of Tim Martin (Maps and Diagrams, Atlantis, Karst, Bluhm, Black Elk, Ouvala) and Charles Sage (y0t0, The Rothko Chapel). Both with great works and an amazing catalog in their respective scenes, the United Kingdom and Australia, have managed to give life to one of the most introspective and paradisiacal entities of this century. This day Peru Avantgarde presents it to you exclusively.

Hessien was prolific in the first half of the last decade, releasing work on Fluid Audio, Sound In Silence, Beko DSL, Long Story and Audio Gourmet. After a long hiatus, they return with "The Alchemist", via George Mastrokostas' (Absent Without Leave) sound in silence label. A complementary work to "Home Is Where the Ghost Is" from 2010, an unavoidable navigation for anyone who values ethereal daydreams, sound sculpture and post-musical poetry based on guitars that sound like synthesizers and watercolors.

With you the respective conversation with Hessien.

How does the interaction between an Australian artist, Charles Sage, and another from the United Kingdom, Tim Martin, work to result in the sound you obtain? What is your set up or equipment?

CHARLES: Tim and I have worked together for several years, so we have a well organised and structured workflow which I often completely forget. We swap files until they’re not either too raw or completely overworked. Tim is a complete magician and can make some interlocking guitar parts sound like an underwater orchestra.

I record guitar into Logic, on a Mac. I did all The Alchemist on a random ancient 12-string electric guitar my brother had rescued from the back room of a music store in Western Australia; a blessed  mystical artifact with no known providence, which always remains in perfect tune, and sounds like a string quartet when pitched down. I may have recorded some texture from a similarly ancient Korg N5, but I’m not sure where it ended up on the record.

TIM: We have a talk before we start each project, which is a good starting point, we usually send each other sketches of sound at first to start the ideas flowing, the ideas get thrown around a bit more then we start working on the tracks, slowly forming melodic and broken rhythms until we have something we're both happy with. I've been using the Moog Mother 32 and the O-Coast semi modular synths for a while but use a variation of sounds, resampling, edits and process for our work as Hessien.

What do you base your inspiration on, do you have points that you want to communicate to the listener?

CHARLES: I try to get an emotion or feeling across. I supply something raw, and Tim redevelops it, or Tim will give me an expression and I’ll work over it. On the new record, I felt like "Two Wolves" and "Remember Danny Torrance" got at how we were both feeling at the time we worked on them. There were complicated things happening in both our lives at the time and those tracks got at the why of them, I think.

TIM: Inspiration happens, then it doesn't, when it happens it can work itself into moments of being lost in sound, when it doesn't happen, I tend to do something else, like collage artworks or listen to  music, flat spots are common with music production so it's normal to feel disconnected and go back to it when I feel like giving it another shot.

Tell us what your influences for this album were.

CHARLES: We spoke about what we wanted to aim for, while we worked. Both of us looked back over what we released before and felt that Home Is Where The Ghost Is was where we said something authentic and original, so The Alchemist was designed as a companion piece to it. We’d had reason to go back over and review our work, as we’d been contacted out of the blue about a sample from 2010, and how it had been used by another artist, so it was interesting to see how we’d both had changed over a decade – how our music fitted in to our family, lives, and the world more generally.

TIM: Influence for me comes from all around, quite often I'll get an idea when least expected, making a physical note is a good idea if I'm away from the studio. We also wanted to make new music together after so long, so it was a proactive approach with the new album.

What is your view on the future of music and the music industry?

CHARLES: Well, people are still doing interesting things and there is great new music coming out all time, but the way it’s delivered and consumed is so vastly different to my previous experience of it that I feel very separate to it. I’ve started to go back to seeing live music recently and it’s interesting to see how people now connect to something real, physically, after being told it was unsafe for several years. The industry seems to be like a sniper now, trying to shoot product directly commercially into people’s heads from a vast distance with horrifying precision. Younger people have this amazing, ingrained ability to duck without even realising they’re being fired at. It’s fascinating.

TIM: The music industry is objectively saturated, in every way, streaming allows us to explore more than ever, it's a great thing to have this avenue to hear music but nothing compares to real, physical items of music, on any format.

What are your future plans for Hessien and your other projects?

CHARLES: I’d like to keep working with Tim forever. It’s endlessly interesting, seeing what he comes up with. We worked on production music recently, and I liked working within a fixed boundary.

Hessien has no rules, which is equally fun.

TIM: We'll know when the time is right to start new music, it’s like a natural calling for us, when the moment comes we'll start planning new things together, which is always exciting and fun times.

Jack Chuter says: A PESAR DE TODA LA CONFUSIÓN ALREDEDOR ES POSIBLE LABRAR UNA NARRATIVA A TRAVÉS DEL POST-ROCK

Esta no era una música que reverenciara los principios del machismo y el rock musculoso. El post-rock se trataba de innovación y progresión.

Después de leer este libro, espero que el término “post-rock” se te quede atascado en la garganta la próxima vez que lo uses, aunque sea por un momento. Piensa en la semántica bomba de racimo que estás a punto de detonar.

