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:. . SUPERSPACE RECORDS - TRANSGRESIONES SÓNICAS, MINIMALISMO Y VISIONES

WIL LIVE

sábado, 30 de marzo de 2019

H R 3 0 0 1


La cercanía de la Semana Santa nos conduce a una reflexión y, justamente, en el Libro La Rehabilitación del Cristo de Dios escrito x: Martín Kubli, Dieter Potzel y Ulrich Seifert, quienes se han esmerado en recopilar datos sobre Jesús, leo lo siguiente y lo cito aquí: "Ante las torturas que Jesús tuvo que soportar ya antes de la crucifixión", Frederick Zugibe, patólogo jefe de un distrito del estado de Nueva York piensa que "es extraordinario que Jesús aún hubiera podido estar en condiciones de recorrer el vía crucis hacia el monte Calvario (es decir al Gólgota)" -cita que a su vez, ha sido traducido del alemán y publicado en la revista Der Spiegel Geschichte/El Espejo Histórico. Agregando:"Lo que le sucedió a Jesús de Nazareth en la casa del sumo sacerdote Caifás, donde fue golpeado y ridiculizado, fue ya suficientemente terrible. Mucho más dramática fue a continuación la tortura con el flagrum, una especie de látigo con varias correas de cuero, a cuyos extremos iban entretejidas astillas de huesos o bolas de plomo". La muerte de Jesús, llena de torturas, la revista la describe así. "El ultrajado Salvador ya estaba pronto a morir cuando sus torturadores lo clavaron en la cruz. Los romanos usaron gruesos clavos de hierro de 12 ctms. de largo. Al ser clavados en los talones, estos rompieron numerosos fascículos nerviosos y si a esto le agregamos aún la corona de espinas, Jesús sufrió los dolores más terribles que conoce la humanidad", concluye Zugibe. Quien levanta y coloca la cruz con el cuerpo fallecido está mostrando la derrota de quien realmente es el Salvador, en cambio, la cruz sin el cuerpo fallecido simboliza la resurrección y la victoria sobre las tinieblas, finaliza el texto. El libro es ya un best seller con más de 700 páginas y en donde advierte a esta humanidad, de cómo estructuras de poder institucionales o confesionales abusan del nombre de Jesús desacreditándolo de la forma más ignominiosa. La editorial es Vida Universal y disponible sábados y domingos en Camilo Carrillo 153, altura 9 de Arenales o pedidos al 3301917. Ahora es el tiempo de no seguir viviendo engañados, la información da poder ◙STEREOLAB se prepara desde ya a la promoción de reedición de su discografia x el sello Warp y Duophonic UHF Disks. La banda de nuestros amores ha retornado. Al fin, Tim Gane se ha dado cuenta que el appeal de STEREOLAB definitivamente es Laetitia Sadier ◙Esta versión de la columna celebra el retorno oficial de la banda y me tomaría 5 versiones más de la misma, para ratificar gran parte de su historia... y, realmente, no quiero desesperar a WGA◙





Se acaba de iniciar el despliegue de aplicación de redes neuronales siderales al campo de la navegación aérea de la música y dentro de la auto tripulación del vuelo 3001 todo está ya dispuesto para la odisea post espacial. Los aerotips empiezan a circular ya x mis ondas cerebrales y x momentos me llevan al Aeroport de Prat de Llobregat de Barcelona. Las esquirlas de Primavera Sound transitan también en mi memoria debido a que el 1 de junio STEREOLAB se presenta en dicho fest y son desde ya más que esperados... es más, aseguro que una gran multitud venida de todas partes va a ir sólo para verlos a ellos◙



Cuando el gran LUIGI RUSSOLO y otros futuristas orbitados comenzaron a experimentar con las posibilidades del ruido y se atrevieron a denominar música a los resultados obtenidos, otro panorama se extendió x el planeta y ya nada fue igual. Lo que se había iniciado con THROBBING GRISTLE/PSYCHIC TV, MONTE CAZAZZA, CABARET VOLTAIRE, NON y otros con su acercamiento proto fascista (contagiando de paso a NEW ORDER), con sus implantes politizados y cacofónicos se tornarían luego, en las posturas más extremas de actos como TEST DEPT., COIL, EINSTURZENDE NEUBAUTEN y otros más. Cierta escena underground no ha desestimado todo ello en cuanto a mandar sus manifiestos a toda la masa que reúnen en sus conciertos. Tim Gane, cerebro motor de STEREOLAB, nunca ha negado que sus influencias van también x movimientos politicos y culturales como el surrealismo y la Internacional Situacionista. A partir de su carrera solista LS mucho menos negó el hecho y es más, lo reafirmó. Lo del retorno de STEREOLAB ha puesto de plácemes a los que hemos observado en ellos las influencias de ENNIO MORRICONE, HENRY MANCINI, ESQUIVEL, CAN, NEU!, KRAFTWERK y hasta del rock experimental de SYD BARRETT y THE VELVET UNDERGROUND. La cantante Laetitia Sadier, como vocalista y también multi instrumentista dentro del combo, es quien dotó de toda esa influencia del pop inicial francés a la agrupación que ha contado con músicos de lujo a través de los años, además  con vocalistas paralelas como la australiana Mary Hansen, fallecida en 2002 x un accidente de carretera, y sin desestimar a Gina Morris que estuvo hasta 1992. Tim Gane había fundado McCARTHY antes de STEREOLAB y Laetitia lo conoció cuando iba a los conciertos de la primera banda nombrada cuando esta llegó a Paris, en 1987. Entonces ambos se unieron como pareja y LS se establece en Londres tuvo 1 hijo con él y se separan en 2002. STEREOLAB dura de 1990 al 2009 y, como la numerología no se equivoca, 2019 anuncia su retorno oficial◙




A partir de mayo, comienza ya la etapa de promoción a la reedición de los álbumes de STEREOLAB y todos para 2019, paralelamente x Warp y Duophonic UHF Disks. Inicia el relanzamiento: Transient Random-Noise Bursts With Announcements de 1993 y Mars Audiac Quintet de 1994, disponibles desde el 3 de mayo como otras versiones expandidas, remasterizadas en vinilo, digital y CD.




