UNA CONVERSA CON SUSAN ALCORN :. Componer música es como dar a luz, hay algo de dolor involucrado

Susan Alcorn Lobato es una artista que ha explorado las posibilidades de la guitarra pedal steel fajándose en formaciones de free jazz como de neo folk, habiendo iniciado ruta en bandas de country y western. Reside en Baltimore, en el Atlántico Medio de Estados Unidos, y ha estado viajando a Chile para concretar su último opus "Canto" (Relative Pitch Records), a publicarse el próximo 10 de noviembre.

Plasmado en conjunción con el Septeto del Sur, informado por Luis "Totó" Alvarez (guitarra), la bajista Amanda Irarrazabal y los hermanos Claudio "Pájaro" Araya y Francisco "Pancho" Araya, "Canto" se levanta como su obra más lograda y sentida. Confluyen en ella experimentaciones en sintonía con Sun Ra y la música concreta así como vibraciones de protesta y folk tradicional intervenidos por estéticas experimentales. Un delicatessen que sabrán apreciar no solo los seguidores del arte sonoro sino, por sobre todo, aquellos tocados por gente como Víctor Jara, Mercedes Sosa, Violeta Parra, et al. Algarabía y utopías confluyen en CANTO, una declaración de avant folk para el mundo de hoy, ahíto de injusticias, mentiras y vejaciones milenarias.

¿Qué significa para ti crear y hacer música o, en otras palabras, por qué haces música hoy? 

Para mí, y quizás para la mayoría de los músicos, hacer música es respirar, es sangre que fluye por las arterias, un corazón que late, y eso es lo que soy, para bien o para mal. La música es una forma de comunicar verdades profundas, y esto es algo que el mundo necesita hoy en día.

Cuéntanos brevemente tu trayectoria musical, qué estudios has realizado, desde cuándo empezaste en el mundo sonoro, ¿cómo descubriste a los compositores experimentales/free jazz, etc.?

A mis padres les encantaba la música clásica y de big band, y tenían muchos discos, así que estuve expuesto a eso cuando era niña. En cuanto a los estudios, inicialmente toqué la trompeta, pero mi educación musical formal llegó a su fin cuando tenía 14 años y me expulsaron de la banda de la escuela (sin ninguna buena razón, debería decir). Después de eso, dejé de tocar la trompeta y comencé a tocar la guitarra. Me encantaba la música pop de la época (mediados de los años 60) y el blues. Dos cosas: a altas horas de la noche escuché “Invocation to Om” de John Coltrane en una estación de radio clandestina. Además, el álbum de Frank Zappa “Freak Out” me presentó la música de Edgar Varèse. Todo eso finalmente llevó a Ornette Coleman, Sun Ra y Olivier Messiaen, entre otros.

Cuéntanos sobre tus raíces o ¿cómo es tu relación con Chile y su gente? 

Creo que mi primera impresión de Chile, como alguien que vivía lejos, fue en septiembre de 1973. Yo era una activista de izquierda en la universidad y me horroricé por lo que vi en la televisión. A lo largo de los años aprendí sobre las luchas por la justicia social en toda América Latina. En 2003 volé a Chile para mejorar mi español y aprender todo lo que pudiera de su música folclórica en el espacio de un mes. Mientras estuve allí conocí a exiliados retornados, ex presos políticos y personas que habían perdido a familiares a causa de la dictadura de Pinochet. También descubrí la música de Víctor Jara y Violeta Parra, así como grupos como Illapu, Inti Illimani y Los Jaivas. Desde entonces soñaba con algún día viajar a Chile y grabar.

Además de Chile, ¿qué otras regiones o países has visitado?  

He viajado bastante en mi vida musical (no gano suficiente dinero para tomar vacaciones). He estado en más de una docena de países europeos, Canadá, Nueva Zelanda, México, Argentina y Uruguay.

¿Cómo ha sido el proceso de creación de vuestro nuevo disco, CANTO? ¿Qué tan fácil o difícil es trabajar colectivamente? Imaginamos que las ideas fluirán mucho más rápido que componiendo en modo solista. 

Para mí componer música es como dar a luz. Hay algo de dolor involucrado, pero amo cada pieza como si fuera mi propio hijo. Escribí y arreglé todas las piezas antes de irme a Chile. Los músicos tuvieron mucho tiempo de antemano para aprender sus partes, por lo que los ensayos transcurrieron bien y fueron un proceso de sentir colectivamente nuestro camino a través de la música. Había entusiasmo y un sentimiento de camaradería porque todos sentíamos que esto era, para bien o para mal, algo nuevo.

Además de la música, ¿qué otras actividades realizas o la música folk free jazz paga las cuentas? 

Durante los últimos años, he sobrevivido gracias a la música que hago, complementada con una pequeña pensión de mis años como maestro de escuela y de la seguridad social. Nunca podría haber viajado a Chile sin algún tipo de asistencia financiera.

¿Qué álbumes tienes en tu escritorio o estás escuchando recientemente? ¿Podrías recomendarlos a los lectores del blog? 

Soy una gran admiradora de Illapu, son músicos que, como decimos en inglés, “Walk the walk”, es decir, se mantienen fieles a sus ideales. He estado escuchando “30 años del Regreso” de Illapu. También Silvio Rodríguez y Manuel García. También he estado escuchando el álbum más antiguo de Sun Ra, “Angels and Demons at Play” y “More Touch”, un álbum reciente de la brillante vibrafonista de free jazz Patricia Brennan.

De todo tu catálogo, aparte de CANTO, ¿qué otro disco nos recomiendas para introducir tu música y visión? 

Aparte de CANTO, probablemente recomendaría el disco anterior, “Pedernal”, grabado con músicos de free jazz en Nueva York. El otro sería “Soledad”, un álbum solista de interpretaciones e improvisaciones sobre la música de Astor Piazzolla.

Planes de futuro y palabras finales. 

El futuro nunca es seguro para nada, pero me gustaría hacer algo más con la música de este álbum y Septeto del Sur, con suerte hacer una gira por Sudamérica y Estados Unidos. Como la mayoría de los músicos, intento ampliar mis horizontes. Actualmente estoy trabajando en un álbum solista de música de Olivier Messiaen.

Muchas gracias por la entrevista Susan, saludos desde el cono norte de Lima. 

Y para Usted. Saludos desde Baltimore en el Atlántico Medio de Estados Unidos hasta el cono norte de Lima. Algún día, tal vez las estrellas se alineen y visitaré Lima.

A CHAT WITH SUSAN ALCORN :. Composing music is like giving birth, there is some pain involved

Susan Alcorn Lobato is an artist who has explored the possibilities of the pedal steel guitar, performing in free jazz and neo-folk groups, having started out in country and western bands. She resides in Baltimore, in the Mid-Atlantic United States, and has been traveling to Chile to produce her latest opus "Canto" (Relative Pitch Records), to be published on November 10.

