FELIZ AÑO 2025 :. Dile no a la lumpencultura

¿Que es la #narcocultura? Una cultura creada por el lumpen que imita la cultura de la burguesía dominante.

El lumpen, por su posición económica, vive en una esfera social diferente a la de la burguesía. ¿De verdad a alguien se le ocurre comparar el hostil submundo que habita el lumprenproletariado con las comodidades de la vida burguesa? Es cierto, algunos pueden llegar a mantener un nivel de vida aceptable o, incluso, a enriquecerse, bien sea por convertirse en productos de la industria cultural capitalista –como cantantes de reggaeton o corridos alterados.–, bien por sus fechorías –véase los famosos gánsteres o los proxenetas que acaban convirtiéndose en grandes y «respetables empresarios»–. Pero generalmente el lumpen de los bajos fondos no puede reproducir la forma de vida frívola en extremo de la burguesía, dictada por el ritmo delirante de la compra de artículos de lujo derivada de la vida rentista-parasitaria. Cuando se trata de «trabajar» –unas veces a su servicio, otras, por su propia cuenta–, escoge el robo, la calumnia, el chantaje, la intimidación, el soborno, las drogas, la explotación sexual, el tráfico de influencias, el tráfico de armas y otras tantas formas de actuar, legales o ilegales, abiertas o solapadas propias de la burguesía y de su mundo político-económico. Usa esta lógica –la burguesa– para justificar su forma de pensar y actuar, considerando que debe proceder emulando esas formas no solo como medio para subsistir, sino concluyendo que esto es lo lógico y normal dentro de una sociedad, que se trata de algo inmanente en la cultura colectiva cuando, en realidad, estos defectos son inherentes a una clase y a un sistema social que se sustenta en un modelo de explotación determinado. El lumpen y su cultura recogen, por tanto, lo peor de la cultura burguesa.

Colectivo Acero

La vida de Gerald Oropeza: de ser vinculado con el narcotráfico a influencer en TikTok

síiiii yo los escuché en los 90 de adolescente teen, cuando todos estaban en cojudeces y peor..... y hoy la pintan de grandes pendeivis... jajajajajajjaa!!!!!!!!!!

azucena kántrix peru abankay por siempre la rcsm!!!!!

y lo mejor q sí hice música así para corroborarlo pq lo valoré entendí admiré y améeeeeee seeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeee!!!!!!    

"¿Y en el fondo no es lo mismo que cuente guisantes o lentejas? Todo en este mundo viene a parar en simple nimiedad y el hombre que por voluntad de otros, sin seguir sus inclinaciones o su propia necesidad, se consume trabajando por dinero o por los honores, será siempre un loco".

GOETHE - Las desventuras del joven Werther

1774

Oswaldo, Revólver, el Chajua y otros que no conozco discutían de política entre cerveza y cerveza, y nos sentamos, el ambiente de Palermo no me gusta: puro intelectual que hablan en difícil y de cosas aprendidas en los libros, con eso no atraco, Profe, el asunto es hablar de lo que uno vive, y le dijimos a Oswaldo para ir a otra parte: ya nos vamos, me tienen que llamar por teléfono; y trago que viene y trago que va, y la noche se quema por gusto, y sábado, Profe, y yo que me dormía aburrido, ¡ya está!: aburrido viene de volverse burro, uno en esas situaciones, asno, Profe, pero de pronto la cosa se pone candela y Oswaldo no sé por qué dice: en la universidad casi todos los profesores día a día se cagan en sus principios y sólo buscan acomodo de puesto y bonificación; y un flaco patilludo: es la crisis total, pero esta Junta Militar ha venido a poner orden; y Oswaldo: ¿para quién?; y el patilludo: para todos; y un chino lentejudo: si es para todos no es para nadie, te olvidas de las clases sociales, y Oswaldo; todo está jodido moralmente menos el pueblo; y un cara de abogado: ¡estas! ¿no estás viendo que los pobladores de una barriada le han puesto el nombre y apellido de un general a su pueblo joven?; y Oswaldo fuma que fuma...

OSWALDO REYNOSO

El escarabajo y el hombre

1970

La cultura era el no mercado por excelencia. Era un privilegio de las élites que les permitía ejercer una actividad más limpia que la de los negocios. En el siglo XIX había dos lados: el claro, el de la alta cultura, y el oscuro, que era el capitalismo salvaje. Luego el capitalismo, sobre todo el neoliberalismo de los ochenta, logró dominar todo. Y lo hizo sutilmente, poniendo sobre la mesa un tipo de mercado distinto que apareció a través de competencias entre artistas, premios y eventos. Todos estos sucesos fingieron mejorar la cultura aparentando estar por fuera de la ley de mercado.

Sin embargo, obviamente hay una dimensión no mercantilizada de la cultura que sobrevivió; una cultura resistente, en los márgenes, que es la que yo trabajo. Pero en el entretanto, la distinción entre alta cultura y cultura popular empezó a difundirse por medio de la llamada cultura de masas, que fue la entrada plena del capitalismo. Al principio ni siquiera parecía un tema central de la ganancia capitalista. Pero eso cambió: hoy las “industrias culturales”, que hace treinta años eran un oxímoron, están plenamente presentes en nuestra realidad.

¿Cómo?

Hubo varios mecanismos de entrada. Entraron, primero, por las ciudades, en donde se buscaba la innovación cultural para que las metrópolis se volvieran más atractivas, para hacerlas una especie de marca. Y ante esa necesidad, la industria cultural se masificó. Ya no hay un festival por ciudad, sino muchos en todas partes, con el mismo modelo, en un mercado de oferta y demanda estándar, homogeneizante.

Por otro lado, tienes la educación. Hoy hay cursos bien pagados en universidades de todo el mundo, generalmente de maestría o doctorado, para graduarte en gestión cultural. Ese es el instalamiento pleno del capitalismo en la cultura. Y a mi juicio, esa entrada del capitalismo ha generado dos tipos de artistas. Por un lado, los que venden sus productos, junto con su alma, y producen exclusivamente lo que se compra. Y, por el otro, los que venden sus productos, pero no su alma. Los que venden su alma son mercado. No considero lo que hacen arte.

BOAVENTURA DE SOUSA SANTOS

UNA CONVERSACIÓN CON LUZ "LUXSIE" CÁCERES :. Es evidente cómo nos lavan el cerebro con la idea de que más marketing y likes equivalen a mejor música. Las voces que expresaban descontento y resistencia han sido eclipsadas por una versión más digerible y aceptable para el mercado.