Laetitia en el tiempo que estuvo separada de STEREOLAB, como de Tim Gane, formó su propio combo LAETITIA SADIER SOURCE ENSAMBLE. Grabó además en colaboración con ASTROBAL, GIORGIO TUMA, TURN ON,  ATLAS SOUND, THE HIGH  LLAMAS, BLUR, MOUSE ON MARS, MOMOTTE, MOMBOYÉ, ADRIÁN YOUNG, COMMON, TYLER, THE CREATOR y recién con MERCURY REV, incluida en una lista de vocalistas femeninas en un album tributo a Bobbie Gentry. Ella también habia formado en 1996, en Bordeaux/Francia: MONADE junto a Rosie Cukston de PRAM y llegando a grabar para Too Pure y Duophonic. El dueño del sello Duophonic no es otro que el padre de Tim y de alli la facilidad que tuvo el grupo STEREOLAB como sus  proyectos  de grabar continuamente como lo expresé algunas veces en radio. STEREOLAB ha sido una de las primeras bandas a la cual los medios le aplicaron el termino post-rock y otros como un combo space age pop con influencias de bossa nova y tropicalia. Para otros más, STEREOLAB era una banda con mensajes políticos y post marxistas. Lo cierto es que para muchos otros, ellos han sido parte esencial de la post vanguardia al deconstruir el pop kistch y llevarlo hasta el planeta Inxtria en el sistema de Beta Andrómeda y extrapolaron además con gran gallardía las energías al futuro. Esa ciudadanía cósmica la aprecio ahora en otras bandas actuales pero que no tienen a una Laetitia Sadier, que de seguro escuchaba los discos de su madre de la Francia de mitad del siglo XX. C'est totalement evident! Aprecio el sonido STEREOLAB desde su inicio y no en vano tengo toda la colección de sus discos y es que, a estas alturas, este combo ha expandido su influencia no sólo a terraqueos, sino llegando al multiverso ascendente y traspasando bosques galácticos e interdimensiones incrustados en partes distantes del sideral espacio. C' est tout magnifique!◙



AUDIORAMA




No conforme con todo ello, Laetitia además ha participado en la banda LITTLE TORNADOS de David Thayer y quien probablemente sea su actual pareja. No escarmienta. "Jamas me aprendí la letra de las canciones de STEREOLAB, pues Tim jamas me permitió siquiera acercarme para ver sus composiciones"... es lo que alguna vez ella declaró. Balance psicológico: no es una venganza su participación y colaboración con tal cantidad de actos pero se le acerca mucho. ´´Tim sólo me tenia en el grupo para cantar y hacer ruiditos" -otra de las célebres frases que ha pronunciado. Si ella visitara Lima, daría entrevistas x doquier. Es su personalidad actual y desde que leyó el libro que cito más adelante◙La banda después de Primavera Sound en Barcelona se va a la versión del evento en Porto Alegre, así que cerca estamos a la fecha y al lugar. No es Rusia es Porto Alegre◙ Noten en el siguiente audio precisas atmósferas de un ENNIO MORRICONE y HENRY MANCINI maridados.




La Rueda de locutores de este blog, ha encantado a sus incontables seguidores x que ha revitalizado el soundtrack de la vida de muchos que han tenido la oportunidad de escuchar los programas de los locutores en estas entrevistas y que continuarán desfilando, sin duda alguna. SAMMY SADOVNIK lo ha hecho ya, y de inmediato, los buenos comentarios no se hicieron esperar. Agradecemos la constancia de los lectores ad infinitum◙




DIGITALISM que incluye a los astronautas sónicos Jens Moelle e Ismail Tufreki, sí la tan reverenciada dupla alemana, continua dando forma a ese sonido híbrido que los ha identificado desde su debut con destellos de energía del cosmos exterior. Según ellos su placa Chapter 1, comprime 2 partes: el primero es el progresivo y cósmico single Infinity, segundo Data Gardens a la cual definen como otra pieza del rompecabezas. Noah Lennox/AVEY TARE continua retratado siempre una evolución consistente y genial con el actual single Hors__ música para ser apreciada tal como el clip que embelesa la vista y escuchen de su ya altamente promocionado álbum Cows On Hourglass Pond, la pieza K.C. Yours pieza que se asemeja al universo creado x FLYING SAUCER ATTACK




LOW LIFE, combo australiano post-punk, son como una poesía dadá que la han plasmado en los 10 temas de su álbum Downer EDN. X momentos el vocalista te lleva a observar hologramas con cierta base rítmica de unos THE CHAMELEONS. Temas como para transitar x un anillo de moebius en su total dimensión. Me han fascinado gemas como Glamour, Lust Forevermore, RBB, Gabbertron y Rave Slave. A no confundir con la banda de culto de Grangemouth/Escocia de shoegaze y dream-pop LOW LIFE cuyo vocalista Craig Lorentson pasó a otra dimensión en 2010. Tampoco con la banda LOWLIFE deathcore de Michigan◙





El futuro pertenece a los que persisten en la posibilidad de crearlo. PUNA representa los páramos andinos y es también un acto local, que siempre me ha proporcionado interés x escucharlo. Admiro el esfuerzo de su instigador, Jorge Rivas (la resistencia para mi), y tanto como admiro el trabajo de WGA, factótum de este blog y de otra vertiente al acto THEREMYN_4. Estamos en continuo contacto x el amor a la música que nos une, y a la cual hemos escuchado en su época exacta... y que a la vez, es una música sin tiempo, sin edad como nosotros mismos. La música retroalimenta y sana. Esta columna permite expresar a PUNA su creación vía su placa reciente post vanguardista y tercera en su haber Sukha y justo en una metrópoli en donde precisamente la cultura y la creación pasan a un segundo plano. PUNA apuesta contra las voces que alientan al éxodo, definitivamente. Sí, que se puede crecer aquí y desde aquí con todo el ingenio que caractetiza nuestra esencia inca, aunque lamentablemente no en todos los aspectos. Me pregunto que más talento se puede exigir para expresar sus virtudes y ser reconocidos. A persistir◙







Una gran escala de videoastas se esmeran siempre en demostrar su destreza durante estos meses del año. A disfrutar.








SCANNER
Saga de inesperados covers 







ELIXIR MENTAL
SAGA DE LOS 80'S 






VIXOR DE MEMORIA
SAGA DE LOS 90´S






POWERPOINT 
SAGA DE LOS 2000´S





Lo más destacable que ha declarado Laetitia Sadier proveniente de Vincennes/Francia es ´´Hoy en día cuanto más mediocre es la música mas posibilidades tiene de recabar atención mediática y eso es parte de la devastadora propaganda con la que vivimos cada día´´. Sus ansias de dar entrevistas aquí y allá aumentó desde que leyó el libro La Societé du Spectacle de Guy Debord. El libro ha inspirado además a comunicar cierta esencia de lo leído en sus composiciones. La vida no es un aviso publicitario agrego. STOP!