Espero que el 90% de los lectores de este libro lo utilicen para referirse a la música rock cinematográfica, predominantemente instrumental, que alcanzó un pico de popularidad a principios de la década de 2000. Mogwai, Sigur Rós, GodSpeed You Black Emperor. Bandas cuyas cumbres explosivas de distorsión, platillos y reverberación se vuelven excepcionalmente intensos para emerger de tan pronunciados períodos de tranquilidad. Bandas cuyo deseo de “rockear” se ve atenuado por la humildad y sumisión de la interpretación orquestal, compensando la progresiva grandilocuencia dominante del rock con la sensación de que los intérpretes están varados, indefensos, bajo el maremoto de su propia creación.

Pero algunos lectores habrán tropezado con el post-rock de principios de los años 90, los oídos todavía zumbando por la explosión del post-punk. Cuando el periodista musical inglés Simon Reynolds habló por primera vez del post-rock como la cooptación de la instrumentación del  “rock” para fines no rockeros”, se refería a bandas como  Tortoise, Pram, Trans Am, Bark Psychosis y Main. El atributo común de estas bandas no era musical. Tampoco fue realmente ideológico. Más bien, fue una cuestión de circunstancias: un acto de cruzar el límite entre el rock y lo "otro", con un pie descarriado chapoteando en las aguas de cualquiera de ellos: techno, jazz, krautrock, dub reggae, electrónica o música concreta (o en el caso de Tortoise, todos estos combinados). Examinar este período del post-rock es descubrir el centro de innovación del rock que estaba creciendo, casi en secreto, debajo del resurgimiento del rock tradicional del grunge y el brit pop. Mientras Soundgarden y Oasis atrajeron a las masas hacia la idea por excelencia de la estrella de rock, bandas como Labradford y Disco Inferno fueron silenciosamente desmantelando los rituales que regían cómo se podían utilizar las guitarras, el bajo y la batería. 

Esta no era una música que reverenciara los principios del machismo y el rock musculoso. El post-rock se trataba de innovación y progresión.

El camino de transformación del post-rock, desde su proliferación a principios de los años 90 hasta su pico de popularidad postmilenial, ha estado lleno de giros y divisiones extrañas. No todos tenían claro qué quería decir Simon Reynolds cuando se refería al uso de  “instrumentación del rock para fines no rockeros”. Mientras el término “post rock” fue aplicado tentativamente a nuevos artistas (a menudo porque se parecían vagamente a un artista existente bajo el lema post-rock), el significado comenzó a mutar cual susurro chino. Las viejas connotaciones desaparecieron, otras tomaron su lugar. Sólo hace muy poco tiempo que el significado del post-rock ha comenzado a estabilizarse. Pero incluso ahora es imposible proporcionar una descripción sucinta del término sin caer en redes de contradicciones. ¿Cómo puede el post-rock ser ambas cosas las atmósferas en expansión de Godspeed... y los jams de bolsillo de Battles? Si el post-rock es tan sinónimo de música instrumental, ¿por qué el falsete del vocalista de Sigur Rós, Jónsi, es uno de los sonidos más distintivos en el universo post-rock?

Muy pocas bandas se identifican voluntariamente con el término. En parte eso se debe a lo mencionado arriba; el post-rock todavía lucha por comunicarse e identificarse con convicción y claridad. Pero si tomamos el término al pie de la letra por un momento, también es una proclamación extraña y audaz. Post-rock. ¿Es esto realmente el sucesor de la música rock? Muchos de los actores clave del post-rock todavía se ven a ellos mismos como bandas de rock. Cuando Explosions in the Sky se balancean y empujan hacia sus clímax sonoros durante las presentaciones en vivo, hay una sensación de visceral esfuerzo corporal que proviene directamente del corazón de la música rock. Sin embargo, incluso si el post-rock fue de hecho el siguiente capítulo inevitable en la narrativa del rock, ¿no sería extraño que una banda se defina en el territorio de dónde vinieron, en lugar de dónde se encuentran actualmente? Si es verdaderamente el punto de cambio de la música rock, ¿por qué conservar la palabra "rock" dentro del término en absoluto?

A pesar de esta confusión, es posible labrar una narrativa a través del post-rock.

Esta historia no sigue el fomento y la expansión de un espíritu musical; sigue el barco del post-rock a medida que va a la deriva, guiado en gran medida por la especulación y conjeturas, sobre los mares de sonido. Con cada intento de aplicar el término, nuevas  bandas y connotaciones se incorporan al redil. A menudo vemos cómo el post-rock se ha utilizado como misceláneo periodístico: un marcador de posición para una descripción más específica y dirigida de la música. Es por esto que el post-rock a menudo actuaba como una linterna que apuntaba hacia lo desconocido. Se trata de un  reconocimiento de que nuestro vocabulario musical es actualmente inadecuado, dejando 'post' como la única alusión apropiada a la presencia de un misterioso otro.

Hay una tensión inherente al término “post-rock”. Está tratando de escapar de sí mismo, pero sigue dependiendo de su antigua identidad dentro del rock. Sugiere proceso: el post-rock es un acto de devenir, un estado de transitoriedad y media mutación – donde los restos del pasado todavía existen, malformados pero reconocibles, sobre una superficie que se retuerce en un estado de flujo...