Conocí a Luz Cáceres aka Luxsie, la primerísima vez, en un evento en el recordado point del cono norte, Espacio Plataforma, circa 2017, cuando ella cifraba los 16 años. Por ese entonces iniciaba su primera formación, TANELI LUCIS, dedicada a la estética indie shoegaze e inclusive llegó a performar en la Fundación Telefónica. Tenían todo para surgir como la banda del momento, tal como hoy lo tiene gente como Los Membrillos y similares. Pasado un tiempo Luxsie aterrizaría en el proyecto de Walter Nadamás Arellano, Les Replicants. La curiosidad de nuestra joven invitada fue empoderándose, así que posó sus sentires y deseos en el sonido experimental, los registros de campo, el video arte y rollos adyacentes. Hace un año registró un hit, sugerentemente titulado "I have a user", donde la escuchamos surcando el cyberpunk y ha puesto voces en algún tema del disco debut de Fernando Pinzás (ex Varsovia), Ballet Mecánico. Conversamos con Luz sobre su estimulante background y tratamos de conocer qué pasa por la cabeza de una de las líderes de la escena que tomará el recambio, la posta en la movida experimental peruana.

¿Qué representa para ti la música y dedicarte a ella?

La música no solo es sonido, es vibración. Todo el universo vibra y dedicarme a la música para mi es ser como alguien que pinta, construye o destruye más no borra frecuencias ya sean alineadas o caóticas todas estas ayudan a elevarnos, tampoco quisiera decir de forma explícita me dedico a hacer música sanadora, eso se lo dejo a los oyentes, pero creo yo que expresar desde una pieza ambient a algo más ácido, industrial o noisero y entre estados emocionales o vacíos podría acabar siendo la música una vía de conexión introspectiva y liberadora. Existe un regreso del caos al equilibro o del equilibro al caos, loop universal. 

Hay días durante mi vida que he sentido la herida de la soledad pero la música siempre me ha salvado, me ha cuestionado y me ha respondido, es mi lugar seguro. 

¿Qué recuerdas de tu paso por proyectos como TANELI LUCIS y LES REPLICANTS, qué tal la experiencia ganada?

Ambos proyectos han sido mi momento canónico como ser humano compleja que soy, en ambos existió la misma chica que no sabía qué era el amor de pareja, pero se reproducía toda la discografía de Deux, Slowdive, Oppenheimer Analysis, Brian Jonestown Massacre, David Bowie, Spacemen 3, A.R. Kane, Tame Impala, Cocteau Twins, Ciëlo y Silvania, también algunas películas como The Iron Man (鉄男, Tetsuo) de Shinya Tsukamoto, Only lovers left alive de jim jarmusch y Chungking Express de Wong Kar Wai, algo asi fue entre 2016 a 2022.

Esas bandas y películas me hicieron conectar con ambos proyectos. Me da risa decirles "proyectos", siento que es muy seco, sobre todo porque ambos eran duetos, y ambos fueron mis ex amantes.

TANELI LUCIS, de Daniel, actualmente no sé nada. Recuerdo que al principio ninguno de los dos sabíamos cómo actuar frente a los buenos comentarios hacia nuestro proyecto. La verdad, era nuestro primer acercamiento como proyecto musical en la "escena indie peruana".

Un tiempo después, el dueto pasó a convertirse en una banda. Hubo un período en el que me gustaba la banda, pero luego ya no. Él, de alguna forma, me hizo sentir más insegura de lo que ya era siendo una chibola. La verdad, ambos éramos tontos en esos tiempos; pues "X" acciones hicieron que este proyecto se destruyera.

La verdad, también me duele que no haya seguido este proyecto. El cariño entre nosotros se había deteriorado, y lo que nos sostenía era la música. Tanto Daniel como yo habíamos enfocado nuestros estados ilógicos en componer. De alguna forma, queríamos que funcionara por la música. Estábamos construyendo el segundo disco, y yo iba a empezar a meter composiciones propias. Porque eso sí, y nunca dejo de decirlo: ese primer disco es obra completa de Daniel. En ese período, mi contribución fue acompañarlo con coros, tocando la pandereta, algunas teclas por ahí. También me iniciaba en el mundo de la fotografía. Yo tenía entre 16 y 18 años, me gustaba mucho el collage. Más que todo, yo ayudaba con la parte visual de nuestra banda. Era muy tierna esa parte, porque se me vienen recuerdos del atardecer, del mar y de nuestra banda favorita: Silvania.

Daniel compuso ese disco estando enamorado de mí, y la verdad, yo atesoro mucho eso. Es como si existieran pruebas de que, en un inicio, su cariño fue sincero. Él era muy intenso, y eso era algo que me gustaba mucho de él.

LES REPLICANTS

Walter (mátalos ídolos) y yo a veces nos cruzamos en algunos eventos. Es que ambos seguimos en ese circuito de gente que toca música experimental/noisera. Compartimos también amigos electrónicos, así que algo de él sé indirectamente.

Mi memoria se quema de nostalgia. De Walter he aprendido mucho y, juntos, hemos descubierto demasiada locura: música, cine, lugares, drogas, instrumentos, lecturas, técnicas, etc. Recuerdo que teníamos como pasatiempo leer cualquier cosa en internet. Recuerdo su televisor grande, con la página de Wikipedia, y cómo nos gustaba mucho la fotografía analógica y ácida. Editábamos en esas aplicaciones truchas del celular que emulaban efectos glitcheados. Me pasé buen tiempo con ese tipo de aplicaciones. Teníamos mucho en común, sobre todo las ganas de crear. Nos conocimos en un momento de nuestras vidas donde ambos queríamos desnudarnos al mundo. Viajamos mucho.