UN PLUS 

viernes, 29 de marzo de 2019

UNA CONVERSACIÓN CON TONGA BOYS :. Catarsis africana contemporánea




En su libro Retromanía Simon Reynolds afirma que el momento de innovar ha terminado para Occidente, perdido como está desde hace 20 años en fetiches del pasado y "jóvenes" con alma y sangre de telarañas ocupados en cultivar sonidos de sus abuelos y padres. Reynolds avizora que la nueva música provendrá de neo economías pulsantes como China o India. Cada vez que escucho el trabajo de TONGA BOYS no puedo dejar de pensar en eso y lo cierto que hay, una vez más, en las sentencias del famoso crítico. 

¿Qué sonido, música o expresión puede surgir de un ambiente en donde los niños mueren de malaria, los jóvenes de sida u otras enfermedades venéreas y la vida es más jodida que un cactus? El sonido de la libertad. Eso es Tonga Boys. No importa si eres de Latinoamérica, de USA o Japón sus ritmos mágicos y las voces de sus gritantes, 5 amigos de toda la vida de un pueblo perdido en Malawi (África), elevarán tu psique hacia el éxtasis. Terminarás riéndote de la muerte ("vindodo") o al menos sabiendo que el mundo al final es una puta nada. Tu cuerpo semi dislocado y el cerebro perdido en regiones donde la razón no asoma. Cuánta razón tuvo Nietzsche cuando escribió "sin música la vida sería un error". Y jamás escuchó África = la música como sabiduría salvaje.


¿Cómo es la escena musical alterna en vuestro lugar/país? Si hay algo como eso ...

Esta música tiene que ver con la creencia cultural de antaño, nuestros mayores creen que el vindodo es algo que da miedo y que puede provocar la muerte súbita dentro de la comunidad, y el vindodo es un monstruo invisible que hace que las personas desaparezcan. Vindodo es como un humano, pero no es un ser humano, vindodo tiene un poder espiritual en la oscuridad, por lo que esta canción de vindodo normalmente se canta cuando hay un funeral en la aldea para recordar a la gente que la muerte está ahí y que es algo peligroso y que necesita un respeto especial.

¿Qué música escuchaban durante su adolescencia? Cuéntennos sobre su background, por favor.

En nuestros días de adolescencia, normalmente podríamos disfrutar de la danza/música tradicional como la que se asocia con los valores culturales que sustentan la forma de vida local; esto incluye a los curanderos/helboristas tradicionales y también a la brujería. Nuestro background es pobre, todos provenimos de familias rotas, nos mudamos de nuestras áreas remotas para buscar pastos más verdes, después de que nos reunimos en la ciudad comenzamos a hacer cosas que nos hicieron recordar unos a otros sobre la vida del pueblo después de eso empezamos a cantar las canciones que pudimos cantar en nuestros días de adolescentes.

¿Qué intentan expresar/comunicar a través de tu música?

Intentamos llegar a un conocimiento que pueda mantener a las personas reales a la cultura nativa a la que pertenecen, otras personas sabias tratan de olvidar de dónde provienen, así es como somos la banda Tonga Boys, siendo Tonga en tribu estamos tratando de conmutar con la gente. que están a punto de trasladarse a otro destino olvidándose de dónde vienen. Nuestra música suena memorable / para que recuerden su background, lo que significa días de la adolescencia.

¿Qué instrumentos, efectos, software o herramientas utilizan?

No conocemos software ni ningún instrumento sofisticado para producir un sonido, pero normalmente usamos todo lo que nos rodea para hacer un sonido como el de hachas, paquetes, baterías, guitarras locales, etc. No podemos acceder a materiales electrónicos. Se trata de sonidos, no de instrumentos, por eso estamos orgullosos de nosotros mismos. T.A.P significa TongAn Proud.

Su sonido refleja intensas y locas sesiones de jamming. Cuéntennos sobre ello. ¿Qué tipo de drogas o estimulantes toman, etc?

Hacemos música no solo para fines comerciales o de negocios, sino también porque disfrutamos cantando especialmente canciones para nuestra cultura, actuamos en cualquier lugar como en las fiestas tradicionales, durante las sesiones anuales del festival cultural, a veces en cervecerías, mercados, partidos de fútbol e.t.c. Usamos drogas como marihuana y cerveza para hacer que nuestras cabezas/estados de ánimo se enfoquen y disfruten de la música.

¿Cómo se contactaron con el sello 1000Hz?

Nos contactamos con 1000 hz records a través del Presidente de esta organización de 1000 hz que vino aquí a Malawi. Como también hacemos artes y manualidades que vendemos a turistas, artes como pinturas, pulseras, collares, postales, etc., nos acercamos a él para que compre nuestros productos, es cuando supimos que estaba interesado en la música le presentamos a nuestra banda. (a Piotr)




  ¿Cómo es un concierto de TONGA BOYS? ¿Alguna anécdota o historia que puedas compartir?

Performamos en todas partes, actuamos en bodas, fiestas en pueblos, cervecerías, funerales, festivales culturales de temporada, playas y, a veces, hacemos espectáculos gratuitos en las escuelas porque en parte de nuestra música cantamos sobre la prevención de la malaria, el VIH y el SIDA, enfermedades de transmisión sexual. Así que la gente nos contrata para realizar sus funciones. Pero esperamos encontrar patrocinadores que nos apoyen en el sector financiero para que podamos comprar los instrumentos que sean adecuados para nuestra música típica.

¿Qué haces para vivir allí en Malawi?

Ganar la vida aquí en Malawi es muy difícil, vivimos la vida dura, hacemos artículos como collares, pulseras, pinturas, postales, etc. Estas artes las vendemos a turistas, pero Malawi es pobre en turismo, muy pocos turistas viajan a Malawi lo que hace nuestra vida tan difícil que en lugar de eso vamos a los mercados y sacamos los productos y los vendemos a la gente fuera del mercado, luego obtenemos el 20% como comisión después de las ventas.

¿Cuáles son sus futuros movimientos o proyectos?

