La pureza de este grandioso EP es capaz de transformar el contexto más pueril, siniestro y marchito en sobredosis de miel océanica y vapor de oro. ¡No querrás que termine jamás!
Sin embargo y a pesar de lo lejos que llegues, al concluir "The sky is still sleeping" -cuarta y última pieza- te tocará decidir, la belleza de la música, su pureza y paraísos o la nada sistemal empequeñecedora. Sé tú mismo. Y gracias ALOYSIUS ACKER.
Un breve muestrario del agrio panorama de la escena experimental perucha.
Hay cosas que no debemos olvidar y otras que tienen que ser puestas en evidencia en pro de nuestra escena. ¿Cuántas veces uno ha tenido que remar contracorriente de colegas y advenedizos? Me canso de contarlo.
Hace no mucho una productora sónica jovencilla se molestaba porque en un artículo sobre la escena avant del Cono Norte la incluí junto a proyectos de drone ambient. "Eso lo puede hacer un niño japonés de 5 años" y con el sambenito de ser "una profesional" y haber formado parte del mejor disco del 2020, "Posguerra" de Dafne Castañeda, lanzaba menosprecios a expresiones para ella simplistas y de nula calidad. Ni Silvania ni Sofia Kourtesis eran de su aprecio o nivel y Pitchfork es muy pro-judío, hoy puedes ver tutoriales para sonar como Aphex Twin si deseas te los muestro y también al productor de Siouxsie en youtube.
Ver agresores de mujeres performar en un reciente evento por el día de la No Violencia Contra la Mujer es otra de las perlas de los últimos tiempos. He tocado este asunto de los machirulos de la escena alterna varias veces y cuando me he enterado he procedido a distanciarme de esta lacra. Pero en Perú vamos de cómplices de esta gente, risitas van y vienen, me hago el cojudo y conmigo no es.
Todavía recuerdo cuando en tv nacional -canal IRTP, sí canal 7- emitieron, en un programa culturoso, un capítulo dedicado a la música electrónica experimental. Lo puedes ver acá.
Hablaban de Jardín, César Bolaños y otras yerbas. Pero lo curioso y sintomático del atraso, o de que estábamos precisamente en Lima, Perú, es que el artista que mostraron en vivo de experimental no tuvo un ápice. Para más inri tocó new age presentándolo como música electrónica experimental. ¿Año? 2013. En una megalópolis como la que vivimos, ¿no existía un exponente, cultor o aficionado al circuit bending, el arte sonoro, el ruidismo, en fin, como señalaba el programa, a la "electrónica experimental" para ser presentado? Además ¿no les cansa ver los mismos textos/posts/documentales de arte sonoro peruano con los rostros y gentita de siempre?
Semejante paisaje podría explicar por qué mientras en la aldea global la inteligentzia conecta lo experimental con las tendencias más filosas de la izquierda -llámense Deleuze, Guattari, Fisher- en Perukistán vemos ante nuestras narices la exposición, en libros y documentos académicos, de una historia de la música peruana experimental desde perspectivas fujimoristas. La institucionalidad experimental peruana avanza para atrás.
El Twitter me recuerda que hace no mucho los peruanos teníamos de biempensantes y decentes a personajes que han terminado sacándose la careta de tremendos mafiosos conservas. Los ejemplos abundan: Sol Carreño, Alvarez Rodrich, todo RPP, Betófilo, Lourdes Flores, Beatriz Merino, Mario Vargas Llosa, etc.
Algunos no tenemos estómago para tanto.
XPEXIAL ANUAL ESCENA INDIE 2022
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EN ÓRBITA X DIFERENTES SECTORES DE LA GALAXIA DEL ESTILO ART-ROCK SITUADO EN LOS EXTREMOS DE LA VÍA LÁCTEA EN ESTE EPISODIO 4TO. DE LA ESCENA INDIE Y CITO LO MÁS DESTACADO EN ESTE AÑO QUE SE ESFUMA. ART ROCK ES UN TÉRMINO QUE SE USA PARA DESCRIBIR A UN AMPLIO Y TRANSITADO SUBGÉNERO DE LA GRAN ESTELA DE MÚSICA ROCK QUE SE CARACTERIZA MAYORMENTE X SU TENDENCIA EXPERIMENTAL Y SUS AMBICIONES KRAUT-ROCK, NO WAVE, PROGRESSIVE, AVANT-GARDE, POP BARROCO, PSYCHEDELIA, JAZZ, FOLK MUSIC Y OTROS.
Tras la década inicial del estilo, se acuñó el término art-rock para definir a músicos formados en Facultades de Bellas Artes y que tenían estudios en música. Art-rock refleja generalmente un enfoque desafiante o vanguardista del rock, o que hace uso de elementos modernistas, experimentales o no convencionales. Éste aspira a elevar el rock a una declaración artística, optando x una perspectiva más experimental y conceptual de la música. Enfatizando las tradiciones románticas y autónomas, a diferencia de la estética cotidiana, lo desechable encarnado x el art-pop. Comparado con el estilo del rock progresivo el art-rock es más desafiante, ruidoso y poco convencional y menos influenciado x el rock clásico, con mucho más énfasis en la música vanguardista. Las similitudes son que ambos describen un intento mayormente británico de elementos de la música rock a neo niveles de credibilidad en cuánto a las óperas rock, que x lo general están más orientadas a las voces. Nombres como KING CRIMSON, EMERSON LAKE & PALMER y PINK FLOYD... son sólo parte de los grupos abanderados en el inicio de la saga. Es x todo ello que pocos años más tarde se desarrollaría la escena punk.
XPEXIAL ANUAL DE LA ECENA INDIE 2022
EPISODIO IV
🧿 ÁLBUMES / ART-ROCK
*GWENNO - TRESOR
*BETH ORTON - WEATHER ALIVE
*MITSKI - LAUREL HELL
*FKA Twigs - CAPRISONGS
*EVERYTHING EVERYTHING - RAW DATA FEEL
*CATE LE BON - POMPEII
*JENNY HVAL - CLASSIC OBJECTS
*LAMBCHOP - THE BIBLE
*JOCKSTRAP - I LOVE YOU JENNIFER B
*STEREOLAB - PULSE OF THE EARLY BRAIN (SWITCHED ON VOLUME 5)
*REGINA SPEKTOR - HOME, BEFORE AND AFTER
*YEULE - GLITCH PRINCESS
*CHARLOTTE ADIGÉRY & BOLIS PUPUL - TOPICAL DANCER
*WEYES BLOOD - AND IN THE DARKNESS, HEARTS AGLOW
*FOSSORA - BJÖRK
BJÖRK en la portada del NME en la entrevista que diera el 20 de julio de 1996.
