BARDO POND ANUNCIA NUEVA EDICIÓN DE 'SET AND SETTING'

EDICIÓN REMASTERIZADA EN VINILO MORADO LLEGA EL 25 DE OCTUBRE   JUNTO CON UN NUEVO RECOPILATORIO 2XLP DE RAREZAS Y TOMAS DESCARTADAS MELT AWAY Tras la reedición en 2021 del monolítico debut de Bardo Pond en el sello Matador, Amanita, tenemos el placer de anunciar una muy esperada reedición del hito psicodélico del grupo de Filadelfia, Set And Setting (1999). Previsto pata el 25 de octubre, el álbum ha sido completamente remasterizado y vuelve prensado en vinilo púrpura. Haz tu pedido AQUÍ y mira un video inédito de la canción "This Time (So Fucked)" AQUÍ.   Set and Setting irá acompañado de un nuevo doble LP recopilatorio, Melt Away, que recoge rarezas y descartes de finales de los 90 de un momento creativo álgido en la carrera de la banda y que por primera vez se edita en vinilo. De ellas, la más destacada del álbum, "The Trail," grabada originalmente para el recopilatorio What's Up Matador de 1997, se disuelve seis minutos en un momento. Parpadea una vez y te lo perderás. Parpadea dos veces y puede que el fondo de pantalla empiece a moverse. Reserva Melt Away AQUÍ.   Las canciones de los dos primeros lanzamientos de Bardo Pond para Matador — Amanita y Lapsed— se elaboraron en gran parte en casa y luego se grabaron a contrarreloj en un estudio profesional. En Set and Setting, la banda decidió trabajar desde su casa, Lemur House, y el resultado final se benefició de la flexibilidad del DIY abierto. "Era más cercano al corazón de lo que hacemos," dice el guitarrista Michael Gibbons. "Hubo más improvisación, pero también más selección de material. Teníamos más tiempo para encontrar cosas que nos llamaban la atención, ir a sitios a los que normalmente no iríamos, hacer trabajo de investigación. Creo que hubo un cambio. De alguna manera es una experiencia más auténtica de Bardo Pond."

TRACKLIST   Set and Setting 1. Walking Stick Man 2. This Time (So Fucked) 3. Datura 4. Again 5. Lull * 6. Cross Current 7. Crawl Away 8. #3   Melt Away 01. Olive Skin 02. Tapir Dub 03. Son Of Dispersion 04. Anadamide (Complete) 05. Shadow Puppet 06. The Division Of Nature 07. The Trail 08. Long Ride 09. Despite The Roar 10. Highlands   * sólo digital

ARCA Y TOKISCHA LANZAN “CHAMA”

 

El tan esperado y anunciado single llega oficialmente hoy con un video musical protagonizado por Arca y Tokischa, dirigido por STILLZ.

El pasado mes de noviembre aparecieron en internet unas fotos de Arca y Tokischa en los estudios Electric Lady que recibieron el aplauso entusiasta de los fans. Desde entonces, se les ha visto juntas paseando en carruaje por Times Square, entre bastidores en el Festival Ceremonia de Ciudad de México, en el escenario con Madonna y presentando juntas el single en el Festival LadyLand de Nueva York. En mayo, Tokischa interpretó el single en algunos de sus conciertos en Estados Unidos y Arca estrenó el tema en sus sesiones de DJ, la última vez en su sesión de Boiler Room en Barcelona. 

Arca en “Chama”: 

“esta va pa todas las muñecas las reinas y las brujitas buenas ,

si brillo yo es para nosotras 

ánimo a todas mis mariposas en defender la suavidad

la ternura la magia y la dulzura en un mundo lleno de dureza

brillen sin miedo, chamas

 

yo adentro de ti

tú adentro de mi”

  

“This one’s for all the dolls, the queens, and the good little witches, 

if I shine, it’s for us. 

 

Courage to all my butterflies in defending softness, 

tenderness, magic, and sweetness in a world full of hardness. 

Shine without fear, chamas. 

 

yo adentro de ti

tú adentro de mi.”

El capitalismo oligopólico-mercantilista neoliberal

Treinta años después, los peruanos se sienten en el ordinario de sus vidas maltratados a la vez por el Estado y por el mercado. Han pasado  treinta años y la ciudadanía ha vivido la experiencia de la profusión de abusos que genera el mercado.

A pesar de lo que propugnó la ideología neoliberal, el neoliberalismo no "liberó" el mercado del Estado. Ni en el Perú ni en otras partes del mundo. Tampoco intentó hacerlo. Fue, por el contrario, una nueva regulación estatal del capitalismo que dio forma a distintas modalidades de captura del Estado, a nuevos modos de gobernanza administrativa, que estimuló la creación de grandes oligopolios en detrimento de la competencia económica. De ahí la denominación propuesta para caracterizar al neoliberalismo a la peruana que es tanto un capitalismo oligopólico como un mercantilismo neoliberal.

Lo que hubo de nuevo a nivel de la regulación económica (el respeto de los contratos, la disciplina macroeconómica) debe entenderse en  lazo con lo viejo: tradiciones arraigadas de patrimonialismo, concesiones y prebendas desde lo público, diversos corporativismos empresariales. Aunque tuvieron un papel menos central que en el caso chileno, los fondos de pensión también jugaron un papel importante en la renovación de esta nueva versión del capitalismo rentista.

Esta es la versión mainstream realmente existente del capitalismo en el Perú desde hace treinta años, a veces simplemente denominada como el "modelo". Más allá de las retóricas ideológicas, en los hechos, el neoliberalismo no se opuso al mercantilismo. El  neoliberalismo (desde su implementación en la década de 1990 y sin desmayo desde entonces) define diversas estrategias de captura del Estado por parte y en beneficio de grandes grupos económicos. Con un bemol: en el carácter mercantilista de esta variante del capitalismo no solo juegan los grandes grupos económicos formales, sino que también lo hacen varios actores informales e incluso ilegales. Varios de estos disfuncionamientos económicos son denominados o percibidos como corrupción por la opinión pública.

El neoliberalismo denunció, hace treinta años, primero a través de la candidatura de Vargas Llosa y el FREDEMO en 1990, luego en los primeros años del gobierno de Fujimori, la ineficiencia del Estado como el principal escollo para el desarrollo del país y prometió la resolución de los males de la sociedad gracias a la eficiencia del mercado. Treinta años después, los peruanos se sienten en el ordinario de sus vidas maltratados a la vez por el Estado y por el mercado...