Nuestro gran paso es que nos gustaría mucho interpretar nuestra música en todo el mundo, nos encantaría actuar en Europa, Asia y toda África, necesitamos que nuestros sueños se hagan realidad. También nos gustaría animar a estas generaciones futuras para que abran su camino a la música. Tonga Boys Band es una banda muy pobre y muy local. Comenzó a cantar desde una edad más temprana, pero estamos felices de ser conocidos en Europa y esperamos con ansias a los simpatizantes que quieran promocionarnos.

Los Tonga Boys se componían de 5 tíos que venían de la misma área remota, un pueblo muy aislado, pero nos mudamos a la Ciudad para luchar mejor, los Tonga Boys ahora viven en una ubicación pobre, durante la noche, cuando estamos contentos, solemos prender fuego y sentarnos alrededor con nuestros tambores, etc. y cantamos hasta la medianoche a veces hasta el amanecer.

APOYA A LOS MÚSICOS DE MALAWI ACÁ.

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A CONVERSATION WITH TONGA BOYS:. Contemporary African catharsis


In his book Retromania Simon Reynolds affirms that the moment of innovation has ended for the West, lost as it has been for 20 years in fetishes of the past and "young people" with soul and blood of cobwebs busy cultivating sounds of their grandparents and parents. Reynolds foresees that the new music will come from neo-pulsating economies such as China or India. Every time I listen to the work of TONGA BOYS I can not stop thinking about that and the truth that there is, once again, in the precepts of the famous critic.


What sound, music or expression can emerge from an environment where children die of malaria, young people with AIDS or other venereal diseases and life is more fucked up than a cactus? The sound of freedom. That's Tonga Boys. It does not matter if you are from Latin America, from the USA or Japan, their magic rhythms and the voices of their screamers, 5 lifelong friends from a lost town in Malawi (Africa), will elevate your psyche to ecstasy. You will end up laughing at death ("vindodo") or at least knowing that the world at the end is fucking nothing. Your body semi-dislocated and the brain lost in regions where reason does not appear. How right was Nietzsche when he wrote "without music life would be a mistake". And he never heard Africa = music as wild wisdom.


How is the alternative music scene in your place/country? If there is something like it…

These music its all about cultural belief from longtime ago our elders believe that vindodo is something scary that could bring sudden death within the community and vindodo is something invisible  monster that make people to disappear. Vindodo is like human but is not a human being, vindodo has spiritual power in darkness, so this song of vindodo normally sang when there is funeral in the village to remind people that death is there and is something dangerous and need special respect.

What music did you listened to in your teenage days? Tell us about your background, please.

In our teenager days we could normally enjoy the traditional dance/ music like that associated with cultural values that sustain local way of living this include those of traditional healers/ helberist and also involve witchcraft. Our background is poor, we all coming from broken families, we moved from our remote areas to search for a greener pastures , after me met in town we started doing thing which made us to start remind each other about the village life after that we started singing the songs which we could sang in our teenager days.

What do you try to express/comunicate through your music?

We try to come up with knowledge that can turn people to remain royalty to they native culture that they belong, other wise people try to forget where there coming from so we as Tonga boys banda, being Tonga in tribe we are trying to commutate with people of whom they about to shift themselves to another destination forgetting where they coming from. Our music is sounding rememberous/for them to recall they back ground meaning teenage days.

What instruments, effects, software or tools do you use?

We don't know about software or any sophisticated instruments to produce a sound but we normally use anything around us to make a sound like how's, axes, packets, drums, local guitar etc... We are not able to access electronic materials. We are about sound not instruments, that's why we are proud of ourselves. T.A.P means TongAn Proud.

Your sound reflects intense and crazy jams sessions. Tell us about it. What kind of drugs or stimulating do you take, etc?

We do music not just for commercial/businesses but also because we do enjoy singing especially songs for our culture, we do perform everywhere anywhere like in traditional parties, during cultural yearly festival sessions, sometimes in beer whole, markets, football matches e.t.c. we do use drugs like marijuana    and beer to make our heads/moods to focus and enjoy the music

How did you get in contact with 1000hz records?

We get contact with 1000hz records through the President of this 1000hz organization  who came here in Malawi. Since we do  also make arts and craft which we sale to tourist, arts like paintings, bracelets, necklaces, postcards etc, so we were approaching him to buy our products its when we learn that he's interesting in music then we introduce our band to him (Piotr)




How is a concert of TONGA BOYS? Any anecdote or story you can share?

We do perform everywhere, we do perform in weddings, village parties, beer wholes, funerals, cultural seasonal festivals, beaches and sometimes we do free shows normally in schools because some of our music we sing about prevention of malaria, HIV and AIDS, STDs so people hire us to make their functions. But we are looking forward to find sponsors to support us in financial so that we can buy the appropriate instruments that are suitable to our typical music.

What do you do for a living there in Malawi?

To earn living here in Malawi is very difficult, we live hard life, we make articles like necklaces, bracelets, paintings, postcards etc  these arts we sale to tourist but Malawi is poor in Tourism, very few tourist traveling in Malawi which makes our lives so difficult so instead we do go in the markets and take the people's commodities and  sale outside the market then we get 20% as the commission after sales

What are your future moves or projects?

Our great move is that we would much like perform our music across the global, we could much love to perform Europe, Asia and all over Africa, we need our dreams to come true. We would like also to uplift these future generation to open they way to music. Tonga Boys Band is very poor and very local band, started singing since younger age but we are happy to be known in Europe and we are looking forward to the well wishers whom wants to promote us.

Tonga boys consisted buy 5 guys whom are coming in the same remote area, very isolated village but we moved to  Town for better struggle, Tonga boys now living poor location, during night when we are happy we use to burn fire and sit around the fire with our drums etc and singing until midnight sometimes until Dawn. 


SUPPORT MALAWI MUSICIANS HERE.

miércoles, 27 de marzo de 2019

RUEDA DE LOCUTORES/MÚLTIPLEX :. Entrevista a Sammy Sadovnik

Sammy Sadovnik con Phil Collins

Esta serie de entrevistas en Vanguardia Peruana, a locutores peruanos con preguntas estandarizadas y explícitas para los dedicados a ese oficio de la palabra, continúa en este blog. Locutores de diferentes épocas de la Radiodifusión Peruana que han dejado un legado y responden cada uno de ellos a micrófono abierto. Esta vez responde Sammy Sadovnik quien reside en Estados Unidos y se desempeña como narrador y conductor de Telemundo.

