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miércoles, 27 de marzo de 2019

RUEDA DE LOCUTORES/MÚLTIPLEX :. Entrevista a Sammy Sadovnik

Sammy Sadovnik con Phil Collins

Esta serie de entrevistas en Vanguardia Peruana, a locutores peruanos con preguntas estandarizadas y explícitas para los dedicados a ese oficio de la palabra, continúa en este blog. Locutores de diferentes épocas de la Radiodifusión Peruana que han dejado un legado y responden cada uno de ellos a micrófono abierto. Esta vez responde Sammy Sadovnik quien reside en Estados Unidos y se desempeña como narrador y conductor de Telemundo.

X: HELENE RAMOS

¿Cómo empezó todo ello en cuanto a tus inicios en la locución? 

Comenzó en Radio Libertad gracias a Jorge Eduardo Bancayán. Gané un premio en concurso de oyentes y cuando fui a recoger mi premio a la emisora, lo hice llevando unos discos de 45RPM que había traído de un viaje a Miami. Tenía 14 años, estaba en el colegio y le mencioné mi gusto por la música, la radio y la locución. Fue así que Jorge Eduardo, reconocido locutor de salsa de la radio limeña, me invitó a participar de su programa, todos los días luego de mis clases en el colegio. Fue el primero que me dió la oportunidad, no sin antes, hablar con el Gerente General de la emisora Umberto Panfichi Segura que recibió el visto bueno y autorización de mis padres ya que era menor de edad.

Menciona todo tu historial dentro de las emisoras locales conduciendo programas y/o en TV.

Radio Libertad, Radio Miraflores en dos oportunidades, Radio Panamericana, Radio Ritmo (luego convertida en Ritmo Romántica), en lo musical, con programas como Panamericana Radio Futura, Perúrock y Buenos días, día con mi querido amigo y hermano Javier Lishner en Panamericana, Instantes en Radio Miraflores con Javier también, luego el show matinal en Ritmo y las giras de Perúrock; luego Cadena Peruana de Noticias y Radio Ovación, en lo deportivo. En la televisión, fue Pablo de Madalengoitia quien me dio la primera oportunidad en TV; fue mi mentor, amigo y un referente en todo sentido, un profesional culto y preparado, diría yo, sobre calificado para el Perú. Pablo nos invitó a Javier Lishner y a mi a participar de un segmento presentando grupos del rock peruano en su nuevo show “Agenda Personal” que comenzaría en América Televisión Canal 4. Javier por distintos temas decidió no participar y fue allí, que comenzó mi aventura en televisión que luego me llevaría a participar en el programa familiar “Para Ti” junto a Lourdes Berninzon, Amelia Macchiavello y Alberto Sánchez Aizcorbe y “La Ofensiva Cultural” junto a otro querido y recordado amigo como Ernesto García Calderón (hijo) todo en América Televisión. Luego llegó “Taxi”,  “Sólo  los Domingos” y “Bincash” en Frecuencia Dos o Latina, la narración deportiva en ATV Canal 9, Panamericana Televisión y Red Global.

¿Quién ha sido tu más grande inspiración para que te dediques a ese oficio de la palabra? ¿Qué personaje radial peruano merece tu respeto a través de los años? 

Varios referentes y maestros con los que felizmente pude compartir, aprender y trabajar: Diana García de Palacios, Nelly Mendivil Castro, Liliana Sugobono, Jorge Eduardo Bancayán, Iván Márquez, El Veco, Pedro Roncallo Matto, Lucho Arguelles, Johnny López y cómo dicen los americanos “last but not least” mi hermano y entrañable amigo de tantas jornadas Javier Lishner. En Televisión, sin duda, Pablo de Madalengoitia y Micky Rospigliosi.




¿Qué ha sido lo más apreciable para ti durante todo el tiempo en que te dedicas o has dedicado a este oficio? 

Sin duda, la realización de un disco a beneficio de los niños de Ayacucho, afectados por el terrorismo que azotó nuestro país en los 80’s y 90’s. Un grupo de extraordinarios cantantes arropados con el nombre “Unidos” grabaron la canción “Un canto para el amor dormido” escrita por el maestro José Escajadillo Farro y cuyas regalías y ventas fueron destinadas a los niños de  tres localidades Ayacuchanas bajo la administración de la Fundación de Emergencia Ayacucho, presidida por aquel entonces por la esposa del embajador de los Estados Unidos en el Perú, la Sra. Anabella de Jordan. Aquel disco fue producido de forma ejecutiva por Javier Lishner y yo. Luego también, puedo resaltar el movimiento Perúrock, también junto a Javier, las giras por todo el Perú con bandas nacionales y los Tres encuentros del Rock nacional que organizamos en Radio Miraflores.

Si pudieras estar eternanente ligado a un año de la escena musical ¿qué año podría ser este?

Creo que 1988, año de la Gira de PerúRock, de los encuentros, de la lucha por difundir en una radio FM comercial el talento peruano olvidado y abandonado en el resto de estaciones radiales por aquellos años y que nos costó a Javier y a mi el trabajo y continuidad en una muy importante emisora

¿Algún estilo musical no obtuvo la atención que esperabas que sí la obtendría? 

Felizmente en aquellos años no existía lo que hoy llaman Reggaetón o música urbana. Acaso la difusión del rock hecho en el Perú no tuvo la repercusión o caja de resonancia como la que sí tuvo el material llegado de Argentina, España, Chile o México

¿Qué consideras que no ha obtenido el éxito esperado en el transcurso del tiempo, con los locutores peruanos?

La verdad, llevo ya 19 años viviendo fuera del Perú y desconozco la actualidad de los colegas y sus contenidos. Lo que sí puedo decir es lo que siempre menciono cuando me preguntan que debe hacer un joven que quiera dedicarse al mágico mundo de la radio o de las comunicaciones en general: preparación y ganas, siempre estás en constante aprendizaje, ser humilde, no creértela porque la caída es dura y a veces no tienes una segunda oportunidad. 

¿Es que se puede vivir adecuadamente siendo un locutor en el Perú? 

Son muchos años fuera del Perú para aventurarme a mencionarte algo y además sería irresponsable de mi parte responder esa pregunta, la verdad.

¿Qué habilidades hace que un locutor tenga un estilo único?

Ser creativo no huachafo, estar siempre preparado para no caer en la improvisación, buscar siempre alternativas diferentes, proyectarte, estar siempre un paso adelantado, reinventarte cuantas veces sea necesario, no dormirte en tus laureles, ser respetuoso pero apasionado por tu trabajo, leer siempre.

¿Diferencias tu estilo de locución con la de otros locutores? ¿En que sentido? 

Con el debido respeto y con tu permiso voy a hablar en primera persona, a mi siempre me gustó conversar con el oyente, no gritar, no impostar, ser yo mismo, comunicar, informar cuando era necesario, que el presentar una canción no sea una más, darle el debido contexto de cómo, cuándo o dónde se hizo. En las entrevistas tocar temas que le lleguen al alma o al sentimiento al invitado. 

¿Cuál es el tema que consideras vigente para ti, a pesar del tiempo transcurrido? 

Hey Jude o Imagine de los Beatles además de We are the champions que suena en cuanto evento deportivo final del planeta se lleve a cabo.

¿Qué tema que haya alcanzado el Top 1 consideras insoportable para ti?

Funkytown de Lips Inc el popular “one hit song”.

¿Es que se puede definir el perfil de un locutor x pasar un determinado tipo de música? 

Mira yo comencé en una radio cuyo formato principal era la salsa y nunca anuncié una canción salsera a pesar de mis 14 años, siempre tuve claridad que lo mío era el pop, no me disgusta la salsa, al contrario me encanta bailarla y escucharla pero sabía que mi camino iba por otro lado. Me encantaba la música disco, gusto que compartíamos con Liliana Sugobono y Carlos Jáuregui en Radio Miraflores, pero anuncié temas en español romántico en mi última etapa radial en Perú sin problema. 

Si tuvieras el poder de abolir un estilo de música ¿cuál de ellos desecharías x toda la eternidad y x siempre jamás? 

Sin duda el Reggaetón con las disculpas al público que disfruta y le encanta ese ritmo o estilo musical.

