"Creo que incluso en el ámbito cultural, más allá de compadrismos y amiguismos, hay una miopía a lo que se hizo de los 90s en adelante (y eso, siendo buena gente)" ARTURO CALDERÓN.
Hoy recibí un comentario en la página de Perú Avantgarde de un seguidor quejándose de mis posts aduciendo que siempre escribía lo mismo en diferentes tonos, dando a entender que si pensaba que ya todo estaba hecho o carecía de sentido después de los 90 mejor me vaya a dormitar. Para ser sincero, creo injusta esta diatriba, ya que durante todos estos años me he tomado el trabajaso de realizar rankings con lo mejor de cada año, recopilando y dando a conocer discos y proyectos nuevos además de entrevistar a gente como Alexandra Atnif, Jessica Kert o Afrikan Sciences entre varios otros. Así que mi blog y contenido musical se defienden solos.
Esta vez facebook en sus flashbacks me recuerda una frase pronunciada hace 2 años, cuando la bodas de plata del casette de Crisálida Sónica (1997), por nuestro compadre Arturo Calderón. Se refería al poco arraigo o peso que se da a la movida avantgarde de los 90, si nos ponemos a sopesar la gravitación que poseen la escena 80's subte o a los dinosáuricos 60s pues iremos captando la pertinencia de la frase. Y esto a pesar de lo que algunos lectores o asiduos a Perú Avantgarde puedan creer. Claro hasta Los Saicos tienen su fotex con el ladronazo de Caballoloco Alan García, algo así como Diana de Gales con Mr. Beam.
Seguimos remando contra la corriente y si ya lo hicimos antes cuando nadie daba un centavo por estos sonidos, ni era lo in pues que más da realizarlo hoy.
1994 fue hace tanto que me parece alucinante vivir para contarlo. Fue el año del despegue y asunción global de la moda Nirvana y el grunge, atizada por el suicidio del cantante, a la par estábamos quienes respirábamos los efluvios del shoegaze y el ambient muy a pesar de los refritos y las moscas del mercado. Todavía ensayaba y cantaba para los Hipnoascensión. Recuerdo que solíamos ensayar en una casa deshabitada en Payet (Independencia) donde fue que tuve mi primer vuelo psicodélico escuchándoles tocar "Guitar Voodoo" de Darkside y que solíamos también ir de boleto por las calles de la Colmena con trago y un plátano y su chancay de veinte céntimos para mal matar el hambre. Lenti con su tienda en la calle Los Pinos ponía al día a medio Lima con respecto a los sonidos más frescos del globo. De hecho fue gracias Transmission Records -tal era el nombre del local- que pude gozar de grupasos como Seefeel, Pram, Laika, Rise and fall of a decade y hasta Love is colder than death o lovesliescrushing en tiempo real.
Por mi lado pedía discos y casettes a través de diferentes dealers. Recuerdo a Pako de Zárate o al Chino Igor y Lalo. Uno de esos grupos nuevos que tuvimos a bien descubrir gracias a nuestra adhesión a la innovación y lo rupturista, nunca estaré tan agradecido como debiera con esa actitud del Wilder adolescente, fue Spacetime Continuum, el proyecto del inglés Jonah Sharp. Le conocí primero a través del sampler Excursions In Ambience 3, The Third Dimension y me enamoré. Otro de los grandes descubrimientos posibilitados por ese tape fue Aphex Twin.
Eran días en los que casi no podía dejar de escuchar música a cada momento. Nunca me interesaron los estudios ni la vida normalita, mi lujuria y pasión por la música eran demasiado como para tomar si quiera en consideración llevar una vida convencional de estudiante. Tuve extrema suerte de que mis padres me bancaran, sé que mi música, textos y existencia enteros es gracias a ellos pues alguien como yo no debería haber sido/existido, mucho menos en un país tercermundista como el Perú.
Se respiraba además otro zeitgeist, a pesar de todo. Sí, vivíamos la dictadura fujimontesinista, la caída de la URSS y el endiosamiento del capitalismo global mas a pesar de todo los ignorantes sabían que eran ignorantes y era impensable tener como congresista, candidato presidencial o rector de universidad a tipos como César Acuña, millonarios como Joaquín Ramírez y mafiosos de esa calaña. Cierto que, como lo recuerda el propio MVLL, la elite peruana siempre ha sido ignorante y burra pero hoy hemos llegado a un paroxismo ridículo: programas de TV con re-encauchados musculosos buenos para nada compitiendo en juegos estúpidos engancha a una audiencia portentosa y tiene auspiciadores por doquier. Cierto había más racismo, clasismo y las taras de siempre contra los gays y lo diferente pero en esencia ello ha cambiado poco. ¿O no se acuerdan de "me llega al pincho tu filtro", o "en mi universidad no entra gente como tú, color puerta"? ¿O acaso Rosalía, Bad Bunny y Karol G son ejemplos de un entendimiento elevado?
