Gianmarco dictando "cátedra musical" en la UPC (No te lo vas a creer!!!)

Metal headz everywhereeeeee

Las voces que acusaron al heavy de falta de fondo ideológico cometieron el error de analizarlo, precisamente, desde lo ideológico, cotejándolo con aparatos normativos pertenecientes al afuera. Se equivocaron al desdeñar el pilar de su fundación: la fe. En el metal no podían descifrarse signos de programas políticos -cualquiera susceptible de ser inserido en el arco que va del fascismo al anarquismo- porque, sencillamente, le eran tan ajenos que no tenía sentido considerarlos. Apartado de y por el mundo "real", su organización se basó en un dogma que solo podía entenderse y compartirse desde la devoción absoluta. De ahí su permeabilidad a las burlas y los vituperios, su aparente falta de sentido del ridículo -ridículo a los ojos de los no iniciados, los infieles- y su obstinado repudio de todo lo extraño a él.

...

La vileza y la aberración se erigieron en hechos diferenciales, del mismo modo que años atrás se había recurrido al volumen para obstruir el influjo adulto. Significaron una renuncia consciente al mainstream, un aspaviento exagerado de fervor y compromiso con la idea del metal auténtico.

Con este objetivo, el death manejó un imaginario premeditadamente extremo, de digestión difícil, cuando no imposible, para el estómago no familiarizado. Las escenas de mu3rt3, cru31dad y p3rv3rs10n evocadas en las letras y los artworks, los logotipos ilegibles, la vocalización gutural y la performatividad, austera y antiespectacular, en las antípodas de la aparatosa mise en scéne de la década anterior, fueron gestos de recuperación de la autoridad sobre el código y, en paralelo, de negación del diálogo con el afuera...

A lo largo de este capitulo se ha intentado descifrar el sentido del ruido en algunas ramificaciones estilísticas a parir del establecimiento de distintas relaciones entre los campos subcultural y hegemónico. Siguiendo esta línea argumentativa, la planteada por el black metal fue quizá la más decididamente transformadora de todas: predicó la irrupción violenta del primero en el segundo. O dicho de otro modo, el borrado del límite entre lo fantástico y lo real.

En su número del 27 de marzo de I993, la revista británica Kerrang! publicó el reportaje «The Ugly Truth About Black Metal». En él se hablaba de los crímenes perpetrados por varios integrantes de la escena noruega del black metal. Entre ellos, la quema de una decena de iglesias, actos vandálicos en cementerios y el asesinato de un hombre en Lillehammer a manos de Bård «Faust» Eithun, batería del grupo Emperor.

El artículo incluía entrevistas con Varg Vikernes, artífice de Burzum, de veinte años, y Øystein Aarseth, alias Euronymous, líder de Mayhem, de veinticinco. Ambos pugnaban por el liderazgo del Inner Circle, supuesta sociedad de iniciados que se congregaba en el sótano de Helvete, la tienda de discos regentada por Aarseth en Oslo. En agosto de aquel mismo año, Vikernes acabó con la vida de Euronymus asestándole veintitrés cuchilladas.

En los meses previos, el terrorismo satánico ya había desatado el pánico a nivel local. El 20 de enero del mismo año, en declaraciones al diario Bergens Tidende, Vikernes explicó que él y sus camaradas eran los responsables de la ola de incendios que asolaban la región. El tono sensacionalista de la crónica de Kerrang! -como el cartel de una película de serie B, la portada prometía «Incendios... Muerte... Rituales satánicos...»)- supuso para el «True Norwegian Black Metal» la plataforma idónea para proyectarse a escala internacional como la música más maligna jamás concebida.

El relato de lo acontecido entre el 8 de abril de 1991, fecha del suicido de Per Yngve Ohlin, alias Dead, vocalista de Mayhem, y el 10 de agosto de 1993, la muerte de Euronymous, ha sido explotado hasta la saciedad en documentales, libros, estudios académicos de todo tipo e incluso libros para colorear, como The Black Metal Coloring Book. La construcción mitológica del black metal se apuntala enteramente en esta y otras leyendas similares. Entre las más populares: el asesinato de un quinceañero a manos de los miembros del grupo alemán Absurd; el ataque con un hacha a una niña de cinco años por parte de Nattramn, de los suecos Silencer -el mismo que supuestamente se amputó las manos para expresar  «auténtico dolor» durante la grabación del álbum Death Pierce Me (en Prophecy Productions, 2001) y luego se cosió, no queda claro como, dos pezuñas de cerdo-; el suicidio ritual de Jon Nödtveidt, líder de Dissection, tras cumplir condena por el apuñalamiento mortal de un inmigrante; o los cargos por violación contra Infernus, guitarrista de Gorgoroth, y por secuestro y tortura contra Gaahl, vocalista del mismo grupo.

Preguntado por los crímenes en Noruega, el director de cine y realizador de videoclips Jonas Akerlund, batería en los primeros ochenta de los pioneros Bathory, declaró: "En las favelas de Brasil hemos visto a chavales haciendo estupideces, disparándose y matándose entre ellos, y lo hemos visto en los suburbios de Londres y en los guetos de Italia. Todo eso lo hemos visto antes. Pero en esta historia no hay excusas para las atrocidades que se cometieron". Mas allá de las muertes y la destrucción, lo que generó un trauma en la sensibilidad colectiva fue la aparente falta de razón para tanta violencia. ¿Por qué sucedió esto en el sexto país más rico del mundo? ¿Por qué los hijos del bienestar declararon la guerra al cristianismo en un lugar donde, según las estadísticas, la religión preocupa a menos de un veinte por ciento de la población? ¿Qué falló en uno de los mejores sistemas educativos que existen?