A Sammy Sadovnik lo he escuchado  x primera vez junto a Javier Lishner, cuando ambos hacían dupla alternada como locutores en Radio Miraflores. La casa radial a la que tiempo después yo me integraría y fueron varias las veces en que estuvimos los 3 hablando sobre discos, revistas y ellos promocionando Britania Fanzine al aire, en la cabina. Cuando Sammy presentaba el Avance Billboard, en Radio Panamericana, como representante de Funky Hits, mi gran labor era llevarle el fax con la lista respectiva. Bellos tiempos aquellos de radio perennizados en nuestra memoria y que compartimos en este blog como una reminiscencia para todos ustedes. Entonces la Radiodifusión Peruana no adolecía de sordera mental. Nuestros dos invitados, tanto Javier como Sammy, lo saben muy bien. Otros invitados estelares vendrán, sin duda. Stop! 



martes, 26 de marzo de 2019

Review: SILVANIA - The Colors of the Sunset (Independiente, 2019)


Lo primero que se siente al escuchar el nuevo EP de SILVANIA fase 2 (¿o fase 3?) -Mario Silvania junto a Antonio Ballester de Blue Velvet- es la omnipresencia de la faceta Mario que siempre estuvo en las composiciones del dúo peruano. Si Spacemen 3 fue producto de dos almas y cerebros, a saber, Sonic Boom y Jason Spaceman, Silvania hicieron lo propio todo el tiempo que fue comandada por Cocó y Mario. En esta triada el lado celeste-andrógino-etéreo marca Cocó Ciëlo grita justamente su ausencia. 

Las canciones son más que hermosas. "La playa del olvido" es como ver a Mario Telegram perdido, melancólico y esperando que se lo lleven las estrellas a un otro mundo sin fin y mientras ello sucede solo "Cha lalala Cha lalala". La guitarra belking y ritmos tekno provienen de "Paraíso Vacío" (Click New Wave, 2007). "Los Amantes de la Luna" es Silvania convertidos en los This Mortal Coil peruanos, unos The Hope Blister casados con Brian Eno, Klaus Schulze y Slowdive. Suena también como un out take del "Campo de Espirales, Árboles y Secuencias Posibles" (Automatic, 2006).

"Los Amantes de la luna ven 
el atardecer a lo lejos 
y aterrizan en la orilla 
ahora que ? que sera de ellos ? 
Ella entra girando 
con los brazos abiertos 
ahora cae 
en el mar azul 
y reímos una vez mas..."

Finalmente, "She Rises" ignicia el EP elevándote a una fiesta imposible, a un concierto de ruido hermoso (beautiful noise) como en los días de Niño Unicornio, Catch the Breeze, El día del cielo, Babysbreath, Pearl, Isonauta, Diosmehaviolado, Sweet running water... Con solo tres palabras podríamos resumir a Silvania: belleza, pasión, colorismo. Y el corazón y las neuronas aún vibran...  


Wilder Gonzales Agreda.






The first thing that feels at listening to the new EP by SILVANIA phase 2 (or phase 3?) -Mario Silvania with Antonio Ballester from Blue Velvet- is the omnipresence of the Mario facet that was always in the compositions of the Peruvian duo. If Spacemen 3 was the product of two souls and brains, namely, Sonic Boom and Jason Spaceman, Silvania did the same all the time that was commanded by Cocó and Mario. In this triad, the celestial-androgynous-ethereal side Cocó Ciëlo's style shouts its absence.

The songs are more than beautiful. "La playa del olvido" is like watching Mario Telegram lost, melancholic and waiting for the stars to take him to another world without end and while it happens only "Cha lalala Cha lalala". The belking guitar and tekno rhythms come from "Paraíso Vacío" (Click New Wave, 2007). "Los Amantes de la Luna" is Silvania converted into the Peruvian This Mortal Coil, The Hope Blister married to Brian Eno, Klaus Schulze and Slowdive. It also sounds as an out take of "Campo de Espirales, Árboles y Secuencias Posibles" (Automatic, 2006).

"The Lovers of the moon see
the sunset in the distance
and they land on the shore
now what ? What will be about them?
She enters by turning
with open arms
now she falls
in the blue sea
and we laughed once more ..."

Finally, "She Rises" ignites the EP elevating you to an impossible party, to a concert of beautiful noise as in the days of Niño Unicornio, Catch the Breeze, El día del Cielo, Babysbreath, Pearl, Isonauta, Diosmehaviolado, Sweet running water ... With only 3 words we could sump up to Silvania: bauty, passion, colorism. And the heart and neurons still vibrate ...


Wilder Gonzales Agreda.

sábado, 23 de marzo de 2019

MÁS ALLÁ DE LAS MOSCAS DEL MERCADO V :. 5 discos para escuchar y viajar


La serie de da blog dedicada a gritar a los cuatro vientos manjares desconocidos por los demasiados y siempre sobrantes continúa. Cheka las partes I, II, III y IV.


SPECTRUM - Forever Alien (1997)

... Abriendo este penúltimo año de Post Rock vanguardista, este LP viene a ser la representación futurista de Red Crayola + 13th Floor Elevators + Velvet Underground + Pink Floyd. Un maestro perfeccionista, genio y visionario, Peter Kember, héroe supremo de la Psicodelia Avant-Garde contemporánea. Un disco que interpreta, de manera pop conceptual, El Viaje para este fin de siglo. utilizando instrumentos desde los usados allá por los 60 hasta los más sofisticados equipos de hoy, como los utilizados por Jonah Sharp; todo esto gracias a la influencia de trabajar con Alf Hardy.

Feels like I'm Slipping Away ("Se siente como si me estuviera resbalando"); la nueva versión de How Does It Feel, titulada The Stars Are So Far. Seguimos el viaje con Delia Derbyshire y sus teclados hiper-envolventes y psicodélicos. Simplemente tienen que escucharlo para comprobarlo. Forever Alien (Por Siempre Extraño): "Como puedo gozar una existencia dolorosa... Dónde está el pedacito de verdad humana que tenga sentido para esta confusión...".

Este LP es el trabajo más sofisticado y ambicioso de Spectrum, como si juntáramos todo lo anterior, re-estructurándolo y tejiéndolo de nuevo.

EDUARDO LECCA
Vanguardia 1966 - 1998

cheka nuestro post sobre los 20 años del Forever Alien acá







S. OLBRICHT - For Perfect Beings (2016)

"For Perfect Beings" de S Olbricht se estaba convirtiendo rápidamente en el "Chinese Democracy" de la música house, una combinación de retrasos interminables de la planta impresora (la respuesta de la industria fonográfica al aumento sin precedentes en la demanda de vinilos: no hace nada precisamente a los que existen [usualmente convierten silos de misiles de la guerra fría en las partes más inaccesibles del este de Albania que usan equipos que hubieran quedado desfasados ​​para Al Jolson y que, cuando se rompen con frecuencia, se deban reparar con repuestos subrepticiamente destornillados de máquinas de coser y cosechadoras combinadas] que llevaron a la creencia de que nunca vería la luz del día. La espuma pública en la boca fue parcialmente mitigada por el repentino lanzamiento de un EP de 4 tracks, "ZZM" en el sello UIQ de Lee Gamble, y finalmente, lo que me encanta de Olbricht es su capacidad para concentrarse en los elementos que él sabe elevarán sus tracks por encima del promedio (un "earpython" de una melodía, un marco de percusión que toca trucos sutiles con la configuración habitual de 4/4; una fidelidad que se asienta de lleno entre el low forzado y el excesivamente pulido hi y un personaje indefinible que te obliga a escuchar, pero no por los arreglos del hardware/software involucrados en la creación de un track, sino por el propio track. Es una receta difícil de hacer funcionar (para el equivalente a 3 estrellas Michelin, escuche Perfume Advert), pero Olbricht tiene un talento que me parece gloriosamente adictivo. ¿Valió la pena la espera de "For Perfect Beings"? Puedes apostar. Pista favorita: Blambestrid.