Con Les Replicants pude desarrollar aún más mi gusto por los sintetizadores y los pedales de efectos. También nos gustaba lo DIY. Los estados repetitivos están en mi mente. Me gustaba componer con Walter, en una hoja de algún cuaderno gastado, rasgueando la guitarra o solo apretando dos teclas del sintetizador. Éramos simples, pero para nada aburridos. Cantábamos lo que se nos daba la gana. Éramos libres. Hacíamos ruido hasta altas horas de la madrugada, parábamos derretidos o despiertos. A veces, nos creíamos The KVB o Sonic Youth.

https://lesreplicants.bandcamp.com/track/huamanga-secret-garden-ov-lights

Este proyecto comenzó como una banda. Yo les tomaba fotos. Luego me uní y nos volvimos un dúo, pero después regresó Drixner y fuimos banda de nuevo por un corto periodo, hasta que, nuevamente, Drixner nos dejó. Creo que Drixner DRX ahora sigue haciendo música. La última vez que lo vi fue poniéndole visuales a un evento en Magdalena. A Drixner lo conocí por Walter. Ellos ya hacían música desde antes. Recuerdo que existía una canción de su banda que me recuerda mucho a ellos dos. Se llamaba Primitivo, y creo que la banda se llamaba Shaqu. DRX también era otro loco, pero la verdad, una buena persona. Era un buen amigo para ambos. Incluso llegamos a vivir los tres juntos en la casa de Walter, donde creamos la canción Ilumíname. Creo que aún sigue posteada en YouTube. Recuerdo que los tres estábamos repasando cómo manejar el programa Ableton y también cómo grabar. Me gustó mucho esa etapa de banda.

Les replicants · Ilumíname

Otra cosa que hicimos con Les Replicants fue armar eventos y registrar conciertos bajo el nombre de Reverberaxión. Me encanta mucho ese espacio porque conocí a muchas personas del circuito, tenía libertad creativa y escuchábamos vinilos de The Stone Roses, The Velvet Underground, Jesus and Mary Chain, etc.

Walter y yo hemos tomado caminos diferentes pero seguimos haciendo música y es lo único que importa. 

¿Cómo percibes o analizas la participación de las mujeres y disidencias en un entorno desde siempre machirulo como el de la música independiente y experimental? 

Me siento afortunada de existir en estos tiempos, donde he visto crecer, aunque sea poco a poco, la participación de mujeres y disidencias en la música. Aunque todavía existen inadaptados en nuestro entorno, siento que muchos de mis compañeros en el circuito están haciendo su parte para enfrentar las barreras machistas.

Por nuestra parte, como mujeres, solemos organizar eventos que convocan a más mujeres y disidencias, enriqueciendo el panorama cultural. Desde mi posición, he organizado eventos en los que siempre priorizo incluir a mujeres y disidencias en los line-ups. Sin embargo, creo que esto es un trabajo en equipo. No se trata de centrarnos exclusivamente en hacer eventos solo para mujeres o disidencias; el diálogo y la colaboración con nuestros compañeros es fundamental.

He colaborado anteriormente con circuitos que antes estaban dominados por hombres, he notado otra armonía cuando conversé con ellos, les compartí música nueva hecha por mujeres y disidencias, y sus comentarios fueron de “oye pásame el contacto para armar una fecha con ella” “está increíble la música”. 

Poco a poco, esos mismos hombres van entendiendo que hay mucho más allá de lo que tradicionalmente han conocido.

Hace unos meses se lanzó el compilatorio “Paren Todo Vol. 1” que incluye un track tuyo junto a noveles propuestas de la escena local. Coméntanos de esta experiencia por favor.

Sí, la verdad, ha sido una experiencia muy especial para mí. Me gusta coleccionar vinilos, y siempre he soñado con que mi música suene en uno. Estoy muy agradecida con Mario, del sello Atutiplen Récords, y con el equipo de Disconforme Récords.

Admiro mucho la música de Cinthya, Fe Baca y Solenoide, quienes también participan en el compilado. Hace un par de meses dimos un concierto y una listening party que fue increíble. Además, la organización de Atutiplen y Disconforme es impecable; son grandes melómanos. Algunos de sus miembros se dedican a la selección de música en vinilo y siempre están explorando nuevos sonidos.

Además de la música, ¿qué otras actividades o expresiones concitan tu atención?

Me tiene pegada la investigación sobre la acústica arquitectónica, la fotografía análogo/digital ácida o con toques vintage, me agrada documentar lo que pasa a mi alrededor ya sea fotografiar o hacer videos, el collage, los conciertos autogestionados, vomito mis emociones en mi bloc de notas del celular o en alguna agenda vieja, todos los días Chat GPT y Tik Tok tienen mi atención, las instalaciones para eventos electrónicos/ruidistas, los conceptos me gustan pero es algo que quiero cambiar, intento a veces que mi atención sea ilógica, me gusta pasear mucho en centro de lima sobre todo por toda la Av. Abancay, Jirón Puno, Jr de la Unión y alrededores del Barrio Chino. Descubrir lugares caminando por centro de Lima es algo que disfruto mucho, me subo a casonas o galerías hasta lo más alto y ver los techos llenos de gatos y polvo, también me gustan los sótanos aunque a veces me ahogo. Hay veces que mi atención a eso como las 10pm a 12 de la media noche está en el rio Rímac ese que está en Chabuca Granda, me gusta escuchar a los músicos salseros y folclóricos, también ver los colores saturados de los peluches y juegos de apuestas al paso, cuando hay gente y cuando se va es agradable el sonido del río, aunque es raro sabes porque el rio está todo lleno de basura pero escucho el ruido blanco y disocio, pero de alguna forma me tranquiliza ese sonido pero verlo me da tristeza. 

Otras de las actividades que tienen mi atención y dedicación es la dirección que le doy a Lumina, es un faro colectivo y autogestionado que celebra las diversas expresiones artísticas a través de conciertos y exposiciones. Nos dedicamos a crear eventos con un enfoque especial en el sonido y la historia, lo último que hice fue moderar unas rutas sonoras con más amigos y nuevos ruidosos, silenciosos y curiosos entre el ruido de Lima. 

Nuestro trabajo abarca residencias y colaboraciones con amigos del ámbito sonoro y medial, también con antropólogos, historiadores y arquitectos, abiertos a explorar las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías y los vínculos que éstas pueden generar. Lumina es un espacio para conectar, crear y resonar.

Ahora último estoy concentrada en organizar mis tiempos, mi vida, tenía pensado estudiar filosofía el año pasado 2023 en San Marcos, pero ser independiente me ha pasado factura todo este 2024, mi año ha sido muy apasionado en todos los sentidos. 

¿Cómo es el día a día de Luz Cáceres?