🧿PORTADA ALBUM - ART ROCK v 2022
BJÖRK - FOSSORA
*Trabajo altamente dedicado de BJÖRK en este 2022, destacado en esta columna (Perú), como estoy segura e igualmente en otros medios del mundo lo harán. Dale play: BJÖRK presents Fossora Sky T G 24-sub eng https://youtu.be/l_OfQJ9gRE
🧿MENCIÓN XPEXIAL/BANDA DE CULTO (PERÚ)
VOZ PROPIA
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El combo peruano con más de 30 años en la escena se presenta este 9 de diciembre en el local Vichama. Tantas veces reunidos en la cabina de Radio Miraflores con sus sendas sesiones de radio. VOZ PROPIA emblemática banda peruana que consolidó su tema "Los Días y las Sombras" como tope de lista. Ese siempre fue mi más grande sueño cuando inicié el programa 2001 con las bandas de multitud de sellos independientes. Cuando GARBAGE, NIRVANA,SONIC YOUTH, THE JESUS & MARY CHAIN... alcanzaron igual el tope de lista semanal de la radio, dije para mí interior que sí se pudo lograr. Sonido original de nuestras tan bellas vidas y hasta la fecha.
Las portadas de los álbumes/singles de esta escena se definen dentro de una forma artísticamente bella con arte antitradicional a lo marcado x el arte simple del rock. Bandas como COCTEAU TWINS, DEAD CAN DANCE, THIS MORTAL COIL, THE SUNDAYS, MAZZY STAR... fueron consideradas sobre todo en USA, como art-bands.
*COCTEAU TWINS la más amada banda no sólo alimentó un estilo de música durante su época activa.
El estilo art-rock, rama ecléctica de la música rock que surgió a fines de la década de 1960, se expandió hacia mediados de la década de 1970 x sus pioneros. En 2022, el estilo aún se mantiene vivo, aunque siempre renunciando muy sutilmente al mainstream a querer mostrarse agresivo. El soporte de consciencia no es otra cosa que una breve interiorización que nos ayuda a tender una y otra vez el puente hacia nuestro interior. Neon Post-Art/Fotos: Helene Ramos. STOP!
La asociación entre el universo conceptual de Deleuze y Guattari -compleja y difícil de abordar- y la experimentación electrónica no es obvia.
Surge la pregunta de por qué esta filosofía ha tenido un impacto tan grande en una generación de DJ y músicos electrónicos. Esta pregunta esconde otra más insidiosa: ¿por qué la filosofía de Deleuze y Guattari ha tenido tan poco impacto en la música llamada "contemporánea"? No obstante, los ejemplos citados por los dos filósofos en sus libros han sido extraídos en su mayoría de la tradición clásica occidental (Mozart, Schumann, Varése, Cage, Boulez, Glass, Berio, etc.)
Antes de lanzar una acusación fácil de ignorancia y oscurantismo, sería preciso preguntarse por qué hay categorías que se han convertido en lugares comunes; por ejemplo, la distinción entre música "culta" y música "comercial".
...
Pero las causas de la afinidad entre el pensamiento de Deleuze y Guattari y la electrónica experimental no se limitan a las consideraciones de la sociología cultural.
Las afinidades estéticas son evidentes. Las tecnologías electrónicas y digitales han contribuido a una mutación profunda de las modalidades productivas de la música y de su difusión. Dentro de la "Mecanosfera" -por usar el concepto de Deleuze y Guattari- aparecen nuevos procesos compositivos y nuevos modos de organizar los sonidos. El muestreo, el sequencing, el editing, el cut, el loop, el copy & paste, el mix y el remix no son solo técnicas, sino que fundan una auténtica estética de la multiplicidad, en el límite de lo concreto y lo abstracto. Como escribe Christoph Cox, las prácticas experimentales electrónicas "desterritorializan la forma musical y la sustancia".
A diferencia de la música electrónica de matriz "clásica", orientada, en un primer momento, a la producción analógica y, posteriormente, a la electrónica y la digital, de nuevas sonoridades, la cultura del djing y del sampling tienden a transformar los materiales sonoros existentes: estética de la manipulación y la apropiación; estética de la des/territorialización. En este sentido, como subraya Dietrich Diederichsen, la influencia viene más de las vanguardias históricas -desde El arte de los ruidos de Russolo hasta Cage o la música concreta de Pierre Schaeffer- que la de la música pop, basada en una estructuración armónica canónica. La composición no es una cuestión de técnica o pericia con una sintaxis y una serie de códigos, sino de escucha.
El músico electrónico escucha músicas heterógeneas, manipula los sonidos derivados de universos lejanos, mezcla fragmentos de textos musicales, crea superposiciones inéditas y estratificaciones "cinemáticas" inauditas; la composición se vuelve una especie de escucha activa y práctica.
"El sonido nos invade, nos empuja, nos arrastra y nos atraviesa. Abandona la tierra para hacernos caer en un agujero negro o para abrirnos a un cosmos. Nos da ganas de morir. Al tener la mayor fuerza de desterritorialización, también provoca las reterritorializaciones más pesadas, aturdidas y redundantes. Éxtasis e hipnosis. No se moviliza a un pueblo con colores". Mil Mesetas, DELEUZE Y GUATTARI.
POST DATA-
... De hecho, en relación al fuertemente regulado y controlado cuerpo de la música clásica, la musique concrete y la elektronische Musik son polimórficamente perversas, celebrando la capacidad de conectar cualquier parte (o sonido) con cualquier otra. Esto resulta particularmente evidente en la musique concrete, que (como su sucesor, el turntablism) se deleitaba en conectar, por ejemplo, tonos de piano y golpes percusivos con los sonidos de silbidos de tren, peonzas, cacerolas, sartenes y barcos fluviales. Así, una composición de musique concréte es lo que Deleuze denomina un devenir o un rizoma, "una pura multiplicidad dispersa y anárquica, sin unidad ni totalidad, y cuyos elementos están soldados, pegados por la distinción real o la ausencia misma de lazo".
Igual que Cage y Feldman, la músique concréte y la elektronische Musik también desvelaban la dimensión trascendental de la música. Si bien empezaron con material documental, los compositores de musique concrete como Schaeffer celebraban el hecho de que la música para cinta magnética podía dar acceso al sonido mismo, liberado de una fuente o referencia. Mediante diversas técnicas (eliminar el ataque o el fundido de un sonido, ralentizarlo o acelerarlo, hacerlo sonar hacia atrás, etc.), Schaeffer y otros consiguieron abstraer los sonidos de sus fuentes, eliminando así cualquier referencialidad y cortocircuitando los hábitos de escucha de los oyentes. Su capacidad para hacerlo se valía del hecho de que la música para cinta magnética se "interpretaba" sin ningún elemento visual como tal: ni intérpretes ni instrumentos, solo materia sónica pura emitida por altavoces.