NICCOLO BROWN

cheka nuestra entrevista a S. OLBRICHT acá






PUNA - Sukha (2019)

Lo nuevo de los limeños PUNA es un macerado que por momentos resulta estar un poco más cerca del rock indie de Explosions in the Sky o GodSpeedYou!BlackEmperor que de divinidades shoegazers como Slowdive, Ullrich Schnauss o My Bloody Valentine. Las piezas de "Sukha", editado por Chip Musik Records, presentan una manufactura minuciosa. Neto Ankalli en la producción les ha dado un toque hi fi sin ser óbice para palpar la esencia melómana de los protagonistas. Ultramar presenta colores jazzys y es ahí donde la batería de Leko López se eleva y danza como los iluminados, su final en plan Explosions es canon. Delsolgris podría provenir del catálogo de Airiel. La oda a Swervedriver, Unanulaluna, es de lo más shoegazer del álbum junto al track homónimo, una medicina abisal etérea de 6 min para resistir un día más en esta sociedad generosa en cojudeces. “Concebir este disco ha sido todo un proceso de lucha contra el tiempo/vida y el sistema. Sukha es un nombre poco común, que en sánscrito y pali significa placer, tranquilidad, felicidad. “Sukha” es un estado de calma para llegar a la concentración y a las absorciones meditativas. "Sukha" en quechua se traduce como atardecer. Estos dos significados se fusionaron y dieron nombre a nuestro álbum...”. 
"Sukha" deja el pastel y la cizaña para el final. Outro /// Shanay - Timpishka es psicotropía a mil, un viaje en ayawaska por la Av. Brasil a medianoche. La música como fin y no como medio. Un documento singular y arisco en la historia de Puna -y de la escena local- fiel reflejo de los tiempos que vivimos. 

WILDER GONZALES AGREDA.







SHOEG - Vaseline (2017) 

EXPERIMENTAL / POST-VAPORWAVE  Carlos Martorell (Ensemble Topogràfic) se estrena en el interesante sello californiano Memory No. 36 Recordings con su tercer trabajo en solitario bajo el alias Shoeg. “Vaseline” es un trepidante artefacto sonoro repleto de arpegios MIDI, cadencias revoltosas y vocalizaciones digitalizadas. Como si una inteligencia artificial narcotizada se hubiera hecho cargo de la mezcla, el disco yuxtapone reposados pasajes new age con momentos que parecen salidos de un videojuego de acción de los noventa. En “Registry”, por ejemplo, el sonido de un frenético piano a lo Conlon Nancarrow se estrella contra un obstinado loop de acento rave para, después, en “Risk Patterns” y “Debt”, sumergirnos en un acuario de sonidos gráciles que recuerdan el trabajo de Haruomi Hosono y otros pioneros del digitalismo pop nipón. En “Vaseline” todo sucede como en un afortunado accidente sonoro y a la velocidad de una reacción en cadena tan imprevisible como adictiva. Las composiciones del disco ganan progresivamente cuando se escuchan en modo repeat, como si nuestros oídos, ebrios de emoción, quisieran volver a subir a la misma atracción una y otra vez. Escucha obligada para los fans del Oneohtrix Point Never de “R Plus Seven” (2013) o las dos partes de “Commissions”(2014-2015). ARNAU HORTA







THE RED KRAYOLA - God bless the Red Krayola and all who sail with it (1968)

Debido a problemas legales con patentes y marcas (?), tuvieron que cambiar la C por la K. Coincide que este álbum es totalmente distinto al anterior. Más sofisticado, suena como si Red Krayola hubiese sido una banda vanguardista de los 80 o 90, pero grabando en el 68'. Básico para la Vanguardia de fines de los 70 a través de EE.UU. y UK. The Shirt, Save the House, Coconut Hotel, Free Piece, Diary Maid's Lament, Sherlock Holmes, The Jewels of the Madonna, Green of my pants y Night song.

Para aquellos que aún no la captan, imaginen un sonido fusionado de Wire + Clash + Sonic Youth + MBV + His Name Is Alive + John Cage + Free Jazz, todo esto en el 68'. ¡Es un reto para tus oídos!

EDUARDO LECCA
Vanguardia 1966 - 1998


viernes, 22 de marzo de 2019

"Santiago" de Yuyachkani 18 años después


"En el Perú hay muchas cosas, como la violencia, que no están resueltas" declara Amiel Cayo, actor puneño quien da vida a uno de los personajes más intensos de "Santiago" versión 2019, creación colectiva de Yuyachkani y Peter Elmore, dirigida por Miguel Rubio Zapata. Un indio encargado de custodiar el templo donde descansa la efigie del "patrón Santiago" desaparecido por 15 años en una especie de pueblo fantasma de los Andes. Los otros dos papeles recaen en Ana Correa y Augusto Casafranca, a saber, una madre que ha perdido dos hijos y un comerciante enriquecido con malas artes.

Somos un país -que no nación- occidentalizado a la fuerza. No podemos escapar de eso. Algo que se evidencia claramente en la obra. Los personajes se entienden en quechua pero sus miedos y sus dioses son los mismos que los de un católico occidental. ¿Aculturización, mestizaje? Siempre me pregunté qué dirían los luchadores del Taqi Onkoy de saber que hoy sus paisanos festejan dócil y placenteramente el santoral católico. “Estoy pensando, estoy recordando” nos dice Yuyachkani.

A lo largo de la hora y media que dura la pieza la potencia e ingenio de la misma se despliega delicadamente en múltiples formas, sonidos y aromas. Gran parte de los diálogos van en runa simi y la intuición funciona mejor que nunca. La pugna entre lo español -encarnado por Augusto Casafranca, el comerciante/mayordomo, y por el santo patrón- y lo autóctono -representado por Amiel Cayo y por Illapa, el rayo- termina siempre y a pesar de la resistencia,  tanto corporal como simbólica, en derrota andina. El rol de madre y devota desesperada de Ana Correa siendo menor cumple en darle historicidad al relato: "¿la guerra ha terminado pero cuando comienza la paz?".

Al encontrar la efigie del santo, no así la del árabe -"Santiago Matamoros"-, amarran al guardián y lo colocan bajo el caballo del venerado. Empieza la música y la procesión y el indio gritando enajenado "¡no soy moro, no soy moro, no soy moro!" y alcancé el éxtasis. 

Quizás nunca habrá paz pero gente como los Yuyachkani estará ahí para recordarnos que como sociedad y como especie apestamos.



Wilder Gonzales Agreda.




Del Amitri - Move Away Jimmy Blue







A struck match faded like a nervous laugh
Beyond the halo of a naked bulb
Your low voice mingles with your other half's;
School friends in second-hand clothes
Eventually your world will shrink within four walls
Of neglected debts and stolen stereos.
So move away jimmy blue
Before your small, small town turns around
And swallows you
A drunk mother was the cue
For the legendary things that you do
Behind a carnival tent with mud on your face
Behind the old glue factory too.
So move away jimmy blue
Before your small, small town turns around
And swallows you
Wet feet visit the same old places
Finding nothing new
It's a binful of tissues from made-up faces
In a townful of nothing to do
A love match with the moon
In a lay by, while insects hum and
You got put in the darkness of a woman's womb
Jimmy blue.
So move away, yeah,
Move away jimmy blue
Before your small, small town
Turns around and swallows you.


domingo, 17 de marzo de 2019

SANTIAGO de Yuyachkani, funciones en Gran Teatro Nacional



“La guerra ha terminado pero ¿cuándo comienza la paz?”. 


Los tres últimos habitantes de un pueblo casi fantasmal en los Andes del Perú, en un acto donde se unen la desesperación y la esperanza, deciden sacar en andas la efigie del Apóstol Santiago, buscando revivir una ceremonia abandonada durante los quince años anteriores.  Así, a la sombra de un ritual a la vez interrumpido e inminente, se construyen las imágenes, las tensiones y las circunstancias de SANTIAGO. 

¡YUYACHKANI vuelve al GRAN TEATRO NACIONAL!

Luego de presentar “Los Músicos Ambulantes” en el 2017 y “Con-cierto Olvido” en el 2018, Yuyachkani regresa al GTN en un esfuerzo conjunto para dar lugar a “Santiago” con dos únicas presentaciones:

Fechas: Miércoles 27 y jueves 28 de marzo.