Te cuento Wilder que mi cuarto tiene ventana a la calle y cada que puedo meto mi cabeza entre los fierros de la ventana, me pongo a ver los techos de las casas viejas de centro de Lima, hay muchos gatos que me distraen y ruido del tráfico mañanero. Todo es caos sonoro, es mi soundtrack para preparar mi desayuno, me preparo dos huevos con paprika, pimienta y sal, un vaso de agua con chia y con poco limón para activarlo, a veces con una taza de café/matcha o sino leche. Este último mes me la he pasado revisando anime, uno de ellos ya lo había visto cuando tenía 12 años —> DEATH NOTE, y cuando me genera mucha ansiedad para calmarme le pongo pausa y veo ONE PIECE este anime sí recién lo he empezado a ver nunca había encontrado tiempo ni ganas de verlo. 

Después procedo a leer alguna lectura suelta, la última que leí fue “La interpretación de los sueños” (Die Traumdeutung) de Sigmund Freud, pasa que últimamente tengo muchas pesadillas y siempre recuerdo lo que sueño, eso me tiene un poco bastante cansada durante el día porque no descanso, mi sistema nervioso esta alterado y le ando buscando razón a todo ese vomito de simbolismo onírico.  

Durante la tarde pienso en ideas para los eventos próximos en Lumina, también me la paso viendo tik toks, hago TikTok’s modo vlog o con alguna frase en relación a algún suceso de mi vida diaria, últimamente solo me he dedicado a mejorar los volúmenes de mi set, y muy poco a componer porque me siento realmente un poco agotada de tocar los mismo, arreglando también mis tiempos para componer pero al momento de hacerlo ya me siento otra. 

Por las noches practico guitarra, escucho mucha música, me tiene algo mejor no trabajar en estos meses, me da tiempo para reflexionar, he dejado pasar por alto muchas cosas, que loco que el trabajo me haya tenido muy distraída. 

Tu opinión sobre la gentrificación de expresiones y culturas otrora de avanzada y ruptura hoy convertidas en mero material de mercado, caldo de cultivo para los y las que buscan fama, poder, etc.

En la música peruana, géneros como la chicha, el huayno y el punk, que nacieron como expresiones de resistencia y crítica social, han sido transformados en productos comerciales despojados de su esencia. La chicha, antes una voz cruda de los migrantes andinos, ahora es estetizada para el consumo masivo. El huayno, símbolo de resistencia cultural, se descontextualiza en su versión contemporánea, y el punk peruano, que en los años 80 denunciaba miseria y opresión, ha perdido gran parte de su carácter rebelde en busca de mayor aceptación.

En tiempos más recientes, he visto cómo el punk peruano ha sido absorbido por una estética más comercial. Bandas de rock que se etiquetan como “punk” se han alineado con marcas y festivales masivos, perdiendo gran parte de ese espíritu de confrontación y autenticidad. Ahora, el “punk” se presenta más como una moda o un espectáculo, que como un grito de lucha, y muchas veces se olvida el contexto social y político que dio origen a este movimiento.

En estos tiempos digitales, es evidente cómo nos lavan el cerebro con la idea de que más marketing y más likes equivalen a mejor música. Parece que la prioridad es la estética y la imagen, dejando de lado cualquier intento de cuestionar el sistema. Incluso la calidad de la música pasa a un segundo plano, convirtiéndose, en muchos casos, en algo mediocre.

Haciendo que las voces que realmente expresaban descontento y resistencia han sido eclipsadas por una versión más digerible y aceptable para el mercado.

No digo que esté mal que estas músicas ganen visibilidad o que nuevos públicos las descubran. Lo que me duele es ver cómo se pierden las voces originales, cómo las narrativas más crudas y necesarias se diluyen en una fórmula atractiva para quienes buscan fama o capitalizar sobre estas expresiones. En este proceso, muchas veces se borra el origen de estas músicas y las luchas que representaron. Es como si el mercado nos dijera: “Sí, queremos tu arte, pero sin tu historia.”

Se puede notar que este año la viralidad de la música pop experimental ha sido más relevante por su portada hecha con una tipografía alargada y fondo color verde neón. 

Cuando voy a Chabuca Granda y veo a mis amigos músicos interpretando huaynos, cumbias o chicha, siento una profunda impotencia al no tener los medios necesarios para realmente hacerlos sentir escuchados. Tirarles unas monedas me parece incluso un gesto vacío, casi insultante, como si no estuviera valorando lo suficiente su arte y esfuerzo. Esa sensación de estarles faltando el respeto me hace sentir muy mal.

A veces me detengo a conversar con ellos, pero soy una persona muy sensible, y esas interacciones suelen afectar profundamente. Antes, incluso, llegaba a llorar y no podía terminar mi día.

Hubo un tiempo en el que, junto a un amigo, queríamos grabar un compilado de estos músicos, documentar sus vivencias y compartirlas con el mundo. Hablar con ellos siempre es enriquecedor. Incluso, en algunas ocasiones, me han ayudado a abrir los ojos sobre mi entorno. Antes tenía amistades bastante desubicadas, y con el tiempo me di cuenta de los privilegios que uno tiende a normalizar, viviendo en un contexto lleno de vacíos simbólicos.

Ellos me han mostrado que el arte, la música y las historias que cargan en sus voces son un reflejo de la realidad que muchas veces ignoramos.

Me llena de una mezcla de ira y tristeza no poder hacer más por ellos. Hay músicos que llevan décadas tocando en las mismas plazas o en los alrededores del Barrio Chino, arpistas y violinistas relegados a espacios marginales, donde su arte pasa desapercibido. Me duele profundamente ver cómo en nuestro país se desprecia a los músicos de resistencia, aquellos que mantienen viva nuestra identidad cultural a pesar del olvido y la indiferencia.

Es un tema que me inquieta porque toca fibras profundas sobre quiénes somos como sociedad y cómo nos relacionamos con nuestra herencia cultural. Me pregunto: ¿cómo podemos evitar que nuestra música, nuestra identidad, se transforme en un producto más de consumo? ¿Cómo protegemos el mensaje y el espíritu original de estas expresiones en un mundo que las quiere convertir en objetos decorativos? 

Son preguntas que no tienen respuestas fáciles, pero que creo que debemos seguir haciendo…

Los discos y conciertos que te rompieron el cerebro son:

Desde niña, he tenido una conexión especial con la música electrónica. Mis padres son comerciantes y tienen un negocio de insumos de pastelería en el mercado Ciudad de Dios, en San Juan de Miraflores. Fue ahí donde descubrí mi amor por la música. Entre los pasillos del mercado, escuchaba huaynos, baladas, música clásica, rock en español e inglés, y, sobre todo, mucho techno y otros subgéneros de música electrónica.