JACK CHUTER
Storm Static Sleep - A pathway through post-rock

CHEKA NUESTRA ENTREVISTA AL AUTOR ACÁ:

Vanguardia Peruana & Sonidos Contemporáneos: JACK CHUTER INTERVIÚ .:. Un camino a través del Post-Rock (peruavantgarde.blogspot.com)

MUSIC TO LIVE BY :. TORTOISE - Millions now living will never die (1996)

Volvamos al tema Tortoise. ¿Existía el rock después del rock? A mediados de los noventa, nació una nueva etiqueta, el post-rock, que intentaba definir la música improvisada y las soluciones libres de las propuestas más arriesgadas. Y ahí entraban manifiestos aislacionistas, espacios cinematográficos, ambientes paisajistas, slowcore, dub, jazz... Tortoise se convirtieron en los más populares de ese movimiento, una especie de polémico cajón de sastre sin normas fijas. En 1996, Rockdelux eligió su “Millions Now Living Will Never Die” mejor álbum del año... empatado con el “Roots” de Sepultura. Presentamos la crítica del disco que escribió entonces Gerardo Sanz. Este álbum de Tortoise fue seleccionado después entre los mejores CDs de los noventa (ocupó el puesto 31 en una lista de 150 álbumes internacionales) en el extra especial dedicado a esa década editado por Rockdelux en abril de 2000.

POR GERARDO SANZ
Extraído de ROCKDELUX 128 (Marzo de 1996)

Los de “Goriri” fueron, al menos para el abajo firmante, los seis minutos y medio más reveladores de 1995. Tortoise, única banda americana (blanca) en “Macro-Dub Infection”, entregaban un remix tajante y brutal de “Gamara”, single para Duophonic y, a su vez, vampírica elongación de “His Second Story Island”, un momento especialmente inquietante de su homónimo álbum de debut. En ese corte –el mejor, por otra parte, de una compilación de referencia– abrazaban el dub como se abraza algo que no se quiere dejar escapar, digitalizando sus continuas citas a King Tubby, Scientist o Lee Perry y despejando las dudas de quienes los reducían a meros estilistas de la era post-Slint.

“Millions Now Living Will Never Die” no solo camina por esa misma senda, hábilmente desbrozada con los injertos incluidos en “Rhythms, Resolutions & Clusters” (1995), sino que se interna en un territorio más rico y permeable. La estructura molecular de “A Survey” –tres bajos solapados midiéndose las distancias– o la tensión interna –improvisaciones más o menos controladas con el vibráfono a su libre albedrío– de “Glass Museum” o “The Taut And Tame” abogan por una concepción elástica e “instrumental” del estudio que llega a sublimarse en “Dear Grandma And Grandpa”, una llamada telefónica enmarañada entre fogonazos de graves y apócopes de ambient plástico.

En efecto, lo que ha hecho de Tortoise el emblema del post-rock y, probablemente, uno de los ensembles –por cierto, el ex Slint David Pajo, también en los últimos Stereolab, cubre la baja de Bundy K. Brown– más respetables del planeta es su asombrosa capacidad para hacer reconocibles en la práctica sus presupuestos teóricos, o sea, para lanzar la piedra sin que sea necesario esconder la mano. Y así, mientras “Along The Banks Of Rivers” reivindica desde sus hechuras cinematográficas –fácil imaginar (¡vivir!) una trama a lo Barry Gifford adaptada por John Dahl– la narratividad que, por naturaleza, le está vetada, la soberbia suite inaugural se adivina como una auténtica obra maestra de escultura musical. Simulando las técnicas de mezcla de los DJs, “Djed” es un engranaje perfecto, una concatenación de sonidos en sinalefa que preserva un solo elemento –una insinuación jazzística, una andanada percusiva; un riff, un ritmo– en las transiciones, creando un crescendo continuo de apariencia reptil y efectos devastadores. 

H R 3 0 0 1

X: HELENE RAMOS

🌎MUSIQUE NON STOP II. SINFONÍA DE UNIDAD Y RECONEXIÓN LUMÍNICA HACIA LOS FRACTALES MEGA ESTELARES DE LA MÚSICA: SONIDO ORIGINAL DE NUESTRAS VIDAS🔷

El DJ ALOK de Brasil -como una de esas ironías del destino- es el hijo del DJ SWARUP quien apenas pudo alejarse a tiempo de las trágicas escenas del evento 'Tribe Of Nova' en Israel, previamente a su presentación de cierre del evento del 7 de octubre, ha sido también quien fuera el encargado de cerrar la fecha del 14 de octubre en Tomorrowland, el más grande Fest de EDM en el mundo en su versión en Brasil🔷

*El DJ ALOK, fue quien cerró el fest Tomorrowland 2023.