ORIOL ROSELL
"Un cortocircuito formidable"
(2024)

UNA CONVERSA CON PIERO LIMACO :. La creatividad nace en la oscuridad, madre de los colores y de la luz

Piero Limaco Carrasco (28) es un músico ayacuchano que acaba de estrenar un documento pleno de chill wave y pop etéreo en la escudería súper espacial y en su propio bandcamp. Tiene un trajinar en distintas formaciones de su tierra, donde ha hecho chiki punk y emo hasta indie alterno. A los 15 se mudó a Munich, Alemania desde donde ha tenido la gentileza de hacer contacto con nosotros, enviarnos su música y responder la siguiente entrevista. Su disco "Eclipse 2022-2024", es una de las joyitas de la temporada y el man sigue regalando oro en soundcloud. Como siempre y para variar no sonará ni será noticia en los medios alternativos del montón ni para los melómanos atentos a la pose cursi y derivaciones. 

Cuéntanos ¿qué discos o músicas escuchabas de pequeño y adolescente, con qué sonidos creciste?

Crecí con Fito Páez, Bob Marley, Juanes, La Oreja de Van Gogh, un programa de TV de música huayno y folklore. Crecí escuchando a mi tío tocando guitarra, haciendo covers de Creed, Metallica,  Smashing Pumpkins. De púber ya le daba a la batería. Con mis primos formamos una banda cover llamada “Aerofest”, que luego pasaría a llamarse “Vértigo”. Ahí incursionamos en el mundo del chiki punk con referentes como Los Chabelos, 6 Voltios, Diazepunk. Le dimos un toque más emo con PXNDX. Después de un periodo de tiempo nuestras influencias crecían y comenzamos a descubrir bandas como Guns N' Roses, Red Hot Chili Peppers, System of a Down, Blink-182, Amén, Diadema y tocábamos sus respectivos covers. Luego, el rendimiento musical se incrementó y yo me hacía llamar por otras bandas covers, tomando un camino más rock alternativo/indie, como The Strokes, Arctic Monkeys, Soda Stereo, Vilma Palma, Héroes del Silencio, y ya comenzaba a tocar en vivo a los 13-15 años con una participación en el Huamangazo Rock, año que no recuerdo. Pero para mí siempre ha sido un honor compartir camino con todos los músicos con los que he conectado y crecido, sea cual sea el camino que se haya tomado posteriormente. ¡Saludos a mi hermano Roberto!

En este período de tiempo tuve el placer de compartir algunos ensayos y contribuir en la batería con la realización del primer álbum de Siatica, banda de grunge punk ayacuchana. No pude seguir en la banda porque a los 15 me mudé a Alemania. Siempre quise componer canciones, siempre incentivé esa idea en mi entorno, pero el camino era otro. Y bueno, con mi llegada a Alemania me hice de una guitarra, donde pasé intensamente los próximos 5 años de mi vida soñando con la música que salía de mí. Y bueno, todo sueño no se concretiza sin la acción y se queda en la nada. Bueno, eso pasó. Buscando productores o gente que concretice mis ideas, no fue posible. Hasta que, con ya 25 años, comencé a producir y así esos sueños se pudieron parir.

¿Cuál es tu equipamiento?

Tengo un SSL 2 plus, una laptop Samsung muy básica, tengo mi guitarra jazz master, un bajo a lo Paul McCartney y por último trabajo con un software Ableton Live 11 donde creo la mayoría de sonidos que vienen a mi intuitivamente.

Explícanos sobre tu proceso para componer y crear.

En realidad soy una persona muy perezosa y me cuesta concentrarme mucho y quedarme en un solo proyecto. Tengo muchos proyectos que he empezado con las melodías y las he dejado después de 5  minutos porque venían nuevas melodías a mi cabeza, pero cuando estoy dentro de la zona siento el mismo sentimiento cual sentía cuando improvisaba con la guitarra o la batería dentro de una banda o con amigos que es más y nada menos que una sensación profunda de desconexión y conexión (valga la redundancia), ya que es un estado de un vacío absoluto, quiero resaltar que para mi la creatividad nace en la oscuridad siento que la oscuridad es la madre de todos los colores y la madre de la luz misma, cuando expresé este pensamiento fui tildado de satanista pero no lo soy. Solo soy un amante de creaciones intuitivas y espontáneas. Me gusta jugar con la música y las emociones, soy muy travieso, jajaja.

¿Cuáles son tus referentes para componer o en qué te inspiras para ello?

Últimamente no tengo mucho contacto social, solo en el trabajo o en la universidad, a veces cuando hablo con mis primos. Siento que como ellos son muy jóvenes y escuchan sonidos contemporáneos de  la escena española que me influyen sutilmente como Rusowsky, Beny jr, Yung beef, Natalia Lacunza, Ralphie Choo. Mi inspiración más clave son las conversaciones que llevo con gente random que  encuentro en la calle, mis primos, mi madre, mis amigos por el teléfono. Siento que hay mucha sinceridad y se caen los muros de vergüenza que opacan la luz de nuestro arte.