La utopía del capitalismo competitivo

Esta perspectiva puede parecer algo bastante menor e incluso llegar a pasar desapercibida, pero el mercantilismo presente en el capitalismo neoliberal es sistemática y durablemente cuestionado por un conjunto de actores que, adhiriendo explícitamente al capitalismo, cuestionan sus derivas oligopólicas anticompetitivas. En varios aspectos, esta otra perspectiva del capitalismo busca resucitar o retornar al celo de lo que caracteriza como el espíritu reformista originario del proyecto neoliberal a inicios de la década de 1990.

La principal estrategia económica reposa en este caso en la capacidad de atraer y promover nuevas inversiones de capital privado nacional e internacional. Pero, para ello, a diferencia de la perspectiva anterior y con el fin de corregir las derivas mercantilistas, se promueve una agenda de reformas denominadas de "segunda generación". Este sería el meollo y el necesario horizonte del nuevo combate: fortalecer las instituciones como Indecopi y los organismos reguladores, Promperú, Proinversión, mantener la independencia y la eficiencia del BCR, la Sunat, el MEF, la SBS (Superintendencia de Banca, Seguros y AFP).

El diagnóstico crítico se centra en el estancamiento del espíritu reformista, del cual habrían adolecido todos los gobiernos desde el 2001 e incluso el segundo gobierno de Fujimori. Si se reconocen  variantes en las gestiones gubernamentales desde esa fecha, todas  ellas (incluido, por ende, el segundo gobierno de García), terminan in fine siendo cuestionadas por su poco o nulo celo reformador.

El reformismo capitalista avanzado por esta perspectiva supone un conjunto de medidas de claro corte tecnocrático, varias veces en sintonía con las proposiciones económicas mainstream de ciertos organismos internacionales. Las distorsiones propiamente nacionales de la economía de mercado, o las asimetrías de poder a nivel internacional, son relativamente desestimadas o poco ahondadas, y los fenómenos económicos tienden a ser analizados privilegiando como horizonte normativo una serie de indicadores de benchmarking internacional. Es desde este marco de análisis que se estructuran las principales críticas contra los oligopolios, las rentas económicas generadas por el propio Estado, la inercia de la cultura mercantilista o patrimonialista, la fuerza de la evasión y elusión fiscal, etc. El recetario de un capitalismo "auténticamente" competitivo opera como la llave maestra de resolución de todos estos problemas.

Hay una innegable dimensión utópica en esta perspectiva del  capitalismo: lograr una sociedad realmente regida por la competencia y la eficiencia del mercado. El término "realmente" resume  curiosamente la vocación crítica y el horizonte utópico de esta propuesta de capitalismo.

Sin embargo, en los hechos, lo que fue en el pasado un efectivo  aunque desproporcionado discurso antiestatal en las décadas de 1980-1990, pena hoy en día en seducir al electorado. Han pasado treinta años y la ciudadanía ha vivido la experiencia de la profusión de abusos que genera el mercado. La proposición según la cual los males del país se deben principal o únicamente a la deriva mercantilista del neoliberalismo pena en convencer a la ciudadanía, tanto más que varios de los actores que promueven un capitalismo competitivo tienen sólidos vínculos con los grupos mercantilistas. A lo que se añade la trágica toma de consciencia generada por la pandemia: el sector privado no puede hacerse cargo de las grandes funciones del Estado. La privatización de los servicios sociales tiene límites.

DANILO MARTUCCELLI
El Otro Desborde
2024

Reseña: NALA SINEPHRO - Endlessness (Warp, 2024)

45 minutos de ambient jazz para confortar nuestra psique. Una medicina de medio tiempo para desvanecer.

A menudo me he llevado decepciones de las novedades de Warp así como de ese otro reputado sello, 4AD, imposible olvidar tropezones melómanos como Battles o The National. Si bien los tiempos al uso no son aquellos en los que forjaron su gloria, de tanto en tanto no dejan de publicar supremos documentos. 

Nala Sinephro de 28 años, criada en las afueras de Bruselas por una madre belga y un padre con raíces en Martinica y Guadalupe, cuyo segundo opus ha acariciado nuestro ser hoy, es culpable de una alucinante y divinal aleación de jazz y electrónica cósmica. Aquella por la que muchos pagarían el oro y el moro por presenciar. Música y sonidos ideales para meterte un sampedro en una casa de campo o en la playa y dedicarte a flotar, divagar, ser y salir de este mundo cartesiano de m. Ya mucho ya.

En los tracks de este "Endlessness", significativamente intitulados "Continuum 1, 2,...", la capa congrega invitados que aportan a su sonido, psicodélico ciertamente, venas jazzísticas recurriendo a vientos, cuerdas y ritmos. Algunos de estos músicos son Sheila Maurice-Grey de Kokoroko en trompeta, Natcyet Wakili (percusiones), Nubya Garcia y James Mollison de Ezra Collective (saxofones) y Morgan Simpson de Black Midi en la teba. A todo Nala lo cubre de arpegios con su modular, produciendo un álbum de florituras y juegos jazzy ambientales. Una "infinitud" que funcionará perfecto como bucle para sanarte al estilo de la new age de moda pero también como prueba de que hasta la música y sonidos melodiosos y poppys, sin transgresiones ni ruidismos, puede llevarte al nirvana. 

Superior en mi opinión, y por lejos, al cacareado "Promises" (Luaka Bop, 2021) de Floating Points, The London Symphony Orchestra y Pharoah Sanders. Nunca le creas al marketing.

Wilder Gonzales Agreda.

GENOCIDA, CORRUPTO Y VENDEPATRIA :. el fin del japonés rata

Murió el dueño del circo, el caficho del lenocinio, pero quedan sus payasos y put1t4$.

POR LA PLATA BAILA EL MONO.

Como dicen por ahí ahora falta que lo nombren "Héroe Nacional" y le hagan una avenida, busto etc. Por eso y desde hace tiempo uno es en medio de esta podre de felipillos, mafias y 4ses1n0s un verdadero T3rr0r1sta cultural. 