Alok Achkar Peres Perrillo o simplemente DJ ALOK, productor musical, como compositor y remixer, obtuvo reconocimiento en 2016 x su single 'Hear Me Now'. Nacido en Goiânia/Goiás (Brasil), ha sido elegido en 2021 y 2022, como el cuarto mejor DJ del mundo x DJ Magazine. La frase que él pronunció en el fest Tomorrowland ha sido: 'Pido al mundo que le dé una oportunidad a la paz'. Tras los tristes momentos acaecidos en Israel, el gran reencuentro con su padre Juarez fue transmitido x varios de los noticieros del país en los que Juarez Perrillo, narró todos los momentos vividos🔷Solidaridad en fraternal abrazo con el deseo de que lo sucedido en aquella fecha, jamás se vuelva a repetir... ¡nunca más!🔷

La experiencia musical vía el Festival Tomorrowland que canceló su fecha del viernes 13 de octubre, debido a la lluvia torrencial tiene en el escenario: 'Core World' la presentación de DJs dentro de un mosaico de géneros dance que van desde el techno más energético hasta los ritmos melódicos del trance. Es una zona underground en donde cada DJ set que se vislumbra allí, cautiva y eleva a las diferentes tribus danzantes hacia una dimensión estratosférica en total plenitud de paz, unidad y fraternidad🔷

'Core World' es el destino favorito de los amantes de la escena electrónica en Tomorrowland. DJS como productores se sumergen en la música creando una supra experiencia íntima y emocional para todos los presentes venidos desde los 5 continentes. La gran supra energía se percibe en toda la atmósfera y está transmitida hacia todos los asistentes: cada uno de ellos inmersos en un viaje sonoro inolvidable. El ambiente de unidad y pasión hacia la música generada en 'Core World' es mágica y de aspecto desbordante que destaca ampliamente en el fest🔷

*John Newman brindó épico dj set en el fest Tomorrowland en  Brasil (Mainstage), al igual que en Bélgica unos meses atrás.

'Core World' en este fest consagrado, es un universo paralelo en sí, en donde la música dance electrónica y la creatividad se unen para transmutar una experiencia extraordinaria de primer nivel inspirado en un futuro utópico fusionándose la tecnología y el diseño de maravilla arquitectónica🔷Tomorrowland 2024 se celebrará en un triple fin de semana del 19 al 21 de julio y del 26 al 28 de julio en Bélgica. En octubre 2024 retorna a Brasil. X otro lado, 'Core World' presente en México el 13 y 20 de Enero, según me informó la empresa que organiza el macro fest. La música nos une a todos, no importa el estilo que sea ni de dónde provenga... loable si todos, cada uno de los habitantes de este bello planeta: lo entendiera muy bien🔷

Los eventos de EDM en Perú, tienen su cofradía de amantes y altamente fieles seguidores. Me consta, x las 5 horas continuas al aire vía 'SPECTRASONICS', las madrugadas del domingo, mientras que los sábados x la tarde, se iba preparando toda esa gran atmósfera de baile vía 'IN HOUSE', dando un break con B-SIDE/THE CHILLOUT ZONE, más hacia la noche vía los programas x Radio Miraflores AM/FM y que, como siempre, me he encargado de difundir a actos de los 5 continentes, como en medios escritos y vía Online. Es una escena tan diversificada en estilos que cada vez, se renueva más y más dando opción para el retorno de los pioneros, que como sabemos trae de nuevo a Lima a CARL COX y, habiendo estado también hace pocos días atrás: DJ TIESTO 🔷 X lo mismo, nenas y nenes, tienen una gran cita este sábado 28 de octubre con el evento anual que organiza  la empresa Reviden Trance desde 2021 el denominado y conocido: 'Trancehelloween', fiesta en que destaca la música electrónica ampliamente, y la cual se inicia a las 6 pm y finaliza a las 6 am del domingo. La neo hornada de DJ's locales se preparan en grande para la fecha estelar. Más data a estos números: 986 487 619 y 982 537 019🔷

SHYE, agradece la review a su '9Lives' EP, al mismo momento en que recibí el vídeo respectivo al single en promoción 'Need'. Un tema con sesgos en tonos hipnotizantes para el oyente devoto al estilo que ella junto a la banda saben transmitir muy bien🔷 COCTEAU TWINS, acto emisor de frecuencia del estado interno de tu ser, y gracias al sello 4AD, tiene ya reeditado en vinilo dos de sus álbumes que faltaban: 'Four Calendar Café' y 'Milk & Kisses' - ambos esféricos estarán en unos pocos meses disponibles, como indican  desde el 12 de enero 2024🔷 X su parte, ROBIN GUTHRIE está dando los remasters a 24 bits, que estarán disponibles desde el 12 de enero 2024🔷

2023, es un año en donde han prodigado mucho más vocalistas femeninas, a los años recientes. Glamour Magazine (UK) en la versión de celebración 17 aniversario de su evento anual Glamour Women Of The Year Awards, en  Partnership con Samsung entregó este año el premio en su categoría 'Risen Star' a OLIVIA DEAN @ One Marylebone (Londres). Directo en el box de esta columna, fotos que han graficado el momento del día 17 de octubre reciente durante la ceremonia🔷

*Here she is! Otros grandes momentos estelares para Olivia Dean, sabemos bien que vendrán. Su álbum 'Messy' ha destacado muy alturadamente en este año.