X: HELENE RAMOS

¿Cómo empezó todo ello en cuanto a tus inicios en la locución? 

Comenzó en Radio Libertad gracias a Jorge Eduardo Bancayán. Gané un premio en concurso de oyentes y cuando fui a recoger mi premio a la emisora, lo hice llevando unos discos de 45RPM que había traído de un viaje a Miami. Tenía 14 años, estaba en el colegio y le mencioné mi gusto por la música, la radio y la locución. Fue así que Jorge Eduardo, reconocido locutor de salsa de la radio limeña, me invitó a participar de su programa, todos los días luego de mis clases en el colegio. Fue el primero que me dió la oportunidad, no sin antes, hablar con el Gerente General de la emisora Umberto Panfichi Segura que recibió el visto bueno y autorización de mis padres ya que era menor de edad.

Menciona todo tu historial dentro de las emisoras locales conduciendo programas y/o en TV.

Radio Libertad, Radio Miraflores en dos oportunidades, Radio Panamericana, Radio Ritmo (luego convertida en Ritmo Romántica), en lo musical, con programas como Panamericana Radio Futura, Perúrock y Buenos días, día con mi querido amigo y hermano Javier Lishner en Panamericana, Instantes en Radio Miraflores con Javier también, luego el show matinal en Ritmo y las giras de Perúrock; luego Cadena Peruana de Noticias y Radio Ovación, en lo deportivo. En la televisión, fue Pablo de Madalengoitia quien me dio la primera oportunidad en TV; fue mi mentor, amigo y un referente en todo sentido, un profesional culto y preparado, diría yo, sobre calificado para el Perú. Pablo nos invitó a Javier Lishner y a mi a participar de un segmento presentando grupos del rock peruano en su nuevo show “Agenda Personal” que comenzaría en América Televisión Canal 4. Javier por distintos temas decidió no participar y fue allí, que comenzó mi aventura en televisión que luego me llevaría a participar en el programa familiar “Para Ti” junto a Lourdes Berninzon, Amelia Macchiavello y Alberto Sánchez Aizcorbe y “La Ofensiva Cultural” junto a otro querido y recordado amigo como Ernesto García Calderón (hijo) todo en América Televisión. Luego llegó “Taxi”,  “Sólo  los Domingos” y “Bincash” en Frecuencia Dos o Latina, la narración deportiva en ATV Canal 9, Panamericana Televisión y Red Global.

¿Quién ha sido tu más grande inspiración para que te dediques a ese oficio de la palabra? ¿Qué personaje radial peruano merece tu respeto a través de los años? 

Varios referentes y maestros con los que felizmente pude compartir, aprender y trabajar: Diana García de Palacios, Nelly Mendivil Castro, Liliana Sugobono, Jorge Eduardo Bancayán, Iván Márquez, El Veco, Pedro Roncallo Matto, Lucho Arguelles, Johnny López y cómo dicen los americanos “last but not least” mi hermano y entrañable amigo de tantas jornadas Javier Lishner. En Televisión, sin duda, Pablo de Madalengoitia y Micky Rospigliosi.




¿Qué ha sido lo más apreciable para ti durante todo el tiempo en que te dedicas o has dedicado a este oficio? 

Sin duda, la realización de un disco a beneficio de los niños de Ayacucho, afectados por el terrorismo que azotó nuestro país en los 80’s y 90’s. Un grupo de extraordinarios cantantes arropados con el nombre “Unidos” grabaron la canción “Un canto para el amor dormido” escrita por el maestro José Escajadillo Farro y cuyas regalías y ventas fueron destinadas a los niños de  tres localidades Ayacuchanas bajo la administración de la Fundación de Emergencia Ayacucho, presidida por aquel entonces por la esposa del embajador de los Estados Unidos en el Perú, la Sra. Anabella de Jordan. Aquel disco fue producido de forma ejecutiva por Javier Lishner y yo. Luego también, puedo resaltar el movimiento Perúrock, también junto a Javier, las giras por todo el Perú con bandas nacionales y los Tres encuentros del Rock nacional que organizamos en Radio Miraflores.

Si pudieras estar eternanente ligado a un año de la escena musical ¿qué año podría ser este?

Creo que 1988, año de la Gira de PerúRock, de los encuentros, de la lucha por difundir en una radio FM comercial el talento peruano olvidado y abandonado en el resto de estaciones radiales por aquellos años y que nos costó a Javier y a mi el trabajo y continuidad en una muy importante emisora

¿Algún estilo musical no obtuvo la atención que esperabas que sí la obtendría? 

Felizmente en aquellos años no existía lo que hoy llaman Reggaetón o música urbana. Acaso la difusión del rock hecho en el Perú no tuvo la repercusión o caja de resonancia como la que sí tuvo el material llegado de Argentina, España, Chile o México

¿Qué consideras que no ha obtenido el éxito esperado en el transcurso del tiempo, con los locutores peruanos?

La verdad, llevo ya 19 años viviendo fuera del Perú y desconozco la actualidad de los colegas y sus contenidos. Lo que sí puedo decir es lo que siempre menciono cuando me preguntan que debe hacer un joven que quiera dedicarse al mágico mundo de la radio o de las comunicaciones en general: preparación y ganas, siempre estás en constante aprendizaje, ser humilde, no creértela porque la caída es dura y a veces no tienes una segunda oportunidad. 

¿Es que se puede vivir adecuadamente siendo un locutor en el Perú? 

Son muchos años fuera del Perú para aventurarme a mencionarte algo y además sería irresponsable de mi parte responder esa pregunta, la verdad.

¿Qué habilidades hace que un locutor tenga un estilo único?

Ser creativo no huachafo, estar siempre preparado para no caer en la improvisación, buscar siempre alternativas diferentes, proyectarte, estar siempre un paso adelantado, reinventarte cuantas veces sea necesario, no dormirte en tus laureles, ser respetuoso pero apasionado por tu trabajo, leer siempre.

¿Diferencias tu estilo de locución con la de otros locutores? ¿En que sentido? 

Con el debido respeto y con tu permiso voy a hablar en primera persona, a mi siempre me gustó conversar con el oyente, no gritar, no impostar, ser yo mismo, comunicar, informar cuando era necesario, que el presentar una canción no sea una más, darle el debido contexto de cómo, cuándo o dónde se hizo. En las entrevistas tocar temas que le lleguen al alma o al sentimiento al invitado. 