Captured in conjunction with Septeto del Sur, informed by Luis "Totó" Alvarez (guitar), bassist Amanda Irarrazabal and brothers Claudio "Pájaro" Araya and Francisco "Pancho" Araya, "Canto" stands as her most accomplished and felt work. Experimentations in tune with Sun Ra and concrete music come together, as well as vibrations of protest and traditional folk influenced by experimental aesthetics. A delicatessen that not only followers of sound art will appreciate but, above all, those touched by people like Víctor Jara, Mercedes Sosa, Violeta Parra, et al. Hullabaloo and utopias come together in CANTO, an avant-folk declaration for today's world, full of injustices, lies and millennial humiliations.

What does it mean to you to create and make music or, in other words, why do you make music today? 

For me, and perhaps most musicians, making music is breathing, it is blood flowing through arteries, a beating heart, and it’s who I am for better or worse. Music is a way to communicate deep truths, and this is something the world needs thee days.

Tell us briefly about your musical background, what studies you have undertaken, since when did you startIn the sonic world, how did you discover experimental/free jazz composers, etc.? 

My parents loved classical and big band music, and they had a lot of records, so I was exposed to that as a child. As for studies, I initially played the trumpet, but my formal music education came to an end when I was 14 years old and kicked out of the school band (for no good reason, I should say). After that, I stopped playing trumpet and started playing guitar. I loved the pop music f the day (mid-1960s), and blues. Two things: late at night, I heard John Coltrane’s “Invocation to Om” from an underground radio station. Also, the Frank Zappa album “Freak Out” introduced me to the music of Edgar Varèse. All of that eventually led to Ornette Coleman, Sun Ra, and Olivier Messiaen among others.

Tell us about your roots or how is your relationship with Chile and its folk?

I think my first impression of Chile, as someone who lived far away, was in September of 1973. I was a left wing activist in university, and was horrified by what I saw on TV. Over the years I learned about the struggles for social justice throughout Latin America. In 2003 I flew to Chile to improve my Spanish and to learn as much of their folkloric music as I could in the space of one month. While there I met returned exiles, former political prisoners, and people who had lost family members to the Pinochet dictatorship. I also discovered the music of Victor Jara and Violeta Parra as well as groups like Illapu, Inti Illimani, and Los Jaivas. Since then I had dreamed about someday traveling to Chile and recording.

Besides Chile, what other regions or countries have you visited? 

I’ve travelled quite a bit in my musical life (I don’t make enough money to take vacations). I’ve been to over a dozen European countries, Canada, New Zealand, Mexico, Argentina, and Uruguay.

How has the creation process of your new album, CANTO, been? How easy or difficult is it to work collectively? We imagine that the ideas will flow much faster than composing in solo mode.

To me, composing music is like giving birth. There is some pain involved, but I love each piece like its my own child. I wrote and arranged all the pieces before went to Chile; the musicians had plenty of time before hand to learn their parts, so rehearsals went well and were a process of collectively feeling our way through the music. There was an enthusiasm and a sense of comradery because we all felt that this was, for better or worse, something new.

Besides music, what other activities do you do or does free jazz folk music pay the bills

For the past several years, I have survived on the music I make supplemented by a small pension from my years as a school teacher and from social security. I could never have travelled to Chile without some form of financial assistance.

What albums are on your desktop or are you listening to recently and could you recommend to blog readers? 

I’m a big fan of Illapu - they are musicians who, as we say in English, “Walk the walk”, in other words, staying true to their ideals. I’ve been listening to “30 años del Regreso” by Illapu. Also Silvio Rodriguez and Manuel Garcia. I’ve also been listening to the older Sun Ra album “Angels and Demons at Play” and “More Touch”, a recent album by the brilliant free jazz vibist Patricia Brennan.

Of your entire catalog, apart from CANTO, what other album do you recommend to us to enter your music and vision? 

Aside from CANTO, I would probably recommend the album that came before it, “Pedernal”, recorded with free jazz musicians in New York. The other would be “Soledad”, a solo album of renditions and improvisations on the music of Astor Piazzolla.

Future plans and final words. 

The future is never certain for anything, but I would like to do some more with the music on this album and Septeto del Sur, hopefully tour in South America and the United States. Like most musicians, I try to broaden my horizons. I am currently working on a solo album of music by Olivier Messiaen.

Thank you very much for the interview Susan, greetings from the northern cone of Lima. 

Thank you too, and greetings from Baltimore in the US Mid-Atlantic to the northern cone of Lima. Someday, perhaps the stars will align and I will visit Lima.

SHOCK 💠 MUSIQUE NON STOP lll

🧿MUSIQUE NON STOP III. REALINEACIÓN CÓSMICA EN EL PLANETA TIERRA. VIBRAS MAGNÉTICAS DE ALTA FRECUENCIA EN TODO SU FULGOR HACIA LA HUMANIDAD DE TODO EL ORBE EN UNIÓN HACIA LAS SUPRA GALAXIAS INTERESTELARES: TODOS SOMOS UNO🔷

X:HELENE RAMOS

MEGAMIX EN NOTICIAS DE ESTELARES ENERGÍAS CINÉTICAS🔷AMF, festival de música electrónica en Ámsterdam, que en un inicio se había cancelado, sí pudo realizarse el 21 de octubre y configuró un cartel de primer nivel tras superar una década de existencia. Importante evento en donde brindan sus magnas dj sessions los más renombrados del mundo. X lo mismo, este año contó con artistas de primer nivel y con nuevos nombres  incorporados de DJs los cuales dieron muchísimo de que hablar durante este año 2023, que termina🔷

Este año han participado en AMF, el festival de música electrónica que tiene lugar en el Johan Cruijff Arena -entre otros: AFROJACK, ARMIN van BUUREN, DIMITRI VEGAS & LIKE MIKE. Igualmente neo revelaciones como JAMES HYPE y MEDUZA, pero también VINI VICI, PURPLE DISCO MACHINE, con sus vislumbrantes dj sessions como la de HEADHUNTERZ siendo parte del cartel. La magnate belga del techno CHARLOTTE DE WITTE, quien lanzó su 'Power Of Thought' EP (KNTXT), dio también un celebrado set como invitada sorpresa. ARMIN van BUUREN fue quien estuvo en el inicio del evento de forma magistral que invita a revivirla🔷

Una de las más preciadas y favoritas escenas de los grandes festivales de la música electrónica dance/raves son las decoraciones capaces de transportarte a algún otro lugar de magia y ensueño como x ejemplo lo logra 'Tomorrowland' -y otros. Todo excelsamente  planificado y es algo de lo que hace a un festival muy memorable. Los ravers ponen igualmente una tónica especial con la diversidad de sus outfits o atuendos - momentos extra como para graficarlos en un libro. Pero también, el estar atentos contando matemáticamente cada minuto para captar esos efectos en luces tan mega maravillosos que suman mucho en estos eventos. Efectos en luces que han evolucionado eones, a cuando se iniciaron este tipo de magnánimas y tan inolvidables raves. Los raveographers, todo ello lo sabemos muy bien y para luego poder graficarlos en los artículos referentes a ese tipo de eventos que tanto fascinan🔷

*Los ravers con sus outfits/atuendos son cada vez mucho mejor diseñados a la época inicial de las raves.

