No obstante, en el mundo contemporáneo existen sectores, en los que se ha ido reconstruyendo sobre bases populares esta universalidad de sentir y de ver. Esto se ha realizado en el ámbito de la sociedad de masas, donde todo un sistema de valores, a su modo bastante estable y universal, se ha ido concretando, a través de una mitopoética cuyos modos examinaremos, en una serie de símbolos ofrecidos simultáneamente por el arte y por la técnica. En una sociedad de masas de la época de la civilización industrial, observamos un proceso de mitificación parecido al de las sociedades primitivas y que actúa, especialmente en sus inicios, según la misma mecánica mitopoética que utiliza el poeta moderno. Se trata de la identificación privada y subjetiva, en su origen, entre un objeto o una imagen y una suma de finalidad, ya consciente ya inconsciente, de forma que se realice una unidad entre imágenes y aspiraciones (que tiene mucho de la unidad mágica sobre la cual el primitivo basaba la propia operación mitopoética).
Si el bisonte pintado sobre el muro de una caverna prehistórica se identificaba con el bisonte real, garantizando al pintor la posesión del animal a través de la posesión de la imagen y envolviendo la imagen con un aura sagrada, no sucede de otro modo en nuestros días con los modernos automóviles, construidos en lo posible según modelos formales que hacen hincapié en una sensibilidad arquetípica, y que constituyen un signo de un status económico, que se identifica con ellos. La sociología moderna, desde Veblen hasta el análisis popular y divulgativo de Vanee Packard, nos han convencido del hecho de que en una sociedad industrial, los llamados "símbolos de status" llegan, en definitiva, a identificarse con el status mismo.Adquirir un status quiere decir poseer un determinado tipo de coche, un determinado tipo de televisor, un determinado tipo de casa con un determinado tipo de piscina; pero, al mismo tiempo, cada uno de los elementos poseídos, coche, frigorífico, casa, televisor, se convierte en símbolo tangible de la situación total. El objeto es la situación social y, al mismo tiempo, signo de la misma: en consecuencia, no constituye únicamente la finalidad concreta perseguible, sino el símbolo ritual, la imagen mítica en que se condensan aspiraciones y deseos (2). Es la proyección de aquello que deseamos ser. En otras palabras, en el objeto, inicialmente considerado como manifestación de la propia personalidad, se anula la personalidad.
Actualmente, esta mitopoética tiene caracteres de universalidad porque de hecho es común a toda una sociedad; y posee las características de la creación del vulgo. Pero, al mismo tiempo procede de las capas altas, porque un automóvil se convierte en símbolo de status, no sólo por una tendencia mitificadora que parte inconscientemente de las masas, sino porque la sensibilidad de dichas masas ha sido forjada, dirigida y provocada por la acción de una sociedad industrial basada en la producción y el consumo obligatorio y acelerado. Por ello, los Süger de nuestra época, que crean y difunden imágenes míticas destinadas posteriormente a radicarse en la sensibilidad de las masas, son los laboratorios de la gran industria, los advertising men de la Madison Avenue, a los que la sociología popular ha designado con el sugestivo epíteto de "persuasores ocultos".
Este VIERNES 8 DE NOVIEMBRE presentaré mi libro "PERÚ AVANTGARDE, EL NACIMIENTO DE LA VANGUARDIA MUSICAL" (Heraldos Editores, 2024) junto a los destacados críticos y periodistas musicales FIDEL GUTIÉRREZ y FERNANDO ALAYO.
La cita es a las 8 pm en, Colmena Bar un kool point del Centro de Lima. Ahí los veo para conversar del libro y las jornadas noventeras fraguadas a todo ímpetu.
Luego habrá fiesta con las músicas de las que trata el libro (shoegaze, post-rock, experimental, space rock, ambient) cortesía los DJ AEROLITO + DJ LEMON SOUND quienes serán acompañados de DJ SOUL 1 + DJ HERALDOS.
No se lo pueden perder.
Obvio podrán pasar a recoger los libros comprados en pre-venta -¡MIL GRACIAS POR ELLO!- o adquirir más ejemplares.
"EN LA AVANZADA DESDE SIEMPRE"
📌 El 08 de noviembre, por fin, presentaremos el libro "Perú Avantgarde. El despertar de la vanguardia musical" del compà Wilder Gonzales Agreda . Este libro permitirá impulsar los estudios sobre las vanguardias musicales en nuestro país. Luego de la presentación pincharán discos: Dj Aerolito, Dj Lemon Sound y DJ Soul 1 (Wilder). Agradezco a Victor Carlos por ayudarnos en hacer posible esto en el Bar Colmena, una hermosa casona en el Centro de Lima. Quedan cordialmente invitadxs. (JOEL ROJAS)
🚩 Presentación del libro "Perú Avantgarde. El despertar de la vanguardia musical" de Wilder Gonzales Agreda 🚩
🔴 Presentadores: Fidel Gutiérrez y Fernando Alayo
📆 Viernes 08 de noviembre - 8:00 pm
📍 Colmena Bar: Av. Nicolás de Piérola 634, Centro de Lima.
👉 Organizado por Grupo Heraldos Editores
📖 Luego de la presentación se pinchará discos: Dj Aerolito, Dj Lemon Sound y Dj Soul 1.
El artista multimedia Mark Templeton, natal de Canadá y boss de la editorial audiovisual Graphical, ha publicado una de las rodajas sónicas -y digo sónicas en sentido literal, como les gusta enfatizar hoy a los chibolos- más atractivas del año. Templeton no es ningún novato, su carrera solista empieza allá por el 2007 y registra un álbum bajo el alias de Fields Awake inclusive el 2005. Su estilo entra en la etiqueta del ambient glitch pero el man recurre a instrumentación analógica, loops de cinta y samples de casette, lo que eventualmente lo hermana con la añeja música concreta amén de teñirle de cierta aura espectral e hipnagógica.
"Two Verses" ha sido co-producido con el ruso Andrew Pekler, encargado de re-modelar las fuentes del archivo de Mark: nada es lo que parece. Nos encontramos surfeando entre bajos hipnóticos, teclados periféricos, ritmos claustrofóbicos y guitarras industrializadas. Esta serie de hermosos bucles finalmente se publica en el sello de otro capo, Jan Jelinek, sí el mismo de Farben, donde Pekler también ve editado su material.
Ideal para fans del "Venoy" de Füxa, de las jornadas de Oval y de las elevaciones alucigeniales de Seefeel. Abundante enjundia y deleite cerebral para los más nerds. Toma nota que esta música no será resaltada ni por asomo en las revistas y blogs de LATAM ni mucho menos peruanos, embebidos en modas, pachangas y en las moscas del mercado. Depende de ti escoger, el país de los cerdos o el de las maravillas. Por música así vale la pena seguir vivo, y lo digo en serio.
43 minutos en 9 tracks que harán tu día a día bastante más tolerable, mucho más fantasioso, irreal y post-musical. ¿Quién extraña ese vejestorio llamado rock?
"¨La élite progre¨ en Chile es la que mueve todos los hilos de ¨las artes¨ (o lo que ellos consideran artes). Entre todos podrían hacer su festival de las artes chilensis, una especie de primavera fauna en M100 pero de puros grupos chilensis de nepobabies de la élite progre, de esos que suenan casi todos parecido y se entregan premios y bookings entre ellos🔥 Yo sinceramente creo que esta endogamia ¨artística pitutera-nepobaby¨ ha matado muchísimo la escena en muchos sentidos, pero bueno, no muchos piensan igual y sería po 😛"
Acicateado por el panorama local de las artes y subculturas y a tanto post y marketing de redes le pregunté a la IA de Meta sobre la argolla hipster peruana y salió con la siguiente perorata:
LA ARGOLLA HIPSTER DE PERÚ
META IA:
La "argolla hipster" en Perú se refiere a un grupo específico de personas que comparten una estética y una actitud asociada con la cultura hipster. A continuación, te presento algunas características y críticas asociadas a este grupo:
*Características:*
1. Estilo de vida urbano y alternativo.
2. Afición por la música indie, el rock y la electrónica.
3. Interés por el arte urbano, la fotografía y el cine independiente.
4. Uso de ropa vintage, accesorios y calzado específicos (zapatillas Converse, gafas Ray-Ban, etc.).
5. Consumo de comida gourmet y bebidas artesanales (cervezas, café especializado, etc.).
6. Uso intensivo de redes sociales, especialmente Instagram.
*Barrios y lugares asociados:*
1. Barranco (Lima): Considerado el epicentro de la cultura hipster en Perú.
2. Miraflores (Lima): Otro barrio con una gran concentración de hipsters.
3. Chorrillos (Lima): Un barrio en crecimiento con una escena cultural alternativa.
4. Cusco y Arequipa: Ciudades con una creciente escena hipster.
*Críticas:*
1. Elitismo: Se les acusa de ser exclusivos y no accesibles para todos.
2. Superficialidad: Se les critica por enfocarse más en la apariencia que en la sustancia.
3. Imperialismo cultural: Algunos argumentan que la cultura hipster es una importación extranjera que desplaza la cultura peruana.