Y lo digo con orgullo, no por gusto mis viejitos se sacaron el ancho para darme educación y valores, no para ponerme en 4 ante el primer Hinostroza, criollón etc.... 

Larga vida a los Túpac Amarus, a los que nunca se vendieron a los que son un agujero negro o lunar en medio de esta suciedad.

A seguir.

Y ahora, ¿quién es un político? César Acuña. Alucina ese desnivel cultural, ese desnivel del ambiente.

Y eso comenzó con el huevón de Fujimori, la televisión basura y todo eso. Por más que digan que, por un lado, se ha democratizado el acceso de la tecnología y todo eso pero también han vendido cebo de culebra.

Wilder Gonzales Agreda y el despertar de la vanguardia musical – RADIO VESÁNICO (radiovesanico.com)

Hacia mediados de los 90 Perú era una sociedad libre del terrorismo senderista pero gobernada por la corrupta dictadura de Alberto Fujimori, el Pinochet peruano alias “Chinochet”. Mientras iniciaba el reino del neoliberalismo y de la llamada “República empresarial” unos cuantos jóvenes inquietos encontraron en los sonidos su principal vía de escape: a pesar de la apabullante presencia de géneros como el hardcore punk, el dark wave o el grunge para no hablar del folklore y las cadencias afrocaribeñas existió un puñado de creadores que apostó por cultivar músicas frescas y transgresoras en un medio que decididamente no estaba preparado para ello.

Vanguardia Peruana & Sonidos Contemporáneos: Crisálida Sónica: La escena peruana del shoegaze que se adelantó al mañana (peruavantgarde.blogspot.com)

Caos

dos miles

caos

ochentas

caos

noventas

utopías

caos

pandemias

caos

mentiras

corrupción

muertes

ideales

utopía

mentiras

caos

pestes

violaciones

billetes

vendidos

arribistas

ideales

vendidos

corruptos

caos

pandemia

ochentas

dos miles

"Mis condolencias y admiración para las víctimas a quienes nunca pidió perdón, ni pagó reparación civil y sobretodo, nunca dejo tranquilas pues durante 13 años, se la pasó pidiendo indultos" (Karen Bernedo)

.

ni olvido del terror d estado, ni de la impunidad de los torturadores

LA CANTUTA EL ARTE DE LA PERSISTENCIA (2022)

Documental liberado para hacer memoria sobre los artistas que alzaron la voz contra la dictadura fujimorista

Sinopsis:

La desaparición de 9 estudiantes y un profesor universitario en 1992 conocido como el caso Cantuta ha sido representado y acompañado por trabajadores del arte y la cultura desde hace 30 años. Este documental explora los procesos de las y los artistas-ciudadana(o)s de diversas generaciones que han articulado respuestas de indignación, denuncia, solidaridad y reflexión desde la producción simbólica y cultural. 

"Tío, no podemos salir de aquí. El dueño nos ha encerrado con candado. Tío, el humo ya está entrando. Tío, ya se me acaba el aire, ya se me acaban las esperanzas, ya se me acaba la batería. Llegaron incluso a mandar un video del indecible horror que vivían atrapados allí dentro, como animales. Tío, el fuego está viniendo. Tírate al suelo, hijito. El humo siempre sube, pegado al piso vas a poder respirar. Orina tu polo y póntelo en la nariz. Así vas a poder respirar. El tío César trataba de sacar fuerzas de dónde no había para darle ánimos al niño engreído de la casa en su horrorosa agonía. La abuela y él corrían de un lado al otro, le suplicaban a los periodistas, a la policía, a los bomberos. Un helicóptero, por piedad, un helicóptero. En un efímero rapto de esperanza, les pidieron que ayudaran a dar con su ubicación exacta. Saca tu mano, hijito. Busca una rendija. Danos una señal. DJ Jovi agitó con desesperación su casaca verde mientras Luisito lograba sacar su brazo flaquísimo hacia ese mundo exterior al que ya no regresaría, blandiendo uno de esos malditos tubos fluorescentes falsificados como si fuera la estúpida bandera de un país desalmado y asesino. El dron de la Municipalidad de Lima captó, nítida, la imagen de aquel brazo de niño que moría. El helicóptero nunca llegó. Los bomberos nada pudieron hacer. El fuego terminó por devorarlo todo. A las cuatro y media de la tarde ingresó al celular del tío César la que sería la última llamada de Yovi. Tosiendo y llorando. Llorando y tosiendo: Dile a mi mamá que no llore. Ya fue ya. Cuida a mi hija. Dile que la quiero. Ya fue todo. Ya fue. Ya fue"

JAMES PUEBLO.

Rojo profundo: Memoria de la corrupción del gobierno de Fujimori

La rareza de este mundo

Todo lo que pasa parece normal porque ya nadie recuerda lo que es normal - EL ROTO

Hace unos años comenté sobre la tragedia que me parecía el facto de ver a mis vecinos, ciudadanos del conurbano norteño, levantarse a trajinar cada mañana a conseguir el sustento y trabajar mientras otros como los hijos de Caballo Loco o Fujimoris sin ser nada y sin mover un dedo tenían la vida asegurada y por generaciones. A esto hemos de sumarle el bombardeo diario y 24/7 de inmundicia cultural. Un panorama desolado y lobotómico. ¿Soñar con el futuro? Nada, trabajar y conseguir billete es lo "real", lo que dicta la normalidad. Sino te vas al estercolero de la sociedad y como tal se te considera. Hinostrozas, mafiosos y proxenetas son los nuevos héroes y modelos a seguir, aún así caigan en desgracia. 

Dicen que somos una energía modeladora del planeta, el antropoceno, ello bien podría justificar desastres (no solo) climáticos y contaminaciones producto del extractivismo neoliberal, al final todo termina siendo parte de la deriva cósmica y, por lo mismo, natural. Si esto es así y, vaya que lo es, propongo que agilicemos el desastre, alimentemos el colapso y produzcamos un neo Big Bang que liquide, explote y nos elimine como el error en que hemos devenido desde que al primer coxudo se le ocurrió pensar. Quizás estamos yendo ya hacia ello.

La idea de una cultura, como la actual, donde conviven tecnología, puerilidades, consumismo y explotación en una suerte de olla a presión preparando una frejolada algorítmica que luego será embutida por millones de individuos se nos hace tan clara y eficaz como los fuertes pedos que propalamos y magnifican a toda hora los órganos del sistema. En la aldea global lo social afecta tanto al iconoclasta como al alienado. ¿Darle la vuelta? El feedback, la retroalimentación, la contestación depende de ti.

