La devaluación de la música: es peor de lo que piensas

En los días del capitalismo tardío y la posmodernidad donde no hay ideales y todo vale, la  música que sublima el espíritu es rebajado al nivel de lo innecesario y hasta contraproducente. Niñerías y cojudeces para nerds e introvertidos. Cuando cursaba Periodismo Cultural en la Facultad el profesor, a la sazón director de "Somos" de El Comercio, nos contó cómo había propuesto en una reunión del directorio que se suprima El Dominical pues solo era en buena cuenta un gasto de papel innecesario. ¡Lo más alucinante era que lo decía justamente el catedrático de Periodismo Cultural! 


Ya desde entonces algunos melómanos querían toda la música gratis y en las ferias regateaban los precios de los cds originales hasta de 10 soles. Para comprar cerveza sí hacían colasas y dudo que les hicieran rebaja, al contrario. Para la música no había pero para las chelas, la ropita, los culos y demás otra era la situación. 

Vivimos unos días en donde la música ya no es un medio de expresión artística sino una herramienta de marketing con la cual monetizar tus contactos y técnicas/habilidades. Hoy un Jimmi Hendrix, un Stockhausen o un Kevin Shields serían imposibles. ¿Además para qué? Si lo que rige - lo cool es la retromanía y las bandas del momento, incluso en Lima, se alucinan súper creativos con copiar acordes de discos que la fanaticada ignora y presentarlos como su propia creación. Lo acabo de ver en la reciente Feria de Sellos en Telefónica en un grupo robando uno de los tracks más emblemáticos de GodspeedYou!Black Emperor, "The dead flag blues" nada menos. O sea ni para copiar son exigentes. En vez de robarse un track caleta, de alguna compilación o 7" van por una conocida por cualquier melómano serio. Vamos a Tocache 2019 será. ¿La democracia empresarial y lo que le siga borrará la inventiva y la transgresión de la faz del planeta? ¿Nos herederarán unos simios (con perdón de los monos) que se limiten a cagar, "webear" y aparearse? La devaluación de la música es peor de lo que piensan. 

Wil Volador.

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Los artistas hambrientos se han visto afectados por algo más que piratería y regalías de transmisión


por CRAIG HAVIGHURST
(2015)

En sus muchos (justificados) lamentos sobre la trayectoria de su profesión en la era digital, los compositores y músicos regularmente afirman que la música ha sido "devaluada". A lo largo de los años han señalado a dos culpables sobresalientes. Primero, era la piratería musical y la futilidad de "competir con lo gratuito". Más recientemente, el enfoque se ha centrado en los pagos aparentemente minúsculos que generan las canciones cuando se transmiten por streaming en servicios como Spotify o Apple Music.

Estos son problemas serios, y muchos coinciden en que la industria y los legisladores tienen mucho trabajo por hacer. Pero al menos hay diálogo y progreso hacia nuevos modelos de derechos y regalías en la nueva economía de la música.

Menos obvias son una serie de otras fuerzas y tendencias que han devaluado la música de una manera más perniciosa que los problemas de hiperprovisionamiento e interrelaciones entre industrias. Y por música no me refiero a los formatos populares de canciones que se ven en los premios y se escuchan en la radio comercial. Me refiero a la música, la forma de arte sonoro: composición imaginativa, conceptual e improvisación enraizada en ideas armónicas y rítmicas. En otras palabras, la música como se definió y consideró hace cuatro o cinco décadas, cuando la música artística (incompleta pero generalmente llamada "clásica" y "jazz") tenía un sitio en la mesa.


Cuando escucho a compositores de éxitos de radio denunciar sus pequeños cheques de Spotify, pienso en los prodigios del jazz de hoy que no tendrán una oportunidad ni siquiera de una fracción del éxito popular de la vieja guardia. Ni siquiera pueden imaginarse trabajando en un entorno musical que podría llevarlos al estatus de nombre familiar de la variedad Miles Davis o John Coltrane. Están luchando contra las fuerzas en el mismo nexo del comercio, la cultura y la educación que han conspirado para hacer que la música sea menos significativa para el público en general. Estos son algunos de los problemas más problemáticos que enfrentan los músicos en el panorama actual de la industria.


1. La muerte del contexto

Los ecosistemas de música digital, comenzando con iTunes de Apple, redujeron las grabaciones a una imagen de portada del tamaño de un sello y tres puntos de datos: artista, título de la canción, álbum. Como los comentaristas de música clásica han argumentado durante mucho tiempo, estos sistemas hacen un mal trabajo con los compositores, directores, solistas y conjuntos. Además, como discutí extensamente en un ensayo anterior, carecen de contexto. Si bien hay biografías en cápsula de artistas y compositores en la mayoría de los servicios, los álbumes históricos se venden y se transmiten sin los créditos o las notas de la era del LP y CD. El electorado de súper fanáticos que leen y asimilan estas cosas es demasiado pequeño para merecer la atención de los servicios o etiquetas digitales, pero lo que se pierde es la clase de expertos que infunde la cultura con entusiasmo informado. Nuestro entorno digital con poca información no está inspirando ese fandom, y eso es profundamente perjudicial para nuestra idea compartida sobre el valor de la música.