En este sentido, a menudo se critica la música electrónica por ser "fría", "impersonal", "deshumanizada", "abstracta". Dichos adjetivos son, de hecho, aptos. La música electrónica es música antihumanista y debe afirmarse como tal. Abre la música a algo que está más allá de lo humano, del sujeto y de la persona: la verdadera vida no orgánica del sonido que precede a cualquier composición o compositor, el reino virtual de las singularidades y los afectos sónicos preindividuales y prepersonales. Más que una música del deseo humano (el cantante, el intérprete), es una música del deseo maquínico: las máquinas deseantes de la música y del cuerpo musical sin órganos. (CHRISTOPH COX)
XPEXIAL ANUAL ESCENA INDIE 2022 ________________________________________
SURREALISMO TRIPPIEST Y LUCES ESTROBOSCÓPICAS. EN ESTE EL EPISODIO 3, NOS UBICAMOS EN EL COSMOS HIPNÓTICO DEL ESTILO NEO PSICODELIA CON LAS BANDAS QUE DURANTE EL AÑO 2022, DEJARON HUELLA.
X: HELENE RAMOS
El mencionado género en sus inicios fue formando su arquitectura sónica a partir de la cultura hippie de San Francisco a fines de la década de 1960 y poco a poco se fue extendiendo x todo el planeta. Todo ello dio lugar a que una infinidad de bandas ejecutantes del género se desarrollarán y hasta la fecha. El psicoterapeuta Humphry Fortescue Osmond fue quien acuñó la palabra x el estado en que se situaba la mente debido a las drogas. Según esa definición, todos los esfuerzos artísticos para representar el mundo interior de la psyche pueden considerarse psicodélicos. El arte gráfico y otros, que identificara a este estilo, se había ya desarrollado una buena cantidad de años previos: a finales del siglo XVIII, con la base explícita del denominado Art Nouveau.
🧿 XPEXIAL ANUAL 2022 / ESCENA DE SELLOS INDEPENDIENTES
EPISODIO III
ALBUMS/EP'S/NEW PSYCHEDELIA
*PANDA BEAR & SONIC BOOM - RESET
*BYRD'S EYE BATANG - FLOOD FORMAT
*MELODY'S ECHO CHAMBER - UNFOLD
*LOOP - SONANCY
*TIM BURGESS - TYPICAL MUSIC
*SPIRITUALIZED - EVERYTHING WAS BEAUTIFUL
*ANIMAL COLLECTIVE - TIME SKIFFS
*TORO Y MOI - MAHAL
*THE SOUNDCARRIERS - WILDS
*ASTROTURF
*KIKAGAKU MOYO - KUMOYO ISLAND
*MGMT - 11.11.11
*SUNFLOWER BEAN - HEADFUL OF SUGAR
*KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD - OMNIUM GATHERUM
*KHRUANGBIN & VIEUX FARKA TOURÉ - ALI
Tras el estilo post-punk es cuando la neo psicodelia floreció como un movimiento mucho más amplio e internacional de grupos que adoptaron el espíritu inicial del rock psicodélico a nuevas técnicas y sonidos, así mismo, incluye improvisaciones distorsionadas o experimentos en las grabaciones. Esto es lo que logró que luego surgieran los subgéneros: shoegaze y dreampop. Bandas identificadas dentro de la denominada nueva psicodelia: SOFT BOYS, WAH! HEAT!, ECHO &THE BUNNYMEN, THE TEARDROP EXPLODES... tuvieron el cartel de importantes figuras dentro del género originalmente tallado en los Estados Unidos.
A principios de la década de 1980, el combo SIOUXSIE & THE BANSHEES crearon un tipo de neo psicodelia exótico, con la incursión del guitarrista John McGeoch.
Aparte del llamado movimiento Paisley Underground de inicios de la década ochentera y del colectivo Elephant 6 de finales la década de 1990, la mayoría de las bandas inmiscuidas en la neo psicodelia posteriores provinieron de revivalistas curtidos, no de escenas cohersivas: PRIMAL SCREAM, THE CHURCH, SPACEMEN 3, FLAMING LIPS, ROBYN HITCHCOCK, MERCURY REV, SUPER FURRY ANIMALS... difundidas ampliamente vía 2001 x la mítica señal de RADIO MIRAFLORES AM/FM en su época exacta. Los grupos FLAMING LIPS y SPIRITUALIZED lo llevaron a los reinos orquestales. X otro lado, ANIMAL COLLECTIVE lo elevó con su propio sello mientras que LIONEL WILLIAMS mantiene ese espíritu psych en el concepto de sus vídeos y en todas las portadas de discos de su banda VINYL WILLIAMS.
Entonces, surgido en 1966, el rock psicodélico se convirtió en la banda sonora de la exploración cultural más amplia del movimiento hippie. El grupo THE VELVET UNDERGROUND simbolizó una versión nihilista genial de la psicodelia, retomando sus técnicas sónicas, pero tomando distancia de la cultura más simplista del llamado flower power.
DUO DEL AÑO 2022
PANDA BEAR & SONIC BOOM
Ambos en vivo en M.Ou.Co, Porto 14 de octubre 2022. (Conéctate al link:
https://youtu.be/Lhpv470dWgs)
🧿MENCIÓN XPEXIAL 2022: DABDA
Este combo de Seúl dedicado a difundir el estilo pastel-psychedelic y math- rock ha estado muy activo actuando durante todo el año y transmitiendo esa pasión que es además su sello de identidad. Aprecia su vibra vía estos links, que muestran al grupo y a su baterista en plena catarsis. Link:
https://youtu.be/SXKO6Q7e1Tk
Celebro muchísimo que las bandas presentadas en estas columnas sigan alcanzando altas metas.
🧿 MENCION XPEXIAL: SESION 2022
ENTRE ASTEROIDES
La banda de Trujillo/Perú puso en circulación su single Petals como que se presentó en Sesiones en la Caja. Link:
https://youtu.be/-HbSPqnWbBM
Como extra data otro de los combos que en los años recientes ha demostrado altamente ser prolífico y talentoso es FOR TRACY HYDE. Su neo álbum Hotel Insomnia estará disponible desde el 14 de diciembre en versión CD/Digital y el vinilo desde el 29 de marzo 2023. X lo pronto, circula el single Milkshake. https://youtu.be/1fWhavNwrwY. Orbitado también Hurt Your Head del combo SUBSONIC EYE extracto de su reciente EP Melt The Wax (Topshellife Records). Ascendiendo cada vez más: https://youtu.be/HZizYgfM8ks. Hace tan sólo unos pocos meses los había juntado mentalmente en un evento a ambas bandas. Así que, FOR TRACY HYDE y SUBSONIC EYE se presentan juntas y con otras bandas más en Japón en diciembre. En mi radar temas como All Over/NOSAJ THING & PANDA BEAR, título que lo tomo como muy certero en cuanto a lo que se comunicará de forma oficial a la humanidad en los días x venir. GEORGE FITZGERALD FEAT. PANDA BEAR comunican también un gran mensaje vía Passed Tense (FIFA 23). Los actos de la escena indie en pleno auge en todo el planeta que nos dan muchos más motivos para celebrar y veremos mucho más aún. STOP!
