Vanguardia Peruana & Sonidos Contemporáneos: Discos que prendieron fuego al mundo (mientras nadie escuchaba)

lunes, 23 de septiembre de 2019

Discos que prendieron fuego al mundo (mientras nadie escuchaba)

De "100 discos que prendieron fuego al mundo (while noone was listening)" por THE WIRE mag. (1998)

¿Cansado de que otras revistas te recuerden que los mejores álbumes del mundo fueron hechos por The Beatles, Beach Boys y Rolling Stones? También nosotros. En las próximas 18 páginas encuestamos a nuestros escritores para encontrar una guía de 100 discos que deberían haber encendido la imaginación del mundo, excepto que todos los demás estaban escuchando ...

PIERRE AKENDENGUE
Nandipo
(Saravah, 1973)

Compositor, guitarrista, dramaturgo, poeta y cantante, la influencia de Pierre Akendegue en su hogar, Gabón, es enorme, en el mundo francófono, ha hecho mella, en todos los demás, apenas es una nota al pie. Graduado de universidades en Francia (en literatura, psicología y más), Akendengue se quedó ciego en algún momento en sus veintes, lo que puede haber dirigido sus sentidos restantes hacia el lenguaje del sonido, la forma en que las partes musicales se unen y los contrastes en canciones de diferentes países... Nandipo, su primer álbum, se convierte en una obra de teatro: cada canción es un acto dramático hecho de escenas en miniatura. Las voces complementarias (coros armónicos ajustados, el propio tenor trino de Akendengue y la voz enfática de lectura) se sitúan sobre una colección de instrumentos individuales, cada uno en su propia línea rítmica. El álbum está acentuado por una guitarra acústica suave, agitadores en efecto estéreo, corte de flexitono, berimbau y cuica, cello profundo. Con la ayuda de la brasileña Nana Vasconcelos, Akendengue incorporó sin problemas el popular estilo vocal melódico francés, la viva percusión amazónica y los sólidos, conmovedores temas, palabras y energía africanos: un estilo del "Cuarto Mundo" varios años antes. RE.

BAD BRAINS
Bad Brains
(ROIR, 1982)

¿Crees que estás exitado? Deja que este álbum sea tu criterio. ¿Viste a los Beatles en Ed Sullivan? Vimos a Bad Brains en A7 y arriba se volvió abajo. Esta música incansablemente grabada y completamente implacable justifica cada cliché que se le arroja: un tren fuera de control, un disparo de agua desde una manguera, Coltrane como rock, lo que sea. Los cambios inesperados del grupo y los riffs pegadizos pueden ser el producto de su trasfondo de fusión, pero en 1982, ¿quién sabía de dónde venían los punks negros, y mucho menos lo que escucharon? El cantante HR canalizó las humillaciones de Johnny Rotten a través de la positividad pro-Rasta y las preocupaciones locales y, solo para expresar su punto de vista, bailó para personas con discapacidad auditiva como James Brown, el Punker original. Los números dub (apenas un movimiento de moda en ese entonces) te dan la oportunidad de recuperar el aliento antes del próximo hendir a la correción. Puede haber música punk más rápida, más dura o más fuerte en algún lugar, pero no levita como esta mierda utópica. SFJ

LOUIS & BEBE BARRON
Forbidden Planet OST
(Small Planet, 1956)

Cuando MGM llegó a pedirle a Louis y Bebe Barron que compusieran una banda sonora electrónica para su prestigioso show de ciencia ficción, "Forbidden Planet", el equipo de marido y mujer ya había trabajado con John Cage, Anais Nin, Aldous Huxley y Maya Deren. Imitando los experimentos de Norbert Weiner que implican retroalimentación negativa y positiva en animales estresados, los Barron habían aprendido a hacer que los circuitos eléctricos literalmente 'chillaran', reprocesando los resultados a través de una cuidadosa manipulación de la cinta en paisajes acústicos electroacústicos extremadamente ricos y variados. Habiendo suministrado no solo la música de la película, sino también sus extraños efectos de sonido, los Barron tuvieron que cumplir con la decisión del estudio de incluir su contribución como "tonalidades electrónicas" en los créditos por temor a que la Unión de Músicos pudiera demandar. Esta desafortunada trivialización de su trabajo pionero podría explicar por qué el álbum Forbidden Planet se convirtió en un elemento tan raro y descuidado. Duro, metálico y cavernoso, el futuro nunca volvió a sonar tan bien. KH