Mis padres me daban la libertad de explorar, y muchas veces me perdía en el sótano del mercado, porque ahí sentía que la música sonaba más bonita. Hacer música se ha convertido en mi refugio, mi lugar seguro. Aunque pasé gran parte de mi infancia sola, la música siempre me hacía sentir bienvenida en este mundo.

Cantar, para mí, es como acompañarme a mí misma; era mi forma de estar en compañía cuando no la tenía. Pasaba horas interpretando éxitos de los 90, pero lo que más me marcó fue el techno y la tecnocumbia. Recuerdo cómo me fascinaba imitar los sonidos de los sintetizadores y los efectos de las canciones, o incluso intentaba hacer beatbox. De niña, creo que me salía bastante bien y me hacía sentir rebelde.

Una de mis mayores alegrías era cuando le pedía a mi papá que me comprara discos con títulos como “Música 3000”, “Música Espacial” o “Sonido Láser”. Me emocionaba mucho también las portadas de esos cds porque venían con dibujos animados, salía el burro de Sherk jajaja o toda esa estética de frutigero aero o el frutiger Metro, quizá por esos diseños tan maximalistas o ver tantas tipografías me hicieron también diseñadora gráfica. Para mí, esos discos eran como pedir muñecas. Me ha dado una nostalgia tremenda recuerdo que me ponía a jugar con los casetes de mi papá, les quitaba la cinta porque no entendía cómo de eso salía la música, recuerdo que entre mis experimentos empalme trozos de cinta y sonaba todo glitcheado. 

Fidelity - The Durutti Column 

Halfaxa - Grimes 

Por qué te vas - Jeanette 

Foxbase Alpha - Saint etienne 

Te casas en privado - Grupo Génesis

Sparks - imogen heap

Complete singles collection - A.R. Kane 

Act of rebellion - Ela minus 

I care because you do - Aphex twin

Lonerism - Tame impala 

Milk and kisses - Cocteau Twins

Tender Buttons - Broascast

New Mexico - Oppenheimer Analysis

Lo que sea por mi destruccion - Tica 

Solineide Says (1991-1993) - Silvania

Flashmob - Vitalic 

Eadem Mutata Resurgo - Medio mutante 

Paga la cuenta sinverguenza 

The space lady's greatest hits 

Split - Lush

The future crayon - Broadcast 

Rupt and flex - Seefeel

Pygmalion - Slowdive 

Again and again - Thieves like us 

Playing with fire - Spacemen 3

Moon Safari - Air

604 - Ladytron

Eps 1988 - 1991 and rare tracks - My Bloody Valentine 

Decadence - Deux 

Un amor mató al futuro - Ciëlo

TRST - TR/ST

Par avion - Xeno and Oaklander 

Dust on Common - Led er est 

Oracular spectacular - MGMT 

Te quiero hablar de amor - Pintura Roja 

Dina Páucar éxitos de oro 

Tyny Riminders - two love swordsmen

Ana roxanee ~~~ 

https://open.spotify.com/album/5N6kyq6w51apGqPwgC09I2?si=rHCzmRniTqWphKuC_vpYIQ

Transient random noise bursts with announcements - Stereolab 

No supero el concierto de Tame Impala, tocaron en el parque de la exposición en el 2016.

También hace poco fui a espacio colmena, tocaron los C1NT1 Y4N3T y Gabriel Castillo me tiró una calamina en mi pierna, ese día necesitaba que algo me golpeara y el ruido me noqueó. 

¿Para cuándo el álbum debut de Luxsie? ¿A qué terminará sonando? ¿Electroclash, una aleación de La Monja Enana y Sophie?

Lo único que puedo decir es que no sonará como "i have a user", quizá me animo a lanzar un ep con la era cyberpunk de mi proyecto, mi álbum sonará muy diferente y yo también ahora soy muy distinta.

¿Cómo te ves de acá en 15 años?

Tengo mucha ilusión con Lumina, expandirse a más horizontes, seguir conectando con más mentes, corazones, almas y que siempre haya música. Me veo más disciplinada con la creación de música, filmando películas, conociendo lugares y su historia, viajando mucho en realidad. Estoy trabajando mucho en mi para que así sea, espero seguir siendo libre y que nada me mate la curiosidad que tengo por vivir. 

Palabras finales y mil gracias por la entrevista Luz.

Gracias a ti Wil, adoro tu vlog he descubierto música aquí que me mantiene viva. 

Si alguien llego a esta parte de la entrevista solo me queda decirles que si tienes ganas de crear algo, hazlo hoy. No esperes el momento perfecto ni las condiciones ideales, porque el futuro no es más que una ilusión: todo sucede aquí y ahora. No importa si tus recursos son limitados o si lo que tienes a mano parece insuficiente; lo importante es empezar desde donde estás, con lo que tienes. La creatividad no entiende de excusas, entiende de acción.

Abracen el error.

Lo esencial no es cuánto tienes, sino cuánto corazón + alma pones en lo que haces. Tu capacidad de crear tiene el poder de darle forma al universo.

No permitan que nadie les haga creer que no son suficientes. Hagan oídos sordos a quienes, desde sus propias heridas, nos atacan con pasividad agresiva. En lugar de eso, enfoquen su energía en crear y en cuestionarse con honestidad: ¿están siendo sinceros consigo mismos y con los demás? Sean fieles a su esencia, y si sienten que necesitan cambiar de rumbo, háganlo sin miedo, pero nunca duden de sus capacidades. Cada uno de nosotros vive un proceso único en este mundo salvaje.

Renovación y amor para todos los soñadores, hasta el próximo viaje.

Links:

Luxsie en Extrañamientos III | Universidad San Marcos 2024 - Organizado por Espacio Sonido y estudiantes de Artes : https://soundcloud.com/espacio-sonido/set-luxsie-extranamientos-iii

Bandcamp: https://luxsie.bandcamp.com

Spotify: https://open.spotify.com/artist/61KPPFWyg5syrIdyVCz4w0?si=cLdTWjfAQYidyEPDJMgOeQ

Instagram: https://www.instagram.com/luxsie_?igsh=dWZ0N3Zhc2dnbXph

Lumina: https://www.instagram.com/lumina_org?igsh=MWR6ZTI5enpjcTh3eQ==

30 años del "Selected Ambient Works II" (Warp, 1994) de APHEX TWIN :. EXPERIMENTACIÓN, AMBIENT Y SINESTESIA

El ambient redefinido por Aphex Twin gracias a ingentes dosis de sonidos y conceptos experimentales, colorismos y DMT. Un viaje astral, sinestésico y eterno.

