VOM HIMMEL HOCH

Por UWE SCHÜTTE 
De "Kraftwerk. Future Music from Germany" (2020)

...La canción de cierre, 'Vom Himmel hoch' ('Desde el cielo arriba'), hace referencia al título de una popular canción navideña, mientras que la música imita un ataque aéreo en tiempos de guerra que reanima los horrores de los bombardeos civiles con un repertorio mínimo de percusión y sonidos electrónicos. Junto con el título oscuramente irónico y ambivalente, esto fue notable en ese momento, ya que la campaña de bombardeo estratégico emprendida contra la población alemana durante los últimos años de la Segunda Guerra Mundial por parte de las fuerzas aliadas fue un tema muy difícil de abordar, particularmente para la izquierda. Alemanes jóvenes inclinados a la izquierda entendieron demasiado bien que la destrucción era, en un sentido moral, la venganza legítima por los crímenes cometidos por los nazis.

"Nuestra tradición aquí había sido rota, bombardeada", dijo Hütter en una declaración reveladora en 1991, señalando que mientras los nazis habían destruido el próspero movimiento modernista y vanguardista en Alemania tan pronto como llegaron al poder en 1933, el bombardeo las campañas de las fuerzas aéreas británicas y estadounidenses habían diezmado las ciudades y la infraestructura alemanas hasta un grado inimaginable hasta ahora. Las imágenes aéreas de la destrucción de Colonia muestran la ciudad entera como un vasto campo de ruinas y destrucción. Miles de cuerpos en descomposición yacían enterrados bajo los escombros.

Hablando en 1991, Florian Schneider recordó el Düsseldorf de su infancia: “Gran parte de la ciudad todavía estaba destruida. Recuerdo que las calles todavía estaban llenas de agujeros de bombas, era un poco como ahora en el Líbano”. Hütter dio una descripción similar en 1982: “A nuestros padres los sacaron de sus casas. Su principal interés era reconstruir una vida para ellos mismos. Se obsesionaron con las cosas materiales y se pasaron de la raya”.

El hecho de que los bombarderos aliados hayan arrasado con muchas zonas urbanas de la zona del Rin-Ruhr debe tenerse en cuenta al considerar algunas de las declaraciones de Hütter, como la siguiente, en la que pretende explicar la compleja situación en la que se encontraban los jóvenes alemanes de su generación cuando tratan de llegar a un acuerdo con su difícil legado nacional: "Alemania había perdido su identidad. Todos nos sentimos muy perdidos". La cita no implica ni nacionalismo ni revisionismo, sino una pronunciada sensación de desplazamiento y confusión en un territorio que debería sentirse familiar: el país de origen de uno.

VOM HIMMEL HOCH

By UWE SCHÜTTE
From "Kraftwerk. Future Music from Germany" (2020)

The closing track, ‘Vom Himmel hoch’ (‘From Heaven Above’), references the title of a popular Christmas song, while the music mimics a wartime air raid which reanimates the horrors of civilian bombings with a minimal  repertoire of percussive and electronic sounds. Together with the darkly ironic and ambivalent title, this was remarkable at the time, as the strategic bombing campaign waged against the German population during the last years of the Second World War by Allied forces was a very difficult subject to raise, particularly so for left-leaning young Germans who understood all too well that the destruction was, in a moral sense, rightful vengeance for the crimes committed by the Nazis.

‘Our tradition here had been broken, bombed,’ Hütter said in a telling statement in 1991, pointing out that while the Nazis had destroyed the thriving modernist, avant-garde movement in Germany as soon as they came to power in 1933, the bombing campaigns by the British and US air forces had decimated German cities and infrastructure to a hitherto unimaginable degree. Aerial images of the obliteration of Cologne show the entire city as one vast field of ruins and destruction. Thousands of decomposing bodies lie buried beneath the rubble.

Speaking in 1991, Florian Schneider recalled the Düsseldorf of his  childhood: ‘Much of the town was still destroyed. I remember the streets were still full of bomb holes, it was a bit like it is in Lebanon now.’ Hütter gave a similar description in 1982: ‘Our parents were bombed out of their homes. Their main interest was to reconstruct a life for themselves. They became obsessed with material things and went over the top.’

The fact that Allied bombers had wiped out many urban areas of the  Rhine-Ruhr area must be taken into account when considering some of Hütter’s statements, such as the following, in which he aims to explain the complex situation young Germans of his generation found themselves in when trying to come to terms with their difficult national legacy: ‘Germany had lost its identity. We all felt very lost.’ The quote implies neither nationalism nor revisionism but instead a pronounced sense of displacement and confusion in a territory that should feel familiar: one’s native country.

Entrevista a Helene Ramos por Michael Phun - parte 1

De parte de master DJ HELENE RAMOS: "Es una entrevista que me hicieron durante unas 3 horas y sale en 3 partes en un tiempo un poco distanciado. No ha sido fácil editarlo x las canciones que tuve que ir buscando para ser incluídas. Miles de gracias!!!" 

Quienes poseen los datos poseen el futuro

Por Yuval Noah Harari

Extraído de 21 lecciones para el siglo XXI

Igualdad

Quienes poseen los datos poseen el futuro

En las últimas décadas, a la gente de todo el planeta se le ha ido diciendo que la humanidad se halla en la senda hacia la igualdad, y que la globalización y las nuevas tecnologías nos ayudarán a llegar pronto a ella.

En realidad, en el siglo XXI podrían surgir las sociedades más desiguales de la historia. Aunque la globalización e internet salvan la distancia entre países, amenazan con agrandar la brecha entre clases, y cuando parece que la humanidad está a punto de conseguir la unificación global, la propia especie podría dividirse en diferentes castas biológicas.

La desigualdad se remonta a la Edad de Piedra. Hace 30.000 años, las bandas de cazadores-recolectores enterraban a algunos de sus miembros en tumbas suntuosas repletas de miles de cuentas de marfil, brazaletes, joyas y objetos de arte, mientras que otros miembros tenían que conformarse con un simple agujero en el suelo. No obstante, las antiguas bandas de cazadores-recolectores eran todavía más igualitarias que cualquier sociedad humana posterior, porque tenían muy pocas propiedades. La propiedad es un prerrequisito para la desigualdad a largo plazo.

Tras la revolución agrícola, la propiedad se multiplicó, y con ella la  desigualdad. A medida que los humanos se hacían con la propiedad de la tierra, de animales, de plantas y utensilios, surgieron rígidas sociedades jerárquicas, en que pequeñas élites monopolizaron la mayor parte de las riquezas y el poder de generación en generación. Los humanos acabaron por aceptar esta organización como algo natural e incluso ordenado por la divinidad. La jerarquía no era solo la norma, sino también el ideal. ¿Cómo puede haber orden sin una clara jerarquía entre los aristócratas y los plebeyos, entre hombres y mujeres, o entre padres e hijos? Sacerdotes, filósofos y poetas en todo el mundo explicaban con paciencia que de la misma manera que en el cuerpo humano no todos los miembros son iguales (los pies han de obedecer a la cabeza), así en la sociedad humana la igualdad no acarrearía más que caos.

Sin embargo, a finales de la era moderna la igualdad se convirtió en un ideal en casi todas las sociedades humanas. Ello se debió en parte al auge de las nuevas ideologías del comunismo y el liberalismo. Pero se debió también a la revolución industrial, que hizo que las masas fueran más importantes de lo que nunca habían sido. Las economías industriales se basaban en masas de obreros comunes, mientras que los ejércitos industriales se basaban en masas de soldados comunes. Los gobiernos tanto de las democracias como de las dictaduras invertían mucho en la salud, la educación y el bienestar de las masas, porque necesitaban millones de obreros sanos que trabajaran en las líneas de producción y millones de soldados leales que lucharan en las trincheras.

En consecuencia, la historia del siglo XX se centró en gran medida en la reducción de la desigualdad entre clases, razas y géneros. Aunque el mundo del año 2000 tenía todavía su cuota de jerarquías, era un lugar mucho más igualitario que el mundo de 1900. En los primeros años del siglo XXI, la gente esperaba que el proceso igualitario continuara e incluso se acelerara.

En particular, esperaban que la globalización llevara la prosperidad  económica por todo el planeta, y que como resultado en la India y en Egipto la gente llegara a disfrutar de las mismas oportunidades y los mismos privilegios que en Finlandia y Canadá. Toda una generación creció con esta promesa.

Ahora parece que esta promesa podría no cumplirse. Ciertamente, la  globalización ha beneficiado a grandes segmentos de la humanidad, pero hay indicios de una desigualdad creciente tanto entre las sociedades como en el interior de las mismas. Algunos grupos monopolizan de forma creciente los frutos de la globalización, al tiempo que miles de millones de personas se quedan atrás. Ya hoy en día, el 1 por ciento más rico posee la mitad de las riquezas del mundo. Y lo que es aún más alarmante: las 100 personas más ricas poseen más en su conjunto que los 4.000 millones de personas más pobres.