Pure Impure. Sé tu propio tótem.

wildergonzalesagreda · Puro vuelo

MUSIC TO LIVE BY :. DIOSMEHAVIOLADO - Di-Versiones 95-97 (Aloardi, 1998)

Empezaba el 95 cuando Christian Galarreta dio el paso lógico: dejó de pensar la música que tenía en la cabeza -un licuado de lovesliescrushing, Autechre, Silvania, Seefeel, Lycia y My Bloody Valentine- y empezó a hacerla. Junto a tres compinches -la baterista Gema, Aldo Castillejos y Fabián Escalante (a) Trevián 1- forma Dios Me Ha Violado, que sobrevivió hasta mediados del 97 como unipersonal de Christian y editó post-mortem una cinta (Di-Versiones, 1998) que recopila material del período 95-97.

La equivalencia "estudio de grabación = laboratorio" no ha encontrado mejor lugar para su aplicación que este tape. Los tópicos albergados en el primer lado dejan el sabor inconfundible de un post-rock de tintes cósmicos (Rojo I) y alucinógenos (Autodestruxión), además de un muy particular low-fi (Pálida y Brillante) captado en otra dimensión y una marcianada "melódica" tan inasible como las anteriores (Entre Tus Piernas). En el segundo lado, Aquarius explota la veta más "aérea" del post-rock y M.V.D. exhibe un notable despliegue de talento para usar la amplia gama de posibilidades que promete el teclado.

Las verdaderas sorpresas, empero, se dan con los trípticos que cierran cada cara. Algodonada, en la 1, tiene tres movimientos de desconcertante rítmica nerviosa acoplada a un nutrido detallismo cuasi etéreo. Xuola, en la 2, se inscribe más en el hábitat de la música concreta: sus dos últimos segmentos (Entretour Sudormix I y Gemelaxia), a través de esquizoides ataques electrónicos a tu materia gris, rememoran a Labradford o al maestro Stockhausen. No sería descabellado, también, comparar Xuola con lo hecho por los locales Error Genético o Pychulator (o el más reciente engendro, Maximum Terrorem, cuyo demo ya cayó en mis manos) en el inquietante compilatorio Infamia (1997).

Luego de la disolución, Galarreta dió el siguiente paso: Evamuss.

HÁKIM DE MERV
Extraído de la revista Sub # 4 (1999)  

MUSIC TO LIVE BY :. AVALONIA - Rarezas: Frutas del país de las manzanas (Superspace Records, 2011)

Obra primogénita y resumen epítome de lo que fue la escena experimental – etérea en el Cono Norte de Lima durante los 90.

por REVORDRIFT/.

Corrían los años 90´s en Lima cuando la aptitud primigenia y el entusiasmo por la música se apoderó de las mentes de Wilder Gonzales Agreda y Fernando Ponce para crear estos 9 temas que conforman esta entrega – debut. Un solo concierto grabado y unas sesiones de radio configuran el material de este compilado recién publicado en Octubre de 2011, pero gestado alla por los años 1996-1997.

El ruido etéreo , casi artesanal de Avalonia, emulando a bandas de la escena europea de esos años, abraza las fronteras del shoegaze mas experimental, el post rock y ruidismo. Así como se dejan notar ciertos atisbos hacia lo espacial, también se aprecian flagrantes guiños a sonidos indígenas y a gamas pre coloniales como es de notar en el tema Cosmogénesis pt.1. Esto dota de exotismo a la grabación, esa fusión de atmósferas elementales, disimiles , que como civilizaciones opuestas y fundidas plasman en la composición, generando eclécticas texturas que concretan la originalidad del producto final.

Como se ha dicho antes se trata del disco debut para ambos creadores peruanos, la mayoría de los temas son grabados en vivo y los otros son sesiones de radio. Aunque el resultado final carece de gran nitidez en el sonido, se trata de un acto lo-fi (baja fidelidad) y por eso, el derroche de creatividad yace en la inventiva y en una notable pericia en su producción. Un sugestivo artilugio, el que utiliza este DIY (Do it Yourself - Hazlo tú mismo) tan extraño y a su vez puro, naif… propiciando recónditos paisajes de enajenante hipnotismo. La influencia de FLYING SAUCER ATTACK, SILVANIA , y hasta CRANES, es insoslayable aunque si algo tienen estas Rarezas es una considerable dosis de originalidad y buenas intenciones. Sin duda que el producto final genera más de una sombra y tiniebla por su alto poder sugestivo.

Y todo en Avalonia es prístino, joven; un loable estreno quizás novato e inexperto pero valiente y sin complejos. Obra primogénita y resumen epítome de lo que fue la escena experimental – etérea en el cono norte de lima durante los 90´s.

Cada tema es un mundo de abstracto enajenamiento; sonidos efectados que se prolongan en el infinito sumado a las vocalizaciones surreales que Wilder G. se encarga de introducir.

SICKhttps://t.co/wQw0LakI8e

— INZANE JOHNNY (@olsonpower) August 29, 2024

A continuación un breve sumario sobre cada canción:

-Once dreamt : Cascadas sónicas, ecos de pulsativa tensión, el delay de guitarra en su dimensión más crítica. Los casi 2 minutos de este tema introductorio son un compacto resumen de lo que se encuentra en esta caja mágica llamada Avalonia .

-Gyral (live): experimentación ambiental de diversas atmósferas (tanto de guitarra como de teclado) en constante movimiento. La voz en la última parte del track genera espeluznantes estados de misticidad y demencial placidez.

-Avalonia : el uso minimalista de la guitarra exalta la repetición mientras la voz hipnótica y andrógina tal como se hacía en el shoegaze británico, se transfigura en una locución de gemidos y susurros producidos por W. G. A llegando a construir rincones oscuros de óbito y desolación. Una invocación a los pasillos lúgubres en el hades de Gonzales y Ponce.

-Suave Amanecer : Rasgueos de guitarra en el fondo, un riff en constante eco y la voz que alcanza su mejor estado en este tema al gozar de mayor claridad y potencia . Excelente amalgama de invocaciones sonoras de inusitada belleza, para un tema ideado por Fernando Ponce.