Retrotraer mi mente a las primeras veces que escuché las piezas que integran el "Selected Ambient Works II" (Warp, 1994) de Aphex Twin es remontar eras de recuerdos, factos y sucesos hasta llegar a los días en que un Wilder de 17 años descubría no solo el shoegaze y la neo-psicodelia pero también la música ambient, de manera esforzada, hay que recalcarlo hoy que la música cuesta nada. Irónicamente lo primero que escuché fue el tema que hoy, 30 años después, están incluyendo en la versión expandida, el del "Excursions in Ambience. The Third Dimension" (Astralwerks, 1994): "Stone in Focus". Quedé prendado.

Iba a la cabina de Internet de la UL a buscar data en la web y con la gente de las listas de correo acerca de las maravillas que estaban pasando en tiempo real. Todavía no olvido al locaso de Mark Lascelles, de la tienda Runcible Records de Inglaterra, decirme "ayer estuvo por acá Sonic Boom que iba camino a la casa de Kevin Shields" como quien cuenta que recibió la visita del gasfitero del barrio. Gracias a mis exploraciones, pude hacer un cool intercambio de cassettes con un broder gringo que me grabó 1 cinta de 90 minutos cromada con el SAW II, o lo que de esta belleza pudo incluir.

Escuchar en mi habitación, en Lima Norte - Perú de 1994/1995 la apertura "Cliffs", esas atmósferas y voces de otro mundo en ping pong estirando tu cráneo cual plastilina tirándole colores de estrellas, cegándote totalmente; fue no solo un embellecedor pero la inyección necesaria de irrealidad para soportar crecer en la década de la narco-nación y neoliberalismo peruchos. Las actualizaciones que realizaba Richard D James al sonido ambient de Brian Eno no solo eran de factura magnificente sino que lograban helarte la piel y la hiel: "Rhubarb", "Blue Calx", "Parallel Stripes", "Grass". 

El "Clean Pit and Lid" (Warp, 1996) de Disjecta, que devoramos con fruición en su momento exacto, era prefigurado por hazañas de la abstracción techno paridas por Richard como lo testifican "Blur" y "Weathered Stone". Títulos o nicks que los fans fueron aplicando a estos tracks, guiándose por el artwork del CD/LP/casette ya que, y hasta hoy, oficialmente ninguno de los temas lleva nombre o son todos "Untitled". De ley que yo recibí mi casette únicamente con la inscripción de "Aphex Twin - Selected Ambient Works II" y nada más de data. 

Y síííííí todo era abstracción, introspección y rayos de lunas astrales. "Mould", "Radiator", "Domino" o "White Blur 2": la experimentación y la vanguardia convertidas en soma para re-configurarte completamente, romper con las idioteces del sistema de forma genuina y afirmar la psicodelia electrónica y el futuro que los sonidos prometían. La transubstanciación del ego lejos de pachangas, indie rockeriles y cojudeces. "Selected Ambient Works II" es la "Utopía" del milenio, Terence McKenna y Spacetime Continuum, Zaratustra enajenado exhalando planetas, colores y diamantes a cada movimiento. La fundación de tu tercer ojo ya está acá. 

Me aproximo al secreto.

¿Qué es la música originaria? El deseo de arrojarse al agua.

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Sin la música algunos de entre nosotros "morirían".

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...La música atrae a su oyente a la existencia solitaria que precede el nacimiento, que precede la respiración, que precede el grito, que precede la espiración, que precede la posibilidad de hablar.

De este modo la música se hunde en la existencia originaria.

PASCAL QUIGNARD

Butes

3 décadas transcurrieron, casi no podemos creer haber sobrevivido a todo esto, pasarán todavía centenas de calendas y "Selected Ambient Works II" por APHEX TWIN existirá insuperable. Testimonio de una época en la que los jóvenes y adolescentes dimos la vida, ilusamente, por una música que era la razón para vivir. Tan simple y llano como eso pero con discos así ¿para qué más? Hoy que, al contrario, se estila "vivir" rodeados de estupideces, lumpen y bodrios vale la pena traerlo en cuenta y reafirmarlo.

Encarnación y realidad de lo que es obvio. Pinturas alienígenas, pornografía espiritual.

Wilder Gonzales Agreda.

Antimanual de sociología peruana

Las ciudades del país, en especial Lima, han recibido un torrente sostenido de migraciones desde mediados del siglo XX, pero en las universidades actuales no ha habido mayor proceso de migración cultural, hay muy pocas ideas y conceptos 'migrantes' por llamarlo de algún modo. Digamos que el choleo epistemológico es la norma. El tremendo éxito que tiene entre los estudiantes la distinción y oposición entre ciencia y sentido común provoca que tengamos universidad con muchos edificios y pocas ideas. El resultado es un rezago institucional escandaloso al hacer comparaciones con otros países.

Las expectativas por el nuevo siglo XX

Si hacemos una revisión del siglo XX hay dos elementos cruciales: la ciudad como vitrina, como exhibición de novedades, y la aparición de un auditorio nacional por obra de la cultura de masas,  especialmente la cultura audiovisual.

Todos conocemos fotos de todas las ciudades del Perú, donde a comienzos del siglo XX aparecen los primeros automóviles,  motocicletas, aviones y calles asfaltadas; el paso del adoquín al  pavimento, la construcción de edificios; la importancia nocturna de la luz artificial.

El área urbana fue también el espacio para las actividades industriales, que intentaron convertirse en orientadoras de la economía, pero nunca lo lograron. Incluso en la actualidad, la mayor  parte de las exportaciones, del ingreso de divisas, tiene por base los  minerales y las riquezas marinas. En otras palabras, en las ciudades  se concentraba mucho lujo, prestigio, pero el trabajo no ocupaba un lugar privilegiado en la escala de los valores morales. Este carácter relegado de la industria dio a las ciudades un aire de promesa  incumplida, de apariencia engañosa. A diferencia de las ciudades  burocráticas de la era colonial, cuyas funciones en la creación de un orden espacial eran básicamente administrativas, a las del siglo XX se les pedía que aseguraran el trabajo en forma estable.