BEIRUT, tendrá lanzado su neo álbum 'Hadsel' para el 10 de noviembre próximo en su propio sello Pompeii. X lo pronto, promueven su actual single 'The Tern' y, mientras tanto se alistan para sus presentaciones en Berlín para febrero 2024🔷MELODY FIELDS, combo sueco comunica la salida de sus 2 álbumes: '1901' y '1991' - el primero en circulación desde el 13 de octubre, el segundo desde el 20 de noviembre. MF ha incorporado influencias psych (60's), electrónica, shoegaze soundscapes, distortion, dance y bellas texturas atmosféricas dentro de ambos álbumes. Participan como invitados integrantes de bandas invitadas de GOAT, HOLY WAVES como también contribuciones de AI LOVER. Las remezclas explayen neo energías y sentimientos. 'Jesus' es el actual single en elevada espiritualidad, fuzzy guitars y armonías de ensueño🔷

SAY SUE ME, banda mixta de Corea del Sur, comparte su neo  single '4 am', con respectivo video. Ellos inician su gira x USA en noviembre🔷 TIMBER TIMBRE - 'Loveage' (Hot Dreams Records), neo álbum de Taylor Kirk que retorna con un disco bello auditivamente. Un artista siempre presente y pronto en dar su songwriting tan límpido y de calidad. Estos son algunos de los temas  incluídos: 'Slops', 'Sugar Land', 'Pristine Corpses', 'Holy Motors', 'Loveage' -entre otros. Percibo nu folk onírico en clave de baladas,  como lo-fi e instrumental🔷X estos días en mi RaDAr:  VACATIONS - Close Quarter, SUN JUNE - 16 Riders, MT. VICE - Do You Wanna como PROVOKER X EYEDRESS - Freezing Alive🔷

EMMA ANDERSON (LUSH/SING-SING) promueve un neo single 'The Presence' e incluído en su neo álbum solista debut 'Pearlies', producido x el siempre afable ROBIN GUTHRIE, con quién tanto he hablado de música y durante extra encantadoras horas de horas🔷Los sonidos del planeta, de dentro de los árboles, de la tierra, de la atmósfera, del mar... están cambiando sin que ni siquiera puedas percibirlo: cambiando hacia una gran nueva, pacífica  y luminosa era  terrícola🔷STOP! https://youtube.com/watch?v=O9FSXYPpmg4&si=ea-Q8IlXgrs1uIqm

'Sin música la vida sería un error' (Friedrich Nietzsche)

ADOLESCENCIA CRISÁLIDA EN EL FIN DE LA HISTORIA :. 30 años desde 1993 - PARTE I

1993 O LA ADOLESCENCIA CRISÁLIDA EN EL FIN DE LA HISTORIA.

1993 fue para mí un año clave en mi formación metamusical. Venía de un colegio, el Salesianos, donde varios destacábamos por nuestra afición a sonidos alternos y marxianadas, que le decían. Tales compañeros tenían sus cuadernos adornados con nombres tales como Jesus & Mary Chain, Curve o Chris & Cossey. Eso en el 90, 91, 92, cuando al mismo tiempo estaba conociendo las tiendas de piratería de la ciudad: funky hits, galerías Centrolima, Av. Colmena y las tiendas situadas en Miraflores -nix 7 records, transmission records, el point en galería benavides.

En 1993 ingresé a la pre Cato donde, además de prepararme en los estudios, conocí a mi compadre Jaime Alfaro, a la sazón recalcitrante melómano. Así dio la casualidad que fuera dicha calenda cuando, como un torrente o vendaval que cae sin poder moverme o hacer nada para impedirlo más bien al contrario, conocería el shoegaze dream pop, discos y bandas caletas del dark new wave y la experimentación post psicodélica con The Darkside, Spiritualized y Spectrum.

Además de todo ello, 1993 fue en Perú el inicio del reino del neo-liberalismo, se buscaba sanear la economía a costa de los más pobres. Vivíamos tiempos de permanentes crisis y del fin de la Historia en manos del capitalismo. El zeitgeist iniciaría la era del consumo, mercado libre, hedonismo y evasión material. El país avanzaba a trompicones, pleno de corrupción y jamás estuvo a la par de economías/sociedades vecinas como Chile o hasta Venezuela. Prueba de ello son realidades evidentes como nuestra infraestructura republicana. Después de 30 años de neo-liberalismo, solo contamos con un chiste o remedo de metro, de solo una troncal habilitada, los espacios públicos brillan por su nulidad y los servicios públicos, privados o estatales, descollan en ineficiencia y lentitud burocrática. ¿Qué son sino los call centers? 

Provengo de una familia de clase trabajadora, de conurbano y con padres docentes. Para el Wilder de 16 años, es decir el Wilder de 1993, salir a la calle y ver el gris de la ciudad, las autopistas, avenidas, los rostros y empujes solo tenía sentido si iba acompañado sempiternamente de música. Escuchaba His Name Is Alive, My Bloody Valentine, Pram, Spectrum o Slowdive en el micro o combi yendo a la pre y después a Estudios Generales en la Universidad. Mi entendimiento iba teñido de esas vibraciones etéreas y como de algodón rugoso que distorsionaban mi mente en pos de la abstracción, miel mental original. Casi ni percibía, tan embebido estaba por los sonidos, las implicancias, gracias y desgracias, de la vida en comunidad, las taras, los racismos, clasismos y demás podre.