JOEY BELTRAM
Places
(TRESOR, 1995)

El lugar del ex artista de graffiti Beltram en la historia del techno está asegurado a través de la auténtica grandilocuencia y la energía arrogante de sus producciones adolescentes para el sello belga R&S, pero en su LP menos elogiado cambió sus puñaladas de teclado por intrincados enrejados de percusión, que construyen y brillan como una escuela de samba cyborg. La portada muestra a Beltram con el Puente de Brooklyn de fondo, la llamativa e inusual estructura ósea alargada de su rostro que complementa los pilones arqueados. Sónicamente, la arquitectura emula los ritmos cableados de la vida urbana, con líneas funky de batería sincopadas rotas por el extraño sonido muy reverberado, o un riff de sintetizador de percusión. "Places" es un ejemplo clásico de la capacidad del Techno de mantenerse indescifrable y dejar que el oyente le dé significado. Beltram es resueltamente determinista sobre su trabajo y se niega a verlo en cualquier forma narrativa o evocadora fuera de la pista de baile. Tracks como "Floaters" y "Set Ups", que inicialmente insinúan referencias oscuras al inframundo, son de hecho una jerga de graffiti: Beltram había comenzado a buscar sus latas de spray cuando hacía el LP. MSh

STEVEN JESSE BERNSTEIN
Prison
(Sub pop, 1992)

"No le fue bien en la escuela, pero manejó la farmacia y las herramientas del crimen callejero instintivamente". Así se lee un epitafio auto-escrito en la manga de la única grabación de Steven Jesse Bernstein, "Prison", lanzada póstumamente. Es un resumen demasiado conciso de sus preocupaciones que típicamente sacrifica la verdad literal a favor del impacto de alto octanaje; la poesía de Bernstein era turbulenta, magullada, conflictiva y compleja, y se basaba en el legado de influencias como Ginsberg y Bukowski. Estuvo de acuerdo en tener una selección de esa poesía grabada y aumentada por el general del mediocampo en Sub Pop y pilar principal de Pigeonhed Steve Fisk durante los últimos dos años de su vida, y el resultado fue "Prison". Fisk comparó la entrega estimulante, áspera y dolorosamente consciente de Bernstein con HipHop sucio, muestras atonales borroneadas y fragmentos de loungecore latino, creando una unión sorprendentemente coherente de palabras y música que merece asegurar que el suicidio de Bernstein en 1991 no consigne su trabajo al olvido. CS

WILLIAM S BURROUGHS
Call Me Burroughs
(ESP-DISK, 1965)

Un hombre, una voz, un micrófono. Seguro que no es mucho mejor que esto: Tío Bill solo en el estudio, leyendo extractos de The Naked Lunch y Nova Express con el destacamento libidinoso de un científico investigador en un laboratorio de toxicología. El sonido del hombre que ama su trabajo. Las rutinas incluyen "The Complete All-American De-Anxietized Man", " The Buyer" y las enloquecidas divagaciones del Enano de la Muerte que asienten bajo la custodia de la Policía de Nova ("¡Mi poder está llegando! ¡Mi poder está llegando!"). Desde que el Cuervo graznó "Nevermore", las cosas no han sonado tan sombrías. Sin embargo, lo que hace que estas grabaciones sean únicas es la forma en que Burroughs aborda algunas de las secuencias más abstractas de sus secuencias cortadas, su acento sepulcral imbuye su sintaxis fracturada con una poesía distante y triste que nunca ha sido igualada. "Call Me Burroughs" demuestra cuán poderoso puede ser un texto de experiencia auditiva. Uno de los cientos de registros que debes escuchar antes de morir. Justo antes de morir, de hecho. KH.