Veras ninfas y arcángeles/ bosques … /globos/ de nieve miel/

Desde luego se trata de la canción más accesible y la más representativa quizás de todo el compilado.

-Cosmogénesis pt.1 : Extraños lugares neo -indígenas o extraterrestres , la quena parece tocada por un chaman en plena guía durante un viaje psicodélico. Es el núcleo de estas Rarezas al sintetizar la predilección por los sonidos mas perennes y alienígenas como invocando la salida presurosa del planeta hacia el cosmos. La guitarra que entra sobre el final se acopla con los ambientes aborígenes dotándolos de especial candor.

-Cosmogénesis pt. II : Aquí las vocalizaciones colindan entre el ruidismo sine qua non y lo experimental . Los sonidos emanados de la guitarra entremezclados con el ambiente generado por el teclado flotan en una composición invertebrada. Todos los instrumentos utilizándose con pocas variaciones como aferrándose al minimalismo mas pertinaz.

-¡Oh Dios! (radio session) : Susurros y aullidos acompañados por golpes de ruido focalizado en sorprender al oyente con su bizarra osadía sonora.

-Niña Flor : Melodía rítmica cuya estructura instrumental sugiere candorosos estados . En este track la voz se adorna de una sutil sensualidad basada en timbres agudos.

A tu color / dulce flor / estoy yendo Dentro de ti / secreciones y néctar Oh Niña Flor Mi suave y cálida flor Mi suave y húmeda flor Ah, ah, ah ...

-Gyral (radio session): esta tema nos ubica nuevamente en una ambiental travesía hacia el cosmos , 3 .36 minutos que combinan neutrales punteos de guitarra y una voz fantasmagórica cuya misión pareciera ser la de invocar espíritus relegados a esotéricos trances.

Por supuesto, no esperar fácil asimilación o inmediatez en Avalonia, este acto requiere una arriesgada y avanzada predisposición hacia los sonidos más extraños y asimétricos. Se trata del comienzo de la carrera musical de estos dos arriesgados exploradores del sonido, y deja verse la inclinación hacia la vanguardia y la transgresión sonora.

VERDE MIEL HELADA :. 30 años del "Paisaje III" de SILVANIA

Pocas o ninguna palabra haría justicia para describir el vendaval de sensaciones que arrecian al escuchar el segundo álbum de nuestros paisanos SILVANIA o, peor aún, al recordar la primera vez que lo audicionaste/viste. Como ya se ha mencionado en este blog, los 90 fueron alucigeniales, y 1994 no fue la excepción. 

Silvania venían de realizar un discaso con "En Cielo de Océano" (1993), un disco que parecía insuperable, y que los ponía a la avanzada de su generación, la del rock subte limeño y el pre-indie español. Acicateados por las movidas de gente como Chapterhouse, Slowdive y hasta My Bloody Valentine que coqueteaban con la electrónica y mutaban de sonido, en algunos casos radicalmente, Mario y Cocó tornan hacia el ambient pop sin dejar por ello la cualidad etérea que les fluía cual dorada savia. 

Cada pieza del álbum, además de preciosista, juega con la abstracción llevándola a un culmen de placer sensorial inigualable más aún cuando va decorado de sus angelicales voces y ritmos andinos: cf. "Mar Amar". Desde el despegue con "Niño Unicornio" entramos a "otro mundo en el mundo", plenos de bajos dub, teclados planeadores y arcoiris ultraterrenales. "Eva sobre Eva", explícita a más no poder, nos hunde, cual será el carácter del disco, en Eros poetizado. El viaje aportará números cerebrales como "Raymi I", una interpretación de música andina para el neo milenio y "Movimiento", textural ambient enigmático entre delfines en el mar. El epítome es alcanzado, en mi opinión, con "Nudo del cielo y delfín" una cartografía etérea, la mejor canción del post-rock peruano, donde conocemos a un Cocó Revilla en el cielo administrando sonoridades y efluvios cual arcángel inserido de orfebrería y detallismo. Durutti Column, los Belkings, Slowdive, Brian Eno y Harold Budd son convocados junto a Oswaldo Reynoso y Rodolfo Hinostroza, Vallejo y Heraud para producir la canción definitiva del siglo XX latinoamericano. 

"Acuarelas, Spirales y Elefantes", nítida alusión al fanzine Spiral y al sello que los acogió, es otra preclara toma de ambient pop en la que Mario Silvania planea alto y las guitarras suenan más Cocteau Twins que nunca. Pudo formar parte del "Euphoria" de Insides. ¿Se han percatado del tremendo bagaje que concurre para la consecución de estas bellezas? ¡Mama mia! "Hélice" te partirá el corazón y reseteará tu mente. Melancolía y soma sinusoidal. Finalmente con "Mar Amar" terminarás este viaje santificado y sacramentado, sacrificado en el ara del ethereal avant pop. Sí compadres, los 90 fue lo mejor que le pasó a la Historia de la Música. Lo firmo. 

"Paisaje III" es el tipo de fenómenos que pemiten guardar fé en la Humanidad y, sobre todo, en los neo adolescentes que pueden salir al mundo y regocijarse en estas hondonadas y galaxias, a pesar de la puerilización y envilecimiento cultural que ataca por todos los poros y desde la cuna. ¿Argollas, fascismos y cojudeces? ¡Mar Amar!  ¿Amar? ¡¡Al mar!!

Wilder Gonzales Agreda

MÁS ALLÁ DE LAS MOSCAS DEL MERCADO XII: En la vanguardia desde siempre

Cada cierto tiempo recibo comentarios, principalmente en la página de facebook del blog, de gente que me critica por, dicen, seguir estancado en refritos y temas por el estilo. Asumo y se los hago ver, que no visitan mi blog o que llegan a mis posts cada vez que sucede alguno hecho tendencia. 

Desde hace años llevo la labor con PERÚ AVANTGARDE, y ya en su nacimiento el 2004, me movía difundir no solo la música que hicimos y escuchábamos en los 90 sino también los descubrimientos, los nuevos cadetes espaciales, las joyas de estreno. Por lo visto, esto no suele redundar en comentarios ni visitantes, que sí hay cuando se realizan posts sobre grupos estandarte y tótems de la movida. Es más, cada año me tomo el trabajaso de realizar el ranking anual, llegando a compilar hasta 50 discos anuales de lo mejor en los ámbitos de la creación rupturista, etérea y sónica del Perú y el resto del mundo. ¡Cada puto año desde el 2008!