Columpios al Suelo es un cuarteto de Santiago de Chile que tras varios años mutando -sus inicios se remontan al 2010 e incluso antes- ha publicado álbum debut supurando canciones de noise rock y shoegaze ideales para fans de Adorable, Catherine Wheel y Jesus & Mary Chain. "Colores", tal es el nombre del opus de formato doble, refleja una banda afiatada derramando en sus guitarras y melodías los sueños y pesadillas del ciudadano del siglo XXI, ligando raíz y utopía, planteando caos, poesía y regeneración. Un disco como dinamita, que entra en una a la categoría de clásico de la escena latinoamericana.
La agrupación estuvo hace poco por España, y a la par que despedían amicalmente a un integrante y daban la bienvenida al nuevo guitarman, respondieron el cuestionario que le enviamos. Alumnos de William Blake, Syd Barrett y Roberto Bolaño prendan la antena.
¿Cómo surgió vuestra banda, de dónde se conocen? ¿A qué refiere o por qué "columpios al suelo"?
La idea de crear y que existiera una banda banda se llamara Columpios al Suelo tiene larga data. Desde el 2006 Juan Desordenado ya tenía la idea de tener una banda llamada así, pero tuvieron que pasar 5 años para que esta idea se concretara, y aún así tuvo que pasar más tiempo, hasta el año 2019 para que al fin se conformara la alineación que terminó grabando Colores (Juan Desordenado en voz y guitarra, Raúl Guzmán en batería, Felipe Villarrubia el "Blondi" en bajo y Diego Brac en la otra guitarra). Nos conocemos entre todos por formar parte de una “escena” en común en Santiago de Chile. Juan y Brac se conocieron cuando Columpios tocó con Dolorio & Los Tunantes hace ya 8 años. Blondi y Raúl también se conocen de hace tiempo, de fiestas y tocatas en común con Niños del Cerro y Slaa. Brac se fue hace un par de meses a vivir a España y llegó Camilo Astorga a tocar guitarra, a él lo conocemos por una banda genial en la que toca, Confío en tus Amigos. El nombre Columpios al Suelo nos parece que describe de manera precisa el vértigo de nuestro sonido, una caída que no termina de suceder, columpios al suelo y no en el suelo. Al principio era al cielo, pero habría sido hipócrita con la agresividad en nuestra música. Es el fin de la inocencia y además un nombre que evoca un constante movimiento, un vaivén de locura. La música, la buena música, se disfruta tanto como un juego. He ahí ciertas abstracciones que nos hicieron llegar a ese nombre.
¿Cuál es vuestro equipamiento?
Juan: Para el disco toqué con una ibanez, no sé su modelo, se la vendieron usada a mis viejos hace 20 años y durante mucho tiempo fue mi única guitarra (ahora me compré una Squier Jazzmaster) y los pedales que usé son un whammy, al que usamos como whammy, como octavador y como chorus, según sea la ocasión. También ocupé el Cathedral (ahora me cambié a un Big Sky) y tengo un delay dd7. En cuanto a distorsión en general ocupo un Proco Rat, pero creo que para el disco usé un Soul Food.
Raúl: Shellpack ludwig rocker -- año 1990
Caja ludwig acrolite -- año 1982
Hi hat Istanbul mehmet sahra 15' (15' = 15 pulgadas)
Crash istanbul mehmet traditional 16'
Ride istanbul mehmet nostalgia 70's 24'
Blondi: Fender Jazz Bass Japonés del 1993, reissue del 62'. Pedales: Tuner Ibanez Big Mini, Overdrive/distorsion Hot Cake, Tech 21 Sansamp bass driver DI, Boss Bass Chorus, Delay Earthquaker Disaster Transport Jr., Delay Boss DD-7, reverb Hall of fame.
Brac: Gtr Fender Tele,Amp Roland Jazz Chorus, Reverie Reverb (Mooer), Analog Delay (Joyo), Vintage Distortion (Mooer) y Compressor.
Cami: Gtr Squier Jaguar, Ehx Tortion, Triangle muff (mooer), Booster Feedbacker, Ensemble King (mooer), Boss Ph-3, Shimverb (mooer), Boss Dd-7, Cry baby y Poly tune.
Les ha tomado buen tiempo concretar su debut en largo. Y es nada menos que álbum doble. ¿Qué les inspira a hacer música, por qué hacer shoegaze un estilo ya tan manoseado luego de décadas, cómo es vuestro proceso al componer?
Suene todo lo cliché que se quiera pero todo nos inspira a hacer música: el amor, la locura, la rabia, la frustración, las emociones, nuestros artistas favoritos a quienes muchas veces les robamos todo y la música que odiamos porque nos hace oponernos a ella, la naturaleza y el poder que quiere destruirlo todo y a través de la música denunciar esa maldad que a veces hasta nosotros mismos poseemos. En cuanto al género nunca hemos pensado que estemos haciendo Shoegaze. O Noise Rock, o Indie, o la etiqueta que nos pongan, por lo general no nos representan para nada, y si pensamos en el contenido del álbum hay canciones sin guitarras eléctricas y ya de plano, canciones sin guitarras en absoluto, entonces simplificarlo en un género nos parece algo tramposo. Nosotros queremos ser un género en sí mismo. En cuanto a Colores, era un disco que estaba en buena parte ya construido, ya pre-cimentado por Juan Desordenado, hasta el momento la banda funciona a través de sus composiciones, pero Raúl, Blondi, Brac además de contribuir arreglos, o jugueteos que son claves en la experiencia global de la escucha, sentimos que si bien la idea de Colores fue creada por una cabeza y estuvo ahí durante mucho tiempo este es un disco de todos y suena a nosotros 4.