4. Comercialización: Se les acusa de convertir la cultura alternativa en una mercancía.
*Defensas:*
1. Diversidad cultural: La argolla hipster contribuye a la riqueza cultural del país.
2. Innovación: Fomentan la creatividad y la innovación en el arte, la música y la moda.
3. Comunidad: La argolla hipster crea un sentido de pertenencia y comunidad entre sus miembros.
¿Qué opinas sobre la argolla hipster en Perú? ¿Crees que es un fenómeno positivo o negativo?
Hasta ahí lo de la IA de Facebook, cada quien saque sus posturas o conclusiones. Al respecto estuvo circulando entre mis contactos chilenos cierto trajín sobre unos cuicos woke que disparó comentarios clarividentes:
"- el jorge gonzalez conoció las cuicas y se fue a la chucha el discurso , pa que estamos con hueas.
- Es curioso como sobredimensiona el fenómeno y te lo vende cómo algo súper trascendente. Me hizo acordar cuando en el peack de la moda de Bad Bunny todos los días habían noticias de él "rompiendo paradigmas", fue tan revoluciónario que ya nadie se acuerda de tales logros. 🤣
- Son una tropa de cuicos culposos que se inventan héroes populares para aparentar "tener calle", infectados de wokismo.
- ... Lo peor más allá de lo que piensen, de sus poses en redes sociales o sus modas de turno, es que manejan la escena como patrones de fundo, y los artistas de calidad van quedando relegados 😮
- Igual cuático todo el manso márketing que tiene Camila Gutiérrez y saber las conexiones con la ¨aristocracia woke de las artes chilenas¨, una de las weás más tóxicas que he visto después de lo de Hermosilla 😮 . Lo más cuático es que todos estos artistas nepobabies de la élite progre que son la hegemonía en las artes chilensis, nadie les planta cara, sino la mayoría les soban el lomo a ver si de alguna forma les pueden invitar a ser parte de su tribu y salvarse con algo😮
Es loco pero entre ellos se entregan grandes premios como si fuesen poco menos que Michael Jackson en nivel de talento, pero fuera ¨del latifundio .cl¨ nadie los pesca. El real drama es que los miles de artistas en Chile que sí tienen MUCHÍSIMO talento pero nada de pituto ni ¨sangre aristocrática¨ quedan relegados, por consiguiente la calidad de la escena y el under la termina sufriendo muy pero muuuuy mal todo esto.
PD: Y bueno, la otra opción pal ¨perraje¨ artístico (quienes no tienen sangre aristocrática ni pitutos, básicamente) hoy en día es irse y jugárselas de cero en otro lado nomás 🤷 yo tomé esa opción y en lo personal creo que no me quejo, pero es feo ver lo que pasa en Chilito 😕"
Asegura la historia oficial que, durante la tocada de Crisálida Sónica en El Arabe Pub tres años atrás, (el ya entonces ex-Resplandor) Carlos Mariño traba amistad con el Hipnoascensión Juan Carlos Roldán (ex-Katarsis) y allí mismo nace la idea de hacer algo juntos, dadas las metas comunes (tentar una audición de los colores y las formas) y gustos compartidos (The Cure, Low). Girálea se manifiesta a comienzos del 97 con tres compadres más, que luego harían el quite por x razones.
A diez meses del fin del milenio editan un artefacto (autodefinido como "psicodélico") llamado Hacia el Fin, tratando, como la mayoría de estas bandas, de pergreñar un enervante coctel de sus influencias más saltantes -toda la saga Spacemen 3 con hincapié en (dicen) Spiritualized, Seefeel. El acabado es el reflejo de la ensalada referencial que hay en sus mentes: ¿Dónde está mi Alma? se realiza en intensas y bellas tonalidades armónicas, exultantes del registro angelical de los Cocteau Twins. Vacío y Prisión (al hilo) simplemente deslumbran, un par de suites transambientales donde calza a la perfección eso de "utilizar los instrumentos característicos del rock de una forma que no es rock". La difusa Luz y Fin tienen gotitas de acid rock, pero se parece más al background actual de Silvania sin sonar electrónico.
Con todo, En Círculos es el acabóse: un gran corte reciamente impregnado de melancolía, una sinuosa melodía de profunda tristeza, tanta como la de los Clan of Xymox en el Medusa (1987). Ante tal despliegue, no te quedará más que apuntarte a su siguiente concierto. Tranquilo, hay intención de tocar con mayor frecuencia.
Quemados existen en todo el globo y como solía decir Helene Ramos en la radio cuando llegaban las bandas de Crisálida a realizar sesiones, "Dios los cría, y ellos se juntan". Desde Iberia, concretamente desde la ciudad norteña de Bilbao, nos alcanzan tremendo documento decorado al milímetro, cuyos 32 minutos se tuercen terminando en viajesaso. Tal el poder de esta dupla que, muy acertadamente, se hacen llamar LO PROFUNDO.
Como referentes, vaya que los hay, podríamos citar desde Dif Juz, esa filia indie post punk clara en las divagaciones y plegarias del cantante, hasta los últimos Labradford y, por ende, sus connacionales Balago. Pasan de meseta en meseta con una facilidad que hará añicos la psique de varios. Van apertrechados para ello de efectos e instrumentación ad hoc: el camino recorrido brota por todos los poros. "LoProfundo -apuntan en bandcamp- nace como respuesta a una propuesta de concierto para la inauguración del espacio Obrador en Rekalde Larraskitu en octubre de 2022. Se trabaja entonces durante un mes y medio en la composición de un único track que va evolucionando y pasando por distintas fases hasta llegar a un éxtasis en forma de 'rave'".
Una rave ceremonial necesaria para sacudirnos de advenedizos y hipsters, del mercado en resumen. Más que una rave, una liturgia de sonidos fluyendo cual navíos en ultramar, de tempestades, tragedias y horizontes. Piano Magic + Arab Strap.
Localizado en Uganda el sello Nyege Nyege Tapes distribuye artistas pan africanos orientados al folk y a la electrónica. Anoche tuve el placer de atiborrarme de jolgorio y asombro con las mutaciones del disco de Jako Maron, "The electro Maloya experiments of Jako Maron". Natal de Réunion una isla en el Océano Índico, Maron cultiva el estilo Maloya, usado en el siglo XIX por los pueblos esclavizados de Madagascar y África Occidental. Debido a la fuerza de su sonido y a representar a la clase baja oprimida el gobierno francés prohibió la Maloya en 1946, levantando la censura solo a inicios de los 70.
Este álbum compila trabajos elaborados entre los años 2006 y 2015 y es una re-interpretación de la Maloya, a saber, una amalgama trance percutiva escasa de armonías, ejecutada con sintetizadores modulares y cajas de ritmos. El resultado es emocionante. Como un Pan Sonic africano o un Drexciya en reflexión de una experiencia inenarrable. Un sonido que captura y hermana a los desplazados del sistema, a los N N, a los subalternos de todos los tiempos.
Si originalmente Maloya servía para comunicarse entre esclavizados, a la manera de un diálogo de llamada - respuesta, la actualización electrónica del señor Maron es una llamada a la protesta esperando una respuesta afirmativa del ser, de luchar por la libertad en un mundo diseñado por los de arriba para aprovecharse sempiternamente de la clase baja. No se necesitan gritos ni consignas, estos sonidos comunican rupturas del "orden", significan revueltas reales y prolongadas.
Después de todo y, como hemos venido avisando en este blog -ahí están Tonga Boys o Bonie Lulegan- la gente a la que todo el mundo estuvo robando, humillando y saqueando vienen por lo suyo y tal parece que no hay IA, ni algoritmos que los detengan. Un patadón a tu cabeza, un grito experimental y electrónico de sublevación.