Hora: 20.00 horas.

Evento en FB 

Las entradas para el SANTIAGO están a la venta en Teleticket y la boletería del Gran Teatro Nacional. 


Si la música te hace vibrar, tienes un cerebro especial


Si un buen ritmo hace vibrar tu espina dorsal, es posible que tengas un cerebro único. Según una investigación publicada por Social Cognitive and Affective Neuroscience, las personas cuyos cuerpos responden a la música tienen cerebros estructuralmente diferentes a los demás.

En estos individuos, la corteza auditiva se comunica de manera más eficiente con aquellas áreas del cerebro asociadas con el procesamiento emocional. Matthew Sachs, un estudiante de doctorado de la USC y el investigador principal del estudio, dice que esto se debe a que hay muchas más fibras que unen las dos regiones. Tales conclusiones ofrecen profundos conocimientos científicos y filosóficos, y arrojan luz sobre por qué la música ha tocado a tantos desde el comienzo de la humanidad.

"Juntos, los resultados actuales pueden conformar teorías científicas y filosóficas sobre los orígenes evolutivos de la estética humana, específicamente de la música", explican los autores del estudio. "Quizás una de las razones por las que la música es un artefacto multi-culturalmente indispensable es que apela directamente a través de un canal auditivo a los centros de procesamiento emocional y social del cerebro humano".

Fuente: IFLSCIENCE!

viernes, 15 de marzo de 2019

H R 3 0 0 1


El ser humano es un ser cósmico en relación con el cosmos de la materia, y el alma un alma cósmica en relación con el cosmos de los ámbitos de purificación. Así x ejemplo, las innumerables vías lácteas del cosmos material son corrientes de energía de grado extremo, en las cuales están grabados todas las frecuencias de las corrientes sanguíneas y linfáticas de todos los seres humanos. Un gran número de planetas, sobre todo en las vías lácteas del cosmos material, son almacenes de energía y fuentes de energía para la estructura celular del cuerpo físico del ser humano, para el consciente y subconsciente de cada célula. Cada membrana celular corresponde al círculo de vibración de un sistema celular o de un planeta, entendiéndose en este caso x planeta un astro en general. Todos los órganos y todas las formas de estructura de los vasos sanguíneos y linfáticos, de las hormonas, glándulas, huesos... están grabados en los sistemas solares del cosmos material de acuerdo con su frecuencia. Es importante x lo mismo, apreciar nuestro cuerpo y no destruirlo arbitrariamente◙Alta evolución espiritual y de grado infinito, en cada emisión de los programas de Vida Universal que se difunde en los 5 continentes y en Lima x: 760 y 1360 AM. Online: http://www.radiobienestar.pe cada  sábado a las 10:00 la mañana. Continuación a los mensajes difundidos al inicio y final del programa radial 2001 y EQUINOCCIO◙.Marzo es un mes que siempre diversifica cantidad de vídeos y x estos días me fascinan estos que verás a continuación◙




VANGUARDIA PERUANA ha iniciado una serie de entrevistas a locutores que han dejado un importante legado para las neo generaciones. JAVIER LISHNER respondió así, a una serie de preguntas explícitas para los que se desempeñan o se han desempeñado como tales. He recibido muchos mensajes citando que es una buena iniciativa, otros que es muy aleccionadora, entretenida, que es didáctica, que la han leído con atención etc. etc. X lo mismo, siempre he dicho que una buena entrevista la da el invitado y no el entrevistador. Algo que siempre he escuchado decir en radio x ejemplo, es que felicitan al entrevistador en vez de al invitado. El sentido del humor de Javier es un lado de él, que he apreciado a través de los años y que siempre me sacó alguna sonrisa. Esta entrevista no ha sido la excepción. Más entrevistas vendrán◙




Karherine Paul, quien está al frente de BLACK BELT EAGLE SCOUT aduce que fueron sus ancestros quienes enseñaron a todas las generaciones de su familia a cantar en su propio lenguaje. Ella creció en una pequeña reserva india: The Swinomish Indian Tribal Community y rodeada de familias que se dedicaban a tocar instrumentos, tambores nativos, al canto y al  arte. Ella ha declarado que cantando en su lenguaje ha sido un proceso espiritual que la indujo a componer la música que ella hace hoy en día. Su familia la apoyó desde un principio, como que para entonces, tenía en su haber bootlegs de NIRVANA, HOLE... como tapes VHS con clases para aprender a tocar guitarra. Sus influencias van desde el riot grrrl al post-rock y a grupos como SLEATER-KINNEY y DO MAKE SAY THINK. Influencias que con lo que ella había heredado, resultó en todo un electrón sometido a un potencial newtoniano. El resultado está plasmado en un EP del año 2014 y en 2016 es cuando graba durante una semana su álbum debut Mother Of My Children, tocando ella todos los instrumentos. El álbum salió a la venta en 2018 y este año ha empezado a centrar la atención de medios y público. Para entonces ella vivía en Washington y actualmente su base es Portland/Oregon◙



Me pregunto a mi misma si alguna vez hubiera imaginado este plasma invisible del Big Bang a esta fusión de lo indio ancestral con el post-rock x ejemplo. Es una propuesta muy interesante para darla a conocer. Katherine ha pasado x varias bandas antes de formar BBES. X supuesto que ella es un alma antigua que ha vuelto en esta época del planeta, para volver a advertirnos de lo que se está haciendo al planeta Tierra, a reivindicar a su estirpe. Los incas también nos lo expusieron muy bien diciendo que Amaru es la fuerza que surge del interior de la Tierra. O que las montañas son condensadores naturales de energía cósmico-telurica y es x ello que los grandes maestros de todas las épocas las han buscado siempre para su iniciación místico-espiritual. BBES promociona x estos días su clip Soft Stud que ciertamente me ha llevado a un universo paralelo llamado SMASHING PUMPKINS. A los 3:20 los espectros de los cuásares se tornan extremadamente luminosos x todos los filamentos del ADN tuyos y míos. Los escenarios escogidos para sus clips reflejan total y claramente lo que ella quiere transmitir. Se hablará mucho de ella y a recordar el nombre de su banda: BLACK BELT EAGLE SCOUT




Átomos de hidrógeno como halos de clusters esféricos amplifican la opacidad de sus líneas espectrales al compás del neo EP Being Water de LALI PUNA con temas como Being Water, Who's That Genius, un esplendoroso remix de DAVE DK (productor techno-ambient), Beatx  y Wear My Heart además de un cover de CATRIN SONNABEND. Importante es que remarque aquí que Valerie Trebeljhar se inspiró a componer For Only Love después de haber visto The War Show de Andreas Dalsgard y Obaidah Zytoon dando un reporte muy personal acerca de la guerra de Siria. Considero que el tema más importante a señalar aquí es precisamente For Only Love que contiene frases reflexivas. Todo enmarcado con niveles discretos de energía sonora y muy cercano al estilo spoken word con emanaciones alturadas en la vox. Fue Bettina Loechner quien trajo toda su colección de discos desde Alemania cuando vino a trabajar a Lima y especialmente los de LALI PUNA, porque Valerie y ella estudiaron en la misma universidad y la conexión siempre estuvo allí. Un amigo en común me presenta a Bettina y es así cuando Lima supo de la existencia de este combo luminoso vía 2001 x Radio Miraflores ◙



Pleione, Alcióne Electra y Maia, están ellas todas alborotadas en el inmenso e infinito universo sideral puesto que TEST DEPT. no ha escarmentado y ha vuelto tras 20 años de marcada ausencia, sin mucha novedad, déjame decirte. El meteorito titula Disturbance y al momento que me he puesto a escucharlo me he ubicado precisamente en aquella época en que x radio presentaba no sólo a ellos sino también a FRONT 242, NITZER EBB, BIGOD 20, BORGHESIA... y con ello quiero decir que el tándem que electriza a este núcleo Paul Jamrozy y Graham Cunningham ¿es que se quedaron retenidos en el tiempo o qué? Abducidos no han sido x que hubieran vuelto envueltos en gran  potencial de voltios. El pasado rige el presente han declarado en entrevista y es también la letra de uno de sus temas, a lo que agrego que el presente puede regir esplendorosamente el futuro. A conectarse a Vanguardia Peruana como ejemplo. No desmerezco el disco pero es como ir a un concierto de NEW ORDER sin PETER HOOK... algo le falta y es innovación. Sus líricas respetables ◙