Las letras de Colores tienen mucho que ver con este presente apocalíptico en el que nos encontramos, con la alienación, con describir la locura de nuestros tiempos modernos, donde el futuro terminó siendo una estafa. Aparecen escenarios de derrumbe (Celebración en Movimiento), o narran situaciones de estar un poco solo ante el mundo, como en Fin de Primavera, donde ese rey puedo ser yo, puedes ser tú o el mismo Pinochet. Esa canción transita por imágenes de estos tiempos oscuros. También en Sinfonía de Pájaros Azules (1+1=11) hay un narrador en un auto-exilio. Esa canción parte con una cita explícita a Velvet (No sé quién soy, no se dónde voy), esa canción tiene una significancia importante en la letra, es una especie de Major Tom abandonando el contacto con la tierra para viajar a esta tierra de pájaros azules. También hay cuentos de terror y/o misterio, como en Olvido o Bienvenida al Señor Sombra, hay un imaginario medio circense en temas como Cepillo Sucio o Todos los Payasos van al Cielo, algo que sin duda debemos haber heredado de Barrett, Lennon, Wilson y otros grandes. Otro rasgo importante es esta constante pugna, constante lucha, contra el mal, personificado un poco en las figuras de poder, que en Hiroshima & Nagasaki se personifica en una bomba. Más bien 2 bombas. Claro, hay un Padre Nuestro levemente modificado jajaja. La canción tiene una pugna constante, el verso siguiente es bastante sardónico porque dice “Oh dios mío no sé cuál es tu voluntad, pero yo también convierto el agua en vino” es un reclamo, (una echada de foca, como le decimos acá) y a la vez un poco es un comentario soberbio, una burla. Este clima bélico está en varias canciones, como la ya citada Hiroshima, Los Payasos y sobre todo en Columpios al Suelo contra el Gran Hermano, una pelea hasta las últimas, por la revolución, con el escalofriante discurso de Oppenheimer de fondo. En resumen peleamos mucho, jajaja y nos quejamos por todo.
¿Cómo es la escena noise rock o alternativa en Santiago? ¿Qué bandas se animarían a recomendar?
No siendo conocedores del panorama global hay proyectos con los que nos hemos cruzado en estos tiempos que vale la pena mencionar. Dolorio & Los Tunantes, la banda en la que toca Diego Brac sacó un disco a fines de 2021 que nos voló la cabeza. También hermosos proyectos como el gran Alejandro Palacios (que tiene un lenguaje propio maravilloso), Thanatoloop (Michel un ejemplo de resistencia ante la adversidad), Lía Nadja (lo fi. ambient pop, folk o como ande de ganas ese día), Polen (banda extinta que eran como unos Beach House instrumentales y lo fi), Escondite (banda que evoca mucho a la estética y sonoridad del rock independiente de fines de los 90 y principios de siglo), Chini.png (una de las artistas más únicas, completas y divertidas que han nacido acá), los Niños del Cerro (que ya a estas alturas están consagrados con tres discazos), Confío en tus Amigos (diversión punk, adolescente y entrañable) Maifersoni (otra mente brillante de la música de nuestro territorio) y un largo etcétera. Si algo es fecundo en nuestras tierras es la creatividad, ese fuego que impulsa la creación. El hambre, que le dicen, que impulsa al movimiento y a la transformación.
Además de hacer música ¿a qué se dedican cada uno de ustedes?
Juan: Cuando no estoy haciendo cosas relacionadas a la música trabajo de traductor y subtitulador de películas (para festivales de cine maravillosos de acá como FicValdivia), cuido a mis sobrinos algunas tardes (lejos de las cosas más entretenidas y desafiantes en las que he estado metido últimamente). También soy conserje durante los domingos. Durante un tiempo los 4 éramos conserjes pero ahora solo voy quedando yo.
Blondi: ahora soy profesor y corrector de estilo para periódicos.
Raúl: estoy armando junto a unos amigos una tienda de marihuana, un Grow Shop llamado Dr. Grass.
Brac: Trabajé como psicólogo y ahora en España intento acostumbrarme y conseguir laburo dentro de este tiempo.
Camilo: estudio pedagogía en música composición en Valparaíso. Todos tocamos en varias bandas también, Juan tiene su proyecto solista como Juan Desordenado, también toca guitarra con Chini.png, El Purpurado de Charol y ocasionalmente en Maifersoni, Raúl también toca la otra guitarra en Juan Desordenado y batería en Escondite, Blondi toca bajo en Niños del Cerro y hasta hace poco en Los Animales también se Suicidan, Diego estaba tocando con Dolorio & Los Tunantes y como dj David Ghetto y Camilo toca en Confío en tus Amigos, tiene su proyecto solista como Chico Eléctrico y también toca en Respuestas Negativas.
¿Cuáles dirían que son los discos que les volaron la cabeza? Si se animan con una breve explicación, más que mejor.
The Beatles es algo manoseadísimo pero es algo que compartimos mucho entre todos. Revolver, porque era su momento más unidos y brillando y descubriendo, mirando al mundo con ojos inmensos y el blanco, porque es triste, excesivo, oscuro, inconsistente, como uno mismo a veces. Es una joya tras otra. Al igual que Velvet Underground y sus primeros tres discos, también es algo que aglutina en la banda, son referentes en los que nos inspiramos mucho, ese expresionismo en el rock, en que si la letra te habla de la espera por el dealer que sientas los pelos parados, esa tensión que se corta con un cuchillo. También muy fanáticos de Joy Division, My Bloody Valentine, Brian Eno, The Cure, The Smiths, Sonic Youth, Cocteau Twins, Spacemen 3, esa música viciosa y oscura que tanto nos gusta. También hay espacio para Violeta Parra, Elliott Smith, Nick Drake, Kate Bush, Pavement, Sakamoto, Hosono y la YMO, Arthur Russell, Badalamenti, Soda Stereo, Silvania, Los Prisioneros o Charly García. Como diría Bolaño, antes que músicos amantes de la música.
Planes futuros para la banda.
De momento estamos rearmándonos tras la partida de Brac a España. Entra Camilo a la guitarra y hemos estado poniéndonos al día como nueva formación. Queremos lanzar el disco en soporte físico y tener varias presentaciones, al menos la del lanzamiento con invitadas. También queremos intentar viajar fuera del país, como a España, o qué se yo, Lima.
VIAJE AL ESPACIO EXTERIOR Y EL ENSUEÑO ETÉREO-EXPERIMENTAL MINIMALISTA
por Revordrift/.
El nuevo disco de SILVANIA: “BANDA SONORA PARA COMETAS Y HALOS LUNARES”, es un vuelo por el Ambient espacial minimalista, pincelando cosmografías y paisajes sonoros por ecosistemas etéreos ambientales, siendo en esta ocasión más abstracto que electro, en la onda de actos como BRIAN ENO, HAROLD BUDD, KLAUS SCHULZE, SPACETIME CONTINUUM.
Afortunadamente para melómanos empedernidos Mario Silvania continúa con su prolífica carrera navegando por las fronteras de la electrónica Ambient Pop y consigue mostrarnos los límites insospechados de la abstracción etérea sumada a la experimentación todo en clave espacial.