2. La radio comercial

Es un objetivo fácil, pero no se puede exagerar cuán profundamente cambió la radio entre la explosión de la música popular a mediados del siglo XX y el modelo corporativo de los últimos 30 años. Un ethos de musicalidad y descubrimiento ha sido reemplazado por una manipulación cínica de la demografía y el denominador común más claro. Las listas de reproducción son mucho más cortas, con un puñado de singles repetidos sin cesar hasta que los grupos focales dicen que renuncien. Los DJ ya no eligen la música en función de su experiencia y ya no tejen una narrativa en torno a los discos. Al igual que con las notas de línea, esto hace que la escucha sea más pasiva y reduce la dieta musical de la mayoría de los estadounidenses a un puñado de éxitos de escala industrial muy producidos.

3. Los medios

En la década de 1960, cuando nací, las publicaciones impresas convencionales tomaron en serio las artes, cubriendo y promoviendo talentos contemporáneos excepcionales en todos los estilos de música. Así terminó Thelonious Monk en la portada de la revista TIME, por ejemplo. Cuando comencé a cubrir música para una cadena de periódicos alrededor del año 2000, las historias fueron priorizadas por el reconocimiento previo del nombre del tema. Las historias de arte / descubrimiento estaban subordinadas a las noticias de celebridades a nivel sistémico. Las métricas de la industria (posición en el gráfico y venta de entradas para conciertos) se convirtieron en un elemento básico de las "noticias" musicales. En la era de los clics medidos, la agrupación de enfoque siempre activa ha institucionalizado la cámara de eco de la música pop, aturdiendo y desalentando el compromiso significativo con la música artística.

4. Conflación

Una peculiaridad poco notada pero corrosiva de la era digital es la forma en que nuestras interfaces combinan la música con todos los demás medios y opciones de entretenimiento. iTunes comenzó tomando software aparentemente para recopilar y reproducir música y transformarlo en una plataforma para TV, películas, podcasts, juegos, aplicaciones, etc. Esto es a la vez un símbolo y una causa de la disminución del significado y la importancia de la música en el ataque multimedia que es nuestra cultura. Las pantallas brillantes que distraen a las personas de la música "justa" ya son omnipresentes. Entonces, ¿por qué imponerlos en un reproductor de música? Creo que una de las razones por las que el vinilo y los fonógrafos vuelven a estar de moda es que las personas con orientación musical anhelan algo como un santuario para su música, un dispositivo que es solo para música.

5. Anti-intelectualismo

La música ha sido promovida y explicada durante décadas casi exclusivamente como un talismán de la emoción. El problema abrumador es cómo te hace sentir. Mientras que la música artística de Occidente trascendió debido a su deslumbrante baile de emoción e intelecto. La música artística se relaciona con las matemáticas, la arquitectura, el simbolismo y la filosofía. Y como tales temas han sido menospreciados en la prensa general o la televisión por cable, nuestra capacidad colectiva de relacionarnos con la música a través de un lente de humanidades se ha atrofiado. Aquellos de nosotros que teníamos música explicada y demostrada como un juego para el cerebro y el corazón, tuvimos mucha suerte. Por qué tantos están satisfechos de involucrarse con la música solo al nivel de los sentimientos es un misterio vasto y empobrecedor.

6. Películas y juegos

Nosotros, como cultura, escuchamos bastante música instrumental "clásica" o compuesta, pero ha migrado de la sala de conciertos al videojuego y al score de la película. Por un lado, eso les da opciones a los jóvenes compositores para ganarse la vida, y se está imaginando muy buena música para estos paisajes imaginarios. Pero hay un efecto pernicioso de la banda sonora omnipresente de los medios, en que galaxias enteras de ideas musicales, motivos y estados de ánimo se han ocupado esencialmente y se han convertido en clichés. ¿Cómo un joven inmerso en el falso sonido de Shostakovich de una banda sonora de un juego de guerra escucha a Shostakovich real y piensa que es un gran problema? Esto rara vez se observa, pero creo que miles de impresiones acumulativas de música de fondo asignadas a "romance" y "dolor" y "heroísmo" han establecido capas de tejido cicatricial en nuestra capacidad de sentir algo cuando se hace música sinfónica tonal o escrito en el siglo XXI.

7. La música en las escuelas.

Todo comienza, o termina, aquí. Como cualquier otro lenguaje, las reglas, los términos y la estructura son más fácilmente absorbidos por los jóvenes. Y como la música se ha reducido de más de la mitad de las escuelas primarias en los EE. UU. en una tendencia larga y dura, la réplica se ha basado cada vez más en la evidencia sobre los efectos de la educación musical en el rendimiento académico general: el argumento de "la música hace que los niños sean más inteligentes". Esto es cierto y vital, pero tendemos a perder de vista el caso del valor de la música en nuestra cultura: que la educación musical hace que los niños sean más musicales. Aquellos que internalizan las reglas y los ritos de la música temprano en la vida serán más propensos a asistir a conciertos serios y a prestar más atención a sus elecciones de música pop cuando sean adultos.



Aquellos que se preocupan por el futuro del negocio de la música deberían pasar menos tiempo quejándose de las interrupciones digitales y gastar más energía elevando la conciencia del público sobre la música seria, porque realmente devaluamos la música cuando reducimos nuestra forma de arte más impactante a un artefacto de celebridad y una elección de estilo de vida. La música instrumental compleja se ha marginado a una pulgada de su existencia, y eso tiene mucho que ver con la gente de la industria que define el "valor" solo en la forma en que afecta el dinero de su buzón.