¿Qué es lo que quieres expresar con tu música o arte?

En este álbum eclipse 2022-2024, quiero cerrar ciclos de proyectos no concluidos es más, dentro de este álbum se encuentran sonidos no concluidos, sonidos mal mixeados y sin masterizar. Me gusta hablar de sentimientos, cantarle al dolor, soltar el rencor, darle besos a amores pasados, reconocer mis oscuridades siento que aún estoy en un viaje de redescubrimiento musical y estoy muy emocionado con  compartir lo que salga con todos de este ser de 28 años de edad.

Vives en Munich, Alemania desde hace algún tiempo, coméntanos de tu experiencia por Europa, cómo ha sido, ¿algún encontrón con los fachas quizás?

La verdad que me gusta mucho esta parte del mundo, estoy muy feliz de haberme encontrado a mi mismo aquí, creando arte y haciendo música, la gente es muy abierta para todo tipo de arte, si logras  encontrar tu círculo o tu tribu siento que uno puede despegar artísticamente. Sí tuve ciertos encontrones con fachas, les regalé flores y les di un beso.

¿Qué tiene Ayacucho para que salga tanta música y arte de calidad desde ahí?

Me siento muy honrado de haber compartido musicalmente tiempo de mi vida en la escena de Ayacucho, la cultura ahí es muy rica, nostálgica, profunda y melancólica. Tenemos una historia muy triste como dije antes siento que el arte nace de lugares oscuros, no quiero decir que Ayacucho sea solo eso, pero es verdad que hay una cierta nostalgia en mi memoria cuando pienso en mi ciudad natal. Hoy en día no tengo mucho contacto, hace 7 años que no voy, así que no puedo decir mucho de como está actualmente el flujo creativo de la escena ayacuchana. Me encanta la banda "Los Loto", soy su fan.

Los discos que te rompieron el cerebro o recomendarías a los lectores del blog.

Me declaro fan de la escena española actual dicho esto esta es mi lista de discos.

1.) Scorpio - Cecilio G

2.) SUPERNOVA - Ralphie Cho

3.) A.D.R.O.M.I.C.F.M.S. 4 1/2 - Yung beef.

Planes futuros y palabras finales.

Actualmente trabajo en la calidad de mi música, en tener una línea más legible para los oyentes así aumentar mis visualizaciones por todas las plataformas y que esto me dé un poco de dinero por lo  menos, quiero que todos sepan que los amo mucho.

FRACTAL - Fractal (1998) (Full Album)

Reflexiones, activismo y r3voluci0n

MIKI BERENYI sobre política

TITO CATACORA: LOS INDOMABLES Y SU DISCURSO CONTRA DINA EN EL FESTIVAL D...

EVAMUSS - Entretour (1998)

3 joyas de la música experimental del nuevo siglo: WHITMAN/DEVINE/OTCHY

Lo sabemos, lo sentimos también. Mucha cojudez por todos lados, sales ves las mismas caras, el mismo sin sentido y apariencias de todos los días. Ya cansa de ley. Esos momentos en que percibes la decadencia y suciedad de todo lo normie, estandarizado y aceptado te dices, "q xuxa hago acá" o "¿voy a pasar mi vida rodeado de imbéciles?". Aunque no lo creas, la respuesta aún depende de ti. Llegas a casa y corres a tu habitación, un rincón donde al menos encontrarás calma y celestes momentos atesorados en discos, libros y visiones que alguna vez hiciste o fueron tuyas. Ya fue, dices sin saber que estás condenándote a ser, como la canción punky, "un webón más". 

Si ves y sientes todo esto y quieres salirte del engranaje que te ordena ser un esclavo o un zombie profesional más, continúa leyendo. Algunos, cual fénix, morimos miles de veces.

KEITH FULLERTON WHITMAN - Multiples (Kranky 2005)

Recuerdo haber visto un disco de Whitman en la tienda de Pepe Salomón en Galerías circa 2012. Recién escuché este "Multiples" tras una de las pesquisas a mi disco duro y vaya sorpresa schock. Es electrónica/electroacústica, full sintetizadores y voladoraso. Publicado por el sello que nos rajó el coco en los 90, kranky records. Keith Fullerton Whitman (1973) es un yankee que igniciara carrera hacia mediados de los 90 mientras estudiaba en el Berklee College of Music y desde entonces lleva trabajos al lado de gente como Matmos, Charlemagne Palestine, Terry Riley o Deerhunter. Un confort para tus oídos de tanto indie pachanga hipster es lo que acá escucharás. Delicadezas que convertirán tu habitación en un portal hacia otras galaxias.

RICHARD DEVINE - Systik (BL_K Noise, 2020) 

Uno de los discos más encumbrados de este iconoclasta de la IDM noventera. Armado de arsenales de software, sintes, plugins y mucho mucho cerebelo construye 4 suites de arquetictura polirrítmica para derretir la hiel a los más inquietos. Al hablar sobre su creación, Devine explica: "Este disco se grabó completamente en vivo, ya que estaba destinado a ser mi nuevo set en vivo para 2020. No he hecho música ácida en más de 25 años y quería volver a hacer este estilo de música, pero con la mentalidad y el equipo de hoy". El resultado es un viaje ácido a un territorio completamente nuevo, piezas texturales que mutan y evolucionan hasta convertirse en el disco más apto para la pista de baile de Devine hasta el momento.