KEITH FLINT de THE PRODIGY ya no está en este mundo x voluntad propia. Se ahorco y ha sido una decisión fatal. Lo lamentable es que ahora habita en periespíritu en el desolado Valle de los Suicidas y o vagando sin destino hasta pasado un tiempo en que se cumpla, hasta que edad tendría que haber estado en este plano, el planeta Tierra. Se viene aquí  a subsanar o a pagar el  karma o recibir el darma. Son leyes inmutables del Infinito, como ya lo cité en un articulo dedicado a él. Si optas x suicidarte -lo que no es recomendable bajo ningún aspecto-, al no haber apreciado la maravilla de tu cuerpo, regresas al mundo y a partir de la edad en que optaste x quitarte la vida es cuando empiezas a vivir en carne propia, el no haber sabido apreciar tu cuerpo. X un accidente o enfermedad se cumple el efecto de la causa. STEPHEN HAWKING, es el más claro ejemplo de lo que explico aquí. Aunque, la bondad del Eterno le otorgó un cerebro admirable para que de ese modo con su sabiduría toque el alma de la humanidad. Ser juzgados x la perfección no lograda y que no puede lograrse en una sola encarnación, sería una injusticia tal que resultaría incompatible con nuestra creencia en la bondad, amor y misericordia Divina◙




A THE PRODIGY se escucha x primera vez en Lima vía 2001 y gracias a la tienda estelar ENIGMA DISCOS quien me proporcionó el vinilo debut del grupo, llevado x Mutor a la propia estación radial. Aquellos domingos en que x la noche el programa 2001 paralizaba a toda la ciudad que los noticieros dominicales me tenían ya en la mira y querían transmitir x microondas parte del mismo. Modestia aparte, siempre les expliqué que los programas underground jamás hacían eso. Una blasfemia para la historia a todos los subtes del mundo. Unidos estamos y no es que tengamos sangre azul como lo cita The Quietus en uno de sus artículos sino que tenemos el aura azul. Los seres de aura azul han venido al planeta siempre. En un principio, de 100 neo natos uno era de aura azul. Desde 1990, y hasta un poquito antes 1989, todos, absolutamente todos los neo natos son de aura azul. Los llamados niños estelares, índigo, de cristal... y x si todavía no se han dado cuenta Wilder quien es el astronauta editor de este blog es índigo como quien firma esta columna. Todos los anti establishment somos de aura azul y hemos venido a este plano a cambiar muchas cosas. Los capitalistas y el sistema que cree que maneja el mundo, preocupadísimos con la avalancha de estos neo natos que hasta vacunas han inventado. Los quieren desaparecer y son los neo Herodes como lo leí en una publicación. Estamos muy despiertos para vuestro malestar, capitalistas foráneos. Ah! y a todos los iletrados en conocimiento espiritual que piensan en cometer suicidio, les paso el dato que ya no quiero estar tipseando sobre sus fatales decisiones. Y a tí KEITH Flint, que esta sea la última vez en que te atrevas a tomar tan abrupta decisión. Habiendo tan lindas y centradas Djs femeninas en el mundo te ahorcas x una tal Mayumi no sé cuanto y a quien has vuelto famosa ahora. Advertido quedas KEITH y sigue conectado a este blog... harta música y conocimiento espiritual lo que no te dan los blogs británicos🌚



AUDIORAMA





Me preguntaba que estaría haciendo BOBBY GILLESPIE y ¡zas! aparece en el visor de pantalla BLACK FUTURES FEAT. BOBBY GILLESPIE. Sensorial lo soy desde siempre como todos pero que no les da ganas de desarrollarlo. Para empezar, no tipee para nada su nombre, así que asumo que fue Keith pues ahora puede estar en todas partes también y entender todos los idiomas del mundo. Un plus que realmente existe. Y alucina que... conecto a la parte vocal de Bobby y escucho: You're still hung in that disease way of thinking hyper capital zombification. A blunt imaginatión. A soul  funk of deep proportions you were born into it / And it's all you've ever known. El tema titula Me.TV y no sé realmente si el mensaje es para el propio Keith o para Mayumi que debe haber heredado a estas alturas gran parte de la herencia del finado. Otra vez el capitalismo foráneo y que conste que no estoy leyendo las historietas de Quino x ahora◙





Me he comunicado tantas veces con STEVE LAMACQ tal cual lo hacía con JOHN PEEL, y la novedad es que Omnibus Press pondrá a la venta desde el 18 de Abril el libro titulado Going Deaf For A Living del primero de los nombrados. STEVE de BBC no ha hecho heliopausas en su carrera y sigue en su telaraña de cúmulos galácticos indagando aún x las neo bandas que puedan dejar huella◙Un tema recomendado x él: Wednesday's Child del combo CROWS.






Bandas que han centrado mi atención también:






SCANNER







ELÍXIR MENTAL
SAGA DE LOS 80´S



VIXOR DE MEMORIA
SAGA DE LOS 90´S






POWER POINT
SAGA DE LOS 2000´S



Hace un año partió Mark E. Smith vocalista de THE FALL y saldrá en nueva edición una serie de sus álbumes más ovacionados, lo recordamos siempre. Extricate lo toqué en radio en uno de los primeros envíos del  Consulado Británico◙STOP! 

jueves, 14 de marzo de 2019

Un aviso sobre el peligro de las redes sociales escrito hace más de 100 años


por Cal Newport 
en Study Hacks Blog

Charles Wagner fue un pastor reformista francés que trabajó en el giro hacia el siglo XX. Predicaba un evangelio radical que rechazaba el dogma y promovía la vida simple y el amor por la naturaleza.

En 1901 publicó un libro llamado La Vida Simple, que provocó la ira de las autoridades religiosas pero se hizo popular en Estados Unidos, tras la traducción al inglés por Mary Louise Hendee.

El cuarto capítulo del libro tiene el título "Simplicidad en el Habla". Comienza con una evaluación que Wagner hace del estado de la comunicación humana de la época, y una afirmación familiar:

"Antes, los medios de comunicación entre los hombres eran bastante restringidos. Era natural suponer que, al perfeccionarse y multiplicar los caminos de la información, un mejor entendimiento surgiría. Las naciones aprenderían a amarse unas a otras... los ciudadanos de un país se sentirían más unidos en una hermandad más íntima... Nada parecía más evidente".

Pero, hasta en los tiempos de Wagner, estaba claro que esa teoría no estaba funcionando como se esperaba:

"Lamentablemente, ese razonamiento se basaba en la naturaleza y la capacidad de los instrumentos, sin tener en cuenta el elemento humano, siempre el factor más importante. Y lo que de hecho surgió fue eso: que los ardilosos, los calumniadores, y los tramposos -todos caballeros de lengua suelta, que saben mejor que cualquiera el arte de usar la voz y la pluma- sacaron la mayor ventaja de esos medios extendidos de circulación del pensamiento, con el resultado de que los hombres de nuestros tiempos tienen la mayor dificultad del mundo de saber la verdad sobre su propia época y sus propios problemas.

Y Wagner elabora:

"Para cada periódico que estimula el buen sentimiento y el buen entendimiento entre las naciones, al intentar informar correctamente a sus vecinos y estudiarlos sin reservas, ¡cuántos numerosos esparcen la difamación y la desconfianza! ¡Qué corrientes de opinión desnaturalizadas y peligrosas se pusieron en acción! ¡Qué alarmas falsas e interpretaciones maliciosas de palabras y hechos!"

Escribiendo en 1901, Wagner comentaba sobre el ascenso de los tabloides y la descontextualización de las informaciones causada por el telégrafo (como documentado con esmero por Neil Postman).

Cito este comentario aquí, por supuesto, porque podría haber sido hecho con la misma propiedad sobre el ciclo de esperanzas utópicas y la desesperación por las noticias falsas que describe la progresión reciente y rápida de la amplificación de contenido del Internet antiguo a la era de Facebook.