¿Cuál es el tema que consideras vigente para ti, a pesar del tiempo transcurrido? 

Hey Jude o Imagine de los Beatles además de We are the champions que suena en cuanto evento deportivo final del planeta se lleve a cabo.

¿Qué tema que haya alcanzado el Top 1 consideras insoportable para ti?

Funkytown de Lips Inc el popular “one hit song”.

¿Es que se puede definir el perfil de un locutor x pasar un determinado tipo de música? 

Mira yo comencé en una radio cuyo formato principal era la salsa y nunca anuncié una canción salsera a pesar de mis 14 años, siempre tuve claridad que lo mío era el pop, no me disgusta la salsa, al contrario me encanta bailarla y escucharla pero sabía que mi camino iba por otro lado. Me encantaba la música disco, gusto que compartíamos con Liliana Sugobono y Carlos Jáuregui en Radio Miraflores, pero anuncié temas en español romántico en mi última etapa radial en Perú sin problema. 

Si tuvieras el poder de abolir un estilo de música ¿cuál de ellos desecharías x toda la eternidad y x siempre jamás? 

Sin duda el Reggaetón con las disculpas al público que disfruta y le encanta ese ritmo o estilo musical.

A Sammy Sadovnik lo he escuchado  x primera vez junto a Javier Lishner, cuando ambos hacían dupla alternada como locutores en Radio Miraflores. La casa radial a la que tiempo después yo me integraría y fueron varias las veces en que estuvimos los 3 hablando sobre discos, revistas y ellos promocionando Britania Fanzine al aire, en la cabina. Cuando Sammy presentaba el Avance Billboard, en Radio Panamericana, como representante de Funky Hits, mi gran labor era llevarle el fax con la lista respectiva. Bellos tiempos aquellos de radio perennizados en nuestra memoria y que compartimos en este blog como una reminiscencia para todos ustedes. Entonces la Radiodifusión Peruana no adolecía de sordera mental. Nuestros dos invitados, tanto Javier como Sammy, lo saben muy bien. Otros invitados estelares vendrán, sin duda. Stop! 



martes, 26 de marzo de 2019

Review: SILVANIA - The Colors of the Sunset (Independiente, 2019)


Lo primero que se siente al escuchar el nuevo EP de SILVANIA fase 2 (¿o fase 3?) -Mario Silvania junto a Antonio Ballester de Blue Velvet- es la omnipresencia de la faceta Mario que siempre estuvo en las composiciones del dúo peruano. Si Spacemen 3 fue producto de dos almas y cerebros, a saber, Sonic Boom y Jason Spaceman, Silvania hicieron lo propio todo el tiempo que fue comandada por Cocó y Mario. En esta triada el lado celeste-andrógino-etéreo marca Cocó Ciëlo grita justamente su ausencia. 

Las canciones son más que hermosas. "La playa del olvido" es como ver a Mario Telegram perdido, melancólico y esperando que se lo lleven las estrellas a un otro mundo sin fin y mientras ello sucede solo "Cha lalala Cha lalala". La guitarra belking y ritmos tekno provienen de "Paraíso Vacío" (Click New Wave, 2007). "Los Amantes de la Luna" es Silvania convertidos en los This Mortal Coil peruanos, unos The Hope Blister casados con Brian Eno, Klaus Schulze y Slowdive. Suena también como un out take del "Campo de Espirales, Árboles y Secuencias Posibles" (Automatic, 2006).

"Los Amantes de la luna ven 
el atardecer a lo lejos 
y aterrizan en la orilla 
ahora que ? que sera de ellos ? 
Ella entra girando 
con los brazos abiertos 
ahora cae 
en el mar azul 
y reímos una vez mas..."

Finalmente, "She Rises" ignicia el EP elevándote a una fiesta imposible, a un concierto de ruido hermoso (beautiful noise) como en los días de Niño Unicornio, Catch the Breeze, El día del cielo, Babysbreath, Pearl, Isonauta, Diosmehaviolado, Sweet running water... Con solo tres palabras podríamos resumir a Silvania: belleza, pasión, colorismo. Y el corazón y las neuronas aún vibran...  


Wilder Gonzales Agreda.






The first thing that feels at listening to the new EP by SILVANIA phase 2 (or phase 3?) -Mario Silvania with Antonio Ballester from Blue Velvet- is the omnipresence of the Mario facet that was always in the compositions of the Peruvian duo. If Spacemen 3 was the product of two souls and brains, namely, Sonic Boom and Jason Spaceman, Silvania did the same all the time that was commanded by Cocó and Mario. In this triad, the celestial-androgynous-ethereal side Cocó Ciëlo's style shouts its absence.

The songs are more than beautiful. "La playa del olvido" is like watching Mario Telegram lost, melancholic and waiting for the stars to take him to another world without end and while it happens only "Cha lalala Cha lalala". The belking guitar and tekno rhythms come from "Paraíso Vacío" (Click New Wave, 2007). "Los Amantes de la Luna" is Silvania converted into the Peruvian This Mortal Coil, The Hope Blister married to Brian Eno, Klaus Schulze and Slowdive. It also sounds as an out take of "Campo de Espirales, Árboles y Secuencias Posibles" (Automatic, 2006).

"The Lovers of the moon see
the sunset in the distance
and they land on the shore
now what ? What will be about them?
She enters by turning
with open arms
now she falls
in the blue sea
and we laughed once more ..."

Finally, "She Rises" ignites the EP elevating you to an impossible party, to a concert of beautiful noise as in the days of Niño Unicornio, Catch the Breeze, El día del Cielo, Babysbreath, Pearl, Isonauta, Diosmehaviolado, Sweet running water ... With only 3 words we could sump up to Silvania: bauty, passion, colorism. And the heart and neurons still vibrate ...


Wilder Gonzales Agreda.

sábado, 23 de marzo de 2019

MÁS ALLÁ DE LAS MOSCAS DEL MERCADO V :. 5 discos para escuchar y viajar


La serie de da blog dedicada a gritar a los cuatro vientos manjares desconocidos por los demasiados y siempre sobrantes continúa. Cheka las partes I, II, III y IV.