Este registro se compone de una larga travesía de 13 temas, comprendiendo desde el despegue hasta el arribo al destino, que se revela en el último track: “Luna triste”; el cual contiene un guiño a la música popular al entonar MARIO SILVANIA en dúo con ANNICKA POLACK: Blue Moon, balada popularizada por Elvis Presley en la década de los cincuenta, que en esta ocasión suena alterada y modulada bajo distintos colores eléctricos emanados desde la paleta tecno de Mario.
Las credenciales quedan convenidas para este viaje en los 2 primeros cortes: “En el Júpiter 4” y “El Silvania 13” en los cuales quedan situadas a manera de ignición, la flotación etérea y el destino planetario intergaláctico como consignas conceptuales y fundacionales de estas composiciones sonoras atmosféricas. Un Ambient analgésico de tintes épicos va a yuxtaponerse con oscilar extensivo sobre la última mitad de esta segunda pieza. El vuelo espacial continua en “The Colours – Universo” con un reflexivo planeo por geografías sonoras cercanas al periodo “Naves sin puertos” de 1998 combinado con el Ambient volador y aislacionista, en un eterno riff pleno de resonancias así como de extraños efectos varios en un tono introspectivo más sombrío que en “Ann”, el siguiente corte, donde la belleza de las atmósferas alcanza grado sumo por su luminosidad, como un aliento angelical a lo TANGERINE DREAM/SPACETIME CONTINUUM irradiando sensaciones volátiles y retiradas. “El espacio es una película granulada” bebe de la influencia de U-ZIQ y MOUSE ON MARS al inicio del tema, con las capas de sonido de una profunda intensidad que se muestra cual soundtrack de película de ciencia ficción. Las vocalizaciones de Mario fijan las coordenadas espaciales donde la travesía atraviesa un paraje serio y gris de hipno-monotismo, heredero de la discográfica 4AD. ”El lado oscuro del cielo” rememora resonancias a lo KRAFTWERK y sobrepasa los límites de las categorías musicales para situarse en terrenos de lo experimental. “Y los cometas” expone varios sonidos en forma de bleeps y trinos eléctricos que conducen a una sinapsis del tipo psicodélico, a una especie de trance por su alto grado hipnótico, matizado por las palabras enunciadas por Laura Rosales que sirven de guía orientativa en algunas de las piezas. Ecos de nostalgia quedan registrados en el octavo track “Regresaré en la más bella de las estaciones” cuyo cenit de ondas sonoras parecen acercarse a los M83 del “Digital Shades” y en sintonía con E.A.R y el Selected Ambient Works 2 de Aphex Twin. En “Sin orbita”, continua la ambientación a lo Spectrum-EAR del teclado minimalista evocativo de espacios fríos y lejanos, dando paso a escenarios misteriosos e insólitos que en “Los telescopios y el sonido del silencio”, conforman ya envolventes frecuencias de lograda abstracción. En “Ella es un halo solar” vuelve a mostrarse la intensidad e ingravidez del Ambient etéreo, atravesando paisajes áridos por momentos, pero llenos de luz. “Así estemos a 200mil millas del espacio” constituye el punto más crítico del viaje hipnótico por la fuerza y potencialidad de los efectos electrónicos aseverados y encaminados por la intervención oral de Mario recitando breves líneas poéticas.
Estamos ante un tesoro de la electrónica Ambient peruana y requiere como requisito para un disfrute total la predilección auditiva por los nuevos sonidos o frecuencias que pueden lograrse mediante el uso de la tecnología electrónica. Su cariz experimental y abstracto hace que los ritmos y melodías adopten formas vastas y desérticas. También contiene apacibles parajes sonoros de alta y extraña belleza bajo una atmósfera por momentos naif por momentos abrupta, ruta de la exploración sonora que supone la instrumentalización minimalista.
Parece que esta “Banda sonora para cometas y halos lunares” creada por MARIO SILVANIA suscita la consabida y difícil misión de exploración al navegar en el cosmos buscando asemejarse al sonido del espacio sideral. No obstante, se trata de un recomendado vuelo por entornos cercanos a la exosfera y mucho más lejos…
X P E X I A L A N U A L 2 0 2 2
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X: HELENE RAMOS
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UN EXTRA BRILLO DIAMANTINO EN CELESTIAL RESPLANDOR ASCIENDE EN SU RUTA ORBITAL DE CÚPULA AZUL DEL CIELO Y ALIMENTANDO INCESANTEMENTE A LA ESCENA DREAM-POP EN LA CONQUISTA DEL HIPER ESPACIO. HE REGISTRADO UNA INMENSIDAD DE ACTOS DURANTE ESTE 2022, MOLDEANDO EN FORMAS ASIMÉTRICAS LO QUE LUEGO SE CONVERTIRÍAN EN ESPLENDOROSOS ANILLOS CONCÉNTRICOS DE LUZ SÓNICA.
XPEXIAL ANUAL 2022 DE LA ESCENA INDIE GLOBAL
EPISODIO II
El estilo dream-pop evolucionó para definir a las bandas que, con su dulce científico teorema de pop de ensueño melancólico en flama de inspiración, empaparon la escena agregando plenos momentos de exaltación vocal en sinuosas cascadas lumínicas. Arte en constante gestación desde diferentes puntos clave del orbe. Tampoco van a encontrar ya más purismo en esta escena puesto que los neo grupos suelen grabar y fusionar los sonidos como juntar otros géneros en sus álbumes. A continuación, la evaluación anual más libre de todo el planeta sin números ni ídolos de barro, todo en su perfecto equilibrio. Indicador supremo de que todos y cada uno de los aquí nombrados son tope de lista. Sí, elemental... amado eternauta.
ALBUMS/ EP'S /DREAM-POP
*HATCHIE - GIVING THE WORLD AWAY
*PALE BLUE EYES - SOUVENIRS
*LIVING HOUR - SOMEDAY IS TODAY
*YOUNG PRISMS - DRIFTER
*KRISTINE LESCHPER - THE OPENING, OR CLOSING OF A DOOR
El estilo dream-pop define a las bandas que usan sonidos ambientales y melódicos con voces entrecortadas para crear un muro de ruido. A lo largo de los años, las bandas ganaron una gran popularidad y alcanzaron poder presentarse en los grandes festivales de música. Nombres como COCTEAU TWINS, A.R. KANE, LUSH, SUGARPLUM, FAIRIES, M83, SLOWDIVE, THE CHAMELEONS UK... elevaron el estilo hacia una audiencia mucho más amplia. Fueron otros los sonidos precursores estilísticos que fueron dando forma al esquema de dream-pop: psych, twee-pop, post punk, ethereal, avant-garde noise, folktronica.
