El ambient es una música que nos enamoró desde la adolescencia cuando conocimos los "Excursions in Ambience" y gemas como SAWII de Aphex Twin. Eran los años 90, una época de full transgresión sónica en todo el orbe y Lima, Perú, no fue para nada la excepción. Para eso estábamos Crisálida Sónica y los que luego vendrían. Los conciertos los recuerdo bien lejanos. Usualmente parábamos stonasos y fuertemente ensimismados en el sonido. Llevábamos la música a donde sea que pisáramos tierra: Pachacámac, Ancón, campamentos en la sierra, reuniones en la ciudad y hasta veranos en la casa de playa de algún colega.
Al transcurrir estos años el ambient ha continuado produciendo bellezas. Utopías que han heredado las lecciones aprendidas desde Eno y los krautrockers hasta Oval o Flying Saucer Attack. Empezando la segunda década del siglo XXI hemos querido hacer un breve recuento de algunos de estos horizontes y de seguro esto se transformará en una serie nueva en Perú Avantgarde.
A no olvidar, chikxs, pase lo que pase el ambient siempre estará ahí, como este blog: MÚSICA QUE TE ENSEÑA A NO SER UN ESTAFADOR COPISTA SIMULANDO/PARA ALCANZAR EL CIELO...
LOSCIL - Submers
Kranky, 2002
La música ambient trata sobre la creación de entornos auditivos, y una de las construcciones más populares es el útero. El útero es el lugar donde todos nos imaginamos en paz y sintiéndonos bien. Tu cuerpo flota en un espacio cálido y líquido, y tus sentidos están en reposo. Si pudieras experimentar la luz en el útero, solo sería el brillo más tenue de color carne. Tal vez tu gente bombee los discos de Raymond Scott y Mozart en el vientre de tu mamá, pero lo único que escuchas son ruidos suaves e indistintos que pasan por un filtro de paso bajo. Un amigo de la mente solía beber taza tras taza de TheraFlu cuando tenía una resaca. Afirmó que la medicina puso una capa gruesa de algodón cálido de cinco pulgadas entre él y el mundo. Y así es como me imagino el útero: un cielo sintonizado perfecto para soñar.
Con "Submers", el artista con sede en Vancouver Loscil (Scott Morgan) practica el arte del útero auditivo. Esta es música sin bordes afilados. Las texturas de sintetizador son cálidas, profundas y viscosas como el líquido amniótico, y al igual que el legendario proyecto Gas de Wolfgang Voigt, Loscil sabe que no puedes vivir dentro del cuerpo de otro sin escuchar un latido lejano. Entonces, un delicado golpe de 4/4 llega en ocasiones para recordarnos la fuente de este lugar seguro y maravilloso. Llamar a "Submers" "El mejor álbum para quedarse dormido en 2002" (salió a fines del año pasado) podría parecer un cumplido indirecto, pero esto es algo realmente hermoso que resulta ser el tipo correcto de derivar a otra conciencia.
"Submers" tiene un concepto: todas las pistas tienen nombres de submarinos. Y si "womblike" es una descripción adecuada para "Submers", "aquatic" es otra. Además de sonar un poco como Gas, Loscil también me recuerda al colectivo ambiental japonés Neina en su enfoque en texturas tan complicadas y detalladas que pueden pasar por la naturaleza. Los drones en "Argonaut I" están amontonados al menos con cuatro capas de altura, lo suficiente como para perderse, mientras un borde brillante de sonido más agudo gira alrededor de algo más profundo y más difícil de comprender. "Gymote" agrega la más mínima brizna de tonos estáticos y suaves, casi campanarios como acompañamiento rítmico, y luego envía todo en su camino con un bombo rápido y constante. "Diable Martin" tiene un ritmo similarmente rápido, pero algo sobre la distancia del golpe hace que el tempo importe poco. Todavía se siente como un drone, incluso si el BPM es técnicamente superior a 100. "Diable Martin" tiene algunas otras partes techno, una secuencia de sintetizador vibrante y ligeros toques de percusión, aunque estos elementos no perturban el ensueño.