En algunos años, entre fines de los cuarenta y comienzos de los  cincuenta, parece que hubo esa posibilidad, pero se trató solo de un paréntesis económico debido al aumento del precio de muchas materias primas durante la Segunda Guerra Mundial. Aquí podemos encontrar una de las explicaciones de la sensación de permanente desorden urbano. Mientras los ideales de crecimiento económico estén concentrados en actividades rentistas, donde la producción está subordinada, como en el caso de la extracción de recursos naturales, la ciudad continuará en ese peculiar lugar ficticio de ser el espacio para los símbolos de la modernidad, especialmente en arquitectura, modas, consumo, pero sin el sustento de ser también el espacio de la producción. La entrada en una era posindustrial o informacional nos encuentra con este legado de una ciudad, en el caso específico de Lima, que dejó de ser letrada pero no alcanzó a ser industriosa. De ahí esa sensación que ofrece Lima a los migrantes internos: un lugar donde hay dinero, plata, pero no hay trabajo. Una de las enseñanzas de la era moderna es que donde trabajo y dinero no confluyen, es el terreno ideal para la proliferación de la corrupción, la autoestima dañada como rasgo de la cultura pública, y sobre todo, la sensación de una gran distancia entre los habitantes urbanos, especialmente al momento de cumplir con las reglas de la convivencia en los espacios públicos. Esta es una situación que es cada vez más frecuente encontrar en las ciudades capitales de muchos países del Tercer Mundo. Las ciudades, a pesar de todas sus apariencias que las ubican como el escenario principal de la modernidad, son a la vez la retaguardia económica. Pero como sedes de un poder político muy centralizado, además de ser el principal foco demográfico, tienden a enfrentar severos problemas de legitimidad en sus gobiernos.

GUILLERMO NUGENT
La desigualdad  es una bandera de papel. Antimanual de sociología peruana.
2021

EVAMUSS & FRACTAL - ππriπ² (1997)

MUSIC TO LIVE BY :. HÜSKER DÜ - New Day Rising (SST, 1985)

Es quizá el disco del post-punk norteamericano al que secretamente llegan más flechas trazadas de todo el indie posterior.

Quizá "Zen Arcade" (1984) sea el trabajo favorito de la crítica (es un doble pionero que rompe y significa) y "Flip Your Wig" (1985), el preferido del trío de Minneapolis. Pero "New Day Rising", el disco que salió entre los otros dos, es el favorito de mucho fan y cumple mejor como disco explicativo -ves perfectamente de dónde venían y hacia dónde fueron-, y su nivel de canciones es tan completo que casi con solo unos retoques podría servir de greatest hits de su época pre-Warner. Retiene todo el capital del grupo.

Lo dicho podría miniaturizarse y aplicarse solo a "New Day Rising", la canción: un arranque del que se sale renovado. Es un mantra punk-pop que inutiliza cualquier desgañite emocore que se le ponga al lado: a Bob Mould y Grant Hart se les va la vida por la boca repitiendo unas cuarenta y ocho veces las tres palabras del título bajo una muralla de sonido que, como en el caso de The Jesus And Mary Chain, era la suya y no una cualquiera.

Una guitarra que parece como si a Roger McGuinn le hubiese prestado el equipo de unn speedmetalero, un bajo pulsátil y gomoso y una batería en la que el ride y un bombo abocinado se comen todo lo demás -todo bien apretado- arropan de forma deliciosamente disfuncional el pimpón creativo Mould vs. Hart. A "New Day Rising" solo hay que reprocharle que acabara pronto, un par de canciones antes del final.

La cara A del disco es memorable. Una muestra de vigor justo después de la maratón conceptual de "Zen Arcade". "Girl Who Lives On Heaven Hill", con Hart cantando al límite del paroxismo melódico; "I Apologize" y "Celebrated Summer", habituales en los setilists de Mould aún hoy día; las respectivas marañas "Folk Lore" e #If I Told You", reminiscentes de una época hardcore heterodoxa... También es el disco de "Terms Of Psychic Warfare" y de la inclasificable "Books About UFOs", una de las gemas pop má valiosas de Hart. El trío estaba en flor. Y, casi treinta años después, el álbum mantiene su poder de obra iniciática.

ABEL GONZÁLEZ
RDL 333 - Noviembre 2014

La mejor canción del 2014: ORCAS - Selah

10 años hace, tenía un programa de radio en la FM norteña, RADIO COMAS, éramos PERÚ METAMÚSICA y en nuestro primer top/ránking anual elegimos a esta cancionsasa de ORCAS, proyecto de Rafael Anton Irisarri y Benoît Pioulard, como la mejor del año. Jajajaja! 

Recuerdo q le conté a una amiga música q escuchar ese track me daba tanta paz y felicidad que ya solo quería morir casi como lo q ahora me comenta el man de CALEFACTOR a la pregunta q hice recién sobre q concierto ir: "pido ir a BOARDS OF CANADA y luego q me apliken eutanasia". Algo así te deja esta belleza de música... Qué locaso haberlo transmitido en mi programa y por la FM del norte de Lima -tmb por la web online-... 

Aaahhhh.... hemos chambeado y vivido.

MUSIC TO LIVE BY :. ANIMAL COLLECTIVE - Merriweather Post Pavillion (Domino, 2009)

Cincuenta años de música condensados en setenta minutos. El pop que no parece pop, moderno y clásico al mismo tiempo.

Tras firmar un álbum tan sobresaliente como "Strawberry Jam" (2007) y perder termporalmente a uno de sus cuatro miembros (Deakin), Animal Collective cambian su forma de trabajo, de la improvisación en el estudio a hacerlo por separado intercambiando bocetos y llegar finalmente a una puesta en común. Todo parece normal hasta que comienza a sonar el disco y un universo asombroso se abre ante nuestros oídos. No es nuevo ni han descubierto la piedra filosofal del pop, pero lo que ofrecen es cautivador, hipnótico, luminoso, crepitante. La magia de "Merriweather Post Pavillion" está en la deconstrucción de múltiples elementos de todo lo ya conocido, del alma de la alquimia pop de los Beach Boys al techno, de las percusiones africanas al minimalismo, del pop californiano al vacío espacial, de la psicodelia más ensoñadora a la electrónica más sutil, para crear algo diferente, un sonido que nace en el pop y viaja hasta el infinito, y que ha servido a otros (Tame Impala, Django Django, MGMT) como modelo a seguir años después.