CHARLOTTE DE WITTE, se presenta en Lima el 31 de Octubre junto a Enrico San Giuliano -ambos lanzaron su 'Reflection' EP en marzo de este año. El evento se realizará en Lima Polo Club/Lurín,  también participan DJ NICOLÁS TABOADA  (Argentina) y DJ ANDREA ZAPATA (Tacna/Perú)🔷

Antes, para este sábado 28 de octubre, Néstor Guerrero (DJ NHESTOR) como parte primordial dentro de la producción del evento anual 'Trancehelloween' me ha hecho llegar el flyer de forma virtual, el mismo que comparto. Igualmente, una de sus  dj sessions reciente para ti. Haz click🔷https://on.soundcloud.com/g7s5v

ARTBAT, dupla magnética y dinámica integrada x Artur y Batish desde la escena en Kiev/Ucrania de donde provienen, han alimentado con su pura pasión x la música elevándola a ser reconocida en el mundo. Lo de ellos es trance-tech-house melódico, potente y danzante. En 2019, fueron denominados x la revista MixMag como "Stars Of The Year", de igual forma: 'Artistas Innovadores del Año' en los Ibiza DJ Award. Destacando siempre su dedicación a la escena que prodigan con un sonido intelectual profundo y progresivo. Recuerdo aún su presentación en uno de los programas de PETE TONG (BBC), aún en mi colección 🔷

X otro lado, 'Weightless' marca el estelar retorno de GOLD LAKE en su forma más exquisita y en un gran mosaico de emociones tal cual lo lograron con su placa 'Years' de sus inicios. Respaldados en la parte de producción x Aaron Dessnerd (THE NATIONAL) y x Chris Taylor (GRIZZLY BEAR). El acto ha pasado x una serie de eventos no felices y ambos: Lua Ríos y Carlos Del Amo -se han felizmente recuperado. El resultado es el álbum en mención, álbum que contiene esta magnífica pieza: 'Weightless Arrows' de extremada belleza vocal como respuesta a iluminar y a envolver todo el planeta. Ambos son de Madrid y se mudaron a Brooklyn/NY. En un inicio ellos fueron parte de la banda WE ARE BALBOA. Advertencia: te van a supra encantar y mucho más de lo que esperabas. Ellos alistan sus presentaciones próximas -y quiero estar allí ¡sin duda alguna!🔷

THE UMBRELLAS, combo de Bay Area de San Fco., han retornado con un buen álbum 'Fairweather Friend' y disponible desde el 26 de enero 2024  vía los sellos Slumberland Records/Tough Love Records (UK/USA). Sus influencias van desde THE PASTELS, ORANGE JUICE, COMET GAIN, NED'S ATOMIC DUSTBIN y AISLERS SET. Aunque noto cierta similitud  en cuanto a las inflexiones vocales de Matt Ferrera de THE UMBRELLAS con las de Paul Simpson de THE WILD SWANS/THE TEARDROP EXPLODES, sobre todo en este su actual single: 'Three Cheers'🔷

*Brian Eno en actual gira x ciudades europeas que le permitió recibir el premio 'Leone D'Oro' en Venecia.

La gran ceremonia de entrega del 'Leone D'Oro' a BRIAN ENO no ha sido sólo un evento de magnitud histórico, artístico y cultural sino también la ocasión para poder confrontar con la ironía, el espíritu crítico y el pensamiento político de una de las más iluminadas mentes de nuestro tiempo. Una inteligencia vívida, que ha reordenado en luces la importancia de la figura del artista. 'Un artista no se hace realmente solo, sino x personas, estudio y x  la cultura que lo circunda' -lo mencionado x el siempre bien admirado BRIAN ENO🔷En mi RAdaR x estos días: MILDRED - 'Lullaby', CBARRGS - 'Forever', CUNK - 'Sleeper', HURON JOHN - '3D Pictures', GIRL RAY - 'Hurt So Bad', WINGS OF DESIRE - 'I Will Try My Best'... como el proyecto 'Ships' de BRIAN ENO, respuesta metafórica a estos tiempos que se viven en el planeta. A emitir altas frecuencias 🔷Todo el infinito es emitir y recibir, comunicación. A todos os agradezco ad Infinitum x las frases  que me dicen tanto  personalmente como de forma virtual🔷STOP!

EXTRA:

HESSIEN INTERVIÚ :. La industria parece un francotirador tratando de disparar el producto directamente en la cabeza de la gente desde una gran distancia con precisión aterradora. Los más jóvenes ni siquiera se dan cuenta de que les están disparando.

Hessien es el dúo de ambient guitarrero de Tim Martin (Maps and Diagrams, Atlantis, Karst, Bluhm, Black Elk, Ouvala) y Charles Sage (y0t0, The Rothko Chapel). Ambos con grandes trabajos y un alucinante catálogo en sus respectivas escenas, Reino Unido y Australia, han logrado dotar de vida a uno de los entes más introspectivos y paradisíacos del presente siglo. Este día Perú Avantgarde te lo presenta en exclusiva.

Hessien fue prolífico en la primera mitad de la década pasada, lanzando trabajos en Fluid Audio, Sound In Silence, Beko DSL, Long Story y Audio Gourmet. Tras una pausa prolongada, regresan con "The Alchemist", vía el sello de George Mastrokostas (Absent Without Leave) sound in silence. Un trabajo complementario de "Home Is Where the Ghost Is" de 2010, una navegación ineludible para todo el que valore las ensoñaciones etéreas, la escultura de sonido y la poesía postmusical a base de guitarras que suenan a sintetizadores y acuarelas. 

Con uds. la conversa respectiva con Hessien. 

¿Cómo se produce la interacción entre un artista australiano, Charles Sage, y otro del Reino Unido, Tim Martin para dar como resultado el sonido que obtienen? ¿Cuál es su configuración o equipamiento?

CHARLES: Tim y yo hemos trabajado juntos durante varios años, por lo que tenemos un proceso de trabajo bien organizado y  estructurado que a menudo olvido por completo. Intercambiamos archivos hasta que tampoco estén demasiado crudos o  completamente sobrecargados de trabajo. Tim es un completo mago y puede hacer algunas partes de guitarra entrelazadas sonar como una orquesta submarina.

Grabo la guitarra en Logic, en una Mac. Hice todo The Alchemist en una antigua guitarra eléctrica aleatoria de 12 cuerdas, la guitarra que mi hermano había rescatado de la trastienda de una tienda de música en Australia Occidental; un bendito artefacto místico sin providencia conocida, que siempre permanece en perfecta sintonía, y suena como un cuarteto de cuerdas cuando está en tono bajo. Es posible que haya grabado alguna textura de un Korg N5 igualmente antiguo, pero no estoy seguro de dónde terminó en el disco.