Pero los toques delicados son lo que realmente la hacen. El drone inestable en "Resurgam" es frágil como el vidrio caliente soplado hasta su punto de ruptura, un sonido tan hermoso que podría desmoronarse en cualquier momento. "Triton" agrega la más mínima tensión y corrientes subterráneas de doblaje, junto con el fantasma de un barrido orquestal, y aunque parece menos relacionado con el tema, es una de las mejores pistas aquí. Finalmente, "Kursk", un homenaje al submarino ruso perdido, finaliza el álbum en un tono ominoso, con el tipo de drones parecidos al violonchelo de bajo medio con los que sueña Stars of the Lid. Luego viene el silencio. Es hora de abrir los ojos, caminar lentamente hacia el reproductor de CD y presionar "reproducir" nuevamente.
MARK RICHARDSON (Pitchfork)
Examina el éter para ver reseñas de este álbum, y seguramente verás escritores que invocan océanos y profundidades azules. Después de todo, una colección cuyas pistas son odas a submarinos invita directamente a esas imágenes. Pero ahora que lo pienso filosóficamente, los submarinos también son naves espaciales. Al participar en este trabajo, siempre recuerdo una frase de la Poeta Malena Morling. Fue algo así como: "Siempre me pregunto sobre el espacio, cómo nunca termina". Creo que "Submers" comprende el "espacio sin fin" tanto como sondea la "profundidad oceánica".
Este álbum, y el trabajo de Loscil, en general, tiene una cualidad onírica, ya que el Sr. Morgan te ayuda a atravesar vastos espacios mientras permaneces quieto. Las canciones son ramos impecablemente organizados de capas circulantes, oscilantes, parlanchinas, silbantes, aplacantes y agitadoras de vibraciones audibles, que se agrupan y se unen lentamente, solo para relajarse (lentamente) y desaparecer. Para diversión y consternación de uno, Submers es creado principalmente por organizaciones complejas de samples filtrados y manipulados del universo clásico occidental.
En la sensación de estas pistas, existe un deseo persistente de algo intangible y más extenso que nosotros mismos, ya que Argonaut I y Gymnote me empujan a las incógnitas desconocidas. El espacio zumba con graves profundos. El timbre es maravillosamente único y difícil de encontrar en prensas de vinilo de trabajos electrónicos. Estos dos tracks podrían representar las últimas luces parpadeantes de un submarino que brilla sobre un esqueleto gigante mientras los marineros caen en picado a profundidades que no han visto la luz en un millón de años. Estos tracks también podrían representar un viaje a formaciones fractales luminosas de constelaciones en galaxias inexploradas.
Hablando de eso, a menudo sentí que el trabajo de Loscil tiene una calidad fractal donde los mismos patrones se repiten a profundidades infinitas. Por ejemplo, en Nautilus, el diseño del ritmo está envuelto por un aura de sonidos de baja frecuencia intercalados por flautas asombrosas. Los tracks nos llevan a un estado donde todo parece vasto; después de todo, también podría ser como si nos hubiéramos convertido en pequeños insectos mirando el mundo magnificado con la maravilla de los viajes espaciales.
Me encuentro caminando hacia los LP de Loscil en muchos sets de improvisación y premeditados. Especialmente me encanta la canción Resurgam, ya que los movimientos melódicos podrían armonizarse e improvisarse fácilmente con la belleza de un Raga nocturno como Yaman Kalyan. En la mezcla Rain of Rivers (@ Queitcalm Records) Disfruté especialmente tocando a Resurgam como un puente acentuado entre el tristemente emotivo 1979 de Deru y los viajes melódicos inquietantes y hermosos de Everything (por Ben Lukas Boysen y Sebastian Plano). En "My Immaculate Morsels of Sadness" no pude evitar permitir que Submers llegue dos veces en forma de Triton y Gymnote, para conversar y yuxtaponer con los elementos compositivos dramáticos de Robot Koch y Cinematic Orchestra.
Si te encuentras con este trabajo, prepárate para viajar, por dentro y por fuera, sumergido, mirando a través de un periscopio o un telescopio. Quizás algún día Loscil tendrá un álbum meditando sobre naves espaciales, pero hasta entonces este es el momento.