¿Te pareció locaso el "8.000 BC" de Otto Von Schirach? ¿Aburrido del panorama cultural glocal? Amigue, si tus neuronas te piden más sexo inenarrable "Systik" va por ese canal.  

CHRIS OTCHY - Recursive (Ambientologist, 2020)

Otro loco sintetista nos regala tripsaso por el país de las maravillas, cortesía del sello holandés Ambientologist. Publicado el 2020, "Recursive" está organizado tomando como referencia los algoritmos que dominan inclinaciones y preferencias sin que demos mucha importancia a este facto. Según Otchy: “esta vez quería hablar sobre los algoritmos que dan forma a nuestras vidas. Desde las recomendaciones de Netflix hasta los resultados de una búsqueda en Google, confiamos en algoritmos para que tomen decisiones por nosotros. Lo que los algoritmos favorecen florece; lo que ignoran se marchita. Son una fuerza que rivaliza con la naturaleza a la hora de dar forma a nuestra sociedad”. Como los fractales que se replican a sí mismos, "Recursive" señala una clase de algoritmos que se autoreferencian y construyen historias/discursos de tal guisa. ¿Mucho concepto? No te preocupes, el álbum incluye percusiones y susurros que lo mutan en una joya avant pop de la historia de la música reciente, como Susumu Yokota cantando canciones de cuna. Colócalo al lado del "Another Green World" de Eno. 

Llegó el libro de MIKI BERENYI - Cruzando los dedos (Contra, 2024)

MUSIC TO LIVE BY :. THE JESUS & MARY CHAIN - Psychocandy (Blanco y Negro, 1985)

Desafiantes, chorreando cultura pop, ambiciosos, con un ímpetu fuera de lo común y mamando del ambiente tenso que los rodeaba. Los escoceses desembarcaron cargados de energía destructora con este disco que marcó a fuego la estética del indie rock.

Jim y William Reid formaron The Jesus And Mary Chain como respuesta a la gran cantidad de música que había a su alrededor que no les gustaba. Puede sonar a cliché o a excusa para no tener que explicarse, pero en realidad era una declaración de intenciones de lo más honesta. Su plan no tenía dobleces: derrumbar las tres primeras décadas de la historia del rock, pasearse por las ruinas e ir recogiendo pedacitos para recomponerla a su manera. Tal vez en Londres o Manchester su proyecto hubiera ido por otros cauces. Sin embargo, en Glasgow únicamente podía ir por la vía del más estricto nihilismo. Se trataba de una ciudad que en los primeros ochenta vivía sacudida por el desempleo y las bandas juveniles. Y ese ambiente decadente y peligroso no era ajeno a su escena musical, que tenía fama de ser la más violenta del país. Tampoco es que el clima social de la época en el resto de Inglaterra fuera para echar cohetes. Después de los cuatro primeros años de gobierno de Margaret Tatcher y sus políticas económicas, que estaban poniendo al límite de su aguante a la clase obrera, la amargura, el descontento y la rabia eran algo palpable. De todo ello respiraron inevitablemente cuando colocaron con sus guitarras un alambre de espino alrededor de los caramelos pop de los grupos vocales femeninos de los sesenta, la reverb característica de la música surf, el wall of sound de Phil Spector o la vertiente más ruidosa y sombría de The Velvet Underground.

Debutaron en 1984 con un single rotundo que los puso en el disparadero como uno de los nuevos grupos a los que había que seguir la pista, "Upside Down", editado por Creation. Con su desvencijado y explosivo sonido sentaron las bases de lo que terminó siendo su libro de estilo: la percusión primitiva y cavernosa, las guitarras irrumpiendo como si se trataran de sierras eléctricas, los acoples, ese desdén en la forma de cantar de Jim y, en el fondo, una composición efectiva pero rudimentaria como esqueleto. Sus poco más de tres minutos fueron como un puñetazo en la mesa teniendo en cuenta el estéril concepto de canción pop-rock que había por entonces. Parecía una fórmula infalible: radical, sencilla y pegada a su tiempo.

Todas sus esencias se destaparon en su primer álbum, "Psychocandy", editado por Blanco y Negro, una subsidiaria de la multinacional Warner que dirigía Geoff Travis (el fundador de Rough Trade). En el disco entran en colisión elementos aparentemente opuestos, como la ternura y la furia, los susurros con lo atronador y lo subterráneo con la más alta ambición. Es una olla a presión donde conviven apelmazadas la oscuridad opresiva y narcótica y el brillo más cegador y excitante. Treinta años después, sigue noqueando con su peculiar sentido del equilibrio, que los lleva a recorrer a toda velocidad el abismo que separa la melodía más inocente del amasijo de ruido más virulento.

Puede parecer una incoherencia, pero a pesar de lo desafiante, descarado y vehemente que podía llegar a sonar, The Jesus And Mary Chain soñaban con que "Psychocandy" llegase al gran público, les hiciera llenar estadios y acpararse portadas, desplazando a todos esos artistas que, sin querer, les habían marcado el camino a seguir. De hecho, a punto estuvieron de grabarlo con alguien tan alejado de su universo como Stephen Street, que se empezaba a labrar un prestigio gracias al trabajo que estaba realizando con The Smiths. En el fondo, eran unos apasionados de la cultura pop. Aunque hubieran desembarcado en el mundo de la música como si fueran un destacamento de artillería, sus metas no eran muy diferentes de las de cualquier otro grupo de su generación.