La esencia del estilo es un enfoque de texturas y estados de ánimo en lugar de guitarras propulsoras. Despliegue de voces entrecortadas a menudo agudas, o voces casi susurrantes suelen determinar el canto. Las letras son generalmente compuestas x motivos introspectivos o existenciales. Las portadas de los discos suelen estar relacionadas con la naturaleza. En el inicio, el sello más difusor del estilo ha sido Creation Records, aunque también están Fontana y Slumberland. Canciones que influyeron de una u otra forma en el género incluyen Sunday Morning de THE VELVET UNDERGROUND/NICO https://youtu.be/Xhbyj8pqUao y #9 Dream de JOHN LENNON. https://youtu.be/ql-yMHsNAhQ. Ambas piezas contienen todos los elementos importantes del estilo dream-pop como también voces entrecortadas. Más de las diademas sónicas en mega brillo diamantino a continuación:
*BEACH HOUSE - ONCE TWICE MELODY
*YUMI ZOUMA - PRESENT TENSE
*SKULLCRUSHER - QUIET THE ROOM
*BEABADOOBEE - BEATOPIA
*WINTER - WHAT KIND OF BLUE ARE YOU
🧿EL MÁS GRANDE RETORNO DEL AÑO 2022 EN PERÚ
S I L V A N I A
Mario Mendoza píxel al frente de la neo encarnación de SILVANIA, ha estado trabajando muy dedicadamente no sólo como productor de bandas peruanas (LAIKAMORÍ/CATERVAS) sino también elucubrando su propio material en álbum: "Banda Sonora para Cometas y Halos Lunares". El single extracto en promoción titula Jean y está dedicado a JEAN-LUC GODARD. El acto SILVANIA se presentó además en el Parque de la Exposición junto a BEACH HOUSE.
*Mario Mendoza junto a integrantes de Beach House
No ha bastado con todo ello, es parte también del compilado "Pulsos de Bosques" (Chip Musik Records) de la serie Lego 15. Compilado que reúne a varias de las bandas de Perú e internacionales. Aprecien The Colours /SILVANIA:
SILVANIA presenta su álbum "Banda Sonora para Cometas y Halos Lunares" el sábado 19 de noviembre a las 8pm en la Sala Kracc de San Borja. Encuentran mucha más data en sus redes sociales la asistencia es limitada.
🧿COMPILADO DEL AÑO 2022
PULSOS DE BOSQUES
Álbum que reúne a lúcidas bandas que alimentan estilos como: dream-pop, ambient, nu gaze, abstract pop, idm, noise pop.
🧿 MENCIÓN XPEXIAL AÑO 2022 ART BAND:
VINYL WILLIAMS
ÁLBUM: COSMOPOLIS
El pop celestial que destila esta banda no tiene parangón en la escena ni mucho menos en su estética global en el arte de sus portadas y vídeos. Lionel Williams es su núcleo creativo.
*La banda ofreció durante este año una serie de shows en vivo con destacada performance.
La conquista del espacio. El viaje no reconoce ningún límite. Con dicha deliciosa indefinición a cuestas, celebro con gran frenesí hasta donde ha llegado lo que en un inicio se instauró como el Underground -definido ahora ya como el UPPERGROUND y son letras mayores. La radio que me dio la oportunidad de presentar a centenares de neo bandas que alcanzaron su cénit, todas ellas deben estar también celebrando toda la hazaña. Muchas de esas bandas que se atrevieron a hacer en lo que creían están volviendo también y veo a una escena con su infinidad de géneros y subgéneros dominando totalmente el espectro de la música en todos estos años en plena saga. Todo ello me induce a comentar que, todos nosotros podemos hacer el cambio en este planeta y en esta su gran era de magistral transformación. Se parte de, lo hemos hecho ya con la música que siempre hemos amado escuchar y no con lo que solían obligar las emisoras al oyente. "La Billboard es un cómic, para mí "... dije alguna vez al aire. ¡Y jamás me arrepentí! Ustedes verifiquen x sí mismos, quiénes son los que actúan hoy en día en los festivales, los que llenan las listas... celebremos juntos, pues... lo hemos logrado todos juntos. Un sólo ejemplo para mencionar aquí: SUBSONIC EYE, es tan sólo una de esas bandas que no ha defraudado durante 2022, concretó su gira x USA y acaba de presentarse en el Dogfest, https://youtu.be/Hrc10KNMDKA y mientras prepara su primera gira x Tokyo -y el 17 de noviembre lanza su neo EP Melt The Wax. Sigo con la lista no numbers a continuación:
*CATERVAS - LABERINTO
*HITSUYIBUNGAKU - OUR HOPE
*BLANKENBERGE - FORGET
*SUGAR FOR THE PILL - WANDERLUST
*BLUSHING - POSESSIONS
🧿 NEXT BIG THING/DREAM-POP
LÜCY
LÜCY/Moeka Shiotsuka tiene la frescura como mencioné a BEABADOOBEE en sus inicios -y quien no ha defraudado. Fusión de j-wave + dream-pop es lo de LÜCY fundadora además de la banda HITSUJIBUNGAKU. Es modelo y en un inicio estuvo en HEIDI. Proviene de Tokyo/Japón.
🧿SINGLE 2022 / DREAM-POP (PERÚ)
CATERVAS - EL SONIDO
Aprecio la admirable evolución de la banda peruana CATERVAS durante todos estos años, demostrando desde siempre que sí se puede cantar en castellano y lograr empatía. Escuchando su álbum "Laberinto" (Automatic) de inicio a fin, puedo asentar aquí que el neo mundo no estará dicotomizado x el pensamiento occidental y sus pares conceptuales; que los códigos de la consciencia contienen las canciones de nuestra propia libertad; que la rebelde generación de los revolucionarios puros tenemos un destino que crear nosotros mismos. Entre la utopía y la distopía permanecemos libres si lo queremos realmente. ¡¡¡Bravo CATERVAS!!!
El término dream-pop fue acuñado a finales de la década ochentera x Alex Ayuli de A.R. KANE. X otro lado, una de las bandas que ha sabido reinstalar el dream-pop en medio planeta estuvo en Lima: BEACH HOUSE, x lo que reproduzco una frase brillante de Victoria Legrand, sobrina del compositor director de orquesta guionista, músico de jazz...como olvidar su "Verano del '42": "Cuando eres niño quieres ser astronauta, pero cuando te conviertes en adolescente te das cuenta que estás perdido en el espacio". VL es quien más habla de la dupla. (Alex Scally, no mucho). ¡Ah! Tantas veces ellos en Primavera Sound. STOP!