.......

||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||

RECORDS THAT SET THE WORLD ON FIRE
while noone was listening

From "100 records that set the world on fire (while noone was listening)" by THE WIRE mag. (1998)

Tired of being reminded by other magazines that the best albums in the world were made by The Beatles, Beach Boys and Rolling Stones? So are we. Over the next 18 pages we poll our writers to come up with a guide to 100 records that should have ignited the world's imagination, except that everyone else was fidding...

PIERRE AKENDENGUE
Nandipo
(Saravah, 1973)

Composer, guitarist, dramatist, poet and singer, Pierre Akendegue's influence in his home, Gabon, is huge, in the francophone world, he's made a dent, everywhere else, he's barely a footnote. Graduated from universities in France (in literature, psychology and more), Akendengue went blind sometime in his twenties - which may have turned his remaining senses toward the sound of language, the way musical parts fit together, and the cotrasts in songs from different countries. Nandipo, his first album, becomes a play - each song a dramatic act made of miniature scenes. Complementary voices (tight harmonic choruses, Akendengue's own trilling tenor and emphatic reading voice) arc above a collection of individual instruments, each running on their own rhythmic line. The album is accented by soft acoustic guitar, shakers in stereo effect, slicing flexitone, berimbau and cuica, deep cello. With the assistance of Brazil's Nana Vasconcelos, Akendengue seamlessly incorporated the French popular melodic vocal style, brisk Amazonian percussion, and solid, soulful African themes, words and energy: a "Fourth World" styling several years early. RE.

BAD BRAINS
Bad Brains
(ROIR, 1982)

You think you're all worked up? Let this album be your yardstick. You saw The Beatles on Ed Sullivan? We saw Bad Brains at A7 and up became down. This ineptly recorded, completely relentless music justifies every cliche thrown at it -runaway train, water shot from a hose, Coltrane as rock, whatever. The group's unexpected changes and catchy riffs may be the product of their fusion background, but in 1982 who knew where the hell for black (belt) punks came from, much less what they listened to? Singer HR channelled the putdowns of Johnny Rotten through pro-Rasta positivity and local concerns and, just to make his point, danced for the hearing-impaired like James Brown, Original Punker. The dub numbers (hardly a fashionable move back then) give you chance to catch your breath before the next haynde to righteousness. There may be faster, harder or louder punk music somewhere but it doesn't levitate like this utopian shitfit. SFJ

LOUIS & BEBE BARRON
Forbidden Planet OST
(Small Planet, 1956)

By the time MGM got around to asking Louis and Bebe Barron to compose an electronic soundtrack for their prestige sci-fi presentation, "Forbidden Planet", the husband and wife team had already worked with John Cage, Anais Nin, Aldous Huxley and Maya Deren. Mimicking Norbert Weiner's experiments involving negative and positive feedback in stressed animals, the Barrons had learned to make electrical circuits literally 'shriek', reprocessing the results through careful tape manipulation into extremely rich and varied electroacustic soundscapes. Having supplied not only the film's music but its alien sound effects as well, the Barrons had to abide by the studio's decision to list their contribution as 'electronic tonalities' in the credits out of fear that the Musicians' Union might sue. This unfortunate trivializing of their pioneering work might explain why the Forbidden Planet album became such a relatively rare and neglected item. Harsh, metallic and cavernous, the future never sounded this good again. KH

JOEY BELTRAM
Places
(TRESOR, 1995)

Former graffiti artist Beltram's place in Techno history is assured through the sheer bombast and snotty energy of his teenage releases for Belgian label R&S, but on his less-lauded LP he traded in his tough keyboard stabs for intrincate lattices of percussion, which build and shimmer like a cyborg samba school. The cover shows Beltram with the Brooklyn Bridge in the background, the striking and unusual elongated bone structure of his face complementing the arching pylons. Sonically the architecture emulates the wired rhythms of urban life, with funky syncopated drum lines broken up by the odd heavily reverbed splash of sound, or a percussive synth riff. "Places" is a classic example of Techno's ability to keep itself indecipherable and let listener give it meaning. Beltram is resolutely determinist about his work and refuses to see it in any narrative or evocative form outside of the dancefloor. Tracks like "Floaters" and "Set Ups", which initially hint at dark underworld references, are in fact graffiti slang - Beltram had begun to pine for his spray cans when making the LP. MSh