El abismo que separa a la COCA-MAMA de la COCA-INA es la mejor expresión de la diferencia entre nuestra Sabiduría holista Andina milenaria y la globalista Ciencia occidental, que nos imponen ahora.
Los actuales Maquiritares, caribes venezolanos, han conservado la tradición de cómo fue la invasión occidental y recuerdan que el término "Caníbal" significa en realidad "Bañoro", que es sinónimo de español, porque estos europeos fueron los únicos que comieron carne humana:
"Recordando la historia de la conquista de Venezuela por los europeos, no nos extraña que se haya conservado semejante idea.
Debido al hambre los españoles arreaban tropas de indios, preferentemente mujeres y niños, como alimento para sus incursiones por la selva en pos de oro.
¡Es una de las páginas más negras de la conquista de América!"
Sin embargo, en el caso hipotético, no probado, que se hubiesen hecho sacrificios humanos en el Cerro Sechín; ¿por qué no se hace un análisis antropológico comparado de otros hechos paralelos similares sucedidos en Euro-Asia, o por qué no se toma en cuenta que en la antigüedad todas las culturas del mundo tenían un concepto diferente de la relación Vida-Muerte...?
Se olvida que, por tradición secular, Abraham iba a degollar a su hijo y ofrecerlo a su dios como una ofrenda quemada en la cumbre de un cerro. Fray Gregorio afirma que lo quemó, porque así era la costumbre hebrea.*
En todo caso las muertes rituales y los sacrificIos humanos propiciatorios que ofrecían a sus divinidades las culturas antiguas, en un esfuerzo por lograr el bienestar de sus comunidades, tenían mucho más sentido que los actuales genocidios de las Guerras Mundiales europeas, de Hiroshima, Vietnam, Camboya, Serbia, Palestina y las brutales matanzas colonialistas en los pueblos de Amerindia, Irak y Afganistán.
Todos ellos son genocidios ejecutados en nombre de la pureza racial, la democracia, el socialismo, los dogmas, las religiones, el control de la natalidad, el fundamentalismo, el narcoterrorismo y otros pretextos que se inventan los mismos "civilizados" fariseos que se "horrorizan" luego, de las criptografías de Sechín.
Bertrand Russell, matemático, filósofo y sagaz observador de sus tiempos, llegó a la conclusión que la aplicación de la Ciencia es inmensamente dañina:
"La ciencia, hasta ahora, ha sido usada para tres propósitos: para aumentar la producción total de mercancías, para hacer más destructivas las guerras y para sustituir por diversiones triviales aquellas que tenían algún valor artístico o de higiene mental. El incremento en la producción total, aún cuando tenía importancia hace cien años, se ha hecho ahora mucho menos importante que el incremento del ocio y la sabia dirección de la producción".
Occidente nUnca aceptó que la CULTURA primordialmente es una respuesta a la GEOGRAFIA, tildando a esta realidad como "determinismo aleatorio".
Por ello nuestra Cosmovisión Andina y nuestros mitos fueron catalogados peyorativamente con el adjetivo de "caóticos"... y no se equivocaron porque, la Nueva Ciencia Fractálica ha entendido que el
Cosmos, en cambio permanente, funciona por leyes deterministas, irregulares y aleatorias . . .
A esta forma Correcta de entender la realidad la llarmamos CAOS.
EI CAOS es conceptuado actualmente como la NO ACEPTACION del "orden" socrático, teonómico, bíblico y epifánico, irmpuesto por la iglesia dominante y luego racionalizado dogmáticamente por la iglesia dominante y luego racionalizado cartesianamente como real, ... ¡sin serlo!
Se me ha pedido en redes sentar postura e incluso salir a marchar y plegarme al paro de hoy -y mañana y pasado mañana- de manera fehaciente.
El paro está bacán, sería idiota no apoyar. Todo lo que vaya contra el lumpen, sean criminales chicos o los grandasos de uniform, cuello y corbata, se apoya. Como ya dije no participé en las manifestaciones de los 90/2000 contra Fujimori y tampoco ahora porque no me encuentro ni mucho menos me siento a gusto formando parte de una masa. Lo detesto naturalmente. Ya se trate de ver a la selección o a la "U" en el estadio et al. No es lo mío. Tampoco los tragos y la moda de chupa y lucha. Mi forma de activar, crear resistencia y cambios va por el lado interior, más sublime quizá, pero también duradero, el cambio de mentalidades, el remezón mental/espiritual.
Es ese uno de los motivos, que no solo me provocaron visiones adolescentes sino que me movieron a fabricar propios proyectos musicales. No tal cual ahora se estila para sentirme "orgullosísimo" de hacer música o por alucinarme un artista pro. Cojudeces.
Y la verdad tampoco sé porque apelan a mí como si uno fuera Zaratustra o fuese imperioso que Wilder vaya y haga acto de presencia allí. Tíos, sépanlo, a mi no solo el sistema me parece injusto y una kk pero incluso nosotros mismos como seres, personas somos un adefesio, merecemos que se nos borre de la faz del Cosmos. Tan así que no quiero prolongar mis genes ni descendencia en este lugar de m13rda.
Bacán, viva la revolución, manifiéstense y escojan bien los artistas que apoyan y consumen también que no solo yendo a los paros se forjan las transformaciones sociales o ¿crees que para que suceda 1789 no existieron soñadores y próceres que idearon y poetizaron ideales inauditos? Santa simplicidad.
Penetrante y loco folk desde Ontario (Canadá) para bardos quemados.
Piith es el proyecto del canadiense Chris Love quien arropado por compañeros de vuelo, "una banda rotativa de canallas", construye discos de freak folk psicodélico en onda Red Crayola conoce a Animal Collective. Su "Sweet sweet morning" fue publicado el 2016 y vaya que pasó desapercibido por el radar de los medios -este blog incluído-. Hoy hemos venido a resarcir ese error.
Ideal para pasarte de vueltas o si eres fan de Beach Boys y Silver Apples, los paisajes de fábulas metafísicas de Piith (substancia, médula) son una puesta al día de los ideales hippies sesentones. Ruido, amor y electrónica mediante. Cuelan samples y violines en algunos tracks. Todo bien alucinado y feeling. Que no solo de shoegaze y minimalismo está hecha la vida post.
Representante de la New Weird Canada, Piith (o Pith) es un proyecto que deberías seguir si lo tuyo es la música para elevar la psique y dejar lejos bien lejos la manada pueril. Lo más cojonudo de este man, pone su disco en bandcamp para descarga gratuita = name your price y no tiene ni una puta review/comentario en rate your music, ni existe en discogs. Así estamos mundo.
...Con mis varios grupos -los distintos conjuntos de intérpretes que formaban The Theatre of Eternal Music-, fui trabajando con miras a hacer performances cada vez más largas en una noche e instalaciones cada vez más grandes, hasta llegar al punto, a comienzos de los setenta, de salir de gira con entre seis y ocho músicos, dos proyeccionistas de diapositivas, un técnico, un tour manager y dos toneladas de equipamiento electrónico. Necesitábamos una semana para montar todo, así que teníamos que estar en el lugar durante una semana, y luego tres días más para desarmar todo. Era realmente un gran despliegue".