Vale la pena revisar a Wagner porque el diagnóstico del problema que hace es tan relevante hoy como en 1901: "al confrontarse con una nueva tecnología no podemos razonar sólo sobre la base de la "naturaleza y capacidad de los instrumentos", también debemos recordar el elemento humano ".

Es el "factor más importante" con el cual seguimos tropezando.

***

Cal Newport es profesor de ciencia de la computación y escribe sobre la intersección entre tecnología y sociedad, centrándose en el impacto de las nuevas tecnologías en la productividad y la satisfacción de la vida. Ha publicado "So Good They Can’t Ignore You” y “Deep Work”

miércoles, 13 de marzo de 2019

KLUSTER :. Industrial antes del Industrial = Psicodelia Industrial



Casi desde que empecé a hacer música a mediados de los 90 los críticos, melómanos y la gente de la escena en otras bandas han alucinado que mi sonido tiene cierto cariz industrial -que no industriolo. Recuerdo a Bacteria llamarme a Radio Miraflores la noche que Avalonia dió sesión de radio en 2001 -el programa de Helene Ramos- y decirme que le habíamos sonado bien Throbbing Gristle al tiempo que me invitaba a tocar en La Noche de Barranco. 

Recién escuché Throbbing Gristle en los 2 miles y de ley que me impresionó el sonido algo similar a los conciertos de Avalonia/Fractal era Crisálida Sónica. Empero lo que sí escuchábamos y amamos con furia ya en 1995 era el sonido otherworldly kraut de KLUSTER. Nunca olvidaré el remezón que fue escuchar discos como Cluster 71´ cuando lo primero que pensé fue "¡¡son los E.A.R. de los 70!!". La etapa con Conrad Schnitzler como Kluster terminó de partirme el cerebro, gracias a las grabaciones de Lalo Lecca hacia 1997, ingeridas con hash, sampedro y soulweed.

Hoy que un "revolucionario" como Genesis P. Oddridge no soporta la idea de morir y pide constantemente colecta a la par que es acusado de agresor y machirulo por su ex Cossey Tutti encontramos la ocasión más que crucial para indicar quiénes fueron los fundadores del Industrial desde 1969. 

¿Demasiado real para sentirlo?


Wilder Gonzales Agreda


KLUSTER 1970-1971

Hoy en día, el término krautrock denota música con un ritmo constante y no tan funky que soporta muchos sonidos espaciales como el Mother Sky de CAN, Hallogallo de Neu! o el álbum de Cluster, Sowiesoso. Pero los primeros aventureros alemanes del sonido cuyo trabajo dio origen al krautrock rara vez se centraron tanto en la linealidad, o incluso en la música, y así fue con el conjunto Kluster anterior a Cluster. De hecho, a pesar de compartir la mayoría de un nombre y dos personas con Cluster, son animales claramente diferentes. Aunque Conrad Schnitzler, quien fue miembro de Tangerine Dream y fundador de Kluster, combinó sonidos electrónicos y acústicos de alguna forma como Karlheinz Stockhausen y sus acólitos de Darmstadt, y adoptó métodos de improvisación casi al mismo tiempo que Peter Brotzmann, distintas motivaciones impulsaron su música. Su afiliación con el artista y maestro Joseph Beuys es más reveladora; Schnitzler, al igual que Beuys, hizo arte que rechazaba los temas recibidos históricamente y las técnicas prescritas académicamente, y en su lugar se basaba en el material y los métodos del mundo que le rodeaba. El ruido y la suciedad de la industria ejercieron particular influencia sobre Schnitzler, quien había apoyado a su familia trabajando como reparador de máquinas en las fábricas.

Inicialmente, Kluster era solo uno de una serie de atuendos de corta duración con temas de ruido que Schnitzler usaba para organizar happenings, y no se quedó con ellos por mucho tiempo. Lo que diferencia a Kluster de sus predecesores es que el trío de Schnitzler, Dieter Moebius y Hans-Joachim Rodelius realmente hicieron algunos discos, aunque en números muy pequeños y en circunstancias extrañas. Klofpzeichen, Zwei-Osterei y Eruption se registraron en 1970-71 y cada una se prensó en 300 copias; solo han estado disponibles esporádicamente durante la era del CD. Se hicieron porque Schnitzler conoció un organista de iglesia llamado Oskar Blarr que quería modernizar la música litúrgica. Reclutó a Kluster para grabar para el Schwann-Verlag y los hizo acompañar de una poesía socialmente crítica y temática espiritual en el lado uno de los dos primeros registros; El grupo consiguió una mano libre en el lado dos. Kluster grabó primero su material, pasó solo un día en el estudio con el ingeniero Conny Plank, y los textos se agregaron un mes después.




Uno solo puede imaginar la consternación que el primer minuto de Klofpzeichen habría generado si se hubiera tocado en cualquier iglesia. Un tambor vence a una cadencia irregular y un órgano suena repetidamente una sola nota con mucho eco, mientras que la voz de Christa Runge emite sincrónicamente entre los dos oradores, sus palabras reprochan el cumplimiento público alemán de un orden social enfermo que había fomentado el nazismo y todavía toleraba el racismo y el militarismo. Llámalo nostalgia, llámalo ahora, pero si no hablas alemán, probablemente lo llames espeluznante. La grabación de Plank, que baña cada instrumento en un grado particular de reverberación mientras mantiene la claridad y la separación de los otros instrumentos, oscurece los orígenes improvisados ​​de la música. Las contracciones electrónicas y los platillos distorsionados se entrometen cuando las voces se detienen, como obras viales que solo se escuchan cuando se detiene la conversación. El segundo lado sin texto es más áspero, con golpes relativamente limpios de feedback que escinden una percusión de eco denso como una espátula. Su evocación de desmoronado ambiente de fábrica y el rechazo a la convención debieron haber sonado enérgicamente alienados; ahora suena a la vez presciente en su predicción de la viscosidad y el extasis de Throbbing Gristle y una especie de nostalgia si piensas en lo que sucedió con esa vieja escena industrial.

Pero es precisamente la gente que se preocupa por esas cosas, más que los fanáticos de Cluster que intentan llegar a la fuente, quienes probablemente reproduzcan estos CD más de una vez. Zwei-Osterei intercambia una voz masculina, igualmente declamando por entrega, junto con un violonchelo aserrado sin remordimientos. La otra cara es más áspera que su predecesora, con su combinación de golpes de percusión primitivos y repiques de cañón abierto, pero menos extraña para los oídos condicionados por un par de décadas de Sonic Youth y free noise. Comparado con el noise contemporáneo, es más escueto y mejor para él. Eruption llegó un poco más tarde. Tomado del concierto número 12 y final del grupo y lanzado como un LP prensado de forma privada, suena un poco como el lado 2 de sus predecesores. La ausencia de voces hace que sea una experiencia musical más consistente, pero esa similitud probablemente muestra por qué Kluster tuvo que dividirse. Schnitzler no era un tipo que hiciera una sola cosa por mucho tiempo, mientras que el trabajo posterior de Moebius y Roedelius ha abrazado vigorosamente el proceso de vigencia.

BILL MEYER
Dusted Magazine


KLUSTER/Klopfzeichen
KLUSTER/Zwei-Osterei

Formado por Conrad Schnitzler (ex Tangerine Dream) Dieter Moebius y Has-Joachim Roedelius. 
Este es el inicio del Industrial; la corriente popular más cercana a la Música de Vanguardia o Concreta.
En el primer LP, una ejecución dividida en dos partes, de aproximadamente 20' cada una. En vivo desde el Laboratorio de pulsaciones y señales, en la narración una voz femenina (en la primera parte); antecediendo al Gilles Zeitschiff. En la segunda parte, post-Dziga Vertov, ruidismo alemán oscuro y denso, pre-Premature Ejaculation.
Ambos LP's fueron grabados durante el '70, después del Electronic Meditation. Para el Zwei-Osterei (Doble Huevo de Pascua) la narración estaría a cargo de una voz masculina, en la pieza titulada Electronic Music and Text; la voz como un instrumento más. Como referencia, para que te ubiques, imagina el tema Aumgn (de Can), pero más oscuro y menos "Rock".
La segunda pieza, titulada Electronic Music-Kluster 4, es otra instrumental, más rayada y es el pico más alto de sus composciones. El sonido de la guitarra y las atmósferas pre-Isolationism/Industrial 90's, se podrían comparar con los de FSA, Main o Providence.