STEVEN JESSE BERNSTEIN
Prison
(Sub Pop, 1992)

"Didn't do well in school, but handled pharmacy and the tools of street crime instinctively." So runs a self-penned epitaph on the sleeve of Steven Jesse Bernstein's only recording, the posthumously released "Prison". It's an over-concise summary of his concerns which tipically sacrifices literal truth in favour of high-octane impact; Bernstein's poetry was turbulent, bruised, confrontational and complex, building on the legacies of influences like Ginsberg and Bukowski. He agreed to have a selection of that poetry recorded and augmented by Sub Pop midfield general and Pigeonhed mainstay Steve Fisk during the last two years of his life, and Prison was the result. Fisk matched Bernstein's exhilarating, rasping and achingly self-aware delivery with smeared HipHop, smudged atonal samples, and snatches of Latino loungecore, creating an uncannily coherent union of words and music which deserves to ensure that Bernstein's 1991 suicide will not consign his work to oblivion. CS

WILLIAM S BURROUGHS
Call Me Burroughs
(ESP-DISK, 1965)

One man, one voice, one microphone. It sure don't come much better than this: Uncle Bill alone in the studio, reading extracts from The Naked Lunch and Nova Express with the libidinous detachment of research scientist in a toxicology lab. The sound of man who loves his work. Routines include "The Complete All-American De-Anxietized Man", "The Buyer" and the crazed ramblings of the Death Dwarf going on the nod in Nova Police custody ("My power's coming! My power's coming!"). Not since the Raven first croaked "Nevermore" have things sounded this grim. What makes these recordings unique, however, is the way Burroughs tackles some of the more abstract of his cut-up sequences, his sepulchral drawl imbuing their fractured syntax with a distant, mournful poetry that has never been equalled. "Call Me Burroughs" demonstrates just how powerful a listening experience text can be. One of the hundreds records you should hear before you die. Just before you die, in fact. KH.

........

No hay comentarios.:

Publicar un comentario

Suscribirse a: Comentarios de la entrada (Atom)

barbarismos

El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.

es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo

En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez. «Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.

MARK FISHER.

perú post indie

Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños.
Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo...
Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?

FRED ROHNER
Historia Secreta del Perú 2

RETROMANÍA

"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia."


SIMON REYNOLDS 
Retromanía

Joe says

"En un principio los "rockeros" ,no eran funcionales a los gobiernos de turno.., de echo el rock se caracterizo por ser una contracultura a todo eso, sin importar kien fuese el ladron en el sillón .., pero con el pasar de los tiempos y el amiguismo a cambio de favores, la bancada de viajes a festivales al exterior ,los hospedajes gratuitos en hoteles y miles de mierdas mas a cambio de no hablar mal del k este de turno, es lo k hizo k hoy en dia el político y el rockero se peinen juntos para la foto.
Los k estámos afuera de eso, somos "odiadores o envidiosos" , según el criterio de muchos (publico) k SI hablan x hablar y defienden a kienes ni saben pk están en donde están.
Vuelan ,giran , comen y beben gracias a los impuestos ke les pagan odiadores como yo 😁
Siempre voy a elegir no cerrar mi maldita boca y solo conseguir con esto k se me cierren mil puertas y ke me odien y me corten la cara mil veces más , prefiero eso a ser un careta.
Hablando d esto ..¿vieron el documental de NICHETO??) ..,estaba esperando k alguien la tire, pero ya fue .., yo ya me prendí fuego 🔥 hace rato .., así k la tiro yo , total una mancha más al tigre k le hace?..
me importa un huevo lo k piensen de mi y k me desfenestren ,como se k lo van a hacer después de este posteo 🙂.., me kedo con la primer época aquella en la k no se compartía la foto..
INDIE fuertes , indie esto , indie otro blsbla ,ESO NO ES INDIPENDENCIA , eso es amiguismo puro y propaganda pagada x mi bolsillo y x el de muchos miles de otros ke muchas veces e irónicamente ,no tienen un mango ni para cargar la sube para ir a tocar, o ni pueden cambiar su encordado x uno nuevo k no les corte los dedos, etc)
Vengan de a uno o d a miles.. me chupa un huevo - repito.
También espero ver kien respalda lo k digo , pk según tengo entendido serian muchos.
NO SEAN CARETONES!! 👊
Los tiempos cambiaron, es hora de empezar a hablar con la verdad y decir las cosas como son.
Y sino de ultima k la guita de cultura se reparta para todos los miles de trabajadores de la música y no solo para los amigos de los de turno no?..
A todo esto, x otro lado ¿cuando NICHETO fue aguante del under o lo k mierda sea ke intentan mentir en este documental de 
juguetería????"