Es por ello, mi asombro a la aparición de estos compadres que repiten cual muletilla el tal sambenito. La ignorancia es atrevida dicen. Sin más bla bla bla, con ustedes una neo entrega de la serie de posts que llamé "MÁS ALLÁ DE LAS MOSCAS DEL MERCADO". 

JON HOPKINS - Ritual (Domino)

RITUAL es una epopeya ceremonial de 41 minutos de duración que se desarrolla a lo largo de ocho capítulos y es, por momentos, devocional, fortalecedora y nutritiva. RITUAL, que cuenta con la colaboración de Vylana, 7RAYS, Ishq, Clark, Emma Smith, Daisy Vatalaro y Cherif Hashizume, se creó en la segunda mitad de 2023, pero las semillas iniciales se sembraron en 2022, cuando Hopkins recibió el encargo de componer para la experiencia inmersiva Dreamachine creada por Collective Act, en colaboración con un equipo de artistas, científicos y filósofos. Hopkins se inspiró en el sentimiento de intención inherente al espacio Dreamachine para crear RITUAL.

RITUAL es a la vez emocional y sonoramente pesado, al mismo tiempo que conserva una cálida sensación de en vivo, donde la yuxtaposición entre suavidad e intensidad forma el núcleo del conjunto. Tras haber estrenado el álbum en eventos especiales de escucha en el festival de Glastonbury y en el ICA de Londres, se han añadido más fechas para experimentar la escucha ininterrumpida: adivinación sónica de la forma más potente.

SEEFEEL - Everything Squared (Warp)

Seefeel retorna con un disco que los acerca a una fase circa "Ch-Vox" en donde dan rienda suelta al aislacionismo y locuras que tenían guardados durante estos trece años. Se trata de un disco de difícil ingestión, donde las vocales de Sarah Peacock lucen cada vez más como sirenas hipnóticas buscando sus Butes, un EP que lentamente irá surtiendo efecto en tu psyche. Una joya duermevela anti aceleracionista para los tiempos al uso, donde todo debe ser rápido y marketeable. Seefeel, cual es su altura, marcan el camino y se adelantan. 

"Después de reediciones aclamadas por la crítica de su material de mediados de los 90, SeeFeel regresa con su primera música nueva desde 2011.

Todo al cuadrado es un mini-álbum de 6 pistas que presenta una evolución contemporánea de su sonido de marca registrada. Principalmente compuesto e interpretado por el dúo central de Mark Clifford y Sarah Peacock, con bajo en dos pistas de Shigeru Ishihara."

RROSE & POLYGONIA - Dermatology

En 2022, Rrose se puso en contacto con Polygonia (también conocida como la DJ y productora en ascenso Lindsey Wang) para proponerle una colaboración después de notar que sus pistas se habían convertido en la columna vertebral de sus sets de DJ. Nunca habían adoptado este enfoque antes, pero percibieron una conexión musical que se confirmó cuando Polygonia respondió diciéndoles que su obsesión con el techno se había provocado después de ver a Rrose actuar en un festival de 2018. La revelación inició un ida y vuelta que resultó en 'Dermatology', seis pistas colaborativas que el dúo usa para explorar su interés compartido en "formas sónicas que se asemejan a formas naturales y evocan sentimientos táctiles". Es techno, pero el tipo de equipo psicoacústico pegajoso que ambos artistas han estado afinando durante los últimos años: minimalista en espíritu pero caleidoscópico, rebosante del tipo de juegos sónicos que rascan las sinapsis y que normalmente solo se encuentran enterrados entre líneas de bajo ondulantes en el psy trance. BOOMKAT

SCORN - Logghi Barogghi (Earache, 1996)

Este álbum fue la última grabación que Mick hizo con alguna conexión con Earache. El álbum en sí fue producido y "comercializado" por Earache Records, pero lanzado por el propio sello de Mick, Scorn Recordings. Logghi Barhogghi es solo el segundo álbum de Scorn después de la partida de Nik Bullen, y todavía suena un poco despojado e inestable, al igual que su predecesor, Gyral. Aunque, a diferencia de Gyral, LB es mucho más directo y fue una señal definitiva de lo que vendría con Scorn a partir de este punto. El nombre Logghi Barhogghi surgió cuando Mick Harris escuchó a un turista estadounidense tratando de pronunciar la ciudad Loughborough; ¡eso es jodidamente exagerado!

De principio a fin, LB es un asunto despojado de percusión estridente y ritmos pesados. Los sintetizadores melancólicos y las atmósferas inusuales se mantienen en un segundo plano. ¡LB se trata del ritmo! En las primeras escuchas, me costó un poco acostumbrarme. Pensé que este era un álbum de remixes o algún tipo de proyecto experimental derivado, pero este es un álbum de Scorn completamente canónico, a pesar de su enfoque muy básico. Algunas pistas son aplastantes; percusión pesada programada que se repite una y otra vez hasta que tu cerebro simplemente no puede soportarlo más, otras canciones son un poco más relajadas; algunas incluso apenas audibles, con solo una línea de bajo ronroneante y un ritmo tictac. De vez en cuando aparecen las líneas de bajo más fuertes que tu barro, que son aterradoramente anteriores a todo este material de dubstep por más de una década. Eso es jodidamente increíble.

Sin embargo, diré que los ritmos básicos hacen que este disco sea una gran compra para que los raperos practiquen / hagan estilo libre / escriban melodías. Sin embargo, para la mayoría de la gente, este álbum de Scorn definitivamente seguirá siendo una escucha desafiante y, lamentablemente, lo más probable es que siga siendo desconocido para las masas enconadas. Pero, a pesar de su incomodidad, LB está tan adelantado a su tiempo que es literalmente aterrador. - rateyourmusic

ÁRBOL - Siempre

Lo nuevo del artista sonoro peruano, profundo, enigmático y soñador. Consolidándose.

UNKNOWN ME - Bitokagaku (Not Not Fun Records)

El segundo LP de los conceptualistas ambientales de Tokio desconocidos comenzó como una comisión para el conglomerado cosmético japonés histórico Shiseido, conjurando aproximaciones de audio de temporadas y aromas, pero pronto floreció en su propio entorno refractado: Bitokagaku. Traducido como "Beauty and Science", el álbum es el primero compuesto por el cuarteto únicamente con software, que refleja la musa de laboratorio utópica de la colección.