En 1973, Young, Marian Zazeela y Pandit Pran Nath fueron invitados a la primera edición del festival italiano East West. La Monte propuso montar su "Dream House para una performance de la pieza en la que estaba trabajando en ese momento -o, mejor dicho, en la que venía trabajando los últimos siete años: Map of 49's Dream The Two Systems of Eleven Sets of Galactic Intervals Ornamental Lightyears Tracery. Pero el promotor le pidió algo nuevo y La Monte tuvo que poner las cosas en claro. "Esto no es un supermercado", le dijo, "donde hoy puedes comprar tomates, mañana lechuga y al día siguiente un litro de leche. Esto es en lo que realmente estoy trabajando, y lo que realmente quiero hacer". El promotor aceptó la crítica, pero le dijo que de todas formas lo que proponía estaba fuera de su presupuesto. La Monte le hizo escuchar entonces la grabación de una pieza que requería una semana de preparación para afinar el piano e instalar el entorno de luces de Marian: The Well Tuned Piano [El piano bien afinado]. El promotor aceptó, y el estreno de tres horas en Roma le terminó gustando tanto que le encargó dos conciertos más y compró un piano para que La Monte lo dejara afinado para siempre y le pusiera su firma. "Quedé, pues, completamente absorbido en The Well Tuned Piano", continúa. "Durante un tiempo resultó también menos costoso de montar que 'Dream House'. Tal como lo veíamos. era solo el piano y tal vez cuatro de nosotros: yo para tocar, Marian para hacer las luces, el afinador y un ingeniero de grabación"
A medida que la pieza se fue desarrollando en su ejecución, la duración de cada concierto trepó de tres a cuatro horas. El tiempo de preparación se extendió a un mes, entre la afinación y los ensayos en el lugar de la performance. "Si quieres describir el movimiento de algún cuerpo planetario, la frecuencia de su órbita, no lo estudias solo por cinco o diez años, tienes que mirar hacia atrás en la historia y ver qué decían al respecto los viejos astrónomos. De alguna manera, a través del Trio For Strings y, un poco antes de este, de la sección media de Four Brass, me sentí inspirado para comenzar a escribir tonos largos y prolongados. Definitivamente estaba escuchando música clásica de la India y música gagaku japonesa. Cuando entré en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) estudié musicología. El departamento tenía una orquesta gagaku de estudiantes, y fue también durante esos años que escuché la primera grabación de Ali Akbar Khan, en el sello Ang Records, con Yehudi Menuhin de presentador. Cuando lo escuché en la radio salí literalmente corriendo, me subí al coche y manejé hasta la disquería Music City en Hollywood para comprarme el disco, que en los días siguientes escuché durante horas y horas. De hecho, estaba viviendo en la casa de mi abuela en Los Ángeles y el disco la sacaba de quicio. Decía que era música de opiómanos.
»De niño me encantaba pararme a escuchar las centrales eléctricas. Antes de mis cuatro años, mi padre tenía un trabajo en Montpelier, Idaho. Trabajaba para el padre de mi madre, el abuelo Grandy, que era dueño de una distribuidora de gas propano que abastecía a toda la zona con grandes camiones. Y al lado de la plana de almacenamiento había una central eléctrica. Emitía un zumbido constante. Amaba quedarme allí escuchando. Tengo el recuerdo incluso de estar jugando encima de los tanques de gas y sentarme al rayo del sol a escuchar esta cosa zumbar. Recuerdo otra vez que me paré cerca de los transformadores de alta tensión en Bern, Idaho, la localidad donde nací. También me encantaba escuchar el canto de los grillos. Por supuesto, la primera experiencia sonora temprana fue el sonido del viento que soplaba desde el lago Bear y envolvía la cabaña de madera en la que nací. Creo que lo que realmente sucedió fue una confluencia de toda esta información, que luego fue puesta en funcionamiento por mi exposición a la música oriental y por el hecho de que el mundo había empezado a encogerse con la llegada la era electrónica.
Gustavo Lamas es un artista electrónico presente en la escena bonaerense desde los 90. Fraguó discos para sellos argentinos y germanos en onda techno ambient hasta avanzado los dos miles. Le conocí cortesía de Pablo Reche, otro escultor sónico ché, allá por el 2002. Por ese entonces no sabía que Lamas estaba elaborando un sonido techno bastante etéreo y dub, así son las discontinuidades entre nuestras escenas latinoamericanas. Tiempo después pude escuchar, ¡gracias Internet!, delicias como los eps "Mañana", "Celeste" y "Brotes" que me pasmaron por completo. Después de todo este tiempo y tras haber integrado Mezcla junto a Ismael Pinkler el 2013, Gustavo surfea sereno las redes, prepara columnas quincenales para un programa de radio y aguarda por el momento preciso para lanzarnos a descubrir nuevos mensajes electrosónicos.
Gracias por concedernos la entrevista Gustavo. Coméntanos sobre tus inicios, ¿qué escuchabas en el barrio/colegio y cómo empezaste en la música alternativa y electrónica?
Siempre me gustó la música y el rock desde muy chico. Recuerdo bailar a los Bee Gees a los 4 años en un casamiento familiar. Siempre me atrajeron los discos, los cassettes y lo que sea relacionado a la música cuando iba a una casa me tiraba a ver la discoteca. Para mi cumpleaños, navidad o lo que fuera, el mejor regalo era música. De muy chico estuve bastante atrapado por el Rock de Argentina que tuvo un gran auge desde principios de los 80´s. A los 15 empecé a pasar música con un compañero del Colegio y ahí ya comenzó mi gusto por la música tecno, el incipiente house y creo que fue un gran momento de la música para crecer sin muchos prejuicios y muy abierto a lo nuevo. Recién en el 91 siento que comencé a tener un gusto más determinado y a poder separar la paja del trigo. Coincidió con un gran momento de clubes en Buenos Aires y una nueva camada del rock con bandas como Babasónicos. Los Brujos, Martes Menta y otros. A mediados de los 90s ya estaba más involucrado con la escena de raves, djs hasta que me pude comprar mi primer sampler y comencé a hacer mis primeros bocetos que tuvieron unos años de proceso hasta que empecé a mostrarlos. En el 97 hice mi primer CDR.
Coméntanos sobre las formaciones en que has participado, tu proyecto solista usando tu propio nombre y cómo realizaron el contacto con la gente del sello alemán Kompakt.
Yo de adolescente tuve bandas que nunca llegamos ni a grabar más en plan pop y rock independiente. La última fue Capital del Espacio en la que ya tocaba el sampler en su última formación. De ahí comencé un recorrido siempre con mi propio nombre a partir de 1997.
Los otros proyectos que tuve son Rascacielos junto a Leo García y Mezcla con Ismael Pinkler. Pero nunca usé otros nombres ni seudónimos para editar mis discos. Grabé un primer CD llamado “Disperso” de manera independiente y el paso siguiente fue en 1999 donde edité en el sello Frágil Discos de Argentina y Traum de Alemania. A los sellos alemanes llego por medio del Instituto Goethe y de los djs que venían a Buenos Aires de la mano del crítico y amigo Pablo Schanton. Él siempre les mostraba música de Argentina y favorecía ese puente entre Buenos Aires y la escena de Colonia, Alemania con muchos djs de allá que nos visitaron y tocaron acá en Argentina. Primero fue con Triple R y Anima en Traum y luego Michael Mayer de Kompakt.
Grafícanos por favor la escena de la llamada Buenos Aliens.
Buenos aliens es un sitio web con transmisiones en vivo y una agenda completísima de todas las fechas de música electrónica en el país. Este sitio fue fundamental para mostrar todo tipo de música electrónica en un momento que apenas existía la banda ancha, la gente se conectaba por ICQ y el concepto de streaming era una rareza. Yo toqué varias veces ahí y siempre que me invitaron compartí mi música a través de ellos. Todavía están los archivos de esas participaciones. En cuanto a escena es difícil describir la escena de Buenos Aires porque hay diferentes momentos. Yo puedo hablar más desde mi experiencia. De alguna manera participé en la escena de productores locales que hacíamos música en un principio no tan orientada a la pista, sino que también incursioné en el ambient y otras músicas para escuchar, menos orientadas a la pista de baile. Eso con el tiempo se fue mezclando y pude compartir más con djs. Incluso tuve una etapa que mi música estuvo más enfocada en las pistas, pero siempre con mi impronta y la dificultad de hacer un set en vivo con temas propios en una discoteca. En los últimos años dejé eso un poco de lado y me dediqué más a mi costado como dj y musicalizador que siempre me tiene con la inquietud de escuchar música nueva o revalorizar perlas perdidas de otras épocas.
Recuerdo haberte conocido allá por el 2002 en un breve viaje a tu ciudad, cuando trabajabas en una tienda de discos y me recomendaste el CD de Pommerenck, uno de los tesoros que conservo hasta hoy. Además de la música electrónica, ¿qué otras actividades concitan tu interés? ¿Cómo es un día en la vida de Gustavo Lamas?
Bueno. Me alegro porque justo ese cd de Frágil es un perla que ya está descatalogado y yo no lo tengo. Ese era el proyecto electrónico de Migue Castro de Victoria Mil que ahora toca como Un.