- JOE DIXEXION
2020

PERÚ AVANTGARDE - El despertar de la vanguardia musical - PEDIDOS: POLYLUNA@GMAIL.COM

📌 El blog Perú Avantgarde de Wilder Gonzales cumple 20 años de existencia. Su aparición representa a una generación de músicos y melómanos que tuvieron el deseo de explorar y conocer nuevos estilos musicales. Quizá hastiados de seguir escuchando el new wave y el punk, que habían tenido auge en la década de los 80. Como se puede evidenciar en este libro, los estilos que cobraron visibilidad fueron el shoegaze, el post-rock, el IDM, el ambient y otros afines, que formaron parte de la evolución de la música hacia lo que conocemos hoy como «arte sonoro». Este blog es significativo porque fue una de las primeras plataformas virtuales dedicadas a la música de vanguardia en nuestro país. (Joel Rojas)

Enseñar pensamiento crítico

Hoy en día hasta el más miserable escuálido e ignorante se alucina algo o es UN ALUCINADO. Es lo q han conseguido los medios y el sistema capitalista de tener/aparentar, "emprendedores" y arribismo. ¿Hermandad, empatía, sinceridad, humildad? Cojudece$. 
No hay escapatoria ni futuro así. ¿Recuerdan a los que pensaban al inicio que la pandemia traería una suerte de renacimiento? XD 
La disolución del ego -vía experiencias místicas visionarias- en desventaja completamente si es q alguna vez se creyó tener la solución ahí. 
Queda resistir a través de expresiones culturales/artísticas y colonizar mentes/seres de esta guisa y, sobre todo, no dejarse engullir atrapar ensuciar. Y después ¿qué? 

I AM NOT AFRAID OF DEATH BECAUSE I'M DYING EVERYDAY.

Wil Volador
2024

LA REVOLUCIÓN DE MIL SONIDOS

Q loko lo que indican en "MIL SONIDOS" acerca de cómo a partir de los 80/90 la vanguardia experimental institucional perdió el MONOPOLIO sobre la música experimental. Antes eran los IRCAM, los estudios de Colonia, las Universidades de Estados Unidos etc. Desde los 80/90, cuando los sintetizadores y las computadoras se vuelven más asequibles, explorar/experimentar con sonido no es reducto solo de unos cuantos. Y digo qué loko que lo mencionen de esa forma, como "MONOPOLIO", ya que usualmente los críticos lo describen como algo natural sin darle sentido ni carácter avant ni revolucionario. Hoy y a juzgar por la proliferación de universidades de música dando cabida a lo experimental electrónico arte sonoro y demás aquellos ex monopolios pretenden recuperar el terreno perdido.... o ganar incautos x sus rediles.