Pero, para desgracia de los Reid, "Psychocandy" prácticamente no salió del gueto alternativo. Les llovieron las alabanzas, New Musical Express lo consideró el mejor disco del año (ex aequo con el "Rain Dogs" de Tom Waits) y no fueron pocos los que vieron rápidamente que se trataba de un clásico que marcaría una época. Sin embargo, no lideró precisamente las listas de ventas. Preguntado en una entrevista en el año 2011 sobre cómo veía con el paso del tiempo el impacto que provocó, Jim reconocía que todavía le producía cierta amargura que no hubiera servido para cumplir sus ilusiones. Prefería regodearse en la herida ante que sacar pecho y levantar la cabeza para ver la enorme influencia que tuvo dentro de los cánones estéticos del indie rock. Todavía hoy se puede identificar su rastro en innumerables grupos que copan la actualidad. 

CARLOS BARREIRO.
Rock de Lux 333 - Noviembre 2014 

Diosmehaviolado - Entre Tus Piernas (1997)

COMPARTESPACIOS (2023) TRAILER OFICIAL

yuraqyana estrena el primer largometraje de Carmen Rojas Gamarra #COMPARTESPACIOS que incluye música de CRISÁLIDA SÓNICA.

Estreno 11 de agosto en Festival de Cine de Lima PUCP 🎥

EVAMUSS - Puertas de Ruido (2000) (Full Album)

WILDER GONZALES AGREDA Y KAFUKA EN FUERA DE CONTROL

Les replicants live n! Nada que celebrar

FRAU DIAMANDA INTERVIÚ :. Le di la espalda a la escena cultural clasista y racista convencional de la ciudad y monté un lugar de idealización que funcionó tremendamente bien

Héctor Acuña, prócer de la movida experimental limeña y disidencias bajo el halo de Frau Diamanda, incursionó en el ruidismo tras aburrirse del dark wave limeño, sus performances con el entonces trío JARDÍN pertenecen a un espacio memorable de las últimas músicas nacionales. Trajinó en el circuito de arte contemporáneo armando exposiciones para el Centro Cultural de España, entre otros, hacia los dos miles. Durante los últimos años de su permanencia en estas tierras activó ECN - Espacio Circuito Norte, un virus situado en el barrio de Independencia donde acontecieron enajenantes eventos de experimental, post porno y contracultura. Una verdadera contradicción en el monocorde gris de Lima Norte. Frau emigró a Barcelona el 2016 y desde las Europas está desarrollando un trabajo admirable del que casi nadie habla en la Lima de las argollas y mafias pero que acá, como es usual en Perú Avantgarde, presentamos con orgullo.

Cuéntanos plis cómo fueron tus inicios en la música diferente o marxiana si se quiere. ¿Qué grupos o canciones te impresionaron primero? ¿Dónde conseguías música, etc?

Creo que mis gustos musicales se definen por contexto familiar inicial ya que mis hermanas mayores a finales de los 70s tenían discos de vinilo (LP o 45) con música típica de aquel tiempo, entre lo popular y kitsch, obviamente me interese por la música disco y su estética. Ya de adolescente, la cultura audiovisual del videoclip me atrapó y me decanté por cantantes o bandas cuyo rollo estético andrógino marcó mi identidad, lo típico de aquella época Cindy Lauper, Culture Club, Eurythmics y por supuesto, Prince.

Recuerdo que en canal 4 y 7 había programas especializados en videoclips y llegó claro el boom de MTV. Entonces, el descubrimiento de otros espectros musicales fue lógico como ver conciertos de Depeche Mode, Dead or Alive, The Cure, Ministry, y en rollo latinoamericano, Soda Stereo y Prisioneros. Y como era bastante curiosa, descubrí en esos vaivenes 2001 Britania Fanzine de Helen Ramos que fue súper importante en mi formación musical ya más especializada. Así que empecé a merodear La Colmena y  galerías Brasil donde o compraba discos, CDs o encargaba selecciones en cassette, también en la tienda de Eduardo Lenti. Fui a algunas fiestas 2001 que organizaba Helen Ramos y por supuesto me sumergí en la escena new wave de Lima. Iba a la No Helden pero ya en su etapa de decadencia. Formé parte de esta movida new wave dark casi una década y como llegué a aburrirme, me pasé a la escena noise experimental limeña.

Recuerdo a los dark wave de Independencia, sobre todo a un chico llamado Walter que vivía cerca a mi casa, por Los Alisos, el man era alucinante pues se manejaba un look a lo Visage. Luego me enteré que falleció. ¿Les conociste, qué sabes de esa movida dark wave de la zona?

Un punto de inflexión interesante sería repensar geopolíticamente la escena new wave dark de Lima porque finalmente, si abordamos el consumo musical como cuestión de clase, hay que tener en consideración en qué nodo geográfico se encuentra Latinoamérica, siempre mirando hacia el norte, dígase USA y Europa, Entonces, el  impacto sonoro y estético, en este caso, musical es reflejo de un consumo diverso, entendiendo que lo new wave dark, representa solo un mínimo porcentaje de la industria musical global. Al extrapolarse a Lima, ya los locales y fiestas del centro de la ciudad resultaron escasos y se generó fluctuación hacia los polos citadinos. Hubo una movida new wave dark muy interesante en la zona norte de Lima cuyos looks son fruto del ingenio y saber–hacer de las ejecutantes. Según tu pregunta, creo que te refieres al grupo “From Ibiza” que eran chicos de la zona de Independencia que imitaban a las entonces  famosísimas Locomia. No las conocía en su época de esplendor, las conocí después y fuimos amigas. Pero había movida glam wave en la periferia de la ciudad bastante potentes desde San Juan de Lurigancho a Villa María del Triunfo. Lo cual de alguna manera refleja ese desclasamiento del new wave, según mi punto de vista.