SPECTRUM - Forever Alien (1997)

... Abriendo este penúltimo año de Post Rock vanguardista, este LP viene a ser la representación futurista de Red Crayola + 13th Floor Elevators + Velvet Underground + Pink Floyd. Un maestro perfeccionista, genio y visionario, Peter Kember, héroe supremo de la Psicodelia Avant-Garde contemporánea. Un disco que interpreta, de manera pop conceptual, El Viaje para este fin de siglo. utilizando instrumentos desde los usados allá por los 60 hasta los más sofisticados equipos de hoy, como los utilizados por Jonah Sharp; todo esto gracias a la influencia de trabajar con Alf Hardy.

Feels like I'm Slipping Away ("Se siente como si me estuviera resbalando"); la nueva versión de How Does It Feel, titulada The Stars Are So Far. Seguimos el viaje con Delia Derbyshire y sus teclados hiper-envolventes y psicodélicos. Simplemente tienen que escucharlo para comprobarlo. Forever Alien (Por Siempre Extraño): "Como puedo gozar una existencia dolorosa... Dónde está el pedacito de verdad humana que tenga sentido para esta confusión...".

Este LP es el trabajo más sofisticado y ambicioso de Spectrum, como si juntáramos todo lo anterior, re-estructurándolo y tejiéndolo de nuevo.

EDUARDO LECCA
Vanguardia 1966 - 1998

cheka nuestro post sobre los 20 años del Forever Alien acá







S. OLBRICHT - For Perfect Beings (2016)

"For Perfect Beings" de S Olbricht se estaba convirtiendo rápidamente en el "Chinese Democracy" de la música house, una combinación de retrasos interminables de la planta impresora (la respuesta de la industria fonográfica al aumento sin precedentes en la demanda de vinilos: no hace nada precisamente a los que existen [usualmente convierten silos de misiles de la guerra fría en las partes más inaccesibles del este de Albania que usan equipos que hubieran quedado desfasados ​​para Al Jolson y que, cuando se rompen con frecuencia, se deban reparar con repuestos subrepticiamente destornillados de máquinas de coser y cosechadoras combinadas] que llevaron a la creencia de que nunca vería la luz del día. La espuma pública en la boca fue parcialmente mitigada por el repentino lanzamiento de un EP de 4 tracks, "ZZM" en el sello UIQ de Lee Gamble, y finalmente, lo que me encanta de Olbricht es su capacidad para concentrarse en los elementos que él sabe elevarán sus tracks por encima del promedio (un "earpython" de una melodía, un marco de percusión que toca trucos sutiles con la configuración habitual de 4/4; una fidelidad que se asienta de lleno entre el low forzado y el excesivamente pulido hi y un personaje indefinible que te obliga a escuchar, pero no por los arreglos del hardware/software involucrados en la creación de un track, sino por el propio track. Es una receta difícil de hacer funcionar (para el equivalente a 3 estrellas Michelin, escuche Perfume Advert), pero Olbricht tiene un talento que me parece gloriosamente adictivo. ¿Valió la pena la espera de "For Perfect Beings"? Puedes apostar. Pista favorita: Blambestrid.

NICCOLO BROWN

cheka nuestra entrevista a S. OLBRICHT acá






PUNA - Sukha (2019)

Lo nuevo de los limeños PUNA es un macerado que por momentos resulta estar un poco más cerca del rock indie de Explosions in the Sky o GodSpeedYou!BlackEmperor que de divinidades shoegazers como Slowdive, Ullrich Schnauss o My Bloody Valentine. Las piezas de "Sukha", editado por Chip Musik Records, presentan una manufactura minuciosa. Neto Ankalli en la producción les ha dado un toque hi fi sin ser óbice para palpar la esencia melómana de los protagonistas. Ultramar presenta colores jazzys y es ahí donde la batería de Leko López se eleva y danza como los iluminados, su final en plan Explosions es canon. Delsolgris podría provenir del catálogo de Airiel. La oda a Swervedriver, Unanulaluna, es de lo más shoegazer del álbum junto al track homónimo, una medicina abisal etérea de 6 min para resistir un día más en esta sociedad generosa en cojudeces. “Concebir este disco ha sido todo un proceso de lucha contra el tiempo/vida y el sistema. Sukha es un nombre poco común, que en sánscrito y pali significa placer, tranquilidad, felicidad. “Sukha” es un estado de calma para llegar a la concentración y a las absorciones meditativas. "Sukha" en quechua se traduce como atardecer. Estos dos significados se fusionaron y dieron nombre a nuestro álbum...”. 
"Sukha" deja el pastel y la cizaña para el final. Outro /// Shanay - Timpishka es psicotropía a mil, un viaje en ayawaska por la Av. Brasil a medianoche. La música como fin y no como medio. Un documento singular y arisco en la historia de Puna -y de la escena local- fiel reflejo de los tiempos que vivimos. 

WILDER GONZALES AGREDA.







SHOEG - Vaseline (2017) 

EXPERIMENTAL / POST-VAPORWAVE  Carlos Martorell (Ensemble Topogràfic) se estrena en el interesante sello californiano Memory No. 36 Recordings con su tercer trabajo en solitario bajo el alias Shoeg. “Vaseline” es un trepidante artefacto sonoro repleto de arpegios MIDI, cadencias revoltosas y vocalizaciones digitalizadas. Como si una inteligencia artificial narcotizada se hubiera hecho cargo de la mezcla, el disco yuxtapone reposados pasajes new age con momentos que parecen salidos de un videojuego de acción de los noventa. En “Registry”, por ejemplo, el sonido de un frenético piano a lo Conlon Nancarrow se estrella contra un obstinado loop de acento rave para, después, en “Risk Patterns” y “Debt”, sumergirnos en un acuario de sonidos gráciles que recuerdan el trabajo de Haruomi Hosono y otros pioneros del digitalismo pop nipón. En “Vaseline” todo sucede como en un afortunado accidente sonoro y a la velocidad de una reacción en cadena tan imprevisible como adictiva. Las composiciones del disco ganan progresivamente cuando se escuchan en modo repeat, como si nuestros oídos, ebrios de emoción, quisieran volver a subir a la misma atracción una y otra vez. Escucha obligada para los fans del Oneohtrix Point Never de “R Plus Seven” (2013) o las dos partes de “Commissions”(2014-2015). ARNAU HORTA







THE RED KRAYOLA - God bless the Red Krayola and all who sail with it (1968)

Debido a problemas legales con patentes y marcas (?), tuvieron que cambiar la C por la K. Coincide que este álbum es totalmente distinto al anterior. Más sofisticado, suena como si Red Krayola hubiese sido una banda vanguardista de los 80 o 90, pero grabando en el 68'. Básico para la Vanguardia de fines de los 70 a través de EE.UU. y UK. The Shirt, Save the House, Coconut Hotel, Free Piece, Diary Maid's Lament, Sherlock Holmes, The Jewels of the Madonna, Green of my pants y Night song.