De tal forma que hemos pasado de tener en el prime time a César Hildebrandt o políticos como Luis Alberto Sánchez a los mafiosos y ladronzuelos de hoy. Y ya la internet tampoco es realmente un paliativo, si lo comprobamos, nuestros jóvenes están más absortos en fruslerías e idioteces a un click de distancia que en investigación intelectual, y no se diga nada de la cantidad y variedad de distractores disponibles desde la cuna.
Ahora la mentalidad neo liberal se inserta a cada respiro no solo por las pantallas del celular, las líricas del reggaeton de moda pero también por la oferta de productos que desde la esquina de tu barrio te ordenan "consume, obedece". Pasamos de tener unos suburbios o conurbanos con poca presencia del Estado, en los 80 y 90, a tugurios donde como sea se insertan malls, un multicines, KFC... ¿Museos, teatros, bibliotecas? ¡Cojudeces! ¿Música experimental? ¡Fuera nerd de m!
Así las cosas no es de extrañar que de la escasa gente que se aficione por la música o cultive un arte, muchos lo hagan no por interés genuino de explorar o sentir sino por el sambenito de lograr "ser alguien en la vida", "hacerla", y todas las variables de ese porte que se puedan imaginar. Lo vimos hace poco con el escándalo desatado por los machirulos de la escena indie, tremendos predadores y violadores de mujeres que parecen tener más maña y cerebro para los afanes sexuales que para salir y crear una música interesante u original. Lo viví hace poco, cuando la productora del disco "Posguerra" me envió un whatsapp quejándose por mi artículo sobre la vanguardia del cono norte donde además de ella, estaban incluídos gente como Les Replicants, que, en su opinión, "lo puede hacer un niño japonés de 5 años, yo soy una profesional", etc etc. ¿Es esta nuestra versión conera de Björk + Kate Bush? ¿Para esto dimos la vida y apostamos por la innovación y la vanguardia cuando nadie daba un p1nch0 por esto? ¿Para que el sueño húmedo del músico hoy sea un Grammy, ser reconocido como rock pop star o comerse y violentar a las flacas más ricas de la movida? ¡Involución!
Todavía recuerdo 1994, sí hace ya 30 años, cuando nos asombrábamos de la música de Spiritualized, Chapterhouse o Stereolab, y sus ejemplos de riesgo musical en tiempo real -¿han oído el "Blood Music" de Chapterhouse o su disco de remixes, ídem con Swallow o ESP Summer?- y sabíamos que en 20 años íbamos a estar en otra. Varias veces he recalcado que estos discos noventeros, para mí hoy son refritos, si bien me deleito compartiéndolo y difundiendo anécdotas y discos de una escena que si no es por Perú Avantgarde, no los menciona nadie, pero qué increíble que así como hemos pasado de cultura e inteligencia en los medios -¡Super Cholo!- en la escena musical hayamos retrocedido otro tanto.
No somos iguales sintiendo.
LOW - I could live in hope
1994
I Could Live In Hope es casi un demoledor manifiesto del trío de Duluth. Recordemos que allá por 1994 reinaba en el mercado el horrible grunge, era la época de adefesios tipo Pearl Jam, Stone Temple Pilots, etc; en ese contexto es que surge este hermoso álbum. El debut de Low destila belleza como pocas veces he oído, y lo mejor es que el trío se las arregla para no volverse empalagoso. “Words” es, sin duda, el tema más radiable del plástico y su apertura: a lo largo de 57 minutos, los Low te llevan por paisajes fantasmales, oscuros y depresivos. ¿Quieres tener una idea? Pues imagínate a unos Cure –era Faith- covereando canciones de Labradford. El tratamiento de la música es minimal pero a la vez exuberante, ya que logran sacar el máximo provecho a los austeros sonidos mostrados insistentemente durante todo el disco -ya sabes, minimalismo convertido en maximalismo. Sobresalen también “Lazy”, “Cut” y “Lullaby”: una nana para niños de almas viejas. Al final (“Sunshine”, cover de una olvidad canción de Joni Mitchell), llega la redención, la felicidad instantánea que surge tras comprobar que has sido capturado por esta especie de tristeza lacerante que tú también atesoras en esencia. (WGA)
261. Lovesliescrushing - Bloweyelashwish
Siguiendo con el rumbo hacia lo bienaventurado y etéreo-psicodélico, desde Arizona (con sus cálidos y coloridos atardeceres), música elaborada por las guitarras y sonidos de Scott Cortez y en las voces Melissa Arpin.