2022: UN AÑO EN MÚSICA DE MARCA MAYOR Y PARALELAMENTE AL AÑO QUE PASÓ. ESTE ES EL POST FUTURO ULTRA ACERTADO EN BANDAS DE LA ESCENA INDIE QUE SI LA HICIERON DURANTE SU CÓSMICA TRAVESÍA VIAJANDO SOBRE SUS ACETATOS O ESFÉRICOS LÁSER. LA LISTA MÁS LIBRE DE TODO EL PLANETA, IRÁ VÍA LA COLUMNA 3001 Y SHOCK, SIN NÚMEROS NI ÍDOLOS DE BARRO TODO EN SU SUPRA PERFECTO EQUILIBRIO. POST-SHOEGAZE EN LA BALANZA SIDERAL DE INICIO. ENTONCES, A COLOCARSE LA ESCAFANDRA A1 DE MEGA SONIDOS ESTELARES.
X: HELENE RAMOS
Si bien bandas imbuidas dentro del inicial estilo shoegazing parecían desaparecer durante la saga noventera con la introducción del estilo grunge, la última década ha sido muy explícita en cuanto a su explosiva expansión con bandas provenientes de los cinco continentes, nutriéndose y adaptándose hacia muchas nuevas influencias. En 2021 dejé bien establecido que el estilo ya no conservaba más el purismo. Al denominado mocassin-gaze del acto ZOON, el combo DEAD MANTRA aduce que lo de ellos es gregorian-gaze. ¡Vaya, vaya!
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*ZOON instigador del mocassin-gaze.
Ha sido tanto el enfoque hacia todo ello que bandas clásicas del género, no dudaron en anunciar su retorno. El shoegazing vino para quedarse x lo que también hemos visto el surgimiento de neo bandas en este 2022 y que irrumpieron en la gran escena. Lo denomino post-shoegaze y cómo no.
Son ya más de treinta años desde la osadía del original tratando de evadir el cliché sonoro tradicional de las bandas.
🔷P O S T-S H O E G A Z E / A L B U M S / E P'S 2022
*ASTRONOID RADIANT BLOOM
*QUANNIC. KENOPSIA
*JUST MUSTARD HEART UNDER
*ALVVAYS BLUE REV
*DESERTA EVERY MOMENT, EVERYTHING YOU NEED
*ASIAN GLOW STALLED FLUTES, MEAN
*PARANNOUL WHITE CEILING / BLACK DOTS WANDERING AROUND
*HOLLY FAWN DIMENSIONAL BLEED
*SONHOS TOMAN CONTA MALADAPTIVE DAYDREAMING
*MASS OF THE FERMENTING DREGS AWAKENING:SLEEPING
*CLOAKROOM DISSOLUTION WAVES
*ASIAN GLOW & PARANNOUL PARAGLOW
*DELLA ZYR VITAMINS AND APPREHENSION
*TOKYO SHOEGAZER MOONWORLD
PLAYGROUND
*MURRUMUR WEBMAKER
El shoegazing en su ADN inicial jamás estuvo en estado de coma, sobrevivió gracias a una neo generación de actos. Las bandas emergentes orientadas al estilo le han dado una neo energía que la ha potencializado aún más. En los años recientes la escena ha trascendido con una infinidad de grupos tal cual los presenté en sociedad en este blog. El género se ha entrelazado con el ambient, drone, wide rock, black metal, gregorian chants, slowcore... y hasta con la cumbia, si se remiten a la clasificación que publiqué en 2021.
LOS PALADINES INSTRUCTORES
*Invalorable foto de los inicios de SONIC YOUTH.
El shoegazing original, ese movimiento estético proteico vitamínico y nebuloso como una mañana de invierno en algún puerto del mundo, es también una historia de tecnología, pedales, reverb/ distorsión y efectos de todo tipo. Sonido abrasivo de guitarra creando nebulosas atmósferas altamente opacas e incluso monolíticas. Con todo, no es ruido el género avant-garde noise, sea el de MERZBOW (sonando a todo trapo vía 2001 x RM/FM), industrial, hardcore, experimental... SWANS, THROBBING GRISTLE, SONIC YOUTH... (sí, ustedes también) ...o filtrada a través del maremágnum de guitarra de Metal Machine Music (1975) de LOU REED: no es ruido estrictamente en la medida en que los actos manipulan material sonoro amplificado. Que el combo MY BLOODY VALENTINE haya muy bien experimentado con largas fases de ruido blanco -incluida la famosa sección Holocaust en medio del título You Made Me Realize- no cambia la cuestión: los motivos del ruido están obviamente ocultos en todos los rincones de la música grabada desde siempre.
SHOEGAZING THE SCENE THAT CELEBRATES ITSELF
(MELODY MAKER)
RIDE, SLOWDIVE, COCTEAU TWINS, LUSH, THE JESUS & MARY CHAIN, SPACEMEN 3, LILYS, SWIRLIES, DROP NINETEENS, THE TELESCOPES, MOOSE... son también parte de la asonada inicial shoegazing difundida en su tiempo exacto x la extra mega mítica RADIO MIRAFLORES vía 2001. En USA, en un inicio lo llamaron miasma music.
*KEVIN SHIELDS, obviamente esperamos x tus prometidos álbumes.
Loveless - MY BLOODY VALENTINE resumió un bálsamo sónico de indeleble huella que primero atrapó para después pulverizar sutilmente el estrés frenético de algunos o muchos, muchísimos terrícolas. Grandioso soundtrack de nuestras bellas vidas hasta la fecha. El post-shoegaze en 2022, no es nostalgia ni tampoco revival... vino para quedarse desde hace más de 3 décadas (en un inicio llamado shoegazing) ahora con una neo generación innovadora de ejecutantes del género.
Probablemente no hayan tenido toda la oportunidad de escuchar a otras bandas como LUCIE VACARME, KILL THE MOOSE, DEAD MANTRA... como decenas de otras más que lucen en esplendor en la infinidad de libros que colecciono sobre el género en mención. Hasta aquí la cita con el suculento tsunami convertido en post-shoegaze y su controvertido cocktail/ingredientes si lo aceptan tus oídos, aptos a la reverberación total. En mi radar sigue constante The Dreamer - TOKYO SHOGAZER: oíd y ved mortales. Play https://youtu.be/YRBRJ0K4Ero🔷STOP!
*COCTEAU TWINS no mantuvo un solo estilo durante toda su supra ominosa carrera. Aunque sí, el trio escoces logró que explosionaran miles y miles de cerebros en lumínicas luciérnagas de neón mega incandescentes. X otro lado, como el periodista que dedicó portada y entrevista en el semanario MELODY MAKER a la banda, no sabía que el Eterno sólo se comunica x imágenes, pues... escribió lo siguiente:
ELIZABETH FRASER IS THE GOD'S VOICE