De lo que sí caía en cuenta, era del tremendo valor de esta música, muy a despecho del ninguneo oficial hacia ella de parte de los madios masivos pero también de los que se suponía deberían haber sido sus primeros defensores, los fans de la música independiente -antes de que "indie" terminara por asociarse a individualismo, egos y plata. De tal manera que si tenías la suerte de encontrar gente que escuchara lo mismo que tú, pues en un ambiente donde casi era como hablar latín o esperanto, en una te volvías amigo de la tal persona y compartías tus aventuras y descubrimientos desde entonces. Así sucedió. Y no dudaba en tirarme la pera de las clases de la de Lima para subir hasta Payet o Tawantinsuyo y ensayar con los Hipnoascensión y aprender a través de ellos y la música nueva ideas y sustancias que en ese momento no estaban disponibles en cualquier otro lugar. También recalé varias veces en casa de Jaime a la espalda de radio doble 9. Ya luego, un par de años después, con el nacimiento de Crisálida Sónica, las sesiones, encerronas y atardeceres astrales se irían ampliando alrededor de otras zonas de la ciudad.

Casi está demás notificar que estas músicas pasaron factura y afectaron nuestra psique y temperamento. Nos formó cual seminario o liceo. Fuimos a la escuela de la vanguardia en tiempo real, el internado de Kevin Shields y Sonic Boom, la facultad de Richard D James y Stockhausen. Antes que nadie y, sobre todo, antes que el mercado, la gentrificación y estafadores asomaran o se dieran cuenta de los shoegazers, ambient y post-rockers experimental shiny heads.  

Vivimos durante el fin de la historia y nuestros ensueños y proezas se irán con ella. Larga vida a los 90 por siempre escucharán...

Wilder Gonzales Agreda.

(CONTINUARÁ)

SPOONFED HYBRID
Spoonfed Hybrid

GUERNICA GII5 CD/LP

El pop experimental –es decir, la exploración de ese extraño lugar donde la vanguardia se encuentra con la composición pura– pareció colarse en la agenda en 1993: así lo demuestran His Name Is Alive, Stereolab, Insides, Idaho e incluso Red House Painters. Y como todos los anteriores, Spoonfed Hybrid son una curiosidad, esencialmente irrepetible, parte de una proliferación de individualistas musicales. Los dúos fueron una característica perenne del pop de los 80: ya sea como acoplamientos de sintetizadores o como art-rockers independientes (y empujados hacia el centro o condenados a los márgenes lejanos). Por eso es asombroso escuchar Spoonfed Hybrid, una colaboración entre el ex compositor de Pale Saints, Ian Masters, y Chris Trout de AC Temple, y escuchar los dos modos combinados.

Que funcione tan bien no es tan sorprendente: "Tiny Planes" fusiona la grandilocuencia de filigrana del New Order de mediados de los 80 con los extravagantes melodismos de His Name Is Alive, buscando puntos de colaboración y confraternización entre los dos estilos, mientras que la apertura "Heaven's Knot" es una especie de sello/etiqueta independiente Pet Shop Boys; "The Smiths you can dance to" regresaron al hogar que les correspondía. Sin embargo, hay más aquí que eso; la estereofonía de "Naturally Occurring Anchors", donde las guitarras se deslizan de un altavoz a otro con un retardo vertiginoso, o "A Pocketful Of Dust" de Chris Trout, donde Joni Mitchell se encuentra con Dead Can Dance. Aunque grabado como un proyecto único para la filial de 4AD Guernica, sólo cabe esperar que esto se convierta en una colaboración regular.

JAKUBOWSKI*

SEEFEEL
Quique

TOO PURE 28 CD/HQIP

Pronto se cansarán de escuchar esto, pero Seefeel toma como plataforma de lanzamiento los ritmos cíclicos y espaciales de “Soon” de My Bloody Valentine (originalmente en el EP "Glider") y aterriza en un área fértil que los propios MBV fueron extrañamente reacios a explotar. Seefeel también deforma su formato de guitarra, bajo y batería más allá del reconocimiento, con voces femeninas distantes, baterías en bucle y en tiempo real y las guitarras borrosas y atomizadas.

"Imperial" es un híbrido de danza moderna, que atrae los arcos centrífugos del Techno pero los ralentiza, permitiéndoles construirse y dispersarse gradualmente (no es insignificante, Aphex Twin ya ha remezclado algunas de las pistas anteriores del grupo).

Los mismos elementos están aliados con el bajo y la batería vibrantes en "Climatic Phase No. 3". "Charlott's Mouth", "Through You" y "Filter Dub" se adentran en un mundo en cámara lenta de ritmos, dub espectral, drones y sonidos incorpóreos (siendo este último el sonido menos inmediato pero más original del disco).

DAVE MORRISON*

INSIDES
Euphoria

GUERNICA GU4 CD/LP

Euforia, “un sentimiento exagerado de bienestar, esp. irracional o infundado." Cuando se llamaban Earwig, Kirsty Yates y J Julian Tardo trabajaban en enjambres asesinos de capas de guitarra confrontativas; ahora llamados Insides se han reinventado como otro zarcillo aspiracional en los brotes verdes de la planta de deseos rizada del Ambient dreampop.