Esto aún podría empeorar mucho. Como se ha visto en capítulos anteriores, el auge de la IA podría eliminar el valor económico y político de la mayoría de los humanos. Al mismo tiempo, las mejoras en biotecnología tal vez posibiliten que la desigualdad económica se traduzca en desigualdad biológica. Los superricos tendrán por fin algo que hacer que valga de verdad la pena con su extraordinaria riqueza. Mientras que hasta ahora podían comprar poco más que símbolos de estatus, pronto podrán comprar  la vida misma. Si los nuevos tratamientos para alargar la vida y mejorar las  condiciones físicas y cognitivas acaban siendo caros, la humanidad podría dividirse en castas biológicas. A lo largo de la historia, los ricos y la aristocracia siempre pensaron que sus capacidades eran superiores a las de todos los demás, y por ese motivo tenían el control. Por lo que sabemos, eso no era cierto. El duque medio no estaba más dotado que el campesino medio, sino que debía su superioridad solo a una discriminación legal y económica injusta. Sin embargo, hacia 2100 los ricos podrían estar realmente más dotados, ser más creativos y más inteligentes que la gente que habita en los suburbios. Una vez que se abra una brecha real en la capacidad entre los ricos y los pobres, resultará casi imposible salvarla. Si los ricos emplean sus capacidades superiores para enriquecerse todavía más, y si con más dinero pueden comprarse un cuerpo y un cerebro mejorados, con el tiempo la brecha no hará más que agrandarse. Hacia 2100, el 1 por ciento más rico podría poseer no solo la mayor parte de las riquezas del mundo, sino también la mayor parte de la belleza, la creatividad y la salud del mundo.

Los dos procesos juntos, la bioingeniería unida al auge de la IA, podrían por tanto acabar separando a la humanidad en una pequeña clase de superhumanos y una subclase enorme de Homo sapiens inútiles. Para empeorar todavía más una situación agorera, al perder las masas su importancia económica y su poder político, el Estado podría a su vez perder al menos algunos de los incentivos para invertir en su salud, su educación y su bienestar. Es muy peligroso no ser necesario. Así pues, el futuro de las masas dependerá de la buena voluntad de una pequeña élite. Quizá haya buena voluntad durante unas cuantas décadas. Pero en una época de crisis (como una catástrofe climática) resultará muy tentador y fácil echar por la borda a la gente no necesaria.

En países como Francia y Nueva Zelanda, con una larga tradición de  creencias liberales y prácticas de estado del bienestar, quizá la élite siga haciéndose cargo de las masas aunque no las necesite. Sin embargo, en Estados Unidos, más capitalista, la élite podría usar la primera ocasión que se le presente para desmantelar lo que quede del estado del bienestar. Un problema todavía mayor acecha en grandes países en vías de desarrollo, como la India, China, Sudáfrica y Brasil. Allí, una vez que la gente de a pie pierda su valor económico, la desigualdad podría dispararse.

En consecuencia, la globalización, en vez de generar la unidad global, podría llevar a una «especiación»: la división de la humanidad en diferentes castas biológicas o incluso diferentes especies. La globalización unirá al mundo horizontalmente al borrar las fronteras nacionales, pero de manera simultánea dividirá a la humanidad verticalmente. Las oligarquías dominantes en países tan diversos como Estados Unidos y Rusia podrían fusionarse y hacer causa común contra la masa de sapiens ordinarios. Desde esta perspectiva, el resentimiento populista actual hacia «las élites» está  bien fundado. Si no vamos con cuidado, los nietos de los magnates de Silicon Valley y de los multimillonarios de Moscú podrían convertirse en una especie superior para los nietos de los palurdos de Appalachia y los campesinos siberianos.

A la larga, una situación hipotética de este tipo sería capaz incluso de desglobalizar el mundo, pues la casta superior podría congregarse dentro de una autoproclamada «civilización» y construir muros y fosos que la separaran de las hordas de «bárbaros» del exterior. En el siglo XX, la civilización industrial dependía de los «bárbaros» para el trabajo barato, las materias primeras y los mercados. Por tanto, los conquistó y absorbió. Pero en el siglo XXI, una civilización postindustrial que se base en la IA, la bioingeniería y la nanotecnología podría ser mucho más independiente y  autosuficiente. No solo clases enteras, sino países y continentes enteros podrían resultar irrelevantes. Fortificaciones custodiadas por drones y robots podrían separar la zona autoproclamada civilizada, en la que los cíborgs lucharan entre sí con bombas lógicas, de las tierras bárbaras en que los humanos asilvestrados lucharan entre sí con machetes y kaláshnikovs.

A lo largo de este libro suelo usar la primera persona del plural para  hablar del futuro de la humanidad. Digo lo que «nosotros» necesitamos hacer acerca de «nuestros» problemas. Pero quizá no haya «nosotros».

Quizá uno de «nuestros» mayores problemas sea que diferentes grupos humanos tengan futuros completamente distintos. Quizá en algunas partes del mundo se deba enseñar a los niños a diseñar programas informáticos, mientras que en otros sea mejor enseñarles a desenfundar deprisa y a disparar de inmediato.

SHOCK 🎸JAPÓN PUNKERIZADO

🇯🇵 ALLÁ X LA DÉCADA DE 1960, LA FLORECIENTE ESCENA DEL PSYCH-ROCK JAPONÉS Y UNA ESCENA MUY CONOCIDA COMO 'SONIDOS EN GRUPO', QUE FUSIONABA LA MÚSICA POPULAR JAPONESA CON EL ROCK OCCIDENTAL Y CON LETRAS EN INGLÉS MAYORMENTE, ERAN UNA PRUEBA LEGAL DE LA INFLUENCIA DEL  ROCK BRITÁNICO COMO DEL ESTADOUNIDENSE EN LA MÚSICA JAPONESA. ESTA VEZ, CITO LA HISTORIA INACABADA DEL JAPÓN PUNKERIZADO Y SUS OTROS  PÍXELES COMO SUBGÉNEROS ◻️   

      X: HELENE RAMOS 

Así que, cuando una neo generación de británicos y norteamericanos reaccionó a los excesos de gran presupuesto de la década de 1970, con los sonidos abrasivos, rondando y el espíritu punk bricolage o DIY, Japón y su generación de esa época reaccionó.

Japón es un país con su propia cultura y su política x lo que su escena punk es muy propia. Aunque su escena es un tanto de simplificación. 

En realidad, los paisajes musicales de una gran mayoría de los países están ciertamente hechas x sub-escenas regionales, a menudo con sonidos y estilos sorprendentemente únicos, incluso entre eras cercanas geográficamente.

En un inicio, las reportadas dos escenas punk más grandes de Japón se centraban alrededor de Tokyo y Osaka.

*Punkers japoneses en  Shibuya région peculiar de la metrópolis de Tokyo y x Shinjuku/Japón.

La escena de Tokyo fue la más soluble en términos generales, con su gran producción musical más relacionada con el punk occidental. X otro lado, la escena punk de Osaka fue la más bizarra y disonante proyectándose hacia el noise. La escena de Tokyo comenzó a finales de la década de 1970 con actos como el grupo FRICTION directamente del lugar https:youtu.be/gsevJmMF8JA y THE STALIN, con base en Fukushima.

Muchos de los combos punkers de Tokyo probaron x vez primera la notoriedad general y la aclamación que bandas occidentales como THE SEX PISTOLS habían logrado al tener en las pantallas el estreno de 'Burst City' un film de acción de 1982 dirigida x Soho Ishii en vena post-apocalíptica protagonizada x los integrantes de  THE STALIN, THE ROOSTERS y THE ROCKERS (otras dos bandas punk) presentando su música y sus variadas actuaciones, que colaboró en una gran medida a consolidar la temprana estética punk japonesa en la mente del público. Este es el tema 'Rosie' que destacó y se difundió del combo THE ROOSTERS https://youtu.be/3AXp7BWca6l

*Escena de 'Burst City' dirigida x Soho Ishii.

*Punkers y punkettes que deambulan x las calles de Japón y hasta la fecha -y no tan sólo porque irán a un concierto.

El punk en Tokyo siguió creciendo en popularidad con la llegada de THE BLUE HEARTS en 1985. Ellos siguen activos hasta la fecha. Su sonido abarca más la melodía y sus ironías han demostrado ser menos conflictivas y ha escalado en aceptación mucho más que las otras bandas como vendiendo miles de copias de sus discos. Su actitud en los escenarios ha sido además un plus en su carrera ya de años.

El combo de chicas THE LINDA LINDA'S (USA) tomó ese título de canción como nombre de su grupo que  doy como data extra. Así, cuando THE BLUE HEARTS logró que el punk fuera más accesible a las masas, ello produjo una escena un tanto más agresiva en los barrios japoneses de Tokyo. Este es otro de sus temas que movió la escena y titula 'Owaranai Uta'/ An Endless Song. Dale respectivo play https://youtu.be/tJhc0rPhRk

*Hanatarash es la banda japonesa punk citada como la más agresiva de su historia.

X su parte, historiadores de la escena punk japonesa, citan que en 1979, la banda SS estaba ya tocando una versión acelerada como reducida de punk-rock que transitó hacia el hardcore punk y que las bandas de California y D.C., a quienes se le atribuye su creación simplemente popularizaron el término. (¡Ouch!). Link:

https://youtu.be/ONTj9Hgh&To

Aunque la banda hardcore japonesa más importante es GISM además de ser pionera en el género crossover trash que inyectó para la expansión de otros términos más. Alcanzó también una gran y amplia notoriedad Internacional.

*Punkers y punkettes x las calles sin rubor alguno

Tras la avanzada que se veía en la escena hardcore de Tokyo, no se apreciaba ese suceso en Osaka. X su parte, los punkers de Osaka tomaron esencias de la música industrial, avant-garde y performances para crear algo que difícilmente podría llamarse música. En Norteamérica lo llamaron 'japanoise'. 