TIM: Tenemos una charla antes de empezar cada proyecto, lo cual es un buen punto de partida, normalmente enviamos uno a otro bocetos de sonido al principio para que las ideas fluyan, las ideas se intercambian un poco, luego empezamos a trabajar en las pistas, formando poco a poco ritmos melódicos y rotos hasta tener algo con lo que ambos estamos contentos. He estado usando el Moog Mother 32 y el semi O-Coast, sintetizadores modulares por un tiempo, pero usamos una variación de sonidos, resampleo, ediciones y procesos para nuestro trabajo como Hessien.

¿En qué basan su inspiración? ¿Tienen puntos que quieran comunicar al oyente?

CHARLES: Intento transmitir una emoción o sentimiento. Le proporciono algo en bruto y Tim lo vuelve a desarrollar, o Tim me dará una expresión y trabajaré en ella. En el nuevo disco, sentí que "Two Wolves" y "Remember Danny Torrance" explican cómo nos sentíamos ambos en el momento en que trabajamos en ellos. Sucedieron cosas complicadas en nuestras vidas y esos tracks llegaron al por qué de ellos, creo.

TIM: La inspiración sucede, luego no, cuando sucede, puede convertirse en momentos de estar perdido en el sonido, cuando no sucede, tiendo a hacer otra cosa, como collages de obras de arte o escuchar música, los puntos planos son comunes en la producción musical, por lo que es normal sentirse desconectado y regresar  cuando tengo ganas de darle otra oportunidad.

Cuéntennos cuáles fueron sus influencias para este álbum.

CHARLES: Hablamos sobre a lo que queríamos aspirar mientras trabajábamos. Ambos miramos hacia atrás sobre lo que lanzamos antes y sentimos que Home Is Where The Ghost Is fue donde dijimos algo auténtico y original, por lo que The Alchemist fue diseñado como pieza complementaria. Teníamos motivos para volver y revisar nuestro trabajo, ya que nos habían contactado de la nada sobre un sample de 2010 y cómo había sido utilizado por otro artista, por lo que fue interesante ver cómo habíamos ambos cambiado en una década: cómo nuestra música encajaba más en nuestra familia, nuestras vidas y el mundo generalmente.

TIM: Para mí la influencia viene de todas partes, muy a menudo se me ocurre una idea cuando menos lo espero. Hacer una nota física es una buena idea si estoy fuera del estudio. También queríamos hacer nueva música juntos después de tanto tiempo, por lo que fue un enfoque proactivo con el nuevo álbum.

¿Cuál es su opinión sobre el futuro de la música y la industria musical?

CHARLES: Bueno, la gente todavía está haciendo cosas interesantes y está surgiendo música nueva y genial todo el tiempo, pero la forma en que se entrega y consume es tan diferente a mi experiencia anterior que me siento muy separado de ello. He empezado a volver a ver música en vivo recientemente y es interesante ver cómo las personas ahora se conectan físicamente con algo real, después de que les hayan dicho que no es seguro para ellos varios años. La industria ahora parece ser como un francotirador, tratando de disparar directamente el producto comercialmente en la cabeza de la gente desde una gran distancia con una precisión aterradora. Las personas más jóvenes tienen esta increíble y arraigada habilidad de agacharse sin siquiera darse cuenta de que les están disparando. Es fascinante.

TIM: La industria musical está objetivamente saturada, en todos los sentidos el streaming nos permite explorar más que nunca, es genial tener esta vía para escuchar música, pero nada se compara con los ítems de música reales y físicos, en cualquier formato.

¿Cuáles son sus planes de futuro para Hessien y sus otros proyectos?

CHARLES: Me gustaría seguir trabajando con Tim para siempre. Es infinitamente interesante ver lo que se viene. Trabajamos en producción musical recientemente y me gustó trabajar dentro de un límite fijo.

Hessien no tiene reglas, lo cual es igualmente divertido.

TIM: Sabremos cuándo es el momento adecuado para empezar nueva música, es como un llamado natural para nosotros. Cuando llegue el momento, empezaremos a planificar cosas nuevas juntos, lo que siempre son momentos emocionantes y divertidos.

HESSIEN INTERVIÚ :. Industry seems to be like a sniper now, trying to shoot product directly into people’s heads from a vast distance with horrifying precision. Younger doesn't even realise they’re being fired at

Hessien is the guitar-driven ambient duo of Tim Martin (Maps and Diagrams, Atlantis, Karst, Bluhm, Black Elk, Ouvala) and Charles Sage (y0t0, The Rothko Chapel). Both with great works and an amazing catalog in their respective scenes, the United Kingdom and Australia, have managed to give life to one of the most introspective and paradisiacal entities of this century. This day Peru Avantgarde presents it to you exclusively.

Hessien was prolific in the first half of the last decade, releasing work on Fluid Audio, Sound In Silence, Beko DSL, Long Story and Audio Gourmet. After a long hiatus, they return with "The Alchemist", via George Mastrokostas' (Absent Without Leave) sound in silence label. A complementary work to "Home Is Where the Ghost Is" from 2010, an unavoidable navigation for anyone who values ethereal daydreams, sound sculpture and post-musical poetry based on guitars that sound like synthesizers and watercolors.

With you the respective conversation with Hessien.

How does the interaction between an Australian artist, Charles Sage, and another from the United Kingdom, Tim Martin, work to result in the sound you obtain? What is your set up or equipment?

CHARLES: Tim and I have worked together for several years, so we have a well organised and structured workflow which I often completely forget. We swap files until they’re not either too raw or completely overworked. Tim is a complete magician and can make some interlocking guitar parts sound like an underwater orchestra.

I record guitar into Logic, on a Mac. I did all The Alchemist on a random ancient 12-string electric guitar my brother had rescued from the back room of a music store in Western Australia; a blessed  mystical artifact with no known providence, which always remains in perfect tune, and sounds like a string quartet when pitched down. I may have recorded some texture from a similarly ancient Korg N5, but I’m not sure where it ended up on the record.

TIM: We have a talk before we start each project, which is a good starting point, we usually send each other sketches of sound at first to start the ideas flowing, the ideas get thrown around a bit more then we start working on the tracks, slowly forming melodic and broken rhythms until we have something we're both happy with. I've been using the Moog Mother 32 and the O-Coast semi modular synths for a while but use a variation of sounds, resampling, edits and process for our work as Hessien.

What do you base your inspiration on, do you have points that you want to communicate to the listener?

CHARLES: I try to get an emotion or feeling across. I supply something raw, and Tim redevelops it, or Tim will give me an expression and I’ll work over it. On the new record, I felt like "Two Wolves" and "Remember Danny Torrance" got at how we were both feeling at the time we worked on them. There were complicated things happening in both our lives at the time and those tracks got at the why of them, I think.

TIM: Inspiration happens, then it doesn't, when it happens it can work itself into moments of being lost in sound, when it doesn't happen, I tend to do something else, like collage artworks or listen to  music, flat spots are common with music production so it's normal to feel disconnected and go back to it when I feel like giving it another shot.