Sus antecedentes, grupos de los 80 como Hard Corps y Propaganda, propusieron un sonido protominimal en tungsteno, que ahora está siendo adoptado por una nueva generación de músicos que trascienden la estrechez de miras del indie (por ejemplo, el anhelo de Butterfly Child por un “esperanto" de lenguaje y género; el psicodramático rechazo de Disco Inferno a la acústica en vivo). Euphoria te deja embelesado: la voz desgastada de Yates hierve como un pozo de áspides, chupando palabras lascivamente hacia atrás en su boca, haciendo líneas tan extrañamente sinceras como "Paso todo el día, eliminando rastros de actividad sexual" suenan tan inquietantemente convincentes como lo habrían hecho Nico o Mimi Goese de Hugo Largo. J. Julian Tardo maneja la hermosa y compleja programación y las guitarras lánguidamente ecoplexadas: como en Steve Reich, gran parte de la melodía está inscrita en los patrones rítmicos, que se construyen a partir de elementos tan diversos como un clarinete de plástico (“Bent Double”) y una extensión de samples de platillos, tan amenazadores como el afilado de cuchillos. "Distractions" gira y gira como esas luces de discoteca que giran al azar, y aunque el álbum también es magníficamente bailable, sus influencias ambientales están esclavizadas a la privacidad, como si se inhalaran en el espacio resonante de los pulmones. De repente, The Orb y Seefeel parecen persuasivamente retóricos. "Skin Diving" bordea el territorio de Keith LeBlanc alrededor de Major Malfunction: el mismo groove profundamente excavado que te pierde al hacer un looping te lleva al olvido. Euphoria es pop que ama su propio sonido hasta la muerte. Y odia el hecho de que no puede parar de amar.

ROB YOUNG*

MORPHINE

Cure por Pain

RYKODISC RCD 10262CD

El álbum debut de Morphine, Good (lanzado hace sólo cinco meses en el Reino Unido) era fiel a su título, pero en Cure For Pain, el trío de Boston realmente ha acertado. Todo lo relacionado con él (material, interpretación, producción) viene con una inyección adicional de confianza e intención.

Morphine, se han referido (medio en broma) a sí mismos como “grunge implícito” y “low rock”. Estos términos son en realidad tan  pertinentes como cualquier otro, y especialmente este último, ya que el sonido del grupo se basa en el canturreo de rock profundo de Mark Sandman y el bajo slide de dos cuerdas y el saxo barítono de Dana Coliey. La relación entre los músicos de Morphine es similar a la de un trío de jazz (o, más exactamente, el trío de jazz/R&B británico Back Door de mediados de los 70), donde la adición de otro elemento alteraría el equilibrio.

Rockean con verdadera arrogancia, produciendo híbridos funky como "Buena", donde Sandman toca con un sonido tan denso y contundente que sientes que podrías morderlo. Las ricas y melódicas líneas de saxo de Colley serpentean alrededor de las voces en "I'm Free Now", descendiendo en picada con sonidos guturales de sirena de niebla. Sandman suena sorprendentemente genial aquí, incluso cuando expresa su tristeza de pesadilla por el fin de una relación: "Tengo culpa, tengo miedo, me arrepiento/Soy un desperdicio asolado por el pánico, soy un imbécil". Sin embargo, tiene una habilidad narrativa: tambores sincopados y un saxo lascivo acompañan su historia de una relación peligrosa en la rockera "Thursday", que es en parte una advertencia, en parte una intoxicación por la lujuria y el miedo.

DAVE MORRISON*

PRAM

The stars are so big, the Earth is so small... Stay as you are

TOO PURECD 26 CD/LP

Para ser prosaico por un momento, Pram da una idea de cómo podría haber sonado el punk si su era no hubiera sido eclipsada terminalmente por varios imperativos sociales y políticos (un gobierno laborista insufrible que se autodenominaba socialista y la amenaza de la bomba). Este año ha visto el regreso del DiY y el lo-fi, lo tacaño como virtud: no una reafirmación de la mitología del punk de "cualquiera puede hacerlo", sino más bien una recreación de las milagrosamente convenientes grabaciones de cuatro pistas que Can logró en su primeros discos de la era Innerspace. Este cuarteto de Midlands en particular (dos chicas, dos chicos, todos todavía en la adolescencia) definitivamente aspira a los nocturnos Jetstream de Future Days y Soon Over Babaluma, pero mientras Can en esa fase grababa sus visiones lunares con la mejor punta plateada, Pram están haciendo sus primeros y complicados intentos de utilizar el proceso de placa húmeda coloidal. La inspiración viene de los lugares más extraños.

Imagine las víctimas de las Rave y los fanáticos de Get Up With It (hay una espléndida personificación de Miles por algo llamado The Mysterious Verdigris Horn en el minuto 16 "In Dreams You Too Can Fly") irrumpiendo en la guardería familiar de los Stockhausen y metiéndose con los sintetizadores de 2 bits de los niños, Casio VL-Tones y baratijas de Fisher Price que encuentran allí. Te recuerdan todos los artefactos de mierda que los años 70 intentaron vendernos en nombre de la participación musical: Stylophones, Shaker Makers, guitarras eléctricas de plástico; quizás los únicos instrumentos que grupos como Pram pueden permitirse. Las canciones de Pram están cargadas de un comentario de Gerry Anderson sobre la ciencia; fabricaciones hechas por guitarras tocadas cerca del puente y tambores insuficientemente ensayados superpuestos con pequeños pitidos de una multitud de sintetizadores baratos cuyos osciladores se pueden escuchar saltando cuando se presionan las teclas. Su única nostalgia es por una visión del futuro que brilló brevemente en los espacios desinfectados de Things To Come, pero que ya murió hace mucho tiempo.