Referencias: Cocteau Twins, Cindytalk, A.R. Kane, MBV, Slowdive, Medicine. Bliss Pop radical y salvaje, Ruidismo Dulce: Baby's Breath, I Want You, Dizzy, Burst, Sugaredglowing, Glimmer, Your Eyes Inmaculate, Precious y Darkglassdolleyes. Este álbum es una cuña entre el Dream Pop y el Bliss Pop. ¡Es la única banda de avanzada dentro de la postura Projekt!
EDUARDO LECCA
Vanguardia 1966-1998
SPACETIME CONTINUUM
Sea Biscuit
FAX PS61 CD
Sea Biscuit es el álbum debut en solitario de Jonah Sharp, radicado en San Francisco, el inglés del Ambient en el extranjero. Es un ejemplo clásico de cómo este género musical es a la vez reflexivo y representativo de su entorno. Así como la new age de electrónica japonesa refleja un futurismo al estilo Blade Runner, este álbum está impregnado de la agradable atmósfera de la costa oeste de Estados Unidos.
La música de Sharp se sitúa fuera de los confines (autoconstruidos) del ambiente tradicional en virtud de su inquietud rítmica. Basándose en sus experiencias musicales formativas como baterista de jazz, ha producido siete pistas de delicados glissandis, perezosas transmisiones de ondas sinusoidales y melancólicos sintetizadores, que nunca se contentan con hundirse en su propia estasis. Se trata de música motivacional, deliberadamente programada para viajar de A a B, incluso si el viaje en sí es relajado.
ECSTASY OF ST THERESA
Free-d (Original Soundtrack)
FREE/GO! DISCS CDFRE 4 CD/MC/LP
MAIN
Motion Pool
BEGGARS BANQUET BBQ 148 CD/LP
Praga: una de las ciudades más extrañas de Europa: cápsula del tiempo y capital progresista, donde la pobreza y la confusión son siempre visibles a pesar de las recientes y masivas inversiones inmobiliarias; y cuya arquitectura cívica parece diseñada para convertir la luz entrante en oscuridad. Todo esto tiene que ver con la mejor música de Praga, Ecstasy Of St Theresa.
Una vez liberados ("free-d") en 1989, el ya próspero underground de la República Checa de repente tuvo acceso a todos los artefactos pop creados desde 1968, todos a la vez. Lo que significaba escuchar música recontextualizada, liberada de su desarrollo lineal en la historia: Lee Perry junto a My Bloody Valentine junto a Acid House junto a Krautrock junto a ABC... Free-d está en línea con un creciente absceso dentro del núbil y sano cuerpo de la electrónica: grupos como Disco Inferno, u-ziq, Insides y Butterfly Child luchan con la tecnología ambient pero, al hacerlo, la alejan de las demandas de la benigna gente que dice sí a la cultura de club.
Las siete pistas del álbum son divisiones enormes y amplias, dotadas de estructura y pulso mediante insípidas líneas de bajo Techno y balidos fragmentados de la vocalista adolescente Irena (ya fallecida). Los temas menos exitosos son las dos mezclas de "Trance (Between The Stars)", donde la banda toca coros al amanecer y samples de mugidos de ganado. Lo mejor es "Her Eyes Have It", una fusión prístina y transformadora de instrumentos en vivo (violonchelo, congas y guitarra slide, cortesía del trío londinense Revolution 9) con fuegos artificiales dubby, "Higher Than The Sun".
La fortaleza del protagonista principal de Main, Robert Hampson, incluso cuando dirigió el excelente Loop a finales de los 80, fue siempre la consistencia de sus imágenes: en los títulos de las canciones, en la trepanación despiadada de tu cráneo mediante ritmos circulares y temblorosos; la forma en que separaron rigurosamente los pasajes más babeantes y osarios del archivo de Stooges, J. Hendrix y los abstrajeron en sus propios riffs afilados. Main hierve este residuo aún más abajo, dejando el ruido del rock carbonizado y listo para su dispersión.