¿Qué es para ti la música experimental?

Tratar de definir la música experimental es bastante complejo si consideramos que no soy una especialista, sino, más bien, una fan absoluta. En todo caso, hay varias formas de enfocarla desde la industria musical, la masificación, el show bizz o incluso la sanación sónica. Podría interpretarla como una composición desestructurada con sonido o sampleos repetitivos cuya función primordial es re crear un paisaje introspectivo que también te pueda permitir recrear tu propio imaginario visual interno, una composición que se aleja del canon musical popular – y esto sin desmerecer la creación pop que la encuentro brillante en el sentido de poder crear un tema que pueda ser consumido globalmente o incluso que ya forme parte del imaginario colectivo. Es complejo también pensar que la música experimental se generó en espacios cerrados o endogámicos ligados a movimientos de vanguardia en el arte y música, desde el futurismo italiano hasta John Cage. Nunca ha sido masiva justamente por su tipo de (re)creación contextual. Sin  embargo, siguiendo una lógica temporal insidiosa, se pudo colar entre nuevos ejecutantes y adeptos desafiando a los conservatorios musicales convencionales que poco a poco tuvieron que darle su espacio merecido, por ejemplo, el caso de Wendy Carlos aportando  muchísimo al diseño del sintetizador Moog convirtiendo a la música experimental en consumible. O también, el caso de Genesis P Orrodge desarrollando lo que se conoce ahora como sonido industrial. En este punto, es necesario mencionar el aporte enorme de las mujeres y disidencias sexuales en la concepción de la música experimental contemporánea.

Háblanos sobre tus aventuras performando con JARDÍN allá por el 2004. ¿Alguna anécdota o vivencia quizás?

Como había comentado un poco antes, me aburrí mucho de la escena new wave dark de Lima y salté directamente a la movida noise experimental cuando descubrí a los Jardín tocando en la Alianza Francesa de Jesús María en un recital poético. Al mismo tiempo, era amiga de Leo Bacteria que justo había sacado el álbum recopilatorio homenaje a Yola Polastri y le hice los coros como burbujita drag en un concierto por Lince el año 2001. Nos hicimos muy buenos amigos con Liti y Raúl de Jardín y me invitaron a colaborar con ellos en performance. En el lapso de un año, compusé un tema en alemán Macht und Lust que fue parte del repertorio performático de su propuesta, creo que debutamos en Casa Tupac de Barranco y luego como pack completo, incluyendo a los video artistas Renzo Signori y Abel Kavanagh, el performer Juan Carlos Castillo y Alan Poma en la guitarra, debutamos formalmente en la Noche de Barranco con un show multimedia espectacular que marcó un antes y un después no solo en la trayectoria de los Jardín y mía, sino en la escena musical limeña. En poco tiempo, tuvimos la agenda recargada y tocamos en festivales, conciertos, fiestas, teatros, centros de arte, etc. Duré con ellos dos años del 2002 al 2004.

Luego, desarrollé más mi carrera de artista audiovisual en solitario trabajando y colaborando con la escena artística y musical de Lima por muchos años hasta que me vine a vivir a Barcelona el año 2016.

Lograste un gran punto de reunión con ESPACIO CIRCUITO NORTE, un hito para la movida de Lima Northside, cuéntanos, ¿cómo así se te ocurrió intentar o abrir un espacio cultural, cuáles eran tus planes o intenciones, alguna posibilidad de que retornes a Lima y lo reabras?

Para hablar de Espacio Circuito Norte, primero debo trazar una cartografía de mi propia trayectoria artística y tratar de ser coherente. Inicié un proceso de experimentación estética drag/travesti a inicios de los noventa en la escena new wave dark lo cual me dio pie a poder ejercer mi libertad sexual y empezar a enunciar un discurso estético-político anti heteronormativo. Cuando ya tuve bastante afianzado el personaje/alter ego drag Frau Diamanda empecé un proceso de contaminación cultural en el ámbito artístico, musical y de pensamiento desarrollándome como artista audiovisual, curadora independiente, gestora cultural y anti teórica justamente al haber trabajado y colaborado con el Centro Cultural de España de Lima durante casi nueve años donde monté tres exposiciones de artes visuales Fraumorphing: experimento de estética (2004), Gesto: simulacros de lo real ciclo de performances (2005) y Frau Diamanda Corpus Delicti retrospectiva 1999-2009.