Entre los actos destacados cito a este  conocido como HIJOKAIDAN: un guitarrista y un vocalista que muy libremente improvisaban con altos decibeles. Está de hecho: MERZBOW (acto que difundí x las ondas hertzianas en Lima/Perú), que colaboró a desarrollar el género raw-noise, siendo esencialmente sólo una gran amalgama de multi-sonidos electrónicos desprovistos totalmente de ritmos y melodía. Contra todo pronóstico MERZBOW obtuvo reconocimiento internacional y él sigue trabajando con muchos otros actos de este globo terrestre. 

Otra figura reconocida dentro de la escena que hace la historia dentro del punk y sus derivados en  Osaka es YAMANTAKA  EYE. Conéctate a su 'm4v'

https://youtu.be/q6UwsgZtuVU

Como han apreciado más arriba, HANATARASH fue un acto menos musical y más como un proyecto de performance que hizo un uso intensivo del sonido. La marca de música de ruido industrial de este acto utilizó herramientas eléctricas y maquinaria pesada en lugar del uso de instrumentos. Muy radical y altamente extremista en sus performances que fue expulsado de todos los locales del Japón, al atreverse a demoler una pared con una excavadora durante una actuación.

YAMANTAKA EYE fundó BOREDOMS para entonces.

Un acto noise que logró éxito internacional -y al cual pude igualmente difundir al aire en Perú. Ellos tuvieron amistad con los  integrantes de SONIC YOUTH (¡empezar x allí!) y con el grupo  experimental de jazz NAKED CITY del saxofonista JOHN ZORN. Ellos siguen activos y con su marca única de avant-garde noise japonés.

En toda esta historia del Japón punkerizado tiene también un rol importante el cyberpunk. Con todo, el punk-rock ha estado bien consolidado en Japón y no se ha detenido. Es toda una subcultura, con todas sus propias políticas, actitudes y valores. El punk es el estilo que ha expectorado más toneladas de bilis con sus líricas antisistema en todo el planeta. Para las neo tribus punkers de todo el mundo no hay reglas ni rigidez, sino expresión libre de la personalidad más consciente de sí mismo.

Tengo aún mucho más que citar pero he aquí mucho, muchísimo de su implícita y altamente destacada esencia◻️Yameru=STOP!

UNA CONVERSACIÓN CON HENRY GATES :. A los nuevos músicos les diría que nunca dejen de ser jóvenes, sin importar la edad que tengan

Jason Spaceman y Henry Gates

De todos los cadetes espaciales que conocí en los 90, Henry Gates es uno de aquellos que pasearon sus gracias por grupos de la estirpe más shoegazer que brotaron jamás de Lima. Hablo de Espira y Resplandor. Henry formó parte, en diversos tempos, de ambas agrupaciones. Su posición en la movida shoegazer latinoamericana, visto desde tal ángulo, ostenta privilegios. Galardones ganados gracias al amor por la música de avanzada y sus visiones, por apostar a un sonido que en el inicio de todo no rendía rédito alguno y era hasta boicoteado por el común de la escena alterna. 

Desde aquellos cielos de Crisálida Sónica el ponto ha fluido sempiternamente. Después de editar un EP solista hace 12 años, Henry ha encontrado una manera de regalar al mundo amor y música a partes iguales: junto con Paloma La Hoz ha creado THANK YOU LORD FOR SATAN. Un proyecto sui generis en la escena independiente actual, en él flotan tanto Spiritualized como Galaxie 500, Velvet Underground como Mazzy Star. Conversamos con Gates a pocos días del debut de Thank You Lord..., el martes 28 de febrero, y acá tienen el resultado. 

Coméntanos cómo empezó tu afición por la música alterna, ¿quizá por el lado materno?

Si hablamos específicamente de “música alterna”, yo diría que fue gracias a mi hermana mayor, Kelly. Yo tenía 10-11 años. Eran los años 80s y ella formaba parte de la movida subte en Lima. Se vestía de negro todo el tiempo y gracias a ella conocí (a esa temprana edad) bandas como Depeche Mode, Jesus And Mary Chain, Echo and The Bunny Men, The Smiths, pero también a Black Sabbath, Ramones, Exploited y Toy Dolls, por nombrar algunas cosas fuera del espectro New Wave. Y dentro del subte peruano, escuchaba mucho a Eutanasia, Voz Propia, Combustible. De hecho, un día mis padres castigaron a mi hermana y le dijeron que solo le daban permiso de salir si se llevaba a su hermano menor (yo) y así fue como asistí a mi primer concierto de la vida, Leuzemia y Masacre en la Concha acústica del Campo de Marte en Jesús María. A la par de eso, crecí con la música clásica y tangos que escuchaba mi padre, y la nueva ola de parte de mi madre.

Te recuerdo a mediados de los 90 cuando con gente de Avalonia coincidimos en un departamento en San Borja (¿o sería Surco?). ¿Qué recuerdos de esos años de música etérea y experimentación de las bandas de Crisálida Sónica en que participaste? De los conciertos y maquetas que se produjeron, de todo lo vivido.

Yo recuerdo con mucho cariño y afecto toda esa época. Casi todos de nosotros teníamos menos de 20 años. Recuerdo que un buen día llegué a audicionar como bajista en una banda llamada “Resplandor” y ahí comenzó todo. En esa época Resplandor formaba parte de todo ese grupo de “chibolos” con ganas de comerse el mundo, con mucho romanticismo (en el buen sentido de la palabra) y muchas ganas de “trasgredir”, de evolucionar, de hacer cambios, de experimentar nuevos caminos sonoros. Espira, Catervas, y Resplandor, compartíamos la misma sala de ensayo en Surco, el mítico estudio de Melchor Malo. Y muchas veces ensayábamos juntos, es decir, todas las bandas dentro de la sala y simplemente nos íbamos turnando el momento de ensayar en presencia de los miembros de las otras bandas. Hacía un calor infernal (jaja). Otras de las bandas que recuerdo mucho de esa época son Avalonia, Labioxina, Fractal, Girálea y los grandes de Hipnoascención.  No estoy seguro, pero creo que te vi en algunas de esas sesiones de ensayos, Wilder. A ti y a otros personajes entrañables de esa época como Christian Galarreta (Evamuss), que en esa época tenía un proyecto música llamado “Dios me ha violado” con Yuri Gutierrez y Aldo Castillejos. Recuerdo que hicimos varios conciertos en “El Más Allá” de Barranco, que era experimentación pura. No iba nadie a vernos (jajaja) algunos hacíamos canciones y otros solo ruidismo retroalimentando efectos de guitarra. Y luego está el recordadísimo concierto en “El árabe Pub” en San Martín de Porres, que fue el concierto más grande que hicimos. En esa ocasión recuerdo haber tocado con uno o dos proyectos en el escenario, pero no recuerdo cuáles. La memoria es frágil después de tanto tiempo y en esa época no era nada fácil registrar en fotos o videos lo que estaba pasando. Un poco antes de eso, fue el primer concierto de Resplandor en la discoteca Bauhaus en Miraflores, y que, de hecho, fue la primera vez que me subí a tocar a un escenario. También recuerdo ese viaje hermoso que hicieron casi todos los miembros de Crisálida Sónica, al cual no pude ir. Esto es un resumen de las cosas que recuerdo de esa época.

Para ti qué fue primero ¿Espira o Resplandor?

Como lo comenté en la respuesta anterior, mi primer encuentro con toda esta movida fue a través de Resplandor. Pero efectivamente, éramos muy cercanos con bandas como Espira: El Chino Burga, Aldo Castillejos, Renzo Lari, Raúl Reyes y Lucía Vivanco (que entró un poco después). Acabo de recordar algo a medias. Me parece que El Chino Burga fue el bajista provisional de Resplandor antes de que yo llegue a la banda… pero no estoy 100% seguro de eso, cuando él y Antonio Zelada lean esto, lo podrán corroborar o desmentir (jaja).  

Recuerdo los domingos de ensayos en Melchor Malo y luego ir todos en mancha a Radio Miraflores al programa de Helene Ramos.

Durante los siguientes años, formé parte, pero muy efímeramente de Espira, y también, de una forma aún más efímera, de La Ira de Dios. Muchísimos años más tarde tuve el honor de formar parte de Espira en el concierto homenaje a Crisálida organizado el 2015 en el Centro Fundación telefónica.

Cuéntanos sobre tus actividades ya en los 2 miles; además de la música ¿a qué otras expresiones te dedicas?

Nunca he dejado de hacer canciones, desde los 90s hasta ahora… mi proceso es super lento, pero nunca ha parado. En el 2003, una canción mía salió en el recopilatorio “Vamos a ser Felices” que fue el primer disco editado por Luis Alvarado y Buh Records. En el 2004, Sandra Villarreal y yo formamos un proyecto llamado Cajas y Burbujas, con el cual (lamentablemnte), no llegamos a editar nada. Pero existen varios demos y grabaciones a medias de esa época.

En el 2011 saqué un Ep con Buh Records titulado “Don’t want the sun to shine today” y le fue bastante bien en su momento. Incluso llegué a hacer algunos conciertos, para lo cual conté con el apoyo de Lucía Vivanco en el bajo, Efrén Castillo (Moldes) en la primera guitarra y Christian Manzanares en la batería.