DRASTIC STEPS
PABLO BOLÍVAR - Motion: The Ambient Works
AvantRoots, 2010
Klaus Schulze, Tangerine Dream, Brian Eno, Biosphere, son algunos de los Maestros en la historia de la música electrónica.
Fueron los primeros en experimentar con sintetizadores modulares en los años 70: instrumentos monstruosos que fácilmente podrían provenir de una película de ciencia ficción / terror.
Hoy, 40 años después, gracias a esta genial inspiración, hipnotizada por su trabajo y totalmente inmersa en sus atmósferas, Pablo recopila sus mejores obras atmosféricas producidas entre 2000 y 2010 en un álbum. "Motion" es un disco lleno de movimiento acuoso. Un baile interno para complacer tu alma.
Una exquisita selección de 9 pistas que lo llevarán a un viaje espacial con momentos llenos de brillo como en "Is it the last call?", o melancólico como en "Recuerdos de otra edad".
El español Bolívar, después de trazar un camino profundo gracias a una discografía joven pero no sin madurez, decide rendir homenaje a algunos monstruos sagrados que lo han influenciado con el tiempo, entre estos Schultze, Tangerine Dream, Eno y muchos otros, en un álbum de sus composiciones ambientales más calientes y emocionantes.
Avant Roots, un proyecto colateral del propio Bolívar junto con Aphro Sainzs, se ocupa de la colección y es responsable de dar visibilidad, desafortunadamente solo digitalmente, a lo que ellos mismos llaman los sonidos del alma. Principalmente excursiones medioambientales con un fuerte acento melódico, grabaciones de campo y composiciones auditivas.
Bolívar aquí deja caer los ases, dándonos un álbum ambiental fundamental. Lo hace componiendo música a la que sin duda debe haberse habituado por completo, enfocando su concentración en composiciones de piano en movimiento colocadas en almohadillas ambientales suaves y espumosas, demostrando una previsión completa en el control de peso, calidad por decir lo menos básico si quieres tener éxito en el delicado ecosistema ambient.
Nos enfrentamos a 9 delicadas alfombras bordadas con cuidado, dirigiendo las diversas texturas de fondo hacia las nieblas de doblaje con tonos pastel que se reclinan muy bien en estas suites lentas y armoniosas que con el paso de los minutos se enriquecen con arcos suaves, temblores dilatados y un engrosamiento creciente del material que luego encuentra excelencia en dos piezas monumentales como "Just Perfect Landscapes" y "Creando Dimensiones". Una escritura profunda y aguda, algunas notas para hacer que la sangre fluya, una serie de verticales atmosféricos que secan la garganta y eliminan la estabilidad, el despegue hacia un viaje total, el regreso, la sensación de que todo esto permanecerá en ti para siempre.
Seguirán meses de oración con la esperanza de ver esta joya impresa en vinilo. No todo puede terminar con un botón de descarga desagradable. (Electronique.it)
CARL HULTGREN - Tomorrow
Blue Flea, 2014
La mitad de los veteranos de Kranky Windy & Carl presenta un trabajo de edición limitada solista de belleza desarmadora. Ese dúo se ubicó en el extremo beatífico de la ola original de principios de la década de 1990 del post-rock estadounidense, y lo mismo se aplica al trabajo de Hultgren como trovador ambiental. Envuelto en reverberación y delay, amortiguado en nubes de drones sintéticos, el guitarrista apunta directamente al corazón del oyente, apretando suavemente para provocar una sensación de suspensión dentro de un momento epifánico continuo. La generosidad emocional y la franqueza de estas piezas, que carecen de cualquier trasfondo o subtexto traicionero, es casi inquietante. "Tomorrow" tiene una cierta relación con la era "Pet Sounds" de los Beach Boys; esta es una música aparentemente diseñada principalmente para hacer que el oyente se sienta amado. Y funciona. (The Wire mag)
GUSTAVO LAMAS - Mañana
Kompakt, 2000
"¿Qué es hermoso? Flores, mariposas, diamantes, nubes esponjosas, puesta de sol, Kylie Minogue ... y Pop Ambient! Especialmente si proviene de los mejores de Buenos Aires: Gustavo Lamas. Ya conocido por sus fantásticos lanzamientos en Traum (Colonia) y Frágil Discos (Argentina) ahora presenta su actuación invitada para Kompakt. Increíbles texturas de ensueño en capas alrededor de un surco subliminal. "Mañana 'significa mañana'. Parece que hay una visión de algo mejor en el otro lado de este planeta. Kits de alta tecnología para todas las personas que están enfermas de cosas IDM depresivas. Llama a tus amigos. Apaga tu radiador. Enciende tu estéreo. Baila en las sábanas. El amor está en el aire." (Forced Exposure)
ISHQ - Radiophonics
Virtual, 2017
Ishq es un proyecto de psybient o ambient tripero que ha estado activo desde inicios de los 90's editando música en distintos labels. Son una dupla conformada por Jacqueline Kersley y Matt Hillier y su preferencia por discursos orientales se ve reflejada desde el inicio: Ishq significa amor en persa e hindú, amor a lo divino, amor extático a la creación de (su) Dios.