Aprendí de primera mano entonces la labor de gestora cultural apostando por el underground limeño tanto en artes visuales como en música y performance. Así que entendí las lógicas curatoriales y procesos de selección tirando siempre hacia mi ámbito contra cultural. Desde el año 2003 hasta el 2016 trabaje con universidades, centros de arte, galerías, museos, festivales dentro y fuera del país, con propuestas diversas desde performances, shows, dj sets a talleres y conferencias. Todo este bagaje, me dio pie a repensar que una descentralización cultural era urgente y necesaria, fue así que diseñé  en mi propia casa un espacio anti cultural a la usanza convencional. Espacio Circuito Norte o ECN se cimienta entonces como plataforma de concurrencia periférica, desclasamiento de las artes, experimentación intensa, diálogo intergeneracional y divergencia multicultural. Le di la espalda a la escena cultural clasista y racista  convencional de la ciudad y monté un lugar de idealización que funcionó tremendamente bien gracias a las colaboraciones de amigos artistas y gestores culturales. Hubo de todo: conciertos, festivales, exposiciones, performances, happenings, talleres, conferencias, intervenciones y fue tanto el revuelo que ya me escribía gente de Latinoamérica o Europa para venir a presentarse. Siempre me ha gustado el riesgo y con el apoyo incondicional de mi familia, se logró concretar este proyecto plataforma de artes vivas enfocado también obviamente en sesgos feministas y de disidencia sexual habiendo acogido desde el primer festival postporno en Perú hasta rap hecho por chicas. Creo que cerramos el año 2016 con un concierto de mi banda Porno Stars/Elektromarikapop a dúo con Juka pues ya tenía planificado que mi nuevo salto sería irme fuera y continuar mi carrera de artista en  otra parte. Mi etapa limeña estaba cerrada. Solo pude gestionar desde Barcelona una fiesta concierto en ECN quizás inicios del 2017, lamentablemente es imposible volver a montar eventos en mi casa.

Menciónanos plis, los discos, libros o películas que te han roto el coco y te gustaría recomendar a los lectores del blog.

Siempre he sido una persona dispersa y a la vez ecléctica, de adolescente leí mucho el boom latinoamericano clásico y en mis veintes, definitivamente han habido escritores que me han reventado el cerebro: Marcel Proust, Roger Peyrefitte, Albert Camus, Jean Paul  Sartre, Sade, Aldous Huxley, José María Eguren, Severo Sarduy, Manuel Puig, Pedro Lemebel, William Burroughs, George Bataille, Jean Genet, J.G.Ballard, etc. Musicalmente, soy súper fan de Cocteau Twins y todo el rollo 4AD ochentero, las bandas del sello Wax Trax, Factory, Suck me Plasma, etc. Mi lista musical sería interminable, pero al ser ecléctica me gusta mucho el dark, post punk, high energy, italo disco, EBM, metal, noise, industrial, electrónica dark en general, pero no me cierro al pop bien hecho y hasta el trap.

Cineastas: Bertolucci, Visconti, Truffaut, Godard, Cronenberg, Kurosawa, Shu Lea Chang, Almodovar, Ventura Pons, Hermanos Cohen, etc.

¿De qué va Escenas Catalanas?

Escenas Catalanas: errancias antropológico-sexuales es un proyecto editorial multidisciplinar que he desarrollado al convertirme en migrante en Barcelona. Una especie de diario sexual desde un enfoque travesti migrante que intenta hacer un análisis y crítica  directa a la heteronormatividad occidental utilizando el sexo como detonante del archivo necesario para la escritura. El juego lúdico se impone torciendo el concepto de antropología occidental al enunciar a la travesti ya no más como el objeto de estudio, sino como el sujeto que mira, critica y analiza a los objetos cis heteros de todas las etnias en esta ciudad multicultural. Es no solamente un libro objeto acompañado de ilustraciones de cuatro artistas invitados, sino también un proyecto spoken word con música experimental,  fotografía, video e instalación. En noviembre de este año, llegará a su tercera edición por la editorial La Máquina Bcn y será traducido al inglés por la Academia de Bellas Artes de la Universidad de Viena. Estoy bastante satisfecha con este proyecto que básicamente se  mueve solo. Lamentablemente, ninguna editorial en Perú se ha interesado.

¿Brian Eno o Genesis P Orridge?

Brian Eno y Genesis P Orridge ambas mezcladas impulsadoras del sonido ambient, etéreo, experimental e industrial, pilares de todo lo maravilloso que están haciendo las bandas y cantantes postmodernos. Y las que debemos muchísimo.

Hoy existe un renacer de DJs y músicos no binarios, algunos insertos en la movida electrónica experimental que tocan en lugares como Casa Bagre, etc... lo interesante es que en sus sets ponen música que sonaba en los tonos new wave de Los Olivos, por ejemplo, circa 1992: Mysterious Art, Celebrate The Nun.... ¿Mantienes contacto con ellos o cómo es la movida fiestera por donde vives ahora?

He tenido noticias de Casa Bagre, lamentablemente, no estoy en contacto con elles, en todo caso, me parece fantástico, urgente y necesario el trabajo de las disidencias sexuales en los ámbitos contra culturales de la ciudad, tal cual lo hice yo más de una década antes. Por cierto, las Vichxs han remixeado el tema Traka Robotika de mi banda Porno Stars/Elektromarikapop y eso me parece maravilloso.

Emiliano Zapata (MÉXICO)

La distancia desde Ciudad de México hasta Cuernavaca, la capital del estado de Morelos, es de menos de 80 km; pero en 1914 ese viaje lo llevaba a uno de un universo social a otro. La capital federal estaba controlada entonces por una burguesía liberal de terratenientes, hombres de negocios y políticos, mientras que Cuernavaca estaba controlada por los zapatistas.