También por esa época recuerdo haber sido músico de apoyo de mi gran amiga Jennifer Cornejo, en conciertos en donde presentábamos sus nuevas canciones y algunas canciones de su etapa en Electro-z.

Extra musicalmente, mi formación es en comunicación audiovisual, lo que me llevó a hacer varios cortometrajes en los 2 miles, algunos más experimentales que otros. Por esas épocas, junto a Sandra Villarreal, hicimos el videoclip de la canción “transmisor” de Catervas, que llegó a estar en rotación en “la MTV” de esa época. En el 2008 hice un videoclip para la banda Abrelatas, que luego convertí en cortometraje con el nombre de “Turn On”, cortometraje que se paseó por los más grandes festivales de cine y animación del mundo como Annecy en Francia, Anima Mundi en Brazil, y el prestigioso festival de cine de Berlín (Berlinale), en donde fui invitado a participar como parte del “Talent campus” y llevé talleres con Celebridades como Janusz Kaminski, recordado director de fotografía de películas como “Rescatando al Soldado Ryan”, ó “La Lista de Schindler”. Además de otras figuras reconocidas como el Director Alemán Win Wenders o los actores Tilda Swinton y Williem Dafoe. Por esos años, también quedé finalista en el concurso “Pasaporte para un artista” organizado por la embajada de Francia en Lima con la video instalación “presencia ausente”.

Me interesa mucho el arte visual, soy un gran admiror de Nam June Paik y todo lo que hizo el colectivo Fluxus en los 60s y 70s. Lo que me ha llevado a hacer video instalaciones en formato de “mapping” en algunas muestras del colectivo Bulbo. En el 2016 participé en la Bienal Internacional de Arte Digital “The Wrong” con la video instalación “one” creada junto a Javier Castillo (Vicho) y Santiago Pillado-Matheu.

Actualmente soy socio fundador de Zeppelin, un estudio creativo especializado en animación que ya tiene más de 15 años de trayectoria.

¿Cómo percibes la evolución de la escena independiente peruana a lo largo de estos años?

Es muy cierto que la escena independiente peruana es más grande ahora que hace 20 años, pero aún es pequeña, por ejemplo, para alguien que quiere vivir de esto con una buena calidad de vida. El papel que cumplen plataformas digitales como Spotify hoy en día, es polémico. Si lo ves del lado amable, es una gran herramienta de difusión inmediata, muy superior que la radio y tv que es lo que existía antes como medios de difusión. Y por otro lado está la injusta retribución de regalías para los artistas, además de las mafias que se han creado gracias al endiosamiento de las “playlists” y “curadores”. Yo trato de mantenerme al margen de eso, por salud mental y porque apuesto por la difusión orgánica de la música. Y la verdad es que puedo darme el lujo de hacerlo porque no veo la música como un negocio, pero ojo: también creo que es totalmente válido verla como negocio y respeto a quienes lo hacen, solo es cuestión de saber encontrar un equilibrio que funcione entre tu arte y el “showbiz”. 

Me fui en floro con las plataformas digitales, pero en otros aspectos, veo con buenos ojos la variedad de estilos musicales que vienen de gente muy joven y el buen recibimiento de la audiencia, también muy joven. Me parece que vamos hacia un buen camino, el problema es que vamos muy lento, lentísimo.

¿Cuál crees que podría ser el futuro de la música en términos generales?

Creo que la música va a seguir mutando al ritmo de la tecnología, lo que está ocurriendo con las inteligencias artificiales es un “game-changer” total. Incluso me atrevería a compararlo a los primeros años de la internet en sí. Los mismos “DAW’s” o softwares de producción musical, cada vez incorporan más mecanismos (plug-ins, por ejemplo) de automatizar procesos, y si seguimos en esa línea, va a llegar un momento en que la música que escuchamos va a ser creada enteramente por inteligencias artificiales. Hoy en dia Mid-Journey o Stable Difusion (dos inteligencias artificiales) son capaces de crear imágenes impresionantes, usando el estilo de cualquier gran pintor o fotógrafo de la historia. De cualquier corriente artística: bauhaus, expresionismo, dadaísmo, pop art, op art, etc. El “Deep fake” es capaz de cambiar el rostro de cualquier persona en un video con resultados impresionantes. Hay otras IA’s que pueden escribir guiones o cuentos. Todo esto va a llegar a la música, a la que consumimos a diario. No solo en obras de arte generativo. En este sentido, lo más importante va a ser la gente que tenga la “sensibilidad artística” de digitar las órdenes correctas para que la inteligencia artificial ejecute. Ya me fui en floro otra vez, es un tema muy loco y sumamente polémico.

Tu nuevo proyecto Thank You Lord For Satan es como un volver a las raíces indie dream pop. Vuestro álbum está muy bien concretado y goza de hits rotundos. ¿Qué puedes comentar de esta faceta?

Thank You Lord For Satan es el Proyecto que creamos, mi esposa Paloma La Hoz y yo en plena pandemia. Los dos tenemos antecedentes en otras bandas y los dos venimos componiendo canciones desde hace muchos años. Así que era natural que suceda. El comienzo de la pandemia también marcó el comienzo de nuestra relación y nos casamos el año pasado. Todo esto, hace que el disco, y el proyecto entero, sea muy soñador y lisérgico y esté lleno de sensaciones lúdicas y de euforia. Para nosotros es un disco muy luminoso, aunque muchas reseñas lo han descrito como oscuro y misterioso (jaja), lo cual no nos molesta en absoluto. Durante el proceso de creación de este proyecto quisimos ser lo más libres posible y no tener miedo en dejar fluir cualquier atisbo de influencia que tengamos, por muy disparatada que esta pueda ser, y creo que eso le ha dado una sazón especial al disco. Estamos muy contentos con el resultado. Todo el disco fue producido por nosotros mismos, la mezcla estuvo a cargo de Jorge Balbi en California y la masterización a cargo de Francisco Holzmann en Chile. Las baterías fueron grabadas por Alonso Bentin y Christian Vargas. Y los pianos reales también fueron grabados por Alonso Bentin en Monclova Records. Todos los demás instrumentos fueron grabados por Paloma y yo en casa.

No sé exactamente cuándo será publicada esta entrevista, pero estamos muy emocionados porque en pocos días, el martes 28 de febrero, daremos nuestro primer concierto en vivo y contamos con una banda de lujo: Irazema Vera (Chema) en el bajo, María Fe Baca en los teclados, Alonso Bentín en la batería, y Bruno Peña en la guitarra.

Además de eso, ya falta muy poco para que salga a la venta la edición en vinilo negro y de color del disco gracias a Luis Alvarado y “Buh Records”, a quienes quiero agradecer por todo su apoyo desde el día uno.

¿Qué discos o conciertos dirías que te marcaron el corazón o la mente?

En cuanto a discos, tendría que mencionar el Playing with fire de Spacemen 3, En Cielo de Oceano de Silvania, The curtain hits de cast de Low, el Darklands de Jesus And Mary Chain, Another Green World de Brian Eno y saliéndose un poco del patrón, estaría el Blood on the tracks de Bob Dylan.

Y en cuanto a conciertos, tendría que mencionar el primer concierto de mi vida que fue el de Leuzemia y Masacre en la concha acústica del campo de marte a los 10-11 años. Otro que recuerdo como un momento clave fue ver a Yo La Tengo en Orlando el 2003. Sonic Youth en Lima y definitivamente Sigur Ros en Coachella 2014

¿Qué dirías a los nuevos músicos, esos que cifran hoy 16 o 18 años, y miran quizás con asombro o indiferencia todo lo que es la escena hoy?

Tengo el agrado de tener muy cerca a algunos jóvenes con mucho talento y muy orientados y metidos en su onda. Como es el caso del proyecto “Prado” (Nicolás Prado), del hijo de Paloma, que acaba de sacar un EP con Buh Records a los 17 años y escucharlo es una bomba atónica en el cerebro. Lo recomiendo muchísimo, es como meter en una licuadora al Aphex Twin más afilado, con Skrillex y música de video juegos. Como él, veo muchos otros jóvenes super enfocados en su onda. A todos ellos les diría que nunca dejen de ser jóvenes, sin importar la edad que tengan.

Gracias por la entrevista Henry, saludos a la gente noventera de la Crisálida. Vibras desde el cono norte de Lima.

¡Gracias a ti Wilder!, gracias por la entrevista y por la gran labor de difusión que realizas desde hace tanto tiempo, y que es muy necesaria para que todo esto siga creciendo. 

SILVANA TELLO INTERVIÚ :. Con el theremin puedo transmitir lo que siento y pienso, tengo una conexión bien íntima con este instrumento

La escena experimental peruana lejos de amilanarse ante el tibio reflector de los medios e instituciones culturosas se supera a sí misma cual inteligencia artificial. Lo prueba el florecer de autoras que conjugan pasión por el sonido con lo que las músicas pueden ofrecer a las sensibles mentes: locura, paz, enigmas, sin sentidos, certezas, todo y nada. Una de las artistas de esta hornada es Silvana Tello, quien hizo de su trabajo debut "Circuito" (Discos Astromelia, 2020) "35 minutos que representan para las compositoras peruanas la conquista del espacio" (Perú Avantgarde dixit). Desde entonces Silvana ha colaborado nada menos que con Mario Silvania, Grita Lobos! y Paruro. La encontramos de viaje por la ciudad del Misti mientras nos comenta que está pergeñando su segundo paso en una discografía que no dudamos será indispensable. Con uds, fans del único blog especializado en vanguardia y contracultura de por estas latitudes, la gran Silvana Tello. 