Al escuchar su reciente release, Radiophonics, conformado por 6 piezas (6 mini cd-rs) de 20 minutos cada una, podemos entender claramente a lo que estos músicos de post psicodelia apuntan. Trascendencia vía la música. Las composiciones basadas en sonidos electrónicos inspirados en los Talleres Radiophónicos de la BBC poseen un carácter extrasensorial y etéreo que activará tu alma y cerebro. Los títulos no hacen sino confirmar esta idea: "Voyage into an infinite sun", "A reality gate into tomorrow", "Prismatic adventures in the eye of Horus". Vaya que saldrás irradiado de cosmos y misticismo milenarios. (WGA)
TIM HECKER - Radio Amor
Mille Plateaux, 2003
El minimalismo, como se suele describir, es música precisa. Ya se trate de los patrones de fase de Steve Reich, el pulso "C" de Terry Riley o los tonos extendidos de La Monte Young, el minimalismo clásico se presenta tan cuidadosamente como una ecuación matemática. Cada nota tiene su lugar; las colisiones armónicas no se dejan al azar. El sonido está ordenado. El minimalismo es música para fanáticos geniales.
El segundo largo de Tim Hecker bajo su propio nombre, siguiendo el subestimado Haunt Me, Haunt Me, Do It Again (el EP My Love Is Rotten to the Core fue una diversión interesante pero no mucho más), aborda el minimalismo desde un ángulo más desordenado. El motivo de identificación de Radio Amor es un grupo de piano repetido. Obviamente, es minimalista en algunos aspectos, implica la repetición de un conjunto de tonos limitado, pero algo más está sucediendo. El grupo de piano de Hecker suena accidental y roto, las notas caen al azar en un grupo en el suelo. Aunque es probable que cada sonido se haya colocado cuidadosamente en una ventana de la computadora de Hecker, nunca lo sabrías. Esta idea sonora está más cerca en espíritu de la melodía de las campanas de viento que algo que uno se inclina sobre un piano para resolver, pero no es menos sorprendente por su aparente aleatoriedad.
"Song of the Highwire Shrimper" presenta este fantástico sonido. Después de un poco de estática radiodifusión de onda corta, completa con voces no identificables, aparece el bit del teclado. No puedo decir si es un sampler o solo mi propia mente conectando dos discos con temas náuticos (Radio Amor se inspiró en parte en las observaciones de Hecker en un Pueblo pesquero hondureño), pero algo sobre la calidad del piano en "Song of the Highwire Shrimper" me recuerda a "Maiden Voyage" de Herbie Hancock. Donde Hancock aprovechó el ritmo fijo de la marea, Hecker se acerca al caos presente dentro de la cresta de una ola. Escuche atentamente y podrá escuchar el gorgoteo infinitamente variable del océano.