EDUARDO LECCA

sábado, 9 de marzo de 2019

RUEDA DE LOCUTORES/MÚLTIPLEX :. Entrevista a Javier Lishner


En Vanguardia Peruana iniciamos una serie de entrevistas a locutores peruanos con preguntas estandarizadas y explícitas para los dedicados a ese oficio de la palabra. Locutores de diferentes épocas de la Radiodifusión Peruana que han dejado un legado y responden cada uno de ellos a micrófono abierto. Esta vez responde Javier Lishner quien reside desde hace años en Estados Unidos.

X: HELENE RAMOS


Con Javier Lishner me une una gran amistad de años que no  se ha perdido ni con la distancia. La música de x medio, conciertos, discos, revistas... idas y venidas dentro de las oficinas de Radio Miraflores y él, solicito siempre, no dudó nunca en enviarme material desde el extranjero, durante el inicio del programa que conduje en la estación mencionada. Fue el gran instigador además, para que me animara a producir un propio programa radial y no seguir ya más produciendo programas para otros. Valoro todo ello y, modestamente, el programa no defraudó. He aquí el locutor, animador y,  sobretodo, el amigo que siempre está allí e incansable promotor de este blog x donde va como vía on line.

¿Cómo empezó todo ello en cuanto a tus inicios en la locución?

 En un concurso en el que me inscribí. Cuando llegué ya se habían cerrado las inscripciones pero me quedé con unos muchachos más conversando en la puerta de la radio. Hablamos de música, de Styx (que estaba muy de moda), de Deep Purple y hasta de Julio Iglesias… De pronto, salió la secretaria y nos hizo ingresar. Fuimos los últimos de 492 inscritos. Radio Miraflores en Alcanfores 592. Año: 1980. El resto es historia.

Menciona todo tu historial dentro de las emisoras locales conduciendo programas y/o en TV.

Creo que a pesar de que estoy retirado hace 25 años (mi despedida fue en 1994), es demasiado. Pasé por Radio Panamericana, regresé dos veces más a Radio Miraflores, trabajé en Radio Nacional con un programa llamado Por los Caminos del Rock (paralelamente a Radio Miraflores). Luego ingresé a la televisión para conducir Mirando la Radio del naciente Canal 13 y al año siguiente en Fantástico por Panamericana Televisión. Por esos días trabajé a la vez en el diario Expreso con una página llamada En Stereo y otra de Juventud, y colaboraba con un par de revistas de música. También andaba en Radio 1160 con El Lado Oscuro de la Radio. Era un programa semanal y allí, cada sábado a las seis, transmitía todo lo que la(s) radio(s) no pasaba(n). Fue una linda experiencia. Después, me fui a Ica a dirigir Radio Efextos FM que acababa de salir. A mi regreso, en 1992, y por sugerencia de nuestra inolvidable Dianita García de Palacios, volví por tercera vez a Radio Miraflores. Y ‘sin querer queriendo’ me despedí en la misma emisora en la que inicié mi carrera.

¿Quién ha sido tu más grande inspiración para que te dediques a ese oficio de la palabra? ¿Qué personaje radial peruano merece tu respeto a través de los años?

Definitivamente que la música fue mi mayor inspiración. Llegué a  ese concurso sin quererlo ni buscarlo, pero el hecho de que lo organizara Radio Miraflores me llamó rápidamente la atención, desde que escuché el aviso promocional en la voz de Pedro Roncallo. Personajes radiales que merecen mi respeto hay muchos. Iván Márquez, Lucho Argüelles, Johnny López, Diana García de Palacios, Nelly Mendívil, Pepe Barreto, Pedro Silva, Walter Gonzales, Perico Durán, Tony Marbel, y, entre tantos más, el padrino del concurso de aquel 1980: Enrique Llamosas. Ah, y mi hermano Sammy Sadovnik, quien triunfa en el campo deportivo en los Estados Unidos.

¿Qué ha sido lo más apreciable para ti durante todo el tiempo en que te dedicas o has dedicado a este oficio?

Algo de lo mejor, porque hubo muchísimas cosas positivas, fueron los viajes. Tanto al interior del Perú como afuera. Recorrí costa, sierra y selva, por diferentes eventos. Viajé por el Perú con la Más Más de Panamericana (1983-85), con la gira de Perú Rock (1988), con el elenco de Fantástico (1990) y también con seminarios de locución con la Asociación Talentvs (1992-94). Todo esto muy aparte de los eventos para los cuales me llamaban para presentar. Fue mucho. Fue hermoso. No lo cambio. Afuera pude asistir a varios eventos. Ver a Rolling Stones en el 1989 fue pleno. A Bob Dylan, etc. Participar del primer Rock in Rio, en 1985, fue una gran experiencia. Y regresar en 1991 por el segundo, aún más.

Si pudieras estar eternamente ligado a un año de la escena musical ¿qué año podría ser este?

Si te refieres a uno de mi carrera… Posiblemente a 1985. Porque, amén de Rock in Rio, junto a Sammy Sadovnik organizamos Unidos. Ese fue un proyecto para aliviar el sufrimiento de los niños huérfanos por el terrorismo de Ayacucho. Se unieron muchos músicos y cantantes, y se hizo un disco cuyas ventas fueron a casas-hogares en Tambo, Huanta y Huancapi. El año 1994 también fue importante. Porque me despedí muy feliz de lo que hasta entonces había hecho. Lo hice por voluntad propia y cuando estaba ganando más dinero que nunca antes desde 1980.

¿Algún estilo musical no obtuvo la atención, que esperabas que sí la obtendría?

Yo siempre transmití rock, pop y baladas. Nunca hubo problema con eso. En 1986 comencé, también con Sammy, Perú Rock. Y ese, por decir así, fue un riesgo. Porque la escena de la música no pasaba su mejor época. Se escuchaba rock en español pero principalmente de España y Argentina. Algo de Chile (Prisioneros, por ejemplo). Iniciar un programa con contenido netamente nacional no fue fácil. Pero luego llegó la ola y tuvimos la suerte de estar allí. Desafortunadamente, la ola terminaría relativamente pronto cuando sucedió el ‘paquetazo’ del gobierno de turno. Y todo se fue a la eme.



Javier Lishner con GIT

¿Qué consideras que no ha obtenido el éxito esperado en el transcurso del tiempo, con los locutores peruanos?

Yo siempre estaré de acuerdo con lo que sucede con los locutores peruanos. Siempre ha habido buenos, mediocres y malos. Casi como en cualquier actividad. Creo que la Asociación de Locutores (esto es un decir, porque hay como tres. Aunque también podría ser, incluso, algo positivo); decía, creo que la Asociación o asociaciones, tienen allí un trabajo permanente. En brindar clases, seminarios, talleres prácticos, etc. para mantener a los asociados en constante aprendizaje. Porque muchos se quedan en el pasado. A veces he escuchado, y no lo digo en son de crítica sino de ejemplo, a locutores que, treinta años después, continúan diciendo lo mismo. La lengua, sólo  para comenzar, está en constante evolución. Deberíamos tener en cuenta que ahora, luego de tres décadas, hay dos o hasta tres nuevas generaciones con diferentes modos de vida, costumbres, expectativas, experiencias, etc. La voz hay que cuidarla. Pero el cerebro, aún más.

¿Es que se puede vivir adecuadamente siendo un locutor en el Perú?

Honestamente, no sé. No vivo en el Perú desde hace mucho. Lo que sí me agrada es cuando veo locutores que ‘salen’ de sus cabinas para hacer sus negocios paralelos. Por lo que veo a lo lejos, les va bien. Pero supongo que no es el gran porcentaje. Me encantaría saber la realidad del locutor promedio en Perú. Y ojo que el Perú es mucho más que Lima. Entonces habría que medirlo por área. Los que saben de estadística lo entienden muy bien. Sólo que las estadísticas deberían ser hechas por gente seria y no solo negociantes. Detesto las encuestadores, los surveys, los ratings, la mermelada.