Para aquellos que aún no la captan, imaginen un sonido fusionado de Wire + Clash + Sonic Youth + MBV + His Name Is Alive + John Cage + Free Jazz, todo esto en el 68'. ¡Es un reto para tus oídos!

EDUARDO LECCA
Vanguardia 1966 - 1998


viernes, 22 de marzo de 2019

"Santiago" de Yuyachkani 18 años después


"En el Perú hay muchas cosas, como la violencia, que no están resueltas" declara Amiel Cayo, actor puneño quien da vida a uno de los personajes más intensos de "Santiago" versión 2019, creación colectiva de Yuyachkani y Peter Elmore, dirigida por Miguel Rubio Zapata. Un indio encargado de custodiar el templo donde descansa la efigie del "patrón Santiago" desaparecido por 15 años en una especie de pueblo fantasma de los Andes. Los otros dos papeles recaen en Ana Correa y Augusto Casafranca, a saber, una madre que ha perdido dos hijos y un comerciante enriquecido con malas artes.

Somos un país -que no nación- occidentalizado a la fuerza. No podemos escapar de eso. Algo que se evidencia claramente en la obra. Los personajes se entienden en quechua pero sus miedos y sus dioses son los mismos que los de un católico occidental. ¿Aculturización, mestizaje? Siempre me pregunté qué dirían los luchadores del Taqi Onkoy de saber que hoy sus paisanos festejan dócil y placenteramente el santoral católico. “Estoy pensando, estoy recordando” nos dice Yuyachkani.

A lo largo de la hora y media que dura la pieza la potencia e ingenio de la misma se despliega delicadamente en múltiples formas, sonidos y aromas. Gran parte de los diálogos van en runa simi y la intuición funciona mejor que nunca. La pugna entre lo español -encarnado por Augusto Casafranca, el comerciante/mayordomo, y por el santo patrón- y lo autóctono -representado por Amiel Cayo y por Illapa, el rayo- termina siempre y a pesar de la resistencia,  tanto corporal como simbólica, en derrota andina. El rol de madre y devota desesperada de Ana Correa siendo menor cumple en darle historicidad al relato: "¿la guerra ha terminado pero cuando comienza la paz?".

Al encontrar la efigie del santo, no así la del árabe -"Santiago Matamoros"-, amarran al guardián y lo colocan bajo el caballo del venerado. Empieza la música y la procesión y el indio gritando enajenado "¡no soy moro, no soy moro, no soy moro!" y alcancé el éxtasis. 

Quizás nunca habrá paz pero gente como los Yuyachkani estará ahí para recordarnos que como sociedad y como especie apestamos.



Wilder Gonzales Agreda.




Del Amitri - Move Away Jimmy Blue







A struck match faded like a nervous laugh
Beyond the halo of a naked bulb
Your low voice mingles with your other half's;
School friends in second-hand clothes
Eventually your world will shrink within four walls
Of neglected debts and stolen stereos.
So move away jimmy blue
Before your small, small town turns around
And swallows you
A drunk mother was the cue
For the legendary things that you do
Behind a carnival tent with mud on your face
Behind the old glue factory too.
So move away jimmy blue
Before your small, small town turns around
And swallows you
Wet feet visit the same old places
Finding nothing new
It's a binful of tissues from made-up faces
In a townful of nothing to do
A love match with the moon
In a lay by, while insects hum and
You got put in the darkness of a woman's womb
Jimmy blue.
So move away, yeah,
Move away jimmy blue
Before your small, small town
Turns around and swallows you.


domingo, 17 de marzo de 2019

SANTIAGO de Yuyachkani, funciones en Gran Teatro Nacional



“La guerra ha terminado pero ¿cuándo comienza la paz?”. 


Los tres últimos habitantes de un pueblo casi fantasmal en los Andes del Perú, en un acto donde se unen la desesperación y la esperanza, deciden sacar en andas la efigie del Apóstol Santiago, buscando revivir una ceremonia abandonada durante los quince años anteriores.  Así, a la sombra de un ritual a la vez interrumpido e inminente, se construyen las imágenes, las tensiones y las circunstancias de SANTIAGO. 

¡YUYACHKANI vuelve al GRAN TEATRO NACIONAL!

Luego de presentar “Los Músicos Ambulantes” en el 2017 y “Con-cierto Olvido” en el 2018, Yuyachkani regresa al GTN en un esfuerzo conjunto para dar lugar a “Santiago” con dos únicas presentaciones:

Fechas: Miércoles 27 y jueves 28 de marzo.

Hora: 20.00 horas.

Evento en FB 

Las entradas para el SANTIAGO están a la venta en Teleticket y la boletería del Gran Teatro Nacional. 


Si la música te hace vibrar, tienes un cerebro especial


Si un buen ritmo hace vibrar tu espina dorsal, es posible que tengas un cerebro único. Según una investigación publicada por Social Cognitive and Affective Neuroscience, las personas cuyos cuerpos responden a la música tienen cerebros estructuralmente diferentes a los demás.

En estos individuos, la corteza auditiva se comunica de manera más eficiente con aquellas áreas del cerebro asociadas con el procesamiento emocional. Matthew Sachs, un estudiante de doctorado de la USC y el investigador principal del estudio, dice que esto se debe a que hay muchas más fibras que unen las dos regiones. Tales conclusiones ofrecen profundos conocimientos científicos y filosóficos, y arrojan luz sobre por qué la música ha tocado a tantos desde el comienzo de la humanidad.

"Juntos, los resultados actuales pueden conformar teorías científicas y filosóficas sobre los orígenes evolutivos de la estética humana, específicamente de la música", explican los autores del estudio. "Quizás una de las razones por las que la música es un artefacto multi-culturalmente indispensable es que apela directamente a través de un canal auditivo a los centros de procesamiento emocional y social del cerebro humano".

Fuente: IFLSCIENCE!

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