Cuéntanos ¿cómo y cuándo nació tu afición por explorar sonidos y la cultura alternativa? ¿qué escuchabas de adolescente o en el cole?

A decir verdad fue por medio de la sonorización de películas. No tanto el soundtrack sino más bien fue por medio de todos esos paisajes sonoros que puedo apreciar de una película. Por ejemplo en la película “Posession” los sonidos son bastante envolventes, te sorprenden, te incomodan… fue a partir de ese reconocimiento que me interesó esto del arte sonoro. Recuerdo también haber escuchado “Alan´s Psychedelic Breakfast”, y era bastante joven de hecho, y no lo entendía muy bien sin embargo me atraía demasiado. Esos sonidos cotidianos, tan cercanos, las voces, los murmullos. No lo comprendía como música per se pero me atraía como una pieza muy compleja. Lo entendí como la forma de narrar sin necesidad de tener letra. Justo eso, los sonidos me gustan porque a partir de estos es que podemos narrar y, creo, es un código que todos podemos entender.

En el cole era muy ecléctica. O sea, sí tenía mis bandas favoritas como Deep Purple, Led Zeppelin, The Doors, así en rock pero también me gustaba mucho Joy Division, The Cure, Sonic Youth. Es que me gustaba escuchar todo lo que podía, además con el ARES a la mano, todo era mucho más fácil. Pero también recuerdo haber intercambiado discos con amigxs. 

Has explorado el Theremin, un instrumento que lleva varias décadas de existencia, ¿qué es lo que te atrae de este aparato y qué crees que puede aportar un instrumento, para algunos obsoleto considerando los softwares y sintes actuales, en el paisaje sónico de hoy? 

Me gusta mucho el sonido de este instrumento, siento que es el canto de una sirena pero puede ser muy suave y sofisticado y, al mismo tiempo, puede ser agresivo e incómodo. En mi caso, me siento muy identificada con este instrumento, siento que puedo crear a través de él, que puedo transmitir lo que siento y pienso a través de él. Es como una conexión bien intima.

Es que la verdad yo no creo que un instrumento sea obsoleto, más bien pasa por un tema de necesidad. ¿Qué es lo que quieres hacer?, ¿qué quieres transmitir? ¿El aparato que usas te ayuda a hacerlo?… pasa por gustos y necesidades. Puedes tocar con el sinte más achorado o software más loco de todos, como puedes tocar con una lata micrada a varios pedales y lograr lo que estás buscando.

En los 90 la escena experimental era prácticamente el club de Tobi. Hoy vemos más presencia de mujeres y disidencias de género, ¿cómo ha sido tu proceso de ingresar y desarrollarse en la escena peruana y latinoamericana de música experimental? ¿cuáles crees que son sus potencias y carencias?

Honestamente nunca me sentí en un lugar de puro chico, para mí todxs compartimos un mismo interés. Si alguna vez alguien me quiso ningunear o lo que sea, ni lo recuerdo. Por otro lado, considero que es una escena a la que últimamente se le está dando más visibilidad, lo cual me parece buenísimo porque siempre le dan más relevancia a géneros musicales masivos y este es un pequeño grupo que se empuja solo. Las carencias, creo que podría decir que es la falta de espacios para manifestarlos. El Paradero Cultural es un espacio que sí apuesta por sus artistas sonoros, luego es muy difícil encontrar lugares así sobre todo que cuenten con equipos.

Tu debut "Circuito (Discos Astromelia, 2020)" es una exploración delicada de ficciones sonoras construidas a partir de tus theremins. ¿Qué nos puedes comentar de la concreción de este álbum? ¿Cómo ha sido el feedback en conciertos y reseñas?

Ese proyecto para mí fue una forma de reconocerme con mis ideas, que fueron el medio, y el instrumento. Era algo totalmente nuevo y va más por un tema de investigación sonora. Cada concierto para mí era un aprendizaje nuevo de cómo me veía a mí misma desarrollando Circuito en vivo y también un aprendizaje de las personas que estaban ahí para recibir mi propuesta.

Siempre he tenido buen feedback de mis conciertos, a las personas les alucinaba como podía trasladarlos a otros espacios. Ellxs mismxs me narraban sus sensaciones y eso me alimentaban mucho. En las reseñas siempre he visto que han tratado de encajarme en algún lugar y lo tomo bien, pero casi nadie sabe de qué se trata realmente y la verdad es que ya lo dije líneas arriba.

¿Qué discos te pulverizaron el cerebro o el alma?

No muchos la verdad, pero justo hablaba la vez pasada de eso y podría decir algunos: FOSSORA, el último de Björk, que tiene un concepto super sólido. Asher Tuil, que lo conocí leyendo Ghosts of my Life de Mark Fisher. El trabajo de este artista me parece también muy logrado, tratar de narrar a través del crepitar es un trabajo osado. Desintegration Loops de William Basinski,  una obra muy brillante. No es solo lo que se escucha, sino también lo que se sabe de este proyecto. Genial, muy genial. Y el padre de todos, porque, claro, es el padre: Brian Eno con su Discreet Music, simplemente bello. 

Además de la música experimental, ¿qué otras expresiones concitan tu interés?

Lo visual total. Yo soy fotógrafa de profesión y mi acercamiento al sonido fue gracias a la imagen. 

Trabajo la imagen a través del error (glitch). Últimamente he estado creando imágenes pero sin sonido y eso me ha resultado raro.

¿Cuál crees que debería ser el papel del arte o los artistas, si es que debiera tener alguno incluso, en el momento actual que rige el Perú con la dictadura fascista gobernando a punta de sangre?

No debemos dejar de crear. Si nos detenemos, estaríamos sometidos ante un gobierno que no escucha a su pueblo. Nuestro deber es informar por medio de las diferentes disciplinas que existen. 

¿Qué libros o películas podrías recomendar a los lectores del blog?

Manifiesto Cyborg - Donna Haraway 

Cuando las imágenes tocan lo real - Georges Didi-Huberman

La cámara de Pandora - Joan Fontcuberta 

Pelas:

2001

Zabriskie Point 

Posession

Martires 

Canino

Planes futuros.

Actualmente estoy trabajando en mi 2do disco con el sello Sensual Trip.

ACTUALIZACIÓN: Silvana nos comparte un playlist curado por ella en spotify, el cual va acrecentando cada vez que encuentra material: 

un video de lo nuevo que está preparando:

y una web donde puede ver pelas bien chéveres: https://www.elacervo.com/

Spacemen are go! (1989)

Los Spacemen recibieron el año nuevo actuando en el Dingwall's , el 2 de enero de 1989. Casi un millar de personas se agolparon en los diminutos confines de aquel club de Camden para apreciar la actuación de la banda indie más popular de Inglaterra. Una lista de invitados que, incluía a la flor y nata de la cultura del ácido y el éxtasis, se mezclaba con ojeadores de management y periodistas musicales, se agolpaba en la parte delantera del escenario, o se retorcía contra las paredes. Ejecutivos de Warner y RCA esquivaban cuerpos de chicos drogados buscando espacio para derramarse en las esquinas. Alan McGee se paseó entre el público con los mediáticos My Bloody Valentine y Douglas Hart de The Mary Chain. Los rumores de que vendrían los Happy Mondays desde Manchester provocaron una gran expectación entre el público, como si hubieran tirado una tostadora a una bañera burbujeante. Incluso Lemmy Kilmister, una reliquia psicodélica convertida en mesías del Metal, apareció en la barra para ver a la banda tantas veces criticada como: "Mierda Hippie - del Rollo Hawkwind". Mientras subían al escenario, la banda ya estaba notando la fuerza bruta que emergía desde el suelo. Los guitarristas se colocaron en sus taburetes y miraron hacia el público. El riff inicial de Rollercoaster , con su corriente eléctrica de guitarra reverberada y distorsión, ahogó rápidamente todo lo demás, haciendo que toda atención se centrara en aquel acorde de MI zumbante. 