Tell us what your influences for this album were.

CHARLES: We spoke about what we wanted to aim for, while we worked. Both of us looked back over what we released before and felt that Home Is Where The Ghost Is was where we said something authentic and original, so The Alchemist was designed as a companion piece to it. We’d had reason to go back over and review our work, as we’d been contacted out of the blue about a sample from 2010, and how it had been used by another artist, so it was interesting to see how we’d both had changed over a decade – how our music fitted in to our family, lives, and the world more generally.

TIM: Influence for me comes from all around, quite often I'll get an idea when least expected, making a physical note is a good idea if I'm away from the studio. We also wanted to make new music together after so long, so it was a proactive approach with the new album.

What is your view on the future of music and the music industry?

CHARLES: Well, people are still doing interesting things and there is great new music coming out all time, but the way it’s delivered and consumed is so vastly different to my previous experience of it that I feel very separate to it. I’ve started to go back to seeing live music recently and it’s interesting to see how people now connect to something real, physically, after being told it was unsafe for several years. The industry seems to be like a sniper now, trying to shoot product directly commercially into people’s heads from a vast distance with horrifying precision. Younger people have this amazing, ingrained ability to duck without even realising they’re being fired at. It’s fascinating.

TIM: The music industry is objectively saturated, in every way, streaming allows us to explore more than ever, it's a great thing to have this avenue to hear music but nothing compares to real, physical items of music, on any format.

What are your future plans for Hessien and your other projects?

CHARLES: I’d like to keep working with Tim forever. It’s endlessly interesting, seeing what he comes up with. We worked on production music recently, and I liked working within a fixed boundary.

Hessien has no rules, which is equally fun.

TIM: We'll know when the time is right to start new music, it’s like a natural calling for us, when the moment comes we'll start planning new things together, which is always exciting and fun times.

Jack Chuter says: A PESAR DE TODA LA CONFUSIÓN ALREDEDOR ES POSIBLE LABRAR UNA NARRATIVA A TRAVÉS DEL POST-ROCK

Esta no era una música que reverenciara los principios del machismo y el rock musculoso. El post-rock se trataba de innovación y progresión.

Después de leer este libro, espero que el término “post-rock” se te quede atascado en la garganta la próxima vez que lo uses, aunque sea por un momento. Piensa en la semántica bomba de racimo que estás a punto de detonar.

Espero que el 90% de los lectores de este libro lo utilicen para referirse a la música rock cinematográfica, predominantemente instrumental, que alcanzó un pico de popularidad a principios de la década de 2000. Mogwai, Sigur Rós, GodSpeed You Black Emperor. Bandas cuyas cumbres explosivas de distorsión, platillos y reverberación se vuelven excepcionalmente intensos para emerger de tan pronunciados períodos de tranquilidad. Bandas cuyo deseo de “rockear” se ve atenuado por la humildad y sumisión de la interpretación orquestal, compensando la progresiva grandilocuencia dominante del rock con la sensación de que los intérpretes están varados, indefensos, bajo el maremoto de su propia creación.

Pero algunos lectores habrán tropezado con el post-rock de principios de los años 90, los oídos todavía zumbando por la explosión del post-punk. Cuando el periodista musical inglés Simon Reynolds habló por primera vez del post-rock como la cooptación de la instrumentación del  “rock” para fines no rockeros”, se refería a bandas como  Tortoise, Pram, Trans Am, Bark Psychosis y Main. El atributo común de estas bandas no era musical. Tampoco fue realmente ideológico. Más bien, fue una cuestión de circunstancias: un acto de cruzar el límite entre el rock y lo "otro", con un pie descarriado chapoteando en las aguas de cualquiera de ellos: techno, jazz, krautrock, dub reggae, electrónica o música concreta (o en el caso de Tortoise, todos estos combinados). Examinar este período del post-rock es descubrir el centro de innovación del rock que estaba creciendo, casi en secreto, debajo del resurgimiento del rock tradicional del grunge y el brit pop. Mientras Soundgarden y Oasis atrajeron a las masas hacia la idea por excelencia de la estrella de rock, bandas como Labradford y Disco Inferno fueron silenciosamente desmantelando los rituales que regían cómo se podían utilizar las guitarras, el bajo y la batería. 

Esta no era una música que reverenciara los principios del machismo y el rock musculoso. El post-rock se trataba de innovación y progresión.

El camino de transformación del post-rock, desde su proliferación a principios de los años 90 hasta su pico de popularidad postmilenial, ha estado lleno de giros y divisiones extrañas. No todos tenían claro qué quería decir Simon Reynolds cuando se refería al uso de  “instrumentación del rock para fines no rockeros”. Mientras el término “post rock” fue aplicado tentativamente a nuevos artistas (a menudo porque se parecían vagamente a un artista existente bajo el lema post-rock), el significado comenzó a mutar cual susurro chino. Las viejas connotaciones desaparecieron, otras tomaron su lugar. Sólo hace muy poco tiempo que el significado del post-rock ha comenzado a estabilizarse. Pero incluso ahora es imposible proporcionar una descripción sucinta del término sin caer en redes de contradicciones. ¿Cómo puede el post-rock ser ambas cosas las atmósferas en expansión de Godspeed... y los jams de bolsillo de Battles? Si el post-rock es tan sinónimo de música instrumental, ¿por qué el falsete del vocalista de Sigur Rós, Jónsi, es uno de los sonidos más distintivos en el universo post-rock?

Muy pocas bandas se identifican voluntariamente con el término. En parte eso se debe a lo mencionado arriba; el post-rock todavía lucha por comunicarse e identificarse con convicción y claridad. Pero si tomamos el término al pie de la letra por un momento, también es una proclamación extraña y audaz. Post-rock. ¿Es esto realmente el sucesor de la música rock? Muchos de los actores clave del post-rock todavía se ven a ellos mismos como bandas de rock. Cuando Explosions in the Sky se balancean y empujan hacia sus clímax sonoros durante las presentaciones en vivo, hay una sensación de visceral esfuerzo corporal que proviene directamente del corazón de la música rock. Sin embargo, incluso si el post-rock fue de hecho el siguiente capítulo inevitable en la narrativa del rock, ¿no sería extraño que una banda se defina en el territorio de dónde vinieron, en lugar de dónde se encuentran actualmente? Si es verdaderamente el punto de cambio de la música rock, ¿por qué conservar la palabra "rock" dentro del término en absoluto?

A pesar de esta confusión, es posible labrar una narrativa a través del post-rock.

Esta historia no sigue el fomento y la expansión de un espíritu musical; sigue el barco del post-rock a medida que va a la deriva, guiado en gran medida por la especulación y conjeturas, sobre los mares de sonido. Con cada intento de aplicar el término, nuevas  bandas y connotaciones se incorporan al redil. A menudo vemos cómo el post-rock se ha utilizado como misceláneo periodístico: un marcador de posición para una descripción más específica y dirigida de la música. Es por esto que el post-rock a menudo actuaba como una linterna que apuntaba hacia lo desconocido. Se trata de un  reconocimiento de que nuestro vocabulario musical es actualmente inadecuado, dejando 'post' como la única alusión apropiada a la presencia de un misterioso otro.