Al igual que Haunt Me, Haunt Me, Do It Again, Radio Amor fluye de una pista a la siguiente, y realmente funciona mejor como una pieza larga. El patrón de teclado entrecortado vuelve a aparecer varias veces. En "Spectral", se cierne alrededor de las esquinas del marco, visible solo cuando uno desvía la atención de los drones que cambian gradualmente y que constituyen la mayor parte de la pista. Aquí, la técnica de Hecker me recuerda un poco al juego de manos sónico de Vert en The Köln Konzert, donde extrajo pequeñas frases melódicas del álbum de piano en solitario de Keith Jarrett y las envolvió en capas de ruido punzante. "I'm Transmitting Tonight" también se basa en la tartamudeante figura melódica, pero el ruido se dispara a través de los tonos, por lo que la frase del piano se convierte en un fantasma de sí mismo pobremente afinado.
El resto de Radio Amor flota como un sueño inquieto a bordo. Las transmisiones de radio, que a menudo sirven como el único contacto humano de la gente de mar, van y vienen. Los drones ricos en armónicos se transforman en estáticos y luego regresan. El ruido blanco simula el silbido del océano. Ocasionalmente, como en "Azure Azure", Hecker incorpora feedback de guitarra y logra algo cercano a la grandeza cruda que una vez convirtió a los amigos de la ciudad en Godspeed You Black Emperor. Tan estupendo. Para cuando llega al cierre "Trade Winds, White Heat" la música se ha calmado, la progresión del teclado es constante y clara, y la charla de ondas de aire finalmente se silencia. Radio Amor es una banda sonora brillante para soñar despierto, y las variaciones efectivas de Tim Hecker en algunas ideas centrales muestran una vez más a un talentoso compositor en el trabajo.
De vuelta a casa.
MARK RICHARDSON (Pitchfork)
El primer álbum de Tim Hecker para Mille Plateaux, Radio Amor, sigue dos esfuerzos excelentes para el sello Substractif relativamente más pequeño pero igualmente prestigioso, y en consecuencia consolida ese par en su grabación más inclusiva y presentable hasta el momento. Combina la inquietante majestad de su debut de larga duración, Haunt Me Haunt Me, Do It Again (2001), con el marco conceptual suelto de su EP de seguimiento, My Love Is Rotten to the Core (2002), y lo hace sin ser tan prepotente como esos dos lanzamientos pueden haberse sentido para los oyentes interesados en simplemente escuchar música en lugar de una concepción descabellada. Por lo tanto, Radio Amor tiene dos lados principales: sus sonidos y conceptos. La paleta sonora que Hecker dibuja desde aquí recuerda notablemente a su trabajo anterior. Las ondas de drones fuertemente manipuladas nuevamente chocan y salpican una contra la otra, a menudo haciéndolo con una sincronía cercana pero sutilmente apagada en los canales derecho e izquierdo. El efecto es un poco desorientador, y ese es precisamente el punto, ya que la estética general de Hecker parece centrarse en un estilo de manipulación de sonido de otro mundo destinado a desconcertar incluso a los oyentes de música digital más experimentados. El marco conceptual sobre el que se basa es igualmente vagamente vago, y sin duda a propósito. Los títulos de las pistas no aluden a mucho por sí solos, sin embargo, cuando se combinan con el notable empaque del álbum, una narración susurrada comienza a formarse, una que involucra navegación marítima remota, transmisiones débiles, guía de brújula y un entorno del tercer mundo. Quizás sea apropiado entonces que el clímax del álbum, su momento de mareo más deliciosamente desgarrador, "Azure Azure", llegue tarde en el álbum, después de "The Star Compass" y antes de "Trade Winds, White Heat". En ese momento, Hecker una vez más te ha barrido con un álbum perfecto que exige una escucha de principio a fin, y esta vez lo hace con la grandeza intemporal y el atractivo universal de una novela Hemingwayesque-lost-at-sea narrada desde La perspectiva omnisciente. Esto está muy, muy lejos de tu álbum ambiental ordinario, si estás dispuesto a sumergirte en su profundidad en lugar de simplemente hojear su superficie, eso es.