El disco es como la portada, una ilusión. Si esta ofrece una falsa sensación de movimiento, el álbum hace la misma función, pero deslumbrando, más que engañando, al oyente. Como un truco de David Copperfield, te muestra algo que ya conoces como si fuera la primera vez que lo ves. En su poso, "Merriweather Post Pavillion" es pop, con estribillos y melodías, pero tan enrevesadas, difuminadas y complejas que te ofrecen un espejismo grandilocuente de su contenido. 

El otro gran acierto del trío es que aquí nada sobra, no hay un momento que ensombrezca o baje el nivel en los setenta minutos de contenido. Todo reluce con más o menos brillo, de las flotantes "Also Frightened" y "Bluish" a la más experimental "Daily Routine" o la rotunda y gigante "Summertime Clothes". Pero si hay que condensar todo ese contenido, las toneladas de imaginación, instrumentación salvaje, voces clonadas y capas y capas de sonido en una única canción, hemos de referirnos a "My Girls": el sol y las estrellas hechos música, una supernova pop en la que cincuenta años de música y estilos se funden en uno solo. Grande es poco.

JULIO A. CUENCA
RDL 333 - Noviembre 2014

JUEVES 19 en PUEBLO LIBRE: 2do aniversario del podcast "Conversas Radioactivas"

Mañana JUEVES 19 toco en el 2do aniversario del podcast CONVERSAS RADIOACTIVAS.

Organizado por MAO aka Mauricio, pueden aprovechar la pre-venta a 5 soles. Habrán nuevos exponentes de la movida, Mao tiene 19 años y ha invitado a gente de su generación para armarla y festejar su amor por la muziq. Qué chvere ser parte de ello.

La entrada en puerta estará: 10 soles.

Será en Zapata 119, PUEBLO LIBRE.

Ahí nos vidrios de 6 pm a 12:30 am.

¡Viva la avanzada peruana!

https://www.instagram.com/conversasradioactivas/?hl=en

MUSIC TO LIVE BY :. SLINT - Spiderland (Touch and Go, 1991)

1991. Era preinternet. Las leyendas se imprimían aún en bruma. "Spiderland" surge como obra de hardcore narcoléptico. Filme de suspense...

La portada de Will Oldham, el anuncio en busca de vocalista femenina, los ritmos abruptos, la masterclass de generar tensión, Albini y sus famosas ten fucking stars" en 'Melody Maker, el rumor de fallo nervioso, el aura de ansiedad y vampirismo de todo el disco...

Tras un par de reuniones y el documental definitivo de Lester Bangs  ("Breadcrumb Trail. The Story Of Slint", 2014) que muestra a la banda adolescente formada en escuelas experimentales, un aislado sentido del humor, una dieta de hardcore desde la más tierna edad y la mente maestra de Britt Walford, el misterio está resuelto.

Lo que queda por decir de esta imbatida piedra angular está en la  forma. La crítica lo resolvió con un par de adjetivos misteriosos: los  textos sugieren, pero no cuentan la revolución de "Spiderland".

La genialidad de esta obra breve y concisa está en la simbiosis entre forma y contenido. Tan perfecta como en el opus de Alfred  Hitchcock o de Samuel Becket. Musicalmente, es un desafío desnudo al establishment del rock: se pasan por el forro la dictadura del 4/4 y el 3/4 y se sumergen en estructuras de compás mucho más  complejas para cambiarlas a mitad de canción, ofreciendo un nuevo  plano de discurso. Por otro lado se adentran en una transformación  armónica. Si el punk había simplificado la herencia del rock primigenio a rabia y acordes mayores y menores, y el funk se empachaba de acordes en novena, ellos introducen un ingrediente esencial de la tensión: acordes en quintas disminuidas que pasan a aumentadas, ejecutados con estructuras de riffs tocados en armónicos en espiral a dos guitarras, quizá sin saber un pimiento de armonía. Y el tercer ingrediente: la desnudez y la lentitud de un caimán que en el último movimiento muerde. Todo ello, desde la simplicidad de guitarra, bajo. batería y voz, y la destilación de una década de punk y hardcore con Minutemen como faro.

Este disco supone la instrumentalización de la técnica para dibujar el contenido de un modo definitivo: el storytelling y la creación de un ambiente que lo contiene todo. Magma mercurial creado desde la más pura intuición e inconsciencia. 

RAMÓN AYALA
RDL 333 - Noviembre 2014

Este jueves 19 Diciembre, CODEC en Chorrillos

El próximo jueves 19/12 [ 6:30pm ] cerramos el año como se debe con un CODEC cargado de energía y queremos compartirlo de una forma muy especial □👾□ Esta vez tendremos como nueva sede el @cineolaya donde disfrutaremos al máximo de grandes artistas de audio y video de la escena nacional e internacional 📡

Además de la segunda edición de AV1 EXPO, con nuevas piezas de videoarte e instalaciones explorativas 📼

Además contaremos con una carta deliciosa a cargo de nuestros amigos de @cosmo._______ 🌭✨

Y la cerveza artesanal de lujo de @badbitchbrewing 🍻

🛸 No te lo puedes perder, te esperamos para celebrar juntos! 🦾🎶

En Audio 🎛 :

PREEMS [PE/US/CA]《 Nebleena 》

HYDROPLANE [PE/US]《 Nebleena 》@hydroplane_renz

BIOMECANICO [PE/CA]《 Nebleena 》@biomecanico_music

IAN DUCLOS [PE/PT] @ianduclos

CALEFACTOR @calefactor_111

HABØ @habo.under

RA @ra_music_peru

En Video 📽️:

MAD DAMON @mad.damon

RAFA PEREYRA @rafael_pereyra_d

DANIELA CUENCA @dnicuenca

BIFURCACIÓN @bifurcacion

AV1 EXPO 📺:

OMAR LAVALLE @omar_lavalle_

KATOSHI @katoshisdream

FRAGMATISTA [PE/US] @giselleangeles.s

ROCÍO ROJAS @rociorojas_t

SUBCUTÁNEO @subcutaneo_

Gráfica:

Yerko Zlatar @yerkozlatar

Playlist musical entre conciertos:

Cretásico @_cretasico_

Lugar: Cine Olaya Av. José Olaya 645, Chorrillos.

Pre-venta [sólo hasta 18/12]: s/.40

Vía Joinnus [Link]

Puerta: s/.50

Nos vemos! 🤖

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