Hay una tensión inherente al término “post-rock”. Está tratando de escapar de sí mismo, pero sigue dependiendo de su antigua identidad dentro del rock. Sugiere proceso: el post-rock es un acto de devenir, un estado de transitoriedad y media mutación – donde los restos del pasado todavía existen, malformados pero reconocibles, sobre una superficie que se retuerce en un estado de flujo...

JACK CHUTER
Storm Static Sleep - A pathway through post-rock

CHEKA NUESTRA ENTREVISTA AL AUTOR ACÁ:

Vanguardia Peruana & Sonidos Contemporáneos: JACK CHUTER INTERVIÚ .:. Un camino a través del Post-Rock (peruavantgarde.blogspot.com)

MUSIC TO LIVE BY :. TORTOISE - Millions now living will never die (1996)

Volvamos al tema Tortoise. ¿Existía el rock después del rock? A mediados de los noventa, nació una nueva etiqueta, el post-rock, que intentaba definir la música improvisada y las soluciones libres de las propuestas más arriesgadas. Y ahí entraban manifiestos aislacionistas, espacios cinematográficos, ambientes paisajistas, slowcore, dub, jazz... Tortoise se convirtieron en los más populares de ese movimiento, una especie de polémico cajón de sastre sin normas fijas. En 1996, Rockdelux eligió su “Millions Now Living Will Never Die” mejor álbum del año... empatado con el “Roots” de Sepultura. Presentamos la crítica del disco que escribió entonces Gerardo Sanz. Este álbum de Tortoise fue seleccionado después entre los mejores CDs de los noventa (ocupó el puesto 31 en una lista de 150 álbumes internacionales) en el extra especial dedicado a esa década editado por Rockdelux en abril de 2000.

POR GERARDO SANZ
Extraído de ROCKDELUX 128 (Marzo de 1996)

Los de “Goriri” fueron, al menos para el abajo firmante, los seis minutos y medio más reveladores de 1995. Tortoise, única banda americana (blanca) en “Macro-Dub Infection”, entregaban un remix tajante y brutal de “Gamara”, single para Duophonic y, a su vez, vampírica elongación de “His Second Story Island”, un momento especialmente inquietante de su homónimo álbum de debut. En ese corte –el mejor, por otra parte, de una compilación de referencia– abrazaban el dub como se abraza algo que no se quiere dejar escapar, digitalizando sus continuas citas a King Tubby, Scientist o Lee Perry y despejando las dudas de quienes los reducían a meros estilistas de la era post-Slint.

“Millions Now Living Will Never Die” no solo camina por esa misma senda, hábilmente desbrozada con los injertos incluidos en “Rhythms, Resolutions & Clusters” (1995), sino que se interna en un territorio más rico y permeable. La estructura molecular de “A Survey” –tres bajos solapados midiéndose las distancias– o la tensión interna –improvisaciones más o menos controladas con el vibráfono a su libre albedrío– de “Glass Museum” o “The Taut And Tame” abogan por una concepción elástica e “instrumental” del estudio que llega a sublimarse en “Dear Grandma And Grandpa”, una llamada telefónica enmarañada entre fogonazos de graves y apócopes de ambient plástico.

En efecto, lo que ha hecho de Tortoise el emblema del post-rock y, probablemente, uno de los ensembles –por cierto, el ex Slint David Pajo, también en los últimos Stereolab, cubre la baja de Bundy K. Brown– más respetables del planeta es su asombrosa capacidad para hacer reconocibles en la práctica sus presupuestos teóricos, o sea, para lanzar la piedra sin que sea necesario esconder la mano. Y así, mientras “Along The Banks Of Rivers” reivindica desde sus hechuras cinematográficas –fácil imaginar (¡vivir!) una trama a lo Barry Gifford adaptada por John Dahl– la narratividad que, por naturaleza, le está vetada, la soberbia suite inaugural se adivina como una auténtica obra maestra de escultura musical. Simulando las técnicas de mezcla de los DJs, “Djed” es un engranaje perfecto, una concatenación de sonidos en sinalefa que preserva un solo elemento –una insinuación jazzística, una andanada percusiva; un riff, un ritmo– en las transiciones, creando un crescendo continuo de apariencia reptil y efectos devastadores. 

H R 3 0 0 1

X: HELENE RAMOS

🌎MUSIQUE NON STOP II. SINFONÍA DE UNIDAD Y RECONEXIÓN LUMÍNICA HACIA LOS FRACTALES MEGA ESTELARES DE LA MÚSICA: SONIDO ORIGINAL DE NUESTRAS VIDAS🔷

El DJ ALOK de Brasil -como una de esas ironías del destino- es el hijo del DJ SWARUP quien apenas pudo alejarse a tiempo de las trágicas escenas del evento 'Tribe Of Nova' en Israel, previamente a su presentación de cierre del evento del 7 de octubre, ha sido también quien fuera el encargado de cerrar la fecha del 14 de octubre en Tomorrowland, el más grande Fest de EDM en el mundo en su versión en Brasil🔷

*El DJ ALOK, fue quien cerró el fest Tomorrowland 2023.

Alok Achkar Peres Perrillo o simplemente DJ ALOK, productor musical, como compositor y remixer, obtuvo reconocimiento en 2016 x su single 'Hear Me Now'. Nacido en Goiânia/Goiás (Brasil), ha sido elegido en 2021 y 2022, como el cuarto mejor DJ del mundo x DJ Magazine. La frase que él pronunció en el fest Tomorrowland ha sido: 'Pido al mundo que le dé una oportunidad a la paz'. Tras los tristes momentos acaecidos en Israel, el gran reencuentro con su padre Juarez fue transmitido x varios de los noticieros del país en los que Juarez Perrillo, narró todos los momentos vividos🔷Solidaridad en fraternal abrazo con el deseo de que lo sucedido en aquella fecha, jamás se vuelva a repetir... ¡nunca más!🔷

La experiencia musical vía el Festival Tomorrowland que canceló su fecha del viernes 13 de octubre, debido a la lluvia torrencial tiene en el escenario: 'Core World' la presentación de DJs dentro de un mosaico de géneros dance que van desde el techno más energético hasta los ritmos melódicos del trance. Es una zona underground en donde cada DJ set que se vislumbra allí, cautiva y eleva a las diferentes tribus danzantes hacia una dimensión estratosférica en total plenitud de paz, unidad y fraternidad🔷

'Core World' es el destino favorito de los amantes de la escena electrónica en Tomorrowland. DJS como productores se sumergen en la música creando una supra experiencia íntima y emocional para todos los presentes venidos desde los 5 continentes. La gran supra energía se percibe en toda la atmósfera y está transmitida hacia todos los asistentes: cada uno de ellos inmersos en un viaje sonoro inolvidable. El ambiente de unidad y pasión hacia la música generada en 'Core World' es mágica y de aspecto desbordante que destaca ampliamente en el fest🔷

*John Newman brindó épico dj set en el fest Tomorrowland en  Brasil (Mainstage), al igual que en Bélgica unos meses atrás.