PATH FISH: «Fue un espectáculo épico. La sala estaba abarrotada. Dingwall's era una sala alargada y estrecha, o sea que a menos que estés entre las 150 personas de adelante, es bastante difícil saber lo que pasa en el escenario. Allí habría unas 600 o 700 personas, y ellos iban a por todas. Con Jonny a la batería, e imagino que Willie al bajo. De repente suena Suicide, y empiezan a añadir capa tras capa al tema. Jason en llamas, y la máquina de humo girando endiabladamente fuera de control. La maldita versión de Suicide fue alucinante, la máquina de humo seguía en marcha, tenía dos lámparas halógenas, o tal vez tres, que llenaban de flashes la parte trasera del escenario, y todo lleno de humo. El espectáculo cada vez era más intenso y loco, casi un delirio. Nosotros estábamos justo delante, así que podíamos ver a través del humo. Tanto Sonic como Jason pusieron las guitarras a tope, en modo de retroalimentación , modulando los acoples de guitarra, los efectos y toda esa mierda. La guitarra de Jason estaba inclinada jugando con las velocidades de su delay. Willie y Jonny seguían tocando. Y en algún momento, Sonic y Jason entendieron que la cosa había alcanzado su máximo y que podían dejarlo ahí. Y lo dejaron marchándose a través del humo , nadie los vio irse, excepto los pocos que estábamos delante. Willie y Jonny continuaron durante un buen rato. Y luego Jonny bajo de intensidad, haciendo una cosa muy sencilla pero muy rítmica, y también se fue. Jonny fue el último en macharse. Todos se habían ido, pero nadie lo sabía. El escenario estaba lleno de humo. Y, con la excepción de unos cuantos de nosotros, todo el club pensaba que todavía estaban sobre el escenario. Me fui al camerino y nos fumamos un porro con un buen vaso de cerveza, y charlamos un poco. Parecía como si todavía estuvieran tocando fuera, y era jodidamente maravilloso. Pero estábamos ahí dentro y te dabas cuenta de que no iba a haber aplausos esa noche. Habían renunciado a los aplausos, porque la mierda de ruidera seguía en marcha. Sí, eso es lo que pensamos en ese momento. Unos 10 o 15 minutos más tarde se toma una decisión y se apaga todo con cierta suavidad, hasta que se detiene. ¡Y todos los putos espectadores rompen en un gran aplauso! Veinte minutos después de que abandonaran el escenario, todos los espectadores gritando: ¡Whoaaaa! ¡No sabían que la banda se había ido! Ja ja ja». 

Después del set, Jonny se acercó a la barra dando tumbos, con la cabeza agachada en pleno estupor narcótico. Parpadeó ante un par de botas de cuero blanco y entrecerró los ojos. Al levantar la vista, vio a Lemmy mirándole fijamente con una copa en la mano. El batería quedó de piedra a la vista de las verrugas de la cara de Lemmy. Que tras una incómoda pausa, se inclinó y cogió la mano de Jonny diciendo: «¡Qué buen concierto, amigo !».

ERIK MORSE
SPACEMEN 3 y el nacimiento de Spiritualized.

H R 3 0 0 1

X: HELENE RAMOS

INDIESAURIOS ESTELARES DEL ESPLÉNDIDO MAGNO MASTER PLAN Y QUIENES SEMBRARON LA SUPRA  SEMILLA GALÁCTICA, REACTIVAN TU BANCO DE MEMORIA, LA COSECHA ESTÁ A LA VISTA. ¡A CELEBRAR!◻️ELLOS, LOS INSTIGADORES ORIGINALES, PIONEROS E INNOVADORES VUELVEN A CIRCULAR EN TU AREA CRANEAL EN EQUILIBRIO Y UNIÓN SINCRONIZADA. LO DE NOSOTROS (¡CLARO ESTÁ!) LOS MEDIOS, FUE ABRIRLES LAS VÍAS CON GRAN PREMEDITACIÓN Y ALEVOSÍA. SOMOS  LOS QUE VINIMOS CON TODAS NUESTRAS LUMÍNICAS CODIFICACIONES BIEN DISPARADAS. LOS OTROS TUVIERON QUE DISPARAR SUS CODIFICACIONES◻️

Y sí, agradezco todas las motivaciones, alegorías y más a los artículos que aparecen en SHOCK, vía este medio. Me piden notas punk de todo el orbe como de Urano y Marte. Para más adelante sin duda... y mientras esperan: un aperitivo extrasensorial Punker coaxial con el combo SURL - What You Say a este link: https://youtu.be/Fsj70URxEbA 🎸◻️Un film de un concierto en vivo de los hermanos ENO  actuando juntos x primera vez, BRIAN y ROGER ENO - Live @ The Acropolis tendrá su gran premiere en varios cines a través del Reino Unido el próximo 2 de marzo. Esta es una rara vez en que BRIAN ENO ha actuado en vivo ante una audiencia con imágenes espectaculares siendo proyectadas en las piedras del 'Odeón de Herodes Atticus Amphitheatre', legendarias producciones que incluye gran variedad de escenas musicales: discos, soundtracks de programas de TV y film scores. Este es el tráiler: https://youtube.com/watch?v=3x8-ucCX7-4&feature=share◻️

ALEX KELMAN está en la escena desde hace más de tres décadas atrás. Desde entonces, él ha integrado bandas como PUNK TV, HOT SEX, TONYSOPRANO y DSH! DSH! entre otras más -como inspirado guitarrista ¡Helo aquí! https://youtu.be/grEU1dna5c Inmiscuido en tales estilos como: electro meditativo, kraut-rock, post-rock, synth-gaze, lo-fi, bedroom pop, electro-dance-punk y actualmente gira hacia el minimal-gaze. Como ALEX KELMAN BAND debutó el 16 de agosto 2014 en el Parque Gorki en Moscú/Rusia. El combo AKB en mención, pasó x diferentes alineaciones hasta que en 2016, él decide desarrollar su proyecto solista. Todas sus épocas han destacado y dirige su propio sello en la actualidad llamado: Kyla Records. Su neo álbum 'Ilusia' estará disponible desde el 15 de marzo próximo. En vital y total promoción 'VHS (Vysoka Hranica Snov-High Limit Of Dreams)' -grabado con la colaboración de la banda SECRETS OF THE THIRD PLANET. (Vocalización y guitarra: E. Frankevich). Un deleite sónico cuyo clip ha sido filmado y editado x Anastasia Maystienko◻️

La banda KERALA DUST es un gran concentrado de influencia cinematográfica. Su segundo álbum 'Violet Drive' viene con una carátula que representa perfectamente su sonido. Un disco que retrata ópalos de sabores nocturnos, en donde el sonido cálido y muy  elegante del trío se encuentra con pulsaciones viscerales al igual que dualidad en sugestiones musicales italianas. Fue grabado entre Berlín y Los Alpes Suizos, x lo que, muy ciertamente, destila un gran halo de esos  lados nocturnos. Quizás son x estás características que 'Violet Drive' sería perfecto para una banda sonora. Los temas destilan esencia chamber-pop, como que  también anidan pulsaciones techno y un sentido de inquietud ancestral que se vierte en los loops y en la repetición vocal (o minimalismo lo citaría), pero también como un mantra. Edmund Kenny el núcleo vocal al frente, ha afirmado sus influencias cinematográficas citando x ejemplo a WIN WENDERS. Agregando a otros como PHILIP GLASS, DAVID BOWIE, JAMES MURPHY y STEVE REICH. Menciona además a MACCHI y x cierto, teniendo al gran MORRICONE a la cabeza.¡Faltaria más, nenes!◻️

GIRL SCOUT  cuya base es Estocolmo/Suecia tiene en Emma Jansson a su vocalista y guitarrista, Evelina Arvidsson Eklind toca el bajo y también es vocalista, Per Lindberg toca la batería y Viktor Spasov se desempeña igualmente en la guitarra. Todos ellos se conocieron mientras estudiaban jazz en el Royal College Of Music en su natal Estocolmo. Su placa 'Real Life Human Garbage' en actual promoción contiene títulos como: 'Weirdo', 'Run Me Over', 'All The Time And Everywhere' como su neo single el titulado 'Attenborough Beach' (Visualizer). ◻️MAGIC GARDENING CLUB es una banda española (Sevilla), fichada x el sello de Nueva York denominado Spirit Goth. Integrada x Erica Romero Penser, David Alonso y Cristian Pinedo - con  experiencias en otros grupos previos. Su primer EP autotitulado contiene todos estos temas: '2 Wrongs', 'Satellite', 'Far Gone', 'Easier',  gemas en gran esplendor sónico: https://youtu.be/NJEPeSkNPzQ◻️EVERYTHING BUT THE GIRL lanza su álbum Fuse! el próximo 21 de abril y tras 24 años de la última prueba de fondo. Las piezas vislumbran ecos del dubstep, trip-hop y r'n blues. Las líricas expuestas transmiten una alta suerte de curación anti-stress y de fusión emocional para lidiar con los altibajos. No estuvieron tan alejados de los escenarios puesto que ambos alimentaron sus carreras solistas, como ya sabemos◻️

*Tracey Thorn en su tan clásico perfil.

'Remember A Stranger' es el título del álbum debut del quinteto  MOTIFS de Singapur. Sus temas en sí, exploran recuerdos que se desvanecen evocando sentimientos de alta  melancolía y enfrentando la pérdida. Son como un viaje terapéutico pleno en bellos sonidos: 'Fluorescent', 'Spitzer', 'Lovelost', 'Dawn', 'Hourglass', 'Valentine' -entre otros. Rampas de energías lumínicas en filamentos codificados con luz e inmensas fuerzas apóstatas convocadas para tal fin: ¡tu grandísimo deleite! ¡Los amarás como a SUB SONIC EYE! https://youtu.be/Oqw2OEmySY0 ◻️ Sé que los amarás ¡te lo apuesto eternauta!  https://youtu.be/QPWPBEnxDpc◻️La vigésima sexta edición de Ypsygrock Fest se dará del 10 al 13 de agosto 2023, en el siempre sugerente paisaje de ese pueblo medieval enclavado en las montañas Madonie: Castelbuono en el interior de Sicilia. Es hasta allí que llegarán: SONIC BOOM & PANDA BEAR, TRAAMS, PALE BLUE EYES, STILL CORNERS, JUST MUSTARD,  SLOWDIVE que podría estar presentando su neo álbum◻️

* El prolífico SONIC BOOM alista viaje a Italia.