Soy bastante monotemático y obsesivo con la música así que el resto de las cosas son un complemento. Viviendo en un país con tantas dificultades también sigo bastante la política, pero es una cuestión que parecería casi sin arreglo por estas latitudes. Tengo un trabajo formal relacionado con las Redes Sociales así que eso me exige estar informado y ver lo que ocurre en ese mundo. Y soy bastante obsesivo con informarme sobre estar al tanto de las novedades musicales. Tengo una metodología que va de leer determinados sitios a armar playlist por temporadas con mis favoritos. Además en mi estudio tengo mi colección de cds y vinilos en la que escucho de todo. Tengo épocas que puedo estar escuchando música de los 70´s como cosas actuales. Además parte de todo eso lo vuelco en mi columna de radio que se llama "Las Pistas Mareantes"; dentro del programa Discorama de Mario Mengoni que va los sábados a las 22 h por Radio con Vos. Yo estoy cada dos semanas con novedades.
¿Cuáles son los discos que te rompieron el cerebro y/o que podrías recomendar a los lectores del blog?
Uhhh qué difícil. Esto va cambiando todo el tiempo. Pero podría nombrarte los discos que me impulsaron a hacer música propia. “Fox Base Alpha” de Saint Etienne es un disco de canciones basadas en el sampler y es uno de mis favoritos de todos los tiempos. El disco “Life´s A Gas” de Love Inc uno de los tantos proyectos de Wolfgang Voigt es otro que siempre nombro y donde está toda la cosa del sampler más la música electrónica y de pista que más me influenció. “3 Feet High and Rising” de De La Soul también otro que tiene que ver con el sampling y como componer desde la información y pondría “Conga” de Daniel Melero, un disco definitivo en mi deformación musical que me impulsó a hacer mis primeros experimentos. Nombro estos pero en casa tengo muchos discos y voy cambiando de favoritos todo el tiempo. Ahora escucho más por streaming y estoy siempre atento. Este año me gustaron mucho Bolis Pupul, el de Space Dimension Controller, Floating Points, Soela, Frank & Tony, el de Kaytranada y K Lone, Axel Boman y el Brat de Charli XCX que es música pop de los rankings, pero siempre me gusta lo que hace ella.
¿Cómo ha cambiado la escena bonaerense desde que empezaste hacia fines de los 90 al día de hoy?
Bueno es difícil ser objetivo porque siempre tiene que ver con los momentos de efervescencia que uno vive cuando arranca y se desarrolla. La escena fue cambiando bastante desde una escena de artistas y compositores que duró hasta mediados de los 2000 que muchos editamos en sellos como Casa del Puente, muchos artistas más nuevos desarrollaron algo más internacional, muchos se fueron a vivir a ciudades como Berlín. Pero siempre hay una noche muy activa y cosas interesantes. Yo siempre que puedo voy a ver a los Djs Pareja que son de mis djs favoritos y siempre están vigentes con sus fiestas Fun Fun y otras.
¿Cómo ves el futuro cultural artístico de Argentina bajo el paraguas del régimen de Milei y lo que se les viene?
Creo que hay una crisis muy grande. Es un año muy difícil donde la plata no alcanza para nada y la situación social es muy dura. Eso afecta a todo. Hay cierta confrontación con el mundo de la cultura que hace todo peor aún. Creo que la música siempre logra moverse más allá de las políticas culturales estatales y hacer la suya. Pero es imposible no reflejar la crisis general que nos afecta en el día a día.
Estuvimos escuchando tu proyecto Mezcla del 2013, en comandita con Ismael Pinkler, suena bien chill y tech house como para relajar, ¿en qué estás creativamente hoy 2024? ¿Qué grupos o proyectos actuales te animarías a recomendarnos?
Sí, ese material lo hicimos juntos con Ismael y fue un gran momento para salir un poco de nuestros proyectos solistas que siempre tiene una cuota de cierta soledad y te puede llevar a repetirte y explorar ese camino a dúo estuvo muy bien. Ahora Ismael acaba de sacar un disco basado en el piano que lo super recomiendo, también los tracks de Tom Tom Clubber, Betas y las producciones de los djs Pareja. Este año también me gustó mucho el trabajo que estuvo haciendo Lucas Martí que sacó cuatro discos en las las plataformas de Streaming que son como Soundtracks de acontecimientos históricos de argentina. También siempre le presto a la escena de noise y ambient local: me gustan Pablo Reche, Federico Durand y Eric Olsen. Ya que estamos en plan de recomendaciones podria señalar el último disco de Melero Ultracromático y su libro “Incierto y Sinuoso”, donde están volcadas gran parte de sus ideas y su historia que es muy inspiradora.
Planes futuros y palabras finales.
En este momento estoy más abocado a la tarea de musicalizador como dj y con mi columna de radio “Las Pistas Mareantes” en Discorama, el programa de Mario Mengoni, pero tengo ganas de retomar la composición y hay unos tracks ahí seleccionados que posiblemente salgan a flote en cuanto les pueda dar una mezcla final.
Hemos llamado a nuestra especie Homo sapiens, el «humano sabio». Pero es discutible que hayamos estado a la altura de este nombre.
Lo cierto es que, a lo largo de los últimos cien mil años, nosotros, los sapiens, hemos acumulado un poder enorme. Tan solo listar todos nuestros descubrimientos, inventos y conquistas llenaría volúmenes. Pero el poder no es sabiduría y, después de cien mil años de descubrimientos, inventos y conquistas, la humanidad se ha visto abocada a una crisis existencial autoinfligida. Nos hallamos al borde de un colapso ecológico causado por el mal uso de nuestro propio poder. También nos afanamos en la creación de nuevas tecnologías como la inteligencia artificial (IA), que tienen el potencial de escapar de nuestro control y de esclavizarnos o aniquilarnos.
Pero, lejos de que nuestra especie haya unido fuerzas para abordar estos retos existenciales, las tensiones internacionales van en aumento, la cooperación global se está haciendo más difícil, las naciones acumulan armas apocalípticas y una nueva guerra mundial no parece imposible.
Si los sapiens somos tan sabios, ¿por qué somos tan autodestructivos?
A un nivel más profundo, aunque hemos acumulado muchísima información acerca de todo, ya sean moléculas de ADN o galaxias remotas, no parece que toda esta información haya dado respuesta a las grandes preguntas de la vida: ¿quiénes somos?, ¿a qué debemos aspirar?, ¿qué es una buena vida?, ¿y cómo deberíamos vivirla? A pesar de la ingente cantidad de información que tenemos a nuestra disposición, somos tan susceptibles a la fantasía y al delirio como nuestros antepasados más lejanos. El nazismo y el estalinismo no son más que dos ejemplos recientes de una locura de masas que de vez en cuando se apodera incluso de las sociedades modernas.
Nadie discute que en la actualidad los humanos dispongamos de mucha más información y de mucho más poder que en la Edad de Piedra, pero no es en absoluto cierto que nos comprendamos y que comprendamos mejor nuestro papel en el universo.
¿Por qué somos tan buenos a la hora de acumular más información y poder pero tenemos mucho menos éxito a la hora de adquirir sabiduría? A lo largo de la historia, un buen número de tradiciones han creído que un defecto letal en nuestra naturaleza nos incita a andar detrás de poderes que no sabemos manejar. El mito griego de Faetón nos habla de un muchacho que descubre que es hijo de Helios, el dios sol. Ansioso por demostrar su origen divino, Faetón se atribuye el privilegio de conducir el carro del sol. Helios le advierte que ningún humano puede controlar a los caballos celestes que tiran del carro solar. Pero Faetón insiste, hasta que el dios sol cede. Después de elevarse orgulloso en el cielo, Faetón acaba por perder el control del carro. El sol se desvía de su trayectoria, abrasa toda la vegetación, provoca gran cantidad de muertes y amenaza con quemar la Tierra misma. Zeus interviene y alcanza a Faetón con un rayo. El presuntuoso humano cae del cielo como una estrella fugaz, envuelto en llamas. Los dioses retoman el control del cielo y salvan el mundo.