En Cuernavaca todos los varones vestían la camisola blanca, sarape, sombrero charro y huaraches (sandalias) típicos de los peones mexicanos; todos se parecían entre sí y era imposible decir quiénes eran los jefes y quiénes no. Todos hablaban el lenguaje sencillo del pueblo. Prácticamente todos eran indios o mestizos, y muy pocos sabían leer o escribir.

Los ricos habían huido de aquella ciudad controlada por los campesinos revolucionarios, cuyo líder era un modesto granjero convertido en comandante guerrillero llamado Emiliano Zapata.

Zapata personificaba la revolución de los campesinos mexicanos. Nunca llegó a superar del todo la ingenuidad y rusticidad del pueblo. Odiaba la ciudad y desconfiaba de los hombres vestidos con trajes y zapatos. De la elite de políticos que gobernaba México, dijo en una ocasión: «¡Solo son unos hijos de la chingada!». Por eso rehuía Ciudad de México, la política nacional y los intentos de sobornarlo con ofertas de altos puestos en la administración.

Personalmente incorruptible, seguía leal al cabo de una década de revolución a la causa de los campesinos, por lo que los pobres del sur de México lo idolatraban. Cuando le preguntaron a una anciana de un pueblecito aislado qué pensaba de él, respondió: «Nosotros, los pobres indios de las montañas, iríamos atados a la cola del caballo del jefe Zapata».

La piedra de toque de la política de Zapata y de la reforma agraria que emprendió era el Plan de Ayala de 1911; la sexta cláusula exigía la devolución de los campos, bosques y vías fluviales que los ricos habían arrebatado a los pueblos; la séptima, la expropiación de un tercio de los latifundios y que fueran distribuidos entre los campesinos sin tierra; y la octava, la nacionalización de todas las propiedades de los contrarrevolucionarios y que dos terceras partes de lo obtenido en su subasta sirviera para pagar pensiones de guerra e indemnizaciones a los pobres.

...

El principal jefe guerrillero en el norte era el antiguo bandolero Pancho Villa. Un bandolero era alguien fuera de la ley que robaba a los ricos y contaba con el apoyo de la gente humilde de la que provenía. En periodos de crisis el bandolerismo podía crecer hasta convertirse en un movimiento campesino revolucionario, transformando una figura como Pancho Villa en un líder nacional.

Pero Villa era políticamente simple y un tanto oportunista. Aunque nunca rompió con los campesinos del norte de México, tampoco les proporcionó un liderazgo revolucionario claro y coherente.

En el sur fue Emiliano Zapata quien se convirtió en el principal jefe guerrillero. Siendo él mismo un pequeño granjero, estaba más firmemente enraizado en el pueblo que Villa, y su política era un reflejo más fiel de las aspiraciones de los campesinos pobres que deseaban tierra, agua y seguridad.

La resistencia de Villa, Zapata y otros jefes populares paralizó el aparato estatal en gran parte del México rural, dejando a sus fuerzas de policía y sus soldados aislados en las principales ciudades, mientras que el campo circundante quedaba en manos de los rebeldes.

La historia se repitió así a un nivel más alto. Madero fue asesinado el 22 de febrero de 1913 por uno de sus generales, Victoriano Huerta, pero otro político liberal, Venustiano Carranza, formó rápidamente un ejército «constitucionalista» para renovar la alianza con el campesinado y reanudar la lucha contra la dictadura.

Tras la Convención de Aguascalientes Pancho Villa y Emiliano Zapata entraron en Ciudad de México el 6 de diciembre de 1914 al frente de un ejército de 60,000 campesinos armados, mientras Carranza y sus seguidores se trasladaban a Veracruz; pero en lugar de tomar el poder estatal, Villa y Zapata se lo devolvieron a la burguesía liberal.

La encarnación por Zapata de la revolución social agraria de los pueblos mexicanos era demasiado completa. Odiaba a los ricos y a los liberales, tras su larga experiencia de mentiras y traiciones. El Plan de Ayala, que exudaba amargura, denunciaba a Madero por su intento de «acallar y ahogar en sangre con la fuerza bruta de las bayonetas a los pueblos que piden, solicitan o demandan de él el cumplimiento de las promesas de la revolución». Aun así, en diciembre de 1914, en su momento de mayor poder, Zapata entregó la autoridad estatal a los constitucionalistas de Carranza, los sucesores liberales de Madero, y prefirió retirarse a Morelos y actuar como guardián de la reforma agraria local.

Incapaz de imaginar, y menos aún de construir, un estado democrático de obreros y campesinos, Zapata permitió que el espacio que él y sus seguidores habían ocupado en la cúspide de la sociedad mexicana volviera a ser ocupado por los enemigos de clase del pueblo. Al cabo de poco tiempo, cuando se completaron los preparativos y se juzgó que había llegado el momento adecuado, esos enemigos iban a contraatacar para erradicar el peligroso ejemplo del zapatismo: revolución desde abajo por la gente humilde del campo.

...

El propio Zapata había muerto ya; el 10 de abril de 1919 cayó en una trampa y al entrar en una hacienda los soldados escondidos en las azoteas abrieron fuego contra él; el coronel al mando fue ascendido a general y recibió un premio en metálico de 50.000 pesos en monedas de oro «por haber cumplido satisfactoriamente la difícil misión que le fue encomendada». El comandante militar del gobierno en Morelos proclamó: «Tras la desaparición de Zapata, el zapatismo ha muerto. Zapata era simplemente un bandido».

NEIL FAULKNER
De los neandertales a los neoliberales