Desde la electrónica levitacional ("un arco iris en el aire meditativo") y vaporoso downtempo ("Dancing Leaves") hasta Planetarium Reverie ("Kitsune no yomeiri") y A.I. IDM ("Retallas de retiro"), la música se mueve como patrones meteorológicos en un bio-domo: deslumbrante, microcósmico y delicadamente calibrado. Percolientes de sintetizadores Crossfade con grabaciones de campo de la división de investigación de Shiseido; El sonido de las corrientes y las aves distantes se bordean en una neblina procesada; Las voces clínicas leen listas de piedras preciosas. Es una visión de la nueva era como robótica suave, de serenidad simplificada por sistemas sintientes.

HIOR CHRONIK - Crave for more (Ki Records)

Hior Chronik es un músico y productor griego que ahora reside en Berlín, donde comparte su sonido único de música ambient, drone y indie-neoclásica. Sus paisajes sonoros, inmersivos y cinematográficos, poseen una rara habilidad para transportar a los oyentes a mundos imaginarios, inyectando una energía centrada en la danza en obras musicales atmosféricas.

Con un estilo que combina delicados temas de piano con tonos ambient oscuros, Hior Chronik cautiva a los oyentes con su capacidad para atravesar diversos territorios sonoros, siempre ampliando los límites de la escena neoclásica. Habiendo lanzado recientemente su último EP, Crave for More, a través de Ki Records de Christian Löffler, Hior Chronik explora temas de anhelo y deseo con profunda sensibilidad y matices.

Cada pista del EP sirve como una exploración conmovedora de las complejidades de la vida, invitando a los oyentes a perderse en la música y reflexionar a través de melodías y ritmos inquietantes. Entre las pistas más destacadas del EP, "Mend" ofrece un sonido verdaderamente hipnótico, que combina vibraciones de dub oscuras y minimalistas con ritmos dinámicos para crear un sonido increíble.

Inspirándose en un poema de Martin Crimp, la pista agrega elementos de palabra hablada para aplicar puntos de enfoque silenciosos sin apoderarse de la música en sí. A medida que avanza la pista, "Mend" ofrece una aventura musical envolvente de principio a fin. Comenzando con intrincados disparos de percusión, las muestras de palabra hablada en alemán se suman a la atmósfera brumosa a medida que la pista se construye gradualmente con tonos de batería de estilo industrial y las notas de sintetizador de base.

Al deslizarse hacia un shuffle sobrio, salpicado de suaves charles y texturas de shaker, el arreglo forma un paisaje sonoro hipnótico que es a la vez sutilmente bailable y minimalista en su enfoque. Mostrando el estilo altamente original de Hior Chronik y el increíble talento de diseño de sonido, "Mend" presenta una experiencia de música electrónica fascinante en todo momento. Es un ejemplo impresionante de la creatividad y la visión sonora original de Hior Chronik, que cobra vida gracias a un diseño de sonido exquisito para ofrecer un momento musical único y expansivo.

WGA - Der Wil (Superspace)

Wilder Gonzales Agreda se enfrenta nuevamente al papel en blanco. Pese a que en la mente guarda ruidos y senderos, el no-músico se despeja y crea. Conexión inmediata. El hombre detrás de la máquina desafía al pulso, lanza rayos, cuestiona a los darkiñosos y falsos psicodélicos; desprende sonidos libres que llaman a la concentración. - TRÁFICO CULTURAL

NUG - Bong Boat (West Mineral)

Después de su debut conjunto con el excelente »Napping Under God«, PVAS y Florian TM Zeisig han vuelto a unirse como NUG para grabar otra sesión. »BonGBoaT« es también el resultado de una sesión en la que los dos estaban todavía muy en el barco con sus pensamientos, que navegaron a través del idílico paisaje bávaro, presumiblemente mirando al azul con ojos rojos. »BonGBoaT« es muy diferente de su predecesor, cuya euforia ambiental de jungla solo se insinuó, pero finalmente se trasladó a una sala lateral extremadamente llena de humo. En »BonGBoaT« nadie se molesta en levantarse. Comienza como un álbum de Actress, la batería filtrada todavía sugiere que podría volverse pesado, pero no lo hace. En su lugar, tenemos dub, burbujas, delfines conversando, vetas alucinógenas en la superficie del agua. La humedad aumenta, ojos exóticos brillan en el bosque bávaro. A mitad del álbum, estás hasta las rodillas en el cielo, la jungla se ha extendido alrededor del barco que se balancea lentamente. Al final, falta la fiebre para una comparación con »Hipnotik Tradisi«, la interpretación musical de Black Merlin de su viaje por la jungla; »BonGBoaT« se parece más a la trilogía »Deadline Paranoia«, solo que un poco más inmóvil. A pesar de los muchos mosquitos.

MICROESFERA - Sunny Day (Static Discos, 2014)

Desde México la gente del sello Static Discos (los mismos que la década pasada editaran los discos de Ciëlo) nos alcanza el nuevo álbum del proyecto argentino MICROESFERA, una colección de 8 joyas pop bien ala europea que insuflarán tu alma de belleza, contemplación y ensueño postmodernista. La nota de prensa que acompaña el disco los anuncia influenciados por el post-house y el pop electrónico del sello Kompakt.

Acerca del disco el propio Ramiro Microesfera explica: "Las canciones de Sunny Day son un viaje a mi alma, este álbum simboliza una búsqueda por libertad, por aventura e intimismo; tal vez trata de una fría y brillante mañana o una limonada fresca en una tarde soleada". ¿Muy café del mar? Quizás. Pero la música que este disco contiene es lo suficientemente enajenante y otherworldly/far-out para superar cualquier atisbo de vulgaridad modernosa.

Cada track es un viaje impagable hacia el limbo donde ninfas de otros tiempos y la química de las mejores plantas se adueñarán de tu cuerpo y mente para volverte un poeta perdido por amor a la magia. Como dicen los Microesfera en la perfecta "Sunny Day": "Cierra tus ojos y llévame a casa, siente el sol en mí / Día soleado en mi rostro, siente el sol en tí". 