Gran parte de Motion Pool suena como un experimento de física con su terminología cerebrada: "Core", "Spectra Decay", "Rotary Eclipse", "Heat Realm", "Liquid reflect"; un examen del efecto de bombardear una textura con partículas de otra. Pero en cada paso de estas investigaciones sobre las propiedades y los límites elásticos del ruido procedente de drones, Main maneja sus materiales con extrema delicadeza: cada armónico, gemido y sobretono pegados en la imagen tan obsesivamente como una pincelada de Francis Bacon. Son estetas de la amenaza. Mientras que Ecstasy (EOST) está encarcelado en las estrellas sin ningún lugar en particular adonde ir, Main siempre está raspando la corteza de los planetas ("Crater Scar"). Los sonidos en Motion Pool están siendo sometidos a una gran compresión y compactación, y a menudo terminan siendo poco más que garabatos de carboncillo. Interesante.
ROB YOUNG.
PRAM
Helium
TOO PURE 41 CD
LAIKA
Silver apples of the Moon
TOO PURE 42 CD
Un sello inventivo, dos grupos visionarios y dos historias muy diferentes de ensoñación urbana.
Pram todavía suena como un Can lo-fi. Su música todavía ofrece una versión improvisada del pop en una tienda de chatarra de jazz y su conocimiento de la tecnología sigue siendo deliciosamente esotérico, abarcando toda la gama, desde Hawaiian Bubble Machines hasta el sampler digital. Tal despilfarro mecánico normalmente sería la marca de un grupo urbano, literalmente conectándolos a una red industrializada, pero Pram evita por completo la lógica de la ciudad. Las ciudades corren a un ritmo implacable, sus poblaciones desarraigadas están unidas por una rigidez impulsada por la rutina. Si hay una expresión musical para esta experiencia, entonces seguramente es el frenesí frenético del 'Ardkore Techno' con su cálculo rítmico de ecuaciones complejas. Además de estos esquemas impositivos, las canciones murmuradas de Pram administran una saludable inyección de teoría del caos. Cambiando lo impersonal por lo personal, convierten la música nuevamente en arte y llenan de belleza las calles urbanas.
En la película Wings Of Desire/Alas del Deseo de Wim Wenders, una trapecista lamenta el cierre de su circo, sabiendo que pronto tendrá que regresar al "mundo real" y a su agotador trabajo como camarera. Esta escena resume perfectamente a Pram. Desde títulos como “My Father The Clown” hasta la sensación de la gran carpa de la música, Helium celebra la vida como un espectáculo, un arco iris de potencial que trastoca la monotonía de la vida cotidiana.
Cuando "Blue" se acerca peligrosamente a la nueva ortodoxia del jazz, las suaves líneas de la trompeta se rompen rápidamente; sampleado, remodelado y doblado. Sin la flacidez esporádica que persiguió a su álbum anterior, "The Stars Are So Big", la estructura permanece increíblemente suelta, y cada instrumento parece inventar su propio papel en este desfile sensual y ebrio.
Mientras que los sueños de Pram son una corriente de burbujas que flotan sobre los edificios, los de Laika están arraigados en el corazón de la metrópoli. En el proceso de dejar su grupo anterior Moonshake y formar Laika, la cantante Margaret Fiedler ha conservado una influencia del jazz rock pero ya no tropieza con las zonas más difíciles de la ciudad. "Silver Apples Of The Moon" tiene una sensación nítida y sofisticada, y se abre camino a través del centro de la ciudad con capas de percusión.
“Sugar Daddy" es magnífico. Abre con los sonidos del tráfico y un par de ghetto-blasters/grabadoras portátiles que pasan, Guy Fixsen se une a Fiedler en la voz, creando una canción pop romántica a medio camino entre el Ambient soul de The Beloved y el frenesí polirrítmico de Rip, Rig And Panic. A lo largo del LP, el jungle urbano orgánico de Laika parece teñido de neurosis. La percusión parece tan precariamente equilibrada que algo tiene que ceder.
En temas como “Marimba" y “44 Robbers”, la instrumentación africana e india hace magia con los espíritus de otras tierras; espejismos que se vuelven positivamente amenazadores cuando se ven aumentados por los cantos cacofónicos de los pájaros o los rabiosos rebuznos de animales simulados por el saxo. Ocasionalmente, la locura del pat-a-cake/jugar a las palmitas roza lo simplista, pero a medida que la realidad comienza a correr por los cristales de sus ventanas, esto parece un defecto menor en una obra de genio impresionante.
SUSAN MASTERS
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