TIEMPO DE RUPTURAS: FOR TRACY HYDE anuncia que se separa después de su presentación en Shibuya WWWX el sábado 25 de marzo. X su parte: Eureka sigue en su acto paralelo: FERRI-CHROME, Natsubot en APRILBLUE y Mav en SO SHIBANO. Su despedida ha sido registrada: '10 Years as Legends of Japanese Dream Pop' en este link https://youtu.be/lZTXn4a79eg◻️ 'The Cherry Orchard ' que es tan sólo uno de sus tan bien conceptuados temas, y su performance en 'Dreamgaze Worldwide Session' (2020), fueron flechazos lumínicos en que opté x entrevistarlos. En el trayecto recuerdo haberles reenviado el link de 'The Cherry Orchard' a LIZ FRASER, ROBIN GUTHRIE, SIMON RAYMONDE y hasta a MARK GARDENER - con éste último trabajarían más adelante ('Hotel Insomnia'). Fue muy grandioso para mí entrevistarlos saber de sus talentos, concepto y arte exponencial como de sus bandas paralelas. Nos reencontraremos ◻️

MAX COOPER sigue tan constante como todos los años de su fructífera y apreciada carrera. Tras la aparición del vídeo oficial para 'A Model Of Reality' que es otro extracto de su álbum 'Unspoken Words', circula también 'A Model Of Reality' Remixes bajo el accionar de SEBASTIEN VEYAN. Dale play y también disfruta el vídeo oficial dirigido x ERIS IS RED  https://youtu.be/rcusXoGky_o◻️Como se sabe, en la Tierra está teniendo lugar un proceso evolutivo, una amplia modulación de frecuencia, y aquellos que puedan manejarla son los que evolucionarán. X lo mismo, es hoy en día muy importante el que seas el guardián de tu propia y gran frecuencia◻️YO LA TENGO, es una de esas bandas que han iluminado la escena indie global casi muy en silencio. Su neo opus en álbum 'This Stupid World' nos trae al trío integrado x Georgia Hubley, Ira Kaplan y a James McNew en su plena estela de saberes. Tanto así que ellos mismos han autoproducido éste su décimo séptimo álbum y tal vez, x el ansia de libertad. Este acto cuenta con cerca a los 40 años dentro de la escena indie elucubrando estilos como avant-garde noise, kraut-rock, dream-pop, shoegaze, ethereal, slowcore... mientras que Ira Kaplan ha continuado estrangulando sin medida su Stratocaster en gran contrapunto a lo que Georgia Hubley mantiene: su herencia celestial vocal, atrapada x el encanto de los cielos: 'Aselestine'. Aunque el triate no ha desdeñado transitar x la positiva zona astral y colocar el esférico con sus 9 diademas sónicas como un legado en el clímax de toda su discografía. Cada una de las piezas brilla x sí misma. Aprecia este satélite que titula 'Sinatra Drive Breakdown' con una lírica que retrata un real accidente vial como ellos mismos lo han citado. En el inicio de 'Brain Caper' se me incrustan astillas cristal del universo CAN, previo a la animadora distorsión x venir. Un buen álbum a la fecha, a tenerlo en altísima cuenta.¡Hey you! ◻️

Todo en el universo se puede transformar en música, el silencio en sí mismo es música, así que sin duda la interacción de las partículas del universo con el campo magnético de la Tierra se puede convertir en sonidos audibles para los terráqueos◻️BURT FREEMAN BACHARACH ha partido. Él con sus melodías y quien junto a HAL DAVID glorificaron el arte de las palabras simples con cátedra en armonías y versos no serán olvidados. El combo -leyenda ya- THE STRANGLERS como tantos otros, siempre lo tuvieron presente y este es sólo uno de esos covers de covers: 'Walk On By'. Aunque muchos podrían citar 'Always Something There To Remind Me' - NAKED EYES... ¡pero el punk matters! como sabemos ◻️ BURT BACHARACH ha sido el soundtrack original en casa, x mis padres que nos inculcaron siempre buena música. X mi parte, pude entrevistar a su intérprete favorita DIONNE WARWICK, y no dudé en citar a sus mentores. Entrevista que fue televisada x Tawa Canal (América/4) en Limamanta Pacha◻️ En mi radar x estos días: LUNAR VACATION/'Only You' en su onda que ellos llaman 'pool rock' incrustado con ritmo propulsor y 🎸 melodiosa https://youtu.be/KOHcl9B4gLE◻️POLLY - 'Yours' https://youtu.be/4_apJHq0fvs◻️AVEY TARE - 'Invisible Darlings' y full álbum '7s'. Nunca deja de conectarse y me alegra.  https://youtu.be/oTFFatWVsG0◻️La igualmente bella MANDAWORLD - I' Adore You' https://youtu.be/Y-sbBL_DhHC◻️Más gemas como: NO VACATION - 'How' https://youtu.be/yLoKaMZgQ2A◻️ Aquél que ha desarrollado su auténtico Yo divino, irradia desde sí mismo, es Ley◻️ Tal cual, los códigos de nuestra consciencia estelar contienen las canciones de nuestra propia libertad. ¡Está sellado!◻️STOP!

🧿ExTr@PlUs!/ Because PuNk M@TtErS!

If you see me walking down the street and I start to cry each time we meet 

Walk on By

Make Believe...

Foolish pride

That's all I have left

So let me hide the tears

And sadness you gave me

When we said Goodbye

Walk on By

(Don't Stop)

¿Quién escribe o te dice ello hoy en día?¿Quién? 

Aunque los fans ¡si lo hacen. (¡comprobado además!) Artículo dedicado a todos los que han iluminado la escena arte-música como BURT & HAL.

UNA CONVERSACIÓN CON FERNANDO PINZÁS (TELEVISIÓN SS/VARSOVIA/BALLET MECÁNICO) :. Una movida under no es figuretear, irte de fiesta, vestirse bacán sino pensar por uno mismo de manera crítica

Foto por Alberto Valderrama

Fernando Pinzás (1987) es tecladista de la banda synth-punk VARSOVIA además de periodista musical. Su interés por la contracultura y la música alterna se extiende hasta la movida subte y el punk rock de entes como Narcosis o G3. Ha escrito sendas biografías sobre Dolores Delirio e Insumisión en la memorable colección "CIELO ROCK. Una visita al panteón del rock peruano" (Contracultura, 2021). Hace poco revisamos una de sus contribuciones a la revista IDL intitulada "Rock en la Dictadura" donde recogía las voces de verdaderos astros de la escena under como Julio Incrédulo, conocido por los entes psicodélicos noventeros por su proyecto teatral 1+. Coincidimos con Pinzás algunas veces en las aulas de Comunicaciones de la UL y aunque los ánimos musicales nos deparan rumbos dispares está demás apuntar que en las épocas al uso, los contraculturales hemos de unir fuerzas e ideales en pos de la libertad genuina, contra los fascismos de todo pelambre. 

Recuerdo que alguna vez coincidimos en un concierto con Wilmer Ruiz aka Wix y le comentabas que escuchabas CATERVAS de chibolo a los 12 años y que alucinabas. Cuéntanos, ¿cómo fueron tus inicios con la música alterna, cómo llegaste a estos sonidos, quiénes fueron tus fuentes para acceder a discos y bandas?

Gracias por recordar la anécdota. Debo haber escuchado a Catervas a los 14 quizás, cuando salió su primer CD que tuvo mucha rotación en radios. Era una época buena para el rock nacional (2000 - 2002), pues había espacio en radios, televisión y en medios escritos. Aunque en realidad, más que Catervas en ese momento escuchaba rock subte, punk rock, cosas así.

Creo que como a muchas personas de mi generación (soy de 1987), le agarré el gusto a la música, primero, por la radio. El nu metal y el punk melódico, aunque muchos no quieran admitirlo, marcó a los adolescentes de esa época que quería escuchar algo distinto a la salsa, la technocumbia o el reggaeton. También se escuchaba mucha música de los años 80, que era vista como algo ya del pasado, la música disco o cosas tipo Nirvana. The Offspring me encantó, por ejemplo. Fue el primer acercamiento de muchos de nosotros al punk rock. Pero luego quieres buscar más. En mi caso, siempre fue una necesidad de conocer y explorar en la música. Escuchar Doble 9 cambió mi perspectiva. Recuerdo la primera vez que escuché Black Sabbath en esa radio y me emocioné demasiado. En esos años, podías leer sobre algún artista pero escucharlo era complicado. No había Youtube, menos Spotify y la internet todavía no era tan accesible como ahora. Los discos originales eran caros y tenías que buscar alternativas piratas. No conocía gente de mi edad que escuchara música distinta, así que todo lo buscaba solo. Un programa fundamental fue Distorsión, de Pedro Cornejo. Con él muchos entendimos que la música no es solo escuchar sino aprender, es educación. Gracias a ese programa descubrí a Smiths, Siouxsie, Bauhaus, The Jam, Sex Pistols, The Doors, Joy Division y mucho más. Luego, ya una cosa va llevando a la otra: los conciertos subtes en el centro, gente con la que intercambias música en la universidad, blogs, revistas, fiestas under, Quilca, Salón Imperial, Casa Ida, el Directorio, Mao Bar y más.

¿Cómo se produce tu ingreso a Varsovia? ¿Qué te ha dejado esa experiencia?