Dos mil años después, cuando la Revolución Industrial daba sus primeros pasos y las máquinas empezaban a sustituir a los humanos en numerosas tareas, Johann Wolfgang von Goethe publicó un texto admonitorio similar titulado «El aprendiz de brujo». El poema de Goethe (que posteriormente se popularizó en la versión animada de Walt Disney protagonizada por Mickey Mouse) cuenta cómo un brujo ya anciano deja su taller en manos de un joven aprendiz, a quien pide que, en su ausencia, se encargue de tareas como traer agua del río. El aprendiz decide facilitarse las cosas y, recurriendo a uno de los conjuros del brujo, lanza un hechizo sobre una escoba para que vaya a por el agua. Pero el aprendiz no sabe cómo detener la escoba, que, incansable, trae cada vez más agua, lo que amenaza con inundar el taller. Presa del pánico, el aprendiz corta la escoba encantada en dos con un hacha solo para ver que cada mitad se convierte en otra escoba. Ahora hay dos escobas encantadas que inundan el taller con cubos de agua. Cuando el viejo brujo regresa, el aprendiz le suplica ayuda: «Los espíritus a los que invoqué […] ahora no puedo librarme de ellos». De inmediato, el brujo deshace el hechizo y detiene la inundación. La lección para el aprendiz —y para la humanidad— es clara: nunca recurras a poderes que no puedas controlar.
¿Qué nos dicen las fábulas conminatorias del aprendiz y de Faetón en el siglo XXI? Es obvio que los humanos nos hemos negado a hacer caso de sus advertencias. Ya hemos provocado un desequilibrio en el clima terrestre y puesto en acción a miles de millones de escobas encantadas, drones, chatbots y otros espíritus algorítmicos con capacidad para escapar a nuestro control y desatar una inundación de consecuencias incalculables.
Así, pues, ¿qué debemos hacer? Las fábulas no ofrecen ninguna respuesta, a no ser que esperemos que un dios o un brujo nos salven. Desde luego, este es un mensaje extremadamente peligroso, pues anima a la gente a renunciar a la responsabilidad y a confiar en dioses y brujos. Peor todavía, nos impide reconocer que dioses y brujos son una invención humana... como lo son los carros, las escobas y los algoritmos. La tendencia a crear artefactos poderosos con capacidades imprevistas no se inició con el invento de la máquina de vapor ni con la IA, sino con el de la religión. Profetas y teólogos han invocado espíritus poderosos que se suponía que aportarían amor y alegría, pero que de tanto en tanto terminaron regando el mundo de sangre.
El mito de Faetón y el poema de Goethe no proporcionan un consejo útil porque malinterpretan la manera en que los humanos solemos hacernos con el poder. En ambas fábulas, un único humano adquiere un poder enorme, pero después se ve corrompido por la soberbia y la codicia. La conclusión es que nuestra psicología individual imperfecta provoca que abusemos del poder. Lo que este análisis aproximado pasa por alto es que el poder humano nunca es el resultado de una iniciativa individual. El poder siempre surge de la cooperación entre un gran número de personas.
Por consiguiente, no es nuestra psicología individual lo que provoca que abusemos del poder. Al fin y al cabo, junto con la codicia, la soberbia y la crueldad, los humanos somos capaces de amar, de compadecernos, de ser humildes y de sentir alegría. Sin duda, entre los peores miembros de nuestra especie abundan la codicia y la crueldad, que llevan a los malos actores a abusar del poder. Pero ¿por qué elegirían las sociedades humanas encomendar el poder a sus peores representantes? Por ejemplo, en 1933 la mayoría de los alemanes no eran psicópatas. Entonces, ¿por qué votaron a Hitler?
Nuestra tendencia a invocar poderes que somos incapaces de controlar no surge de la psicología individual, sino de la singular manera en que tiene lugar la cooperación entre un gran número de individuos en nuestra especie. El argumento principal de este libro es que la humanidad consigue un poder enorme mediante la construcción de grandes redes de cooperación, pero la forma en que se construyen dichas redes las predispone a hacer un uso imprudente del poder. Nuestro problema, por lo tanto, tiene que ver con las redes.
Más concretamente, es un problema de información. La información es el pegamento que mantiene unidas las redes. Pero, durante miles de años, los sapiens construyeron y mantuvieron grandes redes al inventar y expandir ficciones, fantasías, ilusiones: sobre dioses, sobre palos de escoba encantados, sobre la IA y sobre muchas otras cosas. Mientras que cada individuo humano suele interesarse por conocer la verdad acerca de sí mismo y del mundo, las grandes redes ponen en contacto a sus miembros y crean orden al generar dependencia en ficciones y fantasías. Así es como, por ejemplo, vimos surgir el nazismo y el estalinismo. Estas eran unas redes poderosísimas sostenidas por ideas excepcionalmente equivocadas. Tal como afirmó con acierto George Orwell, la ignorancia es fuerza.
El hecho de que los regímenes nazi y estalinista se fundaran sobre fantasías crueles y mentiras cargadas de cinismo no los hizo excepcionales desde el punto de vista histórico, ni los predestinó al hundimiento. El nazismo y el estalinismo han sido dos de las redes más poderosas jamás creadas por el ser humano. A finales de 1941 y principios de 1942, los poderes del Eje estaban a punto de ganar la Segunda Guerra Mundial. Al final, Stalin se erigió como vencedor de la guerra,[1] y en las décadas de 1950 y 1960 tanto él como sus sucesores manejaron una probabilidad razonable de ganar la Guerra Fría. En la década de 1990, las democracias liberales tomaron la delantera, pero ahora esta se nos antoja una victoria transitoria.En el siglo XXI, cualquier nuevo régimen totalitario podría tener éxito allí donde Hitler y Stalin fracasaron, creando una red todopoderosa que evite que las generaciones futuras traten siquiera de destapar sus mentiras y ficciones. No deberíamos dar por sentado que las redes ilusorias están destinadas al fracaso. Si queremos evitar su triunfo, tenemos un trabajo duro por delante.
Los intelectuales académicos del noise, la música experimental y el arte sonoro pueden llenar tesis y documentos cuándo y dónde quieran, escribir decenas de sábanas para revistas, galerías y long plays, derramar verborrea en la cancillería o la Universidad de Música, sin embargo la Historia está escrita con fuego.
En el cono norte, cuando estos ejemplares no existían ni por asomo, batallamos y dimos la vida por estos sonidos. Y para su dolor y desgracia nos atrevimos a registrarlo y publicarlo. Recibimos el ninguneo de los medios y fuimos el hazme reír de los convencionales, eso poco importa ahora. Así quieran usar instituciones del Estado y extranjeras para levantar discursos trasnochados donde destilar ínfulas ya no solo mercantiles y pueriles sino fascistoides; lo que hemos producido y creado revienta y explota, por nosotros, en todo(s).
Este jamming, que grabamos en Diciembre de 1998 en Retablo, Comas, 5 músicos del cono, basta y sobra para callar esos papers elucubrados maliciosamente y traslucir quién es quién en la Historia de la Nueva Música Experimental Peruana. Sin auspicios de Di Tellas, guerras frías, ni mecenas. Y no hablaremos de los registros de DiosMeHaViolado, Evamuss, Avalonia y Fractal. Santa simplicidad.
¿Saben qué hora es gente? Ya es jodidamente tarde. Así retrasada es como está/existe la fachería académica. Que quede consignado sempiternamente.
PERÚ AVANTGARDE.
"Expresarse, es uno de los actos más sinceros de vitalidad en un medio como el peruano, donde la apreciación de las diversas manifestaciones están sesgadas por formas de concebir el mundo, círculos de irradiación cultural, represión política o inducción de aletargamiento por los medios de comunicación masivos; esta actitud vital tiene un carácter ancestral y no comienza con la música experimental ni con la masificación de la tecnología digital.
El sincretismo como medio de sobrevivencia se da en las distintas manifestaciones peruanas; lo que hoy llamamos música popular o folclórica (categoría dada por círculos de poder) es un claro reflejo de lo que sucede aquí; a través del tiempo las expresiones musicales se recrean de manera constante para recordarnos no lo último en tecnología musical o electrónica sino más bien el incesante afán de hacer escuchar lo que no quiere ser escuchado, las expresiones populares manifiestan una constante lucha contra la explotación sufrida o resaltan su vínculo con la naturaleza (los móviles tienen raíces ancestrales fuertemente arraigados a fenómenos naturales, ahora también urbanos –sin hacer separaciones categóricas entre ambos- y su relación con los que lo habitamos) y esto no necesariamente se manifiesta en sus líricas o calidad interpretativa, es una cuestión sobre todo de atmósfera, textura, idiosincrasia y actitud. Estas expresiones sonoras también se generan como parte de fenómenos migratorios como es el caso de la chicha y otras expresiones urbano “marginales” contemporáneas: las manifestaciones musicales populares en general, la movida “subterránea”, el ruido, los mercados y círculos de difusión paralelos, etc. Estos se inscriben o son el resultado de una realidad donde la música y los sonidos se han ido autogenerando como formas de respuesta y salida.