'Core World' en este fest consagrado, es un universo paralelo en sí, en donde la música dance electrónica y la creatividad se unen para transmutar una experiencia extraordinaria de primer nivel inspirado en un futuro utópico fusionándose la tecnología y el diseño de maravilla arquitectónica🔷Tomorrowland 2024 se celebrará en un triple fin de semana del 19 al 21 de julio y del 26 al 28 de julio en Bélgica. En octubre 2024 retorna a Brasil. X otro lado, 'Core World' presente en México el 13 y 20 de Enero, según me informó la empresa que organiza el macro fest. La música nos une a todos, no importa el estilo que sea ni de dónde provenga... loable si todos, cada uno de los habitantes de este bello planeta: lo entendiera muy bien🔷

Los eventos de EDM en Perú, tienen su cofradía de amantes y altamente fieles seguidores. Me consta, x las 5 horas continuas al aire vía 'SPECTRASONICS', las madrugadas del domingo, mientras que los sábados x la tarde, se iba preparando toda esa gran atmósfera de baile vía 'IN HOUSE', dando un break con B-SIDE/THE CHILLOUT ZONE, más hacia la noche vía los programas x Radio Miraflores AM/FM y que, como siempre, me he encargado de difundir a actos de los 5 continentes, como en medios escritos y vía Online. Es una escena tan diversificada en estilos que cada vez, se renueva más y más dando opción para el retorno de los pioneros, que como sabemos trae de nuevo a Lima a CARL COX y, habiendo estado también hace pocos días atrás: DJ TIESTO 🔷 X lo mismo, nenas y nenes, tienen una gran cita este sábado 28 de octubre con el evento anual que organiza  la empresa Reviden Trance desde 2021 el denominado y conocido: 'Trancehelloween', fiesta en que destaca la música electrónica ampliamente, y la cual se inicia a las 6 pm y finaliza a las 6 am del domingo. La neo hornada de DJ's locales se preparan en grande para la fecha estelar. Más data a estos números: 986 487 619 y 982 537 019🔷

SHYE, agradece la review a su '9Lives' EP, al mismo momento en que recibí el vídeo respectivo al single en promoción 'Need'. Un tema con sesgos en tonos hipnotizantes para el oyente devoto al estilo que ella junto a la banda saben transmitir muy bien🔷 COCTEAU TWINS, acto emisor de frecuencia del estado interno de tu ser, y gracias al sello 4AD, tiene ya reeditado en vinilo dos de sus álbumes que faltaban: 'Four Calendar Café' y 'Milk & Kisses' - ambos esféricos estarán en unos pocos meses disponibles, como indican  desde el 12 de enero 2024🔷 X su parte, ROBIN GUTHRIE está dando los remasters a 24 bits, que estarán disponibles desde el 12 de enero 2024🔷

2023, es un año en donde han prodigado mucho más vocalistas femeninas, a los años recientes. Glamour Magazine (UK) en la versión de celebración 17 aniversario de su evento anual Glamour Women Of The Year Awards, en  Partnership con Samsung entregó este año el premio en su categoría 'Risen Star' a OLIVIA DEAN @ One Marylebone (Londres). Directo en el box de esta columna, fotos que han graficado el momento del día 17 de octubre reciente durante la ceremonia🔷

*Here she is! Otros grandes momentos estelares para Olivia Dean, sabemos bien que vendrán. Su álbum 'Messy' ha destacado muy alturadamente en este año.

BEIRUT, tendrá lanzado su neo álbum 'Hadsel' para el 10 de noviembre próximo en su propio sello Pompeii. X lo pronto, promueven su actual single 'The Tern' y, mientras tanto se alistan para sus presentaciones en Berlín para febrero 2024🔷MELODY FIELDS, combo sueco comunica la salida de sus 2 álbumes: '1901' y '1991' - el primero en circulación desde el 13 de octubre, el segundo desde el 20 de noviembre. MF ha incorporado influencias psych (60's), electrónica, shoegaze soundscapes, distortion, dance y bellas texturas atmosféricas dentro de ambos álbumes. Participan como invitados integrantes de bandas invitadas de GOAT, HOLY WAVES como también contribuciones de AI LOVER. Las remezclas explayen neo energías y sentimientos. 'Jesus' es el actual single en elevada espiritualidad, fuzzy guitars y armonías de ensueño🔷

SAY SUE ME, banda mixta de Corea del Sur, comparte su neo  single '4 am', con respectivo video. Ellos inician su gira x USA en noviembre🔷 TIMBER TIMBRE - 'Loveage' (Hot Dreams Records), neo álbum de Taylor Kirk que retorna con un disco bello auditivamente. Un artista siempre presente y pronto en dar su songwriting tan límpido y de calidad. Estos son algunos de los temas  incluídos: 'Slops', 'Sugar Land', 'Pristine Corpses', 'Holy Motors', 'Loveage' -entre otros. Percibo nu folk onírico en clave de baladas,  como lo-fi e instrumental🔷X estos días en mi RaDAr:  VACATIONS - Close Quarter, SUN JUNE - 16 Riders, MT. VICE - Do You Wanna como PROVOKER X EYEDRESS - Freezing Alive🔷

EMMA ANDERSON (LUSH/SING-SING) promueve un neo single 'The Presence' e incluído en su neo álbum solista debut 'Pearlies', producido x el siempre afable ROBIN GUTHRIE, con quién tanto he hablado de música y durante extra encantadoras horas de horas🔷Los sonidos del planeta, de dentro de los árboles, de la tierra, de la atmósfera, del mar... están cambiando sin que ni siquiera puedas percibirlo: cambiando hacia una gran nueva, pacífica  y luminosa era  terrícola🔷STOP! https://youtube.com/watch?v=O9FSXYPpmg4&si=ea-Q8IlXgrs1uIqm

'Sin música la vida sería un error' (Friedrich Nietzsche)

ANA QUIROGA INTERVIÚ :. Todo gira en torno al capital, la cultura debería devenir patrimonio y no industria

Ana Quiroga es una compositora, productora y diseñadora de sonido con base en Londres que trabaja en artes, cine y medios audiovisuales. Formó parte de VINTAGE y LAS CASICASIOTONE, proyectos orientados el indie rock y la música avantgarde respectivamente. Ana ha rotado su talento para la construcción de edificios sónicos de substancia psicodélica por sellos como Editions Mego, Houndstooth, Other People y Modern Obscure Music, entre otros. Acaba de publicar, el pasado 8 de setiembre, "Azabache" (Houndstooth, 2023), de 10 piezas y 36 minutos. Como debut en modo solista, el disco sorprende y corrobora los años de experiencia de la Quiroga en los campos de la experimentación y el arte sonoro. Informado por el entorno en el que creció, la región de Asturias en España, "Azabache" fluye un aura mística y dark etérea, sin embargo dicha esencia trasciende las normativas al emparetarse con sonidos avant post rock. Imposible no registrar reminiscencias de maestros del porte de Seefeel, Bowery Electric, AMP o Transient Waves en cada fibra de este volumen. Trabajo exquisito y notable como pocos. Disco del año en Iberoamérica. Con ustedes habla la maga. 