El horror resultante de no poder distinguirlo de otra manera (gris, húmedo, abarrotado) es palpable.

ROB YOUNG*

VERVE
A Storm in Heaven

HUT CDHUT10 MC/LP

SLOWDIVE
Souvlaki

CREATION CRE CD 139

Verve hace del hastío una virtud y un vicio. Suenan indiferentemente atractivos: serían buenos holgazanes. Una pareja que vive en Preston y que aún no ha alcanzado el estrellato debe multiplicar su factor de aburrimiento por diez. Verve, cuatro jóvenes de 21 años de Lancashire, que fueron aclamados el año pasado como "inmortales" después de un concierto y sin edición en vinilo, tenían todo el revuelo y algo más que cumplir. Su debut es una mezcla fría envenenada con una guitarra psicodélica en un aburrido paisaje onírico ocasionalmente prolongado por improvisaciones que consisten en flautas o saxo funky en los melancólicos títulos "Butterfly" y "The Sun The Sea". Como era de esperar, los fantasmas del rock acechan su sonido mientras Verve aparece como Zeppelin, tiene una postura como The Stones y de vez en cuando se hace eco de Morrison/McCulloch. Producida por el famoso productor de Stone Roses, John Leckie, la comparación entre los esquivos Manes y Verve no es diferente. La diferencia es que Verve son menos inmediatos y menos pop pero igualmente petulantes (si eso es posible). Con el actual resurgimiento de los años 70, Verve podría ser masivo con sus cuellos en V y pantalones acampanados (Richard, el cantante principal, ya se parece a la estrella de rock Jagger en la Performance de los Roegs). ¿Pero es Verve la auténtica cosa? Ahora que tienen un primer LP viciado pero seductor finalizado, esperemos que se mantengan firmes.

Mientras tanto, Slowdive es un buen ejemplo de una banda independiente que se desarrolla más allá del primer álbum.

Han desarrollado un sonido ambiental pulido en su segundo LP, tanto que es difícil creer que fueran uno de esos grupos apenas adolescentes del Valle Támesis que estaban listos para seguir los pasos de Ride.

Slowdive ha dejado atrás toda esa diversión pubescente. En cambio, suenan realizados sin perder la sensación de inocencia mágica sugerida por las voces masculinas y femeninas en medio de espectros de guitarras fluidas. En varios puntos recuerdan a The Chamaleons, Cocteau Twins y My Bloody Valentine. Pero principalmente Slowdive compone la banda sonora de un sueño perfecto, tejiendo dream-pop a partir de una madeja de colores alucinantes.

SAM BATRA*

THE BLACK DOG
Bytes

WARP 8CD/MC/LP

B12
Electro-Soma

WARP 9CD/MC/LP

Estar en los márgenes del mercado del dance durante algunos años no ha causado ningún daño real a grupos de techno londinense como The Black Dog y B12. Su música se ha desarrollado sin restricciones ni recompensas financieras. Nunca fueron lo suficientemente centrales como para verse obligados a realizar la producción exagerada que inevitablemente exigen los clubes de baile convencionales o los ravers de Ardkore, y no se han desviado de sus exploraciones de la música por computadora como arte cinético y máquina de estados de ánimo.

La influencia del pionero del Techno de Detroit, Derrick May, siempre se cita cuando se habla del llamado Techno progresivo/de sillón, pero por mi dinero, el EP Psyche de Carl Craig de 1990 fue el nuevo punto de referencia.

A diferencia del calor y la angustia mecánica del mundo de May, Craig accedió al Techno en un lugar suave y fresco. Este ambiente mudo ha resultado fértil para la nueva ola de tecnoides como The Black Dog y B12, quienes parecen preferir sonidos apagados y texturas simples a la densidad frenética del Techno anterior, ya sea Y M O o Mayday.

¿Podría tener esto algo que ver con la importancia de la Revolución Industrial, el motor a reacción, Charles Babbage, etc., en la historia de Gran Bretaña? Después de todo, Gran Bretaña tiene tanto derecho sobre el Techno como Detroit, Tokio o Frankfurt, pero las implicaciones (trágicamente, para mal, ridícula o afortunadamente) no son exactamente las mismas.

La melancolía romántica de alcanzar mundos inalcanzables es evidente en ambos álbumes.

Empapados de nostalgia por el futuro, sus acordes tristes y sus pistas rítmicas vibrantes tienen la calidad amortiguada de los ecos telefónicos intercontinentales, el ruido que nubla un mensaje muy distante. Esta es una música enriquecida por emociones confusas sobre la historia, la tecnología y la alteridad.

DAVID TOOP*

*TODAS LAS RESEÑAS EXTRAÍDAS DE NÚMEROS DE THE WIRE MAG DEL AÑO 1993