DIMENSIÓN 11 - Dimensión 11 (ETCS Records)

Este disco reúne una serie de sonidos desarrollados entre 2019 y 2024, explorando temáticas relacionadas con la dimensionalidad del mundo efímero y los sueños. A través de recursos como la música concreta, sonidos aleatorios, radiofonías, samplers, instrumentos y loops, los sonidos buscan recrear un nuevo paisaje musical ficticio, donde la ambigüedad del mundo onírico se manifiesta en voces y conversaciones imaginarias. Estas conversaciones, inspiradas por referentes y héroes artísticos-musicales como Nico, Lou Reed, Peter Kember, Robert Ashley, Charlie Tweddle, Kyle MacLachlan, entre otros exploran temas como la búsqueda de la disolución de la realidad. Los sonidos pretenden crear un diálogo sonoro para abrir una ventana a mundos paralelos donde la memoria y la fantasía se entrelazan para crear una atmósfera que es a la vez inquietante, evocando la sensación de estar suspendido en un sueño lúcido donde el tiempo y el espacio se disuelven.

Este disco cuenta con colaboraciones de viejos amigos como: Mauricio Dodds, Simón Todorovick, Nicolás Godas y Christian Bartlau. 

ACTORES HACIENDO DE MÚSICOS (y al revés)

De la revista 69 # 10 - junio 2006

ZAPATERO A TUS ZAPATOS

por Wilfredo Oliveros

¿Qué mueve a los músicos y actores a tentar fortuna en otros terrenos? ¿Prolijidad artística? ¿Figuretismo kamikaze? ¿"Darle al arte hasta que me harte"? O simple e imprudente vacilón con resultados -lamentablemente en la mayoría de los casos- penosos. Analicemos.

6 ACTORES HACIENDO DE MÚSICOS:

1. Paul Vega (Chabelos)

2. Giovanni Ciccia (Chabelos)

3. Christian Meier (Solista)

4. Sergio Galliani (Chabelos -¡ya pues!)

5. Vanessa Saba (Solista)

6. Diego Bertie (Imágenes)

Bonus Track: Raúl Romero (¿Cómo? ¿qué no es payaso de vocación?)

6 MÚSICOS HACIENDO DE ACTORES:

1. Kimba Vilis (Muerto de Amor)

2. Julio Andrade (Flor de Retama)

3. Pablo Saldarriaga (Bala Perdida)

4. Jorge "Pelo" Madueño (Ciudad de M)

5. Gonzalo Torres (Pataclaun)

6. Cachuca (invitado en "Los Choches")

Simon Reynolds says: "FUTUROMANIA" (2024)

Por mucho que esté acostumbrado a llamarme "crítico de rock", probablemente este sea el caso. El punto de mi carrera es que la música sobre la que he escrito más palabras ha sido hecha con sintetizadores y samples, no con guitarras.

Por supuesto, el rock también es, en sentido literal, música electrónica. Vamos, desde pastillas hasta pedales, las guitarras eléctricas dependen de... bueno, de la electricidad. La ideología del rock también puede pintar el instrumento y los ruidos que produce como algo puro y real, de alguna manera más "sincero" y "natural" que los sonidos sintetizados, pero está claro que la guitarra eléctrica es un dispositivo tecnológico exactamente como el sintetizador y la caja de ritmos, y aún no entramos al estudio de grabación, de donde vienen los sonidos, procesados, superpuestos y editados con el mezclador, socavando así la supuesta naturalidad de un enfoque musical que ve la interpretación como un evento aislado que tiene lugar en el espacio-tiempo real. Desde sus inicios como género discográfico, el rock se ha consolidado cada vez más como una fantasmagoría envasada en el estudio. A menudo se me atribuye la invención de la etiqueta post rock: de hecho, desde 1993 lo uso para identificar un género emergente de música de guitarras que se apropió de efectos dub, loops de hip hop, samples y otros dispositivos digitales, pero la primera aparición del término post rock se remonta a 1967, cuando un periodista del Time definió así la música construida en estudio de la que los Beatles habían sido pioneros en "Tomorrow Never Knows» por ese entonces. El pop estaba ya asimilando los métodos de la música concreta y electrónica de vanguardia en la creación de discos, imposibles de replicar en vivo.

Pero podemos ir aún más atrás. En cierto modo, la irrealidad aumentada electrónicamente ya estaba presente en los primeros días del rock'n'roll, a mediados de los cincuenta, con el eco slapback aplicado a la voz de Elvis durante las Sun Sessions: un efecto artificial producido con la ayuda de grabadoras de cinta.

Sin embargo, en la percepción más extendida, la música electrónica es algo diferente del rock, una música que suena explícitamente sintética, equipada con ese brillo gélido e inmaculado que tendemos a asociar con el futuro o a los extraterrestres, a una perfección celestial y sobrehumana o a una dimensión alienígena siniestra y misteriosa.

Hasta cierto punto, se trata de un juego que jugamos con nosotros mismos, una proyección engañosa. La música electrónica grabada ni siquiera existiría sin decisiones humanas en cada etapa del proceso, ni por supuesto sin el ingenio y la voluntad que llevaron a la invención de sintetizadores, cajas de ritmos, secuenciadores, MIDI, estaciones de trabajo de audio digital, software de programación, etc. de lejos. Sin embargo, con su pátina inorgánica y su precisión mecánica, es innegable que gran parte de la música electrónica parece "intacto de manos humanas": una ilusión, sin duda, pero muy poderosa y evocadora. Durante gran parte de su historia, la música electrónica ha evolucionado junto con ideas de inhumanidad y poshumanidad. Lo que explica por qué, aún hoy, algunos sienten repugnancia o perturbación por los sonidos electrónicos, mientras que otros los encuentran irresistibles y estimulantes.

(Es inmediatamente necesaria una aclaración. Hay que reconocer que la historia de los sintetizadores y de la tecnología musical digital está íntimamente ligada a la mimesis: simulación de instrumentos acústicos, ecos y reverberaciones naturalistas, texturas analógicas y atmósferas «orgánicas», hasta el punto de que el efecto «tocado manualmente» y las imprecisiones humanas se han convertido en opciones, botones que presionar. Pero por ahora dejemos de lado este giro del razonamiento.)

SIMON REYNOLDS
Futuromania (2024)