Nuestro imaginario está más poblado de desorden, migración, discriminación, reapropiación, huachafada, coches bomba, piratería, corrupción, que de cualquier estética vanguardista, para la creación sonora o de cualquier pretensión de figurar una decadencia “fashion” propia de las ciudades caóticas del mundo que desde ya hace tiempo son un cliché de la massmedia..."
Negritud esencial retomando antiguos caminos y poniéndolos al día. La magia del sonido precario, ese que batalla contra todo, la propia psique incluida.
Desde la aldea Kising'a en la región de Iringa (Tanzania), llega Bonnie Lulenga (1977) con, "Aliyuyo Uyoo", álbum que confrontará a los más descreídos y experimentales. Sonando a base de elementos artesanales -las fotos son explícitas- elaborados por mano propia: sonajeros, tambores, silbatos, cascabeles de tobillo... rinde honores al misticismo y sacrificio de ancestros en la guerra contra la explotación. El track más prominente, por lo hipnótico del sonido y lo descentrante del canto, va dedicado a Mkwawa, un ser que lideró la guerra de guerrillas contra los colonizadores alemanes en el siglo XIX, hasta que, rodeado de invasores, se suicidó. Mkwawa jugó un papel adicional en la historia de Tanzania: su cráneo, robado por los kraut y colocado en un museo en Bremen, recién regresó a Iringa en la década de 1950.
La inspiración para crear sus instrumentos y su música surgió de un sueño muy vívido, como relata Bonnie: "Una noche, en un sueño, me vi armando un instrumento especial, como el tambor que uso ahora en mi equipo. Y luego me vi armando otro. Cuando me desperté, ese sueño se me quedó grabado en la mente y comencé a recolectar objetos y materiales como baldes, tablones, alambre, piel de animal y cosas por el estilo. Empecé a construir, escuchando la voz que había oído en mis sueños".
El resultado, la música que le escuchamos, sorprende y llama/contagia, prende en uno inmediatamente. ¿Y tú que te quejabas o cuestionabas porque te sientes limitado y tu máximo anhelo/logro es sonar profesional? Mientras en Perú y toda LATAM, la masa va encandilada por las migajas o manjares que cogen del capitalismo = emprendedurismo = por la plata baila el mono, en otras latitudes la negritud aún cultiva la sabia rebeldía y rinde honores a los héroes contra la explotación de siglos, se apodera de la llamada batalla cultural, la guerra en la mente.
SUPPORT PERU AVANTGARDE////APOYA LA AVANZADA PERUVIANA
PROMO DEL CD DE FRACTAL
barbarismos
El Comité empezó a ser acosado por la policía. Hipólito Salazar, que había fundado la Federación Indígena Obrera Regional Peruana, fue deportado. Urviola enfermó de tuberculosis y falleció el 27 de enero de 1925. Cuando enterraron a Urviola varios dirigentes de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo no pudieron asistir a su velatorio en el local de la Federación de Choferes, en la calle Sandia. El sepelio fue multitudinario. Los ejércitos particulares de los hacendados se dedicaron a quemar las escuelas que el Comité había abierto en diversos puntos del interior del Perú y persiguieron también a sus alumnos y profesores. Antes de la sublevación de Huancané de 1923, fusilaron a tres campesinos de Wilakunka solo porque asistían a una de estas escuelas. El año siguiente, durante una inspección que realizó a las comunidades de Huancané, el Obispo de Puno, Monseñor Cossío, constató la acción vandálica de los terratenientes que habían incendiado más de sesenta locales escolares. No contentos con quemar las escuelas que organizaba el Comité y asesinar a sus profesores o alumnos, los gamonales presionaron a las autoridades locales para que apresen a los delegados indígenas y repriman a los campesinos que los apoyaban. Entre 1921 y 1922, diversos prefectos y subprefectos perpetraron crímenes y atropellos. Hubo casos donde fueron los mismos gamonales los que se encargaron de asesinar a los delegados de la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo. Domingo Huarca, delegado de los comuneros de Tocroyoc, departamento del Cusco, quien había estado en Lima tramitando memoriales, fue brutalmente asesinado. Los gamonales primero lo maltrataron, después le sacaron los ojos y finalmente lo colgaron de la torre de una iglesia. Vicente Tinta Ccoa, del subcomité de Macusani, en Puno, que fue asesinado por los gamonales del lugar. En agosto de 1927, la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo dejó de funcionar luego que, mediante una resolución suprema, el gobierno de Leguía prohibió su funcionamiento en todo el país. Gran parte de la promoción de líderes indígenas que se forjó con la Pro-Derecho Indígena Tahuantinsuyo engrosó los nuevos movimientos sociales que iban a desembocar en la formación del Partido Comunista y el Partido Aprista. Fueron los casos de Ezequiel Urviola, Hipólito Salazar y Eduardo Quispe y Quispe, que fueron atraídos por la prédica socialista de José Carlos Mariátegui; o de Juan Hipólito Pévez y Demetrio Sandoval, que se acercaron a Víctor Raúl Haya de la Torre y el Partido Aprista. En 1931, después del derrocamiento de Leguía y la muerte de Mariátegui, el Partido Socialista, convertido en Partido Comunista, lanzó la candidatura del indígena Eduardo Quispe y Quispe a la Presidencia de la República. HÉCTOR BÉJAR.
...
realismo capitalista peruano, ¡ja, ja!
rojo 2
es más fácil imaginarse el fin del mundo que el fin del capitalismo
En tercer lugar, un dato: una generación entera nació después de la caída del Muro de Berlín. En las décadas de 1960 y 1970, el capitalismo enfrentaba el problema de cómo contener y absorber las energías externas. El problema que posee ahora es exactamente el opuesto: habiendo incorporado cualquier cosa externa de manera en extremo exitosa, ¿puede todavía funcionar sin algo ajeno que colonizar y de lo que apropiarse? Para la mayor parte de quienes tienen menos de veinte años en Europa o los Estados Unidos, la inexistencia de alternativas al capitalismo ya ni siquiera es un problema. El capitalismo ocupa sin fisuras el horizonte de lo pensable. Jameson acostumbraba a detallar con horror la forma en que el capitalismo penetraba en cada poro del inconsciente; en la actualidad, el hecho de que el capitalismo haya colonizado la vida onírica de la población se da por sentado con tanta fuerza que ni merece comentario. Sería peligroso y poco conducente, sin embargo, imaginar el pasado inmediato como un estado edénico rico en potencial político, y por lo mismo resulta necesario recordar el rol que desempeñó la mercantilización en la producción de cultura a lo largo del siglo XX. El viejo duelo entre el détournement y la recuperación, entre la subversión y la captura, parece haberse agotado. Ahora estamos frente a otro proceso que ya no tiene que ver con la incorporación de materiales que previamente parecían tener potencial subversivo, sino con su precorporación, a través del modelado preventivo de los deseos, las aspiraciones y las esperanzas por parte de la cultura capitalista. Solo hay que observar el establecimiento de zonas culturales «alternativas» o «independientes» que repiten interminablemente los más viejos gestos de rebelión y confrontación con el entusiasmo de una primera vez.
«Alternativo», «independiente» yotros conceptos similares no designan nada externo a la cultura mainstream; más bien, se trata de estilos, y de hecho de estilos dominantes, al interior del mainstream.
Nadie encarnó y lidió con este punto muerto como Kurt Cobain y Nirvana. En su lasitud espantosa y su furia sin objeto, Cobain parecía dar voz a la depresión colectiva de la generación que había llegado después del fin de la historia, cuyos movimientos ya estaban todos anticipados, rastreados, vendidos y comprados de antemano. Cobain sabía que él no era nada más que una pieza adicional en el espectáculo, que nada le va mejor a MTV que una protesta contra MTV, que su impulso era un cliché previamente guionado y que darse cuenta de todo esto incluso era un cliché. El impasse que lo dejó paralizado es precisamente el que había descripto Jameson: como ocurre con la cultura posmoderna en general, Cobain se encontró con que «los productores de la cultura solo pueden dirigirse ya al pasado: la imitación de estilos muertos, el discurso a través de las máscaras y las voces almacenadas en el museo imaginario de una cultura que es hoy global». En estas condiciones incluso el éxito es una forma del fracaso desde el momento en que tener éxito solo significa convertirse en la nueva presa que el sistema quiere devorar. Pero la angustia fuertemente existencial de Nirvana y Cobain, sin embargo, corresponde a un momento anterior al nuestro y lo que vino después de ellos no fue otra cosa que un rock pastiche que, ya libre de esa angustia, reproduce las formas del pasado sin ansia alguna.