JASON BIRCHMEIER (AllMusic)
OKADA - Floating Away From The World
n5MD, 2017
Okada es una especie de reencarnación para Gregory Pappas de Seattle. Bajo el apodo de ZXYZXY, Pappas lanzó una gran cantidad de música electrónica experimental con ritmos en su mayoría secundarios al espacio ambiental y los drones. Floating Away From the World de Okada parece ser su esfuerzo más maduro hasta la fecha. El trabajo toma grandes extensiones de espacio y las sostiene con cambios sutiles y desarrollos minuciosamente graduales. El disco termina con una pieza de 22 minutos, que ciertamente suena un poco excesivamente al final, pero antes de eso ni un momento se siente perdido. En el clímax de sus melodías, estas muestras vocales hermosas e inquebrantables se disparan, pero Pappas pasa tanto tiempo alcanzando este enfoque final que realmente mantiene al oyente al borde de su asiento. Además, su uso de material acústico, que incluye cuerdas y pianos, en las pausas entre las estructuras de ritmo estancado, crea momentos realmente impresionantes.
"Shredded Remains of Hope" comienza con sonidos estáticos texturizados. Las líneas de bajo casi inaudibles dan una sensación de profundidad a medida que los drones de mayor frecuencia llenan el espacio superior con un elemento melódico proporcionado por una sutil frase de piano. A lo largo del registro, siempre hay una cierta sensación de ritmo e incluso en este pasaje, los sonidos de los drones electrónicos se hinchan constantemente a diferentes ritmos para crear movimiento. Cuando llega el ritmo, todavía hay una especie de elemento suave y lúgubre en el sonido, pero a medida que avanza la pieza, y se agregan más capas, el retrato sonoro se vuelve más y más puntiagudo. Es sorprendente cómo Okada usa samples vocales tan pequeños, pero aún así logra juntarlos durante un largo período de tiempo. Aquí, las versiones con desplazamiento de tono del sample decoran el espacio alrededor de cinco minutos, gradualmente cada vez más presentes antes de obtener su primer enunciado alrededor de los ocho minutos. Incluso aquí, el sample está enterrado en el fondo. Este proceso gradual de revelar el material melódico más memorable hace que la pista de 14 minutos se deslice sin esfuerzo.
Ciertamente vale la pena mencionar que las cuatro pistas siguen un camino de desarrollo similar, por lo que tal vez el próximo disco pueda ofrecer un poco más de contraste. Aún así, hay algunas opciones únicas que vale la pena mencionar. "Don't come any closer" toma un ritmo audazmente letárgico y el piano está mucho más presente. Desde el principio, estos acordes altos y ornamentales traen una gran cantidad de emoción al track, y con el ritmo, se produce una gran variación rítmica. La frase vocal ve un desarrollo realmente intrigante en "An Endless Battle of Memories". En lugar de centrar el clímax de la pista alrededor de un solo clip vocal, Okada pone el sample en tres frecuencias diferentes, que cambian el tempo y el tono. Esto permite que la mitad frontal del track sea aún más esotérico con los samples vocales, ya que Pappas extrae piezas de las tres versiones, solo revelando su relación al final. Además, esto agrega otro elemento rítmico ya que los tres elementos interactúan de manera conflictiva.
Los momentos acústicos en el álbum agregan otro elemento humano al espacio generalmente estéril. En la pista final, Pappas se abre con cuatro minutos de espacio ambiental sin latidos donde los divagaciones de piano anticipan lentamente la melodía vocal que se avecina. Las cuerdas entran después de las voces y agregan un hermoso cojín al espacio. A medida que la melodía llega a su punto máximo, las cuerdas se hinchan con contramelodías y notas altas, lo que lo convierte en un momento bastante glorioso. Otra posible crítica de este álbum sería que Okada no está tratando de probar la belleza con sonidos o instrumentos experimentales, pero momentos como estos son muy difíciles de discutir.
Con pistas que van de 11 a 22 minutos, Floating Away From the World es casi una experiencia meditativa sobre cualquier otra cosa. Sin embargo, Okada toma algunas decisiones sutilmente impresionantes que mantienen el desarrollo. Desde los pequeños clips de samples vocales ya cortas que rocían el comienzo de las pistas, hasta los cojines de cuerdas brillantes, este álbum ofrece ideas que te hacen esperar y otras que te bañan en belleza.
DONOVAN BURTAN (Positively Underground)