En ese discurrir por la movida under de Lima, formé una banda llamada Televisión SS, que era punk rock con órgano eléctrico. Queríamos sonar un poco a Screamers, Reactors y bandas similares (Suicide no estaba tanto en mi radar en esa época). A medida que voy investigando y conversando de música, descubro el industrial, el techno, EBM, minimal synth y hasta el new wave. A mí me gustaba más el punk rock, pero empecé a interesarme por los sintetizadores. Era un mundo nuevo para mí. Era una forma de ser libre en la creación musical. Nunca fui un músico de gran habilidad técnica. Pero lo genial de un sintetizador es que te permite plasmar ideas, jugar con el azahar, soltar la creatividad sin necesidad de tener una gran técnica. Es un instrumento democrático pero, claro, lo tienes que estudiar y profundizar, pues sus posibilidades son infinitas. Entonces me conseguí un sintetizador y pude conocer a Dante Gonzales, quien cambió totalmente mi perspectiva de la música. Aprendí a profesionalizarme y a entender mejor la producción musical. Varsovia está en una suerte de stand by pues nuestra vocalista, Sheri Corleone, no vive en el Perú. Cada uno de nosotros estamos en otros proyectos musicales y personales pero somos amigos y no se descarta una gira o hasta nuevas grabaciones. 

Escribiste una biografía dedicada a Leonardo Bacteria en el libro Cielo Rock. Lo recuerdo al loco siempre inconforme y jodiendo a todos cada vez que podía. ¿Qué te motiva que un ex músico reclutado por Bacteria como soporte -uno entre varios- se haya apropiado del nombre de INSUMISIÓN y publique tracks en onda fascista en un sello ad hoc?

Insumisión es Leonardo Bacteria y punto. Tengo entendido que los derechos sobre Insumisión le pertenecen a Farid Giha. Si alguien quiere hacer nueva música, pues que se busque otro alias. Hay que tener más respeto. De todas formas, ese Insumisión pirata es absolutamente intrascendente. 

Esta onda del fascismo y los cholonazis no es nueva. Leyendo el libro de Héctor Béjar y otros sobre el tópico del fascismo comprobamos que siempre han estado ahí pululando en todos los ámbitos por lo que no es de sorprender que incluso en un reducto semi-clandestino como el de la movida experimental se produzcan tales deformaciones. ¿Qué soluciones o estrategias se te ocurren para resistir el ataque de los fachas en el poder con Dina Balearte?

Es un tema bastante complicado, sinceramente. Por un lado, no soy partidario de cancelar a nadie. Pero creo en la libertad, y soy libre de decidir a quién convocar a eventos o con quién no quiero tocar. Pienso que ese gran espacio al margen de la música comercial, llamado “underground” de manera general, convoca a gente de muchas ideas. Eso no debe cambiar. Pero hacer música no comercial (para ya no usar el término “under”) es un acto político, un acto de resistencia cultural. Es un acto contra el poder. Entonces, ahí sí me resulta un poco raro que gente que pueda tener posturas a favor de gobiernos represivos, dictatoriales o ideologías fascistas, machistas, racistas quiera entrar en esto. En estos momentos los artistas deben tomar posición. He visto, por ejemplo, que algunos han levantado la voz contra los Premios Luces de El Comercio. Como Varsovia hemos sido nominados a mejor disco del año. Pero en las redes hemos denunciado que no podemos avalar este tipo de premiaciones, viniendo de un diario que no ha entendido el valor de esta protesta popular. ¿Y los otros nominados? Les da igual, piden que voten por ellos. Lo mismo en otras escenas under como la postpunk, donde hay gente que hasta simpatiza con Fujimori. Creo que es un tema de falta de cultura, de falta de educación. Una movida under no es vestirse bacán, tomar, irte de fiesta, figuretear en redes sociales o caer en lo frívolo. Es pensar por uno mismo, de manera crítica.

¿Recuerdas en la Facultad al profesor de Periodismo Cultural, a la sazón Director de la revista “Somos”, Eduardo Lavado, cuando contó que llegó a proponer al directorio de El Comercio eliminar la sección Dominical pues era un gasto de papel y dinero? ¡Lo decía justamente el profesor/catedrático de Periodismo Cultural!

Recuerdo que llevamos ese curso juntos el 2008, pero sinceramente no recuerdo ese episodio. Lo que te puedo decir es que el periodismo cultural en el Perú requiere reinventarse. Estamos en una época sumamente difícil para el periodismo en general y, como sabes, en el Perú la cultura es la última rueda del coche. Tenemos producción cultural, pero los espacios son escasos. Tenemos pocos diarios, con una agenda política clara, las revistas han desaparecido y la televisión ni hablar. Hacer periodismo independiente y autogestionado es una labor loable, pero no muy rentable, lamentablemente. Y el periodismo es una profesión. Y, aún así, los medios digitales nos permiten crear contenidos interesantes a través de TikTok, podcast, videos, etc. Mira, en Chile, por ejemplo, el suplemento Culto de la Tercera tiene contenidos culturales de primer nivel. En el periodismo hay que saber contar buenas historias. Y ellos lo hacen muy bien. Creo que los medios digitales nos están dando una oportunidad para el periodismo cultural. Yo hace tiempo que colaboro ad honorem para algunos medios. Es difícil que te paguen, pero es que a uno le gusta también escribir, contar historias.

¿Qué tal tu pase por la política municipal hace muy poco?

Postulé a regidor municipal de Lince por Juntos por el Perú. Sinceramente, no fue algo que haya buscado o que estaba entre mis objetivos de vida. Simplemente se dio. Lo bueno: haber recorrido distintas partes del distrito, escuchar a los vecinos para conocer sus problemas, plantear proyectos culturales municipales. Mi objetivo era lograr que se hagan festivales de música en espacios abiertos, un poco como se hizo durante la gestión de Manuel Velarde en San Isidro. Hay una muy buena gestión cultural en Lince, por cierto, y espero que esto se mantenga. Otro evento muy importante fue conocer y escuchar a Daniel Jadue, alcalde e importante líder del Partido Comunista de Chile que habló, entre otros temas, de la organización popular para llegar al poder. Lo malo: los vicios de la política peruana. Si bien había gente muy valiosa, habían algunos que buscaban figurar, obtener poder, hacer una carrera política tomando como excusa el activismo ciudadano, que no escuchaban tus propuestas y solo te buscaban para hacer campaña o que entre risa y risa, te mentían. La lección que aprendí: no necesitas entrar a la política para generar cambios en tu entorno. Desde tu ámbito, como la cultura o la música, sí lo puedes hacer. Y quien te diga lo contrario es porque seguramente busca enriquecerse de la política.

¿Qué discos te rompieron el coco?

Si vamos por etapas, mencionaría el “We Sold our Soul for Rock and Roll” de Black Sabbath. Lo mejor de lo mejor de la época con Ozzy. Luego, full rock subte peruano: “Primera Dosis” de Narcosis, “Un nuevo enemigo” de G3, “Sentimiento de Agitación” de Eutanasia, “No puedo irme” y “Los días y las sombras” de Voz Propia. Después de eso, pondría “Chelsea Girl” de Nico, “Raw Power” de Stooges, “Once upon a Time” y, obviamente, “The Scream”, de Siouxsie. Ya en una etapa posterior, los primeros de Depeche Mode o el “Síntesis” de Aviador Dro. En realidad son muchos, pero estoy tratando de mencionar los primeros que se me vienen a la mente en distintas épocas de mi vida.

Los mejores conciertos en los que has estado:

No te mencionaría acá a artistas internacionales y grandes conciertos, sino más bien a eventos locales y chicos. Tal vez no tienen nada que ver con la línea musical de este blog, pero por ejemplo, recuerdo con mucha emoción el concierto de reunión de G3 del 2008. Los escuchaba de adolescente pero nunca pude verlos en vivo hasta esa fecha. Hubo un concierto de Dios Hastío el 2013 que fue super impactante a nivel de performance y sonido. De conciertos más grandes, te diría que Bauhaus en México el 2021 fue una buena experiencia. New Order y Ozzy Osbourne en Lima también fueron increíbles.

Planes futuros

Este año debo lanzar el álbum debut de Ballet Mecánico, mi proyecto como productor musical y compositor. Son una serie de canciones entre el techno pop, italo disco, dream pop y algo de electropunk con cantantes invitadas como Noelia Cabrera, Kat Kathia y Luminiscencia. Deben salir seguramente un par de videoclips. Lo otro es publicar el libro biográfico sobre Danai Höhne, que sería mi primer trabajo editorial. Si todo sigue el curso planeado, saldrá por la editorial chilena Pez en Espiral. Estoy seguro que dará que hablar porque es una investigación amplia de casi 4 años sobre esta figura casi legendaria que hizo canción latinoamericana y rock. Además, saldrá otro libro del mismo equipo editorial de “Cielo Rock” con varios artículos de música. Mi texto es una breve historia del pop rock en Trujillo. Hay rock and roll, mucha música disco, postpunk y hardcore punk. 

Mil gracias por responder la entrevista Pinzás. Saludos desde el cono norte de Lima.

Gracias Wilder. Aunque hemos discrepado, y vamos a seguir discrepando, valoro mucho a las personas como tú que siguen haciendo música auténtica y abriendo espacios de difusión, en un país donde se valora lo superficial o se mide el éxito en términos económicos. Sigamos haciendo lo que más nos gusta. No estamos solos en esto.