¿Qué habilidades hace que un locutor tenga un estilo único?

Creo que cada quien tiene una personalidad. Antes, y no quiero decir que antes fuera mejor; pero, antes, la radio dejaba que nacieran personalidades. Hoy, no. Hoy pareciera que se hicieran en masa. Con excepciones, claro está. Tanto en radio como en televisión, todavía se puede ver a quiénes más destacan. Aunque también allí hay manipulación. Las caritas ‘bonitas’, por ejemplo… Se ve aquí, allá y acullá.

¿Diferencias tu estilo de locución con la de otros locutores? ¿En qué sentido?

Por supuesto. Y quisiera decirte un par de cosas. La primera, que tuve la suerte (y lo digo como algo muy personal) de iniciarme con el estilo de personas como Gerardo Manuel, Liliana Sugobono y Hugo Salazar. Ellos estaban en la FM de Miraflores, en donde tuve mi primer programa. Y ellos, los tres, cada vez que se dirigían al público, lo hacían conversando. No gritaban, no exageraban. Eran muy espontáneos y, además, con conocimiento de lo que presentaban. No había Google ni Facebook ni nada de eso… Cómo son las cosas, ahora tengo a esos a la espalda de mi casa. Aquisito nomás, en el Silicon Valley. Así que, principalmente, de ellos tres aprendí. A Gerardo y a Liliana los había escuchado desde siempre y a Hugo lo había conocido mientras estudiábamos en la Universidad de Lima. Lo otro, que también tiene relación a tu pregunta anterior, sucedió en 1983. En mi primera entrevista con la gerente -y a la vez dueña- de Radio Panamericana, me dijo: “Y tú serás el último que venga de Radio Miraflores. Ya llegaron Lucho (Argüelles), Johnny (López) y ahora tú, y no queremos que la gente piense que no podemos formar a nuestras propias estrellas”. Tal cual. Y por primera vez me dijeron estrella... ¡ ja ja ja! Aunque luego, de allá, también llegaría Sammy Sadovnik. Así que eso de “estrellas” o “figuras” aún existía. Pero si hasta las mismas radios nos promovían en páginas enteras en diarios y revistas. Nos hacían artes gráficos y todo… Y eso evidentemente ayudaba a que cada uno tuviera su propio estilo. Aunque eso luego desaparecería.

¿Cuál es el tema que consideras vigente para ti, a pesar del tiempo transcurrido?

Si te refieres a un tema musical, no tengo. Creo que la música siempre estará vigente. Si te refieres a algo general, el aprendizaje. Como la canción de Sui Generis: “No quiero estar sin poder crecer… Aprendiendo las lecciones para ser...”.

¿Qué tema que haya alcanzado el Top 1 consideras insoportable para ti?

¡Ja ja!. Supongo que muchas. Sobre todo ahora que ya estoy viejito. ¿Alguna de Bon Jovi?

¿Es que se puede definir el perfil de un locutor x pasar un determinado tipo de música?

No, no lo creo. El locutor debería ser, como dicen ahora, ‘todo terreno’. Lo importante es prestarle atención a cada cosa que haya que presentar o tema que se tenga que tratar. Es decir, estar preparado. Porque, aunque no les guste a muchos de mis colegas, voz tiene cualquiera...

Si tuvieras el poder de abolir un estilo de música ¿cuál de ellos desecharías x toda la eternidad y x siempre jamás?

Ninguno. Rechazo esos tipos de abolición. Y habiendo estado cerca a la música por casi 50 años (los cumpliré pronto, desde que empecé a escuchar radio), sería como ir en contra de mi propia esencia.

¿Difundirias el reggaeton si estuvieras ahora mismo, trabajando en alguna emisora?
Si estuviera, si estuviera... Si estuviera entre el sol y la luna. Si estuviera loco o cuerdo. Si estuviera de nuevo entre las doce y la una. (Horario de Perú Rock)

Agradezco tu gran amabilidad para esta entrevista y ambos sabemos que no vamos a abandonar nuestro gusto x la música. Javier, ha sido también quien me presentó a Juan Alberto Matta, con quien he intercambiado mucha música francesa y él fue un gran cómplice con cantidad de revistas sobre Indochine, el grupo que se convirtió en la primera entrevista que hice. Gracias de nuevo x todo a ambos, calles de Miraflores caminamos juntos.

Helene, un gran abrazo para ti y tus lectores de Vanguardia Peruana. Eres una de esas leyendas que dejé en el Perú durante la década noventera. Incólume es la palabra para definirte mejor. Íntegra. Siempre coherente. Sana y viva, por siempre.


Javier Lishner con Dale Bozzio (MISSING PERSONS)

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barbarismos

barbarismos
El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.

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realismo capitalista peruano, ¡ja, ja!

rojo 2

es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo

En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez. «Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.


MARK FISHER.

perú post indie

Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños.
Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo...
Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?


FRED ROHNER
Historia Secreta del Perú 2

as it is when it was

sonido es sonido

sonido es sonido

pura miel

nogzales der wil

RETROMANÍA

"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia." SIMON REYNOLDS Retromanía

kpunk

No olvidar qué somos.

No olvidar qué somos.
Llegó Julio, mes patrio. Y con él, vuelven las viejas preguntas de cuándo se jodió el país. Carátula del tratado anónimo atribuido a Mariano Machado de Chaves, "Estado político del reino del Perú”, de 1747 (citado por Alfonso Quiroz en "Historia de la corrupción en el Perú", 2013).

las cosas como son

las cosas como son

Joe says

"En un principio los "rockeros" ,no eran funcionales a los gobiernos de turno.., de echo el rock se caracterizo por ser una contracultura a todo eso, sin importar kien fuese el ladron en el sillón .., pero con el pasar de los tiempos y el amiguismo a cambio de favores, la bancada de viajes a festivales al exterior ,los hospedajes gratuitos en hoteles y miles de mierdas mas a cambio de no hablar mal del k este de turno, es lo k hizo k hoy en dia el político y el rockero se peinen juntos para la foto. Los k estámos afuera de eso, somos "odiadores o envidiosos" , según el criterio de muchos (publico) k SI hablan x hablar y defienden a kienes ni saben pk están en donde están. Vuelan ,giran , comen y beben gracias a los impuestos ke les pagan odiadores como yo 😁 Siempre voy a elegir no cerrar mi maldita boca y solo conseguir con esto k se me cierren mil puertas y ke me odien y me corten la cara mil veces más , prefiero eso a ser un careta. Hablando d esto ..¿vieron el documental de NICHETO??) ..,estaba esperando k alguien la tire, pero ya fue .., yo ya me prendí fuego 🔥 hace rato .., así k la tiro yo , total una mancha más al tigre k le hace?.. me importa un huevo lo k piensen de mi y k me desfenestren ,como se k lo van a hacer después de este posteo 🙂.., me kedo con la primer época aquella en la k no se compartía la foto.. INDIE fuertes , indie esto , indie otro blsbla ,ESO NO ES INDIPENDENCIA , eso es amiguismo puro y propaganda pagada x mi bolsillo y x el de muchos miles de otros ke muchas veces e irónicamente ,no tienen un mango ni para cargar la sube para ir a tocar, o ni pueden cambiar su encordado x uno nuevo k no les corte los dedos, etc) Vengan de a uno o d a miles.. me chupa un huevo - repito. También espero ver kien respalda lo k digo , pk según tengo entendido serian muchos. NO SEAN CARETONES!! 👊 Los tiempos cambiaron, es hora de empezar a hablar con la verdad y decir las cosas como son. Y sino de ultima k la guita de cultura se reparta para todos los miles de trabajadores de la música y no solo para los amigos de los de turno no?.. A todo esto, x otro lado ¿cuando NICHETO fue aguante del under o lo k mierda sea ke intentan mentir en este documental de juguetería????" - JOE DIXEXION 2020

son!

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las cosas como son II

las cosas como son II

RADIO-ACTIVITY: EL MEDIO ES EL MENSAJE