La muerte de Cobain confirmó la derrota y la incorporación final de las ambiciones utópicas y prometeicas del rock en la cultura capitalista. Cuando murió, el rock ya estaba comenzando a ser eclipsado por el hiphop, cuyo éxito global presupone la lógica de la precorporación a la que me he referido antes. En buena parte del hip hop, cualquier esperanza «ingenua» en que la cultura joven pueda cambiar algo fue sustituida hace tiempo por una aceptación dura de la versión más brutalmente reduccionista de la «realidad». «En el hip hop», escribió SimonReynolds en su ensayo de 1996 para The Wire :
«Lo real» tiene dos significados. En primer lugar, hace referencia a la música auténtica que no se deja limitar por los intereses creados y se niega a cambiar o suavizar su mensaje para venderse a la industria musical. Pero «real» también es aquella música que refleja una «realidad» constituida por la inestabilidad económica del capitalismo tardío, el racismo institucionalizado, la creciente vigilancia y el acoso sobre la juventud de parte de la policía. «Lo real» es la muerte de lo social: es lo que ocurre con las corporaciones que, al aumentar sus márgenes de ganancia, en lugar de aumentar los sueldos o los beneficios sociales de sus empleados responden […] reduciendo su personal, sacándose de encima una parte importante de la fuerza de trabajo para crear un inestable ejército de empleados freelance y demedio tiempo, sin los beneficios de la seguridad social.
MARK FISHER.
perú post indie
Haz el ejercicio de pasear una tarde por la plaza del Cuzco, siéntate a la vera de su fuente y distinguirás entre cuzqueños, entre las decenas de argentinos hippies (muchos realmente insoportables), unos cuantos chilenos y de esa pléyade de "gringos" -que vienen dispuestos a ser estafados, bricheados, etc-, a unos curiosos especímenes: los limeños. Contrariamente a lo que creemos los hijos de esta tierra, lo primero que nos delatará será nuestro "acento". Sí, querido limeño, tenemos acento, un acentazo como doliente, como que rogamos por algo y las mujeres, muchas, además un extraño alargamiento de la sílaba final. Pero lo que realmente suele llamarme la atención es la manera como nos vestimos para ir al Cuzco, porque, el Cuzco es una ciudad, no el campo. Tiene universidades, empresas, negocios, etc. Siin embargo, casi como esos gringos que para venir a Sudamérica vienen disfrazados de Indiana Jones o su variante millenial, nosotros nos vestimos como si fuésemos a escalar el Himalaya. Ya, es verdad que el frío cuzqueño puede ser más intenso que el de la Costa -aunque este invierno me esté haciendo dudarlo- pero echa un vistazo a todo tu outfit: la casaca Northfake, abajo otra chaquetilla de polar o algo así de una marca similar, las botas de montañista, tus medias ochenteras cual escarpines, todo... Y es que esa es la forma como imaginamos la Sierra: rural, el campo, las montañas, aunque en el fondo no nos movamos de un par de discotecas cusqueñas. Es decir, bien podrías haber venido vestido como en Lima con algo más de abrigo y ya; pero no, ir al Cuzco, a la sierra en general es asistir a un pedazo de nuestra imaginación geográfica que poco tiene que ver con nuestros hábitos usuales del vestido, del comportamiento, etc. Jamás vi en Lima a nadie tomarse una foto con una "niña andina" como lo vi en Cuzco y no ha sido porque no haya niños dispuestos a recibir one dollar por una foto en Lima, pero es que en Cuzquito (cada vez que escucho eso de "Cuzquito" me suda la espalda) es más cute. Ahora, sólo para que calcules la violencia de este acto, ¿te imaginas que alguien del Cuzco -Ayacucho, Huancavelica, Cajamarca o hasta de Chimbote- viniese y te pidiera tomarse una foto con tu hijita, tu sobrino, o lo que sea en Larcomar para subirlo a Instagram o al Facebook? ¿Hardcore, no?
FRED ROHNER Historia Secreta del Perú 2
as it is when it was
sonido es sonido
pura miel
nogzales der wil
RETROMANÍA
"...Pero los 2000 fueron también la década del reciclado rampante: géneros del pasado revividos y renovados, material sonoro vintage reprocesado y recombinado. Con demasiada frecuencia podía detectarse en las nuevas bandas de jóvenes, bajo la piel tirante y las mejillas rosadas, la carne gris y floja de las viejas ideas... Pero donde lo retro verdaderamente reina como sensibilidad dominante y paradigma creativo es en la tierra de lo hipster, el equivalente pop de la alta cultura. Las mismas personas que uno esperaría que produzcan (en tanto artistas) o defiendan (en tanto consumidores) lo no convencional y lo innovador: ese es justamente el grupo más adicto al pasado. En términos demográficos, es exactamente la misma clase social de avanzada, pero en vez de ser pioneros e innovadores han cambiado de rol y ahora son curadores y archivistas. La vanguardia devino en retaguardia."
SIMON REYNOLDS
Retromanía
jugando con fuego
"Lo único que tenemos en común en esta banda es que nunca hemos sentido realmente que este es nuestro tipo de planeta."
kpunk
No olvidar qué somos.
Llegó Julio, mes patrio. Y con él, vuelven las viejas preguntas de cuándo se jodió el país. Carátula del tratado anónimo atribuido a Mariano Machado de Chaves, "Estado político del reino del Perú”, de 1747 (citado por Alfonso Quiroz en "Historia de la corrupción en el Perú", 2013).
las cosas como son
Joe says
"En un principio los "rockeros" ,no eran funcionales a los gobiernos de turno.., de echo el rock se caracterizo por ser una contracultura a todo eso, sin importar kien fuese el ladron en el sillón .., pero con el pasar de los tiempos y el amiguismo a cambio de favores, la bancada de viajes a festivales al exterior ,los hospedajes gratuitos en hoteles y miles de mierdas mas a cambio de no hablar mal del k este de turno, es lo k hizo k hoy en dia el político y el rockero se peinen juntos para la foto.
Los k estámos afuera de eso, somos "odiadores o envidiosos" , según el criterio de muchos (publico) k SI hablan x hablar y defienden a kienes ni saben pk están en donde están.
Vuelan ,giran , comen y beben gracias a los impuestos ke les pagan odiadores como yo 😁
Siempre voy a elegir no cerrar mi maldita boca y solo conseguir con esto k se me cierren mil puertas y ke me odien y me corten la cara mil veces más , prefiero eso a ser un careta.
Hablando d esto ..¿vieron el documental de NICHETO??) ..,estaba esperando k alguien la tire, pero ya fue .., yo ya me prendí fuego 🔥 hace rato .., así k la tiro yo , total una mancha más al tigre k le hace?..
me importa un huevo lo k piensen de mi y k me desfenestren ,como se k lo van a hacer después de este posteo 🙂.., me kedo con la primer época aquella en la k no se compartía la foto..
INDIE fuertes , indie esto , indie otro blsbla ,ESO NO ES INDIPENDENCIA , eso es amiguismo puro y propaganda pagada x mi bolsillo y x el de muchos miles de otros ke muchas veces e irónicamente ,no tienen un mango ni para cargar la sube para ir a tocar, o ni pueden cambiar su encordado x uno nuevo k no les corte los dedos, etc)
Vengan de a uno o d a miles.. me chupa un huevo - repito.
También espero ver kien respalda lo k digo , pk según tengo entendido serian muchos.
NO SEAN CARETONES!! 👊
Los tiempos cambiaron, es hora de empezar a hablar con la verdad y decir las cosas como son.
Y sino de ultima k la guita de cultura se reparta para todos los miles de trabajadores de la música y no solo para los amigos de los de turno no?..
A todo esto, x otro lado ¿cuando NICHETO fue aguante del under o lo k mierda sea ke intentan mentir en este documental de
juguetería????"
- JOE DIXEXION
2020
.jpg)