Gracias por aceptar la entrevista, coméntanos ¿cuántos años tienes y cómo inició tu afición por la música alterna o diferente y por la música experimental electrosónica?

Un placer! Mi afición por la música me viene desde muy pequeña. En mi casa, tanto mi padre como mi madre, han sido muy aficionados a la música y siempre hemos conectado mucho a través de ella. También otros familiares. Mi tío era un guitarrista increíble y mi abuelo era pianista y sonorizaba películas de cine mudo. Mi padre tenía un programa de radio de jazz y siempre estaba mostrándome música. También tenía muchos instrumentos que tocaba como hobby, así empecé a practicar con la guitarra, y después con el bajo eléctrico. Siempre he sido autodidacta y me lo tomaba como un hobby. Hasta que unos años después, descubrí que se podía hacer música con un ordenador y un amigo me regaló un sinte, y así surgieron LCC (Las CasiCasiotone). Y de pronto, ya nada era un hobby, sino una pasión imparable!

Háblanos de tu background. Además de LCC (Las CasiCasiotone), ¿qué otros ensambles y proyectos has integrado? 

Cuando empecé con el bajo, monté un grupo de rock alternativo con unos amigos, pero éramos muy poco disciplinades y casi nunca ensayábamos, así que lo dejamos. Pero a mí me hacía mucha ilusión tocar en un grupo, así que pegué carteles en la Universidad diciendo “bajista busca banda” y así fue como me uní a “Vintage”, un grupo de indie-rock con el que toqué algo más de un año y dimos muchos conciertos. Al final tuve que salirme porque me resultaba muy complicado compaginarlo con los estudios. Unos años después, fundamos LCC.

¿Qué otras mujeres y disidencias experimentales de la escena española te animarías a recomendar para los lectores del blog?

La escena española está en plena evolución! Os recomiendo que escuchéis a Marina Herlop, RRUCCULLA, Tarta Relena, Ikram Bouloum y Chruda. 

¿Cuál es tu set up actual o equipamiento? ¿Qué software empleas para producir?

Para producir, uso Ableton y Logic, casi indistintamente. A veces empiezo un tema en Ableton porque lo llevo usando muchos años y voy más rápido, pero luego paso a Logic porque me gustan más ciertos plugins. Siempre mezclo en Logic.

Para el directo uso Ableton Live, y llevo carios controladores MIDI, incluyendo percusiones, además de micrófono. Me gustaría llevar más instrumentos, ya que en el estudio utilizo sintes, guitarras, bajo, etc. Pero por una cuestión de practicidad, he montado el directo completamente en Ableton.

¿Por qué "Azabache"? Tu nuevo disco, es superlativo y de una factura enjundiosa psicodélica en sintonía con Seefeel, Bowery Electric o el Scorn de "Gyral". ¿Cómo emprendes el proceso compositivo, cuánto tiempo ha tardado este álbum en nacer, qué tratas de expresar?

Quería hacer un disco confesional, hablando de mis raíces y de mis emociones. Y también quería explorar temas como la magia, sobre la cual he estado investigando mucho. Azabache es la combinación de todo ello. El azabache es una piedra mágica, muy importante en la cultura asturiana y conectada con mis raíces. El proceso creativo ha sido algo más de un año, aunque el disco lo grabé prácticamente en un mes, cuando todas las piezas ya estaban listas para ser conectadas. Soy muy poco ortodoxa a la hora de componer. Me gusta trabajar sobre un concepto pero de manera muy espiritual y emocional, dejándome de llevar y observar por dónde va saliendo. 

En la bio de tu web apuntas que provienes de Asturias cuya tradición céltica informa tu trabajo. Tomando en cuenta el resurgir de los fascismos y nacionalismos de derechas, del que España no es excepción, cf. Vox, ¿cuál es tu posición respecto a dichos eventos y qué repercusión percibes que tienen en los ambientes culturosos/musicales?

Vox es la ranciedad absoluta, racista, clasista, machista recalcitrante que no quiere evolucionar. Llenos de prejuicios contra todo lo que no siga su identidad desfasada y llena de odio. Su agenda política me produce un rechazo total, y también me da mucha pena. Precisamente en Asturias, han intentando prohibir cualquier acto cultural en asturiano, nuestra lengua local (o dialecto, según qué posturas). Y en otras comunidades de España, han censurado obras de teatro y películas por contener contenido LGTB+. Son unos neo-fascistas intentando taparse en discursos de post-verdad y apelando a la nostalgia añeja de una España, que no es real, ni es suya, ni lo será. Porque España es mucho más plural y libre.

Leímos en algún blog que también te desempeñas como maestra. ¿Qué materias y en qué institución dictas? ¿Cómo compaginas el arte sonoro y la música con tu faceta de docente, si es que lo haces de alguna manera?

Estudié magisterio, y solía dar clases de apoyo cuando vivía en Asturias. Con los años he enfocado mi carrera sólo a lo sonoro. Aún mantengo mi pasión por la enseñanza pero sólo ejerzo a través de masterclases y talleres de música electrónica. Ahora mismo estoy enfocada en el nuevo disco y lo compagino trabajando en una empresa de post-producción, Company 3, en donde coordino el departamento de sonido.

¿Qué discos te rompieron el cerebro/alma de una forma sublime?

Sin duda el primero fue Nevermind de Nirvana, seguido de In Utero. Nirvana abrieron un portal sónico para mí. Y unos años después, Ride of Me de PJ Harvey y The Downward Spiral de Nine Inch Nails. PJ siendo una de mis artistas favoritas. Justo acabo de verla en directo hace un par de semanas presentando su nuevo disco aquí en Londres. Es simplemente mágica. Con NIN, especialmente todos sus discos publicados en la década de los 90, siento una conexión que no sé explicar, me remueven y conmueven como nadie. Curiosamente, aunque haga música electrónica, la mayoría de mis influencias musicales vienen del rock.

¿Björk o Laurie Anderson?

Oh, imposible elegir! Las dos son artistas increíbles, únicas y pioneras! Musicalmente conecto más con Björk, pero las admiro por igual.

¿Cómo crees que será el devenir de las músicas en el futuro próximo, tanto en el plano creativo como en su faceta industrial corporativa?

Pues veo un futuro bastante complejo, todo gira en torno al capital y no tengo muy claro el devenir de la cultura en general, que debería ser patrimonio y no industria… Creo que vamos a vivir tiempos complejos y nos va tocar pelear por un mundo más justo en general.

Planes futuros y palabras finales.

Girar el disco lo máximo posible y seguir creando nuevos proyectos. Tengo muchas ideas que quiero explorar!