la república "aristocrática" de los ex-guaneros

¶República “aristocrática”: una hacienda llamada Perú¶¶ El resultado de la guerra con Chile no fue solo la pérdida de Arica y Tarapacá. La London Pacific ya estaba ubicada en La Brea y Pariñas, la Cerro de Pasco en las minas del centro, la Grace era dueña de puertos, ferrocarriles y tierras de la selva, la Casa Ricketts subordinaba a los indios alpaqueros y laneros en el sur, la casa Arana mandaba en la selva amazónica. Los hijos y nietos de los consignatarios y consolidados administraban desde Lima el poder político de esas empresas inglesas y norteamericanas. Lo hacían para ellas, no para el Perú. La guerra había sido solo un accidente en esta historia de dominación. Piérola, el hombre de Dreyfus. activo causante de sucesivas derrotas ante el enemigo externo, fue bastante hábil en los conflictos internos para capturar de nuevo el poder por las armas y se convirtió en el restaurador del poder oligárquico después de la guerra con Chile; y el fundador de lo que Jorge Basadre llamó piadosamente “la república aristocrática”. El término es excesivo porque aristocracia viene de aristos, lo excelente, lo mejor y estos, de mejores tenían poco. En realidad, el Perú seguía siendo la república de los guaneros, ahora adornada con un poco más de educación e ilustración a la francesa de la elite excluyente, dictadura de mediocres hijos de ricos sobre un mundo de siervos y esclavos. Fueron apenas quince años en que las familias racistas se alternaron en la presidencia, mientras en el Perú profundo continuaba el reino intocado de los terratenientes y sus indios semiesclavos. Las industrias de lanas, textiles y bebidas, obligaron a la formación de un pequeño proletariado y empezaron a llegar tardíamente, las ideas anarquistas y socialistas. La mal llamada república aristocrática empezó con Piérola pero no pudo soportar a Billinghurst. La farsa acabó brutalmente con el golpe de Benavides, el general que dominó la política peruana durante la primera mitad del siglo XX. "

HÉCTOR BÉJAR.

de animales a dioses

La cultura tiende a aducir que solo prohíbe lo que es antinatural. Pero, desde una perspectiva biológica, nada es antinatural. Un comportamiento verdaderamente antinatural, que vaya contra las leyes de la naturaleza, simplemente no puede existir, de modo que no necesitaría prohibición. Ninguna cultura se ha preocupado nunca de prohibir que los hombres fotosinteticen, que las mujeres corran más de prisa que la velocidad de la luz o que los electrones, que tienen carga negativa, se atraigan mutuamente. En realidad, nuestros conceptos de "natural" y "antinatural" no se han tomado de la biología, sino de la teología cristiana. El significado teológico de "natural" es "de acuerdo con las intenciones del Dios que creó la naturaleza"... Sin embargo, la evolución no tiene propósito. Los órganos no han evolucionado con una finalidad, y la manera como son usados está en constante cambio. No hay un sólo órgano en el cuerpo humano que realice únicamente la tarea que realizaba su prototipo cuando apareció por primera vez hace cientos de millones de años. Los órganos evolucionan para ejecutar una función concreta, pero una vez que existen, pueden adaptarse asimismo para otros usos. La boca, por ejemplo, apareció porque los primitivos organismos pluricelulares necesitaban una manera de incorporar nutrientes a su cuerpo. Todavía usamos la boca para este propósito, pero también la empleamos para besar, hablar y, si somos Rambo, para extraer la anilla de las granadas de mano. ¿Acaso algunos de estos usos es antinatural simplemente porque nuestros antepasados vermiformes de hace 600 millones de años no hacían estas cosas con su boca?

YUVAL NOAH HARARI "Sapiens - De animales a Dioses. Una breve historia de la humanidad"

Crisálida Sónica 1997

Por estas fechas, hace 25 años el Futuro nos alcanzó, emergiendo desde los ignotos abismos del pop independiente peruano. Hace veinte años, se plantó la semilla que luego germinase, y cuyos frutos son hoy parte integral/consustancial de nuestro legado como escena de vanguardia a nivel latinoamericano. Hace veinte años, un virus se enquistó en el ADN de nuestros músicos más avezados y produjo mutaciones insospechadas, contribuyendo al fortalecimiento del circuito ajeno al mainstream y al desarrollo de propuestas de avanzada con sabor nacional.
Hace veinte años, por estas fechas, se puso a la venta la fundacional maqueta de Crisálida Sónica, Compilación I.

- Hákim de Merv